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Dans quel pays le soulèvement des Mau-Mau des années 1950 était-il contre l’occupation britannique ?

Kenya

Le soulèvement Mau Mau, également connu sous le nom de rébellion Mau Mau, révolte Mau Mau ou urgence au Kenya, était un conflit militaire qui a eu lieu au Kenya britannique entre 1952 et 1960. Il impliquait des groupes dominés par les Gĩkũyũ, sommairement appelés Mau Mau, les colons blancs. , et des éléments de l'armée britannique, y compris le régiment local du Kenya, composé principalement de Britanniques, d'auxiliaires et d'anti-Mau Mau Gĩkũyũ. La capture du chef rebelle Dedan Kimathi le 21 octobre 1956 marqua la défaite ultime de Mau Mau et mit essentiellement fin à la campagne militaire britannique. Le Mau Mau n’a pas réussi à obtenir un large soutien du public, en partie à cause de la politique britannique consistant à diviser pour régner. et le mouvement est resté divisé en interne, malgré les tentatives d’unifier ses différents volets. Les Britanniques, quant à eux, pourraient s’appuyer sur leurs efforts continus pour réprimer une autre rébellion en Malaisie. Le soulèvement a créé un fossé entre la communauté coloniale européenne du Kenya et la métropole. mais a également abouti à de violentes divisions au sein de la communauté Gĩkũyũ. : « Une grande partie de la lutte a déchiré les communautés africaines elles-mêmes, une guerre intestine menée entre les rebelles et les soi-disant « loyalistes » – des Africains qui ont pris le parti du gouvernement et se sont opposés à Mau Mau. .". Le coût financier du soulèvement pour l'ancienne colonie s'est élevé à 55 millions de livres sterling. Étymologie Les Gĩkũyũ sont connus sous plusieurs noms en anglais, principalement sous l'exonyme dérivé du swahili « Kikuyu » ou « Wakikuyu ». Gĩkũyũ est l'endonyme préféré. L'origine du terme Mau Mau est incertaine. Selon certains membres des Mau Mau, ils ne se sont jamais désignés comme tels, préférant plutôt le titre militaire Kenya Land and Freedom Army (KLFA). Certaines publications, comme State of Emergency: The Full Story of Mau Mau de Fred Majdalany, affirment c'était un anagramme de Uma Uma (qui signifie "sortez, sortez") et c'était un mot de passe militaire basé sur un jeu de langage secret que les garçons Gĩkũyũ jouaient au moment de leur circoncision. Majdalany poursuit en déclarant que les Britanniques ont simplement utilisé le nom comme étiquette pour la communauté ethnique Gĩkũyũ sans attribuer de définition spécifique. Au fur et à mesure que le mouvement progressait, un backronym swahili fut adopté : « Mzungu Aende Ulaya, Mwafrika Apate Uhuru » signifiant « Que l'étranger retourne à l'étranger, que l'Africain retrouve son indépendance ». J.M. Kariuki, membre du Mau Mau qui a été arrêté pendant la conflit, postule que les Britanniques ont préféré utiliser le terme Mau Mau au lieu de KLFA pour tenter de nier la légitimité internationale de la rébellion Mau Mau. Kariuki a également écrit que le terme Mau Mau a été adopté par la rébellion afin de contrer ce qu'ils considéraient comme propagande coloniale. Le Kenya avant l'urgence Le principal intérêt britannique au Kenya était la terre. qui, a observé la Commission britannique pour l'Afrique orientale de 1925, constituait « certains des sols agricoles les plus riches du monde, principalement dans des régions où l'altitude et le climat permettent aux Européens de résider de façon permanente ». Bien que déclarée colonie en 1920, la présence coloniale britannique officielle au Kenya a commencé par une proclamation le 1er juillet 1895, dans laquelle le Kenya était revendiqué comme protectorat britannique. : La présence coloniale au Kenya, contrairement, par exemple, à l'Inde, où elle a duré près de 200 ans, a été bref mais tout aussi violent. Tout a officiellement commencé lorsque l'agent de Sa Majesté et conseiller général à Zanzibar, A.H. Hardinge, dans une proclamation du 1 juillet 1895, a annoncé qu'il prenait le contrôle des zones côtières ainsi que de l'intérieur qui comprenait la terre Kikuyu, maintenant connue sous le nom de province centrale. " Cependant, même avant 1895, la présence britannique au Kenya était marquée par la dépossession et la violence. En 1894, le député britannique Sir Charles Dilke avait observé à la Chambre des Communes : « La seule personne qui a jusqu'à présent bénéficié de notre entreprise au cœur de l'Afrique a été M. Hiram Maxim ». Vous pouvez lire le discours de Dilke en intégralité ici : Pendant la période au cours de laquelle l'intérieur du Kenya était ouvert de force à la colonisation britannique, il y avait de nombreux conflits et les troupes britanniques ont parfois commis des atrocités contre la population indigène. Francis Hall, un officier de l'Est britannique impérial Africa Company et qui a donné son nom à Fort Hall, a affirmé : « Il n'y a qu'un seul moyen d'améliorer les Wakikuyu [et] c'est de les anéantir ; je ne serais que trop ravi de le faire, mais nous devons dépendre d'eux pour notre nourriture. fournitures." Richard Meinertzhagen a écrit comment, à l'occasion, ils massacrèrent Gĩkũyũ par centaines. La nature unilatérale des combats au Kenya a conduit Winston Churchill à exprimer ses inquiétudes en 1908 quant à ce qui se passerait si la nouvelle se répandait : L’opposition kenyane à l’impérialisme britannique était présente dès le début, dont l’un des premiers exemples fut l’opposition Gĩkũyũ de 1880 à 1900. Il convient de noter que, en termes militaires, les soulèvements armés lors des premières scènes du colonialisme britannique au Kenya n’ont jamais abouti. Comme mentionné, l’opposition au colonialisme britannique au Kenya s’est poursuivie après 1895 : la Résistance Nandi de 1895 à 1905. le soulèvement de Giriama de 1913-1914 ; la révolte des femmes contre le travail forcé à Murang'a en 1947 ; et la bagarre de Kolloa en 1950. Les protestations kenyanes ne se sont pas non plus terminées avec Mau Mau ; dans les années qui suivirent, une série de boycotts non violents furent menés avec succès. La rébellion Mau Mau peut être considérée comme le point culminant militant d'années de régime colonial oppressif et de résistance à celui-ci : « Le refus de l'administration [coloniale] de développer des mécanismes par lesquels les griefs africains contre les non-Africains pourraient être résolus en termes d'équité, de plus, a contribué à accélérer une désaffection croissante à l’égard du régime colonial. Les enquêtes de la Commission foncière du Kenya de 1932 à 1934 sont un cas d’école d’un tel manque de prévoyance, pour les conclusions et les recommandations de cette commission, en particulier celles concernant les revendications des Gĩkũyũ de Kiambu. , servirait à exacerber d'autres griefs et à nourrir les germes d'un nationalisme africain croissant au Kenya".. avec ses racines spécifiques trouvées dans trois épisodes de l'histoire du Gĩkũyũ entre 1920 et 1940.. Tout cela ne veut bien sûr pas dire que La société Gĩkũyũ était stable et harmonieuse avant l’arrivée des Britanniques. Au XIXe siècle, les Gĩkũyũ s'étendaient et colonisaient de nouveaux territoires et étaient déjà divisés intérieurement entre de riches familles propriétaires foncières et des familles sans terre, ces dernières dépendant des premières de diverses manières. : « Contrairement à l'image construite d'une famille stable et Tradition harmonieuse, les Kikuyu au XIXe siècle s'étendaient activement et colonisaient de nouveaux territoires et étaient déjà divisés intérieurement entre de riches familles propriétaires foncières et des familles sans terre attachées à elles dans diverses formes de dépendance. Privation économique des Kikuyu Une caractéristique de toutes les sociétés de colons pendant la période coloniale était la capacité des colons européens à obtenir pour eux-mêmes une part disproportionnée de la propriété foncière. Le Kenya ne faisait donc pas exception, les premiers colons blancs étant arrivés en 1902 dans le cadre du plan du gouverneur Charles Eliot de demander à une économie de peuplement de payer pour le chemin de fer ougandais récemment achevé..., note que les prêts (contribuables britanniques) n'ont jamais été remboursés sur le chemin de fer ougandais ; ils ont été radiés dans les années 1930. Le succès de cette économie de peuplement dépendrait fortement de la disponibilité de terres, de main-d’œuvre et de capitaux. Ainsi, au cours des trois décennies suivantes, le gouvernement colonial et les colons ont consolidé leur contrôle sur les terres kenyanes et « encouragé » les Kenyans indigènes à devenir des travailleurs salariés. Grâce à une série d'expropriations, le gouvernement de la colonie s'est emparé d'environ 7 000 000 acres de terres, dont une partie dans les régions vallonnées particulièrement fertiles des provinces centrales et de la vallée du Rift, des zones connues plus tard sous le nom de White Highlands en raison des terres agricoles exclusivement européennes qui y existaient. "En particulier", notait la Commission de l'Afrique de l'Est du gouvernement britannique de 1925, "le traitement réservé à la tribu Giriama [des régions côtières] était très mauvais. Cette tribu a été déplacée d'avant en arrière afin d'assurer à la Couronne des zones qui pourraient être accordées. aux Européens.". Conjuguée à l'augmentation de la population kényane, l'expropriation des terres est devenue un point de discorde de plus en plus amer. Les Gĩkũyũ, qui vivaient dans les comtés de Kiambu, Nyeri et Murang'a de la province centrale, étaient le groupe ethnique le plus touché par l'expropriation des terres du gouvernement colonial et par la colonisation européenne. en 1933, ils avaient aliéné la plus grande partie de leurs terres potentiellement très précieuses. Strictement en termes de superficie perdue, les Masai et les Nandi furent les plus grands perdants. Les Gĩkũyũ ont contesté en justice l'expropriation de leurs terres, mais un Kenya La décision de la Haute Cour de 1921 a consolidé sa légalité : « Ce jugement est désormais largement connu des Africains au Kenya, et il est devenu clair pour eux que, sans qu'ils aient été informés ou consultés au préalable, leurs droits sur leurs terres tribales, qu'elles soient communautaires ou individuelles. , ont « disparu » en droit et ont été remplacés par les droits de la Couronne. » Comme nous l’avons mentionné, le gouvernement colonial et les agriculteurs blancs voulaient également une main-d’œuvre bon marché. « Le recrutement de main-d'œuvre africaine à des salaires médiocres et dans des conditions de travail primitives était caractéristique du fonctionnement du capitalisme colonial en Afrique au cours des XIXe et XXe siècles. [L]es États coloniaux se sont volontiers entendus avec le capital pour fournir le cadre juridique nécessaire au le recrutement et le maintien d'une main-d'œuvre en nombre suffisant et à faible coût pour l'employeur. L'État colonial partageait le désir des colons européens d'encourager les Africains à entrer sur le marché du travail, tout en partageant également le souci de modérer les salaires versés aux travailleurs. que, pendant un certain temps, le gouvernement a acquis par la force auprès des Kenyans indigènes. La confiscation des terres elle-même a contribué à créer un bassin de travailleurs salariés, mais la colonie a introduit des mesures qui ont forcé davantage de Kenyans autochtones à se soumettre au travail salarié : l'introduction des Hut Taxes et des Poll Taxes (respectivement 1901 et 1910) ; réserves pour gagner de quoi payer leur « taxe sur les cabanes » et obtenir de l'argent pour acheter quelques produits de luxe. la création de réserves pour chaque groupe ethnique, servant à isoler chaque groupe ethnique et à exacerber la surpopulation ; : "Les réserves africaines au Kenya ont été légalement constituées dans l'ordonnance modifiant l'ordonnance sur les terres de la Couronne de 1926". Bien que finalisées en 1926, les réserves ont été instituées pour la première fois par la Couronne. Ordonnance foncière de 1915—voir . le découragement des cultures commerciales des Kenyans autochtones ; l'Ordonnance sur les maîtres et les serviteurs (1906) et un laissez-passer d'identification connu sous le nom de kipande (1918) pour contrôler le mouvement de la main-d'œuvre et freiner la désertion ; et l'exemption des travailleurs salariés du travail forcé et d'autres tâches obligatoires et détestées telles que la conscription... Catégories de travailleurs autochtones Les travailleurs indigènes du Kenya appartenaient à l'une des trois catégories suivantes : squatters, contractuels ou occasionnels. À la fin de la Première Guerre mondiale, les squatters étaient devenus bien établis dans les fermes et plantations européennes au Kenya, les squatters Gĩkũyũ comprenant la majorité des travailleurs agricoles dans les plantations des colons. Conséquence involontaire du régime colonial, les squatters ont été ciblés à partir de 1918 par une série d'ordonnances sur les travailleurs autochtones résidents - critiquées par au moins certains députés - qui ont progressivement réduit les droits des squatteurs et subordonné l'agriculture indigène du Kenya à celle des colons. 1939 a finalement éliminé les droits de location restants des squatteurs et a permis aux colons d'exiger 270 jours de travail de tout squatteur sur leurs terres. Au début des années 1920, malgré la présence de 100 000 squatteurs et de dizaines de milliers de salariés supplémentaires. il n'y avait toujours pas assez de main d'œuvre kényane disponible pour satisfaire les besoins des colons : "Dans de nombreuses parties du territoire, nous avons été informés que la majorité des agriculteurs avaient les plus grandes difficultés à trouver de la main d'œuvre pour cultiver et récolter leurs récoltes". Le gouvernement colonial a dûment renforcé les mesures pour forcer davantage de Kenyans à devenir des ouvriers mal payés dans les fermes des colons. Le gouvernement colonial a utilisé les mesures mises en place dans le cadre de ses efforts d’expropriation des terres et d’« encouragement » du travail pour élaborer le troisième volet de sa stratégie de croissance pour son économie de colonisation : subordonner l’agriculture africaine à celle des Européens. Nairobi a également aidé les colons en leur fournissant des réseaux ferroviaires et routiers, des subventions sur les frais de transport, des services agricoles et vétérinaires et des facilités de crédit et de prêt. La négligence presque totale de l’agriculture indigène au cours des deux premières décennies de la colonisation européenne a été constatée par la Commission de l’Afrique de l’Est. Le ressentiment à l'égard de la domination coloniale n'aurait pas été atténué par le manque de services médicaux pour les Kenyans autochtones : « La population du district auquel un médecin est affecté s'élève le plus souvent à plus d'un quart de million d'indigènes répartis sur une vaste zone. [T]il y a de vastes zones dans lesquelles aucun travail médical n'est entrepris. ni par le fait qu'en 1923, par exemple, "le montant maximum qui pouvait être considéré comme ayant été dépensé pour des services fournis exclusivement au bénéfice de la population indigène était légèrement supérieur au quart des impôts payés par celle-ci". La charge fiscale pesant sur les Européens au début des années 1920 était quant à elle très légère. Le développement des infrastructures entre les deux guerres a également été largement financé par la population autochtone. Les employés kényans étaient souvent mal traités par leurs employeurs européens – parfois même battus à mort par eux – certains colons arguant que les Kenyans d'origine « étaient comme des enfants et devraient être traités comme tels ». Il était largement reconnu que peu de colons hésitaient à fouetter leurs domestiques pour des délits mineurs. Pour aggraver encore les choses, les travailleurs kényans natifs étaient mal servis par la législation du travail coloniale et par un système juridique préjugé. La grande majorité des violations de la législation du travail commises par des employés kenyans ont été réglées par une « justice brutale » rendue par leurs employeurs. La plupart des magistrats coloniaux ne semblent pas préoccupés par la pratique illégale de la flagellation administrée par les colons ; en effet, dans les années 1920, la flagellation était le châtiment magistral de choix pour les détenus kényans d'origine. Le principe des sanctions punitives contre les travailleurs n’a été supprimé de la législation du travail kenyane que dans les années 1950. Jusqu’au milieu des années 1930, les deux principales plaintes concernaient les bas salaires des Kényans et le kipande. À partir du début des années 1930, cependant, deux autres ont commencé à prendre de l’importance : la représentation politique africaine efficace et élue, et la terre. La réponse britannique à cette clameur en faveur d'une réforme agraire est venue au début des années 1930 lorsqu'ils ont créé la Commission Carter Land. La Commission a rendu compte en 1934, mais ses conclusions, recommandations et concessions aux Kenyans étaient si conservatrices que toute chance d'une résolution pacifique La faim de terres au Kenya a pris fin. : « Le rapport de la Commission foncière de 1934 a été la pierre sur laquelle la politique africaine modérée a été brisée. Le nationalisme militant a été conçu dans la réaction des Kikuyu au rapport de la Commission foncière du Kenya. L'opposition aux conclusions de la Commission foncière a été nourrie. le militantisme s'est d'autant plus accru au cours des vingt années suivantes que les pressions sur les terres au sein de la réserve Kikuyu sont devenues plus grandes et que l'emprise des colons sur l'économie politique de la colonie s'est resserrée". À Nyanza, par exemple, la Commission a restreint 1 029 422 Kenyans indigènes à 7 114 milles carrés, tout en accordant 16 700 milles carrés à 17 000 Européens. Dans les années 1930, et pour les Gĩkũyũ en particulier, la terre était devenue le grief numéro un concernant la domination coloniale, la situation En 1948, 1 250 000 Gĩkũyũ possédaient 2 000 milles carrés (5 200 km2), tandis que 30 000 colons britanniques possédaient 12 000 milles carrés (31 000 km2). En raison de la situation dans les hautes terres, des milliers de Gĩkũyũ ont émigré vers les villes à la recherche de travail, contribuant ainsi au doublement de la population de Nairobi entre 1938 et 1952. Dans le même temps, il existait une classe restreinte, mais croissante, de propriétaires fonciers Gĩkũyũ. qui a consolidé les terres des Gĩkũyũ et a forgé des liens étroits avec l'administration coloniale, conduisant à une fracture économique au sein des Gĩkũyũ. Vers 1943, les habitants d'Olenguruone ont radicalisé la pratique traditionnelle du serment en Gĩkũyũ et ont étendu le serment aux femmes et aux enfants. Au milieu des années 1950, 90 % des Gĩkũyũ, Embu et Meru prêtaient serment. La politique kenyane La première tentative de formation d'un parti politique à l'échelle nationale a eu lieu le 1er octobre 1944. Cette organisation naissante s'appelait Kenya African Study Union (ainsi nommée pour masquer sa politique anticoloniale) ; son premier président était Harry Thuku, qui a rapidement démissionné de sa présidence. Il y a un différend sur la raison pour laquelle Thuku a quitté KASU : Bethwell Ogot déclare que Thuku « a trouvé la responsabilité trop lourde » ; David Anderson déclare qu'« il est parti avec dégoût » lorsque la section militante de la KASU a pris l'initiative. La KASU a changé son nom pour devenir l'Union africaine du Kenya (KAU) en 1946. À la fin des années 1940, les Gĩkũyũ étaient un peuple profondément divisé, de plus en plus en conflit entre eux ainsi qu'avec l'ordre politique et économique colonial. L'échec de la KAU à parvenir à des réformes significatives ou à réparer les griefs des autorités coloniales a déplacé l'initiative politique vers des personnalités plus jeunes et plus militantes au sein du mouvement syndical kényan autochtone, parmi les squatteurs des domaines des colons dans la vallée du Rift et à la KAU. succursales à Nairobi et dans les districts de Gĩkũyũ de la province centrale. Nature de la rébellion La vision coloniale contemporaine considérait Mau Mau comme un culte tribal sauvage, violent et dépravé, une expression d'émotion débridée plutôt que de raison. Mau Mau était un « tribalisme pervers » qui cherchait à ramener le peuple Gĩkũyũ au « mauvais vieux temps » avant la domination britannique... Certains pensent que cette caractérisation reflétait le refus britannique de répondre aux griefs sociaux et économiques des Gĩkũyũ qui découlaient de la domination coloniale. L'explication officielle britannique de la révolte n'incluait pas les idées des experts agraires et agricoles, des économistes et des historiens, ni même des Européens qui avaient passé une longue période parmi les Gĩkũyũ comme Louis Leakey. Pas pour la première fois : « Cet article s'ouvre sur un récit des récits coloniaux de la « folie de 1911 », qui a eu lieu dans la région de Kamba, dans la colonie du Kenya. L'histoire de cette « épidémie psychique » et d'autres similaires ont été racontées. au fil des années comme preuve de la prédisposition des Africains à l’hystérie collective épisodique. » les Britanniques se sont plutôt appuyés sur les prétendues idées de l’ethnopsychiatre ; avec Mau Mau, il incombait au Dr John Colin Carothers d'effectuer l'analyse souhaitée. Cette analyse ethnopsychiatrique a guidé la guerre psychologique britannique, qui a décrit Mau Mau comme « une force irrationnelle du mal, dominée par des impulsions bestiales et influencée par le communisme mondial », et l'étude officielle ultérieure du soulèvement, le rapport Corfield. comprend une étude de 1947 sur "le dérèglement mental chez les Africains, et une tentative d'expliquer ses particularités, plus particulièrement en relation avec l'attitude africaine face à la vie". Pour son "magnum opus", voir . La guerre psychologique est devenue d'une importance cruciale pour les dirigeants militaires et civils, qui l'ont menée selon la méthode coloniale séculaire du diviser pour régner, en essayant toujours de « souligner qu'il y avait en fait une guerre civile et que la lutte n'était pas noire contre blanc", tentant d'isoler les Mau Mau des Gĩkũyũ, et les Gĩkũyũ du reste de la population de la colonie et du monde extérieur. En creusant un fossé entre les Mau Mau et les Gĩkũyũ en général, ces efforts de propagande n'ont essentiellement joué aucun rôle, bien qu'ils puissent apparemment revendiquer une contribution importante à l'isolement des Mau Mau des sections non-Gĩkũyũ de la population. Au milieu des années 1960, la vision des Mau Mau comme de simples atavistes irrationnels était remise en question par les mémoires d'anciens membres et dirigeants qui décrivaient les Mau Mau comme une composante essentielle, bien que radicale, du nationalisme africain au Kenya, et par des études universitaires analysant le mouvement comme une réponse moderne et nationaliste à l’injustice et à l’oppression de la domination coloniale (bien que de telles études minimisent la nature spécifiquement gĩkũyũ du mouvement). Il continue d'y avoir un débat vigoureux au sein de la société kenyane et au sein de la communauté universitaire au Kenya et à l'étranger concernant la nature du Mau Mau et ses objectifs, ainsi que la réponse et les effets du soulèvement... Néanmoins, autant de Gĩkũyũ se sont battus contre Mau Mau. Mau, du côté du gouvernement colonial, les a rejoint dans la rébellion et, en partie à cause de cela, le conflit est désormais souvent considéré dans les cercles universitaires comme une guerre civile intra-Gĩkũyũ, une caractérisation qui reste extrêmement impopulaire au Kenya. Kenyatta a décrit le conflit dans ses mémoires comme une guerre civile plutôt que comme une rébellion. La raison pour laquelle la révolte était essentiellement limitée au peuple Gĩkũyũ était, en partie, parce que c'était lui qui avait le plus souffert des aspects négatifs du colonialisme britannique : « Puisqu'ils étaient les plus touchés par le système colonial et les plus instruits sur À sa manière, les Kikuyu sont devenus la communauté africaine la plus politisée du Kenya." : "L'impact du capitalisme colonial et de l'État colonial a frappé les Kikuyu avec plus de force et d'effet que tout autre peuple du Kenya, déclenchant de nouveaux processus de différenciation et de classe. formation." Wunyabari O. Maloba considère la montée du mouvement Mau Mau comme « sans aucun doute l'un des événements les plus importants de l'histoire récente de l'Afrique ». David Anderson, cependant, considère que le travail de Maloba et d'autres travaux similaires est le produit d'une "avaler trop facilement la propagande de la guerre Mau Mau". notant la similitude entre une telle analyse et les études antérieures « simplistes » de Mau Mau. Ces travaux antérieurs présentaient la guerre Mau Mau en termes strictement bipolaires, « comme des conflits entre nationalistes anticoloniaux et collaborateurs coloniaux ». L'étude de Caroline Elkins de 2005, Imperial Reckoning, a suscité des critiques similaires, ainsi que des critiques pour son sensationnalisme. Voir en particulier les lettres de colère de David Elstein : * * * Alors qu'Elstein considère la « condition » selon laquelle la « grande majorité des Kikuyu » doit vivre à l'intérieur de 800 « villages fortifiés » comme « servant un objectif de protection », le professeur David Anderson (entre autres) considère la « réinstallation obligatoire » des « 1 007 500 Kikuyu » à l'intérieur de ce qui, pour la « plupart », n'était « qu'un peu plus que des camps de concentration » comme « punition pour punir les sympathisants Mau Mau ». Voir l'ouvrage d'Elstein [http://www.opendemocracy.net/david-elstein/daniel-goldhagen-and-kenya-recycling-fantasy "Daniel Goldhagen et le Kenya : le fantasme du recyclage"] et : "Il n'y avait aucune raison ni aucune retenue sur des deux côtés, même si Elkins ne voit aucune atrocité de la part des Mau Mau. » D'une manière générale, tout au long de l'histoire du Gĩkũyũ, il y a eu deux traditions : modérée-conservatrice et radicale. Malgré les différences entre elles, il y a eu un débat et un dialogue continus entre ces traditions, conduisant à une grande conscience politique parmi les Gĩkũyũ. : " [L]es conflits en développement dans la société Kikuyu se sont exprimés dans un débat interne vigoureux. » En 1950, ces différences et l'impact du régime colonial avaient donné naissance à trois blocs politiques kényans : conservateur, nationaliste modéré et nationaliste militant. Il a également été avancé que Mau Mau n'était pas explicitement national, ni intellectuellement ni opérationnellement ; Bruce Berman soutient que : « Même si Mau Mau n'était clairement pas un atavisme tribal cherchant un retour vers le passé, la réponse à la question « était-ce du nationalisme ? doit être oui et non.". Alors que la rébellion Mau Mau se poursuivait, la violence a forcé l'éventail des opinions au sein des Gĩkũyũ, Embu et Meru à se polariser et à se durcir en deux camps distincts des loyalistes et des Mau Mau. Cette division nette entre les loyalistes et les Mau Mau était le produit de le conflit, plutôt qu'une cause ou un catalyseur de celui-ci, la violence devenant moins ambiguë avec le temps. de la même manière que dans d'autres situations... Guerre Mau Mau Contrairement à la propagande britannique et aux perceptions occidentales de l’époque, les attaques Mau Mau étaient pour la plupart bien organisées et planifiées. Le commandement Mau Mau, contrairement à la Home Guard qui était stigmatisé comme « le chien courant de l'impérialisme britannique », étaient relativement bien instruits. Le général Gatunga était auparavant un enseignant chrétien respecté et instruit dans sa communauté locale de Gĩkũyũ. Il était connu pour enregistrer méticuleusement ses attaques dans une série de cinq cahiers, qui, une fois exécutés, étaient souvent rapides et stratégiques, ciblant les dirigeants communautaires loyalistes qu'il avait auparavant connus comme enseignant. Les femmes et la rébellion La longue bataille pour l’indépendance dépendait de la création et de la gestion efficace de vastes réseaux de base, faisant appel à un large éventail de membres de la société kenyane. Malheureusement, l’historiographie du Kenya a eu tendance à mettre en évidence les femmes qui ont en fait joué un rôle déterminant dans la réalisation de l’indépendance. Les femmes étaient des actrices d’une importance vitale dans la rébellion Mau Mau. L'action politique des femmes contre l'administration coloniale remonte au début des années 1930, lorsque les femmes participèrent activement à la protestation de Thuku en 1922, qui vit l'émergence d'un mode de participation politique nettement « féminin », dans lequel le corps féminin lui-même devenait le lieu d'une action politique. manifestation. Lors de la manifestation de Thuku, des femmes se sont livrées à l'acte de Guturama ; une puissante démonstration de colère et de manque de respect qui impliquait d’afficher les organes génitaux féminins. Le corps féminin continuerait à revêtir une puissante signification politique à travers le mouvement indépendantiste. En fait, l’incorporation même des femmes dans la résistance anticoloniale active est le résultat de l’exploitation et de la sous-évaluation du travail productif et reproductif féminin. Alors que les hommes kenyans étaient enrôlés dans l’effort de la Seconde Guerre mondiale, les femmes du front intérieur furent plus fortement sollicitées pour fournir de la main-d’œuvre agricole, tout en conservant leur rôle central au sein du foyer. Capables d'échapper aux soupçons des gardes britanniques, les femmes ont pu se déplacer à travers les espaces coloniaux et entre les cachettes et les bastions Mau Mau, pour fournir des fournitures et des services vitaux aux combattants de la guérilla, notamment de la nourriture, des munitions, des soins médicaux et bien sûr des informations. Il est également important de ne pas considérer l’implication des femmes comme un acte politique passif mais plutôt comme un engagement délibéré visant à leur donner une capacité d’action politique et économique. Réaction britannique au soulèvement Philip Mitchell a pris sa retraite de son poste de gouverneur du Kenya à l'été 1952, après avoir fermé les yeux sur l'activité croissante des Mau Mau. Au cours de l'été 1952, cependant, le secrétaire aux Colonies Oliver Lyttelton à Londres a reçu un flux constant de rapports du gouverneur par intérim Henry Potter sur l'escalade. gravité de la violence Mau Mau. mais ce n'est qu'à la fin de 1953 que les politiciens britanniques commencèrent à accepter qu'il faudrait un certain temps pour gérer la rébellion. Au début, les Britanniques écartèrent la rébellion des Mau Mau. en raison de leur propre supériorité technique et militaire, qui nourrissait l'espoir d'une victoire rapide. L'armée britannique a reconnu la gravité du soulèvement des mois avant les hommes politiques, mais ses appels à Londres et à Nairobi sont d'abord tombés dans l'oreille d'un sourd. Le 30 septembre 1952, Evelyn Baring arrive au Kenya pour succéder définitivement à Potter ; Baring n'a reçu aucun avertissement de la part de Mitchell ou du ministère des Colonies concernant le tourbillon grandissant dans lequel il s'engageait. Première victime européenne Le 3 octobre 1952, les Mau Mau ont probablement fait leur première victime européenne en poignardant à mort une femme près de son domicile à Thika. Quelques jours plus tard, le 9 octobre, le chef Waruhiu a été abattu en plein jour dans sa voiture. ce qui fut un coup important porté contre le gouvernement colonial. Waruhiu avait été l'un des plus fervents partisans de la présence britannique au Kenya. Son assassinat a donné à Baring l'impulsion finale pour demander l'autorisation au ministère des Colonies de déclarer l'état d'urgence (voir ci-dessous). Hormis les opérations militaires contre les combattants Mau Mau dans les forêts, la tentative britannique de vaincre le mouvement s'est déroulée globalement en deux étapes : la première, d'ampleur relativement limitée, s'est produite pendant la période pendant laquelle ils n'avaient toujours pas accepté la gravité de la révolte. ; la seconde est venue après. Au cours de la première étape, les Britanniques ont tenté de décapiter le mouvement en déclarant l'état d'urgence avant d'arrêter 180 dirigeants présumés Mau Mau (voir Opération Jock Scott ci-dessous) et de soumettre six d'entre eux à un procès-spectacle (les Kapenguria Six) ; la deuxième étape commença véritablement en 1954, lorsqu’ils entreprirent une série d’initiatives économiques, militaires et pénales majeures. La deuxième étape comportait trois volets principaux : un grand ratissage militaire de Nairobi conduisant à l'internement de dizaines de milliers de membres et sympathisants présumés des Mau Mau de la ville (voir Opération Anvil ci-dessous) ; la promulgation d'une réforme agraire majeure (le plan Swynnerton) ; et l'institution d'un vaste programme de villagisation pour plus d'un million de Gĩkũyũ ruraux (voir ci-dessous). En 2012, le gouvernement britannique a reconnu que les prisonniers avaient subi « des tortures et des mauvais traitements de la part de l'administration coloniale ». La dureté de la réponse britannique a été gonflée par deux facteurs. Premièrement, le gouvernement des colons au Kenya était, même avant l'insurrection, probablement le gouvernement le plus ouvertement raciste de l'empire britannique, les préjugés violents des colons s'accompagnant d'une détermination sans compromis à conserver leur emprise sur le pouvoir. et des craintes à moitié submergées que, en tant qu'infime minorité, ils pourraient être submergés par la population indigène. Certains colons estimaient qu'« [un] bon système de travail obligatoire ferait plus pour élever les nègres en cinq ans que tous les millions d'individus ». qui ont été engloutis dans les efforts missionnaires au cours des cinquante dernières années", La citation est d'Ewart Grogan; Sydney Olivier citait. et ses représentants étaient si enclins à l'action agressive que George Erskine les appelait « les Mau Mau Blancs ». Deuxièmement, la brutalité des attaques Mau Mau contre des civils a permis aux opposants du mouvement – ​​y compris les forces de sécurité kényanes et loyalistes – d'adopter une vision totalement déshumanisée des adhérents Mau Mau. Diverses techniques de persuasion ont été mises en place par les autorités coloniales pour punir et briser le soutien de Mau Mau : Baring a ordonné des travaux punitifs en commun, des amendes collectives et d'autres punitions collectives, ainsi que de nouvelles confiscations de terres et de propriétés. Au début de 1954, des dizaines de milliers de têtes de bétail avaient été capturées et n'auraient jamais été restituées. « Selon les règlements d'urgence, le gouverneur pouvait émettre des ordonnances de confiscation des droits fonciers autochtones, par lesquelles « [chacune] des personnes nommées dans le "Schedule a participé ou aidé à une résistance violente contre les forces de l'ordre" et s'est donc vu confisquer ses terres". Des comptes rendus détaillés de la politique de saisie du bétail des Kenyans soupçonnés de soutenir les rebelles Mau Mau ont finalement été publiés en avril 2012. État d'urgence déclaré (octobre 1952) Le 20 octobre 1952, le gouverneur Baring a signé un décret déclarant l'état d'urgence. Tôt le lendemain matin, l'opération Jock Scott a été lancée : les Britanniques ont procédé à une arrestation massive de Jomo Kenyatta et de 180 autres dirigeants présumés Mau Mau à Nairobi... Jock Scott n'a pas décapité les dirigeants du mouvement comme espéré, car la nouvelle de l'imminence de l'opération Jock Scott a été lancée. l’opération a été divulguée. Ainsi, tandis que les modérés figurant sur la liste des personnes recherchées attendaient d'être capturés, les vrais militants, tels que Dedan Kimathi et Stanley Mathenge (tous deux plus tard principaux dirigeants des armées forestières de Mau Mau), ont fui vers les forêts. Le lendemain de la rafle, un autre chef loyaliste de premier plan, Nderi, a été mis en pièces. et une série de meurtres horribles contre des colons ont été commis tout au long des mois qui ont suivi. La nature violente et aléatoire des tactiques britanniques au cours des mois qui ont suivi Jock Scott n'a servi qu'à aliéner les Gĩkũyũ ordinaires et à conduire une grande partie de la majorité hésitante dans les bras de Mau Mau. Trois bataillons des King's African Rifles ont été rappelés d'Ouganda, du Tanganyika et de Maurice, donnant au régiment cinq bataillons au total au Kenya, soit un total de 3 000 soldats kényans indigènes. Pour apaiser l'opinion des colons, un bataillon de troupes britanniques, des Lancashire Fusiliers, a également été transporté par avion d'Égypte à Nairobi le premier jour de l'opération Jock Scott. En novembre 1952, Baring demanda l'aide du service de sécurité. Pour l'année prochaine, l'A.M. MacDonald réorganiserait la branche spéciale de la police kenyane, promouvrait la collaboration avec les branches spéciales dans les territoires adjacents et superviserait la coordination de toutes les activités de renseignement « pour obtenir les renseignements dont le gouvernement a besoin ». Voir également : . En janvier 1953, six des détenus les plus éminents fr

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Quel était le nom du paquebot Cunard lancé le 20 septembre 1906 ?

Mauretania

Cunard Line est une compagnie de croisière anglo-américaine basée à Carnival House à Southampton, en Angleterre, exploitée par Carnival UK et détenue par Carnival Corporation & plc. Elle est l'un des principaux exploitants de navires à passagers sur l'Atlantique Nord, célébrant ses 175 ans d'activité en 2015. En 1839, le Néo-Écossais Samuel Cunard obtint le premier contrat de courrier transatlantique britannique pour navires à vapeur et créa l'année suivante la Royal Mail Steam-Packet Company britannique et nord-américaine avec Robert Napier, le célèbre concepteur et constructeur écossais de moteurs de navires à vapeur, pour exploiter les quatre bateaux à aubes pionniers de la ligne sur la route Liverpool-Halifax-Boston. Pendant la majeure partie des 30 années suivantes, Cunard a détenu le Ruban Bleu pour le voyage le plus rapide de l'Atlantique. Cependant, dans les années 1870, la Cunard prit du retard sur ses rivales, la White Star Line et la Inman Line. Pour faire face à cette concurrence, en 1879, l'entreprise fut réorganisée sous le nom de Cunard Steamship Company, Ltd afin de lever des capitaux. En 1902, le White Star rejoint la société américaine International Mercantile Marine Co. et le gouvernement britannique accorde à Cunard des prêts substantiels et une subvention pour construire deux superliners nécessaires pour conserver sa position concurrentielle. La Maurétanie a détenu le Ruban Bleu de 1909 à 1929. Le naufrage de son colistier Lusitania en 1915 fut l'une des causes de l'entrée des États-Unis dans la Première Guerre mondiale. À la fin des années 1920, la Cunard fait face à une nouvelle concurrence lorsque les Allemands, les Italiens et les Français construisent de grands paquebots de prestige. Cunard a été contraint de suspendre la construction de son propre nouveau superliner en raison de la Grande Dépression. En 1934, le gouvernement britannique offrit à Cunard des prêts pour achever le Queen Mary et construire un deuxième navire, le Queen Elizabeth, à condition que Cunard fusionne avec la ligne White Star, alors en difficulté, pour former Cunard-White Star Ltd. Cunard possédait les deux tiers de la nouvelle société. Cunard a acheté la part de White Star en 1947 ; le nom est revenu à la Cunard Line en 1950. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, Cunard a retrouvé sa position de plus grande compagnie de transport de passagers de l'Atlantique. Au milieu des années 1950, elle exploitait 12 navires à destination des États-Unis et du Canada. Après 1958, les navires à passagers transatlantiques sont devenus de moins en moins rentables en raison de l'introduction des avions de ligne à réaction. Cunard s'est retiré de son service toute l'année en 1968 pour se concentrer sur les croisières et les voyages transatlantiques d'été pour les vacanciers. Les Queens ont été remplacés par le Queen Elizabeth 2 (QE2), conçu pour ce double rôle. En 1998, Cunard a été racheté par Carnival Corporation et représentait 8,7 % du chiffre d'affaires de cette société en 2012. Cinq ans plus tard, QE2 a été remplacé sur les liaisons transatlantiques par Queen Mary 2 (QM2). La ligne exploite également Queen Victoria (QV) et Queen Elizabeth (QE). À l'heure actuelle, Cunard est la seule compagnie maritime à exploiter un service régulier de passagers entre l'Europe et l'Amérique du Nord. Histoire Premières années : 1840-1850 Le gouvernement britannique a commencé à exploiter des bricks postaux mensuels de Falmouth, en Cornouailles, à New York en 1756. Ces navires transportaient peu de passagers non gouvernementaux et aucune cargaison. En 1818, la Black Ball Line a ouvert un service régulier New York-Liverpool avec des clippers, marquant le début d'une ère où les paquets de voile américains dominaient le commerce des passagers des berlines de l'Atlantique Nord qui a duré jusqu'à l'introduction des navires à vapeur. Un comité parlementaire a décidé en 1836 que pour devenir plus compétitifs, les paquets de courrier gérés par la Poste devraient être remplacés par des compagnies maritimes privées. L'Amirauté a assumé la responsabilité de la gestion des contrats. Le célèbre explorateur de l'Arctique, l'amiral Sir William Edward Parry, fut nommé contrôleur des machines à vapeur et du service de paquets en avril 1837. Les Néo-Écossais, dirigés par leur jeune président de l'Assemblée, Joseph Howe, firent pression pour un service de vapeur vers Halifax. À son arrivée à Londres en mai 1838, Howe discuta de l’entreprise avec son compatriote néo-écossais Samuel Cunard (1787-1865), armateur qui était également en visite à Londres pour affaires. Cunard et Howe étaient associés et Howe devait également 300 £ à Cunard. (£ en ), Cunard retourna à Halifax pour lever des capitaux et Howe continua de faire pression sur le gouvernement britannique. Les rébellions de 1837 se poursuivaient et Londres se rendit compte que le service proposé à Halifax était également important pour l'armée. En novembre de la même année, Parry lança un appel d'offres pour un service postal mensuel de l'Atlantique Nord vers Halifax à partir d'avril 1839, utilisant des navires à vapeur de 300 chevaux. La Great Western Steamship Company, qui avait ouvert son service pionnier Bristol-New York plus tôt cette année-là, a offert 45 000 £ pour un service mensuel Bristol-Halifax-New York utilisant trois navires de 450 chevaux. Alors que British American, l'autre compagnie pionnière de transport à vapeur transatlantique, n'a pas soumis d'offre, la St. George Steam Packet Company, propriétaire de Sirius, a offert 45 000 £ pour un service mensuel Cork-Halifax et 65 000 £ pour un service mensuel Cork-Halifax-New York. service. L'Amirauté a rejeté les deux offres car aucune des deux offres ne proposait de commencer les services suffisamment tôt. Cunard, qui était de retour à Halifax, n'a malheureusement eu connaissance de l'appel d'offres qu'après la date limite. Il retourne à Londres et entame des négociations avec l'amiral Parry, qui était un bon ami de Cunard lorsque Parry était un jeune officier en poste à Halifax 20 ans plus tôt. Cunard offrit à Parry un service bimensuel à partir de mai 1840. Même si Cunard ne possédait pas alors de navire à vapeur, il avait investi dans une entreprise antérieure de navires à vapeur, Royal William, et possédait des mines de charbon en Nouvelle-Écosse. Le principal bailleur de fonds de Cunard était Robert Napier, qui était le fournisseur de machines à vapeur de la Royal Navy. Il bénéficiait également du solide soutien des dirigeants politiques de la Nouvelle-Écosse au moment où Londres avait besoin de regagner du soutien en Amérique du Nord britannique après la rébellion. Malgré les protestations de Great Western, Parry accepta en mai 1839 l'offre de Cunard de 55 000 £ pour un service de trois navires Liverpool-Halifax avec une extension jusqu'à Boston et un service supplémentaire vers Montréal. La subvention annuelle a ensuite été augmentée de 81 000 £ pour ajouter un quatrième navire et les départs de Liverpool devaient être mensuels pendant l'hiver et bimensuels pour le reste de l'année. Le Parlement a enquêté sur les plaintes de Great Western et a confirmé la décision de l'Amirauté. Napier et Cunard recrutèrent d'autres investisseurs, notamment les hommes d'affaires James Donaldson, Sir George Burns et David MacIver. En mai 1840, juste avant que le premier navire ne soit prêt, ils formèrent la Royal Mail Steam Packet Company britannique et nord-américaine avec un capital initial de 270 000 £, augmenté plus tard à 300 000 £. (en £ ), Cunard a fourni 55 000 £. Burns supervisait la construction des navires, McIver était responsable des opérations quotidiennes et Cunard était le « premier parmi ses pairs » dans la structure de gestion. À la mort de MacIver en 1845, son jeune frère Charles assuma ses responsabilités pour les 35 années suivantes. Pour plus de détails sur les premiers investisseurs de la Cunard Line ainsi que sur les débuts de Charles Maciver, voir Second Merseyside Maritime History de la Liverpool Nautical Research Society, pp. 33–37 1991.) En mai 1840, le bateau à aubes côtier Unicorn effectua le premier voyage de la compagnie vers Halifax pour amorcer le service supplémentaire vers Montréal. Deux mois plus tard, le premier des quatre paquebots océaniques de la classe Britannia quitta Liverpool. Par coïncidence, le départ du paquebot avait une signification patriotique des deux côtés de l'Atlantique : il s'appelait Britannia et appareilla le 4 juillet. Même lors de son voyage inaugural, cependant, sa performance indiquait que la nouvelle ère qu'il annonçait serait bien plus bénéfique. pour la Grande-Bretagne que pour les États-Unis. À une époque où un paquebot typique pouvait mettre plusieurs semaines pour traverser l'Atlantique, le Britannia a atteint Halifax en 12 jours et 10 heures, à une vitesse moyenne de 8,5 nœuds (15,7 km/h), avant de se diriger vers Boston. De telles traversées relativement rapides sont rapidement devenues la norme pour la ligne Cunard : en 1840-1841, les temps moyens Liverpool-Halifax pour le quatuor étaient de 13 jours 6 heures jusqu'à Halifax et de 11 jours 4 heures vers le retour. Deux navires plus gros furent rapidement commandés, l'un pour remplacer le Columbia, qui coula à Seal Island, en Nouvelle-Écosse, en 1843, sans perte de vie. En 1845, les lignes de bateaux à vapeur dirigées par Cunard transportaient plus de passagers dans les salons que dans les bateaux à voile. Trois ans plus tard, le gouvernement britannique a augmenté la subvention annuelle à 156 000 £ afin que Cunard puisse doubler sa fréquence. Quatre pagayeurs en bois supplémentaires ont été commandés et d'autres traversées étaient directes vers New York au lieu de la route Halifax-Boston. Les lignes de paquebots à voile étaient désormais réduites au commerce des immigrants. Dès le début, les navires de Cunard utilisaient l'entonnoir rouge distinctif de la ligne avec deux ou trois bandes noires étroites et un dessus noir. Il semble que Robert Napier soit responsable de cette fonctionnalité. Son chantier naval de Glasgow avait déjà utilisé cette combinaison en 1830 sur le yacht à vapeur privé "Menai" de Thomas Assheton Smith. La rénovation de son modèle par le Glasgow Museum of Transport a révélé qu'elle avait des entonnoirs vermillon avec des bandes noires et un dessus noir. La réputation de sécurité de Cunard a été l'un des facteurs importants du succès précoce de l'entreprise. Les deux premières lignes transatlantiques sont tombées en panne après des accidents majeurs. Le British et l'American se sont effondrés après que le Président ait sombré dans un vent violent et le Great Western après que la Grande-Bretagne se soit échouée en raison d'une erreur de navigation. Les ordres de Cunard à ses maîtres étaient : « Votre navire est chargé, prenez-le ; la vitesse n'est rien, suivez votre propre route, livrez-le sain et sauf, ramenez-le sain et sauf – la sécurité est tout ce qui est requis. » En particulier, les inspections constantes de Charles MacIver étaient responsables de la discipline de sécurité de l'entreprise. Nouveau concours : 1850-1879 En 1850, l'américaine Collins Line et la britannique Inman Line ont lancé de nouveaux services de navigation à vapeur dans l'Atlantique. Le gouvernement américain a fourni à Collins une importante subvention annuelle pour faire fonctionner quatre pagayeurs en bois qui étaient supérieurs aux meilleurs de Cunard, comme ils l'ont démontré avec trois voyages gagnants du Blue Riband entre 1850 et 1854. Pendant ce temps, Inman a montré que les vapeurs à coque en fer et à vis de une vitesse modeste pourrait être rentable sans subvention. Inman est également devenue la première ligne de navires à vapeur à transporter des passagers de direction. Les deux nouveaux venus subirent des désastres majeurs en 1854. L'année suivante, Cunard fit pression sur Collins en mettant en service son premier pagayeur à coque en fer, le Persia. Cette pression pourrait bien avoir été un facteur dans une deuxième catastrophe majeure subie par la Collins Line, la perte de son paquebot Pacific. Le Pacific a quitté Liverpool quelques jours seulement avant le départ du Persia pour son voyage inaugural et n'a jamais été revu; il était largement admis à l'époque que le capitaine avait poussé son navire à l'extrême afin de rester devant le nouveau Cunarder et qu'il était probablement entré en collision avec un iceberg au cours d'un hiver particulièrement rigoureux dans l'Atlantique Nord. Quelques mois plus tard, la Perse a infligé un nouveau coup à la Collins Line, regagnant le Blue Riband avec un voyage Liverpool-New York de 9 jours 16 heures, en moyenne . Pendant la guerre de Crimée, Cunard a fourni 11 navires pour le service de guerre. Toutes les routes britanniques de l'Atlantique Nord ont été suspendues jusqu'en 1856, à l'exception du service Liverpool-Halifax-Boston de Cunard. Alors que la fortune de Collins s'est améliorée en raison du manque de concurrence pendant la guerre, elle s'est effondrée en 1858 après que le Congrès américain ait réduit ses subventions pour le transport du courrier à travers l'Atlantique. Cunard est devenu le principal transporteur de passagers de berlines et, en 1862, a mis en service le Scotia, le dernier bateau à aubes à remporter le Blue Riband. Inman transportait plus de passagers en raison de son succès dans le commerce des immigrants. Pour rivaliser, en mai 1863, Cunard lança un service secondaire Liverpool-New York avec des vapeurs à vis à coque en fer destinés aux passagers de direction. En commençant par la Chine, la ligne a également remplacé les trois derniers pagayeurs en bois du service postal de New York par des vapeurs à vis en fer qui ne transportaient que des passagers de salon. À la mort de Cunard en 1865, Charles MacIver, tout aussi conservateur, assume le rôle de Cunard. L'entreprise reste réticente au changement et se laisse dépasser par des concurrents qui adoptent plus rapidement les nouvelles technologies. En 1866, Inman commença à construire des paquebots express à vis qui correspondaient à la première unité de Cunard, le Scotia. Cunard a répondu avec son premier bateau à vapeur à hélice à grande vitesse, le Russia, suivi de deux éditions plus grandes. En 1871, les deux compagnies font face à un nouveau rival lorsque la White Star Line met en service l'Oceanic et ses cinq sœurs. Les nouveaux records White Star étaient particulièrement économiques en raison de leur utilisation de moteurs composés. White Star a également établi de nouvelles normes en matière de confort en plaçant la salle à manger au milieu du navire et en doublant la taille des cabines. Inman a reconstruit sa flotte express selon les nouvelles normes, mais Cunard était à la traîne de ses deux rivaux. Tout au long des années 1870, les temps de passage de Cunard étaient plus longs que ceux du White Star ou d'Inman. En 1867, la responsabilité des contrats de courrier fut transférée à la Poste et ouverte aux appels d'offres. Cunard, Inman et l'allemand Norddeutscher Lloyd se sont vu attribuer chacun l'un des trois services de courrier hebdomadaires à New York. La route bimensuelle vers Halifax, autrefois détenue par Cunard, se rendait à Inman. Cunard a continué à recevoir une subvention de 80 000 £ (équivalent à £ en ), tandis que NDL et Inman ont été payés pour les frais de port maritime. Deux ans plus tard, le service a été renouvelé et Cunard a obtenu un contrat de sept ans pour deux services de courrier hebdomadaires à New York, à 70 000 £ par an. Inman a obtenu un contrat de sept ans pour le troisième service hebdomadaire à New York, à 35 000 £ par an. La panique de 1873 a déclenché une dépression maritime de cinq ans qui a mis à rude épreuve les finances de tous les concurrents de l'Atlantique. En 1876, les contrats postaux expirèrent et la Poste mit fin aux subventions de Cunard et d'Inman. Les nouveaux contrats étaient payés sur la base du poids, à un taux nettement supérieur à celui payé par la Poste des États-Unis. Les traversées hebdomadaires de Cunard à New York ont ​​été réduites à une et White Star a reçu la troisième traversée postale. Tous les mardis, jeudis et samedis, un paquebot de l'une des trois sociétés quittait Liverpool avec le courrier à destination de New York. Cunard Steamship Company Ltd : 1879-1934 Pour lever des capitaux supplémentaires, en 1879, la société privée britannique et nord-américaine Royal Mail Steam Packet Company fut réorganisée en société par actions publique, la Cunard Steamship Company, Ltd. Sous la direction du nouveau président de Cunard, John Burns (1839-1900), fils d'un des fondateurs originaux de l'entreprise, Cunard a commandé quatre paquebots express à coque en acier en commençant par Servia de 1881, le premier paquebot doté d'un éclairage électrique partout. En 1884, Cunard a acheté le presque nouveau gagnant du Blue Riband Oregon à la Guion Line lorsque cette entreprise a fait défaut de paiement au chantier naval. Cette année-là, Cunard a également commandé les records Umbria et Etruria capables de . À partir de 1887, le leadership nouvellement acquis par Cunard sur l'Atlantique Nord a été menacé lorsqu'Inman puis White Star ont répondu avec des records à double vis. En 1893, Cunard a répliqué avec deux vainqueurs du Blue Riband encore plus rapides, Campania et Lucania, capables de . A peine la Cunard eut-elle rétabli sa suprématie que de nouveaux rivaux apparurent. À partir de la fin des années 1860, plusieurs entreprises allemandes commandèrent des paquebots presque aussi rapides que les courriers britanniques en provenance de Liverpool. En 1897, Norddeutscher Lloyd éleva le ruban bleu à , suivi par une succession de records allemands. Plutôt que d'égaler les nouveaux speedsters allemands, White Star – un rival avec lequel la ligne Cunard allait fusionner – a commandé quatre paquebots de classe Celtic très rentables, à vitesse plus modérée, pour son service secondaire Liverpool-New York. En 1902, White Star rejoignit le groupement américain bien capitalisé, l'International Mercantile Marine Co. (IMM), qui possédait l'American Line, y compris l'ancienne Inman Line, et d'autres lignes. IMM avait également des accords commerciaux avec Hambourg-Amérique et Norddeutscher Lloyd. C'était l'ère du Dreadnought et le prestige britannique était en jeu. Le gouvernement britannique a fourni à Cunard une subvention annuelle de 150 000 £ plus un prêt à faible taux d'intérêt de 2,5 millions de £ (équivalent à £ en ), pour financer la construction des deux superliners, les gagnants du Blue Riband Lusitania et Mauretania, capables de . En 1903, l'entreprise lança un service Fiume-New York avec des escales dans les ports italiens et à Gibraltar. L'année suivante, Cunard commanda deux navires pour concurrencer directement les paquebots de classe Celtic sur la route secondaire Liverpool-New York. En 1911, Cunard se lança dans le commerce du Saint-Laurent en achetant la ligne Thompson et absorba la ligne Royal cinq ans plus tard. Pour ne pas être en reste, White Star et Hamburg-America ont chacun commandé un trio de superliners. Les paquebots de classe White Star Olympic et les paquebots de classe Hapag Imperator étaient plus grands et plus luxueux que les Cunarders, mais pas aussi rapides. Cunard a également commandé un nouveau navire, l'Aquitania, capable de compléter la flotte postale de Liverpool. Les événements ont empêché la compétition attendue entre les trois groupes de superliners. Le Titanic de White Star a coulé lors de son voyage inaugural, le Britannic de White Star et le Lusitania de Cunard ont été des pertes de guerre, et les trois super-paquebots Hapag ont été remis aux puissances alliées à titre de réparations de guerre. En 1916, Cunard Line a achevé son siège européen à Liverpool et y a emménagé le 12 juin de la même année. Le grand bâtiment néoclassique Cunard était le troisième des Trois Grâces de Liverpool. Le quartier général a été utilisé par Cunard jusque dans les années 1960. En raison des pertes de la Première Guerre mondiale, Cunard entreprit un programme de reconstruction d'après-guerre comprenant onze paquebots intermédiaires. Elle a acquis l'ancien Hapag Imperator (rebaptisé Berengaria) pour remplacer le Lusitania perdu en tant que candidat à la vice-présidence de la Maurétanie et de l'Aquitaine, et Southampton a remplacé Liverpool comme destination britannique pour le service express à trois navires. En 1926, la flotte de Cunard était plus grande qu'avant la guerre et le White Star était en déclin, après avoir été vendu par IMM. Malgré la réduction spectaculaire du nombre de passagers dans l'Atlantique Nord provoquée par la dépression maritime à partir de 1929, les Allemands, les Italiens et les Français commandèrent de nouveaux « navires d'État » paquebots de prestige. L'allemand Bremen a pris le Blue Riband en 1933, l'italien Rex a effectué un voyage vers l'ouest la même année et le français Normandie a traversé l'Atlantique en un peu moins de quatre jours en 1937. En 1930, Cunard a commandé un paquebot de 80 000 tonnes qui devait être le premier des deux records suffisamment rapides pour s'intégrer dans un service hebdomadaire Southampton-New York à deux navires. Les travaux sur la coque 534 furent interrompus en 1931 en raison des conditions économiques. Cunard-White Star Ltd : 1934-1949 En 1934, la Cunard Line et la White Star Line connaissaient des difficultés financières. David Kirkwood, député de Clydebank, où la coque inachevée du 534 était restée inutilisée depuis deux ans et demi, a lancé un plaidoyer passionné à la Chambre des communes pour obtenir un financement pour terminer le navire et relancer l'économie britannique en sommeil. Le gouvernement a offert à Cunard un prêt de 3 millions de livres sterling pour achever la coque 534 et 5 millions de livres supplémentaires pour construire un deuxième navire, si Cunard fusionnait avec White Star. La fusion a été réalisée par la création d'une nouvelle société, Cunard White Star, Ltd, Cunard détenant environ les deux tiers du capital. En raison du tonnage excédentaire de la nouvelle flotte combinée Cunard White Star, de nombreux paquebots plus anciens ont été envoyés à la casse ; il s'agissait notamment de l'ancien paquebot Cunard Mauretania et des ex-paquebots White Star Olympic et Homeric. En 1936, l'ex-White Star Majestic fut vendu lorsque la coque 534, désormais nommée Queen Mary, la remplaça dans le service de courrier express. Le Queen Mary est arrivé lors de son voyage Blue Riband en 1938. Cunard-White Star a commencé la construction du Queen Elizabeth, et un navire plus petit, le deuxième Mauretania, a rejoint la flotte et pourrait également être utilisé sur la traversée de l'Atlantique lorsque l'un des Queens était en cale sèche. L'ancien paquebot Cunard Berengaria a été vendu à la ferraille en 1938 après une série d'incendies. Au cours de la Seconde Guerre mondiale de 1939 à 1945, les Queens transportèrent plus de deux millions de militaires et Churchill attribua à Churchill le mérite d'avoir contribué à raccourcir la guerre d'un an. Les quatre grands paquebots express Cunard-White Star, les deux Queens, Aquitania et Mauretania ont survécu, mais de nombreux navires secondaires ont été perdus. Tous deux ont été coulés avec de lourdes pertes en vies humaines. En 1947, Cunard acheta la participation de White Star et, en 1949, la société abandonna le nom White Star et fut rebaptisée Cunard Line. Également en 1947, la société a mis en service cinq cargos et deux cargos. Caronia, a été achevé en 1949 en tant que paquebot de croisière permanent et Aquitania a été retiré l'année suivante. Cunard était particulièrement bien placé pour profiter de l'augmentation des voyages dans l'Atlantique Nord au cours des années 1950 et le Queens était un important générateur de devises américaines pour la Grande-Bretagne. Le slogan de Cunard, « S'y rendre, c'est la moitié du plaisir », s'adressait spécifiquement au secteur touristique. À partir de 1954, Cunard a pris livraison de quatre nouveaux paquebots intermédiaires de 22 000 GRT pour la route canadienne et la route Liverpool-New York. Le dernier navire à moteur White Star, le Britannic de 1930, resta en service jusqu'en 1960. En 1960, un comité nommé par le gouvernement a recommandé la construction du projet Q3, un paquebot conventionnel de 75 000 GRT pour remplacer le Queen Mary. Selon ce plan, le gouvernement prêterait à Cunard la majorité du coût du paquebot. Cependant, certains actionnaires de Cunard ont remis en question le plan lors de la réunion du conseil d'administration de juin 1961, car les vols transatlantiques gagnaient en popularité. En 1963, le plan avait été modifié pour devenir un navire à double usage de 55 000 GRT conçu pour naviguer hors saison. Finalement, ce navire est entré en service en 1969 sous le nom de Queen Elizabeth 2, d'une capacité de 70 300 tonneaux de jauge brute. Dix ans après l’introduction des avions de ligne à réaction en 1958, la plupart des paquebots Atlantic conventionnels avaient disparu. Le Mauretania a été mis à la retraite en 1965, le Queen Mary et le Caronia en 1967 et le Queen Elizabeth en 1968. Deux des nouveaux paquebots intermédiaires ont été vendus en 1970 et les deux autres ont été convertis en navires de croisière. Cunard a essayé d'exploiter des services aériens réguliers vers l'Amérique du Nord, les Caraïbes et l'Amérique du Sud en créant BOAC-Cunard Ltd en 1962 avec la British Overseas Airways Corporation (BOAC), mais cette entreprise n'a duré que jusqu'en 1966. Années de Trafalgar House : 1971-1998 En 1971, lorsque la ligne fut achetée par le conglomérat Trafalgar House, Cunard exploitait des navires de charge et de passagers, des hôtels et des centres de villégiature. Sa flotte cargo était composée de 42 navires en service, dont 20 en commande. Le navire amiral de la flotte de passagers était le Queen Elizabeth 2, âgé de deux ans. La flotte comprenait également les deux paquebots intermédiaires restants des années 1950, ainsi que deux navires de croisière spécialement construits en commande. Trafalgar a acquis deux navires de croisière supplémentaires et s'est débarrassé des paquebots intermédiaires et de la majeure partie de la flotte cargo. Pendant la guerre des Malouines, le QE2 et le Cunard Countess ont été affrétés comme navires de troupes tandis que le porte-conteneurs de Cunard Atlantic Conveyor a été coulé par un missile Exocet. Cunard a acquis la Norwegian America Line en 1983, avec deux paquebots/navires de croisière classiques. Également en 1983, Trafalgar a tenté une prise de contrôle hostile de P&O, une autre grande compagnie maritime de passagers et de marchandises, créée la même année que Cunard. P&O s'y est opposé et a soumis la question à la Commission britannique des monopoles et des fusions. Dans son dossier, P&O a critiqué la gestion de Cunard par Trafalgar et son incapacité à corriger les problèmes mécaniques de QE2. En 1984, la Commission s'est prononcée en faveur de la fusion, mais Trafalgar a décidé de ne pas poursuivre. En 1988, Cunard a acquis Ellerman Lines et sa petite flotte de cargos, organisant l'entreprise sous le nom de Cunard-Ellerman. Cependant, quelques années plus tard, Cunard a décidé d'abandonner l'activité cargo et de se concentrer uniquement sur les navires de croisière. La flotte cargo de Cunard a été vendue entre 1989 et 1991, avec un seul porte-conteneurs, le deuxième Atlantic Conveyor, restant la propriété de Cunard jusqu'en 1996. En 1993, Cunard a conclu un accord de 10 ans pour gérer le marketing, les ventes et les réservations pour la Couronne. Cruise Line et ses trois navires ont rejoint la flotte Cunard sous la bannière Cunard Crown. En 1994, Cunard a acheté les droits sur le nom de la Royal Viking Line et de son Royal Viking Sun. Le reste de la flotte de la Royal Viking Line est resté chez le propriétaire de la ligne, Norwegian Cruise Line. Au milieu des années 1990, Cunard était malade. L'entreprise fut embarrassée fin 1994 lorsque le QE2 connut de nombreux défauts lors du premier voyage de la saison en raison de travaux de rénovation inachevés. Les réclamations des passagers ont coûté à l'entreprise 13 millions de dollars. Après que Cunard ait signalé une perte de 25 millions de dollars en 1995, Trafalgar a nommé un nouveau PDG à la ligne, qui a conclu que l'entreprise avait des problèmes de gestion. En 1996, le conglomérat norvégien Kværner acquiert Trafalgar House et tente de vendre Cunard. Lorsqu'il n'y avait pas preneur, Kværner a réalisé des investissements substantiels pour redresser la réputation ternie de l'entreprise. Carnaval : à partir de 1998 En 1998, le conglomérat de croisières Carnival Corporation a acquis 68 % de Cunard pour 425 millions de dollars américains. L'année suivante, Carnival a acquis le stock restant pour 205 millions de dollars américains. Finalement, Carnival a poursuivi Kværner en justice, affirmant que les navires étaient dans un état pire que celui représenté et Kværner a accepté de rembourser 50 millions de dollars à Carnival. Chacune des compagnies de croisières de Carnival est conçue pour plaire à un marché différent, et Carnival souhaitait reconstruire Cunard en tant que marque de luxe s'appuyant sur ses traditions britanniques. Sous le slogan « Faire progresser la civilisation depuis 1840 », la campagne publicitaire de Cunard cherchait à souligner l'élégance et le mystère du voyage océanique. Seuls le QE2 et le Caronia ont continué sous la marque Cunard et la société a lancé le projet Queen Mary pour construire un nouveau paquebot/navire de croisière pour la route transatlantique. En 2001, Carnival était la plus grande compagnie de croisière, suivie par Royal Caribbean et P&O Princess Cruises, qui s'était récemment séparée de sa société mère P&O. Lorsque Royal Caribbean et P&O Princess ont accepté de fusionner, Carnival a répliqué en lançant une offre publique d'achat hostile sur P&O Princess. Carnival a rejeté l'idée de vendre Cunard pour résoudre les problèmes antitrust liés à l'acquisition. Les régulateurs européens et américains ont approuvé la fusion sans exiger la vente de Cunard. Une fois la fusion finalisée, Carnival a déménagé le siège social de Cunard dans les bureaux de Princess Cruises à Santa Clarita, en Californie, afin que les services administratifs, financiers et technologiques puissent être combinés. Avec l'ouverture de Carnival House à Southampton en 2009, le contrôle exécutif de Cunard Line a ensuite été transféré de Carnival Corporation aux États-Unis à Carnival UK, la principale société d'exploitation de Carnival plc. En tant que société holding du groupe cotée au Royaume-Uni, Carnival plc détenait le contrôle exécutif de toutes les activités du groupe Carnival au Royaume-Uni, le siège de toutes les marques basées au Royaume-Uni, y compris Cunard, dans les bureaux de Carnival House. En 2004, le QE2, âgé de 36 ans, a été remplacé dans l'Atlantique Nord par le Queen Mary 2. Caronia a été vendu et le QE2 a continué à naviguer jusqu'à sa retraite en 2008. En 2007, Cunard a ajouté un grand navire de croisière, le Queen Victoria. Ce n'est pas une sœur du QM2, commandé par Carnival comme navire de croisière de classe Vista pour la Holland America Line. Pour renforcer les traditions Cunard, le QV dispose d'un petit musée à bord. Cunard a commandé un deuxième navire de croisière de classe Vista, le Queen Elizabeth, en 2010. En 2010, Cunard a nommé sa première femme commandant, le capitaine Inger Klein Olsen. En 2011, les trois navires Cunard en service ont changé de registre pour Hamilton, aux Bermudes, la première fois en 171 ans d'histoire de la société qu'elle n'avait aucun navire immatriculé au Royaume-Uni. Les capitaines de navires enregistrés aux Bermudes, mais pas au Royaume-Uni, peuvent épouser des couples en mer ; les mariages en mer sont un marché lucratif. Le 25 mai 2015, les trois paquebots Cunard - Queen Mary 2, Queen Elizabeth et Queen Victoria - ont remonté la Mersey jusqu'à Liverpool pour commémorer le 175e anniversaire de Cunard. Les navires ont effectué des manœuvres, notamment des virages à 180 degrés, pendant que les Flèches rouges effectuaient un survol. Un peu plus d'un an plus tard, la reine Elizabeth est revenue à Liverpool sous la direction du capitaine Olsen pour participer aux célébrations du centenaire du Cunard Building le 2 juin 2016. Flotte La flotte Cunard, toutes construites pour Cunard sauf indication contraire, se composait des navires suivants par ordre d'acquisition : 1840-1850 Tous les navires de cette époque avaient des coques en bois et des roues à aubes. 1850-1879 Seule l'Arabie avait une coque en bois et seules l'Arabie, la Perse et l'Écosse avaient des roues à aubes. 1879-1934 1934-1971 Voir également : Olympic, Homeric, Majestic, Doric, Laurentic, Britannic et Georgic de la White Star Line 1971-1998 1998-actuel

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Dans quel film de James Bond l'actrice Jane Seymour joue-t-elle le Solitaire ?

Live and Let Die

La série James Bond se concentre sur un agent fictif des services secrets britanniques créé en 1953 par l'écrivain Ian Fleming, qui l'a présenté dans douze romans et deux recueils de nouvelles. Depuis la mort de Fleming en 1964, huit autres auteurs ont écrit des romans ou romanisations autorisés de Bond : Kingsley Amis, Christopher Wood, John Gardner, Raymond Benson, Sebastian Faulks, Jeffery Deaver, William Boyd et Anthony Horowitz. Le dernier roman est Trigger Mortis d'Anthony Horowitz, publié en septembre 2015. De plus, Charlie Higson a écrit une série sur un jeune James Bond et Kate Westbrook a écrit trois romans basés sur les journaux d'un personnage récurrent de la série, Moneypenny. Le personnage a également été adapté pour la télévision, la radio, la bande dessinée, les jeux vidéo et le cinéma. Il s'agit de la série de films la plus longue et la troisième la plus rentable à ce jour, qui a débuté en 1962 avec Dr. No, avec Sean Connery dans le rôle de Bond. Depuis , il y a eu vingt-quatre films dans la série Eon Productions. Le film Bond le plus récent, Spectre (2015), met en vedette Daniel Craig dans son quatrième portrait de Bond ; il est le sixième acteur à jouer Bond dans la série Eon. Il y a également eu deux productions indépendantes de films Bond : Casino Royale (une parodie de 1967) et Never Say Never Again (un remake de 1983 d'un film antérieur produit par Eon, Thunderball). Les films Bond sont réputés pour un certain nombre de longs métrages, notamment l'accompagnement musical, les chansons thématiques ayant reçu des nominations aux Oscars à plusieurs reprises et deux victoires. D'autres éléments importants qui traversent la plupart des films incluent les voitures de Bond, ses armes et les gadgets qui lui sont fournis par Q Branch. Les films sont également connus pour les relations de Bond avec diverses femmes, parfois appelées « Bond girls ». Historique des publications Création et inspiration Personnage central de son œuvre, Ian Fleming a créé le personnage fictif de James Bond, un officier du renseignement des services secrets, communément appelé MI6. Bond était également connu sous son numéro de code, 007, et était commandant de la Réserve navale royale. Fleming a basé sa création fictive sur un certain nombre d'individus qu'il a rencontrés pendant son séjour dans la Division du renseignement naval pendant la Seconde Guerre mondiale, admettant que Bond "était un composé de tous les agents secrets et types de commandos que j'ai rencontrés pendant la guerre". Parmi ces types se trouvait son frère, Peter, qui avait participé à des opérations en coulisses en Norvège et en Grèce pendant la guerre. Outre le frère de Fleming, un certain nombre d'autres personnes ont également fourni certains aspects de la composition de Bond, notamment Conrad O'Brien-ffrench, Patrick Dalzel-Job et Bill "Biffy" Dunderdale. Le nom James Bond vient de celui de l'ornithologue américain James Bond, expert en oiseaux des Caraïbes et auteur du guide de terrain incontournable Birds of the West Indies. Fleming, lui-même un passionné d'ornithologie, possédait un exemplaire du guide de Bond et il expliqua plus tard à la femme de l'ornithologue : « Cela m'a frappé que ce nom bref, peu romantique, anglo-saxon et pourtant très masculin était exactement ce dont j'avais besoin, et donc un deuxième nom. James Bond est né". Il a en outre expliqué que : À une autre occasion, Fleming a déclaré : « Je voulais le nom le plus simple, le plus ennuyeux et le plus clair que je puisse trouver, « James Bond » était bien meilleur que quelque chose de plus intéressant, comme « Peregrine Carruthers ». Des choses exotiques arrivaient à lui et autour de lui, mais il serait un personnage neutre – un instrument anonyme et brutal utilisé par un ministère. » Fleming a décidé que Bond devrait ressembler à la fois au chanteur américain Hoagy Carmichael et à lui-même et dans Casino Royale, Vesper Lynd remarque : "Bond me rappelle plutôt Hoagy Carmichael, mais il y a quelque chose de froid et d'impitoyable." De même, dans Moonraker, Gala Brand, officier spécial de la branche, pense que Bond est "certainement beau ... Un peu comme Hoagy Carmichael d'une certaine manière. Ces cheveux noirs tombant sur le sourcil droit. À peu près les mêmes os. Mais il y avait quelque chose d'anormal. un peu cruel dans la bouche et les yeux étaient froids. Fleming a également doté Bond de plusieurs de ses propres traits, notamment le partage du même handicap de golf, le goût des œufs brouillés et l'utilisation de la même marque de produits de toilette. Les goûts de Bond sont également souvent empruntés à ceux de Fleming, tout comme son comportement, l'amour de Bond pour le golf et le jeu reflétant celui de Fleming. Fleming a utilisé ses expériences de sa carrière d'espionnage et tous les autres aspects de sa vie comme source d'inspiration pour écrire, notamment en utilisant les noms d'amis d'école, de connaissances, de parents et d'amants tout au long de ses livres. Ce n'est que dans l'avant-dernier roman, You Only Live Twice, que Fleming a donné à Bond une idée de son origine familiale. Le livre a été le premier à être écrit après la sortie de Dr No dans les cinémas et la représentation de Bond par Sean Connery a affecté l'interprétation du personnage par Fleming, pour donner à Bond à la fois un sens de l'humour et des antécédents écossais qui n'étaient pas présents dans les histoires précédentes. Dans une nécrologie fictive, prétendument publiée dans The Times, les parents de Bond seraient Andrew Bond, du village de Glencoe, en Écosse, et Monique Delacroix, du canton de Vaud, en Suisse. Fleming n'a pas fourni la date de naissance de Bond, mais la biographie fictive de Bond de John Pearson, James Bond: The Authorized Biography of 007, donne à Bond une date de naissance le 11 novembre 1920, tandis qu'une étude de John Griswold fixe la date au 11 novembre 1921. Romans et ouvrages connexes Romans de Ian Fleming Alors qu'il servait dans la Division du renseignement naval, Fleming avait prévu de devenir auteur et avait dit à un ami : « Je vais écrire l'histoire d'espionnage pour mettre fin à toutes les histoires d'espionnage ». Le 17 février 1952, il commença à écrire son premier roman de James Bond, Casino Royale, dans son domaine de Goldeneye en Jamaïque, où il écrivait tous ses romans de Bond pendant les mois de janvier et février de chaque année. Il a commencé l'histoire peu de temps avant son mariage avec sa petite amie enceinte, Ann Charteris, afin de se distraire de ses prochaines noces. Après avoir terminé le manuscrit de Casino Royale, Fleming a montré le manuscrit à son ami (et plus tard éditeur) William Plomer pour qu'il le lise. Plomer l'a aimé et l'a soumis à l'éditeur, Jonathan Cape, qui ne l'a pas autant apprécié. Cape l'a finalement publié en 1953 sur la recommandation du frère aîné de Fleming, Peter, un écrivain voyageur reconnu. Entre 1953 et 1966, deux ans après sa mort, douze romans et deux recueils de nouvelles furent publiés, les deux derniers livres – L'Homme au pistolet d'or et Octopussy et The Living Daylights – étant publiés à titre posthume. Tous les livres ont été publiés au Royaume-Uni par Jonathan Cape. Romans post-flamands Après la mort de Fleming, un roman de continuation, Colonel Sun, a été écrit par Kingsley Amis (sous le nom de Robert Markham) et publié en 1968. Amis avait déjà écrit une étude littéraire des romans Bond de Fleming dans son ouvrage de 1965 The James Bond Dossier. Bien que les romanisations de deux des films Bond d'Eon Productions soient apparues sous forme imprimée, James Bond, L'espion qui m'aimait et James Bond et Moonraker, tous deux écrits par le scénariste Christopher Wood, la série de romans ne s'est poursuivie que dans les années 1980. En 1981, le thriller John Gardner reprend la série avec License Renewed. Gardner a ensuite écrit seize livres Bond au total ; deux des livres qu'il a écrits – License to Kill et GoldenEye – étaient des romanisations des films du même nom d'Eon Productions. Gardner a déplacé la série Bond dans les années 1980, bien qu'il ait conservé l'âge des personnages tels qu'ils étaient lorsque Fleming les avait quittés. En 1996, Gardner a pris sa retraite de l'écriture des livres de James Bond en raison de problèmes de santé. En 1996, l'auteur américain Raymond Benson devient l'auteur des romans Bond. Benson était auparavant l'auteur de The James Bond Flashlight Companion, publié pour la première fois en 1984. Au moment où il est passé à d'autres projets non liés à Bond en 2002, Benson avait écrit six romans Bond, trois romanisations et trois nouvelles. Après une interruption de six ans, Sebastian Faulks a été chargé par Ian Fleming Publications d'écrire un nouveau roman Bond, qui est sorti le 28 mai 2008, à l'occasion du 100e anniversaire de la naissance de Fleming. Le livre, intitulé Devil May Care, a été publié au Royaume-Uni par Penguin Books et par Doubleday aux États-Unis. L'écrivain américain Jeffery Deaver a ensuite été chargé par Ian Fleming Publications de produire Carte Blanche, qui a été publiée le 26 mai 2011. Le livre a fait de Bond un agent post-11 septembre, indépendant du MI5 ou du MI6. Le 26 septembre 2013, Solo, écrit par William Boyd, a été publié, se déroulant en 1969. En octobre 2014, il a été annoncé qu'Anthony Horowitz devait écrire un roman de continuation de Bond. Se déroulant dans les années 1950, deux semaines après les événements de Goldfinger, il contient du matériel écrit, mais inédit, par Fleming. Trigger Mortis est sorti le 8 septembre 2015. Jeune lien La série de romans Young Bond a été lancée par Charlie Higson et, entre 2005 et 2009, cinq romans et une nouvelle ont été publiés. Le premier roman de Young Bond, SilverFin, a également été adapté et publié sous forme de roman graphique le 2 octobre 2008 par Puffin Books. En octobre 2013, Ian Fleming Publications a annoncé que Stephen Cole poursuivrait la série, la première édition étant prévue pour l'automne 2014. Les journaux de Moneypenny Les journaux Moneypenny sont une trilogie de romans relatant la vie de Miss Moneypenny, la secrétaire personnelle de M. Les romans sont écrits par Samantha Weinberg sous le pseudonyme de Kate Westbrook, qui est décrite comme « l'éditrice » du livre. Le premier volet de la trilogie, sous-titré Guardian Angel, est sorti le 10 octobre 2005 au Royaume-Uni. Un deuxième volume, sous-titré Secret Servant, est sorti le 2 novembre 2006 au Royaume-Uni, publié par John Murray. Un troisième volume, sous-titré Final Fling, est sorti le 1er mai 2008. Adaptations Télévision En 1954, CBS a payé 1 000 $ à Ian Fleming (en dollars) pour adapter son roman Casino Royale en une aventure télévisée d'une heure dans le cadre de son Climax ! série. L'épisode a été diffusé en direct le 21 octobre 1954 et mettait en vedette Barry Nelson dans le rôle de "Card Sense" James Bond et Peter Lorre dans le rôle de Le Chiffre. Le roman a été adapté pour le public américain pour montrer Bond comme un agent américain travaillant pour "Combined Intelligence", tandis que le personnage Felix Leiter - américain dans le roman - est devenu britannique à l'écran et a été renommé "Clarence Leiter". En 1973, un documentaire de la BBC Omnibus : The British Hero mettait en vedette Christopher Cazenove jouant un certain nombre de ces personnages principaux (par exemple Richard Hannay et Bulldog Drummond). Le documentaire incluait James Bond dans des scènes dramatisées de Goldfinger – mettant notamment en vedette 007 menacé par la scie circulaire du roman, plutôt que par le faisceau laser du film – et Diamonds Are Forever. En 1991, une série télévisée de dessins animés James Bond Jr. a été produite avec Corey Burton dans le rôle du neveu de Bond, également appelé James Bond. Radio En 1956, le roman Moonraker fut adapté pour être diffusé à la radio sud-africaine, avec Bob Holness fournissant la voix de Bond. Selon The Independent, "les auditeurs de toute l'Union ont été ravis du ton cultivé de Bob alors qu'il battait de méchants maîtres criminels en quête de domination mondiale". La BBC a adapté cinq des romans de Fleming pour les diffuser : en 1990, You Only Live Twice a été adapté en une pièce radiophonique de 90 minutes pour BBC Radio 4 avec Michael Jayston dans le rôle de James Bond. La production a été répétée plusieurs fois entre 2008 et 2011. Le 24 mai 2008, BBC Radio 4 a diffusé une adaptation de Dr. No. L'acteur Toby Stephens, qui incarnait le méchant de Bond Gustav Graves dans la version Eon Productions de Meurs un autre jour, a joué Bond, tandis que le Dr No était joué par David Suchet. Suite à son succès, une deuxième histoire a été adaptée et le 3 avril 2010, BBC Radio 4 a diffusé Goldfinger avec Stephens jouant à nouveau Bond. Sir Ian McKellen était Goldfinger et la co-star de Die Another Day de Stephens, Rosamund Pike, jouait Pussy Galore. La pièce a été adaptée du roman de Fleming par Archie Scottney et mise en scène par Martin Jarvis. En 2012, le roman De Russie, avec amour a été dramatisé pour Radio 4 ; il présentait à nouveau un casting complet mettant en vedette Stephens dans le rôle de Bond. En mai 2014, Stephens a de nouveau joué Bond, dans Au service secret de Sa Majesté, avec Alfred Molina dans le rôle de Blofeld et Joanna Lumley dans le rôle d'Irma Bunt. Support de bande dessinée En 1957, le Daily Express contacta Ian Fleming pour adapter ses histoires en bandes dessinées, lui offrant 1 500 £ par roman et une part des recettes de la syndication. Après une première réticence, Fleming, qui estimait que les bandes n'auraient pas la qualité de son écriture, a accepté. Pour aider le Daily Express à illustrer Bond, Fleming a chargé un artiste de créer un croquis de ce à quoi il pensait que James Bond ressemblait. L'illustrateur John McLusky a cependant estimé que le 007 de Fleming avait l'air trop « dépassé » et « d'avant-guerre » et a modifié Bond pour lui donner un look plus masculin. La première bande dessinée, Casino Royale, a été publiée du 7 juillet 1958 au 13 décembre 1958 et a été écrite par Anthony Hern et illustrée par John McLusky. La plupart des romans et nouvelles de Bond ont depuis été adaptés pour illustration, ainsi que Colonel Sun de Kingsley Amis ; les œuvres ont été écrites par Henry Gammidge ou Jim Lawrence, Yaroslav Horak remplaçant McClusky en tant qu'artiste en 1966. Après l'adaptation du matériel de Fleming et Amis, des histoires originales ont été produites, se poursuivant dans le Daily Express et le Sunday Express jusqu'en mai 1977. Plusieurs adaptations en bande dessinée des films de James Bond ont été publiées au fil des ans : au moment de la sortie du Dr No en octobre 1962, une adaptation en bande dessinée du scénario, écrite par Norman J. Nodel, a été publiée en Grande-Bretagne dans le cadre de la série d'anthologies Classics Illustrated. Il a ensuite été réimprimé aux États-Unis par DC Comics dans le cadre de sa série d'anthologies Showcase, en janvier 1963. Il s'agissait de la première apparition de James Bond dans une bande dessinée américaine et est remarquable pour être un exemple relativement rare de bande dessinée britannique réimprimée en 1963. une bande dessinée américaine assez médiatisée. C'était également l'une des premières bandes dessinées à être censurée pour des raisons raciales (certains tons de peau et certains dialogues ont été modifiés pour le marché américain). Avec la sortie du film For Your Eyes Only de 1981, Marvel Comics a publié une adaptation en bande dessinée en deux numéros du film. Lorsqu'Octopussy est sorti au cinéma en 1983, Marvel a publié une bande dessinée d'accompagnement ; Eclipse a également produit une bande dessinée unique pour License to Kill, bien que Timothy Dalton ait refusé d'autoriser l'utilisation de son image. De nouvelles histoires de Bond ont également été rédigées et publiées à partir de 1989 via Marvel, Eclipse Comics et Dark Horse Comics. Films Les films d'Eon Productions En 1962, Eon Productions, la société du Canadien Harry Saltzman et de l'Américain Albert R. "Cubby" Broccoli, a sorti la première adaptation cinématographique d'un roman de Ian Fleming, Dr. No, mettant en vedette Sean Connery dans le rôle de 007. Connery a joué dans quatre autres films avant quitter le rôle après You Only Live Twice, repris par George Lazenby pour Au service secret de Sa Majesté. Lazenby a quitté le rôle après une seule apparition et Connery a été tenté de revenir pour son dernier film produit par Eon, Diamonds Are Forever. En 1973, Roger Moore fut nommé au rôle de 007 dans Live and Let Die et incarna Bond encore six fois en douze ans avant d'être remplacé par Timothy Dalton pour deux films. Après une interruption de six ans, au cours de laquelle une querelle juridique a menacé les productions d'Eon des films Bond, l'acteur irlandais Pierce Brosnan a été choisi pour incarner Bond dans GoldenEye, sorti en 1995 ; il est resté dans ce rôle pendant quatre films au total, avant de le quitter en 2002. En 2006, Daniel Craig s'est vu confier le rôle de Bond pour Casino Royale, qui a relancé la série. Le vingt-troisième film produit par Eon, Skyfall, est sorti le 26 octobre 2012. La série a rapporté près de 7 milliards de dollars à ce jour, ce qui en fait la troisième série de films la plus rentable (derrière Harry Potter et l'univers cinématographique Marvel), et la le plus réussi, ajusté à l’inflation. Films non Eon En 1967, Casino Royale a été adapté en un film parodique de Bond mettant en vedette David Niven dans le rôle de Sir James Bond et Ursula Andress dans le rôle de Vesper Lynd. Niven avait été la préférence de Fleming pour le rôle de Bond. Le résultat d'un procès devant la Haute Cour de Londres en 1963 a permis à Kevin McClory de produire un remake de Thunderball intitulé Never Say Never Again en 1983. Le film, produit par la société de production Taliafilm de Jack Schwartzman et mettant en vedette Sean Connery dans le rôle de Bond, n'a pas été fait partie de la série Eon de films Bond. En 1997, Sony Corporation a acquis tout ou partie des droits de McClory dans le cadre d'un accord non divulgué, qui a ensuite été acquis par MGM, tandis que le 4 décembre 1997, MGM a annoncé que la société avait acheté les droits de Ne jamais dire plus jamais à Taliafilm. Depuis 2015, Eon détient tous les droits d'adaptation de tous les romans de Fleming's Bond. Musique Le "Thème James Bond" a été écrit par Monty Norman et a été orchestré pour la première fois par le John Barry Orchestra pour Dr. No de 1962, bien que la paternité réelle de la musique soit un sujet de controverse depuis de nombreuses années. En 2001, Norman a obtenu 30 000 £ de dommages et intérêts pour diffamation de la part du journal The Sunday Times, qui suggérait que Barry était entièrement responsable de la composition. Le thème, écrit par Norman et arrangé par Barry, a été décrit par un autre compositeur du film Bond, David Arnold, comme « une ambiance bebop-swing couplée à cette guitare électrique vicieuse, sombre et déformée, définitivement un instrument de rock'n'roll . ... cela représentait tout ce que vous voudriez du personnage : il était arrogant, fanfaron, confiant, sombre, dangereux, suggestif, sexy, imparable. Et il l'a fait en deux minutes. Barry a composé les musiques de onze films de Bond et a apporté une contribution non crédité à Dr. No avec son arrangement du thème de Bond. Les chansons thématiques entendues lors de leurs séquences principales chantées par des chanteurs populaires bien connus sont un incontournable des films de Bond. Plusieurs des chansons produites pour les films ont été nominées aux Oscars pour la chanson originale, notamment "Live and Let Die" de Paul McCartney, "Nobody Does It Better" de Carly Simon, "For Your Eyes Only" de Sheena Easton et "Skyfall" d'Adele. , et "Writing's on the Wall" de Sam Smith. Adele a remporté le prix à la 85e cérémonie des Oscars et Smith à la 88e cérémonie des Oscars. Pour Casino Royale non produit par Eon, la partition de Burt Bacharach comprenait "The Look of Love", qui a été nominé pour l'Oscar de la meilleure chanson. Jeux vidéo En 1983, le premier jeu vidéo Bond, développé et publié par Parker Brothers, est sorti sur Atari 2600, Atari 5200, Atari 800, Commodore 64 et ColecoVision. Depuis lors, de nombreux jeux vidéo ont vu le jour, soit basés sur les films, soit utilisant des intrigues originales. En 1997, le jeu vidéo de tir à la première personne GoldenEye 007 a été développé par Rare pour la Nintendo 64, basé sur le film GoldenEye de Pierce Brosnan de 1995. Le jeu a reçu des critiques très positives, a remporté le BAFTA Interactive Entertainment Award pour le développeur britannique de l'année en 1998 et s'est vendu à plus de huit millions d'exemplaires dans le monde, rapportant 250 millions de dollars. En 1999, Electronic Arts a acquis la licence et a sorti Tomorrow Never Dies le 16 décembre 1999. En octobre 2000, ils ont sorti The World Is Not Enough pour la Nintendo 64, suivi de 007 Racing pour la PlayStation le 21 novembre 2000. En 2003, la société a sorti James Bond 007 : Tout ou rien, qui comprenait les portraits et les voix de Pierce Brosnan, Willem Dafoe, Heidi Klum, Judi Dench et John Cleese, entre autres. En novembre 2005, Electronic Arts a sorti une adaptation en jeu vidéo de 007 : From Russia with Love, qui impliquait l'image et la voix off de Sean Connery pour Bond. En 2006, Electronic Arts a annoncé un jeu basé sur le film à venir Casino Royale : le jeu a été annulé car il ne serait pas prêt à la sortie du film en novembre de la même année. Alors que MGM perdait des revenus en raison de la perte des frais de licence, la franchise a été retirée d'EA au profit d'Activision. Activision a ensuite sorti le jeu 007 : Quantum of Solace le 31 octobre 2008, basé sur le film du même nom. Une nouvelle version de GoldenEye 007 mettant en vedette Daniel Craig est sortie exclusivement pour la Nintendo Wii et une version portable pour la Nintendo DS en novembre 2010. Un an plus tard, une autre nouvelle version est sortie pour Xbox 360 et PlayStation 3 sous le titre GoldenEye 007 : Reloaded. En octobre 2012, 007 Legends est sorti, qui présentait une mission de chacun des acteurs Bond de la série Eon Productions. Armes à feu, véhicules et gadgets Armes à feu Pour les cinq premiers romans, Fleming a armé Bond avec un Beretta 418 jusqu'à ce qu'il reçoive une lettre d'un passionné de Bond et expert en armes à feu de trente et un ans, Geoffrey Boothroyd, critiquant le choix de Fleming comme arme à feu pour Bond, la qualifiant de « pistolet de dame ». – et pas une très gentille dame en plus !" Boothroyd a suggéré que Bond échange son Beretta contre un Walther PPK 7,65 mm et cet échange d'armes a été transmis au Dr No. Boothroyd a également donné à Fleming des conseils sur l'étui d'épaule à triple tirage Berns-Martin et un certain nombre d'armes utilisées par SMERSH et d'autres méchants. En remerciement, Fleming a donné à l'armurier du MI6 dans ses romans le nom de Major Boothroyd et, dans Dr. No, M le présente à Bond comme « le plus grand expert en armes légères au monde ». Bond a également utilisé une variété de fusils, dont le Savage Model 99 dans "For Your Eyes Only" et un fusil cible Winchester .308 dans "The Living Daylights". Parmi les autres armes de poing utilisées par Bond dans les livres de Fleming figuraient le Colt Detective Special et un Colt .45 Army Special à canon long. Le premier film de Bond, Dr. No, a vu M ordonner à Bond de laisser son Beretta derrière lui et de prendre le Walther PPK, que le film Bond a utilisé dans dix-huit films. Dans Tomorrow Never Dies et les deux films suivants, l'arme principale de Bond était le pistolet semi-automatique Walther P99. Véhicules Dans les premières histoires de Bond, Fleming a donné à Bond une Bentley 4½ litres gris cuirassé avec un compresseur Amherst Villiers. Après que la voiture de Bond ait été radiée par Hugo Drax dans Moonraker, Fleming a donné à Bond une Bentley Continental Mark II, qu'il a utilisée dans les livres restants de la série. Pendant Goldfinger, Bond a reçu une Aston Martin DB Mark III avec un dispositif de guidage, qu'il a utilisé pour suivre Goldfinger à travers la France. Bond est retourné dans sa Bentley pour les romans suivants. Le Bond des films a piloté un certain nombre de voitures, dont l'Aston Martin V8 Vantage dans les années 1980, la V12 Vanquish et la DBS dans les années 2000, ainsi que la Lotus Esprit ; la BMW Z3, ​​la BMW 750iL et la BMW Z8. Cependant, il a également dû conduire un certain nombre d'autres véhicules, allant d'une Citroën 2CV à un Bus Routemaster, entre autres. La voiture la plus célèbre de Bond est l'Aston Martin DB5 gris argenté, vue pour la première fois dans Goldfinger ; il figura plus tard dans Thunderball, GoldenEye, Tomorrow Never Dies, Casino Royale et Skyfall. Les films ont utilisé un certain nombre d'Aston Martin différentes pour le tournage et la publicité, dont l'une a été vendue aux enchères en janvier 2006 aux États-Unis pour 2 090 000 $ à un collectionneur européen anonyme. Gadgets Les romans et les premières adaptations de Fleming présentaient un équipement minimal tel que la mallette piégée dans De Russie avec amour, bien que cette situation ait radicalement changé avec les films. Cependant, les effets des deux films Bond produits par Eon, Dr. No et From Russia with Love, ont eu un effet sur le roman L'Homme au pistolet d'or, à travers le nombre accru d'appareils utilisés dans l'histoire finale de Fleming. Pour les adaptations cinématographiques de Bond, le briefing préalable à la mission par Q Branch est devenu l'un des motifs qui parcouraient la série. Le Dr No n'a fourni aucun gadget lié à l'espionnage, mais un compteur Geiger a été utilisé ; Le designer industriel Andy Davey a observé que le tout premier gadget d'espionnage à l'écran était la mallette présentée dans From Russia with Love, qu'il a décrit comme « un produit 007 classique ». Les gadgets ont acquis une plus grande visibilité dans le film Goldfinger de 1964. Le succès du film a encouragé la fourniture à Bond d'équipements d'espionnage supplémentaires de Q Branch, bien que l'utilisation accrue de la technologie ait conduit à une accusation selon laquelle Bond était trop dépendant de l'équipement, en particulier dans les films ultérieurs. Davey a noté que "les gadgets de Bond suivent l'air du temps plus étroitement que toute autre nuance des films" alors qu'ils passaient des représentations potentielles du futur dans les premiers films aux obsessions de marque des films ultérieurs. Il est également à noter que, bien que Bond utilise un certain nombre de pièces d'équipement de Q Branch, notamment l'autogire Little Nellie, un jet pack et la mallette explosive, les méchants sont également bien équipés avec des appareils sur mesure, notamment l'or de Scaramanga. pistolet, les chaussures à pointes empoisonnées de Rosa Klebb, le chapeau melon à monture d'acier d'Oddjob et les appareils de communication de Blofeld dans la trousse de toilette de ses agents. Impact culturel Sur le plan cinématographique, Bond a eu une influence majeure dans le genre d'espionnage depuis la sortie de Dr. No en 1962, avec 22 films d'agents secrets sortis rien qu'en 1966 tentant de capitaliser sur la popularité et le succès de la franchise Bond. La première parodie était le film de 1964 Carry On Spying, qui montre le méchant Dr. Crow vaincu par des agents parmi lesquels James Bind (Charles Hawtry) et Daphne Honeybutt (Barbara Windsor). L'un des films qui ont réagi contre la représentation de Bond a été la série Harry Palmer, dont le premier film, The Ipcress File, est sorti en 1965. Le héros éponyme de la série était ce que l'universitaire Jeremy Packer appelait un « anti-Bond », ou ce Christoph Lindner appelle "le lien de l'homme pensant". La série Palmer a été produite par Harry Saltzman, qui a également fait appel à des membres clés de l'équipe de la série Bond, notamment le designer Ken Adam, le rédacteur en chef Peter R. Hunt et le compositeur John Barry. Les quatre films "Matt Helm" avec Dean Martin (sortis entre 1966 et 1969), la série "Flint" avec James Coburn (comprenant deux films, un chacun en 1966 et 1969), tandis que The Man from U.N.C.L.E. est également passé au cinéma, avec huit films sortis : tous témoignent de l'importance de Bond dans la culture populaire. Plus récemment, la série Austin Powers de l'écrivain, producteur et comédien Mike Myers, ainsi que d'autres parodies comme le film Johnny English de 2003, ont également utilisé des éléments ou parodié les films de Bond. Après la sortie du film Dr. No en 1962, la phrase « Bond ... James Bond » est devenue un slogan qui est entré dans le lexique de la culture populaire occidentale : les écrivains Cork et Scivally ont déclaré à propos de l'introduction dans Dr. No que le "l'introduction signature deviendrait la ligne de film la plus célèbre et la plus appréciée de tous les temps". En 2001, il a été élu « one-liner le plus apprécié du cinéma » par les cinéphiles britanniques, et en 2005, il a été honoré comme la 22e plus grande citation de l'histoire du cinéma par l'American Film Institute dans le cadre de leur série 100 Years. . La série « 100 Years » de l'American Film Institute de 2005 a reconnu le personnage de James Bond lui-même comme le troisième plus grand héros du cinéma. Il a également été placé au 11e rang sur une liste similaire par Empire et comme le cinquième plus grand personnage de cinéma de tous les temps par Premiere. Les 23 films de James Bond produits par Eon Productions, qui ont rapporté 4 910 000 000 de dollars rien qu'au box-office, ont fait de la série l'une des séries les plus rentables de tous les temps. On estime que depuis Dr. No, un quart de la population mondiale a vu au moins un film de Bond. La UK Film Distributors' Association a déclaré que l'importance de la série de films Bond pour l'industrie cinématographique britannique ne peut être surestimée, car ils « constituent l'épine dorsale de l'industrie ». La télévision a également vu l'effet des films de Bond, avec la série NBC The Man from U.N.C.L.E., qui a été décrite comme la « première imitation télévisée en réseau » de Bond, en grande partie parce que Fleming a fourni des conseils et des idées sur le développement de la série, donnant même le principal personnage le nom de Napoléon Solo. D'autres séries télévisées des années 1960 inspirées par Bond incluent I Spy et Get Smart. En 2012, James Bond était devenu un tel symbole du Royaume-Uni que le personnage, interprété par Craig, est apparu lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques de Londres de 2012 en tant qu'escorte de la reine Elizabeth II. Tout au long de la vie de la série de films, un certain nombre de produits liés ont été publiés. Critiques de James Bond Le personnage de James Bond et les médias qui lui sont associés ont suscité un certain nombre de critiques et de réactions à travers le spectre politique et font encore l’objet de nombreux débats dans les études sur la culture populaire. Les observateurs de gauche accusent souvent les romans et les films de Bond de misogynie et de sexisme. Les géographes ont considéré le rôle des lieux exotiques dans les films dans la dynamique de la guerre froide, avec des luttes de pouvoir entre blocs se déroulant dans les zones périphériques. D’autres critiques affirment que les films Bond du 21e siècle reflètent la nostalgie impériale. Les critiques conservateurs américains, en particulier dans les années 1960 et 1970, considéraient Bond comme un personnage nihiliste, hédoniste et amoral qui remettait en question les valeurs familiales.

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Quel type de créature est un tangara ?

oiseau

Les tangaras (singulier) constituent la famille des oiseaux des Thraupidés, dans l'ordre des Passériformes. La famille a une distribution américaine. Les Thraupidés constituent la deuxième plus grande famille d'oiseaux et représentent environ 4 % de toutes les espèces aviaires et 12 % des oiseaux néotropicaux. Traditionnellement, environ 240 espèces de tangaras ont été décrites, mais le traitement taxonomique des membres de cette famille est actuellement en pleine évolution. À mesure que de plus en plus de ces oiseaux sont étudiés à l’aide de techniques moléculaires modernes, certains genres devraient être déplacés ailleurs. Déjà, les espèces des genres Euphonia et Chlorophonia, autrefois considérées comme faisant partie de la famille des tangaras, sont désormais traitées comme des membres des Fringillidae, dans leur propre sous-famille (Euponiinae). De même, les genres Piranga (qui comprennent le tangara écarlate, le tangara d'été et le tangara occidental), Chlorothraupis et Habia semblent être membres de la famille cardinale et ont été réaffectés à cette famille par l'Union américaine des ornithologues. Description Les tangaras sont des oiseaux de taille petite à moyenne. L'espèce au corps le plus court, le conebill à oreilles blanches, mesure 9 cm de long et pèse 7 grammes, soit à peine plus petit que le grimpereau à bec court. Le plus long, le tangara pie mesure 28 cm et pèse 76 g. Le plus lourd est le tangara à tête blanche qui pèse 114 g et mesure environ 24 cm. Les deux sexes ont généralement la même taille et le même poids. Les tangaras sont souvent de couleurs vives, mais certaines espèces sont en noir et blanc. Les oiseaux au cours de leur première année sont souvent plus ternes ou d’une couleur complètement différente. Les mâles sont généralement de couleur plus vive que les femelles. La plupart des tangaras ont des ailes courtes et arrondies. La forme du bec semble être liée aux habitudes alimentaires de l'espèce. Distribution Les tangaras sont limités au Nouveau Monde et principalement aux tropiques. Environ 60 % des tangaras vivent en Amérique du Sud et 30 % de ces espèces vivent dans les Andes. La plupart des espèces sont endémiques sur une zone relativement petite. Comportement La plupart des tangaras vivent en couples ou en petits groupes de trois à cinq individus. Ces groupes peuvent être simplement constitués de parents et de leur progéniture. Les oiseaux peuvent également être observés en groupes monospécifiques ou mixtes. On pense que de nombreux tangaras ont des chants ennuyeux, même si certains sont élaborés. Régime Les tangaras sont omnivores et leur régime alimentaire varie d'un genre à l'autre. On les a vus manger des fruits, des graines, du nectar, des parties de fleurs et des insectes. Beaucoup cueillent des insectes sur les branches. D'autres espèces recherchent des insectes sous les feuilles. D’autres encore attendent sur les branches jusqu’à ce qu’ils voient un insecte volant et l’attrapent en l’air. Beaucoup de ces espèces particulières habitent les mêmes zones, mais ces spécialisations atténuent la concurrence. la reproduction La saison de reproduction s'étend de mars à juin dans les zones tempérées et de septembre à octobre en Amérique du Sud. Certaines espèces sont territoriales, tandis que d’autres construisent leurs nids plus rapprochés. Peu d'informations sont disponibles sur le comportement reproducteur du tangara. Les mâles montrent leurs plumes les plus brillantes aux partenaires potentiels et aux mâles rivaux. Les rituels de parade nuptiale de certaines espèces impliquent de s'incliner et de lever la queue. La plupart des tangaras construisent des nids en coupe sur les branches des arbres. Certains nids sont presque globulaires. Les entrées sont généralement construites sur le côté du nid. Les nids peuvent être peu profonds ou profonds. Les espèces d'arbres dans lesquels ils choisissent de construire leurs nids et la position des nids varient selon les genres. La plupart des espèces nichent dans une zone cachée par une végétation très dense. Aucune information n'est encore connue concernant les nids de certaines espèces. La taille de la couvée est de trois à cinq œufs. La femelle couve les œufs et construit le nid, mais le mâle peut nourrir la femelle pendant qu'elle incube. Les deux sexes nourrissent les petits. Cinq espèces ont des assistants qui les aident à nourrir les jeunes. On pense que ces aides sont les oisillons de l’année précédente. Systématique Des études phylogénétiques suggèrent que les véritables tangaras forment trois groupes principaux, dont deux sont constitués de plusieurs clades plus petits et bien soutenus. La liste ci-dessous est une tentative utilisant les informations glanées dans les dernières études pour les organiser en groupes cohérents et apparentés et, en tant que tel, peut contenir des groupements non encore acceptés ou en cours d'examen par les diverses autorités de taxonomie ornithologique. Groupe 1 Formes principalement de couleur terne a) Groupe des Conebill et des perce-fleurs (contient également Haplospiza, Catamenia, Acanthidops, Diglossa, Diglossopis, Phrygilus et Sicalis traditionnellement chez les Emberizidae). Ce groupe, malgré une morphologie de bec assez variée, présente des similitudes marquées en matière de plumage. La plupart sont en grande partie grises, bleues ou noires, et de nombreuses espèces ont le dessous roux : * Genre Conirostrum – conebills typiques (10 espèces) * Genre Oreomanes – cône géant * Genre Xenodacnis – dacnis ressemblant à une mésange * Genre Catamenia (trois espèces) * Genre Diglossa – perce-fleurs typique (14 espèces) * Genre Diglossopis – perce-fleurs bleus (quatre espèces) * Genre Haplospiza (deux espèces), paraphylétique avec deux espèces de pinson d'Amérique Phrygilus * Genre Acanthidops – pinson à bec pointu * Genre Phrygilus - pinsons de la Sierra (11 espèces) * Genre Sicalis – pinsons jaunes (12 espèces), paraphylétique avec Phrygilus b) Véritables semenciers. Traditionnellement placés chez les Emberizidae, ces genres partagent un motif particulier d'écailles de pied qui suggère qu'ils peuvent former un groupe monophylétique : * Genre Sporophila – semenciers typiques (environ 55 espèces) * Genre Oryzoborus (six espèces) * Genre Dolospingus – semoir à nuque blanche * Genre Charitospiza – pinson à crête charbonnière c) Clade « à croupion jaune » : * Genre Heterospingus (deux espèces) * Genre Chrysothlypis (deux espèces) * Genre Hemithraupis (trois espèces) d) Clade « à crête » (contient également Coryphospingus et Volatinia traditionnellement placés chez les Emberizidae) : * Genre Ramphocelus – tangaras à bec argenté (neuf espèces) * Genre Lanio – pie-grièche-tangara (quatre espèces) * Genre Eucometis – tangara à tête grise * Genre Tachyphonus (huit espèces) * Genre Trichothraupis – tangara à lunettes noires * Genre Stephanophorus – tangara diadème * Genre Coryphospingus (deux espèces) * Genre Volatinia – herbe bleu-noir e) Clade "Roselin bleu", relations au sein des Thraupidés incertaines, mais peuvent être liées au clade Poospiza : * Genre Porphyrospiza - pinson bleu f) Le clade Poospiza - un groupe diversifié mais soudé contenant à la fois des formes ressemblant à des parulines et des pinsons : * Genre Poospiza – pinsons gazouillis (15 espèces) * Genre Compsospiza - pinsons des montagnes (deux espèces) * Genre Cnemoscopus – tangara à capuchon gris * Genre Hemispingus – hemispingus (12 espèces) * Genre Thlypopsis (six espèces) * Genre Pyrrhocoma – tangara à tête marron * Genre Cypsnagra – Tangara à croupion blanc * Genre Nephelornis – pardusco g) Herbe et pinsons de la pampa, les relations au sein des Thraupidés sont incertaines, mais forment ensemble un clade bien soutenu : * Genre Emberizoides (trois espèces) * Genre Embernagra (deux espèces) h) Un groupe polyphylétique divers et probablement polyphylétique de « pinsons-tangara » non placés (qui peuvent ou non inclure l'espèce appelée pinson-tangara) dont les membres, une fois étudiés, seront sans aucun doute transférés vers d'autres clades : * Genre Melanodera (deux espèces) * Genre Rowettia – Diamant de l'île Gough * Genre Nesospiza (deux espèces) * Genre Gubernatrix – cardinal jaune * Genre Idiopsar – pinson à queue courte * Genre Piezorina – pinson cendré * Genre Xenospingus – pinson à bec grêle * Genre Incaspiza – pinsons incas (cinq espèces) * Genre Coryphaspiza – pinson à masque noir * Genre Rhodospingus – pinson à poitrine cramoisie * Genre Donacospiza – roseau à longue queue (peut être apparenté à Poospiza) i) Formes basales du groupe 1 : *Genre Conothraupis (deux espèces) *Genre Orchesticus – tangara brun *Genre Creurgops (deux espèces) Groupe 2 Tangaras colorés "typiques" a) Tangaras de la canopée tropicale : * Genre Thraupis - T. abbas & episcopus au moins * Genre Pipraeidea (deux espèces) * Genre Tangara (environ 50 espèces) b) Les "Tholospiza" - pinsons de Darwin, graminées, grimpereaux atypiques et certains semenciers : Les formes ressemblant à des pinsons dans ce clade étaient autrefois classées dans les Emberizidae : * Genre Geospiza – pinsons terrestres (six espèces) * Genre Camarhynchus – pinsons arboricoles (cinq espèces) * Genre Platyspiza - pinson végétarien * Genre Certhidea – parulines-parulines (deux espèces) * Genre Pinaroloxias – pinson des Cocos * Genre Melopyrrha – bouvreuil cubain * Genre Coereba – bananequit – anciennement placé dans sa propre famille des Coerebidae * Genre Tiaris – grassquits (cinq espèces) – polyphylétique * Genre Loxipasser – herbe à épaules jaunes * Genre Euneornis – orangequit * Genre Melanospiza – Diamant noir de Sainte-Lucie * Genre Loxigilla – Bouvreuils des Antilles (trois espèces) – polyphylétique c) Tangaras de montagne : * Genre Cyanicterus – tangara à dos bleu * Genre Bangsia – (cinq espèces) * Genre Buthraupis – (deux espèces) * Genre Cnemathraupis – (deux espèces) * Genre Chlorornis – tangara vert herbe * Genre Wetmorethraupis – Tangara à gorge orange * Genre Anisognathus – (cinq espèces) * Genre Dubusia – (deux espèces) *Genre ? Saltator rufiventris - saltator à ventre roux d) Tangaras typiques : * Genre Thraupis - (neuf espèces) * Genre Pipraeidea (deux espèces) * Genre Iridosornis (cinq espèces) e) Tangaras multicolores typiques (comprend Paroaria traditionnellement placé soit dans les Emberizidae, soit dans les Cardinalidae) : * Genre Diuca (deux espèces) * Genre Lophospingus (deux espèces) * Genre Neothraupis – tangara à bandes blanches * Genre Cissopis – tangara pie * Genre Paroaria (cinq ou six espèces) * Genre Schistochlamys (deux espèces) f) Grimpereaux verts et à collier doré : * Genre Chlorophanes – grimpereau vert * Genre Iridophanes – grimpereau à collier doré g) Plantes typiques et espèces apparentées : * Genre Tersina – hirondelle tangara * Genre Cyanerpes, les grimpereaux typiques (quatre espèces) * Genre Pseudodacnis – dacnis-tangara turquoise * Genre Dacnis, les dacnises (huit espèces) h) Lignées basales au sein du groupe 2 : * Genre Chlorochrysa (trois espèces) * Genre Parkerthraustes – cardinal à épaulettes (traditionnellement chez les Cardinalidae, mais des preuves biochimiques suggèrent qu'il s'agit d'un tangara) * Genre Nemosia – (deux espèces) * Genre Compsothraupis – Tangara à gorge écarlate * Genre Sericossypha – tangara à tête blanche Thraupidae incertae sedis * Genre Orthogonys – tangara vert olive * Genre Calochaetes – tangara vermillon * Genre Catamblyrhynchus – peluche * Genre Oreothraupis – pinson tangara * Genre Urothraupis – tangara à dos noir * Genre Lamprospiza – Tangara pie à bec rouge * Genre Xenoligea – paruline à ailes blanches * Genre Microligea – paruline à queue verte * Genre Incaspiza - pinsons incas (cinq espèces) Groupe 3 Incertae sedis * Genre Saltator (16 espèces ; traditionnellement placé parmi les Cardinalidae, mais des preuves biochimiques suggèrent qu'il peut s'agir de tangaras ou d'un groupe frère) * Genre Saltatricula – pinson multicolore du Chaco – traditionnellement placé parmi les Emberizidae, mais peut être apparenté à l'un des saltators * Genre Mitrospingus (deux espèces) * Genre Nesospingus – Tangara de Porto Rico * Genre Spindalis – spindalises (quatre espèces). * Genre Phaenicophilus – tangaras palmiers (deux espèces) * Genre Calyptophilus – chat-tangaras (deux espèces) * Genre Rhodinocichla – grive rose-tangara Récemment séparé des Thraupidés Lié à Arremonops et autres moineaux américains chez les Emberizidae : *Genre Chlorospingus – tangaras (environ 10 espèces) Liés aux cardinaux des Cardinalidae : *Genre Piranga – tangaras du nord (neuf espèces) *Genre Habia – fourmis tangaras ou habias (cinq espèces) *Genre Chlorothraupis (trois espèces) *Genre Amaurospiza (quatre espèces ; apparemment très proche de Cyanocompsa) Fringillidae, sous-famille des Euphoniinae : * Genre Euphonia (plus de 25 espèces) * Genre Chlorophonia (cinq espèces)

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Dans « Follow That Camel », le quatorzième film de Carry On, Sid James a été remplacé par quel acteur américain ?

Phil Silvers

Follow That Camel est le quatorzième de la série de films Carry On, sortis en 1967. Comme son prédécesseur Don't Lose Your Head, il n'a pas les mots "Carry On" dans son titre original (bien que pour les projections à l'extérieur au Royaume-Uni, il était connu sous le nom de Carry On In The Legion, et s'intitule alternativement Carry On ... Follow That Camel). Il parodie le livre très filmé de 1924 Beau Geste, de P. C. Wren, et d'autres films de la Légion étrangère française. Ce film était la tentative du producteur Peter Rogers de percer le marché américain ; Phil Silvers (dans son seul Carry On) est largement présent dans un rôle de sergent Bilko-esque. Il apparaît aux côtés des habitués de Carry On, Kenneth Williams, Jim Dale, Charles Hawtrey, Joan Sims, Peter Butterworth et Bernard Bresslaw. Angela Douglas fait la troisième de ses quatre apparitions dans Carry On. Anita Harris fait la première de ses deux apparitions dans Carry On. Parcelle Sa réputation discréditée par le capitaine Bagshaw, concurrent des affections de Lady Jane Ponsonby, Bertram Oliphant West alias "Bo" décide de quitter l'Angleterre et de rejoindre la Légion étrangère française, suivi de son fidèle valet Simpson. Initialement pris pour des combattants ennemis à Sidi Bel Abbès, les deux hommes finissent par s'enrôler et sont aidés à survivre à la vie de la Légion par le sergent Knocker, bien qu'ils découvrent que lorsqu'il est « en patrouille », il s'amuse en fait au café du coin avec la femme. propriétaire, ZigZig. Pendant ce temps, Lady Jane, ayant appris que Bo était réellement innocent, part au Sahara pour le ramener en Angleterre. En chemin, elle rencontre plusieurs hommes qui exploitent le fait qu'elle est naïve et qu'elle voyage seule. Après plusieurs affrontements de ce type, notamment avec le commandant Burger du fort de la Légion (qui, d'ailleurs, était autrefois son professeur d'escrime et a rejoint la Légion par honte après s'être coupé le doigt par inadvertance pendant une leçon), elle rencontre Cheikh Abdul Abulbul et termine en train de faire partie de son harem et de planifier sa 13e épouse. Knocker et Bo sont kidnappés par Abulbul après avoir été attirés au domicile de Cork Tip, une danseuse du ventre du Café ZigZig. Simpson les suit jusqu'à l'Oasis El Nooki mais est également capturé. Après être entrés dans le harem d'Abulbul et avoir découvert Lady Jane, Bo et Simpson se rendent tandis que Knocker s'échappe (ou plutôt est autorisé par Abulbul) à Sidi Bel Abbes pour avertir le commandant Burger des projets d'Abulbul d'attaquer le Fort Zuassantneuf. Cependant, pendant ce temps, ZigZig a informé le commandant de la véritable destination de Knocker lors de sa patrouille et, par conséquent, à son retour, son histoire n'est pas crue. Ce n'est que lorsque Knocker mentionne Lady Jane qu'ils réalisent qu'il disait la vérité et que le commandant organise une force pour renforcer le fort. En chemin, ils découvrent Bo et Simpson plantés au sol dans l'oasis désormais abandonnée. La colonne de secours continue vers le fort mais la chaleur, le manque d'eau et un concours de construction de châteaux de sable qui a mal tourné décime la force à une poignée. Les membres restants atteignent le fort et découvrent qu'il est trop tard ; l'attaque a déjà eu lieu et la garnison a été anéantie. Après avoir appris que la célébration par Abulbul de l'attaque réussie comprend le mariage de Lady Jane, Bo, Burger, Knocker et Simpson la sauvent de sa tente, laissant Simpson derrière lui habillé en leurre. Quand Abulbul découvre la supercherie, il poursuit Simpson jusqu'au fort où, grâce à l'utilisation imaginative d'un gramophone et d'une chanson de marche allemande, de gomme arabique, de noix de coco, de poudre à canon et d'une batte de cricket, le groupe retient l'armée d'Abulbul jusqu'à l'arrivée d'une force de secours. . Cependant, le commandant Burger finit comme une (et seule) victime parmi les protagonistes. De retour en Angleterre, le groupe se réunit pour une partie de cricket, Knocker ayant été promu commandant et Lady Jane ayant conçu un fils par feu Burger. Bo frappe, mais quand il frappe la balle, elle explose. On montre alors que le quilleur est Abulbul qui a pris sa revanche, ce à quoi Bo, avec une batte cassée et des vêtements brûlés, répond avec bonhomie "Pas dehors!" Tournage Le travail de tournage a été réalisé au cours des premiers mois de 1967, lorsque des scènes se déroulant dans le désert du Sahara ont été tournées à Camber Sands, près de Rye, dans l'East Sussex, en Angleterre. Le tournage a dû être interrompu à plusieurs reprises car il y avait de la neige sur le sable. Certains décors urbains élaborés ont été réutilisés l'année suivante dans la production de Carry On... Up the Khyber. Casting *Phil Silvers dans le rôle du sergent Ernie Knocker *Jim Dale dans le rôle de Bertram Oliphant "Bo" West *Peter Butterworth dans le rôle de Simpson *Kenneth Williams dans le rôle du commandant Burger *Charles Hawtrey dans le rôle du capitaine Le Pice *Joan Sims dans le rôle de Zig-Zig *Angela Douglas dans le rôle de Lady Jane Ponsonby *Bernard Bresslaw dans le rôle de Cheikh Abdul Abulbul *Anita Harris dans le rôle de Corktip *John Bluthal dans le rôle du caporal Clotski *Peter Gilmore dans le rôle du capitaine Bagshaw *William Mervyn dans le rôle de Sir Cyril Ponsonby *Julian Holloway en tant que collecteur de billets *David Glover en tant que directeur de l'hôtel *Larry Taylor dans le rôle de Riff *William Hurndell dans le rôle de Riff *Julian Orchard en tant que docteur *Vincent Ball en tant qu'officier du navire *Peter Jesson dans le rôle de Lawrence (non-crédité) *Gertan Klauber dans le rôle de Spiv (non-crédité) *Michael Nightingale dans le rôle de Nightingale (non-crédité) *Richard Montez dans le rôle de Riff (non-crédité) *Frank Singuineau dans le rôle de Riff (non-crédité) *Simon Cain dans le rôle de Riff (non-crédité) *Harold Kasket en tant que gentleman de l'hôtel (non-crédité) *Edmund Pegge dans le rôle de Bowler (non-crédité) *Carol Sloane dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Gina Gianelli dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Dominique Don dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Anne Scott dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Patsy Snell dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Zorenah Osborne dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Margot Maxine dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Sally Douglas dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Angie Grant dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Gina Warwick dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Karen Young dans le rôle de Harem girl (non-crédité) *Helga Jones dans le rôle de Harem girl (non-crédité) Équipage *Scénario - Talbot Rothwell *Musique - Eric Rogers *Directeur de production - Jack Swinburne *Directeur de la photographie - Alan Hume *Editeur - Alfred Roome *Directeur artistique - Alex Vetchinsky *Caméraman - Alan Hall *Directeur adjoint - David Bracknell *Continuité - Joy Mercer *Rédacteur adjoint - Jack Gardner *Maquillage - Geoffrey Rodway *Enregistreurs du son - Dudley Messenger et Ken Barker *Coiffeur - Stella Rivers *Créatrice de costumes - Emma Selby-Walker *Monteur de doublage - Wally Nelson *Gestionnaire d'emplacement - Terry Clegg *Producteur - Peter Rogers *Réalisateur - Gérald Thomas Dates et lieux *Dates de tournage – 1er mai-23 juin 1967 Intérieurs : * Pinewood Studios, Buckinghamshire Extérieurs : * Seigle et Camber Sands, Sussex * Maison Swakeley, Ickenham, Middlesex * Maison Osterley Park, Isleworth, Middlesex Notes de production Le personnage nommé "Corktip" est une parodie de "Cigarette" dans le film de 1936 Sous deux drapeaux, un film sur la Légion étrangère française dans le désert du Sahara. Le nom fait référence à des cigarettes, comme la marque Craven A, qui avaient un bout en liège. Phil Silvers était payé beaucoup plus que tout autre membre de la distribution, ce qui a provoqué beaucoup d'animosité au sein de l'équipe régulière de Carry On. Bien que Talbot Rothwell ait écrit en janvier 1967 que le rôle "crie simplement pour Phil Silvers tout le long. Je n'arrive tout simplement pas à me sortir cette image de Bilko de l'esprit", le rôle central du sergent de la Légion étrangère qui parle vite avait à l'origine été réservé à Sid James. Cependant, avec un engagement dans la sitcom ITV George and the Dragon, le rôle de Sid a été refondu. Sid a subi une crise cardiaque le 13 mai 1967, moins de deux semaines après le début du tournage. La chanson utilisée par Bo et les autres pour tromper Abdul en lui faisant croire que des renforts arrivent est "Durch die grüne Heide", une chanson de marche utilisée par l'armée allemande pendant la Seconde Guerre mondiale.

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Un cornac est une personne qui travaille, s'occupe et monte quel animal ?

éléphant

Pour le projet d'apprentissage automatique, voir Apache Mahout. Un cornac est un cavalier, un dresseur ou un gardien d'éléphant. Habituellement, un cornac commence comme un garçon dans la profession familiale lorsqu'on lui confie un éléphant au début de sa vie. Ils restent liés les uns aux autres tout au long de leur vie. Étymologie Le mot cornac dérive des mots hindi mahaut (महौत) et mahavat (महावत), et originaire du sanscrit mahamatra (महामात्र). Un autre terme est cornac ou kornak, qui est entré dans de nombreuses langues européennes via le portugais. Ce mot dérive finalement du terme sanskrit karināyaka, un composé de karin (éléphant) et nayaka (chef). En tamoul, le mot utilisé est pahan, qui signifie « gardien d'éléphant », et en cinghalais kurawanayaka (« maître d'écurie »). En malayalam, le mot utilisé est paappaan. En Birmanie, la profession s'appelle oozie ; en Thaïlande, kwan-chang ; et au Vietnam quản tượng. Équipement Les outils les plus couramment utilisés par les cornacs sont les chaînes et le aiguillon Aṅkuśa (ou ankus, anlius) – un crochet métallique pointu utilisé pour dresser et manipuler l'éléphant en le poignardant à la tête et dans des zones comme la bouche et l'oreille interne. , là où l'animal est le plus sensible. En Inde, notamment au Kerala, les cornacs utilisent trois types de dispositifs pour contrôler les éléphants. Le thotti (crochet), qui mesure 3,5 pieds de longueur et environ 1 pouce d'épaisseur ; le valiya kol (longue perche), qui mesure 10,5 pieds de longueur et environ 1 pouce d'épaisseur ; et le cheru kol (perche courte). Société Les éléphants, et donc aussi les cornacs, font depuis longtemps partie intégrante de la politique et de l’économie de toute l’Asie du Sud et du Sud-Est. Les animaux sont offerts à la demande des ministres du gouvernement et parfois sous forme de cadeaux. En plus des métiers plus traditionnels, les cornacs sont aujourd'hui employés dans de nombreux pays par les services forestiers et l'industrie forestière, ainsi que dans le tourisme. En Inde, il y a eu une controverse au sujet des éléphants attaquant les cornacs et les villageois en raison de la torture que certains éléphants subissent de la part de leurs cornacs, en particulier lors des festivals. Plus de 90 % des éléphants du Kerala, par exemple, ne sont pas obtenus légalement. Culture Le zoo de Singapour présente un spectacle intitulé "Les éléphants au travail et aux jeux", dans lequel les gardiens des éléphants sont appelés "cornacs", et montre comment les éléphants sont utilisés comme bêtes de somme en Asie du Sud-Est. Les ordres verbaux donnés aux éléphants par les cornacs sont tous en cingalais, l'une des deux langues officielles du Sri Lanka. Une vitrine de magasin annonçant les cigarettes « Mahout » figure en bonne place à l'arrière-plan de la séquence « rain dance » du film Gene Kelly de 1952 Singin' in the Rain. Le mot « mahout » figure également dans les paroles de la chanson « Drop the Pilot », de Joan Armatrading. L'essai de George Orwell « Tirer sur un éléphant » discute de la relation entre un éléphant et son cornac : « Ce n'était pas, bien sûr, un éléphant sauvage, mais un éléphant apprivoisé qui était devenu « incontournable ». Il avait été enchaîné, comme le sont toujours les éléphants apprivoisés lorsque leur attaque de « must » est imminente, mais la nuit précédente, il avait brisé sa chaîne et s'était échappé de son cornac, la seule personne qui pouvait le gérer lorsqu'il était dans cet état. , s'était lancé à sa poursuite, mais avait pris la mauvaise direction et se trouvait désormais à douze heures de route..."

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Combien de médailles les États-Unis ont-ils remportés aux Jeux olympiques d'hiver de 2010 ?

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Les Jeux olympiques d'hiver de 2010, officiellement connus sous le nom de XXIes Jeux olympiques d'hiver (français : Les XXIes Jeux olympiques d'hiver) et communément appelés Vancouver 2010, officieusement les 21e Jeux olympiques d'hiver, étaient un événement multisports international majeur organisé du 12 février au 28 décembre 2010, à Vancouver, Colombie-Britannique, Canada, avec quelques événements organisés dans la banlieue de Richmond, West Vancouver et University Endowment Lands, ainsi que dans la station balnéaire de Whistler. Environ 2 600 athlètes de 82 nations ont participé à 86 épreuves dans quinze disciplines. Les Jeux olympiques et paralympiques ont été organisés par le Comité d'organisation de Vancouver (COVAN), dirigé par John Furlong. Les Jeux olympiques d'hiver de 2010 étaient les troisièmes Jeux olympiques organisés par le Canada et les premiers par la province de la Colombie-Britannique. Auparavant, le Canada avait accueilli les Jeux olympiques d'été de 1976 à Montréal, au Québec, et les Jeux olympiques d'hiver de 1988 à Calgary, en Alberta. Suivant la tradition olympique, Sam Sullivan, alors maire de Vancouver, a reçu le drapeau olympique lors de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'hiver de 2006 à Turin, en Italie. Le drapeau a été hissé le 28 février 2006 lors d'une cérémonie spéciale et a été exposé à l'hôtel de ville de Vancouver jusqu'à la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques. L'événement a été officiellement ouvert par la gouverneure générale Michaëlle Jean, accompagnée du premier ministre Stephen Harper et du président du Comité international olympique, Jacques Rogge. Pour la première fois, le Canada a remporté l'or dans un sport « officiel » lors de Jeux olympiques organisés au pays, après avoir échoué aux Jeux olympiques d'été de 1976 à Montréal et aux Jeux olympiques d'hiver de 1988 à Calgary (bien que le Canada ait remporté une médaille d'or en le sport de démonstration qu'est le curling à Calgary). Le Canada a décroché sa première médaille d'or lors de la deuxième journée de compétition et a dominé le total des médailles d'or lors de l'avant-dernière journée de compétition et est devenu le premier pays hôte depuis la Norvège en 1952 à mener le décompte des médailles d'or. Avec 14, le Canada a battu le record du plus grand nombre de médailles d'or remportées lors d'un seul Jeux olympiques d'hiver, qui était de 13, établi par l'ex-Union soviétique en 1976 et la Norvège en 2002. Les États-Unis ont remporté le plus de médailles au total, leur deuxième fois. ainsi aux Jeux olympiques d'hiver, et a battu le record du plus grand nombre de médailles remportées lors d'un seul Jeux olympiques d'hiver avec 37, record détenu jusqu'alors par l'Allemagne en 2002 avec 36 médailles. Les athlètes de Slovaquie et de Biélorussie ont remporté les premières médailles d'or des Jeux olympiques d'hiver pour leur pays. Offre et préparatifs L'Association olympique canadienne a choisi Vancouver comme ville candidate canadienne plutôt que Calgary, qui cherchait à accueillir à nouveau les Jeux, et Québec, qui avait perdu la candidature olympique de 2002 en 1995. Au premier tour de scrutin, le 21 novembre 1998, Vancouver- Whistler avait 26 voix, Québec 25 et Calgary 21. Le 3 décembre 1998, le deuxième et dernier tour de scrutin a eu lieu entre les deux principaux prétendants, qui a vu Vancouver gagner avec 40 voix contre 32 voix pour Québec. Vancouver avait également déjà postulé pour les jeux de 1976 et de 1980. Après le scandale de corruption entourant la candidature de Salt Lake City aux Jeux olympiques d'hiver de 2002 (qui a amené la ville de Québec à demander une compensation (8 millions de dollars canadiens) pour sa candidature infructueuse), de nombreuses règles du processus de candidature ont été modifiées en 1999. Le Comité International Olympique (CIO) a créé la commission d'évaluation, qui a été nommée le 24 octobre 2002. Avant la candidature pour les Jeux olympiques d'été de 2008, les villes hôtes transportaient souvent les membres du CIO vers leur ville où ils visitaient la ville et. ont reçu des cadeaux. Le manque de contrôle et de transparence a souvent donné lieu à des allégations d’argent destiné aux votes. Par la suite, les changements apportés par les règles de candidature du CIO ont été renforcés et davantage axés sur les aspects techniques des villes candidates. L'équipe a analysé les caractéristiques des villes candidates et a fait part de ses commentaires au CIO. Vancouver a remporté la candidature pour accueillir les Jeux olympiques grâce à un vote du Comité international olympique le 2 juillet 2003, lors de la 115e Session du CIO tenue à Prague, en République tchèque. Le résultat a été annoncé par le président du CIO, Jacques Rogge. Vancouver a affronté deux autres finalistes présélectionnés le même mois de février : Pyeongchang, en Corée du Sud, et Salzbourg, en Autriche. Parmi les trois villes, Pyeongchang a obtenu le plus de voix au premier tour de scrutin, au cours duquel Salzbourg a été éliminé. Lors du second tour, tous les députés qui avaient voté pour Salzbourg, sauf deux, ont voté pour Vancouver. Il s'agit du vote le plus serré du CIO depuis que Sydney, en Australie, a battu Pékin pour les Jeux olympiques d'été de 2000 par deux voix. La victoire de Vancouver est survenue près de deux ans après que la candidature de Toronto aux Jeux olympiques d'été de 2008 ait été rejetée par Pékin lors d'un vote écrasant. Le Comité olympique de Vancouver (COVAN) a dépensé 16,6 millions de dollars canadiens pour moderniser les installations de Cypress Mountain, qui ont accueilli les épreuves de style libre (sauts aériens, bosses, ski cross) et de snowboard. Avec l'ouverture en février 2009 du Centre olympique/paralympique de Vancouver à Hillcrest Park, d'une valeur de 40 millions de dollars canadiens, qui a accueilli le curling, tous les sites sportifs des Jeux de 2010 ont été achevés à temps et au moins un an avant les Jeux. Données financières Opérations En 2004, le coût opérationnel des Jeux olympiques d'hiver de 2010 était estimé à 1 354 milliards de dollars canadiens (environ 828 499 787 £, 975 033 598 € ou 1 314 307 896 $ US). À la mi-2009, il était prévu qu'il s'élève à 1,76 milliard de dollars canadiens, provenant principalement de sources non gouvernementales, principalement par le biais de parrainages et de ventes aux enchères de droits de diffusion nationaux. Un budget de 580 millions de dollars canadiens a été financé par les contribuables pour construire ou rénover des sites à Vancouver et à Whistler. Un audit final mené par PricewaterhouseCoopers et publié en décembre 2010 a révélé que le coût total de fonctionnement s'élevait à 1,84 milliard de dollars et qu'il était conforme au budget, ce qui n'a entraîné ni excédent ni déficit. La construction des sites a également respecté le budget, avec un coût total de 603 millions de dollars. L'étude de PricewaterhouseCoopers estime une contribution totale à l'économie de la Colombie-Britannique à 2,3 milliards de dollars de produit intérieur brut, ainsi qu'à la création de 45 000 emplois et à une contribution de 463 millions de dollars supplémentaires à l'industrie du tourisme, tandis que la construction de sites par le COVAN et des tiers a ajouté 1,22 milliard de dollars à l'économie. bien loin des 10 milliards de dollars prévus par le premier ministre Gordon Campbell. L'étude indique également que l'accueil des Jeux olympiques est l'une des nombreuses raisons pour lesquelles la dette provinciale a augmenté de 24 milliards de dollars au cours de la décennie. En 2011, le vérificateur général provincial a refusé de procéder à un audit après les Jeux. Frais de sécurité On s'attendait à ce que 200 millions de dollars canadiens soient dépensés pour la sécurité, qui était organisée par un organisme spécial, l'Unité intégrée de sécurité, dont la Gendarmerie royale du Canada (GRC) était l'agence principale ; d'autres organismes gouvernementaux tels que le service de police de Vancouver, l'Agence des services frontaliers du Canada, les Forces canadiennes et les services de police de tout le Canada. Le Service canadien du renseignement de sécurité (SCRS) a également joué un rôle. Ce chiffre s'est révélé plus tard être de l'ordre de 1 milliard de dollars canadiens, soit un montant plus de cinq fois supérieur à ce qui avait été initialement estimé. Lieux Certains sites, dont l'Anneau olympique de Richmond, se trouvaient au niveau de la mer, une rareté pour les Jeux d'hiver. Les Jeux de 2010 ont également été les premiers – d’hiver ou d’été – à avoir eu une cérémonie d’ouverture en salle. Vancouver était la ville la plus peuplée à avoir jamais organisé les Jeux d'hiver. En février, mois où ont eu lieu les Jeux, Vancouver a une température moyenne de . La température moyenne mesurée à l'aéroport international de Vancouver était celle du mois de février 2010. Les cérémonies d'ouverture et de clôture ont eu lieu au BC Place Stadium, qui a bénéficié de plus de 150 millions de dollars canadiens en rénovations majeures. Les sites de compétition du Grand Vancouver comprenaient le Pacific Coliseum, le Centre olympique/paralympique de Vancouver, le Centre des sports d'hiver de l'UBC, l'Anneau olympique de Richmond et Cypress Mountain. GM Place (maintenant connue sous le nom de Rogers Arena), domicile des Canucks de Vancouver de la LNH, a accueilli des événements de hockey sur glace et a été rebaptisée Canada Hockey Place pour la durée des Jeux, car le parrainage d'entreprise n'est pas autorisé pour un site olympique. Les rénovations comprenaient le retrait de la publicité de la surface de la glace et la conversion de certains sièges pour accueillir les médias. Les Jeux olympiques d'hiver de 2010 ont marqué la première fois qu'un match de hockey olympique était joué sur une patinoire dimensionnée selon les règles de la LNH plutôt que selon les spécifications internationales. Les sites de compétition à Whistler comprenaient Whistler Creekside à la station de ski de Whistler Blackcomb, le parc olympique de Whistler, le Whistler Celebration Plaza et le Whistler Sliding Centre. Les Jeux d'hiver de 2010 ont marqué la première fois que la consommation d'énergie des sites olympiques était suivie en temps réel et mise à la disposition du public. Les données énergétiques ont été collectées à partir des systèmes de comptage et d'automatisation des bâtiments de neuf des sites olympiques et ont été affichées en ligne via le projet Venue Energy Tracker. Commercialisation Leo Obstbaum (1969-2009), ancien directeur du design des Jeux olympiques d'hiver de 2010, a supervisé et conçu bon nombre des principaux symboles des Jeux, notamment les mascottes, les médailles et le design des torches olympiques. Le logo des Jeux olympiques d'hiver de 2010 a été dévoilé le 23 avril 2005 et s'appelle Ilanaaq l'Inunnguaq. Ilanaaq est le mot inuktitut pour ami. Le logo était basé sur l'Inukshuk (un monument en pierre ou cairn) construit par Alvin Kanak pour le pavillon des Territoires du Nord-Ouest à l'Expo 86 et donné à la ville de Vancouver après l'événement. Il est maintenant utilisé comme point de repère sur la plage de la baie English. Les mascottes des Jeux olympiques et paralympiques d'hiver de 2010 ont été conçues par Vicki Wong et Michael C. Murphy de Meomi Design et présentées le 27 novembre 2007. Inspirées des créatures traditionnelles des Premières Nations, les mascottes comprennent : * Miga — Un ours de mer mythique, en partie orque et en partie ours Kermode. * Quatchi — Un sasquatch, qui porte des bottes d'hiver et des cache-oreilles bleus. * Sumi — Un esprit gardien animal qui porte le chapeau d'une orque, vole avec les ailes du puissant Thunderbird et court sur les fortes pattes poilues d'un ours noir. * Mukmuk — Une marmotte de l'île de Vancouver. La Monnaie royale canadienne a produit une série de pièces commémoratives célébrant les Jeux de 2010 et, en partenariat avec CTV, a permis aux utilisateurs de voter pour les 10 meilleurs moments olympiques canadiens d'hiver ; où des dessins honorant les trois premiers ont été ajoutés à la série de pièces. Postes Canada a émis de nombreux timbres pour commémorer les Jeux de Vancouver, dont un pour chacune des mascottes et un pour célébrer la première médaille d'or remportée au Canada. Les services postaux de nombreux pays ont également émis des timbres, comme les États-Unis, l'Allemagne, l'Australie (qui remettent aux médaillés une copie des timbres à leur image), l'Autriche, la Biélorussie, la Croatie, la République tchèque, l'Estonie, la France, l'Italie, le Liechtenstein, Lituanie, Pologne, Suisse, Turquie et Ukraine. Deux jeux vidéo officiels ont été publiés pour commémorer les Jeux : Mario et Sonic aux Jeux Olympiques d'hiver est sorti sur Wii et Nintendo DS en octobre 2009, tandis que Vancouver 2010 est sorti en janvier 2010 sur Xbox 360, Windows et PlayStation 3. les chansons thématiques des Jeux d'hiver de 2010 utilisées par le Consortium médiatique de diffusion olympique du Canada (communément connu sous le nom de CTV Olympics) étaient « I Believe » interprété par Nikki Yanofsky et « J'imagine » interprété par Annie Villeneuve. Trois albums, Les hymnes du hockey du Canada : Les sons des Jeux olympiques d'hiver de 2010 à Vancouver, Les sons de Vancouver 2010 : Album commémoratif de la cérémonie d'ouverture et Les sons de Vancouver 2010 : Album commémoratif de la cérémonie de clôture, composés, arrangés et produits par Dave Pierce, ont été lancés pour accompagner les jeux. La direction musicale de Pierce pour les cérémonies d'ouverture et de clôture l'a amené à remporter le Primetime Emmy Award pour « Direction musicale exceptionnelle » en 2010. Couverture médiatique Les Jeux Olympiques de Vancouver ont été diffusés dans le monde entier par un certain nombre de chaînes de télévision. Comme les droits des Jeux de 2010 ont été regroupés avec ceux des Jeux olympiques d'été de 2012, les diffuseurs étaient en grande partie identiques pour les deux événements. Le diffuseur hôte était Olympic Broadcasting Services Vancouver, une filiale de la nouvelle unité de diffusion interne du CIO, Olympic Broadcasting Services (OBS). Les Jeux olympiques de 2010 ont marqué les premiers Jeux où les installations de diffusion hôte étaient fournies uniquement par OBS. La directrice générale d'Olympic Broadcasting Services Vancouver était Nancy Lee, ancienne productrice et directrice de CBC Sports. Au Canada, les Jeux ont été les premiers Jeux olympiques diffusés par un nouveau consortium médiatique de diffusion olympique dirigé par CTVglobemedia et Rogers Media, remplaçant l'ancien diffuseur CBC Sports. La couverture principale en langue anglaise a été diffusée sur le réseau de télévision CTV, tandis que la programmation supplémentaire a été principalement diffusée sur TSN et Rogers Sportsnet. La couverture principale en français a été diffusée sur V et RDS. Aux États-Unis, Associated Press (AP) a annoncé qu'elle enverrait 120 journalistes, photographes, rédacteurs et vidéastes pour couvrir les Jeux au nom des médias d'information du pays. Le coût de leur couverture des Jeux olympiques a incité AP à faire un « véritable départ pour la couverture en ligne du service télégraphique ». Plutôt que de simplement fournir du contenu, l'entreprise s'est associée à plus de 900 journaux et diffuseurs qui se partagent les revenus publicitaires générés par un ensemble multimédia produit par AP comprenant des vidéos, des photos, des statistiques, des articles et une diffusion Web quotidienne. La couverture d'AP comprenait un microsite avec des widgets Web facilitant l'intégration avec les services de réseaux sociaux et de bookmarking. Sur NBC, Bob Costas a animé l'émission télévisée aux heures de grande écoute, tandis qu'Al Michaels l'a fait pendant la journée. Ensemble, ils ont co-animé la couverture de la cérémonie de clôture par NBC. En France, les Jeux ont été couverts par France Télévisions, qui a inclus une couverture continue en direct sur son site Internet. Le thème officiel de la diffusion de l'émission hôte des Services de radiodiffusion olympiques était un morceau intitulé « City Of Ice » composé par Rob May et Simon Hill. Relais de la flamme Le relais de la flamme olympique est le transfert de la flamme olympique de l'ancienne Olympie, en Grèce, où se sont déroulés les premiers Jeux olympiques il y a des milliers d'années, jusqu'au stade de la ville accueillant les Jeux olympiques actuels. La flamme arrive juste à temps pour la cérémonie d'ouverture. Pour les Jeux olympiques d'hiver de 2010 à Vancouver, la flamme a été allumée à Olympie le 22 octobre 2009. Elle a ensuite voyagé de la Grèce, a traversé le pôle Nord jusqu'au Haut-Arctique canadien, puis à la côte ouest et à Vancouver. Le relais a commencé son long voyage au Canada depuis Victoria, la capitale de la Colombie-Britannique. Au Canada, la flamme a parcouru environ 45 000 km en 106 jours, ce qui en fait le parcours de relais le plus long dans un pays de l'histoire olympique. La flamme olympique a été portée par environ 12 000 Canadiens et a atteint plus de 1 000 communautés. Les porteurs du flambeau célèbres comprenaient Arnold Schwarzenegger, Steve Nash, Matt Lauer, Justin Morneau, Michael Bublé, Bob Costas, Shania Twain et des grands du hockey, dont Sidney Crosby, Wayne Gretzky et les capitaines des deux équipes des Canucks de Vancouver qui se sont rendues à la finale de la Coupe Stanley. : Trevor Linden () et Stan Smyl (). Les jeux Comités Nationaux Olympiques participants 82 Comités Nationaux Olympiques (CNO) ont inscrit des équipes aux Jeux olympiques d'hiver de 2010. Les îles Caïmans, la Colombie, le Ghana, le Monténégro, le Pakistan, le Pérou et la Serbie ont fait leurs débuts olympiques d'hiver. La Jamaïque, le Mexique et le Maroc sont également revenus aux Jeux après avoir raté les Jeux de Turin. Les Tonga ont cherché à faire leurs débuts aux Jeux olympiques d'hiver en inscrivant un seul concurrent en luge, attirant l'attention des médias, mais il s'est écrasé lors du dernier tour de qualification. Le Luxembourg a qualifié deux athlètes mais n'a pas participé car l'un n'a pas atteint les critères fixés par le CNO et l'autre s'est blessé avant les Jeux. Ci-dessous, une carte des nations participantes et une liste des nations avec le nombre de concurrents indiqué entre parenthèses. Les nations suivantes qui ont participé aux précédents Jeux d'hiver de Turin n'ont pas participé à Vancouver : * * * * * * * Des sports 86 épreuves réparties dans 15 disciplines dans 7 sports ont été incluses aux Jeux olympiques d'hiver de 2010. Les trois disciplines sportives de patinage étaient le patinage artistique, le patinage de vitesse et le patinage de vitesse sur courte piste. Les six disciplines sportives du ski étaient le ski alpin, le ski de fond, le style libre, le combiné nordique, le saut à ski et le snowboard. Les deux disciplines sportives du bobsleigh étaient le bobsleigh et le skeleton. Les quatre autres sports étaient le biathlon, le curling, le hockey sur glace et la luge. Les chiffres entre parenthèses indiquent le nombre d’épreuves médaillées disputées dans chaque discipline. * * * * * * * * * * * * * * * Les cérémonies d'ouverture et de clôture ainsi que les épreuves classées comme sports de glace (excluant le bobsleigh, la luge et le skeleton) ont eu lieu à Vancouver et à Richmond. Les sports classés comme « épreuves nordiques » ont eu lieu dans la vallée de Callaghan, située juste à l'ouest de Whistler. Toutes les épreuves de ski alpin ont eu lieu au mont Whistler (Creekside) et les épreuves de glisse (bobsleigh, luge et skeleton) ont eu lieu au mont Blackcomb. Cypress Mountain (situé dans le parc provincial Cypress à West Vancouver) a accueilli les épreuves de ski acrobatique (aériens, bosses et ski cross) et toutes les épreuves de snowboard (half-pipe, slalom géant parallèle, snowboard cross). Vancouver 2010 a également été les premiers Jeux olympiques d'hiver au cours desquels le hockey masculin et féminin s'est déroulé sur une patinoire plus étroite, de la taille de la LNH, mesurant 200 pi × 85 pi (61 m × 26 m), au lieu de la taille internationale de 200 pi ×. 98,5 pieds (61 m × 30 m). Les matchs se sont déroulés à General Motors Place (maintenant Rogers Arena), domicile des Canucks de Vancouver de la LNH, qui a été temporairement rebaptisé Canada Hockey Place pour la durée des Jeux olympiques. L'utilisation de ce site existant au lieu de construire une nouvelle patinoire de taille internationale a permis d'économiser 10 millions de dollars en coûts de construction et a permis à 35 000 spectateurs supplémentaires d'assister aux matchs de hockey olympiques. Cependant, certains pays européens ont exprimé leurs inquiétudes face à cette décision, craignant qu'elle puisse donner un avantage aux joueurs nord-américains puisqu'ils ont grandi en jouant sur des patinoires plus petites de la LNH. En revanche, le seul autre site de la LNH à accueillir le hockey olympique, l'Olympic Saddledome des Flames de Calgary, a commencé sa construction avant que Calgary ne remporte la candidature pour les Jeux olympiques d'hiver de 1988 et a été conçu pour accueillir une patinoire internationale. Il a été proposé d'inclure un certain nombre d'événements aux Jeux olympiques d'hiver de 2010. Le 28 novembre 2006, la commission exécutive du CIO, lors de sa réunion au Koweït, a voté l'inclusion du ski cross dans le programme officiel. Le Comité olympique de Vancouver (COVAN) a par la suite approuvé l'événement pour qu'il fasse officiellement partie du programme des Jeux. Les événements proposés pour inclusion mais finalement rejetés comprenaient : * Relais mixte biathlon * Curling double mixte * Ski alpin en équipe * Equipe de bobsleigh et skeleton * Luge en équipe * Saut à ski féminin La question de l'exclusion du saut à ski féminin a abouti devant la Cour suprême de la Colombie-Britannique à Vancouver du 21 au 24 avril 2009, avec un verdict le 10 juillet excluant le saut à ski féminin des Jeux de 2010.[http://www.vancouver2010 .com/en/news/news-releases/-/69788/32566/1lthni5/vancouver-2010-statement-of-bc.html Vancouver2010.com 10 juillet 2009, article sur l'exclusion du saut à ski féminin des Jeux de 2010 [http: //wayback.archive.org/web/20091224074218/http://www.cbc.ca/olympics/story/2009/12/22/bc-oly-women-scoc.html cbc.ca 22 décembre 2009, Suprême Le tribunal rejette les sauteuses à ski féminines.] – consulté le 22 décembre 2009. Pour atténuer l'exclusion, les organisateurs du COVAN ont invité les femmes de partout au Canada à participer au parc olympique de Whistler, y compris à la Coupe continentale en janvier 2009. Le saut à ski féminin a été inclus dans l'hiver 2014. Jeux olympiques de Sotchi, en Russie. Calendrier Toutes les heures sont exprimées en heure standard du Pacifique (UTC-8). Dans le calendrier suivant des Jeux olympiques d'hiver de 2010, chaque case bleue indique qu'une compétition événementielle, telle qu'une épreuve de qualification, a eu lieu ce jour-là. Les cases jaunes représentent les jours au cours desquels des finales de remise de médailles pour un sport ont eu lieu, le nombre dans ces cases représentant le nombre de finales disputées ce jour-là. Tableau des médailles Les dix meilleurs CNO classés par nombre de médailles d'or sont répertoriés ci-dessous. Le pays hôte, le Canada, est mis en avant. Pour trier ce tableau par nation, nombre total de médailles ou toute autre colonne, cliquez sur l'icône à côté du titre de la colonne. Préoccupations et controverses Certains membres de la presse étrangère, notamment les organisateurs de Londres 2012, avaient critiqué le manque de décorations de la ville pour reconnaître que Vancouver était l'hôte des Jeux. Les projets initiaux visant à décorer la ville aux couleurs olympiques, une tradition suivie par d'autres villes hôtes récentes des Jeux, ont été annulés pour plusieurs raisons. Les militants anti-Jeux ont vandalisé à plusieurs reprises les monuments existants des Jeux olympiques de 2010, tels que le compte à rebours, obligeant la ville à installer des caméras de vidéosurveillance, et l'ajout de décorations supplémentaires pour les Jeux aurait inévitablement nécessité une plus grande présence de sécurité pour dissuader les manifestants. Le COVAN a donc choisi de minimiser ces symboles pour éviter faire de la ville un État policier. Outre l'opposition locale, les coupes budgétaires ont également contraint les organisateurs à revoir à la baisse leurs projets élaborés. Le COVAN a initialement bénéficié d'un boom économique et a pu obtenir des parrainages nationaux lucratifs et records, mais cette période de boom a également souffert de la hausse rapide des coûts de construction et de main-d'œuvre. En raison de ces facteurs, ainsi que de la crise financière et de la récession économique de la fin des années 2000, le COVAN a construit des sites fonctionnels minimalistes avec peu d'attrait esthétique, bien qu'ils aient été bien conçus pour une utilisation après les Jeux. Cette approche, ainsi que le fait que la plupart des infrastructures existaient déjà, signifiaient que les coûts directs des Jeux de Vancouver étaient bien inférieurs à ceux des éditions olympiques récentes. Avant le début des Jeux et au fur et à mesure de leur lancement, un certain nombre de préoccupations et de controverses ont fait surface et ont retenu l'attention des médias. Quelques heures avant la cérémonie d'ouverture, le lugeur géorgien Nodar Kumaritashvili a été tué lors d'un entraînement, ce qui a intensifié les questions sur la sécurité du parcours et incité les organisateurs à mettre en œuvre des modifications rapides. Cependant, les officiels ont conclu qu'il s'agissait d'une erreur de l'athlète plutôt que d'un défaut de la piste. La Fédération Internationale de Luge a convoqué une réunion d'urgence après l'accident et toutes les autres séances d'entraînement ont été annulées pour la journée. Le président géorgien, Mikheil Saakashvili, a remercié les hôtes pour la manière dont ils ont géré la mort de Kumaritashvili, notamment une minute de silence et un hommage à Kumaritashvili lors de la cérémonie d'ouverture. Un critique a remis en question le choix de Cypress Mountain comme site en raison de son manque fréquent de neige dû à El Niño. En raison de cette possibilité, les organisateurs avaient prévu un plan d'urgence pour acheminer la neige par camion depuis Manning Park, à environ 250 km à l'est de la ville. Cela a permis aux événements de se dérouler comme prévu. Les décisions politiques impliquant l'annulation des logements sociaux promis et la création d'une communauté aux milieux économiques mixtes pour l'utilisation du village des athlètes après les Jeux ont été critiquées. Les cérémonies d'ouverture ont été interrompues tandis que les organisateurs ont dû faire face à des problèmes mécaniques lors de la cérémonie d'allumage de la vasque. Les épreuves de patinage de vitesse ont été retardées en raison de pannes des surfaceuses fournies par Olympia, sponsor officiel des Jeux. Des milliers de billets ont été annulés par les organisateurs lorsque les conditions météorologiques ont rendu dangereuses les zones réservées aux places debout. Les visiteurs étaient également mécontents du fait que, comme lors des Jeux olympiques précédents, les cérémonies de remise des médailles nécessitaient une entrée séparée et que les blocs de billets VIP réservés aux sponsors et aux dignitaires n'étaient pas utilisés lors des événements. Parmi d'autres problèmes et plaintes, citons la confusion des responsables de la course au début des courses de poursuite de biathlon masculin et féminin du 16 février, et l'accès restreint à la vasque de la flamme olympique sur le front de mer de Vancouver. Opposition L'opposition aux Jeux olympiques a été exprimée par des militants et des politiciens, notamment le maire du Lower Mainland, Derek Corrigan. et Richard Walton. De nombreux événements publics pré-olympiques organisés à Vancouver ont réuni des manifestants. Le samedi 13 février, dans le cadre d'une semaine de convergence anti-olympique, des manifestants ont brisé les vitrines du grand magasin The Bay, au centre-ville de Vancouver. Les manifestants ont ensuite fait valoir que le propriétaire de La Baie, la Compagnie de la Baie d'Hudson, « est un symbole de l'oppression coloniale depuis des siècles » ainsi qu'un sponsor majeur des Jeux olympiques de 2010. Il y avait plusieurs autres raisons pour l'opposition, dont certaines sont décrites dans les livres d'Helen Jefferson Lenskyj Olympic Industry Resistance (2007) et Inside the Olympic Industry (2000).[http://www.sunypress.edu/p-4631-olympic -industry-resistance.aspx Résistance de l'industrie olympique] Ces problèmes comprennent : * Déplacement des résidents à faible revenu. * Traite d'êtres humains anticipée à des fins de prostitution forcée. Opposition des Premières Nations Même si les gouvernements autochtones des Squamish, Musqueam, Lil'wat et Tsleil-Waututh (les « quatre Premières Nations hôtes »), sur le territoire traditionnel desquels les Jeux ont eu lieu, ont signé un protocole en 2004 en faveur des jeux, il y a eu une opposition. aux Jeux olympiques de la part de certains groupes et partisans autochtones. Bien que la branche Lil'wat de la nation St'at'imc co-organise les Jeux, un groupe dissident de la bande Seton connue sous le nom de St'at'imc de Sutikalh, qui s'est également opposé à la station de ski de Cayoosh, craignaient que les Jeux olympiques n'attirent un tourisme et des ventes immobilières indésirables sur leur territoire. Sans lien avec les quatre nations hôtes ou d'autres groupes autochtones, les membres de la Native Warrior Society ont retiré le drapeau olympique de son mât à l'hôtel de ville de Vancouver le 6 mars 2007. Les autochtones locaux, ainsi que les Inuits canadiens, ont d'abord exprimé leurs inquiétudes quant au choix d'un inukshuk comme symbole des Jeux, certains dirigeants inuits, comme l'ancien commissaire du Nunavut, Peter Irniq, déclarant que l'inukshuk est un symbole culturellement important pour eux. Il a déclaré que « les Inuits ne construisent jamais d'inuksuit avec une tête, des jambes et des bras. J'ai vu des inuksuit [construits] plus récemment, il y a 100 ans peut-être par des non-Inuits au Nunavut, avec une tête, des jambes et des bras. On ne les appelle pas inuksuit. sont appelés inunguat, imitation de l'homme. Les groupes autochtones locaux ont également exprimé leur mécontentement quant au fait que le design ne reflète pas la culture autochtone des Salish de la côte et des Salish de l'intérieur de la région dans laquelle les Jeux se déroulent, mais plutôt celle des Inuits, qui sont indigènes de l'Arctique, loin de Vancouver. Se doper Le 11 mars 2010, il a été rapporté que la skieuse de fond polonaise Kornelia Marek avait été testée positive à l'EPO par le Comité olympique polonais. S'ils étaient reconnus coupables de dopage par le Comité international olympique, Marek et les équipes de relais seraient disqualifiés et privés de leurs résultats à Vancouver. Elle serait également exclue des prochains Jeux olympiques d'hiver de Sotchi, en Russie, en 2014. Marek a nié avoir consommé des substances interdites, mais l'échantillon de secours « B » du laboratoire de dopage de Vancouver a confirmé l'échantillon « A ». Héritage Les foules massives de célébration au centre-ville de Vancouver ont été hautement saluées par le CIO. Jacques Rogge, président du CIO, a indiqué que "la façon dont Vancouver a accueilli ces Jeux a été extraordinaire. C'est vraiment quelque chose d'unique et cela a donné une excellente ambiance à ces Jeux". L'atmosphère entourant les Jeux olympiques et l'inclusion de délégués et d'invités étrangers ont également été saluées, de nombreux observateurs chevronnés des Jeux olympiques d'hiver plaçant les jeux au sommet, ou presque, de la liste des meilleurs Jeux olympiques d'hiver de tous les temps. Ce sont également les Jeux olympiques d’hiver les plus regardés depuis les Jeux olympiques de Lillehammer en 1994. Ils sont également mentionnés aux côtés des jeux d'été de Sydney 2000 en ce qui concerne la meilleure ambiance. Une grande partie est attribuée aux citoyens de Vancouver et du Canada. Très peu de membres des médias (surtout, et particulièrement les médias britanniques) ont critiqué l'initiative À nous le podium et ont critiqué les célébrations comme étant quelque peu nationalistes, mais ce n'était pas une opinion partagée par beaucoup. Certains ont suggéré que les médias britanniques émettaient ces critiques afin de rendre les prochains Jeux olympiques d'été de 2012 plus attrayants. Lord Sebastian Coe, président du comité d'organisation des Jeux olympiques de Londres de 2012, a assisté aux Jeux olympiques de Vancouver pour voir comment la ville a fait face aux défis liés à l'accueil. Lord Coe a noté que les Jeux s'étaient « progressivement remis de leur début tumultueux » et a demandé qu'il « n'ait jamais pensé que les Britanniques trouveraient des rivaux dans leur préoccupation pour la météo qui est presque élevée au rang d'événement olympique » et il a crédité le COVAN pour avoir relevé des défis imprévus tels que comme le temps anormalement chaud de Cypress Mountain. Coe a ajouté : "J'ai rarement vu une ville hôte aussi passionnée et aussi prête à accueillir les Jeux". Les Jeux olympiques de Vancouver ont également organisé et accueilli la première Pride House pour les athlètes LGBT de l'histoire de l'événement. Financement Directement à la suite des médailles du Canada aux Jeux olympiques de 2010, le gouvernement du Canada a annoncé dans le budget fédéral de 2010 un nouvel engagement de 34 millions de dollars au cours des deux prochaines années pour des programmes destinés aux athlètes qui envisagent de participer aux prochains Jeux olympiques. Cela s'ajoute à l'engagement de 11 millions de dollars par année du gouvernement fédéral dans le cadre du programme À nous le podium. De plus, suite à l'accueil des Jeux olympiques de 2010, le gouvernement de la Colombie-Britannique s'est engagé à rétablir le financement des programmes sportifs et du développement des athlètes au niveau de 2008, ce qui s'élève à 30 millions de dollars sur trois ans. Utilisation après les Jeux Olympiques Les arènes dans lesquelles les jeux se sont déroulés sont ouvertes au public. L'Anneau olympique de Richmond a depuis été transformé en centre sportif.

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« La Femme qui pleure » est l’œuvre de quel artiste ?

Pablo Picasso

La Femme qui pleure (60 × 49 cm, 23 ⅝ х 19 ¼ pouces) est une huile sur toile peinte par Pablo Picasso en France en 1937. Picasso a été intrigué par le sujet et a revisité le thème à plusieurs reprises cette année-là. Ce tableau était le dernier et le plus élaboré de la série. Il fait partie de la collection de la Tate de Londres depuis 1987 et est exposé à la Tate Modern de Londres. Dora Maar Dora Maar fut la maîtresse de Picasso de 1936 à 1944. Au cours de leur relation, Picasso la peignit sous diverses formes, certaines réalistes, certaines bénignes, d'autres torturées ou menaçantes. Picasso a expliqué : "Pour moi, c'est la femme qui pleure. Pendant des années, je l'ai peinte sous des formes torturées, ni par sadisme, ni avec plaisir non plus; simplement en obéissant à une vision qui s'est imposée à moi. C'était la réalité profonde, pas superficielle. ". "Dora, pour moi, a toujours été une femme qui pleurait... Et c'est important, parce que les femmes souffrent des machines." Versions précédentes La Femme qui pleure à la Tate Gallery est la dernière d'une série de tableaux de Picasso représentant ce sujet. L'une des versions antérieures a été volée à la National Gallery of Victoria à Melbourne, en Australie, en août 1986, et découverte dans un casier de gare à Melbourne plus tard le même mois. Les revendications des voleurs comprenaient une augmentation du financement des arts.

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Dans la mythologie grecque, Tirésias a révélé les crimes de qui ?

Œdipe

La mythologie grecque est l'ensemble des mythes et des enseignements appartenant aux Grecs de l'Antiquité, concernant leurs dieux et héros, la nature du monde, ainsi que les origines et la signification de leurs propres cultes et pratiques rituelles. Cela faisait partie de la religion de la Grèce antique. Les érudits modernes se réfèrent et étudient les mythes dans le but de faire la lumière sur les institutions religieuses et politiques de la Grèce antique et de sa civilisation, et de comprendre la nature même de la création des mythes. La mythologie grecque est explicitement incarnée dans une vaste collection de récits et implicitement dans les arts figuratifs grecs, tels que les peintures sur vases et les cadeaux votifs. Le mythe grec tente d'expliquer les origines du monde et détaille la vie et les aventures d'une grande variété de dieux, déesses, héros, héroïnes et créatures mythologiques. Ces récits furent initialement diffusés dans une tradition orale-poétique ; aujourd'hui, les mythes grecs sont principalement connus de la littérature grecque. Les sources littéraires grecques les plus anciennes connues, les poèmes épiques d'Homère, l'Iliade et l'Odyssée, se concentrent sur la guerre de Troie et ses conséquences. Deux poèmes d'Hésiode, proche contemporain d'Homère, la Théogonie et les Travaux et Jours, contiennent des récits sur la genèse du monde, la succession des dirigeants divins, la succession des âges humains, l'origine des malheurs humains et l'origine des pratiques sacrificielles. Les mythes sont également préservés dans les hymnes homériques, dans des fragments de poèmes épiques du cycle épique, dans des poèmes lyriques, dans les œuvres des tragédiens et des comédiens du Ve siècle avant JC, dans les écrits des savants et des poètes de l'époque hellénistique, et dans des textes de l'époque de l'Empire romain d'écrivains tels que Plutarque et Pausanias. Les découvertes archéologiques constituent une source principale de détails sur la mythologie grecque, les dieux et les héros figurant en bonne place dans la décoration de nombreux artefacts. Les dessins géométriques sur les poteries du VIIIe siècle avant JC représentent des scènes du cycle troyen ainsi que les aventures d'Héraclès. Dans les périodes archaïque, classique et hellénistique suivantes, des scènes homériques et diverses autres scènes mythologiques apparaissent, complétant les preuves littéraires existantes. La mythologie grecque a eu une grande influence sur la culture, les arts et la littérature de la civilisation occidentale et fait toujours partie du patrimoine et de la langue occidentale. Les poètes et les artistes de l’Antiquité jusqu’à nos jours se sont inspirés de la mythologie grecque et ont découvert l’importance et la pertinence contemporaines des thèmes. Sources La mythologie grecque est connue aujourd'hui principalement à partir de la littérature grecque et des représentations sur supports visuels datant de la période géométrique de c. 900-800 avant JC. En fait, les sources littéraires et archéologiques s'intègrent, parfois se soutiennent mutuellement et parfois s'opposent ; cependant, dans de nombreux cas, l’existence de ce corpus de données indique clairement que de nombreux éléments de la mythologie grecque ont de fortes racines factuelles et historiques. Sources littéraires La narration mythique joue un rôle important dans presque tous les genres de la littérature grecque. Néanmoins, le seul manuel mythographique général à avoir survécu de l'Antiquité grecque était la Bibliothèque du Pseudo-Apollodore. Cet ouvrage tente de réconcilier les récits contradictoires des poètes et fournit un grand résumé de la mythologie grecque traditionnelle et des légendes héroïques. Apollodore d'Athènes a vécu de c. 180-125 avant JC et a écrit sur plusieurs de ces sujets. Ses écrits ont peut-être constitué la base de la collection ; cependant la « Bibliothèque » discute des événements survenus longtemps après sa mort, d'où le nom de Pseudo-Apollodorus. Parmi les premières sources littéraires figurent les deux poèmes épiques d'Homère, l'Iliade et l'Odyssée. D'autres poètes ont complété le « cycle épique », mais ces poèmes plus récents et de moindre importance sont maintenant presque entièrement perdus. Malgré leur nom traditionnel, les « Hymnes homériques » n'ont aucun lien direct avec Homère. Ce sont des hymnes choraux du début de l’ère dite lyrique. Hésiode, un contemporain possible d'Homère, offre dans sa Théogonie (Origine des Dieux) le récit le plus complet des premiers mythes grecs traitant de la création du monde ; l'origine des dieux, des Titans et des Géants ; ainsi que des généalogies élaborées, des contes populaires et des mythes étiologiques. Les Œuvres et les Jours d'Hésiode, un poème didactique sur la vie agricole, comprend également les mythes de Prométhée, de Pandore et des Cinq Âges. Le poète donne des conseils sur la meilleure façon de réussir dans un monde dangereux, rendu encore plus dangereux par ses dieux. Les poètes lyriques tiraient souvent leurs sujets du mythe, mais leur traitement devenait progressivement moins narratif et plus allusif. Les poètes lyriques grecs, dont Pindare, Bacchylides et Simonides, et les poètes bucoliques tels que Théocrite et Bion, racontent des incidents mythologiques individuels. De plus, le mythe était au cœur du drame athénien classique. Les dramaturges tragiques Eschyle, Sophocle et Euripide ont tiré la plupart de leurs intrigues des mythes de l'âge des héros et de la guerre de Troie. Beaucoup de grandes histoires tragiques (par exemple Agamemnon et ses enfants, Œdipe, Jason, Médée, etc.) ont pris dans ces tragédies leur forme classique. Le dramaturge comique Aristophane a également utilisé des mythes, dans Les Oiseaux et Les Grenouilles. Les historiens Hérodote et Diodore de Sicile, ainsi que les géographes Pausanias et Strabon, qui ont voyagé à travers le monde grec et noté les histoires qu'ils ont entendues, ont fourni de nombreux mythes et légendes locales, donnant souvent des versions alternatives peu connues. Hérodote en particulier, a fouillé les différentes traditions qui lui étaient présentées et a trouvé les racines historiques ou mythologiques de la confrontation entre la Grèce et l'Orient. Hérodote a tenté de concilier les origines et le mélange de concepts culturels différents. La poésie des époques hellénistique et romaine était avant tout composée comme un exercice littéraire plutôt que cultuel. Néanmoins, il contient de nombreux détails importants qui autrement seraient perdus. Cette catégorie comprend les œuvres de : # Les poètes romains Ovide, Statius, Valerius Flaccus, Sénèque et Virgile avec le commentaire de Servius. # Les poètes grecs de l'Antiquité tardive : Nonnus, Antoninus Liberalis et Quintus Smyrnaeus. # Les poètes grecs de la période hellénistique : Apollonius de Rhodes, Callimaque, Pseudo-Eratosthène et Parthénius. Les prosateurs des mêmes périodes qui font référence aux mythes incluent Apulée, Pétrone, Lollianus et Héliodore. Deux autres sources non poétiques importantes sont les Fabulae et Astronomica de l'écrivain romain intitulées Pseudo-Hyginus, les Imagines de Philostrate l'Ancien et de Philostrate le Jeune, et les Descriptions de Callistrate. Enfin, un certain nombre d’écrivains grecs byzantins fournissent des détails importants sur le mythe, largement dérivés d’œuvres grecques antérieures aujourd’hui perdues. Ces conservateurs du mythe comprennent Arnobius, Hesychius, l'auteur de la Suda, John Tzetzes et Eustathius. Ils traitent souvent la mythologie dans une perspective moralisatrice chrétienne. Sources archéologiques La découverte de la civilisation mycénienne par l'archéologue amateur allemand Heinrich Schliemann au XIXe siècle, et la découverte de la civilisation minoenne en Crète par l'archéologue britannique Sir Arthur Evans au XXe siècle, ont contribué à expliquer de nombreuses questions existantes sur les épopées d'Homère et ont fourni des preuves archéologiques de nombreux détails mythologiques sur les dieux et les héros. Malheureusement, les preuves des mythes et des rituels sur les sites mycéniens et minoens sont entièrement monumentales, car l'écriture linéaire B (une forme ancienne du grec trouvée en Crète et en Grèce continentale) était principalement utilisée pour enregistrer des inventaires, bien que certains noms de dieux et de héros ont été provisoirement identifiés. Les dessins géométriques sur les poteries du VIIIe siècle avant JC représentent des scènes du cycle troyen, ainsi que les aventures d'Héraclès. Ces représentations visuelles des mythes sont importantes pour deux raisons. Premièrement, de nombreux mythes grecs sont attestés sur des vases plus tôt que dans les sources littéraires : parmi les douze travaux d'Héraclès, par exemple, seule l'aventure de Cerbère apparaît dans un texte littéraire contemporain. Deuxièmement, les sources visuelles représentent parfois des mythes ou des scènes mythiques qui ne sont attestées dans aucune source littéraire existante. Dans certains cas, la première représentation connue d'un mythe dans l'art géométrique est antérieure de plusieurs siècles à sa première représentation connue dans la poésie archaïque tardive. Dans les périodes archaïque (vers 750-vers 500 avant JC), classique (vers 480-323 avant JC) et hellénistique (323-146 avant JC), des scènes homériques et diverses autres scènes mythologiques apparaissent, complétant les preuves littéraires existantes. Enquête sur l'histoire mythique La mythologie grecque a changé au fil du temps pour s'adapter à l'évolution de leur culture, dont la mythologie, tant ouvertement que dans ses hypothèses tacites, est un indice des changements. Dans les formes littéraires survivantes de la mythologie grecque, que l'on retrouve principalement à la fin des changements progressifs, elle est intrinsèquement politique, comme l'a soutenu Gilbert Cuthbertson. Les premiers habitants de la péninsule balkanique étaient un peuple agricole qui, utilisant l'animisme, attribuait un esprit à chaque aspect de la nature. Finalement, ces esprits vagues ont pris des formes humaines et sont entrés dans la mythologie locale en tant que dieux. Lorsque les tribus du nord de la péninsule balkanique ont envahi le pays, elles ont amené avec elles un nouveau panthéon de dieux, basé sur la conquête, la force, les prouesses au combat et l'héroïsme violent. D’autres dieux plus anciens du monde agricole ont fusionné avec ceux des envahisseurs plus puissants ou sont devenus insignifiants. Après le milieu de la période archaïque, les mythes sur les relations entre les dieux masculins et les héros masculins sont devenus de plus en plus fréquents, indiquant le développement parallèle de la pédérastie pédagogique (erospaidikos, ), qui aurait été introduite vers 630 avant JC. À la fin du Ve siècle avant JC, les poètes avaient attribué au moins un éromène, un adolescent qui était leur compagnon sexuel, à tous les dieux importants à l'exception d'Arès et à de nombreuses figures légendaires. Les mythes antérieurs, comme ceux d'Achille et de Patrocle, étaient également présentés sous un jour pédérastique. Les poètes alexandrins d’abord, puis plus généralement les mythographes littéraires du début de l’Empire romain, réadaptèrent souvent ainsi les histoires de personnages mythologiques grecs. L’accomplissement de la poésie épique a été de créer des cycles d’histoires et, par conséquent, de développer un nouveau sens de la chronologie mythologique. Ainsi, la mythologie grecque se déroule comme une phase du développement du monde et des humains. Bien que les contradictions de ces histoires rendent impossible une chronologie absolue, une chronologie approximative peut être discernée. L'« histoire du monde » mythologique qui en résulte peut être divisée en trois ou quatre périodes plus larges : # Les mythes d'origine ou d'âge des dieux (Théogonies, « naissances des dieux ») : mythes sur les origines du monde, des dieux et du genre humain. # L'époque où les dieux et les mortels se mêlaient librement : histoires des premières interactions entre dieux, demi-dieux et mortels. # L'âge des héros (âge héroïque), où l'activité divine était plus limitée. La dernière et la plus grande des légendes héroïques est l’histoire de la guerre de Troie et après (qui est considérée par certains chercheurs comme une quatrième période distincte). Alors que l'âge des dieux a souvent été d'un plus grand intérêt pour les étudiants contemporains des mythes, les auteurs grecs des époques archaïque et classique avaient une nette préférence pour l'âge des héros, établissant une chronologie et un enregistrement des réalisations humaines après s'être demandé comment le monde est né ont été expliqués. Par exemple, l’Iliade et l’Odyssée héroïques ont éclipsé la Théogonie et les Hymnes homériques à caractère divin en termes de taille et de popularité. Sous l'influence d'Homère, le « culte des héros » conduit à une restructuration de la vie spirituelle, qui s'exprime dans la séparation du royaume des dieux et du royaume des morts (héros), du chthonien de l'Olympien. Dans les Travaux et les Jours, Hésiode utilise un schéma de quatre âges de l'homme (ou races) : l'or, l'argent, le bronze et le fer. Ces races ou âges sont des créations distinctes des dieux, l'âge d'or appartenant au règne de Cronos, les races ultérieures à la création de Zeus. La présence du mal était expliquée par le mythe de Pandore, lorsque tout le meilleur des capacités humaines, à l'exception de l'espoir, s'était répandu de son pot renversé. Dans Métamorphoses, Ovide suit le concept des quatre âges d'Hésiode. Origines du monde et des dieux Les « mythes d'origine » ou « mythes de création » représentent une tentative d'expliquer les débuts de l'univers en langage humain. La version la plus largement acceptée à l'époque, bien qu'il s'agisse d'un récit philosophique du début des choses, est rapportée par Hésiode, dans sa Théogonie. Il commence par le Chaos, un néant béant. Du vide ont émergé Gaia (la Terre) et quelques autres êtres divins primaires : Eros (l'Amour), les Abysses (le Tartare) et l'Erebus. Sans l'aide des hommes, Gaia a donné naissance à Uranus (le Ciel) qui l'a ensuite fécondée. De cette union naquirent d'abord les Titans, six mâles : Coeus, Crius, Cronus, Hyperion, Iapetus et Oceanus ; et six femelles : Mnemosyne, Phoebe, Rhea, Theia, Themis et Tethys. Après la naissance de Cronos, Gaia et Uranus ont décrété qu'aucun Titan ne devait plus naître. Ils furent suivis par les Cyclopes borgnes et les Hécatonchires ou Cent-Mains, qui furent tous deux jetés dans le Tartare par Uranus. Cela rendit Gaia furieuse. Cronos (« le rusé, le plus jeune et le plus terrible des enfants de Gaia ») fut convaincu par Gaia de castrer son père. Il fit cela et devint le dirigeant des Titans avec sa sœur-épouse Rhéa comme épouse, et les autres Titans devinrent sa cour. Un motif de conflit père contre fils s'est répété lorsque Cronos a été confronté à son fils, Zeus. Parce que Cronos avait trahi son père, il craignait que sa progéniture fasse de même, et donc chaque fois que Rhéa accoucheait, il s'emparait de l'enfant et le mangeait. Rhéa détestait cela et le trompa en cachant Zeus et en enveloppant une pierre dans une couverture de bébé, que Cronos mangea. Quand Zeus fut adulte, il donna à Cronos une boisson droguée qui le fit vomir, vomissant les autres enfants de Rhéa et la pierre qui était restée dans l'estomac de Cronos depuis le début. Zeus défia alors Cronos de faire la guerre pour la royauté des dieux. Finalement, avec l'aide des Cyclopes (que Zeus libéra du Tartare), Zeus et ses frères et sœurs furent victorieux, tandis que Cronos et les Titans furent jetés en prison dans le Tartare. Zeus était tourmenté par la même inquiétude et, après une prophétie selon laquelle la progéniture de sa première épouse, Métis, donnerait naissance à un dieu « plus grand que lui », Zeus l'avala. Mais elle était déjà enceinte d'Athéna, et elle sortit de sa tête, adulte et habillée pour la guerre. La première pensée grecque sur la poésie considérait les théogonies comme le genre poétique prototypique – le mythe prototypique – et lui imputait des pouvoirs presque magiques. Orphée, le poète archétype, était également l'archétype du chanteur des théogonies, qu'il utilise pour calmer les mers et les tempêtes dans l'Argonautique d'Apollonios, et pour émouvoir les cœurs de pierre des dieux du monde souterrain lors de sa descente vers l'Hadès. Lorsqu’Hermès invente la lyre dans l’Hymne homérique à Hermès, la première chose qu’il fait est de chanter la naissance des dieux. La Théogonie d'Hésiode est non seulement le récit le plus complet des dieux, mais aussi le récit le plus complet de la fonction du poète archaïque, avec sa longue invocation préliminaire aux Muses. La théogonie a également fait l'objet de nombreux poèmes perdus, y compris ceux attribués à Orphée, Musée, Épiménide, Abaris et d'autres voyants légendaires, qui étaient utilisés dans des purifications rituelles privées et des rites mystérieux. Certains éléments indiquent que Platon connaissait une certaine version de la théogonie orphique. Cependant, on aurait pu s'attendre à un silence sur les rites et croyances religieuses, et cette nature de la culture n'aurait pas été signalée par les membres de la société pendant que ces croyances étaient pratiquées. Une fois qu’ils ont cessé de devenir des croyances religieuses, peu de gens auraient connu ces rites et rituels. Il y avait cependant souvent des allusions à des aspects qui étaient tout à fait publics. Des images existaient sur des poteries et des œuvres d’art religieuses qui étaient interprétées et, plus probablement, mal interprétées dans de nombreux mythes et contes divers. Quelques fragments de ces œuvres survivent dans des citations de philosophes néoplatoniciens et des restes de papyrus récemment découverts. L'un de ces fragments, le Papyrus Derveni, prouve maintenant qu'au moins au cinquième siècle avant JC, un poème théogonique-cosmogonique d'Orphée existait.W. Burkert, Religion grecque, 236* G. Betegh, Le Papyrus Derveni, 147 Les premiers cosmologistes philosophiques ont réagi contre, ou parfois se sont appuyés sur, des conceptions mythiques populaires qui existaient depuis un certain temps dans le monde grec. Certaines de ces conceptions populaires peuvent être tirées de la poésie d’Homère et d’Hésiode. Chez Homère, la Terre était considérée comme un disque plat flottant sur le fleuve Océan et surplombé par un ciel hémisphérique avec le soleil, la lune et les étoiles. Le Soleil (Hélios) traversait les cieux comme un conducteur de char et naviguait autour de la Terre dans un bol doré la nuit. Le soleil, la terre, le ciel, les rivières et les vents pouvaient être abordés dans des prières et appelés à témoigner sous serment. Les fissures naturelles étaient généralement considérées comme les entrées de la maison souterraine d'Hadès et de ses prédécesseurs, la demeure des morts.* K. Algra, The Beginnings of Cosmology, 45. Les influences d'autres cultures ont toujours offert de nouveaux thèmes. Panthéon grec Selon la mythologie de l’époque classique, après le renversement des Titans, le nouveau panthéon des dieux et des déesses fut confirmé. Parmi les principaux dieux grecs figuraient les Olympiens, résidant sur le mont Olympe sous l'œil de Zeus. (La limitation de leur nombre à douze semble avoir été une idée relativement moderne.) Outre les Olympiens, les Grecs adoraient divers dieux de la campagne, le dieu satyre Pan, les Nymphes (esprits des rivières), les Naïades (qui habitaient les sources). ), les Dryades (qui étaient les esprits des arbres), les Néréides (qui habitaient la mer), les dieux des rivières, les Satyres et d'autres. À cela s’ajoutaient les puissances obscures du monde souterrain, comme les Erinyes (ou Furies), censées poursuivre les coupables de crimes contre les membres de la famille. Afin d’honorer le panthéon de la Grèce antique, les poètes ont composé les Hymnes homériques (un groupe de trente-trois chants). Gregory Nagy considère « les plus grands hymnes homériques comme de simples préludes (par rapport à la théogonie), dont chacun invoque un dieu ». Les dieux de la mythologie grecque sont décrits comme ayant des corps essentiellement corporels mais idéaux. Selon Walter Burkert, la caractéristique déterminante de l'anthropomorphisme grec est que « les dieux grecs sont des personnes, et non des abstractions, des idées ou des concepts ». Quelle que soit leur forme sous-jacente, les dieux de la Grèce antique possèdent de nombreuses capacités fantastiques ; Plus important encore, les dieux ne sont pas affectés par la maladie et ne peuvent être blessés que dans des circonstances très inhabituelles. Les Grecs considéraient l’immortalité comme le caractère distinctif de leurs dieux ; cette immortalité, ainsi que cette jeunesse indéfectible, était assurée par l'usage constant du nectar et de l'ambroisie, par lesquels le sang divin se renouvelait dans leurs veines. Chaque dieu descend de sa propre généalogie, poursuit des intérêts différents, possède un certain domaine d'expertise et est gouverné par une personnalité unique ; cependant, ces descriptions résultent d'une multiplicité de variantes locales archaïques, qui ne concordent pas toujours entre elles. Lorsque ces dieux sont invoqués dans la poésie, la prière ou le culte, ils sont désignés par une combinaison de leur nom et d'épithètes, qui les identifient par ces distinctions par rapport à d'autres manifestations d'eux-mêmes (par exemple, Apollon Musagetes est « Apollon, [en tant que] chef des Muses"). Alternativement, l'épithète peut identifier un aspect particulier et localisé du dieu, parfois considéré comme déjà ancien à l'époque classique de la Grèce. La plupart des dieux étaient associés à des aspects spécifiques de la vie. Par exemple, Aphrodite était la déesse de l’amour et de la beauté, Ares était le dieu de la guerre, Hadès le souverain des enfers et Athéna la déesse de la sagesse et du courage. Certains dieux, comme Apollon et Dionysos, révélaient des personnalités complexes et des mélanges de fonctions, tandis que d'autres, comme Hestia (littéralement « foyer ») et Hélios (littéralement « soleil »), n'étaient guère plus que des personnifications. Les temples les plus impressionnants étaient généralement dédiés à un nombre limité de dieux, qui faisaient l'objet de grands cultes panhelléniques. Il était cependant courant que des régions et des villages individuels vouent leurs propres cultes à des dieux mineurs. De nombreuses villes honoraient également les dieux les plus connus avec des rites locaux inhabituels et leur associaient d'étranges mythes inconnus ailleurs. A l'époque héroïque, le culte des héros (ou demi-dieux) complétait celui des dieux. L'ère des dieux et des mortels Entre l’époque où les dieux vivaient seuls et l’époque où l’ingérence divine dans les affaires humaines était limitée, il y avait une époque de transition au cours de laquelle les dieux et les mortels évoluaient ensemble. C’étaient les premiers jours du monde où les groupes se mélangeaient plus librement qu’ils ne le furent plus tard. La plupart de ces contes ont été racontés plus tard par les Métamorphoses d'Ovide et sont souvent divisés en deux groupes thématiques : les contes d'amour et les contes de punition. Les histoires d'amour impliquent souvent l'inceste, ou la séduction ou le viol d'une femme mortelle par un dieu mâle, donnant naissance à une progéniture héroïque. Les histoires suggèrent généralement que les relations entre les dieux et les mortels sont quelque chose à éviter ; même les relations consentantes ont rarement une fin heureuse. Dans quelques cas, une divinité féminine s'accouple avec un homme mortel, comme dans l'hymne homérique à Aphrodite, où la déesse couche avec Anchise pour produire Enée. Le deuxième type (les récits de punition) implique l'appropriation ou l'invention d'un artefact culturel important, comme lorsque Prométhée vole le feu aux dieux, lorsque Tantale vole le nectar et l'ambroisie de la table de Zeus et les donne à ses propres sujets, leur révélant ainsi le secrets des dieux, quand Prométhée ou Lycaon inventent le sacrifice, quand Déméter enseigne l'agriculture et les Mystères à Triptolème, ou quand Marsyas invente l'aulos et se livre à un concours musical avec Apollon. Ian Morris considère les aventures de Prométhée comme « un lieu entre l'histoire des dieux et celle des hommes ». Un fragment de papyrus anonyme, daté du troisième siècle, décrit de manière vivante le châtiment infligé par Dionysos au roi de Thrace, Lycurgue, dont la reconnaissance du nouveau dieu est arrivée trop tard, entraînant d'horribles sanctions qui se sont prolongées jusque dans l'au-delà. L'histoire de l'arrivée de Dionysos pour établir son culte en Thrace a également fait l'objet d'une trilogie eschyléenne. Dans une autre tragédie, Les Bacchantes d'Euripide, le roi de Thèbes, Penthée, est puni par Dionysos, parce qu'il a manqué de respect au dieu et a espionné ses Ménades, les adoratrices du dieu. Dans une autre histoire, basée sur un vieux motif de conte populaire et faisant écho à un thème similaire, Déméter cherchait sa fille, Perséphone, ayant pris la forme d'une vieille femme appelée Doso, et reçut un accueil hospitalier de Celeus, le roi d'Eleusis. en Attique. En cadeau à Celeus, en raison de son hospitalité, Déméter avait prévu de faire de son fils Démophon un dieu, mais elle n'a pas pu terminer le rituel car sa mère Metanira est entrée et a vu son fils dans le feu et a crié de peur, ce qui a irrité Déméter. , qui déplorait que les mortels insensés ne comprennent pas le concept et le rituel. Âge héroïque L’époque dans laquelle vivaient les héros est connue sous le nom d’époque héroïque. La poésie épique et généalogique créait des cycles d'histoires regroupées autour de héros ou d'événements particuliers et établissait les relations familiales entre les héros de différentes histoires ; ils arrangeaient ainsi les histoires en séquence. Selon Ken Dowden, « il y a même un effet de saga : on peut suivre le destin de certaines familles au fil des générations successives ». Après l'essor du culte des héros, dieux et héros constituent la sphère sacrée et sont invoqués ensemble dans les serments et les prières qui leur sont adressées. Burkert note que « la liste des héros, encore une fois contrairement aux dieux, ne reçoit jamais de forme fixe et définitive. Les grands dieux ne naissent plus, mais de nouveaux héros peuvent toujours surgir de l'armée des morts ». Une autre différence importante entre le culte du héros et le culte des dieux est que le héros devient le centre de l’identité du groupe local. Les événements monumentaux d’Héraclès sont considérés comme l’aube de l’ère des héros. À l'âge héroïque sont également attribués trois grands événements : l'expédition argonautique, le cycle thébain et la guerre de Troie. Héraclès et les Héraclides Certains érudits pensent que derrière la mythologie complexe d'Héraclès se cachait probablement un homme réel, peut-être un chef vassal du royaume d'Argos. Certains érudits suggèrent que l'histoire d'Héraclès est une allégorie du passage annuel du soleil à travers les douze constellations du zodiaque. D'autres évoquent des mythes antérieurs provenant d'autres cultures, montrant l'histoire d'Héraclès comme une adaptation locale de mythes de héros déjà bien établis. Traditionnellement, Héraclès était le fils de Zeus et d'Alcmène, petite-fille de Persée. Ses fantastiques exploits solitaires, avec leurs nombreux thèmes de contes populaires, ont fourni beaucoup de matière à la légende populaire. Selon Burkert, « il est dépeint comme un sacrificateur, mentionné comme fondateur d'autels, et imaginé lui-même comme un mangeur vorace ; c'est dans ce rôle qu'il apparaît dans la comédie, tandis que sa fin tragique a fourni beaucoup de matière à la tragédie — Héraclès est considéré par Thalia Papadopoulou comme « une pièce de grande importance dans l'examen d'autres drames euripidiens ». Dans l'art et la littérature, Héraclès était représenté comme un homme extrêmement fort de taille modérée ; son arme caractéristique était l'arc mais souvent aussi la massue. la popularité sans précédent d'Héraclès, son combat avec le lion étant représenté plusieurs centaines de fois. Héraclès est également entré dans la mythologie et le culte étrusques et romains, et l'exclamation « mehercule » est devenue aussi familière aux Romains que « Hérakleis » l'était aux Grecs. En Italie, il était vénéré comme le dieu des marchands et des commerçants, bien que d'autres le priaient également pour ses dons caractéristiques de bonne chance ou de sauvetage du danger. Héraclès a atteint le plus haut prestige social grâce à sa nomination comme ancêtre officiel des rois doriens. Cela a probablement servi de légitimation aux migrations doriennes vers le Péloponnèse. Hyllus, le héros éponyme d'un phyle dorien, devint le fils d'Héraclès et l'un des Héraclès ou Héraclides (les nombreux descendants d'Héraclès, en particulier les descendants d'Hyllus - d'autres Héraclés comprenaient Macaria, Lamos, Manto, Bianor, Tlepolemus et Telephus. ). Ces Héraclides ont conquis les royaumes du Péloponnèse de Mycènes, Sparte et Argos, revendiquant, selon la légende, le droit de les gouverner par l'intermédiaire de leur ancêtre. Leur ascension vers la domination est souvent appelée « l'invasion dorienne ». Les rois lydiens et plus tard macédoniens, en tant que dirigeants du même rang, devinrent également des Heracleidae. D'autres membres de cette première génération de héros, tels que Persée, Deucalion, Thésée et Bellérophon, ont de nombreux traits communs avec Héraclès. Comme lui, leurs exploits sont solitaires, fantastiques et confinent au conte de fées, puisqu'ils tuent des monstres comme la Chimère et la Méduse. Les aventures de Bellérophon sont de type banal, semblables aux aventures d'Héraclès et de Thésée. Envoyer un héros à sa mort présumée est également un thème récurrent de cette première tradition héroïque, utilisée dans les cas de Persée et de Bellérophon. Argonautes La seule épopée hellénistique survivante, l'Argonautique d'Apollonios de Rhodes (poète épique, érudit et directeur de la Bibliothèque d'Alexandrie) raconte le mythe du voyage de Jason et des Argonautes pour récupérer la Toison d'or du pays mythique de Colchide. Dans l'Argonautica, Jason est poussé dans sa quête par le roi Pélias, qui reçoit une prophétie selon laquelle un homme avec une seule sandale serait son ennemi juré. Jason perd une sandale dans une rivière, arrive à la cour de Pélias, et l'épopée se déclenche. Presque tous les membres de la génération suivante de héros, ainsi qu'Héraclès, accompagnèrent Jason à bord du navire Argo pour récupérer la Toison d'Or. Cette génération comprenait également Thésée, qui se rendit en Crète pour tuer le Minotaure ; Atalante, l'héroïne féminine, et Méléagre, qui avait autrefois son propre cycle épique pour rivaliser avec l'Iliade et l'Odyssée. Pindare, Apollonius et la Bibliotheca s'efforcent de donner des listes complètes des Argonautes. Bien qu'Apollonius ait écrit son poème au IIIe siècle avant JC, la composition de l'histoire des Argonautes est antérieure à l'Odyssée, ce qui montre une familiarité avec les exploits de Jason (l'errance d'Ulysse peut en avoir été en partie fondée). Dans les temps anciens, l’expédition était considérée comme un fait historique, un incident dans l’ouverture de la mer Noire au commerce et à la colonisation grecque. Il était également extrêmement populaire, formant un cycle auquel se rattachaient de nombreuses légendes locales. L’histoire de Médée, en particulier, a captivé l’imagination des poètes tragiques. Maison d'Atrée et cycle thébain Entre l’Argo et la guerre de Troie, il y avait une génération connue principalement pour ses crimes horribles. Cela inclut les actions d'Atreus et de Thyeste à Argos. Derrière le mythe de la maison d'Atrée (une des deux principales dynasties héroïques avec la maison de Labdacus) se cache le problème de la dévolution du pouvoir et du mode d'accession à la souveraineté. Les jumeaux Atrée et Thyeste et leurs descendants ont joué le rôle principal dans la tragédie de la passation du pouvoir à Mycènes. Le cycle thébain traite des événements associés notamment à Cadmus, le fondateur de la ville, et plus tard aux actions de Laïos et d'Œdipe à Thèbes ; une série d'histoires qui mènent au pillage éventuel de cette ville par les Sept contre Thèbes et Epigoni. (On ne sait pas si les Sept contre Thèbes figuraient dans les premières épopées.) En ce qui concerne Œdipe, les premiers récits épiques semblent le faire continuer à régner à Thèbes après la révélation que Iokaste était sa mère, et épouser par la suite une seconde épouse. qui devient la mère de ses enfants - ce qui est très différent du conte que nous connaissons à travers la tragédie (par exemple Œdipe le roi de Sophocle) et les récits mythologiques ultérieurs. Guerre de Troie et conséquences La mythologie grecque culmine avec la guerre de Troie, menée entre la Grèce et Troie, et ses conséquences. Dans les œuvres d'Homère, comme l'Iliade, les récits principaux ont déjà pris forme et substance, et des thèmes individuels ont été élaborés plus tard, notamment dans le drame grec. La guerre de Troie a également suscité un grand intérêt dans la culture romaine en raison de l'histoire d'Énée, un héros troyen dont le voyage depuis Troie a conduit à la fondation de la ville qui allait devenir un jour Rome, comme le raconte l'Énéide de Virgile (Livre II de l'Énéide de Virgile). contient le récit le plus connu du sac de Troie). Il existe enfin deux pseudo-chroniques écrites en latin qui passaient sous les noms de Dictys Cretensis et Dares Phrygius. Le cycle de la guerre de Troie, recueil de poèmes épiques, commence par les événements qui ont précédé la guerre : Éris et la pomme d'or de Kallisti, le jugement de Pâris, l'enlèvement d'Hélène, le sacrifice d'Iphigénie à Aulis. Pour récupérer Hélène, les Grecs lancèrent une grande expédition sous le commandement général du frère de Ménélas, Agamemnon, roi d'Argos ou Mycènes, mais les Troyens refusèrent de restituer Hélène. L'Iliade, qui se déroule la dixième année de la guerre, raconte la querelle entre Agamemnon et Achille, qui était le meilleur guerrier grec, et la mort qui en résulta au combat du camarade bien-aimé d'Achille, Patrocle, et du fils aîné de Priam, Hector. Après la mort d'Hector, les Troyens furent rejoints par deux alliés exotiques, Penthésilée, reine des Amazones, et Memnon, roi des Éthiopiens et fils de la déesse de l'aube Eos. Achille les tua tous les deux, mais Pâris réussit ensuite à tuer Achille d'une flèche dans le talon. Le talon d'Achille était la seule partie de son corps qui n'était pas invulnérable aux dommages causés par les armes humaines. Avant de pouvoir prendre Troie, les Grecs durent voler dans la citadelle l'image en bois de Pallas Athéna (le Palladium). Finalement, avec l'aide d'Athéna, ils construisirent le cheval de Troie. Malgré les avertissements de Cassandra, la fille de Priam, les Troyens furent persuadés par Sinon, un Grec qui feignait la désertion, d'emmener le cheval à l'intérieur des murs de Troie en offrande à Athéna ; le prêtre Laocoon, qui tentait de faire détruire le cheval, fut tué par des serpents de mer. La nuit, la flotte grecque revint et les Grecs à cheval ouvrirent les portes de Troie. Dans le pillage total qui suivit, Priam et ses fils restants furent massacrés ; les femmes troyennes passèrent en esclavage dans diverses villes de Grèce. Les voyages aventureux des dirigeants grecs (y compris les pérégrinations d'Ulysse et d'Énée (l'Énéide) et le meurtre d'Agamemnon) ont été racontés dans deux épopées, les Retours (le Nostoi perdu) et l'Odyssée d'Homère. Le cycle troyen comprend également les aventures des enfants de la génération troyenne (par exemple Oreste et Télémaque). La guerre de Troie a fourni une variété de thèmes et est devenue une source d'inspiration principale pour

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Dans quelle ville asiatique l'Université des Nations Unies est-elle basée ?

Tokyo

L'UNU, créée en 1973, est la branche universitaire et de recherche des Nations Unies. Son siège est à Tokyo, au Japon, et elle jouit du statut diplomatique d'institution des Nations Unies. Depuis 2010, l'UNU est autorisée par l'Assemblée générale des Nations Unies à délivrer des diplômes. Il constitue également un pont entre l'ONU et les communautés internationales universitaires, politiques et du secteur privé. Organisation et leadership L'université est dirigée par un recteur qui a le rang de sous-secrétaire général des Nations Unies. À ce jour, l'UNU compte six recteurs, le Dr David M. Malone étant l'actuel recteur depuis mars 2013. Liste des recteurs de l'Université des Nations Unies : Le Conseil de l'UNU est le conseil d'administration de l'Université et est composé de 24 membres nommés par le Secrétaire général des Nations Unies avec l'accord du Directeur général de l'UNESCO. Histoire L'Université a été créée en 1973 et a officiellement commencé ses activités en 1976 suite à la signature de l'accord de siège permanent entre les Nations Unies et le Japon. La création de l'Université des Nations Unies a été lancée par le secrétaire général U Thant en 1969. Instituts et vice-rectorat de l'UNU Au fil des années, plusieurs instituts de l'UNU ont été créés pour contribuer aux initiatives de recherche des Nations Unies. Plus particulièrement, en 2007, un vice-rectorat a été créé à Bonn (UNU-ViE), en Allemagne, afin de renforcer la présence de l'UNU en Europe. L'UNU-ViE se consacre au développement de solutions durables fondées sur la connaissance pour les problèmes mondiaux et est, par conséquent, un organisateur actif de dialogues internationaux sur les politiques scientifiques en faveur de la durabilité. L'UNU en tant qu'institution délivrant des diplômes En décembre 2009, l'Assemblée générale des Nations Unies a amendé la Charte de l'UNU pour permettre à l'UNU de « décerner et conférer des diplômes de maîtrise et de doctorat, des diplômes, des certificats et d'autres distinctions académiques dans les conditions fixées à cet effet dans les statuts du Conseil ». En 2013, l'UNU-ISP a annoncé son intention de demander l'accréditation auprès de l'Institution nationale pour les diplômes universitaires et l'évaluation universitaire (NIAD-UE), l'agence japonaise d'accréditation des établissements d'enseignement supérieur. Emplacements L'université possède plusieurs campus répartis sur les cinq continents. Son siège social est situé au Centre UNU à Tokyo, au Japon. Recherche Le rôle de l'Université des Nations Unies est de générer de nouvelles connaissances, d'éduquer, de renforcer les capacités individuelles et institutionnelles et de diffuser ses informations utiles aux publics concernés. Dans le cadre de ces cinq groupes thématiques, l’Université des Nations Unies entreprend : *Recherche interculturelle et interdisciplinaire (utilisant des techniques et des méthodologies innovantes et fondées sur la science pour étudier des processus mondiaux importants et élaborer des solutions prospectives) et études prospectives et politiques ciblées (visant à élaborer des prescriptions politiques pertinentes et à évaluer la faisabilité et les avantages comparatifs). de chaque option); *Enseignement de niveau postuniversitaire (programmes diplômants et formation spécialisée axés sur les problèmes et les solutions plutôt que sur les disciplines académiques) et activités de développement des capacités (visant à aider les pays en développement et en transition à renforcer leur potentiel local pour résoudre les problèmes actuels/affronter les défis émergents) ; et *Partage et transfert de connaissances (pour fournir des informations pertinentes sur la recherche de l'Université des Nations Unies, les avancées scientifiques actuelles et les meilleures pratiques, en temps opportun et sous une forme utilisable, à ceux qui en ont le plus besoin et peuvent les utiliser au mieux). Comme le prescrit le Plan stratégique de l'Université des Nations Unies 2011-2014, les 26 principaux sujets d'intérêt des travaux universitaires de l'Université des Nations Unies s'inscrivent dans cinq groupes thématiques interdépendants : #Paix, Sécurité et Droits de l'Homme ; Consolidation et maintien de la paix, Résolution des conflits et sécurité humaine, Favoriser le dialogue entre les civilisations, les religions et les cultures, Droits de l'homme et éthique, Égalité des sexes et intégration, #Développement humain et socio-économique et bonne gouvernance ; Croissance et développement économique, Réduction de la pauvreté et des inégalités, Bonne gouvernance, Renforcement des capacités éducatives, Commerce équitable, Processus et conséquences de l'intégration et de la coopération régionales, Leadership, gestion et entrepreneuriat. #Santé mondiale, population et moyens de subsistance durables ; Santé mondiale, Eau potable et assainissement, Alimentation et nutrition pour le développement humain et social, Lutte contre le VIH/SIDA, Changements démographiques et migrations. #Changement global et développement durable ; Changement climatique — adaptation et atténuation, Santé écologique et biodiversité, Nouveaux risques et vulnérabilités, Gestion durable des terres, de l'agriculture et des ressources naturelles, Économie verte. #Science, Technologie, Innovation et Société ; Science, technologie et innovation, avenir énergétique durable, avenir urbain durable, logement et construction durables. Collectivement, ces groupes thématiques définissent l'espace programmatique dans lequel l'Université des Nations Unies entreprend ses activités académiques. Certaines perspectives clés (telles que l’égalité des sexes, les droits de l’homme et la durabilité) imprègnent tous les aspects du travail de l’Université des Nations Unies. Instituts et programmes Le travail académique de l’Université des Nations Unies est réalisé par un système mondial d’instituts et de programmes de recherche et de formation. Instituts * Institut de l'UNU sur les études comparées d'intégration régionale à Bruges, Belgique * Institut de l'UNU pour l'environnement et la sécurité humaine à Bonn, Allemagne * Institut de l'UNU pour la gestion intégrée des flux de matières et des ressources (UNU-FLORES) à Dresde, Allemagne * Institut d'études avancées de l'UNU à Yokohama, Japon (fusionnera avec l'UNU –ISP) * Institut international de l'UNU pour la santé mondiale à Kuala Lumpur, Malaisie * Institut de l'UNU sur l'informatique et la société (UNU-CS) à Macao, Chine * Institut de l'UNU pour les ressources naturelles en Afrique à Accra, Ghana * Institut de l'UNU pour la durabilité et la paix (UNU-ISP) à Tokyo, Japon * Institut de recherche économique et sociale et de formation sur l'innovation et la technologie de l'UNU Maastricht, Pays-Bas * Institut de l'UNU pour l'eau, l'environnement et la santé (UNU-INWEH) à Hamilton, Canada Programmes * Programme de l'UNU pour la biotechnologie en Amérique latine et dans les Caraïbes (UNU-BIOLAC) à Caracas, Venezuela * Programme d'alimentation et de nutrition de l'UNU pour le développement humain et social (UNU-FNP) à Ithaca, États-Unis * Programme de formation à la pêche de l'UNU (UNU-FTP) à Reykjavik, Islande * Programme de formation en géothermie de l'UNU (UNU-GTP) à Reykjavik, Islande * Programme de formation à la restauration des terres de l'UNU (UNU-LRT) à Reykjavik, Islande

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Quel chanteur/compositeur/musicien anglais a écrit le tube de Tremeloes « Here Comes My Baby » à l'âge de dix-huit ans ?

Cat Stevens

Les auteurs-compositeurs-interprètes sont des musiciens qui écrivent, composent et interprètent leur propre matériel musical, y compris les paroles et les mélodies. Contrairement aux chanteurs de musique pop contemporaine qui peuvent écrire ou co-écrire leurs propres chansons, le terme auteur-compositeur-interprète décrit une forme distincte de talent artistique, étroitement associée à la tradition folk-acoustique. Les auteurs-compositeurs-interprètes fournissent souvent le seul accompagnement d'une composition ou d'une chanson entière, généralement en utilisant une guitare ou un piano ; les compositions et les arrangements sont écrits principalement comme des véhicules solo, le matériel étant orienté vers des questions d'actualité – parfois politiques, parfois introspectives, sensibles, romantiques et confessionnelles. Souvent, les chansons écrites par ces musiciens servent non seulement de divertissement, mais aussi d'outils de protestation politique, comme dans le cas des Almanac Singers, Pete Seeger et Woody Guthrie, dont la guitare portait les mots «Cette machine tue les fascistes». ". Définition et utilisation « Auteur-compositeur-interprète » est utilisé pour définir des artistes de musique populaire qui écrivent et interprètent leur propre matériel, qui est souvent auto-accompagné, généralement à la guitare acoustique ou au piano. Un tel artiste joue les rôles de compositeur, parolier, chanteur, instrumentiste et souvent auto-gérant. Selon AllMusic, les paroles des auteurs-compositeurs-interprètes sont souvent personnelles mais voilées par des métaphores élaborées et des images vagues, et leur souci créatif est de mettre l'accent sur la chanson plutôt que sur son interprétation. La plupart des disques de ces artistes ont un son tout aussi simple et sobre qui met l'accent sur la chanson elle-même. Le terme a généralement, mais pas exclusivement, été utilisé pour désigner certains artistes des genres musicaux rock, folk et pop, bien qu'au cours des XIXe et XXe siècles, des artistes d'un certain nombre de genres se soient appliqués à cette catégorie, notamment Henry Russell, Aristide Bruant, Hank Williams et Buddy Holly. Cependant, il est devenu populaire à partir des années 1960 pour désigner un type spécifique d'interprètes qui suivaient des conventions stylistiques et thématiques particulières, en particulier une introspection lyrique, une écriture confessionnelle, des arrangements musicaux doux et un style d'interprétation discret. Selon l'écrivain Larry David Smith, parce qu'elle a fusionné les rôles de compositeur, d'écrivain et de chanteur, la popularité de l'auteur-compositeur-interprète a réintroduit la tradition troubadour médiévale des « chansons avec des personnalités publiques » après l'ère Tin Pan Alley dans la musique populaire américaine. Histoire Le concept d'auteur-compositeur-interprète peut être attribué à une ancienne tradition orale bardique, qui a existé sous diverses formes à travers le monde. Les poèmes étaient interprétés sous forme de chant ou de chant, parfois accompagnés d'une harpe ou d'un autre instrument similaire. Après l’invention de l’imprimerie, les chansons étaient écrites et interprétées par des vendeurs de ballades. Il s’agissait généralement de versions de morceaux et de paroles existants, en constante évolution. Cela s'est développé dans les traditions d'écriture de chansons de la culture populaire. Les artistes itinérants existaient dans toute l’Europe. Ainsi, le folkloriste Anatole Le Braz rend compte en détail d'un chanteur de ballades, Yann Ar Minouz, qui écrivait et interprétait des chansons en voyageant à travers la Bretagne à la fin du XIXe siècle et en vendait des versions imprimées. Dans les grandes villes, il était possible de gagner sa vie en se produisant dans des lieux publics, et avec l'invention de l'enregistrement phonographique, les premiers auteurs-compositeurs-interprètes comme Théodore Botrel, George M. Cohan et Hank Williams sont devenus des célébrités ; la radio a encore accru leur reconnaissance et leur attrait auprès du public. Au cours de la période des années 1940 aux années 1960, suscitée par le renouveau de la musique folk américaine, de jeunes artistes inspirés par la musique folk traditionnelle et des groupes comme les Almanac Singers et les Weavers ont commencé à écrire et à interpréter leur propre matériel original et à créer leurs propres arrangements musicaux. Amérique du Nord, Royaume-Uni et Irlande Le terme « auteur-compositeur-interprète » en Amérique du Nord remonte aux chanteurs qui ont développé des œuvres dans le style du blues et de la musique folk. Les auteurs-compositeurs-interprètes américains du début au milieu du XXe siècle comprennent Lead Belly, Jimmie Rodgers, Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker, Blind Willie McTell, Lightnin' Hopkins, Son House et Robert Johnson. Dans les années 1940 et 1950, des auteurs-compositeurs-interprètes country comme Hank Williams sont devenus bien connus, tout comme Woody Guthrie et Pete Seeger, ainsi que Ronnie Gilbert et Lee Hays et d'autres membres des Weavers qui ont interprété leurs œuvres pour la plupart d'actualité devant un public toujours plus large. public. Ces proto-auteurs-compositeurs-interprètes étaient moins préoccupés que les auteurs-compositeurs-interprètes d'aujourd'hui par l'originalité pure de leur musique et de leurs paroles, et reprenaient des parties d'autres chansons et jouaient des reprises sans hésitation. La tradition d'écrire des chansons d'actualité (chansons concernant des problèmes spécifiques de l'époque, comme "Jim Crow Blues" de Lead Belly ou "Deportee (Plane Wreck at Los Gatos)" de Guthrie) a été établie par ce groupe de musiciens. Des chanteurs comme Seeger et Guthrie assistaient à des rassemblements pour les syndicats et écrivirent ainsi de nombreuses chansons sur la vie de la classe ouvrière et la protestation sociale ; tout comme d'autres chanteurs folk comme Josh White, Cisco Houston, Malvina Reynolds, Earl Robinson, Ewan MacColl, John Jacob Niles et Doc Watson, tandis que des chanteurs de blues comme Johnson et Hopkins ont écrit des chansons sur leurs expériences de vie personnelles. Cette focalisation sur les questions sociales a grandement influencé le genre des auteurs-compositeurs-interprètes. De plus, dans les années 1930 à 1950, plusieurs auteurs-compositeurs-interprètes de jazz et de blues ont émergé comme Billie Holiday, Ray Charles et Nina Simone, ainsi que dans le genre rock n' roll d'où ont émergé les auteurs-compositeurs-interprètes influents Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Chuck Berry, Roy Orbison, Sam Cooke, Richie Valens et Paul Anka. Dans le domaine de la musique country, des auteurs-compositeurs-interprètes comme Hank Williams, Patsy Cline, Tammy Wynette, Loretta Lynn, George Jones, Merle Haggard, Roger Miller, Billy Edd Wheeler et d'autres ont émergé des années 1940 aux années 1960, écrivant souvent des chansons fascinantes sur les relations amoureuses et d'autres sujets. La première reconnaissance populaire de l'auteur-compositeur-interprète en Amérique du Nord anglophone et en Grande-Bretagne s'est produite dans les années 1960 et au début des années 1970, lorsqu'une série de musiciens d'influence blues, folk et country ont acquis de l'importance et de la popularité. Ces auteurs-compositeurs-interprètes comprenaient Bob Dylan, Johnny Cash, Kris Kristofferson, Willie Nelson, Paul Simon, Neil Young, Leonard Cohen, Joni Mitchell, Van Morrison, Jimi Hendrix, Brian Wilson, Tom Waits, Otis Redding, Marvin Gaye, Tom Rush, Phil Ochs, Tom Paxton, Beau, Eric Andersen, Arlo Guthrie, John Denver, Jackson Browne, Dave Van Ronk, Waylon Jennings, John Prine, Grace Slick, Dave Mason, Jim Croce, Fred Neil, Roger McGuinn, Janis Joplin, Joan Baez , Stompin' Tom Connors, Judy Collins, David Crosby, Donovan, Stephen Stills, Randy Newman, Steve Goodman, Gordon Lightfoot, Paul Brady, Jesse Winchester, Johnny Tillotson, Sylvia Tyson, Ian Tyson, Nick Drake, Tim Hardin, Laura Nyro, Bob Marley, Carly Simon, John Fogerty, Buffy Sainte-Marie, Joan Armatrading, Emmylou Harris, Tim Buckley, Taj Mahal, Cat Stevens, Bruce Cockburn, Harry Chapin, James Taylor, Jerry Jeff Walker, Lou Reed, Gram Parsons, Nick Gravenites , Ricky Nelson, Mimi Fariña, Richard Fariña, Tuli KupferbergBroadside Volume III, couvre Mark Spoelstra, Don Mclean, Patrick Sky, Jimmy Buffett, Mickey Newbury, Janis Ian, Dan Fogelberg, Dolly Parton, Jackie DeShannon, Lotti Golden et Frank Zappa. Des artistes qui étaient principalement des auteurs-compositeurs, notamment Carole King, Townes Van Zandt, Blaze Foley et Neil Diamond, ont également commencé à publier des œuvres en tant qu'interprètes. Contrairement à l'approche narrative de la plupart des musiques country et folk antérieures, ces interprètes écrivaient généralement des chansons d'un point de vue introspectif très personnel (souvent à la première personne). Les adjectifs « confessionnel » et « sensible » étaient souvent utilisés (parfois avec dérision) à la manière d'un auteur-compositeur-interprète. À l’époque des groupes de rock, les membres n’étaient pas techniquement des auteurs-compositeurs-interprètes en tant qu’artistes solo. Cependant, beaucoup étaient des auteurs-compositeurs-interprètes qui créaient des chansons avec d’autres membres du groupe. Les exemples incluent Paul McCartney, John Lennon, George Harrison, Ringo Starr, Mick Jagger, Keith Richards, Jerry Garcia et Bob Weir, Elton John (avec Bernie Taupin), Justin Hayward, John Lodge, Robbie Robertson, Ian Anderson, Phil Collins, Peter Gabriel et Peter Frampton ; Don Henley, Glenn Frey, Country Joe McDonald, Barry Melton. Beaucoup d’autres, comme Eric Clapton, ont connu le succès en tant qu’auteurs-compositeurs-interprètes au cours de leur carrière ultérieure. La scène qui s'était développée à partir du renouveau de la musique folk américaine, lancée par Woody Guthrie et Pete Seeger, était devenue un mouvement majeur au début des années 60, popularisé par Joan Baez et son protégé, Bob Dylan, qui avaient commencé à toucher un public grand public. avec son tube Blowin' in the Wind "(1963), apportant des" chansons de protestation "à un public plus large. Il y avait des allusions à une pollinisation croisée, mais le rock et la musique folk étaient restés des genres largement séparés, souvent avec des publics différents. Une première tentative de fusion d'éléments folk et rock a été mise en évidence dans Animals "House of the Rising Sun" (1964), une chanson folk enregistrée avec des instruments rock and roll. Au milieu des années 1960, Bob Dylan a pris l'initiative de fusionner le folk et le rock et, en juillet 1965, il a sorti Like a Rolling Stone, avec un son rock révolutionnaire, imprégné d'images urbaines criardes, suivi d'une performance électrique plus tard dans le mois au Festival folklorique de Newport. Dylan a branché toute une génération dans le milieu de l'auteur-compositeur-interprète. Écrivant souvent d'un point de vue urbain, avec une poésie rythmée par des rythmes rock et de la puissance électrique, la fusion du folk et du rock par Dylan a permis aux auteurs-compositeurs-interprètes émergents d'utiliser des éléments des deux traditions pour raconter leurs histoires. Entre le milieu et la fin des années 60, des groupes et des auteurs-compositeurs-interprètes ont commencé à proliférer sur la scène artistique et musicale underground new-yorkaise. La sortie de The Velvet Underground & Nico en 1967, mettant en vedette l'auteur-compositeur-interprète Lou Reed et le chanteur et collaborateur allemand Nico, a été décrite comme « l'album rock le plus prophétique jamais réalisé » par Rolling Stone en 2003. D'autres auteurs-compositeurs-interprètes basés à New York ont ​​commencé à émerger. , utilisant le paysage urbain comme toile de fond pour des paroles dans le style confessionnel de poètes comme Anne Sexton et Sylvia Plath. En juillet 1969, le magazine Newsweek a publié un article intitulé « The Girls-Letting Go », décrivant la musique révolutionnaire de Joni Mitchell, Laura Nyro, Lotti Golden et Melanie, comme une nouvelle race de troubadours féminins : « Ce qui leur est commun sont les chansons personnalisées qu'ils écrivent, comme des voyages de découverte de soi, débordants d'observation et surprenants par l'impact de leur poésie. Le travail de cette vague d'auteures-compositrices-interprètes, depuis New York Tendaberry (1969) de Laura Nyro jusqu'aux journaux d'East Village de Lotti Golden sur Motor-Cycle, ses débuts en 1969 sur Atlantic Records, a servi d'inspiration à des générations d'auteures-compositrices-interprètes dans les traditions rock, folk, blues, jazz et R&B, Saal, Hubert (14 juillet 1969). "Le lâcher prise de la fille". Newsweek, p. 68,71. dans le 21e siècle, avec le poète Warsan Shire comme muse de Beyoncé en 2016, Lemonade (album Beyoncé). Au milieu des années 1970 et au début des années 1980, la vague originale d'auteurs-compositeurs-interprètes avait été largement absorbée par un format pop ou soft rock plus général, mais certains nouveaux artistes de la tradition des auteurs-compositeurs-interprètes (dont Billy Joel, Stevie Wonder, Bruce Springsteen) , Tom Petty, Mark Heard, Chris Isaak, Victoria Williams, John Mellencamp et Warren Zevon) ont continué à émerger, et dans d'autres cas, des artistes rock et même punk rock tels que Peter Case, Paul Collins et Paul Westerberg ont fait la transition vers une carrière de chanteur solo- auteurs-compositeurs. Kate Bush est restée distinctive grâce à son style idiosyncrasique. À la fin des années 1980, le terme a été appliqué à un groupe d'artistes américains majoritairement féminins, à commencer par Suzanne Vega dont le premier album s'est vendu étonnamment bien, suivi par des artistes comme Tracy Chapman, Nanci Griffith, k.d. lang, Shania Twain, Sarah McLachlan, Sheryl Crow, Lisa Loeb, Joan Osborne et Tori Amos, qui a connu le succès d'abord au Royaume-Uni, puis sur son marché intérieur. Au début des années 1990, des artistes féminines ont également commencé à émerger dans de nouveaux styles, notamment Courtney Love et PJ Harvey. Plus tard, au milieu des années 1990, le terme a été relancé à nouveau avec le succès de la Canadienne Alanis Morissette et de son album révolutionnaire Jagged Little Pill. Également dans les années 1980 et 1990, des artistes tels que Bono, The Edge, Dave Matthews, Jeff Buckley, Duncan Sheik et Elliott Smith ont emprunté à la tradition des auteurs-compositeurs-interprètes pour créer de nouveaux styles rock acoustiques. Dans les années 2000, un style plus calme a émergé, avec des paroles largement impressionnistes, d'artistes tels que Norah Jones, Conor Oberst, Sufjan Stevens, David Bazan, South San Gabriel, Iron & Wine, David Gray, Ray LaMontagne, Meg Hutchinson, Darden Smith, Josh Rouse, Steve Millar, Jolie Holland, Patrick Duff, Richard Buckner, Jewel, Jack Savoretti, Richard Shindell et John Gorka. Certains ont commencé à se diversifier dans de nouveaux genres comme Kurt Cobain, Noel Gallagher, T Bone Burnett et Eddie Vedder. D’autres ont utilisé des drogues pour stimuler la créativité ; par exemple, Emil Amos de Holy Sons s'est drogué quotidiennement dès l'âge de seize ans, a écrit plus de 1 000 chansons et a décroché un contrat d'enregistrement avec un label indépendant. L'enregistrement sur des systèmes de qualité professionnelle est devenu abordable pour les particuliers à la fin des années 1990. Cela a créé des opportunités pour les gens d’enregistrer et de vendre leur musique de manière indépendante. Ces artistes sont appelés « indépendants » car ils sortent leurs disques sur des labels indépendants, souvent propriétaires, ou sur aucun label du tout. De plus, Internet a fourni aux indépendants un moyen de faire entendre leur musique à un public plus large. Chanson, la tradition française La « chanson » française est issue d'une tradition ancienne, depuis le Moyen Âge. Il est animé par les rythmes de la langue française et a un niveau de paroles généralement plus élevé que dans le monde anglophone. Il se distingue du reste de la musique « pop » française ou soft rock qui a commencé à se répandre en France dans les années 1960 jusqu'à aujourd'hui, sous l'influence culturelle de la musique rock anglo-américaine et de l'ère des groupes de rock. Le premier auteur-compositeur-interprète français moderne fut Charles Trénet, qui débuta sa carrière solo en 1938. Il fut le premier à utiliser les rythmes du jazz dans la chanson. Il restera un artiste isolé jusqu'à l'épanouissement créatif d'une nouvelle génération au cours de l'après-Seconde Guerre mondiale (milieu des années 1940 et 1950), où des artistes tels que Léo Ferré, Georges Brassens, Félix Leclerc (du Québec), Serge Gainsbourg, Jacques Brel (de Belgique), Henri Salvador, Charles Aznavour et Barbara sont apparus, avec un imaginaire contrasté et riche. La plupart d'entre eux sont reconnus comme de grands maîtres par les jeunes générations d'artistes français, notamment Ferré (pour la richesse de ses textes, son génie mélodique, sa densité critique sur les questions de société et la profondeur de son œuvre) et Gainsbourg (pour son écriture lumineuse et de bon goût). adaptation de musique pop ou rock avec des rythmes inspirés de la langue française). Durant les années 1960 et 1970, parmi les auteurs-compositeurs-interprètes les plus marquants figurent Claude Nougaro, Jean Ferrat, Boby Lapointe, Michel Polnareff, Nino Ferrer, Christophe, Albert Marcœur, Bernard Lavilliers, Jacques Higelin... Cantautori, la tradition italienne Cantautori (pluriel italien ; le singulier est cantautore) est l'expression italienne correspondant aux auteurs-compositeurs-interprètes en anglais. Le mot est un portemanteau de cantante (chanteur) et autore (écrivain). Le premier auteur-compositeur-interprète de renommée internationale fut Domenico Modugno avec sa chanson « Volare » en 1958 ; Parmi les autres auteurs-compositeurs-interprètes qui ont débuté leur carrière dans les années 1950 figurent Gino Paoli, Luigi Tenco, Umberto Bindi, Giorgio Gaber et Enzo Jannacci. Fabrizio De André, Lucio Battisti et Francesco Guccini ont commencé leur carrière dans les années 1960, tandis qu'Edoardo Bennato, Lucio Dalla, Claudio Baglioni, Francesco De Gregori, Franco Battiato, Rino Gaetano, Ivano Fossati, Antonello Venditti, Pino Daniele, Roberto Vecchioni, Angelo Branduardi et Eugenio Finardi sont tous apparus dans les années 1970. Leurs chansons sont toujours populaires aujourd'hui, racontant souvent des histoires de personnes marginalisées (De André, Guccini, Dalla) et rebelles (Finardi, De Gregori, Venditti), ou ayant un parcours politique (Venditti, Guccini). Branduardi était plutôt influencé par les styles musicaux classiques et baroques, tandis que ses paroles sont généralement inspirées de fables anciennes. Battiato a débuté comme artiste de rock progressif dans les années 1970, avant de se tourner vers un mélange original de musique pop, électronique et rock dans les années 1980. L'auteur-compositeur-interprète napolitain Pino Daniele a souvent fusionné des genres aussi divers que le R&B, la pop, le jazz, la fusion, le blues et la tarentelle pour produire un son qui lui est propre, avec des paroles en italien, napolitain ou anglais. Paolo Conte était souvent qualifié d'auteur-compositeur-interprète, mais il s'inscrivait davantage dans la tradition du jazz. Dans les années 1980, Vasco Rossi était réputé pour sa musique « blues » mêlée de mélodies italiennes. Il était surnommé « la seule star du blues italien ». Avec un mélange de sonorités internationales et de paroles italiennes, Bugo devient le "fantautore", un néologisme qui lui est destiné. Le genre cantautori du XXIe siècle est principalement représenté par les auteurs-compositeurs-interprètes Carmen Consoli et Vinicio Capossela. Le mot a été emprunté à d'autres langues, notamment l'espagnol, le portugais et le catalan cantautor, le français chantauteur, le maltais kantawtur, le roumain cantautor et le slovène kantavtor. Traditions latines À partir des années 1960 et à la suite du style cantautori italien des années 1950 (comme celui de Domenico Modugno), de nombreux pays d’Amérique latine ont développé des traditions d’auteurs-compositeurs-interprètes qui ont adopté des éléments de divers styles populaires. La première tradition de ce type a été l’invention au milieu des années 1960 de la nueva canción, qui s’est implantée dans des pays andins comme le Chili, le Pérou, l’Argentine et la Bolivie. À peu près au même moment, la bossa nova, un style populaire brésilien, évoluait vers une tradition d'auteurs-compositeurs-interprètes politiquement chargée appelée Tropicalismo. Deux artistes, Gilberto Gil et Caetano Veloso, sont devenus deux des personnalités les plus célèbres de tout le Brésil grâce à leur travail dans Tropicalismo. Après la Seconde Guerre mondiale, s'est développée en Italie une tradition très prolifique d'auteurs-compositeurs-interprètes (en italien cantautore), initialement liée à l'école française des chansonniers, et s'est développée récemment de manière très hétérogène. Bien que le terme cantautore implique normalement un contenu sociopolitique cohérent dans les paroles, les artistes remarquables dans une catégorisation plus inclusive des auteurs-compositeurs-interprètes sont: Domenico Modugno, Luigi Tenco, Gino Paoli, Sergio Endrigo, Fabrizio De André, Francesco De Gregori, Antonello Venditti, Roberto Vecchioni, Ivano Fossati, Lucio Dalla, Francesco Guccini et Franco Battiato. A Malte voisine, les principaux auteurs-compositeurs-interprètes sont Walter Micallef, Manwel Mifsud et Vince Fabri. Ils jouent tous en maltais. L’Espagne et le Portugal ont également des traditions d’auteurs-compositeurs-interprètes, dont on dit parfois qu’elles s’inspirent d’éléments latins. L'Espagne est connue pour la tradition Nova Cançó — illustrée par Joan Manuel Serrat et Lluis Llach ; le chanteur et compositeur folk/protestataire portugais José Afonso a contribué à la renaissance de la culture folklorique portugaise, y compris une forme de fado modernisée et plus socialement consciente appelée nova canção. À la suite de la révolution des œillets au Portugal en 1974, la nova canção est devenue plus politisée et était connue sous le nom de canto livre. Joaquín Sabina, José Luis Perales et Luis Eduardo Aute sont d'autres auteurs-compositeurs-interprètes importants en Espagne. À la fin des années 1960 et dans les années 1970, des auteurs-compositeurs-interprètes socialement et politiquement conscients comme Silvio Rodríguez et Pablo Milanés ont émergé à Cuba, donnant naissance à un genre connu sous le nom de nueva trova. La trova en tant que genre a eu une large influence dans toute l’Amérique latine. Au Mexique, par exemple, canción yucateca sur la péninsule du Yucatán et trova serrana dans la Sierra Juárez, Oaxaca sont toutes deux des adaptations régionales de trova. Aujourd'hui, le Guatémaltèque Ricardo Arjona est considéré comme l'auteur-compositeur-interprète le plus prospère d'Amérique latine. Bien que l'engagement sociopolitique soit inégal dans son œuvre, certains considèrent que les œuvres plus engagées d'Arjona le placent dans la tradition des cantautori italiens. Au milieu des années 1970, une tradition d'auteurs-compositeurs-interprètes appelée canto popular a émergé en Uruguay. Avec l'influence du tropicalisme, de la samba traditionnelle et de la bossa nova, la MPB (Música popular brasileira), ou musique populaire brésilienne, est devenue une véritable base d'auteur-compositeur-interprète. Pendant des années, les artistes solos ont dominé la musique populaire brésilienne avec un cynisme romantique à la Jobim ou des messages subliminaux anti-gouvernementaux à la Chico Buarque. Après la fin de la dictature militaire au Brésil, la musique brésilienne est devenue moins consciente politiquement et socialement. Le Raul Seixas censuré ou le spiritualiste humoristique Jorge Ben ont été peu à peu éclipsés par le funk carioca, la musique axé et la disco brésilienne. Ces dernières années, cependant, un nouveau groupe d'auteurs-compositeurs-interprètes brésiliens socialement conscients commence à briser l'élan presque strictement de la musique dance qui règne depuis les années 1980 (voir le sous-article « Folk/folk-rock brésilien » dans Musique brésilienne) . Union soviétique et Russie Depuis les années 1960, les chanteurs qui écrivaient des chansons en dehors de l’establishment soviétique étaient connus sous le nom de « bardes ». On pense que les premières chansons traditionnellement appelées chansons de barde ont été écrites à la fin des années 1930 et au début des années 1940, et l'existence même du genre trouve traditionnellement son origine dans les activités amateurs de l'intelligentsia soviétique, à savoir le mouvement de masse des routards et le chant des étudiants. mouvement des années 1950 et 1960. De nombreux bardes interprétaient leurs chansons en petits groupes de personnes utilisant une guitare russe, rarement, voire jamais, accompagnés d'autres musiciens ou chanteurs. Cependant, des bardes utilisant du piano ou de l'accordéon sont également connus. Ceux qui devinrent populaires organisèrent de modestes concerts. Les premiers bardes de renommée nationale (qui ont commencé leur carrière dans les années 1950) sont traditionnellement appelés les cinq premiers : Mikhaïl Ancharov, Alexandre Gorodnitski, Novella Matveyeva, Bulat Okudzhava, Yuri Vizbor. Dans les années 1960, ils furent rejoints par Vladimir Vysotsky, Victor Berkovsky, Yuliy Kim et bien d’autres. Au cours des années 1970, le passage à la guitare classique à 6 cordes a eu lieu et aujourd'hui, une guitare russe est un oiseau rare chez les bardes. Dans la même période, le mouvement des KSP (Kluby Samodeyatelnoy Pesni – fan clubs de chansons amateurs) émerge, offrant aux bardes un public très instruit et constituant jusqu'à la fin des années 1980 leur principal moteur de promotion. Les bardes étaient rarement autorisés à enregistrer leur musique, en partie à cause de la nature politique de nombreuses chansons, en partie à cause de leur statut vague dans le secteur du spectacle strictement organisé et soutenu par l'État de l'URSS. En conséquence, les airs de bardes se répandaient généralement sous forme de folklore, de bouche en bouche, ou via la copie d'enregistrements amateurs (parfois appelés magnitizdat) réalisés lors de concerts, en particulier les chansons à caractère politique. La poésie barde diffère des autres poésies principalement par le fait qu'elle est chantée avec une simple mélodie de guitare au lieu d'être parlée. Une autre différence est que cette forme de poésie se concentre moins sur le style que sur le sens. Cela signifie que moins de dispositifs stylistiques sont utilisés et que la poésie prend souvent la forme d'un récit. Ce qui distingue la poésie barde des autres chansons, c'est le fait que la musique est bien moins importante que les paroles ; les progressions d'accords sont souvent très simples et ont tendance à se répéter d'un chant de barde à l'autre. D’un autre côté, en URSS, le principal partisan des bardes était l’Union nationale des compositeurs, et le principal ennemi des bardes était l’Union nationale des écrivains. Une différence bien plus évidente était la nature non commerciale du genre : les chansons étaient écrites pour être chantées et non pour être vendues. Le genre similaire dominé par les auteurs-compositeurs-interprètes est connu sous le nom de poésie chantée dans d'autres pays post-soviétiques. Bulgarie Les auteurs-compositeurs-interprètes sont populaires en Bulgarie sous le nom de « bardes » ou « poètes à la guitare ». Leur tradition est un mélange de motifs folkloriques traditionnels, de folklore urbain du début du XXe siècle et d'influences modernes. Dans les années 1960, 1970 et 1980, le régime communiste du pays a commencé à tolérer les « bardes » bulgares, promouvant les soi-disant « chants politiques », généralement interprétés par des hommes-orchestres. Une tradition de fête nationale a été établie, sous le titre « Alen Mak » (Coquelicot rouge), un symbole à forte signification communiste en Bulgarie. Dans le même temps, il y avait quelques personnalités clandestines éminentes qui étaient opposées à la ligne officielle du Parti communiste, comme Angel "Jendema" Angelov, Yavor "Yavkata" Rilov et Velizar "Valdes" Vankov. Après l'effondrement du communisme en 1989, la tradition des auteurs-compositeurs-interprètes a été rétablie. Actuellement, les « bardes » bulgares participent chaque année à plusieurs festivals (locaux et internationaux), notamment le Festival PoKi (Poètes avec guitares, cordes poétiques) dans la ville de Harmanli, le Bardfest à Lovech, les Soirées des auteurs-compositeurs-interprètes de Sofia et autres. Les figures majeures de la tradition bulgare sont Dimitar Taralezhkov, Angel "Jendema" Angelov, Yavor "Yavkata" Rilov, Velizar "Valdes" Vankov, Dimitar Dobrev, Andro Stubel, Branimir "Bunny" Stoykov, Dorothea Tabakova, Mihail Belchev, Assen Maslarski, Grisha. Trifonov, Plamen Stavrev, Vladimir Levkov, Margarita Drumeva, Maria Batchvarova, Plamen Sivov et Krasimir Parvanov. Roumanie Malgré l'isolement communiste, la tradition de l'auteur-compositeur-interprète s'est épanouie en Roumanie à partir de la fin des années 1960 et elle a été replacée dans le contexte de la musique folklorique, avec ses trois styles principaux en Roumanie : l'ethno folk, le folk à l'américaine et le lyrique. gens (cultes). Le cadre de nombre de ces initiatives a pris la forme de Cenaclul Flacăra, une série d'événements culturels de masse avec une inévitable touche idéologique. Pourtant, avec le mérite de soutenir de grandes initiatives d'ouverture : l'appropriation d'artistes occidentaux comme Bob Dylan, Joan Baez et autres de la génération Woodstock, la diffusion publique de musiques de type gospel, l'ouverture aux grands enjeux internationaux (culture pop, responsabilisation des leadership, montée des tensions pendant la guerre froide - avec des positions étonnamment neutres, etc.). Dans l'ensemble, le folk roumain, en général, pourrait être marqué comme un mouvement culturel underground, quelque part entre la musique non alignée et la musique contestataire. Pays-Bas Ede Staal (Warffum) (1941-1986), était un auteur-compositeur-interprète néerlandais de la province septentrionale de Groningue qui chantait principalement dans le dialecte néerlandais de Groninger. Périodiques couvrant des auteurs-compositeurs-interprètes *Rolling Stone, focus sur la musique et la culture populaire *Dirty Linen, focus sur les musiques folk et du monde. *Pas de dépression, concentrez-vous sur les styles country alternatifs. *Coller, couverture musicale éclectique. *Pitchfork Media, focus sur les artistes indépendants. *Sing Out !, concentrez-vous sur les styles folk. *Broadside, focus sur la musique folk et le folk-rock.

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Dans quel pays se trouve le Musée de la Fraise de la ville de Wépion ?

Belgique

Wépion est un village situé dans les limites de la ville de Namur, en Belgique. Située au sud du centre-ville, elle est considérée comme la capitale belge de la fraise. Le fraisier y est cultivé depuis plus de 150 ans car Wépion bénéficie d'un micro-climat, de plantations exposées au soleil sur des terrains en pente ouest et dispose d'un terrain parfait pour ce type de culture. Elle produit une bière à la fraise sous la marque La Wépionnaise.

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L'Hôtel Matignon est la résidence officielle du Premier Ministre de quel pays européen ?

France

L'Hôtel Matignon est la résidence officielle du Premier ministre français. Il est situé dans le 7ème arrondissement de Paris, France. L'adresse de l'Hôtel Matignon est 57 Rue de Varenne, Paris, France. Histoire En 1649, dans le cadre de son projet de construction de l'Hôtel des Invalides, Louis XIV décide de restaurer l'ancien "Chemin du Bois de la Garenne", devenu la "Rue de Varenne", qui reliait Saint-Germain-des-Monts -Prés, à l'ouest de Paris, avec le terrain marécageux choisi comme nouveau chantier. Le « Noble Faubourg » connaît désormais un nouveau souffle, la proximité de Versailles étant irrésistible pour une aristocratie qui vit exclusivement de et pour la Cour. Le 30 septembre 1717, Christian-Louis de Montmorency Luxembourg, prince de Tigny et maréchal de France, achète, pour la somme de 91 livres, 2 869 toises (30 000 m²) de terrain le long de la rue de Varenne. Il aimait les jardins et avait l'intention de créer un parc de campagne. En 1722, il charge un architecte peu connu, Jean Courtonne, de concevoir et de construire un hôtel particulier. Son succès dans cette entreprise lui valut d'entrer à l'Académie d'architecture, où il écrivit un Traité sur les perspectives très remarqué (1725). Mais les dépenses de l'entreprise obligent le prince de Tigny à vendre, et c'est Jacques Goyon, comte de Matignon qui achète l'Hôtel, achevé en 1725, pour l'offrir à son fils, le duc de Valentinois. Le design de Courtonne était très original. S'élevant d'une large terrasse, la demeure principale, un bâtiment de plain-pied couronné d'une balustrade, comprend deux suites de pièces. L'accès depuis la rue se fait par un portique orné de colonnes. Cette arcade dévoile la cour d'honneur, encadrée par deux ailes basses de bureaux et de dépendances, à droite desquelles se trouvent une autre cour, les écuries et les cuisines. La façade est brisée par trois avancées. Ceux de droite et de gauche abritent les escaliers, tandis que le pavillon central présente un magnifique balcon sculpté de motifs de lions. L'admiration des visiteurs est attirée par deux éléments architecturaux singuliers : la coupole segmentée du hall d'entrée et, à sa droite, la première salle à avoir été conçue à l'origine pour les repas. La façade vue du jardin s'étend sur toute la longueur des bâtiments, dissimulant la cour d'honneur et la cour des domestiques. Bien que la conception entraîne un léger déséquilibre dans la disposition naturelle du manoir, elle respecte l'emplacement d'un pavillon central à trois panneaux surmonté d'un fronton brisé portant les armes des propriétaires. Ses riches intérieurs ont fait de l'Hôtel Matignon l'un des hôtels particuliers les plus élégants et les plus fréquentés de Paris. Les boiseries sont l'œuvre de Michel Lange, qui avait déjà décoré le Grand Salon de l'Hôtel d'Évreux (aujourd'hui Salon des Ambassadeurs de l'Élysée. Les corniches et les stucs sont de Jean-Martin Pelletier et Jean Herpin. A l'époque, toute personne « bien habillée » était autorisée par les propriétaires à visiter ces splendeurs en leur absence. En 1731, l'épouse de Jacques de Matignon, fille d'Antoine Ier Grimaldi, succède à son père à la tête de la principauté de Monaco. En 1734, leur fils Honoré III monte sur le trône. Bien qu'ouvert aux idées révolutionnaires de l'époque, il fut emprisonné le 20 septembre 1793. A sa libération un an plus tard, il fut ruiné, et ses biens sous scellés. Ses fils obtinrent la restitution, mais furent obligés de mettre le manoir en vente en 1802. Il a été acheté par Anne Éléonore Franchi. Danseuse professionnelle, elle attire l'attention, au Carnaval de Venise, de Karl Eugen, duc de Wurtemberg, qui aura d'elle trois enfants. Le duc mourut en 1793, et se retrouvant à Vienne et redevenue danseuse, elle devint la maîtresse de Joseph II. L'impératrice Marie-Thérèse, qui ne l'aimait pas, la fit expulser d'Autriche. Exilée aux Indes orientales, elle revient en France en compagnie du banquier écossais Quentin Crawford. Tous deux réaménagent l'Hôtel qui redevient un lieu de rassemblement festif de la société d'Ancien Régime et un foyer d'opposition. Amis proches de Joséphine de Beauharnais, le couple se montre de plus en plus ouvert dans ses critiques à l'égard de Napoléon après le divorce. En 1808, l'Hôtel Matignon passe aux mains de l'un des personnages les plus connus de la première moitié du XIXe siècle : Monsieur de Talleyrand, prince de Bénévent et vice-grand électeur. Quatre fois par semaine, il donnait des dîners pour 36 convives, préparés dans ses cuisines par le célèbre Boucher. En diplomate avisé, il organisa de nombreux bals en l'honneur de la famille impériale. En 1811, Napoléon demande à Talleyrand de rembourser à la ville de Hambourg les quatre millions qu'elle lui a versés afin d'éviter son incorporation au nouveau département français des Bouches-de-l'Elbe. La tentative ayant échoué, Talleyrand ne jugea pas nécessaire de restituer la somme. Il fut obligé de mettre l'Hôtel en vente ; l'Empereur le fit acheter 1 280 000 francs... mais Talleyrand ne remboursa jamais Hambourg. En 1815, au début de la Restauration, Louis XVIII troque l'Hôtel de Matignon contre le palais de l'Élysée, qui appartenait à Louise Marie Thérèse Bathilde d'Orléans, sœur de Philippe Égalité et épouse séparée du duc de Bourbon. Elle installe aussitôt sur place une communauté de religieuses chargées de prier pour les âmes des victimes de la Révolution française. Sa nièce hérite de la propriété en 1822 et déménage la communauté rue de Picpus afin de louer l'Hôtel. Il était prévu de mettre l'Hôtel Matignon à la disposition du chef de l'exécutif de la nouvelle République. Mais si le général Cavaignac choisit d'y résider jusqu'en décembre 1848, le Prince Président Napoléon III préfère le palais de l'Élysée. Peu de temps après, l'Hôtel fut vendu au duc de Galliera, Raffaele de Ferrari, membre de la noblesse génoise et époux de Marie de Brignole Sale, petite-nièce de la princesse de Monaco. Ensemble, ils possédaient l’une des grandes fortunes de l’époque ; on prétend qu'ils possédaient la moitié de Gênes. Fondateur du Crédit Mobilier, Raffaele a financé de nombreux grands projets de construction de la seconde moitié du XIXe siècle : chemins de fer en Autriche, en Amérique latine, au Portugal et en France (ligne Paris-Lyon-Marseille), creusement du tunnel du Fréjus et le canal de Suez, les immeubles parisiens conçus par le baron Haussmann... Trois ans après la chute de Napoléon III (1870), la duchesse propose au comte de Paris d'élire domicile rue de Varenne. Il est venu occuper le rez-de-chaussée de l'Hôtel Matignon. Le 14 mai 1886, se déroule ici l'une des réceptions les plus somptueuses du siècle : trois mille invités, toute l'aristocratie française, le corps diplomatique et de nombreuses personnalités politiques se pressent pour célébrer le mariage de la princesse Amélie, fille du comte, avec Carlos, héritier du trône portugais. L'histoire raconte que, le jour de la réception, le Président eut une soudaine envie de visiter le Bois de Boulogne, mais ne put quitter l'Elysée en raison de la congestion du trafic. Le lendemain, sans doute alarmé par un si grand rassemblement de monarchistes dans la capitale, le président du Conseil, Charles de Freycinet, réclame une loi exilant les prétendants au trône de France. La semaine suivante, la loi était adoptée. La duchesse de Galliera est désenchantée et quitte Paris, laissant son hôtel particulier à l'empereur austro-hongrois qui en fait son ambassade en France. Mais la Première Guerre mondiale met les deux pays aux prises et, confisqué en 1919, l'Hôtel Matignon est déclaré « propriété ennemie ». Le 21 novembre 1922, après de longues négociations, la France en redevient propriétaire. Pendant la Première Guerre mondiale, l'hôtel fut également le lieu où fut déposée la collection philatélique de Philipp von Ferrary (la collection de timbres la plus précieuse jamais rassemblée) lorsque son propriétaire, fils du duc de Galliera et citoyen autrichien, dut fuir la France. en 1917. La collection fut ensuite démantelée et vendue par le gouvernement français après la guerre, au titre des réparations de guerre. Résidence du chef du gouvernement Il était prévu de transformer le manoir en musée ; la propriété devait être lotie et des habitations individuelles construites, dont l'hôtel particulier attenant construit par l'architecte Jean Walter en 1924. Cependant, Gaston Doumergue prend connaissance des plans et décide d'en faire le siège du Président du Conseil. , comme on appelait le poste de chef du gouvernement sous la Troisième République. L'architecte Paul Bigot entreprend les démarches nécessaires et, en 1935, Pierre Étienne Flandin devient le premier nouvel occupant. En 1936, les « Accords de Matignon » sont signés entre Léon Blum et les dirigeants des grèves du printemps 1936, introduisant la semaine de 40 heures et les congés payés. Pendant la Seconde Guerre mondiale, le gouvernement s'installe dans la ville de Vichy, mais le 21 août 1944, c'est à Paris que le résistant Yvon Morandat et son compagnon s'emparent de « l'Hôtel du Gouvernement », l'Hôtel Matignon. Dans leur précipitation, ils confondirent même l'avenue Matignon, située sur la rive droite de la Seine, avec l'Hôtel Matignon, situé sur la rive gauche. C'est là que, le 25 août, le général de Gaulle convoque le « Conseil provisoire de la République ». Les présidents du Conseil suivants suivirent son exemple et, son retour en 1958, comme la nouvelle République, ne changea rien d'autre à Matignon que le nom de l'occupant qui, au lieu de président du Conseil, devint Premier ministre. Divers *Plusieurs accords importants ont été signés ici : ** 1936 Accords de Matignon entre le syndicat patronal français et la Confédération Générale du Travail, suite à l'accession au pouvoir du Front Populaire. Ils garantissaient l'adhésion syndicale et le droit de négociation, une semaine de travail de 40 heures et des congés payés. ** Accords de Matignon de 1988 concernant la Nouvelle-Calédonie. Ils ont appelé à une autonomie territoriale accrue de la Nouvelle-Calédonie entre le gouvernement français, les indépendantistes kanak et les colons français. *Le parc de l'Hôtel est considéré comme le plus grand jardin non public de Paris.

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Quel homme politique britannique est devenu député d'Epping en octobre 1924 ?

Winston Churchill

Les Britanniques, ou Britanniques, sont les citoyens du Royaume-Uni, des territoires britanniques d'outre-mer et des dépendances de la Couronne, ainsi que leurs descendants. : La loi britannique sur la nationalité régit la citoyenneté et la nationalité britanniques modernes, qui peuvent être acquises, par exemple, par descendance de ressortissants britanniques. Lorsqu'ils sont utilisés dans un contexte historique, « Britanniques » ou « Britanniques » peuvent faire référence aux anciens Britanniques, les habitants celtes indigènes de la Grande-Bretagne, au sud du fleuve Forth. Bien que les premières affirmations de l'appartenance britannique datent de la fin du Moyen Âge, la création du Royaume-Uni de Grande-Bretagne en 1707 a déclenché un sentiment d'identité nationale britannique. La notion de britannicité s’est forgée pendant les guerres napoléoniennes entre la Grande-Bretagne et le Premier Empire français, et s’est développée davantage à l’époque victorienne. L'histoire complexe de la formation du Royaume-Uni a créé un « sentiment particulier d'appartenance nationale et d'appartenance » en Grande-Bretagne et en Irlande ; Le caractère britannique s'est « superposé à des identités beaucoup plus anciennes », des cultures anglaise, écossaise, galloise et irlandaise, dont le caractère distinctif résiste encore aux notions d'identité britannique homogénéisée. En raison de divisions ethno-sectaires de longue date, l’identité britannique en Irlande du Nord est controversée, mais elle est défendue avec une forte conviction par les syndicalistes. Les Britanniques modernes descendent principalement des divers groupes ethniques qui se sont installés dans les îles britanniques avant le 11e siècle : préhistoriques, celtiques, romains, anglo-saxons, nordiques et normands. L'Union a facilité la migration, les échanges culturels et linguistiques et les mariages mixtes entre les peuples d'Angleterre, d'Écosse et du Pays de Galles à la fin du Moyen Âge, au début de la période moderne et au-delà. Depuis 1922 et avant, il y a eu une immigration au Royaume-Uni de personnes originaires de ce qui est aujourd'hui la République d'Irlande, du Commonwealth, de l'Europe continentale et d'ailleurs ; eux et leurs descendants sont pour la plupart des citoyens britanniques, certains assumant une identité britannique, double ou avec trait d'union. Les Britanniques forment une société diversifiée, multinationale et multiculturelle, avec « de forts accents, expressions et identités régionales ». La structure sociale du Royaume-Uni a radicalement changé depuis le XIXe siècle, avec un déclin de la pratique religieuse, un élargissement de la classe moyenne et une diversité ethnique accrue. La population du Royaume-Uni s'élève à environ 62,5 millions d'habitants, avec une diaspora britannique d'environ 140 millions concentrée en Australie, au Canada, en Afrique du Sud, à Hong Kong, en Nouvelle-Zélande et aux États-Unis. Histoire du terme Les écrivains grecs et romains, du 1er siècle avant JC et du 1er siècle après JC, nomment les habitants de la Grande-Bretagne et de l'Irlande sous le nom de Priteni, l'origine du mot latin Britannic. Parthenius, un grammairien grec ancien du 1er siècle, et l'Etymologicum Genuinum, une encyclopédie lexicale du IXe siècle, décrivent Bretannus (la forme latinisée du grec ancien Βρεττανός) comme l'ancêtre national celtique des Britanniques. Il a été suggéré que ce nom dérive d'une description gauloise traduite par « peuple des formes », faisant référence à la coutume de se tatouer ou de peindre son corps avec de la pastel bleue. Vers 50 avant JC, les géographes grecs utilisaient des équivalents de Prettanikē comme nom collectif pour les îles britanniques. Cependant, avec la conquête romaine de la Grande-Bretagne, le terme latin Britannia a été utilisé pour désigner l'île de Grande-Bretagne, puis la Grande-Bretagne occupée par les Romains, au sud de la Calédonie. Après le départ des Romains de Grande-Bretagne, l'île de Grande-Bretagne a été laissée ouverte à l'invasion de guerriers marins païens tels que les Saxons et les Jutes, qui ont pris le contrôle des régions du sud-est. Dans cette période post-romaine, à mesure que les Anglo-Saxons avançaient, les Britanniques se limitèrent à ce qui sera plus tard appelé le Pays de Galles, les Cornouailles, le nord-ouest de l'Angleterre et Strathclyde. Cependant, le terme Britannia a persisté comme nom latin de l'île. L'Historia Brittonum revendiquait des origines légendaires en tant que généalogie prestigieuse des rois bretons, suivie par l'Historia Regum Britanniae qui popularisa cette pseudo-histoire pour étayer les prétentions des rois d'Angleterre. Au Moyen Âge, et particulièrement à l'époque Tudor, le terme « Britannique » était utilisé pour désigner le peuple gallois. À cette époque, c'était « la croyance de longue date selon laquelle les Gallois étaient les descendants des anciens Britanniques et qu'ils parlaient « la langue britannique ». Cette notion était soutenue par des textes tels que l'Historia Regum Britanniae, un récit pseudo-historique de l'histoire britannique ancienne, Écrit au milieu du XIIe siècle par Geoffroy de Monmouth, l'Historia Regum Britanniae raconte la vie des rois légendaires des Britanniques dans un récit s'étalant sur 2000 ans, commençant par les Troyens fondant l'ancienne nation britannique et se poursuivant jusqu'à l'invasion anglo-saxonne de la Grande-Bretagne. La Grande-Bretagne au 7ème siècle a forcé les Britanniques celtes à l'ouest, c'est-à-dire le Pays de Galles et les Cornouailles. Cette histoire celtique légendaire de la Grande-Bretagne est connue sous le nom de La Matière de la Grande-Bretagne, un mythe national, a été raconté ou réinterprété dans les œuvres de Gerald. du Pays de Galles, un chroniqueur cambro-normand qui, aux XIIe et XIIIe siècles, a utilisé le terme britannique pour désigner le peuple connu plus tard sous le nom de Gallois. Histoire Racines ancestrales Les peuples autochtones des îles britanniques ont une combinaison d’ascendance celtique, nordique, anglo-saxonne et normande. Les études modernes utilisant l'analyse de l'ADN, popularisées par le généticien Stephen Oppenheimer et d'autres, suggèrent de plus en plus que les trois quarts des Britanniques partagent une ascendance commune avec les chasseurs-cueilleurs qui se sont installés en Europe atlantique au cours de l'ère paléolithique, « après la fonte des calottes glaciaires ». mais avant que la terre ne se détache du continent et ne soit divisée en îles". Malgré la séparation des îles britanniques de l'Europe continentale à la suite de la dernière période glaciaire, les archives génétiques indiquent que les Britanniques et les Irlandais partagent largement leur ascendance commune la plus proche avec le peuple basque, qui vit au Pays basque près des Pyrénées. Oppenheimer poursuit en affirmant que la majorité des habitants des îles britanniques partagent des points communs génétiques avec les Basques, allant de 90 % au Pays de Galles à 66 % dans l'East Anglia. On pense que la différence génétique entre l’ouest de la Grande-Bretagne et l’est de l’Angleterre provient de deux routes d’immigration préhistoriques divergentes – l’une remontant la côte atlantique, l’autre venant de l’Europe continentale. L'installation majeure d'immigrants dans les îles britanniques s'est produite au cours de la période néolithique, interprétée par Bryan Sykes, professeur de génétique humaine à l'Université d'Oxford, comme l'arrivée des Celtes de la péninsule ibérique et l'origine des tribus celtiques de Grande-Bretagne et d'Irlande. L'opinion d'Oppenheimer est que « ..de loin, la majorité des types de gènes masculins dans les îles britanniques proviennent de la péninsule ibérique (Espagne et Portugal modernes), allant d'un minimum de 59 % à Fakenham, dans le Norfolk, à un maximum de 96 % à Llangefni, au nord du Pays de Galles. ". Le Musée national du Pays de Galles déclare qu '"il est possible que de futures études génétiques sur l'ADN humain ancien et moderne puissent aider à éclairer notre compréhension du sujet", mais "les premières études ont, jusqu'à présent, eu tendance à produire des conclusions invraisemblables à partir d'un très petit nombre de personnes". et en utilisant des hypothèses dépassées sur la linguistique et l'archéologie. Entre le VIIIe et le XIe siècle, « trois divisions culturelles majeures » sont apparues en Grande-Bretagne : les Anglais, les Écossais et les Gallois. Les Anglais avaient été unifiés sous un seul État-nation en 937 par le roi Athelstan de Wessex après la bataille de Brunanburh. Avant cela, les Anglais (connus alors en vieil anglais sous le nom d'Anglecynn) étaient sous la gouvernance de petits royaumes anglo-saxons indépendants qui se sont progressivement fusionnés en une heptarchie de sept États puissants, dont les plus puissants étaient la Mercie et le Wessex. L'historien et archéologue écossais Neil Oliver a déclaré que la bataille de Brunanburh « définirait la forme de la Grande-Bretagne dans l'ère moderne » et qu'il s'agissait d'une « confrontation entre deux identités ethniques très différentes – une alliance celtique nordique contre anglo-saxonne. et pour tous, la question de savoir si la Grande-Bretagne serait contrôlée par une seule puissance impériale ou resterait plusieurs royaumes indépendants séparés, une divergence de perceptions qui est encore très présente aujourd'hui". Cependant, l'historien Simon Schama a suggéré que c'était Édouard Ier d'Angleterre qui était le seul « responsable d'avoir amené les peuples de Grande-Bretagne à prendre conscience de leur identité nationale » au XIIIe siècle. L'identité nationale écossaise, « un amalgame complexe » de Gaëls, Pictes, Norvégiens et Anglo-Normands, ne s'est finalement forgée que lors des guerres d'indépendance écossaise contre le Royaume d'Angleterre à la fin du XIIIe et au début du XIVe siècle. Bien que le Pays de Galles ait été conquis par l'Angleterre et que son système juridique ait été remplacé par celui du Royaume d'Angleterre en vertu des lois du Pays de Galles de 1535 à 1542, les Gallois ont survécu en tant que nation distincte des Anglais. Plus tard, avec à la fois une Réforme anglaise et une Réforme écossaise, Édouard VI d'Angleterre, sous le conseil d'Édouard Seymour, 1er duc de Somerset, préconisa une union avec le Royaume d'Écosse, rejoignant l'Angleterre, le Pays de Galles et l'Écosse dans un Grand Royaume protestant uni. Grande-Bretagne. Le duc de Somerset a soutenu l'unification des Anglais, des Gallois et des Écossais sous le « vieux nom indifférent de Britanniques » au motif que leurs monarchies « dérivaient toutes deux d'une monarchie britannique pré-romaine ». Après la mort d'Elizabeth I d'Angleterre en 1603, le trône d'Angleterre fut hérité par Jacques VI, roi d'Écosse, de sorte que le royaume d'Angleterre et le royaume d'Écosse furent unis dans une union personnelle sous Jacques VI d'Écosse et moi de Angleterre, un événement appelé Union des Couronnes. Le roi Jacques préconisait une union politique totale entre l'Angleterre et l'Écosse et, le 20 octobre 1604, proclama son accession au titre de « roi de Grande-Bretagne », bien que ce titre ait été rejeté à la fois par le Parlement d'Angleterre et par le Parlement d'Écosse, et n'avait donc pas de titre. base soit en droit anglais, soit en droit écossais. Union et développement de la britannité Malgré des siècles de conflits militaires et religieux, les royaumes d'Angleterre et d'Écosse se « rapprochèrent de plus en plus » depuis la Réforme protestante du XVIe siècle et l'Union des couronnes en 1603. Une langue, une île, un monarque, une religion et une Bible largement partagées. (la version autorisée du roi James) a en outre contribué à une alliance culturelle croissante entre les deux royaumes souverains et leurs peuples. La Glorieuse Révolution de 1688 a abouti à deux lois des législatures anglaise et écossaise, respectivement la Déclaration des droits de 1689 et la Claim of Right Act de 1689, qui garantissaient que la monarchie constitutionnelle partagée de l'Angleterre et de l'Écosse était détenue uniquement par les protestants. Malgré cela, bien que populaires auprès de la monarchie et d'une grande partie de l'aristocratie, les tentatives d'unir les deux États par des lois du Parlement en 1606, 1667 et 1689 échouèrent ; une gestion politique accrue des affaires écossaises depuis l'Angleterre avait conduit à des « critiques » et à des relations tendues entre anglo-écossais. Alors que les explorations maritimes anglaises au cours de l’ère des découvertes ont donné aux Anglais et aux Gallois un nouveau pouvoir impérial et une nouvelle richesse à la fin du XVIIe siècle, l’Écosse a souffert d’une économie faible de longue date. En réponse, le royaume écossais, en opposition à Guillaume II d'Écosse (III d'Angleterre), lança le projet Darien, une tentative d'établir un débouché impérial écossais - la colonie de Nouvelle-Calédonie - sur l'isthme de Panama. Cependant, à cause d'une combinaison de maladie, d'hostilité espagnole, de mauvaise gestion écossaise et d'opposition au projet de la Compagnie des Indes orientales et du gouvernement anglais (qui ne voulait pas provoquer les Espagnols dans la guerre), cette entreprise impériale s'est soldée par un « échec catastrophique » avec un on estime que « 25 % du capital liquide total de l’Écosse » a été perdu. Les événements du Darien Scheme et l'adoption par le Parlement anglais de l'Act of Settlement de 1701 affirmant le droit de choisir l'ordre de succession des trônes anglais, écossais et irlandais ont intensifié les hostilités politiques entre l'Angleterre et l'Écosse et neutralisé les appels à un peuple britannique uni. Le Parlement écossais a répondu en adoptant l'Act of Security 1704, lui permettant de nommer un monarque différent de celui d'Angleterre pour succéder à la couronne écossaise, s'il le souhaitait. La perspective politique anglaise était que la nomination d'une monarchie jacobite en Écosse ouvrait la possibilité d'une conquête militaire franco-écossaise de l'Angleterre pendant la Seconde Guerre de Cent Ans et la Guerre de Succession d'Espagne. Le Parlement d'Angleterre a adopté l'Alien Act 1705, qui prévoyait que les ressortissants écossais en Angleterre devaient être traités comme des étrangers et que les propriétés détenues par les Écossais seraient traitées comme des biens étrangers, tout en restreignant également l'importation de produits écossais en Angleterre et dans ses colonies (environ la moitié du commerce écossais). Cependant, la loi contenait une disposition selon laquelle elle serait suspendue si le Parlement écossais entamait des négociations concernant la création d'un Parlement unifié de Grande-Bretagne, qui à son tour rembourserait les pertes financières écossaises liées au projet Darien. Union de l'Écosse et de l'Angleterre Malgré l'opposition d'une grande partie des populations écossaise et anglaise, un traité d'union fut conclu en 1706 et fut ensuite ratifié par les parlements des deux pays avec l'adoption des Actes d'Union de 1707. Avec effet au 1er mai 1707, cela créa un nouveau État souverain appelé « Royaume de Grande-Bretagne ». Ce royaume « a commencé comme une fusion hostile », mais a conduit à un « partenariat complet dans l'entreprise en activité la plus puissante du monde » ; l'historien Simon Schama a déclaré que « ce fut l'une des transformations les plus étonnantes de l'histoire européenne ». Après 1707, une identité nationale britannique a commencé à se développer, même si elle a d’abord rencontré une résistance, notamment de la part des Anglais. Les peuples de Grande-Bretagne avaient commencé, dans les années 1750, à assumer une « identité à plusieurs niveaux » : à se considérer à la fois comme britanniques et aussi écossais, anglais ou gallois. Les termes North Briton et South Briton ont été conçus respectivement pour les Écossais et les Anglais, le premier gagnant une certaine préférence en Écosse, en particulier par les économistes et les philosophes des Lumières écossaises. En effet, ce sont « les Écossais [qui] ont joué un rôle clé dans l’élaboration des contours de l’identité britannique » ; "leur scepticisme à l'égard de l'Union a laissé aux Écossais l'espace et le temps dans lesquels pour dominer la construction de la britannicité dans ses premières années cruciales », en s'appuyant sur la notion d'un « esprit de liberté commun aux Saxons et aux Celtes... contre l'usurpation de l'Église de Rome ». James Thomson était poète et dramaturge. nés en 1700 d'un pasteur de l'Église d'Écosse dans les Lowlands écossais qui souhaitait ainsi forger une culture britannique commune et une identité nationale. En collaboration avec Thomas Arne, ils écrivirent Alfred, un opéra sur la victoire d'Alfred le Grand contre les Vikings. à Frederick, prince de Galles en 1740 pour commémorer l'avènement de George Ier et l'anniversaire de la princesse Augusta ! « Rule, Britannia ! » fut la pièce maîtresse de l'opéra et devint rapidement une chanson patriotique britannique « chauvine » célébrant « la suprématie de la Grande-Bretagne au large ». ". Un pays insulaire avec une série de victoires pour la Royal Navy associait empire et guerre navale "inextricablement aux idéaux de britannicité et de place de la Grande-Bretagne dans le monde". Britannia, la nouvelle personnification nationale de la Grande-Bretagne, a été créée dans les années 1750 comme une représentation de « la nation et de l'empire plutôt que d'un seul héros national ». À propos de la Britannia et de l'identité britannique, l'historien Peter Borsay a écrit : De l'Union de 1707 jusqu'à la bataille de Waterloo en 1815, la Grande-Bretagne fut « impliquée dans des guerres successives et très dangereuses avec la France catholique », mais qui « apportèrent toutes suffisamment de victoires militaires et navales ... pour flatter la fierté britannique ». Au fur et à mesure que les guerres napoléoniennes avec le Premier Empire français avançaient, « les Anglais et les Écossais ont appris à se définir comme semblables principalement parce qu'ils n'étaient ni français ni catholiques ». En combinaison avec la puissance maritime et l'empire, la notion de britannicité est devenue plus « étroitement liée au protestantisme », un point commun culturel à travers lequel les Anglais, les Écossais et les Gallois ont « fusionné et sont restés ainsi, malgré leurs nombreuses divergences culturelles ». ". Les monuments néoclassiques qui ont proliféré à la fin du XVIIIe siècle et au début du XIXe, comme le Kymin à Monmouth, étaient des tentatives de fusionner les concepts de britannicité avec les empires gréco-romains de l’Antiquité classique. Le nouvel Empire britannique en expansion offrait « des opportunités sans précédent de mobilité ascendante et d'accumulation de richesses », et ainsi les « populations écossaises, galloises et irlandaises étaient prêtes à supprimer les questions nationalistes pour des raisons pragmatiques ». L'Empire britannique était « crucial pour l'idée d'une identité britannique et pour l'image de soi de la britannicité ». En effet, les Écossais ont accueilli favorablement le caractère britannique au XIXe siècle « car il offrait un contexte dans lequel ils pouvaient conserver leur propre identité tout en participant et en bénéficiant de l'expansion de l'Empire [britannique] ». De même, « le nouvel accent mis sur la britannicité a été largement bien accueilli par les Gallois qui se considéraient comme les descendants directs des anciens Britanniques – un mot qui était encore utilisé pour désigner exclusivement les Gallois ». Pour les Anglais, cependant, à l'époque victorienne, leur adoption enthousiaste de la britannicité signifiait que, pour eux, la britannicité « signifiait la même chose que « l'anglais » », à tel point que « l'anglais et la britannicité » et « l'Angleterre et la Grande-Bretagne » ' étaient utilisés de manière interchangeable dans divers contextes". Le caractère britannique en est venu à emprunter beaucoup à l'histoire politique anglaise parce que l'Angleterre avait « toujours été la composante dominante des îles britanniques en termes de taille, de population et de puissance » ; La Magna Carta, la common law et l’hostilité à l’égard de l’Europe continentale étaient des facteurs anglais qui ont influencé les sensibilités britanniques. Union avec l'Irlande L'union politique du royaume d'Irlande à majorité catholique avec la Grande-Bretagne en 1800, couplée à l'instauration de la paix avec la France au début du XIXe siècle, a remis en question le concept de britannicité protestante militante du siècle précédent. Le nouveau Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d'Irlande élargi signifiait que l'État devait réévaluer sa position sur les droits civils des catholiques et étendre sa définition de la britannicité au peuple irlandais. Comme les termes qui avaient été inventés à l'époque des Actes d'Union de 1707, « West Briton » a été introduit pour les Irlandais après 1800. En 1832, Daniel O'Connell, un homme politique irlandais qui a fait campagne pour l'émancipation catholique, a déclaré à la Chambre des représentants de Grande-Bretagne. Chambre des communes: L’Irlande, de 1801 à 1923, a été marquée par une succession de mauvaise gestion et de négligence économiques et politiques, qui ont marginalisé les Irlandais et ont fait progresser le nationalisme irlandais. Au cours des quarante années qui suivirent l'Union, les gouvernements britanniques successifs furent aux prises avec les problèmes de gouvernance d'un pays qui avait, comme le disait Benjamin Disraeli en 1844, « une population affamée, une aristocratie absente et une Église étrangère, et en plus l'État le plus faible ». exécutif dans le monde". Même si la grande majorité des unionistes en Irlande se proclamaient « à la fois irlandais et britanniques », même pour eux, l'adoption de la britannité était difficile après la Grande Famine. La guerre est restée un facteur d’unification pour le peuple britannique : le chauvinisme britannique a réapparu pendant les guerres des Boers en Afrique australe. L’expérience du pouvoir militaire, politique et économique depuis la montée de l’Empire britannique a conduit à un élan très spécifique en matière de technique artistique, de goût et de sensibilité pour la britannicité. En 1887, Frédéric Harrison écrivait : Le Catholic Relief Act de 1829 reflétait un « changement marqué dans les attitudes » en Grande-Bretagne à l'égard des catholiques et du catholicisme. Un exemple « significatif » en est la collaboration entre Augustus Welby Pugin, un « ardent catholique romain » et fils d'un Français, et Sir Charles Barry, « un protestant confirmé », pour redessiner le palais de Westminster, « le bâtiment que le plus consacre ... les prétentions nationales et impériales de la Grande-Bretagne". Le protestantisme a cédé la place à l'impérialisme en tant qu'élément principal de l'identité nationale britannique au cours des époques victorienne et édouardienne et, à ce titre, une série de célébrations royales, impériales et nationales ont été présentées au peuple britannique pour affirmer la culture impériale britannique et se donner un sentiment d'appartenance. l'unicité, la supériorité et la conscience nationale. L'Empire Day et les jubilés de la reine Victoria ont été présentés à la classe moyenne britannique, mais ont rapidement « fusionné en une « tradition » nationale ». Période moderne La Première Guerre mondiale a « renforcé le sentiment d’appartenance britannique » et le patriotisme au début du XXe siècle. Grâce au service de guerre (y compris la conscription en Grande-Bretagne), « les Anglais, les Gallois, les Écossais et les Irlandais combattirent en tant que Britanniques ». Les conséquences de la guerre ont institutionnalisé la commémoration nationale britannique à travers le dimanche du Souvenir et l'appel du coquelicot. La Seconde Guerre mondiale a eu un effet unificateur similaire sur le peuple britannique, mais son résultat a été de reconditionner le caractère britannique sur la base de valeurs démocratiques et de son contraste marqué avec l’européisme. Les notions selon lesquelles les Britanniques « constituaient une race insulaire et défendaient la démocratie ont été renforcées pendant la guerre et ont circulé dans le pays à travers les discours, les livres d'histoire et les journaux de Winston Churchill ». À son apogée internationale, « la britannicité a uni les peuples du monde entier dans des traditions partagées et des loyautés communes qui ont été vigoureusement entretenues ». Mais après les deux guerres mondiales, l’Empire britannique connaît une décolonisation rapide. La sécession de l'État libre d'Irlande du Royaume-Uni signifiait que le caractère britannique avait perdu « sa dimension irlandaise » en 1922, et le déclin de l'empire, supplanté par les mouvements indépendantistes, diminua l'attrait de l'identité britannique dans le Commonwealth des Nations au milieu du XXe siècle. Depuis la loi sur la nationalité britannique de 1948 et l'immigration massive qui a suivi vers le Royaume-Uni en provenance du Commonwealth et d'ailleurs dans le monde, « l'expression et l'expérience de la vie culturelle en Grande-Bretagne ont été fragmentées et remodelées par les influences du genre, de l'origine ethnique, de la classe et de la région ». ". En outre, l'adhésion du Royaume-Uni à la Communauté économique européenne en 1973 a érodé le concept de britannicité distincte de l'Europe continentale. Ainsi, depuis les années 1970, « il y a eu un sentiment de crise quant à ce que signifie être britannique », exacerbé par les demandes croissantes d'une plus grande autonomie politique pour l'Irlande du Nord, l'Écosse et le Pays de Galles. La fin du XXe siècle a vu des changements majeurs dans la politique du Royaume-Uni avec la création d'administrations nationales décentralisées pour l'Irlande du Nord, l'Écosse et le Pays de Galles à la suite de référendums pré-législatifs. Les appels à une plus grande autonomie pour les quatre pays du Royaume-Uni existaient depuis leur union initiale, mais se sont intensifiés dans les années 1960 et 1970. La décentralisation a conduit à « des identités nationales écossaises, galloises et irlandaises de plus en plus affirmées », ce qui a abouti à des expressions culturelles plus diversifiées de la britannité, ou bien à son rejet pur et simple : Gwynfor Evans, un homme politique nationaliste gallois actif à la fin du 20e siècle, a rejeté la britannité en la qualifiant de « synonyme politique de l'anglais qui étend la culture anglaise aux Écossais, aux Gallois et aux Irlandais". En 2004, Sir Bernard Crick, théoricien politique et socialiste démocrate chargé de développer le test de la vie au Royaume-Uni, a déclaré : Gordon Brown, Premier ministre du Royaume-Uni, a lancé un débat sur l'identité britannique en 2006. Dans son discours à la conférence sur la britannicité de la Fabian Society, il a proposé que les valeurs britanniques exigent un nouveau règlement constitutionnel et des symboles pour représenter un patriotisme moderne, y compris un nouveau service communautaire pour les jeunes. programme et une journée britannique à célébrer. L’une des questions centrales identifiées lors de la conférence de la Fabian Society était de savoir comment l’identité anglaise s’inscrivait dans le cadre d’un Royaume-Uni décentralisé. Une expression de l'initiative du gouvernement de Sa Majesté visant à promouvoir le caractère britannique a été la Journée inaugurale des anciens combattants, qui a eu lieu pour la première fois le 27 juin 2006. En plus de célébrer les réalisations des anciens combattants des forces armées, le discours de Brown lors du premier événement de la célébration disait : Distribution géographique Les Britanniques – les personnes ayant la citoyenneté britannique ou d’origine britannique – sont très présents dans un certain nombre de pays autres que le Royaume-Uni, et en particulier dans ceux ayant des liens historiques avec l’Empire britannique. Après l'ère des découvertes, les Britanniques furent l'une des premières et des plus grandes communautés à émigrer hors d'Europe, et l'expansion de l'Empire britannique au cours de la première moitié du XIXe siècle déclencha une « dispersion extraordinaire du peuple britannique », entraînant des concentrations particulières. en Australasie et en Amérique du Nord". L'Empire britannique a été « construit sur des vagues de migration à l'étranger par des Britanniques », qui ont quitté le Royaume-Uni et « ont atteint le monde entier et ont affecté de manière permanente les structures démographiques sur trois continents ». À la suite de la colonisation britannique des Amériques, ce qui est devenu les États-Unis était « de loin la plus grande destination des émigrants britanniques », mais en Australie, les Britanniques ont connu un taux de natalité plus élevé que « tout ce qui a été vu auparavant », ce qui a entraîné le déplacement des autochtones. Australiens. Dans des colonies telles que la Rhodésie du Sud, l'Afrique orientale britannique et la colonie du Cap, des communautés britanniques résidentes permanentes ont été établies et, bien qu'elles ne soient jamais plus qu'une minorité numérique, ces Britanniques « ont exercé une influence dominante » sur la culture et la politique de ces terres. En Australie, au Canada et en Nouvelle-Zélande, « les personnes d'origine britannique sont devenues la majorité de la population », contribuant ainsi à ce que ces États deviennent partie intégrante de l'anglosphère. Le recensement du Royaume-Uni de 1861 a estimé la taille des Britanniques d'outre-mer à environ 2,5 millions, mais a conclu que la plupart d'entre eux n'étaient « pas des colons conventionnels » mais plutôt « des voyageurs, des marchands, des professionnels et du personnel militaire ». En 1890, plus de 1,5 million de personnes nées au Royaume-Uni vivaient en Australie, au Canada, en Nouvelle-Zélande et en Afrique du Sud. Une publication de 2006 de l’Institute for Public Policy Research estime que 5,6 millions de Britanniques vivent en dehors du Royaume-Uni. Australie Depuis le début de la période coloniale australienne jusqu'après la Seconde Guerre mondiale, les ressortissants du Royaume-Uni constituaient la grande majorité des personnes venant en Australie, ce qui signifie que de nombreuses personnes nées en Australie peuvent retracer leurs origines en Grande-Bretagne. La colonie de Nouvelle-Galles du Sud, fondée le 26 janvier 1788, faisait partie de la moitié orientale de l'Australie revendiquée par le Royaume de Grande-Bretagne en 1770 et initialement colonisée par les Britanniques via le transport pénal. Avec cinq autres colonies de la Couronne largement autonomes, la fédération d'Australie fut créée le 1er janvier 1901. Son histoire de domination britannique signifiait que l'Australie était « ancrée dans la culture et les traditions politiques britanniques qui avaient été transportées dans les colonies australiennes au XIXe siècle et sont devenues partie intégrante de la culture et de la politique coloniales ». L'Australie maintient le système de gouvernement parlementaire de Westminster et Elizabeth II est reine d'Australie. Jusqu'en 1987, le statut national des citoyens australiens était officiellement décrit comme « sujet britannique : citoyen australien ». Les Britanniques continuent de représenter une proportion importante des immigrants. Territoires britanniques d'outre-mer Les habitants des territoires britanniques d'outre-mer sont britanniques de par leur citoyenneté, leur origine ou leur naturalisation. Outre certains aspects de l'identité britannique commune, chacun d'entre eux possède sa propre identité distincte, façonnée dans les circonstances particulières de son histoire politique, économique, ethnique, sociale et culturelle. Par exemple, dans le cas des habitants des îles Falkland, Lewis Clifton, président du Conseil législatif des îles Falkland, explique : En revanche, pour la majorité des Gibraltariens, qui vivent à Gibraltar, il existe une « insistance sur leur britannicité » qui « porte une loyauté excessive » envers la Grande-Bretagne. La souveraineté de Gibraltar a été un point de discorde dans les relations entre l'Espagne et le Royaume-Uni, mais un nombre écrasant de Gibraltariens adhèrent au caractère britannique avec une forte conviction, en opposition directe aux revendications territoriales espagnoles. Canada Le Canada fait remonter son statut d'État aux expéditions françaises, anglaises et écossaises en Amérique du Nord à la fin du XVe siècle. La France a cédé presque toute la Nouvelle-France en 1763 après la guerre de Sept Ans, et ainsi, après la déclaration d'indépendance des États-Unis en 1776, le Québec et la Nouvelle-Écosse ont formé « le noyau des colonies qui constituaient le dernier enjeu de la Grande-Bretagne sur le continent nord-américain ». . L'Amérique du Nord britannique a attiré les loyalistes de l'Empire-Uni, des Britanniques qui ont émigré de ce qu'ils considéraient comme les États-Unis « rebelles », augmentant ainsi la taille des communautés britanniques dans ce qui allait devenir le Canada. En 1867, trois colonies furent fusionnées avec l'Amérique du Nord britannique et formèrent ensemble la Confédération canadienne, un dominion fédéral. Cela a marqué le début d'une accumulation de provinces et de territoires supplémentaires et d'un processus d'autonomie croissante par rapport au Royaume-Uni, souligné par le Statut de Westminster de 1931 et culminant avec la Loi sur le Canada de 1982, qui a rompu les vestiges de la dépendance juridique à l'égard du Parlement du Royaume-Uni. Néanmoins, il est reconnu que « les relations étroites et de longue date entre le Canada et la Grande-Bretagne demeurent importantes » ; Une grande partie de la population moderne du Canada revendique des « origines britanniques » et l'impact culturel des Britanniques sur les institutions canadiennes est profond. Ce n'est qu'en 1977 que l'expression « Un citoyen canadien est un sujet britannique » a cessé d'être utilisée dans les passeports canadiens. La politique du Canada est fortement influencée par la culture politique britannique. Bien que des modifications importantes aient été apportées, le Canada est gouverné par un cadre parlementaire démocratique comparable au système de Westminster et conserve Elizabeth II comme reine du Canada et chef de l'État. L'anglais est une langue officielle utilisée au Canada. Chili Le Chili, face à l’océan Pacifique, bénéficie d’une forte présence britannique. Plus de 50 000 immigrants britanniques se sont installés au Chili entre 1840 et 1914. Un nombre important d'entre eux se sont installés dans la province de Magallanes, en particulier dans la ville de Punta Arenas, à l'époque où elle prospérait en tant que port maritime majeur pour les navires traversant l'océan Atlantique et le Pacifique par le détroit de Magellan. Environ 32 000 Anglais se sont installés à Valparaíso, influençant la ville portuaire au point d'en faire pratiquement une colonie britannique au cours des dernières décennies du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Cependant, l'ouverture du canal de Panama en 1914 et le déclenchement de la Première Guerre mondiale ont poussé nombre d'entre eux à quitter la ville ou à retourner en Europe. À Valparaíso, ils ont créé leur colonie la plus grande et la plus importante, apportant avec eux des quartiers à caractère britannique, des écoles, des clubs sociaux, des clubs sportifs, des organisations commerciales et des périodiques. Aujourd'hui encore, leur influence se manifeste dans des domaines spécifiques, comme les banques et la marine, ainsi que dans certaines activités sociales, comme le football, les courses de chevaux et la coutume de boire du thé. Lors du mouvement pour l'indépendance (1818), ce sont principalement les Britanniques qui formèrent la marine chilienne, sous le commandement de Lord Cochrane. Les investissements britanniques ont aidé le Chili à devenir prospère et les marins britanniques ont aidé la marine chilienne à devenir une force puissante dans le Pacifique Sud. Le Chili a remporté deux guerres, la première contre la Confédération Pérou-Bolivie et la seconde, la Guerre du Pacifique, en 1878-1879, contre une alliance entre le Pérou et la Bolivie. La « Révolution libérale-socialiste de 1891 » a introduit des réformes politiques calquées sur la pratique parlementaire et législative britannique. Les immigrants britanniques étaient également importants dans la zone nord du pays lors du boom du salpêtre, dans les ports d'Iquique et de Pisagua. Le « roi du salpêtre », John Thomas North, était le principal magnat de l'exploitation minière des nitrates. L'héritage britannique se reflète dans les rues du quartier historique de la ville d'Iquique, avec la fondation de diverses institutions, comme le Club Hípico (Racing Club). Néanmoins, la présence active britannique a pris fin avec la crise du salpêtre dans les années 1930. Certains Écossais se sont installés dans les régions les plus tempérées du pays, où le climat et le paysage forestier avec des glaciers et des îles leur ont peut-être rappelé leur patrie (les Highlands et le nord de l'Écosse), tandis que les Anglais et les Gallois constituaient le reste. Les immigrants irlandais, souvent confondus avec t

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« The Crafty Cockney » était le surnom de quel joueur de fléchettes britannique ?

Eric Bristow

Les fléchettes sont une forme de jeu de lancer dans lequel de petits missiles sont lancés sur un jeu de fléchettes circulaire fixé à un mur. Bien que divers plateaux et règles aient été utilisés dans le passé, le terme « fléchettes » fait généralement référence à un jeu standardisé impliquant une conception de plateau et un ensemble de règles spécifiques. En plus d'être un sport de compétition professionnel, les fléchettes sont un jeu de pub traditionnel, couramment joué au Royaume-Uni, dans le Commonwealth, aux Pays-Bas, en Allemagne, en Belgique, en France, en République d'Irlande, dans les pays scandinaves, aux États-Unis et ailleurs. . Équipement Cible de fléchettes Les fléchettes étaient historiquement utilisées dans la guerre dans l’histoire ancienne ; les tirailleurs utilisaient des fléchettes de différentes tailles, semblables à des javelots miniatures. C’est la pratique de cette compétence qui s’est transformée en un jeu d’adresse. Avant la Première Guerre mondiale, les pubs du Royaume-Uni disposaient de jeux de fléchettes fabriqués à partir de blocs de bois massif, généralement de l'orme. Il fallait les tremper toute la nuit pour réparer les trous faits par les fléchettes, et c'était une affaire compliquée pour le publicain, même si les fléchettes étaient un jeu populaire. Cela a changé lorsqu'une entreprise appelée Nodor, dont l'activité principale était de fabriquer de la pâte à modeler (qui n'a pas d'odeur, d'où le nom Nodor), a commencé à produire des jeux de fléchettes en argile en 1923. Les jeux de fléchettes en argile n'ont jamais pris de l'ampleur et Nodor s'est tourné vers la fabrication de jeux de fléchettes traditionnels en orme. qui étaient populaires à l'époque. Leur modèle de jeu de fléchettes n'a pas connu un grand succès jusqu'à ce que quelqu'un ait l'idée d'utiliser l'usine centenaire pour fabriquer un jeu de fléchettes. De petits paquets de fibres de sisal de même longueur étaient regroupés. Les paquets étaient ensuite compressés en un disque et liés avec un anneau métallique. Ce fut un succès instantané, car les fléchettes n'endommagent que peu ou pas la planche : elles séparent simplement les fibres lorsqu'elles entrent dans la planche ; ce type de planche était plus durable et nécessitait peu d'entretien. Les cibles de fléchettes de qualité sont fabriquées à partir de fibres de sisal ; les planches moins chères sont parfois en liège ou en papier enroulé. Cependant, plusieurs types de fibres de sisal sont aujourd’hui utilisées dans les jeux de fléchettes, originaires d’Afrique de l’Est, du Brésil ou de Chine. Malgré la croyance largement répandue selon laquelle certains jeux de fléchettes sont fabriqués à partir de poils de porc, de poils de chameau ou de crin de cheval, il n'existe aucune preuve que des jeux de fléchettes aient jamais été produits commercialement à partir de ces matériaux. Un tableau de régulation mesure 451 mm de diamètre et est divisé en 20 sections radiales. Chaque section est séparée par un fil métallique ou une fine bande de tôle. Les meilleures cibles de fléchettes ont le fil le plus fin, de sorte que les fléchettes ont moins de chances de heurter un fil et de rebondir. Les chiffres indiquant les différentes sections de notation du plateau sont également normalement constitués de fil de fer, en particulier sur les plateaux de qualité tournoi. L'anneau métallique sur lequel les chiffres sont soudés peut être tourné pour faciliter une usure uniforme de la planche. Les tableaux de moindre qualité ont souvent les numéros imprimés directement sur le tableau. Récemment, certaines entreprises ont produit des jeux de fléchettes électroniques. Ces jeux de fléchettes sont équipés d'ordinateurs de notation électroniques préprogrammés avec une grande variété de types de jeux. La planche est constituée de parements en plastique percés de petits trous. Les trous sont inclinés vers l'extérieur, permettant aux fléchettes à pointe en plastique de rester à l'intérieur. Lorsqu'une fléchette touche le plateau, la section entre en contact avec une plaque métallique, indiquant à l'ordinateur où le joueur a lancé. L'éclairage doit être disposé de manière à éclairer vivement la cible et à minimiser les ombres des fléchettes lancées. L'alimentation principale de l'éclairage doit être protégée contre tout perçage accidentel ou placée à l'écart du tableau. Histoire Le jeu de fléchettes peut trouver son origine dans la section transversale d’un arbre. Un ancien nom pour un jeu de fléchettes est « fesses » ; le mot vient du mot français mais, signifiant « cible ». En particulier, les planches Yorkshire et Manchester Log End diffèrent de la planche standard en ce sens qu'elles n'ont pas de triple, seulement un double et un bullseye, la planche Manchester étant d'un diamètre plus petit, avec une surface de jeu de seulement 25 cm de diamètre avec des zones doubles et taureaux. mesurant seulement 4 mm. Le tableau London Fives est une autre variante. Celui-ci ne comporte que 12 segments égaux numérotés 20, 5, 15, 10, 20, 5, 15, 10, 20, 5, 15, 10, les doubles et les triples mesurant un quart de pouce de large. Il existe une hypothèse selon laquelle ce jeu serait né des soldats qui lançaient des flèches courtes au fond d'un tonneau ou au pied de troncs d'arbres. Au fur et à mesure que le bois séchait, des fissures se développeraient, créant des « sections ». Bientôt, des normes régionales ont émergé et de nombreux menuisiers ont complété les onglets de bar en fabriquant des jeux de fléchettes pour les pubs locaux. On dit généralement que le plan de numérotation standard avec un 20 en haut a été créé en 1896 par le menuisier du Lancashire Brian Gamlin, bien que cela soit contesté. Cependant, de nombreuses autres configurations ont été utilisées au fil des années et dans différentes zones géographiques. La mise en page de Gamlin a été conçue pour pénaliser les inexactitudes. Bien que cela s'applique à la majeure partie du plateau, le côté gauche (près de la section 14) est préféré par les débutants, en raison de sa concentration de plus grands nombres. Mathématiquement, en supprimant la symétrie de rotation en plaçant le « 20 » en haut, il y a 19 !, soit 121 645 100 408 832 000 cibles de fléchettes possibles. De nombreuses configurations différentes pénaliseraient davantage un joueur que la configuration actuelle ; cependant, la configuration actuelle fait le travail plutôt efficacement. Plusieurs articles mathématiques ont été publiés qui considèrent le jeu de fléchettes « optimal ». Fléchettes Au départ, les missiles étaient simplement des flèches coupées ou des carreaux d'arbalète. Les premières fléchettes spécialement conçues étaient fabriquées d'une seule pièce à partir de bois ; enveloppé d'une bande de plomb pour le poids et équipé de vols en plumes de dinde fendues. Ces fléchettes étaient principalement importées de France et sont devenues connues sous le nom de fléchettes françaises. Les fûts en métal ont été brevetés en 1906, mais le bois a continué à être utilisé jusque dans les années 1950. Les premiers fûts métalliques étaient fabriqués à partir de laiton, relativement bon marché et facile à travailler. Les tiges en bois, qui étaient désormais filetées pour s'adapter au canon taraudé, étaient soit empennées comme auparavant, soit conçues pour prendre un vol en papier. Ce type de fléchette a continué à être utilisé jusque dans les années 1970. Lorsque les avantages de l'utilisation du plastique ont été réalisés, la tige et la raclette sont devenues des entités distinctes, bien que la tige et les raclettes en plastique moulé d'une seule pièce étaient également disponibles. Les fléchettes modernes comportent quatre parties : les pointes, les canons, les flèches et les vols. Les pointes en acier sont disponibles en 2 longueurs courantes, 32 mm et 41 mm et sont parfois moletées ou revêtues pour améliorer l'adhérence. D'autres sont conçus pour se rétracter légèrement lors de l'impact afin de réduire les risques de rebond. Les barils sont disponibles dans une variété de poids et sont généralement construits en laiton, en argent-nickel ou en alliage de tungstène. Le laiton est bon marché mais léger et les fûts en laiton ont donc tendance à être très volumineux. Le tungstène, en revanche, est deux fois plus dense que le laiton, de sorte qu'un baril de poids équivalent pourrait avoir un diamètre trente pour cent plus petit. Le tungstène est cependant très fragile et c'est pourquoi un alliage contenant entre 80 et 95 % de tungstène est utilisé. Le reste est généralement du nickel, du fer ou du cuivre. Les fléchettes argent-nickel offrent un compromis entre densité et coût. Les barils se présentent sous 3 formes de base : cylindrique, torpille ou tonne. Les fûts cylindriques ont le même diamètre sur toute leur longueur et ont donc tendance à être longs et fins. Leur finesse les rend plus adaptés au regroupement, mais comme ils sont longs, le centre de gravité est plus en arrière. Les barils en forme de tonne sont minces à chaque extrémité mais renflés au milieu. Cela les rend plus gros qu'un canon cylindrique de poids équivalent mais le centre de gravité est plus en avant et donc théoriquement plus facile à lancer. Les canons en forme de torpille sont plus larges à l'extrémité de la pointe et se rétrécissent vers l'arrière. Cela maintient le poids aussi loin que possible vers l'avant mais, comme la tonne, lui donne un diamètre plus grand que le cylindre. Les arbres sont fabriqués en différentes longueurs et certains sont conçus pour être coupés à longueur. Les arbres sont généralement fabriqués à partir de plastiques, de polymères de nylon ou de métaux tels que l'aluminium et le titane ; et peut être rigide ou flexible. Des arbres plus longs offrent une plus grande stabilité et permettent une réduction de la taille des vols, ce qui peut conduire à un regroupement plus étroit ; mais ils déplacent également le poids vers l'arrière, provoquant l'inclinaison de la fléchette vers l'arrière pendant le vol, nécessitant un lancer plus dur et plus rapide. Un manche plus long rendra cependant la fléchette moins réactive et augmentera le risque de « vaciller ». Le but premier du vol est de produire de la traînée et ainsi d'empêcher l'arrière de la fléchette de dépasser la pointe. Cela a également un effet sur la stabilité en réduisant les oscillations. Les ailettes modernes sont généralement fabriquées à partir de plastique, de nylon ou de papier d'aluminium et sont disponibles dans une gamme de formes et de tailles. Les trois formes les plus courantes, par ordre de taille, sont la forme standard, le cerf-volant et la plus petite forme de poire. Moins il y a de surface, moins il y a de stabilité, mais les vols plus grands gênent les regroupements rapprochés. Certains fabricants ont cherché à résoudre ce problème en créant un vol long et fin, mais cela crée à son tour d'autres problèmes, tels que le changement du centre de gravité de la fléchette. De manière générale, une fléchette plus lourde nécessitera un vol plus grand. Le choix du canon, de la flèche et du vol dépendra en grande partie du style de lancer de chaque joueur. À des fins de compétition, une fléchette ne peut pas peser plus de 50 g, manche et vol compris, et ne peut pas dépasser une longueur totale de 300 mm. Dimensions de jeu La WDF utilise les normes suivantes pour le jeu : Hauteur – Le jeu de fléchettes est suspendu de manière à ce que le centre de la cible se trouve à 1,73 m (5 pi 8 po) du sol. Ceci est considéré comme le niveau des yeux pour un homme de six pieds. Distance - L'oche doit être à 7 pieds 9¼pouces (2,37 m) de la face de la planche. Notez qu'il s'agit de la face du panneau et ne doit pas inclure la distance jusqu'au mur (si le panneau dépasse du mur). Notation Le jeu de fléchettes standard est divisé en 20 sections numérotées, marquant de 1 à 20 points, par des fils allant du petit cercle central au fil circulaire extérieur. Les fils circulaires à l'intérieur du fil extérieur subdivisent chaque section en zones simples, doubles et triples. Le jeu de fléchettes présenté dans l'émission télévisée "Indoor League" des années 1970 ne comportait pas de triple section et, selon l'animateur Fred Trueman lors du premier épisode, il s'agit du jeu de fléchettes traditionnel du Yorkshire. Divers jeux peuvent être joués (et sont toujours joués de manière informelle) en utilisant le jeu de fléchettes standard. Cependant, dans le jeu officiel, toute fléchette atterrissant à l’intérieur du fil extérieur marque comme suit : * Frapper l'une des grandes parties de chacune des sections numérotées, traditionnellement colorées alternativement en noir et blanc, rapporte la valeur en points de cette section. * Frapper les fines parties intérieures de ces sections, à peu près à mi-chemin entre le fil extérieur et le cercle central coloré en rouge ou vert, rapporte le triple de la valeur en points de cette section. * Frapper les fines parties extérieures de ces sections, à nouveau colorées en rouge ou en vert, rapporte le double de la valeur en points de cette section. Le double-20 est souvent appelé double-top, reflétant la position des années 20 sur le jeu de fléchettes. *Le cercle central est divisé en un anneau extérieur vert valant 25 points (appelé « extérieur », « taureau extérieur » ou « iris ») et un cercle intérieur rouge ou noir (généralement appelé « taureau », « taureau intérieur »). ou "double taureau"), valant 50 points. Le terme « bullseye » peut désigner soit toute la partie centrale du tableau, soit simplement la section intérieure rouge/noire. Le terme « arène » désigne généralement uniquement l’anneau extérieur vert. Le taureau intérieur compte comme un double lorsqu'il double en entrée ou en sortie. * Frapper à l'extérieur du fil extérieur ne rapporte rien. *Toute fléchette qui ne reste pas dans le plateau jusqu'à ce qu'elle soit récupérée par le joueur (par exemple, une fléchette qui touche un fil et rebondit hors du plateau ou tombe sous l'impact d'un lancer ultérieur) ne rapporte rien non plus ; une exception doit être notée si le jeu se déroule sur un tableau électronique : les fléchettes qui tombent sont comptées. *Une fléchette ne marque que si sa pointe est incrustée ou touche la surface de jeu. Une fléchette qui frappe le côté du plateau sur ou sous un angle mais qui ne tombe pas parce qu'elle est maintenue en place par deux autres fléchettes, par exemple, obtiendra un score soit égal à l'endroit où sa pointe touche, soit pas du tout. Le score le plus élevé possible avec trois fléchettes est de 180, communément appelé "ton 80" (100 points s'appellent une tonne), obtenu lorsque les trois fléchettes atterrissent dans le triple 20. Dans le match télévisé, l'arbitre annonce fréquemment un score de 180 dans un style exubérant. Un anneau « quad » est apparu brièvement entre le triple anneau et le taureau dans les années 1990, conduisant à un maximum potentiel de 240 (trois quad-20), un paiement maximum de 210 (Q20-Q20-Bull) et sept arrivées de fléchettes à partir d'un départ de 501. (cinq quad-20, triple-17, bullseye), mais a été rapidement exclu des tournois professionnels après seulement deux ans. L'une des marques de cette carte était la Harrows Quadro 240. Niveau de compétence et visée En supposant un score standard, la zone optimale à viser sur le jeu de fléchettes afin de maximiser le score du joueur varie considérablement en fonction des compétences du joueur. Le joueur expérimenté doit viser le centre du T20 et, à mesure que ses compétences diminuent, sa visée se déplace légèrement vers le haut et vers la gauche du T20. À σ 16,4 mm, le meilleur endroit pour viser est le T19. À mesure que les compétences du joueur diminuent, le meilleur endroit pour viser se situe au centre du plateau, en s'arrêtant un peu plus bas et à gauche de la cible à σ. 100. Où σ peut faire référence à l'écart type pour une population spécifique : Liste des joueurs de fléchettes. Jeux Il existe de nombreux jeux qui peuvent être joués sur un jeu de fléchettes, mais les fléchettes font généralement référence à un jeu dans lequel le joueur lance trois fléchettes par visite au jeu de fléchettes dans le but de réduire à zéro un score fixe, généralement 501 ou 301 (« vérifier). "), avec la fléchette finale atterrissant soit dans la cible, soit dans un double segment. Une partie de fléchettes se joue généralement entre deux joueurs, qui se relaient. Chaque tour consiste à lancer trois fléchettes. Lorsque deux équipes jouent, le score de départ est parfois porté à « 701 », voire « 1001 » ; les règles restent les mêmes. Un lancer qui réduit le score d'un joueur en dessous de zéro, à exactement un ou à zéro mais ne se termine pas par un double est connu sous le nom de « faire faillite », le score du joueur étant réinitialisé à la valeur avant le début du tour, et le reste du tour. le tour étant perdu. Dans certaines variantes (appelées « buste du nord » à Londres) seule la fléchette qui provoque le buste n'est pas comptée. Certains pensent qu'il s'agit d'une version plus pure du jeu, car selon les règles normales, comme expliqué ci-dessus, un joueur repart avec une fin difficile, par ex. 5 et une fléchette restante la « cassent » souvent délibérément afin de revenir à la finition plus facile qu'ils avaient au début de leur parcours. Par exemple, un joueur avec 20 au début de son parcours pourrait rater le double 10 et obtenir un simple, rater le double 5 et obtenir un simple, lui laissant 5 et une seule fléchette restante. Leur meilleure option est de le briser délibérément pour revenir au double 10. Dans le cadre du « buste du nord », ils resteraient sur 5. Un match de fléchettes se joue sur un nombre fixe de parties, appelées jambes. Un match peut être divisé en sets, chaque set étant disputé sur un nombre fixe de manches. Bien que jouer directement à partir de 501 soit standard dans les fléchettes, il faut parfois frapper un double pour commencer à marquer, ce que l'on appelle "doubler", toutes les fléchettes lancées avant de frapper un double n'étant pas comptées. Le Grand Prix Mondial du PDC utilise ce format. Le nombre minimum de fléchettes lancées requis pour terminer une étape de 501 est de neuf. La finition à neuf fléchettes la plus courante consiste en deux maximums de 180 suivis d'un contrôle de 141 (T20-T19-D12), mais il existe de nombreuses autres façons possibles de réaliser cet exploit. Trois 167 (T20-T19-Bull) sont considérés comme une finition pure ou parfaite à neuf fléchettes par certains joueurs. Autres jeux et variantes Il existe un certain nombre de variantes régionales des règles standard et des systèmes de notation. 24 heures sur 24 "24 heures sur 24" est une variante qui consiste à frapper les chiffres dans l'ordre, connue sous le nom de "autour du monde" en Australie et en Nouvelle-Zélande. "Jumpers" est une variante un peu plus rapide et plus excitante de Round the Clock qui serait originaire de la communauté des expatriés britanniques en Asie. 20 contre 1 20 contre 1 est une variante néerlandaise du jeu de fléchettes du monde entier qui diffère beaucoup en raison de toutes sortes de règles supplémentaires. Ce jeu utilise le jeu de fléchettes standard à 20 chiffres avec les anneaux triples et doubles. En néerlandais, cela s'appelle "Van 20 naar 1". Le 20 contre 1 se joue généralement entre 2, 3, 4 ou 5 joueurs, ou 2 équipes de 5 joueurs maximum. Le but du 20 contre 1 est d'être le premier joueur ou équipe à lancer tous les chiffres dans un ordre consécutif de 20 à 1 et à gagner la partie avec la cible extérieure ou intérieure. Autour du monde "Autour du monde" est un jeu dans lequel chaque joueur doit trouver des numéros consécutifs sur le plateau pour passer au tour suivant. Dans une bataille en tête-à-tête, le vainqueur est la personne qui atteint le dernier numéro ou cible. Dans une compétition par équipe, le vainqueur est la première équipe à atteindre le dernier numéro ou cible une fois le tour terminé ou lorsque chaque membre de chaque équipe a lancé ce tour spécifique. Fléchettes américaines American Darts est une variante régionale du jeu aux États-Unis (la plupart des joueurs de fléchettes américains jouent aux jeux traditionnels décrits ci-dessus). Ce style de jeu de fléchettes se trouve le plus souvent dans l’est de la Pennsylvanie, dans le New Jersey, le Delaware, le Maryland et dans certaines parties de l’État de New York. Fléchettes de tir à l'arc Ce jeu se joue exactement de la même manière qu'un jeu de fléchettes classique, mais en utilisant des arcs recourbés ou à poulies pour tirer des flèches sur toute la longueur à distance afin d'atteindre une cible en papier de 60 cm ou 90 cm qui ressemble à un jeu de fléchettes. Ceux-ci sont produits commercialement, mais généralement uniquement en noir et blanc. Fléchettes audio Une variante des fléchettes traditionnelles jouées avec un bandeau sur les yeux. Souvent joué par des personnes ayant une déficience visuelle. Généralement, un jeu de fléchettes électronique parlant est utilisé pour annoncer les nombres touchés, conserver les scores et annoncer qui lancera ensuite. Criquet Le cricket est un jeu de fléchettes largement joué impliquant une course pour contrôler et marquer des nombres entre 20 et 15 et la cible, en frappant chacune de ces cibles pendant trois marques pour l'ouvrir ou la posséder pour marquer. Une touche sur la cible compte pour une marque, tandis que les touches dans l'anneau double de la cible comptent pour deux marques en un seul lancer, et sur l'anneau triple comme trois. Une fois ouvert de cette manière, jusqu'à ce que l'adversaire ferme ce numéro avec trois marques, chaque coup supplémentaire du propriétaire/ouvreur rapporte des points égaux au numéro de la cible (qui peut également être doublé et triplé, par exemple un triple). -20 vaut 60 points). La cible extérieure compte pour 25 points et la cible intérieure pour 50. Fléchette Dartball est un jeu de fléchettes basé sur le sport du baseball. Il se joue sur un plateau en forme de losange et a un score similaire à celui du baseball. Golf aux fléchettes Le golf de fléchettes est un jeu de fléchettes basé sur le sport du golf et est réglementé par la Fédération mondiale de golf (WDFF). Il se joue à la fois sur des cibles de golf spéciales et sur des cibles de fléchettes traditionnelles. Le score est similaire au golf. Cinq Il s’agit d’une variante régionale encore pratiquée dans certaines parties de l’East End de Londres. Le plateau comporte moins de segments plus grands, tous numérotés 5, 10, 15 ou 20. Les joueurs jouent à partir de 505 plutôt que de 501 et se tiennent le plus loin (9 pieds) du plateau de toutes les variantes traditionnelles. Réduisez-le de moitié Halve it est un jeu de fléchettes populaire au Royaume-Uni et dans certaines régions d'Amérique du Nord, où les concurrents tentent d'atteindre des cibles préalablement convenues sur un jeu de fléchettes standard. Ne pas le faire en un seul lancer (3 fléchettes) entraîne la perte par le joueur de la moitié de son score accumulé. N'importe quel nombre de joueurs peut participer et la durée du jeu peut varier en fonction du nombre de cibles sélectionnées. Le jeu peut être adapté au niveau de compétence des joueurs en sélectionnant des cibles faciles ou difficiles. Tueur "Killer" est un jeu à élimination directe pour deux joueurs ou plus (à son meilleur à 4 à 6 joueurs). Au départ, chaque joueur lance une fléchette sur le plateau avec sa main non dominante pour obtenir son « numéro ». Deux joueurs ne peuvent pas avoir le même numéro. Une fois que tout le monde a un numéro, chaque joueur, à tour de rôle, obtient son numéro cinq fois avec ses trois fléchettes (les doubles comptent deux fois et les triples trois fois). Une fois qu'une personne atteint 5 ans, elle devient un « tueur ». Cela signifie qu'ils peuvent viser les numéros des autres, en retirant un point à chaque fois qu'ils réussissent (double x2, triple x3). Si une personne atteint zéro, elle est éliminée. Un tueur peut viser les numéros de n'importe qui, même ceux d'un autre tueur. Vous ne pouvez pas obtenir plus de 5 points. Le gagnant est « le dernier homme debout ». Fléchettes de pelouse Les fléchettes de pelouse (également appelées Jarts ou fléchettes de cour) sont un jeu de pelouse basé sur les fléchettes. Le jeu et l'objectif sont similaires à ceux des fers à cheval et des fléchettes. Les fléchettes sont similaires à l'ancienne plumbata romaine. Shanghai Shanghai est un jeu de fléchettes de précision. Frapper des doubles et des triples est primordial pour la victoire. Ce jeu se joue avec au moins deux joueurs. La version standard se joue en 7 tours. Au premier tour, les joueurs lancent leurs fléchettes en visant la 1ère section, le tour 2, la 2ème section et ainsi de suite jusqu'au tour 7. Le score standard est utilisé et les doubles et triples sont comptés. Seuls les coups sur le wedge pour ce tour sont comptés. Le gagnant est la personne qui a le plus de points à la fin des sept tours (1 à 7) ; ou vous pouvez marquer un Shanghai et gagner instantanément. Pour marquer un Shanghai, vous devez frapper un triple, un double et un simple (dans n'importe quel ordre) du numéro en jeu. Shanghai peut également être joué pendant 20 tours pour utiliser tous les numéros. Un départ plus juste pour Shanghai : Pour éviter que les joueurs ne s'entraînent trop à tirer pour le 1, la séquence de numéros peut commencer par le numéro de la fléchette qui a perdu le lancer pour que la cible détermine le lanceur de départ. Par exemple; Le lanceur A tire vers la cible et touche le 17. Le lanceur B tire vers la cible et la frappe. Le lanceur B commence alors la partie en commençant par le numéro 17, puis 18, 19, 20, 1, 2, 3, etc. jusqu'au 16 (si aucun joueur ne touche Shanghai). Dix-sept mouffettes Une forme inversée de cricket non marqué, commençant par la cible. Une fois qu'un joueur a effacé le 17, tous les joueurs qui n'ont pas effacé la cible sont éliminés. Organisations de fléchettes Organisations de ligue amateur L'American Darts Organization promulgue des règles et des normes pour les tournois de fléchettes des ligues amateurs et sanctionne les tournois aux États-Unis. L'American Darts Organization a commencé ses activités le 1er janvier 1976 avec 30 clubs membres fondateurs et 7 500 joueurs. Aujourd'hui, l'ADO compte en moyenne 250 clubs par an, représentant environ 50 000 membres. je Organisations professionnelles Des deux organisations professionnelles, la British Darts Organisation (BDO), fondée en 1973, est la plus ancienne. Ses tournois sont souvent diffusés sur la BBC au Royaume-Uni. Le BDO est membre de la World Darts Federation (WDF) (fondée en 1976), ainsi que d'organisations présentes dans une soixantaine d'autres pays à travers le monde. Le BDO organisait à l'origine un certain nombre de tournois britanniques les plus prestigieux, à quelques exceptions notables près, tels que le News of the World Championship et les événements nationaux organisés sous les auspices de la National Darts Association of Great Britain. Cependant, de nombreux sponsors ont été perdus et la couverture télévisée britannique a été considérablement réduite au début des années 90. En 1992, une organisation dissidente a été créée, initialement connue sous le nom de World Darts Council (WDC), mais peu après connue sous le nom de Professional Darts Corporation (PDC). Les tournois PDC ont un public considérable, bien que le Championnat du monde PDC attire des chiffres d'audience télévisés inférieurs à celui du BDO en raison du fait que le Championnat du monde BDO est gratuit sur la BBC, cependant, en raison de la BBC qui a repris la première Ligue des champions PDC. de fléchettes qui devrait débuter le 24 septembre 2016, ils ne diffuseront plus le Championnat du monde BDO. Les tournois PDC offrent souvent des prix plus élevés et mettent en vedette le principal joueur de l'histoire du jeu, Phil Taylor, 16 fois champion du monde. Le très talentueux joueur du BDO Raymond van Barneveld est passé au PDC et a remporté le championnat du monde PDC dès sa première tentative en 2007. Jeu professionnel Le BDO et le PDC organisent tous deux un Championnat du Monde Professionnel. Ils ont lieu chaque année pendant la période de Noël et du Nouvel An, le championnat PDC se terminant légèrement plus tôt que le tournoi BDO. Le championnat du monde BDO existe depuis 1978 ; le championnat du monde PDC a débuté en 1994. Les deux organisations organisent d'autres tournois professionnels. Le BDO organise les World Masters et de nombreux tournois Open. Ils organisent également des jeux de fléchettes pour leurs 66 membres de comté au Royaume-Uni, y compris des événements individuels et par équipe. Les tournois majeurs du PDC sont le Championnat du monde, la Premier League, le UK Open, le World Matchplay, le World Grand Prix et le Grand Slam of Darts. Tous ces événements sont diffusés en direct sur la télévision Sky Sports au Royaume-Uni. Ils organisent également des événements PDC Pro Tour et des événements de plus petite catégorie à travers le Royaume-Uni. Deux tournois majeurs organisés indépendamment par les Pays-Bas, l'International Darts League et le World Darts Trophy, ont introduit un mélange de joueurs BDO et PDC en 2006 et 2007. Les deux organisations ont attribué des classements aux tournois, mais ces deux événements sont désormais interrompus. La Coupe du monde WDF pour les équipes nationales et un tournoi en simple ont lieu tous les deux ans depuis 1977. La WDF organise également la Coupe d'Europe. Le PDC a sa propre compétition de coupe du monde, la Coupe du monde de fléchettes PDC. Joueurs de fléchettes professionnels Champions du monde Plusieurs champions du monde 16 Phil Taylor Le pouvoir (14 PDC, 2 BDO) dixTrina Gulliver la fille d'or 5 Eric Bristow le Cockney astucieux 5 Raymond van Barneveld Barney (4 BDO, 1 PDC) 3Martin Adams Wolfie 3 Anastasia Dobromyslova de Russie avec amour 3 John Lowe vieux visage de pierre 3John Part Dark Maple (1 BDO, 2 PDC) 2 Gary Anderson l'Écossais volant 2 Lisa Ashton La Rose du Lancashire 2 Ted Hankey le comte 2 Jackpot Adrian Lewis 2 Dennis Priestley La Menace (1 BDO, 1 PDC) 2 Scott Waites Scotty 2 Chaud 2Jocky WilsonJocky Anciens champions du monde Bob Anderson le cowboy de calcaire Steve Beaton L'Adonis de bronze Stephen Bunting La balle Richie Burnett, le prince de Galles Tony David Le Boomerang mortel Keith Deller le gars Andy Fordham le Viking Michael van Gerwen, le puissant Mike Christian Kist Le Rouge À Lèvres Jelle Klaasen Le Cobra Scott Mitchell Scotty Chien Leighton Rees Marathonien Les Wallace McDanger John Walton Mark Webster l'araignée Classements mondiaux La WDF, le BDO et le PDC tiennent chacun leur propre classement. Ces listes sont couramment utilisées pour déterminer les classements de divers tournois. Le classement WDF est basé sur les performances des 12 mois précédents, le BDO remet tous les points de classement à zéro une fois que les classements de son championnat du monde ont été déterminés, et l'Ordre du mérite du PDC est basé sur les prix en argent gagnés sur une période de deux ans. Télévision Les fléchettes sont apparues pour la première fois à la télévision britannique en 1962 lorsque Westward Television a diffusé le Westward TV Invitational dans le sud-ouest de l'Angleterre. 1972 a été une grande année pour les fléchettes lorsqu'ITV a commencé à diffuser les informations du championnat du monde. C'est également en 1972 que débuta la Indoor League, qui présentait un tournoi de fléchettes, bien qu'elle n'ait été diffusée dans la région de Yorkshire Television qu'en 1972. La Indoor League a été diffusée dans toute la Grande-Bretagne sur le réseau ITV à partir de 1973. Au cours de la décennie suivante, la couverture des fléchettes s'est élargie avec de nombreux tournois majeurs apparaissant à la fois sur ITV et sur la BBC dans les années 1970 et au début des années 1980, à tel point qu'environ 14 tournois ont été couverts. En 1978, les Championnats du monde ont commencé et ont été couverts par la BBC. La BBC a innové avec l'écran partagé montrant le lancer de la fléchette et l'endroit où elle a touché le plateau. Cependant, l'annulation de l'émission World of Sport d'ITV en 1985 les a obligés à réduire la couverture des fléchettes, mais malgré cela, ils ont continué à diffuser le MFI World Matchplay et les World Masters jusqu'en 1988. La BBC a également réduit sa couverture après 1988 à un tel point. dans la mesure où un seul événement majeur était encore diffusé sur l'une ou l'autre chaîne en 1989, le Championnat du monde, ce qui a contribué à la division des fléchettes. Avec la création du WDC/PDC en 1992/93, les fléchettes sont progressivement revenues à la télévision avec Sky Television couvrant les événements du Championnat du monde et du World Matchplay de la nouvelle organisation à partir de 1994. La couverture de Sky a continué d'augmenter tout au long des années 1990, avec l'ajout de nouveaux événements. Le Championnat du monde, la Premier League, l'Open du Royaume-Uni, le Grand Slam of Darts, le World Matchplay et le Grand Prix mondial du PDC sont tous retransmis en direct sur Sky. Le BDO a conservé le contrat avec la BBC pour continuer le championnat du monde BDO et c'était le seul tournoi diffusé à la télévision gratuite au Royaume-Uni entre 1994 et 2001, à l'exception de la confrontation entre le champion PDC Phil Taylor et le champion BDO Raymond van. Barneveld en 1999, diffusé sur ITV, la BBC a finalement commencé à étendre sa couverture des fléchettes en 2001 en ajoutant les World Masters à son portefeuille. Cependant, ce n'est qu'en 2005 que les téléspectateurs ont pu voir en direct toutes les fléchettes lancées lors du Championnat du monde. C'est l'année où la BBC a introduit une couverture interactive sur son service BBCi. La BBC a continué à couvrir le tournoi BDO exclusivement jusqu'en 2012-2013, lorsque ESPN UK a commencé à couvrir les séances du soir tandis que la BBC avait une séance de l'après-midi. Après l'acquisition d'ESPN UK par BT Sport, BT a abandonné les fléchettes en 2014 mais a recommencé à couvrir les séances du soir. 2015. Setanta Sports a également télédiffusé certains événements BDO en 2008-2009 et la première League of Legends. Eurosport a couvert le BDO Finland Open, les BDO British Internationals, le BDO England Open et le BDO British Open en 2006-2007, mais a abandonné la couverture de ces tournois, mais ils sont ensuite revenus aux Darts en 2013 pour couvrir le Winmau World Masters. couverture pour couvrir le nouveau tournoi majeur BDO, le World Trophy de Blackpool et les tournois existants du BDO tels que les 6 Nations, l'Open d'Angleterre, l'Open d'Écosse et l'Open d'Irlande du Nord. ITV est revenu à la couverture des fléchettes en novembre 2007, diffusant le premier Grand Slam of Darts - sa première couverture majeure d'un tournoi de fléchettes en près de vingt ans. Ils ont continué à couvrir ce sujet jusqu'en 2010, date à laquelle Sky Sports a repris les droits. ITV a également diffusé le Championnat d'Europe en 2008 et le Championnat des joueurs depuis sa création. ITV a ensuite augmenté sa couverture en 2013 en signant un accord pour couvrir 4 tournois PDC par an, le Players Championship, le European Championship, le UK Open et le nouveau tournoi le Masters. Elle a été augmentée à 5 tournois en 2015 pour couvrir les finales des World Series. Les fléchettes ont continué de croître à nouveau à la télévision et plusieurs tournois majeurs sont désormais diffusés au Royaume-Uni, en Europe et dans le reste du monde. La chaîne néerlandaise Sport One, DSF en Allemagne et plusieurs autres chaînes de télévision à travers le monde ont également diffusé les événements du PDC. En Europe, Eurosport a diffusé les Championnats du monde Lakeside, après avoir signé un contrat de trois ans en 2006. Aux Pays-Bas, SBS6 diffuse le Lakeside (depuis 1998) et le Dutch Open. Ils ont également présenté la Ligue internationale de fléchettes et le Trophée mondial de fléchettes, mais ils sont aujourd'hui disparus. RTL 5 a diffusé les Dutch Grand Masters en 2005. Certains de ces tournois peuvent également être regardés gratuitement sur Internet en direct, en fonction des restrictions contractuelles. Le PDC a également tenté de percer le marché de la télévision aux États-Unis en introduisant les World Series of Darts en 2006. Il a reçu un prix d'un million de dollars pour présenter les fléchettes professionnelles aux États-Unis. Malheureusement, le programme n'a pas été un succès d'audience et a été retiré de sa tranche de diffusion aux heures de grande écoute sur ESPN après seulement quelques semaines. Le tournoi a été remplacé par un événement de l'US Open en 2007 qui a été projeté au Royaume-Uni sur la chaîne de télévision numérique Challenge TV, avec Nuts TV diffusant le tournoi de 2008. Pari Dans les endroits où l'on consomme des boissons alcoolisées, la loi anglaise a longtemps autorisé les paris uniquement sur les jeux d'adresse, par opposition aux jeux de hasard, et uniquement sur de petites mises. Un récit apocryphe raconte qu'en 1908, Jim Garside, le propriétaire de l'Adelphi Inn, à Leeds, en Angleterre, fut convoqué devant les magistrats locaux pour répondre à l'accusation selon laquelle il avait autorisé les paris sur un jeu de hasard, les fléchettes, dans ses locaux. Garside a demandé l'aide du champion local William "Bigfoot" Annakin qui était présent en tant que témoin et a démontré qu'il pouvait atteindre n'importe quel numéro sur le tableau nommé par le tribunal. Garside a été libéré car les magistrats ont estimé que les fléchettes étaient en effet un jeu d'adresse. Plus récemment, conformément à la forte association des fléchettes avec les pubs et la boisson, les matchs entre amis ou équipes de pub se jouent souvent pour des pintes de bière. Dans le jeu professionnel, les paris occupent une place importante, de nombreuses grandes sociétés de paris parrainant des événements (en particulier au sein du PDC). Sky Bet (2012 - NOW McCOYS) (Premier League), Bodog (World Grand Prix), Stan James (World Matchplay), Blue Square (2012 - NOW SPEEDY SERVICES - Equipment Hire) (UK Open) et Ladbrokes (Wor

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Quels joailliers célèbres réalisent le Trophée du Super Bowl ?

Tiffany & Co.

Le Trophée Vince Lombardi est le trophée décerné chaque année à l'équipe gagnante du match de championnat de la Ligue nationale de football, le Super Bowl. Le trophée porte le nom de l'entraîneur de la NFL, Vince Lombardi. Histoire Lors d'un déjeuner avec le commissaire de la NFL, Pete Rozelle, en 1966, le vice-président de Tiffany & Co., Oscar Riedner, a dessiné sur une serviette à cocktail ce qui allait devenir le trophée Vince Lombardi. Le trophée original a été produit par Tiffany & Co. à Newark, New Jersey. D’autres ont depuis été fabriqués à la main par l’entreprise de Parsippany, dans le New Jersey. Le trophée a été décerné pour la première fois aux Packers de Green Bay le 15 janvier 1967, après la saison régulière de 1966 (lorsque la désignation officielle du Super Bowl était le match de championnat du monde AFL-NFL) après avoir battu les Chiefs de Kansas City, 35-10. Même s'il s'agit d'un tournoi national, le prix portait initialement les mots « Championnat du monde de football professionnel ». Il a été officiellement renommé en 1970 à la mémoire de l'entraîneur-chef de la NFL, Vince Lombardi, après sa mort d'un cancer, pour commémorer sa conduite des Packers de Green Bay aux victoires lors des deux premiers Super Bowls. Il a ainsi été présenté pour la première fois sous le nom de Trophée Vince Lombardi lors du Super Bowl V lorsque les Colts de Baltimore ont battu les Cowboys de Dallas 16-13. Il a également été appelé « Trophée Tiffany » d'après le nom de Tiffany & Co. Depuis le Super Bowl XXX, le prix est remis au propriétaire de l'équipe gagnante sur le terrain après le match. Auparavant, il était présenté à l'intérieur du vestiaire de l'équipe gagnante. Dans le cas des deux titres remportés par les Packers depuis le Super Bowl XXX, le président et chef de la direction de l'équipe a accepté le trophée. Contrairement à des trophées tels que la Coupe Stanley et la Coupe Grey, un nouveau trophée Vince Lombardi est créé chaque année et l'équipe gagnante conserve la possession permanente de ce trophée, à l'exception notable du Super Bowl V, remporté par les Colts de Baltimore. La ville de Baltimore a conservé ce trophée dans le cadre du règlement juridique entre l'équipe et la ville après le tristement célèbre déménagement des Colts "Midnight Mayflower" à Indianapolis, Indiana, le 29 mars 1984. Depuis lors, les Colts relocalisés et leur remplaçant dans Baltimore, les Ravens, ont remporté le Super Bowl et remporté des trophées à part entière. Depuis le Super Bowl XLV, le Trophée Vince Lombardi figure également en bonne place dans le logo standardisé désormais utilisé pour tous les futurs matchs du Super Bowl. Apparence Le trophée Vince Lombardi mesure 22 pouces de haut, pèse 7 livres et représente un ballon de football en position de coup de pied sur un support à trois côtés concaves. Il est entièrement fabriqué en argent sterling. Les mots « Trophée Vince Lombardi » ainsi que les chiffres romains du Super Bowl de cette année sont gravés et le bouclier de la NFL est apposé sur la base. Une fois le trophée remis, il est renvoyé à Tiffany's pour y être gravé avec les noms des équipes participantes, la date, le lieu et le score final du match. Il est ensuite renvoyé à l’équipe gagnante pour qu’elle le conserve. Des répliques plus petites sont réalisées pour chaque personne de l'équipe gagnante. Lors des quatre premiers matchs de championnat, les logos de la NFL et de l'AFL étaient au centre du trophée. Depuis le Super Bowl V jusqu'au XLII, l'ancien bouclier de la NFL a été au premier plan. À partir du Super Bowl XLIII, un bouclier NFL plus récent et modernisé (avec huit étoiles et un ballon de football en rotation conçu de manière similaire à celui au sommet du trophée) a remplacé l'ancien logo. Sinon, le trophée n’a subi aucun changement significatif depuis le premier Super Bowl. Les Packers de Green Bay sont la seule équipe dont les 3 versions ont remporté les Super Bowls I, II, XXXI et XLV. Équipes avec le plus de trophées Vince Lombardi Le Super Bowl se joue actuellement début février (le match avait initialement lieu entre début et mi-janvier), point culminant d'une saison qui commence généralement en septembre de l'année civile précédente. Par exemple, le Super Bowl 50, joué le 7 février 2016, a déterminé le champion de la ligue pour la saison 2015 de la NFL. Les années indiquées ci-dessous font référence à la saison et non à la date à laquelle le Super Bowl a été réellement joué. Les Steelers de Pittsburgh détiennent le plus de trophées Vince Lombardi, avec six (saison 1974, 1975, 1978, 1979, 2005, 2008). Les Cowboys de Dallas (1971, 1977, 1992, 1993, 1995) et les 49ers de San Francisco (1981, 1984, 1988, 1989, 1994) sont à égalité au deuxième rang avec cinq chacun. Les Packers de Green Bay (1966, 1967, 1996, 2010), les Patriots de la Nouvelle-Angleterre (2001, 2003, 2004, 2014) et les Giants de New York (1986, 1990, 2007, 2011) sont à égalité au quatrième rang avec quatre chacun. Les Raiders d'Oakland (1976, 1980, 1983), les Redskins de Washington (1982, 1987, 1991) et les Broncos de Denver (1997, 1998, 2015) sont à égalité au septième rang avec trois chacun. Même si aucune de ces équipes n'a jamais remporté trois Super Bowls consécutifs, deux d'entre elles ont remporté trois trophées Lombardi en quatre ans : les Cowboys de Dallas (1992, 1993, 1995) et les Patriots de la Nouvelle-Angleterre (2001, 2003, 2004). Les Steelers de Pittsburgh ont remporté quatre Super Bowls en six ans (1974, 1975, 1978, 1979). Cérémonie de présentation À partir du Super Bowl XL, une cérémonie spéciale du Trophée Lombardi a lieu. Un ancien joueur de la NFL amène le trophée Lombardi au centre du stade, alors qu'il passe devant les membres de l'équipe gagnante. Les joueurs, ainsi que les Super Bowls auxquels ils ont participé à la cérémonie de remise du Trophée Lombardi, sont listés ci-dessous. * Présentation du Super Bowl XL - Bart Starr * Présentation du Super Bowl XLI - Don Shula * Présentation du Super Bowl XLII - Doug Williams * Présentation du Super Bowl XLIII - Joe Namath * Présentation du Super Bowl XLIV - Len Dawson * Présentation du Super Bowl XLV - Roger Staubach * Présentation du Super Bowl XLVI - Raymond Berry * Présentation du Super Bowl XLVII - Richard Dent * Présentation du Super Bowl XLVIII - Marcus Allen * Présentation du Super Bowl XLIX - Kurt Warner * Présentation du Super Bowl 50 - Terrell Davis, qui l'a remis à Joe Namath, qui l'a remis à Lynn Swann

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Bedloe's Island, dans le port de New York, est l'ancien nom de quelle île ?

Liberty Island

Liberty Island est une île fédérale située dans la partie supérieure de la baie de New York aux États-Unis, mieux connue pour abriter la Statue de la Liberté. L'île est une enclave de l'arrondissement de Manhattan à New York, entourée par les eaux de Jersey City, dans le New Jersey. Longtemps connue sous le nom de Bedloe's Island, elle a été rebaptisée par une loi du Congrès des États-Unis en 1956. En 1937, par proclamation 2250 du président Franklin D. Roosevelt, elle est devenue une partie du monument national de la Statue de la Liberté et, en 1966, elle a été inscrite sur la liste. Registre national des lieux historiques faisant partie du monument national de la Statue de la Liberté, d'Ellis Island et de Liberty Island. Géographie et accès Selon le Bureau du recensement des États-Unis, l'île a une superficie de 59 558 mètres carrés, soit 14,717 acres, qui est la propriété du gouvernement fédéral. Liberty Island est située dans la partie supérieure de la baie de New York, entourée par les eaux de Jersey City, dans le comté d'Hudson, dans le New Jersey. Liberty Island est l'une des îles qui font partie de l'arrondissement de Manhattan à New York. Les développements historiques qui ont conduit à cette construction ont créé la situation rare d'une enclave d'un État, New York, située dans un autre, le New Jersey. L'île est exploitée par le National Park Service et, depuis le 11 septembre 2001, gardée 24 heures sur 24 par des patrouilles de l'unité de patrouille maritime de la police des parcs des États-Unis. Liberty Island se trouve à l'est du Liberty State Park à Jersey City et à 2,6 kilomètres au sud-ouest de Battery Park dans le Lower Manhattan. L'accès du public n'est autorisé que par les ferries partant de l'un ou l'autre des deux parcs, qui desservent le monument national et s'arrêtent également à Ellis Island. Hornblower Cruises and Events, opérant sous le nom de Statue Cruises, détient la concession exclusive du service de ferry à destination et en provenance de l'île. Histoire Grande île aux huîtres Au moment de la colonisation européenne de l'estuaire de la rivière Hudson au XVIIe siècle, une grande partie de la partie ouest de la partie supérieure de la baie de New York contenait de grandes vasières qui abritaient de vastes parcs à huîtres, une source majeure de nourriture pour le peuple Lenape qui y vivait à l'époque. . Plusieurs îles n’étaient pas complètement submergées à marée haute. Trois d'entre elles (plus tard connues sous le nom de Liberty, Ellis et Black Tom) reçurent le nom d'Îles aux huîtres (oester eilanden) par les colons de la Nouvelle-Hollande, la première colonie européenne des États du centre de l'Atlantique. Les parcs à huîtres resteront une source importante de nourriture pendant près de trois siècles. La mise en décharge après le début du 20e siècle, en particulier par le Lehigh Valley Railroad et le Central Railroad of New Jersey, a finalement effacé les lits, englouti une île et rapproché le littoral des autres. L'île de Bedloe Après la reddition du fort Amsterdam par les Néerlandais aux Britanniques en 1664, le gouverneur anglais Richard Nicolls concéda l'île au capitaine Robert Needham. Elle fut vendue à Isaac Bedloe le 23 décembre 1667. L'île fut conservée par son domaine jusqu'en 1732, date à laquelle elle fut vendue pour cinq shillings aux marchands new-yorkais Adolphe Philipse et Henry Lane. Durant leur possession, l'île fut temporairement réquisitionnée par la ville de New York pour y établir une station de quarantaine contre la variole. En 1746, Archibald Kennedy (plus tard 11e comte de Cassilis) acheta l'île et une résidence d'été fut établie. En 1753, l'île est décrite dans une publicité (dans laquelle « Bedlow's » était devenu « Bedloe's ») comme étant disponible à la location : En 1756, Kennedy autorisa l'utilisation de l'île comme station de quarantaine contre la variole et le 18 février 1758, la Corporation de la ville de New York acheta l'île pour 1 000 £ pour l'utiliser comme abri antiparasitaire. Lorsque les troupes britanniques occupèrent le port de New York à la veille de la guerre d'indépendance américaine, l'île devait être utilisée comme logement pour les réfugiés conservateurs, mais le 2 avril 1776, les bâtiments construits sur l'île à leur usage furent incendiés. le sol. Bois fort Le 15 février 1800, la législature de l'État de New York céda l'île au gouvernement fédéral, pour la construction d'un fort défensif qui y serait construit (avec Governors Island et Ellis Island). La construction d'une batterie terrestre sur l'île en forme d'étoile à 11 branches a commencé en 1806 et s'est achevée en 1811. Après la guerre de 1812, la fortification en forme d'étoile a été nommée Fort Wood en l'honneur du lieutenant-colonel Eleazer Derby Wood qui était tué lors du siège du fort Érié en 1813. La fortification de granit suivait un plan de fort en étoile avec 11 bastions proéminents. Au moment où elle fut choisie pour la Statue de la Liberté, la base était désaffectée et ses murs servaient de base distinctive à la Statue de la Liberté offerte par la France pour les célébrations du centenaire de 1886. Elle était devenue une partie de la base de la Statue de la Liberté après que l'île ait été vue pour la première fois par le sculpteur de la statue. Le Service des parcs nationaux (créé en 1916) a repris les opérations de l'île en deux étapes : 2 acres en 1933 et le reste en 1937. L'installation militaire a été complètement supprimée en 1944. Statue de la Liberté La Liberté éclairant le monde, une statue devenue monument national connue sous le nom de Statue de la Liberté, était un cadeau du peuple français à l'occasion du centenaire américain. Il fut convenu que le Congrès autoriserait l'acceptation de la statue par le président des États-Unis et que le ministère de la Guerre faciliterait sa construction et sa présentation. La construction de la statue fut achevée en France en juillet 1884. La première pierre fut posée le 5 août 1884 et, après quelques retards de financement, la construction du piédestal fut achevée le 22 avril 1886. La statue arriva dans le port de New York en juin. Le 17 août 1885, à bord de la frégate française Isère, fut stocké onze mois dans des caisses en attendant que son socle soit terminé, puis remonté en quatre mois. Le 28 octobre 1886, la Statue de la Liberté est inaugurée par le président Grover Cleveland. Le nom Liberty Island a été officialisé par le Congrès en 1956. Conflits juridictionnels Il y a eu un certain nombre de différends concernant le statut juridictionnel de Liberty Island. Conflit d'État Une clause inhabituelle dans la concession de terres coloniales de 1664 qui décrivait le territoire que les propriétaires du New Jersey recevraient se lit comme suit : « à l'ouest de Long Island et de l'île Manhitas et délimité à l'est par la mer principale et en partie par la rivière Hudson » plutôt que au milieu du fleuve, comme cela était courant dans d'autres chartes coloniales. Lorsque la province du New Jersey fut séparée de la province de New York en 1674, on fit valoir que Staten Island appartenait à la première. Le gouverneur Edmund Andros a ensuite ordonné que toutes les îles de la baie pouvant être contournées en 24 heures fassent partie de New York. Le capitaine Christopher Billopp l'a contourné dans le temps imparti et s'est vu accorder peu de temps après un manoir à sa pointe sud. La frontière a fini par être comprise comme étant le long de la rive du fleuve Hudson, de la partie supérieure de la baie de New York, du Kill Van Kull et d'Arthur Kill. En 1824, la ville de New York a tenté d'affirmer un monopole juridictionnel sur le service croissant de ferry à vapeur dans le port de New York dans l'affaire Gibbons contre Ogden. Le tribunal a estimé que le transport interétatique serait réglementé par le gouvernement fédéral. Cela n’a pas résolu le problème des frontières. En 1830, le New Jersey envisageait d'intenter une action en justice, mais la question fut résolue par un accord entre les États ratifié par le Congrès américain en 1834, qui fixait la ligne de démarcation entre eux comme le point médian des voies navigables partagées. Cela a ensuite été confirmé par la Cour suprême des États-Unis dans une affaire de 1908 qui a également exposé le pacte. En 1987, le représentant américain Frank J. Guarini et Gerald McCann, alors maire de Jersey City, ont poursuivi la ville de New York en justice, affirmant que le New Jersey devrait dominer Liberty Island parce qu'elle se trouve du côté du New Jersey de la frontière entre l'État et l'État. Par défaut, puisque le tribunal a choisi de ne pas entendre l'affaire, le statut juridique existant est resté inchangé. Les parties de l'île qui sont au-dessus de l'eau font partie de New York, tandis que les droits riverains sur toutes les terres submergées entourant la statue appartiennent au New Jersey. La partie sud-ouest de l'île a été créée par la bonification des terres. Une décision de la Cour suprême des États-Unis de 1997 concernait de tels droits riverains autour d'Ellis Island, à proximité. Étant principalement construit en remplissage artificiel, le New Jersey a fait valoir et le tribunal a convenu que le pacte de 1834 couvrait uniquement les parties naturelles de l'île, et non les parties ajoutées par le remplissage. Ainsi, il fut convenu que les parties de l'île constituées de terres remblayées appartenaient au New Jersey tandis que la partie naturelle d'origine appartenait à New York. Cela s'est avéré peu pratique à administrer et le New Jersey et New York ont ​​​​par la suite convenu de partager la juridiction sur l'ensemble de l'île. Cette situation particulière ne s'applique qu'à Ellis Island et à une partie de Shooters Island. Propriété fédérale Liberty Island appartient au gouvernement fédéral depuis 1801, d'abord comme installation militaire et maintenant comme monument national. Le monument national de la Statue de la Liberté, Ellis Island et Liberty Island, inscrits au registre national des lieux historiques depuis 1966, englobent des terres situées dans les deux États dont le contrôle est remplacé par les États-Unis. La frontière incontestée entre le New Jersey et New York se situe au centre du fleuve Hudson et de la haute baie de New York, Liberty Island étant bien située du côté du New Jersey de la ligne de flottaison, Liberty Island elle-même étant une enclave de l'État de New York. et une partie de la ville de New York, permettant à l'État et à la ville de New York de conserver la souveraineté de Liberty Island, d'y servir des processus et de percevoir la taxe de vente dans les boutiques de souvenirs de Liberty Island. En réponse à une FAQ demandant si la Statue de la Liberté se trouve à New York ou dans le New Jersey, le National Park Service, qui supervise Liberty Island, cite le pacte de 1834. La question 127 d'un examen de naturalisation piloté en 2006 demande « Où est la Statue de la Liberté ? » Les services de citoyenneté et d'immigration des États-Unis donnent « le port de New York » et « Liberty Island » comme réponses préférées, mais notent que « New Jersey », « New York », « New York City » et « sur l'Hudson » sont acceptables. La Statue de la Liberté elle-même est revendiquée comme symbole à la fois par New York et par le New Jersey. Il figurait sur les plaques d'immatriculation de New York de 1986 à 2000 et sur une plaque d'immatriculation spéciale du New Jersey célébrant le Liberty State Park à Jersey City. La statue est également visible dans le quartier de l'État de New York. Le monument national était le symbole du Central Railroad of New Jersey, toujours utilisé par la Raritan Valley Line. (Le terminal du Central Railroad of New Jersey se trouve à proximité). Bien qu'il soit inhabité, le United States Geological Survey l'inclut dans le 8e district du Congrès de New York. Les villes de New York et de Jersey City ont attribué des numéros de lot aux îles. Les services publics, y compris l'électricité, l'eau et les eaux usées, vers les îles Liberty et Ellis sont fournis du côté du New Jersey. Le courrier est livré depuis Battery Park.

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Quelle compagnie de ballet britannique s'appelait auparavant Sadler's Wells Ballet et Vic-Wells Ballet ?

Royal Ballet

Le Royal Ballet est une compagnie de ballet classique de renommée internationale, basée au Royal Opera House de Covent Garden, à Londres, au Royaume-Uni. La plus grande des quatre grandes compagnies de ballet de Grande-Bretagne, le Royal Ballet a été fondé en 1931 par Dame Ninette de Valois, il est devenu la compagnie de ballet résidente du Royal Opera House en 1946 et a obtenu une charte royale en 1956, devenant ainsi reconnu comme La compagnie de ballet nationale phare de Grande-Bretagne. Le Royal Ballet était l'une des compagnies de ballet les plus importantes du XXe siècle et continue d'être à ce jour l'une des compagnies de ballet les plus célèbres au monde, généralement connue pour ses valeurs artistiques et créatives. La compagnie emploie environ 100 danseurs et dispose d'installations spécialement conçues au sein du Royal Opera House. L'école associée officielle de la compagnie est la Royal Ballet School, et elle possède également une compagnie sœur, le Birmingham Royal Ballet, qui opère de manière indépendante. La Prima ballerina assoluta du Royal Ballet est feue Dame Margot Fonteyn. Histoire En 1926, la danseuse d'origine irlandaise Ninette de Valois fonde l'Academy of Choreographic Art, une école de danse pour filles. Son intention était de créer une compagnie et une école de ballet de répertoire, ce qui l'a amenée à collaborer avec la productrice et propriétaire de théâtre anglaise Lilian Baylis. Baylis était propriétaire des théâtres Old Vic et Sadler's Wells et, en 1925, elle engagea de Valois pour organiser des spectacles de danse dans les deux lieux. Sadler's Wells a rouvert ses portes en 1931 et le Vic-Wells Ballet et la Vic-Wells Ballet School ont été créés dans les locaux du théâtre. Ceux-ci deviendront les prédécesseurs du Royal Ballet, du Birmingham Royal Ballet et de la Royal Ballet School d'aujourd'hui. Avant son retour en Grande-Bretagne, Ninette de Valois était membre des Ballets Russes, l'une des compagnies de ballet les plus renommées et les plus influentes du XXe siècle. L'entreprise est dissoute en 1929 suite au décès de son fondateur Serge Diaghilev. Lorsque de Valois a fondé le Vic-Wells Ballet, elle a employé certaines des anciennes stars de la compagnie, dont Alicia Markova et Anton Dolin, qui les ont rejoints en tant que danseurs principaux, et Tamara Karsavina, qui a travaillé avec la compagnie en tant que conseillère. Le directeur musical fondateur était le chef d'orchestre et compositeur Constant Lambert qui a eu une influence artistique et musicale considérable au cours des premières années de la compagnie. Vaughan D. Frederick Ashton et ses ballets. A&C Black Ltd, Londres, 1977. Après avoir perdu le lien avec le théâtre Old Vic, en 1939, la compagnie fut rebaptisée Sadler's Wells Ballet et l'école devint Sadler's Wells Ballet School. Tous deux ont continué au Sadler's Wells Theatre jusqu'en 1946, lorsque la compagnie a été invitée à devenir la compagnie de ballet résidente du Royal Opera House récemment rouvert à Covent Garden, sous la direction de David Webster. La compagnie a déménagé à l'opéra la même année en 1946, avec sa première production sur place étant La Belle au bois dormant. Suite au déménagement de la compagnie, l'école a déménagé dans ses propres locaux en 1947. Une compagnie sœur a été créée pour continuer les représentations à Sadler's Wells, appelée Sadler's Wells Theatre Ballet, sous la direction de John Field. En 1955, la compagnie sœur perdit temporairement son lien avec Sadler's Wells et retourna au Royal Opera House en tant qu'unité de tournée de la compagnie principale. En 1956, une Charte Royale fut accordée aux entreprises et à l'école ; ils ont ensuite été rebaptisés Royal Ballet, Sadler's Wells Royal Ballet et Royal Ballet School. Le Sadler's Wells Royal Ballet est revenu au Sadler's Wells Theatre en 1970, tout en continuant à parcourir le pays. En 1987, cependant, la compagnie fut invitée à devenir la compagnie de ballet résidente de l'hippodrome de Birmingham. Il a déménagé à Birmingham en 1990, rebaptisé Birmingham Royal Ballet et a cessé de faire partie du Royal Ballet en 1997 lorsqu'il est devenu indépendant du Royal Opera House, avec Sir Peter Wright comme directeur artistique. Le Birmingham Royal Ballet entretient des relations étroites avec le Royal Ballet et la Royal Ballet School, bien qu'il possède désormais sa propre école de ballet associée, Elmhurst School for Dance. En 1964, le Royal Ballet crée le « Ballet pour tous » sous la direction de Peter Brinson. Entre 1964 et 1979, le « Ballet pour tous » a tourné dans tout le pays, présentant environ 150 représentations par an et touchant environ 70 000 personnes chaque année. En 1976, le Royal Opera House a établi un programme de matinées pour ses écoles. Aujourd'hui, le Royal Ballet reste la compagnie de ballet résidente du Royal Opera House, menant ses propres tournées à l'échelle internationale, et il continue d'être la société mère de la Royal Ballet School, qui est désormais basée à White Lodge, Richmond Park et dans les locaux de Floral Street. , qui sont adjacents et ont un accès direct au Royal Opera House. Sergueïev Au cours de ses années de formation, le Sadler's Wells Ballet deviendra l'une des premières compagnies de ballet en dehors de l'Union soviétique à mettre en scène des productions complètes de ballets de Marius Petipa et Lev Ivanov, qui étaient au cœur du répertoire du Ballet impérial russe. Pour mettre en scène ces ballets avec sa compagnie nouvellement créée, de Valois employa Nicholas Sergeyev, ancien régisseur de l'Impérial. Il a mis en scène des productions de La Belle au bois dormant de Petipa ; Le Lac des Cygnes et Casse-Noisette de Petipa et Ivanov ; la production de Coppélia par Petipa et Cecchetti ; et Giselle de Petipa. Créées à l'aide d'une notation chorégraphique écrite à Saint-Pétersbourg au tournant du XXe siècle, ces œuvres font depuis lors partie du répertoire du Royal Ballet. La société utilise désormais la production de Peter Wright de Casse-Noisette de 1984, qui utilise une partie de la notation de Sergeyev. Les reprises de ces ballets par Sergueïev à Londres sont considérées comme le fondement du répertoire du ballet classique traditionnel et ont conduit à leur reprise dans le monde entier. Sergueïev est considéré comme l’une des contributions les plus significatives à la popularité du ballet dans le monde. Sa notation chorégraphique et d'autres documents s'y rapportant ont été conservés dans la collection Sergeyev, qui fait partie de la collection théâtrale de la bibliothèque de l'Université Harvard. Première ballerine assoluta Le Royal Ballet est l'une des rares compagnies de ballet au monde à avoir employé quatre danseurs considérés comme Prima ballerina assoluta, dont trois ayant étudié à la Royal Ballet School. La première fut Alicia Markova qui, après avoir été encadrée par Ninette de Valois en tant que membre des Ballets Russes de Serge Diaghilev, fut invitée à devenir l'une des danseuses fondatrices du Royal Ballet. Elle a été désignée première ballerine Prima de la compagnie, puis reconnue comme Prima ballerina assoluta. Margot Fonteyn s'est formée à la Royal Ballet School et a passé toute sa carrière au sein de la compagnie. En guise de cadeau pour son 60e anniversaire, elle a été nommée Prima ballerina assoluta par la reine Elizabeth II. Phyllis Spira rejoint la Royal Ballet School en 1959 et obtient son diplôme dans la compagnie de tournée du Royal Ballet. Elle est ensuite retournée dans son Afrique du Sud natale, où elle a été nommée Prima ballerina assoluta par le président en 1984. La plus récente en date est Alessandra Ferri, qui a terminé sa formation au Royal Ballet Upper School et a commencé sa carrière au Royal Ballet. Après avoir dansé avec la compagnie pendant 4 ans, elle a ensuite été nommée Prima ballerina assoluta du Ballet du Théâtre La Scala de Milan. D'autres danseuses étoiles assoluta sont également apparues avec le Royal Ballet en tant que danseuses invitées, notamment la ballerine française Yvette Chauvire et la ballerine géorgienne Nina Ananiashvili. Structure Le Royal Ballet compte six rangs de danseurs par ordre croissant : * Artiste : rang le plus bas de la compagnie et, avec les Premiers Artistes, les danseurs de ce niveau forment le Corps de ballet. Les diplômés des écoles de ballet qui entrent dans la compagnie le font généralement à ce niveau. * Premier Artiste : grade réservé aux membres les plus anciens du Corps de Ballet. Les danseurs de ce niveau ont l'occasion d'interpréter certains des rôles les plus marquants du Corps de Ballet, comme la Danse des Cygnets du Lac des Cygnes. Les premiers artistes seront occasionnellement choisis pour des rôles de solistes mineurs s'ils sont considérés pour une promotion. * Soliste : il y a normalement 15 à 20 solistes dans la compagnie. Comme le titre l'indique, les danseurs de ce niveau interprètent la majorité des rôles solistes et mineurs dans un ballet, comme Mercutio dans Roméo et Juliette ou l'une des Fées dans La Belle au bois dormant. * Premier soliste : le rang auquel les danseurs sont considérés pour une promotion au niveau principal. Un danseur de ce rang dansera un répertoire varié des rôles de soliste les plus en vedette, tout en faisant des doublures et en ayant l'opportunité d'interpréter des rôles principaux lorsqu'un danseur principal est blessé ou indisponible. * Artiste principal du personnage : rang attribué aux membres de la compagnie qui jouent des rôles importants dans un ballet. Ces rôles sont normalement très théâtraux et incluent souvent de la danse de personnages et du mime de ballet. Citons par exemple Carabosse dans La Belle au bois dormant ou Drosselmeyer dans Casse-Noisette. La plupart des artistes principaux du Royal Ballet sont des membres plus âgés et de longue date de la compagnie qui ne sont plus capables de danser les rôles les plus exigeants physiquement. * Principal : le rang le plus élevé du Royal Ballet et les danseurs de ce niveau interprètent généralement les rôles principaux et les plus importants dans un ballet. Être directeur, c'est être reconnu comme l'un des principaux danseurs de la compagnie et un certain nombre des danseurs les plus célèbres au monde ont été directeurs de la compagnie. Le Royal Ballet dispose également des grades spéciaux d'« artiste invité et d'« artiste invité principal ». Le titre d'artiste invité est attribué à un danseur invité qui a joué un rôle pour un ballet spécifique ou une saison limitée. Le titre d'invité principal artiste est parfois attribué à des artistes invités qui se produisent avec la compagnie à plus long terme. L'entreprise Le Royal Ballet emploie environ 100 danseurs et une liste complète est présentée ci-dessous. La société dispose également d'une équipe de direction, artistique et musicale, composée des personnes suivantes : * Réalisateur – Kevin O'Hare, diplômé de la Royal Ballet School et ancien danseur du Royal Ballet et du Birmingham Royal Ballet * Directrice associée – Jeanetta Laurence, diplômée de la Royal Ballet School et ancienne danseuse de la Royal Ballet Touring Company, du New Group et du Sadler's Wells Royal Ballet * Directeur musical – Barry Wordsworth, chef d'orchestre britannique et ancien élève du Trinity College of Music * Compagnie et directeur de tournée – Andrew Hurst, diplômé de la Royal Ballet School et auparavant directeur général de la Phoenix Dance Company. * Chorégraphe résident – ​​Wayne McGregor CBE, chorégraphe primé, reconnu dans le domaine de la danse contemporaine et directeur artistique de la compagnie Random Dance * Associé artistique – Christopher Wheeldon * Artiste en résidence – Liam Scarlett Danseurs principaux Artistes de personnages principaux *Gary Avis (Maître de ballet) *Alastair Marriott *Elizabeth McGorian *Christopher Saunders (maître de ballet senior) *William Tuckett (artiste invité) Premiers solistes *Claire Calvert *Yuhui Choe *Hélène Crawford *Bennet Gartside *Mélissa Hamilton *James Hay * Valéry Christov *Hikaru Kobayashi *Itziar Mendizabal *Yasmine Naghdi *Johannes Stepanek *Beatriz Stix-Brunell *Valentino Zucchetti Solistes *Luca Acri *Christina Arestis *Matthieu Ball *Olivia Cowley *Tristan Dyer *Nicol Edmonds *Elizabeth Harrod *Tas de Tierney *Meaghan Grace Hinkis *Jonathan Howells (assistant maître de ballet) *Fumi Kaneko *Paul Kay *Emma Maguire *Mayara Magri *Laura McCulloch (assistante maîtresse de ballet) *Kristen McNally *Fernando Montaño *Marcelino Sambé *Éric Underwood *Thomas Whitehead Premiers artistes *Tara-Brigitte Bhavnani *Sander Blommaert *Camille Bracher *Reece Clarke *David Donnelly *Benjamin Ella *Kevin Emerton *Hayley Forskitt *Isabelle Gasparini *Nathalie Harrison *Thomas Mock *Erico Montes *Sian Murphy *Anna Rose O'Sullivan *Romany Pajdak *Paroisse Demelza *Gemma Pitchley-Gale *Actions Léticia *Lara Turc Artistes *Lukas Bjorneboe Braendsrod *Grace Blundell *Mica Bradbury *Annette Buvoli *Harry Églises *Ashley Dean *Leo Dixon *Téo Dubreuil *Salomon Golding *Hannah Grennell * Chisato Katsura *Isabel Lubach *Calvin Richardson *Julia Roscoe *Mariko Sasaki *Gina S et R magie *Joseph Shissens *David Yudes *Julian MacKay (Prix de Lausanne dancer) Aud Jebsen Young Dancers Programme *Joseph Aumeer *Estelle Bovay *Maria Luisa Castillo Yoshida *Arianna Maldini *Giacomo Rovero *Francisco Serrano *Charlotte Tonkinson Répertoire * Le lac des cygnes * Giselle *La fille mal gardée *Onegin *Sylvia *La belle au bois dormant *Cendrillon *Manon *Roméo et Juliette – (Roméo et Juliette (MacMillan)) *Mayerling *Le Prince des Pagodes *Un mois à la campagne *Rêves d'hiver *Les Contes de Beatrix Potter *Pierre et le loup *Casse-Noisette *Les Patineurs *La Valse *Theme and Variations *À contrecœur, j'invite *Rhapsodie * Sensoriel *The Rite of Spring *Ballo Della Regina *DGV: Danse à Grande Vitesse *Scènes de ballet (Ashton) *Volontaires *Nature morte au Penguin Café *Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles *La Bayadère *L'oiseau de feu *Agon *Symphony in C (ballet) *Ondine *Concerto * Syncopes d'élite *L'arbre de Judée *Carmen *Seuil *Chrome * Prés d'asphodèles *Sphinx *Comme un *Contrepoint électrique * Rendez-vous galant *Chant de la Terre *Anastasia *Le rêve *Violettes douces *Durée de vie du carbone Sir Frederick Ashton Sir Frederick Ashton était le chorégraphe fondateur du Royal Ballet. Auparavant danseur au Ballet Rambert, Ashton a débuté sa carrière comme chorégraphe sous la direction de Dame Marie Rambert, avant de rejoindre le Royal Ballet en tant que chorégraphe associé lors de la création de la compagnie en 1931. Il a créé la majorité des premières œuvres de la compagnie et ont organisé leur première représentation au Royal Opera House, une production de La Belle au bois dormant en 1946. Ashton a été nommé directeur artistique du Royal Ballet de 1963 à 1970, date à laquelle il a pris sa retraite. Il a continué à travailler comme chorégraphe à l'échelle internationale, sa dernière œuvre étant la Nursery Suite, pour un gala de la Royal Ballet School au Royal Opera House en 1986. Ses nombreux ballets ont depuis été mis en scène par les plus grandes compagnies de danse du monde entier et mettent fortement en vedette dans la programmation du Royal Ballet aujourd'hui. Œuvres chorégraphiées Ashton a créé plus de 100 œuvres de ballet originales et de nombreuses autres productions, parmi les plus remarquables, notamment : * Un mois à la campagne * Offrande d'anniversaire * Cendrillon * Sonate de Dante * Daphnis and Chloë * Façade * La fille mal gardée * Les Patineurs * Les Rendezvous * Marguerite and Armand * Nocturne * Ondine * Regatta * Rhapsodie * Roméo et Juliette * Variations symphoniques * Le rêve * Varii caprices Sir Kenneth MacMillan Sir Kenneth MacMillan (11 décembre 1929 – 29 octobre 1992) était un danseur et chorégraphe britannique. Il fut directeur artistique du Royal Ballet de Londres entre 1970 et 1977. Bien que talentueux danseur, MacMillan est surtout connu pour ses chorégraphies, et particulièrement pour son travail avec le Royal Ballet. Il a également travaillé avec l'American Ballet Theatre (1956-1957) et le Deutsche Oper de Berlin (1966-1969). Il succède à Frederick Ashton à la direction du Royal Ballet en 1970 et démissionne après sept ans, frustré de devoir concilier les exigences contradictoires de la création de ballets et de l'administration. Il est resté chorégraphe principal du Royal Ballet jusqu'à sa mort en 1992. Œuvres chorégraphiées Ses œuvres complètes comprennent : *Roméo et Juliette [1965] - réalisé sur Lynn Seymour et Christopher Gable, mais la première a été dansée par Margot Fonteyn et Rudolf Noureev *Anastasia – réalisé sur Lynn Seymour *Manon — réalisé avec Antoinette Sibley, Anthony Dowell et Jennifer Penney *Mayerling *Isadora *Le Prince des pagodes [1989] - réalisé sur Darcey Bussell et Jonathan Cope. Les ballets en un acte de MacMillan comprennent : *Danses Concertantes" - commandée par Dame Ninette de Valois en 1955 * Batteur différent *L'invitation – réalisée sur Lynn Seymour et Christopher Gable, 1960 *Le Sacre du Printemps — réalisé avec Monica Mason *Elite Syncopations *My Brother, My Sisters *La Fin du Jour *Valley of Shadows — made on Alessandra Ferri *Gloria *Noctambules *Chant de la Terre *Solitaire *Requiem *Rêves d'hiver — basé sur "Trois sœurs" d'Anton Tchekhov *L'Arbre de Judas 1992 - son dernier ballet, réalisé avec Viviana Durante et Irek Mukhamedov. Wayne McGregor Avant sa nomination comme chorégraphe résident du Royal Ballet, Wayne McGregor s'est déjà imposé comme un danseur, chorégraphe et metteur en scène primé. Sa première chorégraphie pour le Royal Ballet fut Fleur de Peux, une œuvre solo créée en 2000 sur Viviana Durante. Cela a conduit à d'autres commandes du Royal Ballet, notamment Symbiont(s) en 2001, Qualia en 2003 et Engram en 2005. Il a également créé le ballet brainstate en 2001, dans le cadre d'une collaboration entre le Royal Ballet et sa propre compagnie, Random Dance. McGregor a été nommé chorégraphe résident du Royal Ballet en 2006, la première personne à occuper ce poste en seize ans et la première à être sélectionnée dans le monde de la danse contemporaine. Œuvres chorégraphiées Les œuvres de McGregor pour le Royal Ballet comprennent : *Fleur de Peux *Symbiont(s) *Qualia *Engramme *Chrome *Seuil *Nimbus *Infrarouge *Exercice de tir réel *Durée de vie du carbone Fonteyn-Noureev Margot Fonteyn et Rudolf Noureev, qui se produisirent pour la première fois avec le Royal Ballet à Giselle le 21 février 1962, formèrent ce que l'on appelle le plus grand partenariat de ballet de tous les temps. Ce partenariat permettra aux deux danseurs de se faire remarquer parmi les danseurs de ballet les plus célèbres de tous les temps et se situera à l'apogée de ce qui est aujourd'hui largement considéré comme la période la plus réussie de l'histoire du Royal Ballet. Le 12 mars 1963, le couple crée Marguerite et Armand de Sir Frederick Ashton, le premier ballet créé pour eux et qui deviendra leur pièce phare. Interprété sur un morceau de musique pour piano de Franz Liszt, le ballet commence avec Marguerite sur son lit de mort, et l'histoire est racontée en flashback jusqu'au moment où Armand arrive pour la tenir une dernière fois avant sa mort. Ashton avait planifié la pièce spécifiquement pour Fonteyn, et elle a été acclamée par la critique comme l'apogée dramatique de Fonteyn, avec cinquante photographes assistant à la répétition générale et vingt et un rappels lors de la première représentation. La représentation finale du ballet mettant en vedette Fonteyn et Noureev a été présentée lors d'un gala au London Coliseum en 1977 et elle n'a été jouée à nouveau qu'en 2003. Contre la volonté de Frederick Ashton qu'il ne soit interprété par d'autres danseurs que Fonteyn et Noureev, il a été relancé dans le cadre d'un programme triple du Royal Ballet, mettant en vedette la protégée de Noureev, Sylvie Guillem, et la star du Royal Ballet, Jonathan Cope. Le partenariat Fonteyn-Noureev a duré de nombreuses années jusqu'à la retraite de Fonteyn du Royal Ballet en 1979, à l'âge de 60 ans. En 1970, après la retraite de Frederick Ashton en tant que directeur artistique du Royal Ballet, de nombreux appels ont été lancés pour que Noureev soit annoncé comme son successeur. Cependant, Kenneth MacMillan a obtenu le poste et Noureev a quitté le Royal Ballet en tant que directeur peu après pour être danseur invité au niveau international, devenant plus tard directeur artistique du Ballet de l'Opéra de Paris en 1983. Fonteyn et Noureev ont eu une relation de longue date, sur scène et en dehors. et étaient des amis proches jusqu'à la mort de Fonteyn en 1991. Noureev aurait déclaré à propos de leur partenariat qu'ils dansaient avec "un corps, une âme". Des personnes remarquables Danseurs *Svetlana Beriosova *David Blair *Darcey Bussell, CBE *José Manuel Carreño *Alina Cojocaru *Lesley Collier, CBE *Michael Coleman *John Cranko *Henri Danton *Sir Anton Dolin *Sir Anthony Dowell, CBE *Viviana Durante *Alessandra Ferri *John Field *Dame Margot Fonteyn, DBE *Christopher Gable *Mara Galeazzi *Jonathan Cope, CBE *John Gilpin *Alexandre Grant *Dame Beryl Grey, DBE *Sylvie Guillem, CBE *Sir Robert Helpmann, CBE *John Kobborg *Wayne Sleep, OBE * Rowena Jackson, MBE *Colin Jones *Gillian Lynne, CBE *Natalia Makarova *Dame Alicia Markova, DBE *Dame Monica Mason, DBE *Irek Mukhamedov *Nadia Nerina *Rudolf Nureyev *Dame Merle Park, DBE *Sergueï Polunine *Ivan Putrov * Vos journées *Steven McRae *Sarah Agneau *Rupert Pennefather *Edward Watson *Richard Brasseur *Lynn Seymour *Dame Antoinette Sibley, DBE *Moira Shearer, Lady Kennedy *Zoltan Solymosi *Michael Somes, CBE *David Wall, CBE *Miyako Yoshida *Tetsuya Kumawa Danseurs invités *Roberto Bollé *Ethan Stiefel *Igor Zelensky *Yvette Chauvire *Nina Ananiashvili Chorégraphes *Sir Frederick Ashton, chorégraphe fondateur *David Bintley, CBE *John Cranko *Sir Robert Helpmann *Sir Kenneth MacMillan *Wayne McGregor *Christophe Wheeldon Artistic directors *1931–1963, Dame Ninette de Valois *1963–1970, Sir Frederick Ashton *1970-1977, sir Kenneth MacMillan *1970-1971, John Field (codirecteur) *1977-1986, Norman Morrice *1986-2001, Sir Anthony Dowell *2001-2002, Ross Stretton *2002-2012, Dame Monica Mason *2012-présent, Kevin O'Hare Ross Stretton Né à Canberra, en Australie, en 1952, Ross Stretton s'est formé à l'Australian Ballet School, avant de devenir danseur principal de la compagnie Australian Ballet. Il s'installe ensuite en Amérique, où il danse avec le Joffrey Ballet et comme danseur principal à l'American Ballet Theatre avant de prendre sa retraite en tant que danseur en 1990. Il est nommé directeur de l'American Ballet Theatre et devient directeur adjoint de la compagnie en 1993. Après son retour en Australie, il est directeur artistique de l'Australian Ballet de 1997 à 2001. Suite à la retraite de Sir Anthony Dowell en tant que directeur artistique du Royal Ballet en 2001, le conseil d'administration du Royal Opera House a annoncé Stretton comme son successeur, avec un contrat de trois ans ; cependant, il a démissionné de son poste après 13 mois, en septembre 2002. La nomination de Stretton et son départ du Royal Ballet ont généré un niveau d'attention médiatique sans précédent pour le Royal Ballet ces dernières années, en raison de la controverse provoquée par sa gestion de la compagnie. Après sa démission, Stretton est retourné en Australie où il a travaillé comme enseignant et consultant jusqu'à sa mort d'un cancer en 2005. Un certain nombre de questions et d'allégations controversées ainsi que la résistance au changement organisationnel ont conduit au départ de Stretton du Royal Ballet : * La danseuse principale Sarah Wildor a quitté la compagnie après un différend sur le casting. Stretton avait, historiquement et au cours de son mandat au Royal Ballet, favorisé les danseurs athlétiques et rapides par opposition à ceux avec un style plus lyrique, comme Wildor. * Stretton choisissait parfois des membres du corps de ballet pour les rôles principaux, ce qui conduisait à de nombreuses disputes avec les danseurs principaux. * L'artiste principal des personnages, David Drew, a déclaré la nomination de Stretton "un désastre pour l'entreprise" dans le Mail on Sunday/ * Lady MacMillan a menacé de retirer les droits d'exécution sur les œuvres de son défunt mari Sir Kenneth MacMillan. * La programmation de Stretton a été mal accueillie par les critiques. * Les danseurs ont fait savoir qu'ils envisageaient une grève ; cependant, les discussions entre Equity, le syndicat des danseurs et le directeur exécutif du Royal Opera House, Tony Hall, ont permis d'éviter une action revendicative. * Des rumeurs et des allégations ont été faites selon lesquelles Stretton aurait eu des liaisons et des relations sexuelles avec divers danseurs. Le porte-parole du Royal Opera House, Christopher Millard, a déclaré "qu'il n'y a eu aucune plainte informelle ou formelle auprès de la direction du Royal Opera House à ce sujet". Kevin O'Hare L'ancien danseur principal du Birmingham Royal Ballet et directeur administratif du Royal Ballet, Kevin O'Hare, a succédé à Monica Mason en tant que directrice du Royal Ballet en août 2012. Directeur administratif de la compagnie depuis 2009, O'Hare a pris sa retraite de la danse en 2000 et a ensuite travaillé avec le Royal Ballet. Shakespeare Company et en tant que directeur de la compagnie du Birmingham Royal Ballet. C'est un grand honneur pour moi. Sous la direction inspirée de Monica Mason, le Royal Ballet a connu dix années formidables. Je suis également ambitieux pour la Compagnie et la danse en général. J'ai l'intention de rassembler les artistes les plus talentueux du 21e siècle pour collaborer sur la même scène : danseurs, chorégraphes, designers et musiciens de classe mondiale. Mon objectif sera d'utiliser toutes les plateformes traditionnelles et nouvelles désormais disponibles pour impliquer notre public dans notre répertoire classique et l'héritage unique du Royal Ballet. Je souhaite continuer à revigorer le public avec de nouvelles œuvres et des talents émergents et je suis ravi que Wayne McGregor et Christopher Wheeldon – deux des plus grands chorégraphes du monde – aient accepté de se joindre à moi et à Jeanetta Laurence, directrice associée, pour faire partie de l'équipe artistique senior. . Wayne et Christopher partagent mes ambitions passionnantes pour l'entreprise. » Opéra Royal de Manchester Le Royal Opera House et le conseil municipal de Manchester sont actuellement en train de planifier un nouveau développement connu sous le nom de Royal Opera House, Manchester. La proposition prévoit que le Palace Theatre de Manchester reçoive une rénovation de 80 millions de livres sterling, créant ainsi un théâtre de première classe capable de présenter des productions du Royal Ballet et du Royal Opera. Le Royal Opera House accueillerait le théâtre pendant une saison annuelle de 18 semaines, organisant 16 représentations du Royal Opera, 28 représentations du Royal Ballet et d'autres productions à petite échelle. Les propositions établiraient le Palace Theatre comme base désignée pour les compagnies du Royal Opera House dans le nord de l'Angleterre, comme maison de production de nouveaux ballets et opéras et comme centre de formation pour tous les aspects de la production théâtrale. Les propositions pourraient potentiellement conduire à la création de 700 emplois pour la population locale. Les propositions ont été approuvées par le député Andy Burnham, secrétaire d'État à la Culture, aux Jeux olympiques, aux médias et aux sports, et acceptées par un certain nombre d'organismes publics. Cependant, les plans sont actuellement en cours de révision pour répondre aux préoccupations exprimées par ceux qui s'y opposent. Les questions qui ont été soulevées comprennent : * Comment sera financée la rénovation du Théâtre du Palais ? * Les propositions auront-elles un impact négatif sur The Lowry, un complexe théâtral et artistique situé à proximité de Salford ? * La saison de Manchester présentera-t-elle le même niveau de performance que le Royal Opera House de Londres ? Prix ​​Laurence-Olivier La compagnie Royal Ballet est une compagnie lauréate de plusieurs Laurence Olivier Award. Ce qui suit est une liste complète des prix remportés par la compagnie et son personnel depuis la création des prix en 1978. Il s'agit notamment des prix décernés à la compagnie pour la production d'un ballet particulier, à des danseurs individuels pour leur performance dans un rôle spécifique, à aux créateurs pour leur travail sur une production spécifique et aux autres membres du personnel du Royal Ballet pour leurs réalisations en danse. *1978 – Production de l'année en ballet, pour une production de A Month in the Country de Sir Frederick Ashton *1980 – Réalisation exceptionnelle de l'année en ballet, pour une production de Gloria *1981 – Première réalisation exceptionnelle de l'année en ballet, décernée à Bryony Brind pour sa performance dans Danses d'Albion du Royal Ballet *1983 – Performance individuelle exceptionnelle de l'année dans une nouvelle production de danse, décernée à Alessandra Ferri pour sa performance dans la Vallée des Ombres du Royal Ballet *1983 – Nouvelle production de danse exceptionnelle de l'année, pour une production du Requiem de Sir Kenneth MacMillan *1992 – Réalisation exceptionnelle de l'année en danse, pour une production de In The Middle, Somewhat Elevated de William Forsythe *1992 – Prix spécial du Society of London Theatre, décerné à la fondatrice et directrice du Royal Ballet, Dame Ninette de Valois, en reconnaissance de ses réalisations en danse. *1993 – Meilleure nouvelle production de danse, pour une production de The Judas Tree de Sir Kenneth MacMillan *1995 – Meilleure nouvelle production de danse, pour leur production de Fearful Symmetries *1995 – Réalisation exceptionnelle en danse, décernée au concepteur d'éclairage Peter Mumford pour les Fearful Symmetries du Royal Ballet. *2007 – Meilleure nouvelle production de danse, pour leur nouvelle production Chroma, chorégraphiée par Wayne McGreggor *2008 – Meilleure nouvelle production de danse, pour la première de la compagnie du ballet Jewels de George Balanchine *2008 – Réalisation exceptionnelle en danse, pour la première de la compagnie du ballet Jewels de George Balanchine *2010 – Meilleure nouvelle production de danse, décerné au Brandstrup-Rojo Project, Goldberg (une collaboration entre la chorégraphe Kim Brandstrup et la danseuse Tamara Rojo)

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Dans quel parc à thème anglais se trouvent les montagnes russes appelées Rita ?

Alton Towers

Une montagne russe est un manège développé pour les parcs d'attractions et les parcs à thème modernes. LaMarcus Adna Thompson a obtenu un brevet concernant les montagnes russes le 20 janvier 1885, qui étaient fabriquées en bois, mais ce brevet est considérablement plus tardif que les « montagnes russes » décrites ci-dessous. Essentiellement un système ferroviaire spécialisé, les montagnes russes se composent d'une voie qui s'élève selon des modèles conçus, parfois avec une ou plusieurs inversions (telles que des boucles verticales) qui retournent brièvement le passager. La piste ne doit pas nécessairement être un circuit complet, comme le démontrent les montagnes russes navettes. La plupart des montagnes russes ont plusieurs voitures dans lesquelles les passagers sont assis et retenus. Montagnes russes] Deux voitures ou plus reliées ensemble sont appelées un train. Certaines montagnes russes, notamment les montagnes russes de souris sauvages, fonctionnent avec des voitures simples. Histoire Montagne russe On pense que les plus anciennes montagnes russes proviennent des soi-disant « montagnes russes », qui étaient des collines de glace spécialement construites, situées dans une zone qui deviendra plus tard Saint-Pétersbourg. Construits au XVIIe siècle, les toboggans avaient une hauteur comprise entre 70 et 50 degrés et étaient renforcés par des supports en bois. Certains historiens affirment que les premières montagnes russes ont été construites sous les ordres de Catherine la Grande de Russie dans les jardins d'Oranienbaum à Saint-Pétersbourg en 1784. D'autres historiens pensent que les premières montagnes russes modernes ont été construites par les Français. Les Promenades Aériennes du Parc Baujon et Les Montagnes Russes à Belleville ont toutes deux été construites à Paris en 1817 et comportaient toutes deux des voitures à roues solidement verrouillées sur la voie, des rails de guidage pour les maintenir sur la bonne voie et des vitesses plus élevées. David Bennett (1998). Montagnes russes : montagnes russes en bois et en acier, twisters et tire-bouchons. Edison, New Jersey : Livres Chartwell. 9. ISBN0-7865-0885-X. Le nom de montagnes russes pour désigner une montagne russe est conservé dans de nombreuses langues romanes, comme l'espagnol montaña rusa. Cependant, le terme russe pour les montagnes russes est "" ("amerikanskiye gorki"), ce qui signifie "Montagnes américaines". Chemins de fer à gravité panoramiques En 1827, une société minière de Summit Hill, en Pennsylvanie, a construit le chemin de fer gravitaire Mauch Chunk, une voie descendante utilisée pour livrer du charbon à Mauch Chunk (maintenant connu sous le nom de Jim Thorpe), en Pennsylvanie. Dans les années 1850, la « Gravity Road » (comme on l'appelait désormais) proposait des manèges aux amateurs de sensations fortes pour 50 cents le trajet. Les compagnies ferroviaires utilisaient des voies similaires pour se divertir les jours où la fréquentation était faible. En utilisant cette idée comme base, LaMarcus Adna Thompson a commencé à travailler sur un chemin de fer à commutation par gravité qui a ouvert ses portes à Coney Island à Brooklyn, New York en 1884. Les passagers montaient au sommet d'une plate-forme et montaient dans une voiture en forme de banc sur la voie de 600 pieds. jusqu'au sommet d'une autre tour où le véhicule a été orienté vers une voie de retour et les passagers ont pris le chemin du retour. Cette conception de piste fut bientôt remplacée par un circuit complet ovale. Steven J. Urbanowicz (2002). Le compagnon des amoureux des montagnes russes. Kensington, New York : Citadelle Press. 4. ISBN0-8065-2309-3. En 1885, Phillip Hinkle a introduit les premières montagnes russes à circuit complet avec une colline ascendante, la Gravity Pleasure Road, qui devint bientôt l'attraction la plus populaire de Coney Island. Pour ne pas être en reste, LaMarcus Adna Thompson a breveté en 1886 sa conception de montagnes russes comprenant des tunnels sombres avec des paysages peints. Les « chemins de fer panoramiques » se trouvaient dans les parcs d'attractions du comté, l'entreprise de construction de Frederick Ingersoll en ayant construit un grand nombre au cours des deux premières décennies du 20e siècle. Popularité, déclin et renaissance En 1919, les premières montagnes russes à sous-friction avaient été développées par John Miller. &Rtype&SectionNum &idkeyNONE&Entrée Voir+première+page Images de brevet] Bientôt, les montagnes russes se sont répandues dans les parcs d'attractions du monde entier. Les montagnes russes historiques les plus connues, The Cyclone, ont peut-être été inaugurées à Coney Island en 1927. La Grande Dépression a marqué la fin du premier âge d’or des montagnes russes et les parcs d’attractions en général ont décliné. Cela a duré jusqu'en 1972, lorsque le Racer a été construit à Kings Island à Mason, Ohio (près de Cincinnati). Conçu par John Allen, le succès instantané de The Racer a marqué le début d'un deuxième âge d'or, qui se poursuit encore aujourd'hui. Montagnes russes en acier En 1959, Disneyland a introduit une nouvelle avancée en matière de conception avec les Matterhorn Bobsleds. Ce fut la première montagne russe à utiliser une piste en tube d'acier. Contrairement aux rails de montagnes russes en bois, qui sont généralement formés à l'aide de bandes d'acier montées sur du bois lamellé, l'acier tubulaire peut être facilement plié dans n'importe quelle direction, ce qui permet aux concepteurs d'incorporer des boucles, des tire-bouchons et de nombreuses autres manœuvres dans leurs conceptions. La plupart des montagnes russes modernes sont en acier, bien que des montagnes russes en bois soient encore en construction. Étymologie Il existe plusieurs explications du nom de montagnes russes. On dit qu'il proviendrait d'une première conception américaine où les toboggans ou les rampes étaient équipés de rouleaux sur lesquels un traîneau glissait. Cette conception a été abandonnée au profit du montage des roues sur le traîneau ou sur d'autres véhicules, mais le nom a perduré. Une autre explication est qu'il proviendrait d'un manège situé dans une patinoire à roulettes à Haverhill, dans le Massachusetts, en 1887. Un traîneau ressemblant à un toboggan était élevé au sommet d'une piste composée de centaines de rouleaux. Ce Roller Toboggan a ensuite dévalé des collines légèrement vallonnées jusqu'au sol. Les inventeurs de ce manège, Stephen E. Jackman et Byron B. Floyd, affirment qu'ils ont été les premiers à utiliser le terme « montagnes russes ». Le terme jet coaster est utilisé pour désigner les montagnes russes au Japon, où ces manèges dans les parcs d'attractions sont très populaires.Robb et Elissa Alvey. [http://www.themeparkreview.com/japan2004/japan.htm "Revue des parcs à thème : Japon 2004"], themeparkreview.com. Récupéré le 18 mars 2008. Dans de nombreuses langues, le nom fait référence aux « montagnes russes ». En revanche, en russe, on les appelle « montagnes américaines ». Dans les langues scandinaves, les montagnes russes sont appelées « chemin de fer de montagne et de vallée ». Mécanique Les voitures d’une montagne russe typique ne sont pas autonomes. Au lieu de cela, une montagne russe à circuit complet standard est remontée avec une chaîne ou un câble le long de la colline jusqu'au premier sommet de la piste de montagne russe. L'énergie potentielle accumulée par l'élévation de la hauteur est transférée en énergie cinétique lorsque les voitures dévalent la première pente descendante. L'énergie cinétique est ensuite reconvertie en énergie potentielle à mesure que le train remonte jusqu'au deuxième pic. Cette colline est nécessairement plus basse, car une certaine énergie mécanique est perdue par frottement. Cependant, tous les manèges ne disposent pas d'une colline de levage. Le train peut être mis en mouvement par un mécanisme de lancement tel qu'un lancement à volant d'inertie, des moteurs à induction linéaires, des moteurs synchrones linéaires, un lancement hydraulique, un lancement à air comprimé ou un pneu moteur. De telles montagnes russes lancées sont capables d'atteindre des vitesses plus élevées sur une longueur de piste plus courte que celles dotées d'une colline de levage conventionnelle. Certaines montagnes russes se déplacent d'avant en arrière le long de la même section de voie ; celles-ci sont connues sous le nom de navettes et parcourent généralement le circuit une fois, les coureurs avançant puis reculant sur le même parcours. Un trajet bien conçu dans de bonnes conditions aura suffisamment d'énergie cinétique, ou de déplacement, pour terminer le parcours complet, à la fin duquel les freins arrêteront complètement le train et le pousseront vers la gare. Un freinage à la fin du circuit est la méthode la plus courante pour arrêter les montagnes russes. Une exception notable est les montagnes russes motorisées. Ces manèges, au lieu d'être propulsés par gravité, utilisent un ou plusieurs moteurs dans les voitures pour propulser les trains le long du parcours. Si une montagne russe à circuit continu n'a pas assez d'énergie cinétique pour parcourir complètement le parcours après être descendu de son point le plus élevé (comme cela peut arriver avec des vents violents ou une friction accrue), le train peut faire une vallée : c'est-à-dire rouler d'avant en arrière le long de la voie. , jusqu'à ce que toute l'énergie cinétique ait été libérée. Le train s’arrêtera alors complètement au milieu de la voie. Cependant, cela fonctionne un peu différemment sur un coaster lancé. Lorsqu'un lanceur de train n'a pas suffisamment d'énergie potentielle pour lancer le train au sommet d'une pente, on dit que le train recule. En 2006, la NASA a annoncé qu'elle construirait un système utilisant des principes similaires à ceux des montagnes russes pour aider les astronautes à s'échapper de la rampe de lancement d'Ares I en cas d'urgence. Sécurité De nombreux systèmes de sécurité sont mis en œuvre dans les montagnes russes. L’un d’eux est le système de blocs. La plupart des grandes montagnes russes ont la capacité de faire circuler deux trains ou plus à la fois, et le système de blocage empêche ces trains d'entrer en collision. Dans ce système, la piste est divisée en plusieurs sections, ou blocs. Un seul train à la fois est autorisé dans chaque bloc. À la fin de chaque bloc, il y a une section de voie où un train peut être arrêté si nécessaire (soit en empêchant l'expédition depuis la gare, en fermant les freins ou en arrêtant un ascenseur). Des capteurs à la fin de chaque canton détectent le passage d'un train afin que l'ordinateur qui gère le trajet sache quels cantons sont occupés. Lorsque l'ordinateur détecte un train sur le point d'entrer dans un canton déjà occupé, il utilise n'importe quelle méthode disponible pour l'empêcher d'entrer. Les trains sont entièrement automatisés. Ce qui précède peut provoquer un effet de cascade lorsque plusieurs trains s'arrêtent à la fin de chaque canton. Afin d'éviter ce problème, les opérateurs de manèges suivent des procédures établies concernant le moment où libérer un train nouvellement chargé de la gare. Un modèle courant, utilisé sur les trajets à deux trains, consiste à effectuer les opérations suivantes : retenir le train n°1 (qui vient de terminer le trajet) juste à l'extérieur de la gare, relâcher le train n°2 (qui s'est chargé alors que le n°1 roulait) et puis laissez le numéro 1 entrer dans la station pour décharger en toute sécurité. Une autre clé de la sécurité est le contrôle des ordinateurs de fonctionnement des montagnes russes : des automates programmables (souvent appelés API). Un automate détecte les défauts associés au mécanisme et prend des décisions pour faire fonctionner les éléments des montagnes russes (par exemple, l'ascenseur, les aiguillages et les freins) en fonction de l'état configuré et des actions de l'opérateur. Un entretien et une inspection périodiques sont nécessaires pour vérifier que les structures et les matériaux respectent les tolérances d'usure prévues et sont en bon état de fonctionnement. Des procédures d’exploitation saines sont également une clé de la sécurité. La conception des montagnes russes nécessite une connaissance pratique de la physique de base pour éviter une tension inconfortable, voire potentiellement mortelle, pour le pilote. Les concepteurs de manèges doivent soigneusement s’assurer que les accélérations subies tout au long du manège ne soumettent pas le corps humain à plus que ce qu’il peut supporter. Le corps humain a besoin de temps pour détecter les changements de force afin de contrôler la tension musculaire. Ne pas en tenir compte peut entraîner des blessures graves, comme un coup du lapin. Les accélérations acceptées dans la conception des montagnes russes sont généralement de l'ordre de 4 à 6 G (40 à 60 m s−2) pour une verticale positive (vous poussant sur votre siège) et de 1,5 à 2 G (15 à 20 m s−2) pour une verticale négative. (sortant de votre siège alors que vous franchissez une colline). Cette gamme garantit en toute sécurité que la majorité de la population ne subit aucun effet secondaire nocif. Les accélérations latérales sont généralement réduites au minimum par les courbes inclinées. L'incapacité du cou à faire face à des forces élevées conduit à des accélérations latérales généralement limitées à moins de 1,8 G. Des accélérations soudaines dans le plan latéral entraînent une conduite difficile. Malgré les mesures de sécurité, des accidents peuvent survenir et surviennent effectivement. Les réglementations concernant la déclaration des accidents varient d'une autorité à l'autre. Ainsi, aux États-Unis, la Californie oblige les parcs d'attractions à signaler tout accident lié aux attractions nécessitant une visite aux urgences, tandis que la Floride exempte les parcs dont les sociétés mères emploient plus de 1 000 personnes de l'obligation de déclarer tout accident. Le représentant Ed Markey du Massachusetts a présenté une législation qui confierait la surveillance des manèges à la Commission de sécurité des produits de consommation (CPSC). Les accidents de trajet peuvent également être causés par les usagers eux-mêmes ou par les opérateurs du trajet qui ne suivent pas correctement les consignes de sécurité et, dans des cas extrêmement rares, les usagers peuvent être blessés par des pannes mécaniques. Ces dernières années, une controverse est apparue sur la sécurité des manèges de plus en plus extrêmes. Certains suggèrent que ces véhicules pourraient soumettre les passagers à des accélérations de translation et de rotation susceptibles de provoquer des lésions cérébrales. En 2003, la Brain Injury Association of America a conclu dans un rapport : « Il existe des preuves que les voyages en montagnes russes présentent parfois un risque pour la santé de certaines personnes. Il est également évident que l'écrasante majorité des cyclistes ne souffriront d'aucun effet indésirable. » Un rapport similaire datant de 2005 associait les montagnes russes et autres attractions à sensations fortes au déclenchement potentiel de maladies cardiaques anormales pouvant entraîner la mort. Les autopsies ont montré que les décès récents dans divers parcs Disney, Anheuser-Busch et Six Flags étaient dus à des maladies cardiaques non détectées auparavant. Statistiquement, les montagnes russes sont très sûres par rapport à d’autres activités. La Commission américaine de sécurité des produits de consommation estime que 134 visiteurs du parc ont dû être hospitalisés en 2001 et que les décès liés aux manèges sont en moyenne de deux par an. Selon une étude commandée par Six Flags, 319 millions de personnes ont visité les parcs en 2001. L'étude a conclu qu'un visiteur a une chance sur un milliard et demi d'être mortellement blessé et que les taux de blessures dans les chariots pour enfants, les voiturettes de golf et les chaises de jardin pliantes sont plus hautes que celles des manèges. Les types Les montagnes russes sont divisées en deux catégories principales : les montagnes russes en acier et les montagnes russes en bois. Les montagnes russes en acier ont des rails tubulaires en acier et, comparées aux montagnes russes en bois, elles sont généralement connues pour offrir une conduite plus douce et leur capacité à renverser les coureurs. Les montagnes russes en bois ont des rails plats en acier et sont généralement réputées pour produire du « temps d'antenne » grâce à l'utilisation de forces G négatives lorsqu'elles atteignent la crête de certains éléments de la colline. Les nouveaux types de pistes, tels que I-Box et Topper introduits par Rocky Mountain Construction, améliorent l'expérience de conduite sur les montagnes russes en bois, réduisent les coûts de maintenance et ajoutent la possibilité d'inverser les coureurs. Les montagnes russes modernes évoluent constamment pour offrir une variété d’expériences différentes. L'accent est davantage mis sur la position des coureurs par rapport à l'expérience globale. Traditionnellement, les pilotes sont assis face vers l'avant, mais des variantes plus récentes telles que les modèles debout et volants positionnent le pilote de différentes manières pour changer les expériences. Un modèle volant, par exemple, est une montagne russe suspendue dans laquelle les passagers sont allongés face vers l'avant et vers le bas, la poitrine et les pieds attachés. D'autres moyens d'améliorer l'expérience consistent à retirer le plancher sous les passagers roulant au-dessus de la piste, comme le montre le rouleau sans plancher. sous-verres. De nouveaux éléments de piste – généralement des types d’inversions – sont également souvent introduits pour offrir des expériences entièrement nouvelles. Par type de train * Montagnes russes de la 4e dimension * Montagnes russes de bobsleigh * Montagnes russes de plongée * Montagnes russes sans plancher * Montagnes russes volantes * Montagnes russes inversées * Montagnes russes Mine Train * Montagnes russes à moto * Montagnes russes de pipeline * Montagnes russes à friction latérale * Montagnes russes tournantes * Montagnes russes debout * Montagnes russes Steeplechase * Montagnes russes suspendues * Montagnes russes Virginia Reel * Montagnes russes à ailes Par tracé de piste * Montagnes russes Boomerang * Montagnes russes tire-bouchon * Montagnes russes à double chenille * Montagnes russes en forme de 8 * Montagnes russes aller et retour * Montagnes russes de la navette * Montagnes russes de terrain * Montagnes russes Twister * Montagnes russes à chute verticale * Montagnes russes de la souris sauvage Par la mécanique * Ascenseur à chaîne/ascenseur à câble/ascenseur d'ascenseur/montagnes russes d'ascenseur de grande roue * Lancement des montagnes russes * Montagnes russes motorisées Par hauteur Plusieurs classifications de hauteur ont été utilisées par les parcs et les fabricants pour commercialiser leurs montagnes russes. En conséquence, certaines classifications ne sont pas toujours convenues ou définies de manière cohérente dans l’ensemble de l’industrie des montagnes russes. Une classification connue sous le nom de montagnes russes pour enfants est une montagne russe spécialement conçue pour les jeunes coureurs, y compris les tout-petits. Après la Seconde Guerre mondiale, les parcs ont commencé à faire pression pour qu'un plus grand nombre d'entre eux soient construits en raison des restrictions de taille et d'âge des conceptions standard. Des entreprises comme Philadelphia Toboggan Company (PTC) ont développé des versions réduites de leurs modèles plus grands pour répondre à la demande. Ceux-ci comportaient généralement des collines de moins de 25 pieds, et c'est encore le cas aujourd'hui. L'essor des montagnes russes pour enfants a rapidement conduit au développement de modèles « juniors » capables de soulever des collines jusqu'à 45 pieds. Un exemple notable de montagnes russes juniors est le Sea Dragon – la plus ancienne montagne russe en activité du légendaire designer John Allen de PTC – qui a ouvert ses portes. au lac Wyandot en 1956 près de Powell, Ohio. Une hypercoaster (parfois stylisée comme hyper coaster) est un type de montagne russe dont la hauteur ou la chute varie de 200 pieds à 299 pieds et qui complète un circuit complet. La première montagne russe à être classée comme hyper coaster est la Magnum XL-200 à Cedar Point conçue par Arrow Dynamics. Depuis leurs débuts, les hyper coasters sont devenues l’un des types de montagnes russes les plus répandus dans le monde. Bolliger & Mabillard et Intamin sont les principaux fabricants de ce type. Une giga coaster est un type de montagne russe dont la hauteur ou le dénivelé varie de 300 pieds à 399 pieds et qui complète un circuit complet. Le terme a été inventé lors d'un partenariat entre Cedar Point et Intamin sur la construction de Millennium Force. Le seul autre giga coaster construit par la même société est l'Intimidator 305 de Kings Dominion. Bien que Morgan et Bolliger & Mabillard n'aient pas utilisé le terme giga, tous deux possèdent des montagnes russes dans cette classe. Une montagne russe en strate est un type de montagne russe dont la hauteur ou le dénivelé est de 400 pieds ou plus et qui complète un circuit complet. Seules deux montagnes russes à strates ont été construites, toutes deux utilisant la conception de montagnes russes accélératrices à lancement hydraulique d'Intamin. Le premier était Top Thrill Dragster à Cedar Point, qui a ouvert ses portes en 2003 à une hauteur de 420 pieds. Le second était Kingda Ka à Six Flags Great Adventure, qui a ouvert ses portes en 2005 à une hauteur de 456 pieds, ce qui en fait également les montagnes russes les plus hautes. dans le monde. Superman : Escape From Krypton à Six Flags Magic Mountain a été le premier à franchir la barrière des 400 pieds, mais comme il s'agit d'une montagne russe navette qui ne fait pas un tour complet et que sa chute n'est que de 328 pieds, certains ne la classent pas comme une montagne russe. montagnes russes en strates. Principaux fabricants de montagnes russes * Compagnie Allan Herschell (défuntue) * Arrow Dynamics (racheté par S&S Power, renommé S&S Arrow puis S&S Worldwide) *Bolliger & Mabillard * Bradley et Kaye (défunt) * Chance Morgan (anciennement D. H. Morgan Manufacturing) * Custom Coasters International (défunt) * Dinn Corporation (défuntue) * Structures dynamiques * Groupe Fabbri * Gerstlauer * Giovanola (défunt) * Le groupe Gravité * Great Coasters International * Intamine * Mack monte * Maurer Söhne * Sous-verres de luge de Philadelphie * Pinfari (défunt) * Premiers manèges * Preston et Barbieri * Construction des Montagnes Rocheuses * S&S dans le monde entier * Schwarzkopf (défunt) * TOGO (par défaut) *Vekoma *Zamperla *Zierer Galerie Fichier : Fahrenheit (Drop).jpg | Riding Fahrenheit, situé à Hersheypark à Hershey, Pennsylvanie. Fichier : PKDHypersonicDrop.jpg|Hypersonic XLC, le premier Thrust Air 2000 de production au monde (aujourd'hui disparu) Fichier : Top Thrill Dragster (Cedar Point) 01.jpg | Top Thrill Dragster à Cedar Point est le premier coaster à strates jamais construit. Fichier : Expédition Rollercoaster Geforce Holiday Park Germany.jpg | Riding Expedition GeForce à Holiday Park, Allemagne. Fichier : Cedar point raptor1.jpg | Raptor, une montagne russe inversée en acier, est située à Cedar Point à Sandusky, Ohio. Fichier : Montagnes russes en bois txgi.jpg | Texas Giant à Six Flags Over Texas avant d'être rénovées en montagnes russes hybrides acier-bois. Fichier : Image-Lightning Racer à la station Hersheypark.jpg | Lightning Racer à Hersheypark est une montagne russe de course et de duel réalisée par GCI. Fichier:linnanrollerc.JPG|Cette montagne russe entièrement en bois, construite en 1951, domine le parc d'attractions Linnanmäki à Helsinki, en Finlande. Fichier : Coney Island 2010 109.JPG | Le Cyclone de Coney Island à Brooklyn, New York, a été construit en 1927 et rénové en 1975. Fichier : PKI-Son of Beast.jpg|Son of Beast à Kings Island était la seule montagne russe en bois à avoir une boucle verticale. La boucle a été supprimée en 2006 et le manège était SBNO de 2009 jusqu'à sa démolition en 2012. Fichier : Kennywood Jack Rabbit DSCN2786.JPG | Jack Rabbit à Kennywood Park à l'extérieur de Pittsburgh, en Pennsylvanie, a été construit en 1920. Fichier : Knoebels Phoenix.JPG | Phoenix, construit en 1947, à Knoebles Grove à Elysburg, en Pennsylvanie. Il a été déplacé du Playland Park de San Antonio en 1984. Fichier : AltonTowers-Oblivion.JPG | Oblivion à Alton Towers dans le Staffordshire, en Angleterre. Fichier : Griffon (Busch Gardens Europe) 02.JPG | Griffon s'éclaboussant dans une piscine à Busch Gardens Williamsburg. Fichier : Great Bear Helix.jpg|Great Bear est la première montagne russe inversée en acier de Pennsylvanie, située à Hersheypark. Fichier : Behemoth (Canada's Wonderland) 06.jpg | Behemoth, à Canada's Wonderland, était la montagne russe la plus haute (230 pieds) et la plus rapide (77 mph) du Canada avant l'ouverture du Léviathan. Fichier:Busch Gardens Tampa Bay - Montu.jpg|"Montu", une montagne russe inversée populaire à Busch Gardens Tampa Bay Fichier:Première goutte de Black mamba.jpg|Black Mamba à Phantasialand, Allemagne Fichier:Euromir.jpg|Euro-Mir, des montagnes russes tournantes à Europa-Park à Rust, en Allemagne Fichier:Rollercoaster dragon khan universal port aventura spain.jpg|Dragon Khan à PortAventura à Salou (Tarragone), Espagne Fichier:Kennywood Thunderbolt DSCN2744.JPG| Thunderbolt à Kennywood, à l'extérieur de Pittsburgh, en Pennsylvanie, a été construit en 1968. Fichier:Réactions du Léviathan.jpg| Leviathan, également à Canada's Wonderland, est actuellement la plus grande montagne russe du Canada (306 pieds, 148 km/h) et est également fabriqué par Bolliger & Mabillard. C'est le deuxième plus grand coaster avant le Fury 325 de Carowinds sur 300 pieds fabriqué par B&M. Fichier:Kingda Ka.jpg|Kingda Ka est la montagne russe la plus haute du monde et la deuxième montagne russe à strates au monde après Top Thrill Dragster. Fichier:Ee-train.jpg|Expedition Everest, des montagnes russes au Disney's Animal Kingdom à Walt Disney World

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En quelle année Margaret Thatcher est-elle devenue Première ministre britannique ?

1979

Margaret Hilda Thatcher, baronne Thatcher ( Roberts ; 13 octobre 1925 - 8 avril 2013) était une femme d'État et femme politique britannique qui fut première ministre du Royaume-Uni de 1979 à 1990 et chef du Parti conservateur de 1975 à 1990. Elle a été le Premier ministre britannique le plus ancien du XXe siècle et la première femme à occuper ce poste. Un journaliste soviétique l'a surnommée la « Dame de fer », un surnom associé à sa politique intransigeante et à son style de leadership. En tant que Première ministre, elle a mis en œuvre des politiques connues sous le nom de thatchérisme. À l'origine chercheuse en chimie avant de devenir avocate, Thatcher a été élue députée de Finchley en 1959. Edward Heath l'a nommée secrétaire d'État à l'Éducation et à la Science dans son gouvernement de 1970. En 1975, Thatcher a battu Heath aux élections à la direction du Parti conservateur pour devenir chef de l'opposition et est devenue la première femme à diriger un parti politique majeur au Royaume-Uni. Elle est devenue Premier ministre après avoir remporté les élections générales de 1979. En arrivant en , Thatcher a introduit une série d'initiatives politiques et économiques destinées à inverser le taux de chômage élevé et les difficultés de la Grande-Bretagne à la suite de l'hiver du mécontentement et d'une récession en cours. Sa philosophie politique et ses politiques économiques mettaient l'accent sur la déréglementation (en particulier du secteur financier), la flexibilité des marchés du travail, la privatisation des entreprises publiques et la réduction du pouvoir et de l'influence des syndicats. La popularité de Thatcher au cours de ses premières années de mandat a décliné dans un contexte de récession et de chômage élevé, jusqu'à ce que la victoire dans la guerre des Malouines en 1982 et la reprise de l'économie amènent un regain de soutien, ce qui aboutit à sa réélection en 1983. Thatcher a été réélue pour un troisième mandat en 1987. Au cours de cette période, son soutien à une charge communautaire (appelée « capitation ») était largement impopulaire et ses opinions sur la Communauté européenne n'étaient pas partagées par d'autres membres de son cabinet. . Elle a démissionné de son poste de Premier ministre et de chef du parti en novembre 1990, après que Michael Heseltine ait lancé un défi à sa direction. Après avoir pris sa retraite des Communes en 1992, elle a reçu une pairie à vie en tant que baronne Thatcher, de Kesteven dans le comté de Lincolnshire, ce qui lui a permis de siéger à la Chambre des Lords. Après une série de petits accidents vasculaires cérébraux en 2002, on lui a conseillé de se retirer de la parole en public. Malgré cela, elle a réussi à préenregistrer un éloge funèbre à Ronald Reagan avant sa mort, qui a été diffusé lors de ses funérailles en 2004. En 2013, elle est décédée d'un autre accident vasculaire cérébral à Londres à l'âge de 87 ans. Première vie et éducation Thatcher est née Margaret Hilda Roberts le 13 octobre 1925 à Grantham, Lincolnshire. Son père était Alfred Roberts, originaire du Northamptonshire, et sa mère était Beatrice Ethel (née Stephenson) du Lincolnshire. Elle a passé son enfance à Grantham, où son père possédait deux épiceries. Elle et sa sœur aînée Muriel (1921-2004) ont grandi dans l'appartement au-dessus du plus grand des deux, sur North Parade. Son père était actif dans la politique locale et dans l'église méthodiste, en tant qu'échevin et prédicateur local, et a élevé sa fille comme une méthodiste wesleyenne stricte fréquentant l'église méthodiste de Finkin Street. Il venait d'une famille libérale mais se présentait – comme c'était alors la coutume dans le gouvernement local – comme indépendant. Il fut maire de Grantham en 1945-1946 et perdit son poste d'échevin en 1952 après que le Parti travailliste eut remporté sa première majorité au conseil de Grantham en 1950. Margaret Roberts a fréquenté l'école primaire de Huntingtower Road et a remporté une bourse pour les écoles de filles Kesteven et Grantham. Ses bulletins scolaires montraient un travail acharné et une amélioration continue ; ses activités parascolaires comprenaient le piano, le hockey sur gazon, des récitals de poésie, la natation et la marche. Elle était préfète en chef en 1942-1943. Au cours de sa sixième année supérieure, elle a demandé une bourse pour étudier la chimie au Somerville College d'Oxford, mais elle a d'abord été rejetée et s'est vu offrir une place seulement après le retrait d'un autre candidat. Roberts est arrivé à Oxford en 1943 et a obtenu son diplôme en 1947 avec les honneurs de deuxième classe au baccalauréat ès sciences en chimie de quatre ans, spécialisé en cristallographie aux rayons X sous la direction de Dorothy Hodgkin. Sa thèse portait sur la structure de l'antibiotique gramicidine. Même lorsqu'elle travaillait en chimie, elle pensait déjà au droit et à la politique. Elle aurait été plus fière de devenir la première Premier ministre titulaire d'un diplôme en sciences que la première femme Premier ministre. Roberts est devenue présidente de l'Association conservatrice de l'Université d'Oxford en 1946. Elle a été influencée à l'université par des ouvrages politiques tels que The Road to Serfdom (1944) de Friedrich Hayek, qui condamnait l'intervention économique du gouvernement comme précurseur d'un État autoritaire. Après avoir obtenu son diplôme, Roberts a déménagé à Colchester dans l'Essex pour travailler comme chercheur chimiste pour BX Plastics. En 1948, elle postula pour un emploi chez ICI, mais fut rejetée après que le service du personnel l'eut jugée « entêtée, obstinée et dangereusement opiniâtre ». Roberts a rejoint l'Association conservatrice locale et a assisté à la conférence du parti à Llandudno en 1948, en tant que représentant de l'Association conservatrice des diplômés universitaires. L'une de ses amies d'Oxford était également une amie du président de l'Association conservatrice de Dartford dans le Kent, qui recherchait des candidats. Les responsables de l'association furent tellement impressionnés par elle qu'ils lui demandèrent de postuler, même si elle ne figurait pas sur la liste approuvée du Parti conservateur : elle fut sélectionnée en janvier 1951, à l'âge de 25 ans, et ajoutée à la liste approuvée post ante. Lors d'un dîner après son adoption officielle comme candidate conservatrice dans Dartford en février 1951, elle rencontra Denis Thatcher, un riche et prospère homme d'affaires divorcé, qui la conduisit à son train d'Essex. En préparation des élections, Roberts a déménagé à Dartford, où elle subvenait à ses besoins en travaillant comme chercheuse chimiste pour J. Lyons and Co. à Hammersmith, au sein d'une équipe développant des émulsifiants pour la crème glacée. Début de carrière politique Aux élections générales de 1950 et 1951, Roberts était le candidat conservateur pour le siège travailliste sûr de Dartford. Le parti local l'a choisie comme candidate parce que, bien que n'étant pas une oratrice dynamique, Roberts était bien préparée et intrépide dans ses réponses ; une autre candidate potentielle a rappelé qu '"une fois qu'elle a ouvert la bouche, le reste d'entre nous a commencé à avoir l'air plutôt de second ordre". Elle a attiré l'attention des médias en tant que plus jeune et seule candidate féminine. Elle a perdu à deux reprises contre Norman Dodds, mais a réduit la majorité travailliste de 6 000, puis de 1 000 supplémentaires. Pendant les campagnes, elle est soutenue par ses parents et par Denis Thatcher, qu'elle épouse en décembre 1951. Denis finance les études de barreau de sa femme ; elle a obtenu son diplôme d'avocat en 1953 et s'est spécialisée en fiscalité. Plus tard la même année, leurs jumeaux Carol et Mark sont nés, accouchés par césarienne. Ce mariage lui a valu d'être appelée « Mme Denis Thatcher » – désormais considérée comme datée – par des sources officielles telles que les procès-verbaux de sélection, les itinéraires de voyage et les publications sociales telles que Queen, même après son élection en tant que députée, après quoi elle préféré "Mme Margaret Thatcher". Député : 1959-1970 En 1954, Thatcher a été vaincue lorsqu'elle a demandé à être sélectionnée pour être la candidate du parti conservateur à l'élection partielle d'Orpington de janvier 1955. Elle a choisi de ne pas se présenter comme candidate aux élections générales de 1955, déclarant plus tard : « J'ai vraiment juste ressenti le les jumeaux n'étaient ... que deux, j'avais vraiment l'impression que c'était trop tôt, je ne pouvais pas faire ça. Par la suite, Thatcher a commencé à chercher un siège sûr pour les conservateurs et a été sélectionné comme candidat pour Finchley en avril 1958 (battant de peu Ian Montagu Fraser). Elle a été élue députée pour ce siège après une dure campagne lors des élections de 1959. Bénéficiant de son heureux résultat à une loterie destinée aux députés d'arrière-ban pour proposer une nouvelle législation, le premier discours de Thatcher était en faveur de son projet de loi d'initiative parlementaire (Loi de 1960 sur les organismes publics (admission aux réunions)), exigeant que les autorités locales tiennent leurs réunions du conseil en public. En 1961, elle s'opposa à la position officielle du Parti conservateur en votant pour le rétablissement de l'élevage de bouleaux comme châtiment corporel judiciaire. Le talent et le dynamisme de Thatcher lui ont valu d'être mentionnée comme future Premier ministre au début de la vingtaine, même si elle-même était plus pessimiste, déclarant jusqu'en 1970 : « Il n'y aura pas de femme Premier ministre de mon vivant – la population masculine a trop de préjugés. ". En octobre 1961, elle fut promue au premier rang en tant que sous-secrétaire parlementaire au ministère des Pensions et de l'Assurance nationale dans l'administration d'Harold Macmillan. Thatcher a été la plus jeune femme de l’histoire à recevoir un tel poste et l’une des premières députées élues en 1959 à être promues. Après la défaite des conservateurs aux élections de 1964, elle devient porte-parole pour le logement et le foncier, poste dans lequel elle défend la politique de son parti consistant à permettre aux locataires d'acheter leurs logements sociaux. Elle a rejoint l'équipe du Trésor fantôme en 1966 et, en tant que porte-parole du Trésor, s'est opposée aux contrôles obligatoires des prix et des revenus du Labour, arguant qu'ils produiraient des effets contraires à ceux escomptés et fausseraient l'économie. En 1966, les dirigeants du parti considéraient Thatcher comme un membre potentiel du cabinet fantôme. James Prior l'a proposée comme membre après la défaite des conservateurs en 1966, mais le chef du parti Edward Heath et le whip en chef Willie Whitelaw ont choisi Mervyn Pike comme seule femme membre du cabinet fantôme. Lors de la conférence du Parti conservateur de 1966, elle a critiqué les politiques d'impôts élevés du gouvernement travailliste comme étant des pas « non seulement vers le socialisme, mais aussi vers le communisme », arguant que la baisse des impôts servait d'incitation au travail acharné. Thatcher était l'un des rares députés conservateurs à soutenir le projet de loi de Leo Abse visant à décriminaliser l'homosexualité masculine. Elle a voté en faveur du projet de loi de David Steel visant à légaliser l'avortement, ainsi qu'à interdire la course au lièvre. Elle a soutenu le maintien de la peine capitale et a voté contre l'assouplissement des lois sur le divorce. En 1967, l'ambassade des États-Unis à Londres choisit Thatcher pour participer à l'International Visitor Leadership Program (alors appelé Foreign Leader Program), un programme d'échange professionnel qui lui donna l'opportunité de passer environ six semaines à visiter diverses villes et personnalités politiques américaines. ainsi que des institutions telles que le Fonds monétaire international. Même si elle n'était pas encore membre du cabinet ou du cabinet fantôme, l'ambassade l'aurait décrite au Département d'État comme une possible future première ministre. Cette description a permis à Thatcher de rencontrer de nombreuses personnalités au cours d'un itinéraire chargé axé sur les questions économiques, notamment Paul Samuelson, Walt Rostow, Pierre-Paul Schweitzer et Nelson Rockefeller. Après la retraite de Pike, Heath a nommé Thatcher plus tard cette année-là au Cabinet fantôme en tant que porte-parole du carburant et de l'électricité. Peu de temps avant les élections générales de 1970, elle a été promue porte-parole de Shadow Transport, puis à l'Éducation. Secrétaire à l'éducation : 1970-1974 Le Parti conservateur dirigé par Edward Heath a remporté les élections générales de 1970 et Thatcher a ensuite été nommé au Cabinet en tant que secrétaire d'État à l'Éducation et à la Science. Au cours de ses premiers mois de mandat, elle a attiré l'attention du public en raison des tentatives de l'administration de réduire les dépenses. Elle a donné la priorité aux besoins académiques dans les écoles. Elle a imposé des coupes dans les dépenses publiques du système éducatif public, ce qui a abouti à la suppression du lait gratuit pour les écoliers âgés de sept à onze ans. Elle a estimé que peu d’enfants souffriraient si le lait était facturé aux écoles, mais a accepté de fournir aux plus jeunes un tiers de pinte par jour, à des fins nutritionnelles. Des documents du Cabinet ont révélé plus tard qu'elle s'était opposée à cette politique, mais qu'elle y avait été contrainte par le Trésor. Sa décision a provoqué une tempête de protestations de la part du parti travailliste et de la presse, ce qui lui a valu le surnom de « Margaret Thatcher, Milk Snatcher ». Elle aurait envisagé de quitter la politique par la suite et aurait écrit plus tard dans son autobiographie : « J'ai appris une leçon précieuse [de cette expérience]. J'avais encouru le maximum de haine politique pour le minimum de bénéfice politique. Le mandat de Thatcher a été marqué par des propositions visant à ce que davantage d'autorités éducatives locales ferment les lycées et adoptent un enseignement secondaire complet. Même si elle était attachée à un système d'enseignement secondaire moderne à plusieurs niveaux et était déterminée à préserver les lycées, au cours de son mandat de secrétaire à l'Éducation, elle n'a refusé que 326 des 3 612 propositions visant à ce que les écoles deviennent des écoles polyvalentes ; la proportion d'élèves fréquentant des écoles polyvalentes est ainsi passée de 32 pour cent à 62 pour cent. Chef de l'opposition : 1975-1979 Le gouvernement Heath a continué à connaître des difficultés avec les embargos pétroliers et les revendications des syndicats en faveur d'augmentations de salaires en 1973 et a perdu les élections générales de février 1974. Les travaillistes formèrent un gouvernement minoritaire et remportèrent une courte majorité aux élections générales d'octobre 1974. Le leadership de Heath au sein du Parti conservateur semblait de plus en plus douteux. Thatcher n’était pas initialement la remplaçante évidente, mais elle est finalement devenue la principale challenger, promettant un nouveau départ. Son principal soutien provenait du Comité conservateur de 1922, mais le mandat de Thatcher lui a donné la réputation d'une pragmatique plutôt que d'une idéologue. Elle a battu Heath au premier tour et il a démissionné de la direction. Au deuxième tour, elle a battu Whitelaw, le successeur préféré de Heath. Le vote s'est polarisé entre droite et gauche, la région, l'expérience et la formation du député ayant également eu leurs effets. Le soutien à Thatcher était plus fort parmi les députés de droite, ceux du sud de l'Angleterre et ceux qui n'avaient pas fréquenté les écoles publiques ou Oxbridge. Thatcher est devenu chef du parti et chef de l'opposition le 11 février 1975 ; elle a nommé Whitelaw comme son adjoint. Heath n'a jamais été réconcilié avec le leadership de Thatcher. Thatcher a commencé à assister régulièrement aux déjeuners de l'Institut des affaires économiques (IEA), un groupe de réflexion fondé par le magnat de la volaille Antony Fisher, disciple de Friedrich Hayek ; elle visitait l'AIE et lisait ses publications depuis le début des années 1960. Là, elle a été influencée par les idées de Ralph Harris et d'Arthur Seldon et est devenue le visage du mouvement idéologique opposé à l'État-providence. Selon eux, l’économie keynésienne affaiblissait la Grande-Bretagne. Les brochures de l'institut proposaient moins de gouvernement, une baisse des impôts et plus de liberté pour les entreprises et les consommateurs. Le critique de télévision Clive James, écrivant dans The Observer lors du vote à la direction, a comparé sa voix de 1973 à celle d'un chat glissant sur un tableau noir. Thatcher avait déjà commencé à travailler sur sa présentation sur les conseils de Gordon Reece, un ancien producteur de télévision. Par hasard, Reece a rencontré l'acteur Laurence Olivier, qui a organisé des cours avec le coach vocal du Théâtre National. Thatcher a réussi à supprimer complètement son dialecte du Lincolnshire, sauf lorsqu'elle était sous pression, notamment après la provocation de Denis Healey à la Chambre des communes en avril 1983, lorsqu'elle accusait les députés travaillistes d'être frits. Le 19 janvier 1976, Thatcher prononça un discours à l'hôtel de ville de Kensington dans lequel elle lança une attaque cinglante contre l'Union soviétique : En réponse, le journal du ministère soviétique de la Défense, Krasnaya Zvezda (Étoile rouge), l'a surnommée la « Dame de fer », un sobriquet qu'elle a adopté avec plaisir. Margaret Thatcher voulait empêcher la création d'une assemblée écossaise. Elle a demandé aux députés conservateurs de voter contre le projet de loi sur l'Écosse et le Pays de Galles en décembre 1976, qui a été rejeté, puis lorsque de nouveaux projets de loi ont été proposés, elle a soutenu l'amendement de la législation pour permettre aux Anglais de voter lors du référendum de 1979 sur la décentralisation. L'économie britannique dans les années 1970 était si faible que le ministre des Affaires étrangères James Callaghan a mis en garde ses collègues travaillistes du cabinet en 1974 contre la possibilité d'un « effondrement de la démocratie », en leur disant que « si j'étais un jeune homme, j'émigrerais ». Au milieu de 1978, l'économie a commencé à s'améliorer et les sondages d'opinion ont montré que les travaillistes étaient en tête, avec des élections générales attendues plus tard dans l'année et une victoire des travaillistes étant une sérieuse possibilité. Aujourd'hui Premier ministre, Callaghan en a surpris plus d'un en annonçant le 7 septembre qu'il n'y aurait pas d'élections générales cette année-là et qu'il attendrait 1979 avant de se rendre aux urnes. Thatcher a réagi à cela en qualifiant le gouvernement travailliste de « poulets », et le chef du Parti libéral David Steel s'est joint à lui, critiquant le parti travailliste pour « avoir eu peur ». Le gouvernement travailliste fut alors confronté à un nouveau malaise public quant à la direction que prenait le pays et à une série de grèves dommageables au cours de l'hiver 1978-1979, surnommé « l'hiver du mécontentement ». Les conservateurs ont attaqué le bilan du gouvernement travailliste en matière de chômage, en utilisant une publicité avec le slogan « Les travaillistes ne travaillent pas ». Des élections générales ont été déclenchées après que le gouvernement de Callaghan ait perdu une motion de censure au début de 1979. Les conservateurs ont remporté une majorité de 44 sièges à la Chambre des communes et ont pris les choses en main. Premier ministre du Royaume-Uni : 1979-1990 Thatcher est devenue Premier ministre le 4 mai 1979. En arrivant au 10 Downing Street, elle a déclaré, dans une paraphrase de la prière de Saint François d'Assise, Faites de moi un instrument de votre paix : Relations avec la reine En tant que Premier ministre, Thatcher rencontrait chaque semaine la reine Elizabeth II pour discuter des affaires du gouvernement, et leurs relations ont fait l’objet d’un examen minutieux. En juillet 1986, le Sunday Times rapportait des allégations attribuées aux conseillers de la reine concernant une « rupture » entre le palais de Buckingham et Downing Street « sur un large éventail de questions nationales et internationales ». Le Palais a publié un démenti officiel, mettant fin aux spéculations sur une éventuelle crise constitutionnelle. Après la retraite de Thatcher, une source haut placée du palais a de nouveau rejeté comme « absurde » l'« idée stéréotypée » selon laquelle elle ne s'entendait pas avec la reine, ou qu'ils s'étaient brouillés à cause de la politique de Thatcher. Thatcher écrivit plus tard : « J'ai toujours trouvé l'attitude de la reine à l'égard du travail du gouvernement absolument correcte... les histoires d'affrontements entre « deux femmes puissantes » étaient tout simplement trop belles pour ne pas être inventées. Économie et fiscalité La politique économique de Thatcher a été influencée par la pensée monétariste et par des économistes tels que Milton Friedman et Alan Walters. Avec le chancelier de l'Échiquier Geoffrey Howe, elle a réduit les impôts directs sur le revenu et augmenté les impôts indirects. Elle a augmenté les taux d'intérêt pour ralentir la croissance de la masse monétaire et ainsi réduire l'inflation, a introduit des limites de liquidités sur les dépenses publiques et a réduit les dépenses en matière de services sociaux tels que l'éducation et le logement. Ses réductions des dépenses dans l'enseignement supérieur ont fait d'elle le premier Premier ministre d'après-guerre formé à Oxford à ne pas recevoir de doctorat honorifique de l'Université d'Oxford, après un vote de 738 contre 319 de l'assemblée dirigeante et une pétition des étudiants. Ses nouveaux City Technology Colleges, financés au niveau central, n'ont pas connu beaucoup de succès et l'Agence de financement des écoles a été créée pour contrôler les dépenses en ouvrant et en fermant des écoles ; la Social Market Foundation, un groupe de réflexion de centre-gauche, l'a décrit comme doté d'« une gamme extraordinaire de pouvoirs dictatoriaux ». Certains conservateurs Heathites du Cabinet, les soi-disant « mouillés », ont exprimé des doutes sur la politique de Thatcher. Les émeutes de 1981 en Angleterre ont amené les médias britanniques à discuter de la nécessité d’un revirement politique. Lors de la conférence du Parti conservateur de 1980, Thatcher a abordé la question directement, avec un discours écrit par le dramaturge Ronald Millar qui comprenait les lignes suivantes : « Vous vous retournez si vous le souhaitez. La dame n'est pas pour se retourner ! Le taux d'approbation du travail de Thatcher est tombé à 23% en décembre 1980, soit un taux inférieur à celui enregistré pour n'importe quel Premier ministre précédent. Alors que la récession du début des années 1980 s'aggravait, elle augmenta les impôts, malgré les préoccupations exprimées dans une déclaration signée par 364 éminents économistes publiée vers la fin mars 1981. En 1982, le Royaume-Uni commença à ressentir des signes de reprise économique ; l'inflation est tombée à 8,6 % après un sommet de 18 %, mais le chômage a dépassé les 3 millions pour la première fois depuis les années 1930. En 1983, la croissance économique globale était plus forte et l'inflation et les taux hypothécaires étaient à leurs plus bas niveaux depuis 1970, même si la production manufacturière avait chuté de 30 % depuis 1978 et que le chômage restait élevé, culminant à 3,3 millions en 1984. En 1987, le chômage diminuait, l’économie était stable et forte et l’inflation était faible. Les sondages d'opinion ont montré une avance confortable des conservateurs et les résultats des élections aux conseils locaux ont également été positifs, ce qui a incité Thatcher à convoquer des élections générales pour le 11 juin de la même année, bien que la date limite pour les élections soit encore dans 12 mois. L'élection a vu Thatcher réélu pour un troisième mandat consécutif. Tout au long des années 1980, les revenus de la taxe de 90 % sur l’extraction pétrolière en mer du Nord ont été utilisés comme source de financement à court terme pour équilibrer l’économie et payer les coûts des réformes. Thatcher a réformé les impôts des collectivités locales en remplaçant les taux nationaux – un impôt basé sur la valeur locative nominale d’une maison – par la taxe communautaire (ou capitation) dans laquelle le même montant était facturé à chaque résident adulte. La nouvelle taxe a été introduite en Écosse en 1989, puis en Angleterre et au Pays de Galles l'année suivante, et s'est avérée être l'une des politiques les plus impopulaires de son mandat de Premier ministre. L'inquiétude du public a culminé avec une manifestation rassemblant 70 000 à 200 000 personnes à Londres le 31 mars 1990 ; la manifestation autour de Trafalgar Square s'est détériorée en émeutes de Poll Tax, faisant 113 blessés et 340 en arrestation. La charge communautaire a été abolie par son successeur, John Major. Relations industrielles Thatcher était déterminée à réduire le pouvoir des syndicats, dont elle accusait les dirigeants de saper la démocratie parlementaire et les performances économiques par des grèves. Plusieurs syndicats ont lancé des grèves en réponse à la législation introduite pour limiter leur pouvoir, mais la résistance a fini par s'effondrer. Seuls 39 % des syndiqués ont voté pour le parti travailliste aux élections générales de 1983. Selon la BBC, Thatcher "a réussi à détruire le pouvoir des syndicats pendant près d'une génération". La grève des mineurs a été la plus grande confrontation entre les syndicats et le gouvernement Thatcher. En mars 1984, le National Coal Board (NCB) a proposé de fermer 20 des 174 mines publiques et de supprimer 20 000 emplois sur 187 000. Les deux tiers des mineurs du pays, dirigés par le Syndicat national des mineurs (NUM) dirigé par Arthur Scargill, ont abattu leurs outils en signe de protestation. Scargill avait refusé d'organiser un scrutin sur la grève, après avoir perdu trois scrutins lors d'une grève nationale (janvier 1982, octobre 1982 et mars 1983). Cela a conduit à déclarer la grève illégale. Thatcher a refusé de répondre aux revendications du syndicat et a comparé le conflit des mineurs au conflit des Malouines deux ans plus tôt, déclarant dans un discours en 1984 : « Nous avons dû combattre l'ennemi à l'extérieur aux Malouines. Nous devons toujours être conscients de l'ennemi à l'intérieur. , ce qui est bien plus difficile à combattre et plus dangereux pour la liberté. » Après un an de grève, en mars 1985, la direction du NUM céda sans parvenir à un accord. Le coût pour l'économie a été estimé à au moins 1,5 milliard de livres sterling, et la grève a été imputée à une grande partie de la chute de la livre sterling par rapport au dollar américain. Le gouvernement a fermé 25 mines de charbon non rentables en 1985, et en 1992, 97 au total avaient été fermées ; celles qui restaient ont été privatisées en 1994. La fermeture éventuelle de 150 mines de charbon, qui ne perdaient pas toutes de l'argent, a entraîné la perte de dizaines de milliers d'emplois et a dévasté des communautés entières. Les mineurs avaient contribué à faire tomber le gouvernement de Heath, et Thatcher était déterminé à réussir là où il avait échoué. Sa stratégie consistant à préparer des stocks de carburant, à nommer Ian MacGregor, un dirigeant antisyndical du BCN, et à garantir que la police soit correctement formée et équipée de matériel anti-émeute, a contribué à sa victoire. Le nombre d'arrêts de travail au Royaume-Uni a culminé à 4 583 en 1979, lorsque plus de 29 millions de journées de travail ont été perdues. En 1984, année de la grève des mineurs, il y en a eu 1 221, entraînant la perte de plus de 27 millions de journées de travail. Les arrêts ont ensuite diminué régulièrement tout au long du reste du mandat de Thatcher ; en 1990, il y a eu 630 jours de travail perdus, soit moins de 2 millions, et ce chiffre a continué à baisser par la suite. Le mandat de Thatcher a été témoin d'une forte baisse du taux de syndicalisation, le pourcentage de travailleurs appartenant à un syndicat passant de 57,3 % en 1979 à 49,5 % en 1985. En 1979 et jusqu'à la dernière année du mandat de Thatcher, l'adhésion syndicale a également diminué. , de 13,5 millions en 1979 à moins de 10 millions. Privatisation La politique de privatisation a été qualifiée d'« ingrédient crucial du thatchérisme ». Après les élections de 1983, la vente des services publics s’est accélérée ; plus de 29 milliards de livres sterling ont été récoltés grâce à la vente d'industries nationalisées et 18 milliards de livres supplémentaires grâce à la vente de logements sociaux. Le processus de privatisation, en particulier la préparation des industries nationalisées à la privatisation, a été associé à de nettes améliorations des performances, notamment en termes de productivité du travail. Certaines des industries privatisées, notamment le gaz, l’eau et l’électricité, constituaient des monopoles naturels pour lesquels la privatisation n’impliquait que peu d’augmentation de la concurrence. Les industries privatisées qui ont fait preuve d’amélioration l’ont parfois fait alors qu’elles étaient encore propriété de l’État. British Steel Corporation, par exemple, a réalisé d’importants gains de rentabilité alors qu’elle était encore une industrie nationalisée sous la présidence nommée par le gouvernement de Ian MacGregor, qui a fait face à l’opposition des syndicats pour fermer des usines et réduire les effectifs de moitié. La réglementation a également été considérablement élargie pour compenser la perte du contrôle direct du gouvernement, avec la création d'organismes de réglementation tels que l'Ofgas, l'Oftel et la National Rivers Authority. Il n’y avait pas de tendance claire quant au degré de concurrence, de réglementation et de performance parmi les industries privatisées ; dans la plupart des cas, la privatisation a profité aux consommateurs en termes de baisse des prix et d'amélioration de l'efficacité, mais les résultats ont été globalement « mitigés ». Thatcher a toujours résisté à la privatisation des chemins de fer et aurait déclaré au secrétaire aux Transports Nicholas Ridley : « La privatisation des chemins de fer sera le Waterloo de ce gouvernement. S'il vous plaît, ne me parlez plus jamais des chemins de fer. Peu avant sa démission, elle a accepté les arguments en faveur de la privatisation de British Rail, que son successeur John Major a mis en œuvre en 1994. L'effet de la privatisation du chemin de fer est contesté, avec une forte croissance du nombre de passagers et une efficacité croissante accompagnées d'importantes subventions publiques et d'inquiétudes concernant les étrangers. sociétés gérant les chemins de fer britanniques. La privatisation des biens publics a été combinée à la déréglementation financière dans le but d'alimenter la croissance économique. Geoffrey Howe a aboli le contrôle des changes en Grande-Bretagne en 1979, permettant ainsi d'investir davantage de capitaux sur les marchés étrangers, et le Big Bang de 1986 a supprimé de nombreuses restrictions sur la Bourse de Londres. Le gouvernement Thatcher a encouragé la croissance dans les secteurs de la finance et des services pour compenser les difficultés de l'industrie manufacturière britannique. Irlande du Nord En 1980 et 1981, les prisonniers de l'Armée républicaine irlandaise provisoire (IRA) et de l'Armée nationale irlandaise de libération (INLA) de la prison de Maze en Irlande du Nord ont mené des grèves de la faim dans le but de retrouver le statut de prisonniers politiques qui avaient été retirés en 1976 par le précédent parti travailliste. gouvernement. Bobby Sands a lancé la grève de 1981, affirmant qu'il jeûnerait jusqu'à la mort à moins que les détenus n'obtiennent des concessions sur leurs conditions de vie. Thatcher a refusé d'accepter un retour au statut politique pour les prisonniers, déclarant que « le crime est un crime, c'est un crime ; ce n'est pas politique », mais le gouvernement britannique a néanmoins contacté en privé les dirigeants républicains dans le but de mettre un terme aux grèves de la faim. Après la mort de Sands et de neuf autres personnes, la grève a pris fin. Certains droits ont été restitués aux prisonniers paramilitaires, mais leur statut politique n'a pas été officiellement reconnu. La violence en Irlande du Nord s'est considérablement intensifiée pendant les grèves de la faim ; en 1982, le politicien du Sinn Féin, Danny Morrison, a décrit Thatcher comme « le plus grand salaud que nous ayons jamais connu ». Thatcher a échappé de peu aux blessures lors d'une tentative d'assassinat de l'IRA dans un hôtel de Brighton tôt le matin du 12 octobre 1984. Cinq personnes ont été tuées, dont l'épouse du ministre John Wakeham. Thatcher séjournait à l'hôtel pour assister à la conférence du Parti conservateur, qui, selon elle, devait s'ouvrir comme prévu le lendemain. Elle a prononcé son discours comme prévu, une décision qui a été largement soutenue dans tout le spectre politique et qui a renforcé sa popularité auprès du public. Le 6 novembre 1981, Thatcher et le Taoiseach irlandais Garret FitzGerald avaient créé le Conseil intergouvernemental anglo-irlandais, un forum de rencontres entre les deux gouvernements. Le 15 novembre 1985, Thatcher et FitzGerald signèrent l'accord anglo-irlandais de Hillsborough, c'est la première fois qu'un gouvernement britannique accordait à la République d'Irlande un rôle consultatif dans la gouvernance de l'Irlande du Nord. En signe de protestation, le mouvement Ulster dit non a attiré 100 000 personnes à un rassemblement à Belfast, Ian Gow a démissionné de son poste de ministre d'État au Trésor de Sa Majesté et les quinze députés unionistes ont démissionné de leur siège parlementaire ; un seul n'a pas été élu lors des élections partielles suivantes du 23 janvier 1986. Environnement Thatcher a soutenu une politique active de protection du climat et a joué un rôle déterminant dans la création de la loi sur la protection de l'environnement de 1990 et dans la fondation du Groupe d'experts intergouvernemental sur l'évolution du climat et du Centre britannique Hadley pour la prévision et la recherche climatiques à Exeter. Alice Bell, [http://www .theguardian.com/environment/blog/2013/apr/09/margaret-thatcher-green-hero « L'histoire de Greenwashing Thatcher est une injustice à la fois envers elle et envers la politique scientifique et technologique »], TheGuardian.com, 9 avril 2013. Thatcher a contribué à inscrire le changement climatique, les pluies acides et la pollution en général au cœur des préoccupations britanniques au début des années 1980. Ses discours comprenaient un discours à la Royal Society le 27 septembre 1988 et à l'Assemblée générale des Nations Unies en novembre 1989. Elle n'a pas assisté au Sommet de la Terre en 1992 et est devenue plus tard sceptique quant à la politique en matière de changement climatique. Affaires étrangères La première crise de politique étrangère de Thatcher est survenue avec l’invasion soviétique de l’Afghanistan en 1979. Elle a condamné l'invasion, a déclaré qu'elle démontrait la faillite d'une politique de détente et a contribué à convaincre certains athlètes britanniques de boycotter les Jeux olympiques de Moscou de 1980. Elle a apporté un faible soutien au président américain Jimmy Carter qui tentait de punir l'URSS par des sanctions économiques. La situation économique de la Grande-Bretagne était précaire et la plupart des pays de l'OTAN étaient réticents à rompre leurs liens commerciaux. Il a été rapporté que son gouvernement avait secrètement fourni à Saddam Hussein du matériel militaire dès 1981. Thatcher s'est étroitement alignée sur la politique de guerre froide du président des États-Unis Ronald Reagan, sur la base de leur méfiance partagée à l'égard du communisme, bien qu'elle se soit fermement opposée à l'invasion de la Grenade par Reagan en octobre 1983. Reagan avait assuré à Thatcher qu'une invasion n'était pas envisagée, et par la suite Thatcher a estimé qu'elle ne pourrait plus jamais pleinement faire confiance à Reagan. Au cours de sa première année en tant que Premier ministre, elle a soutenu la décision de l'OTAN de déployer des missiles de croisière nucléaires américains et des missiles Pershing II en Europe occidentale et a permis aux États-Unis de stationner plus de 160 missiles de croisière à la RAF Greenham Common, à partir du 14 novembre 1983, déclenchant des protestations massives de la part de la RAF. Campagne pour le désarmement nucléaire. Elle a acheté le système de sous-marins lance-missiles nucléaires Trident aux États-Unis pour remplacer Polaris, triplant ainsi les forces nucléaires du Royaume-Uni pour un coût final de plus de 12 milliards de livres sterling (aux prix de 1996-1997). La préférence de Thatcher pour les liens de défense avec les États-Unis s'est manifestée dans l'affaire Westland de janvier 1986, lorsqu'elle a agi avec ses collègues pour permettre au constructeur d'hélicoptères en difficulté Westland de refuser une offre de rachat de la société italienne Agusta en faveur de l'option préférée de la direction, un lien avec Sikorsky Aircraft Corporation. Le secrétaire britannique à la Défense, Michael Heseltine, qui avait soutenu l'accord Agusta, a démissionné en signe de protestation. Le 2 avril 1982, la junte militaire au pouvoir en Argentine ordonna l’invasion des îles Falkland et de la Géorgie du Sud sous contrôle britannique, déclenchant ainsi la guerre des Malouines. La crise qui a suivi a été « un moment déterminant de son mandat de Premier ministre [de Thatcher] ». À la suggestion d'Harold Macmillan et de Robert Armstrong, elle créa et présida un petit cabinet de guerre (officiellement appelé ODSA, Comité d'outre-mer et de défense, Atlantique Sud) pour prendre en charge la conduite de la guerre, qui, les 5 et 6 avril, avait autorisé et envoyé une force opérationnelle navale pour reprendre les îles. L'Argentine s'est rendue le 14 juin et l'opération a été saluée comme un succès.

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L'isoprène, le butyle et le nitrile sont tous des types de substances ?

Rubber

L'isoprène, ou 2-méthyl-1,3-butadiène, est un composé organique courant de formule CH2C(CH3)-CH CH2. Sous sa forme pure, c'est un liquide volatil incolore. L'isoprène est produit par de nombreuses plantes. Événements naturels L'isoprène est produit et émis par de nombreuses espèces d'arbres (les principaux producteurs sont les chênes, les peupliers, l'eucalyptus et certaines légumineuses). La production annuelle d'isoprène émise par la végétation est d'environ 600 millions de tonnes, la moitié provenant d'arbres feuillus tropicaux et le reste provenant principalement d'arbustes. Cela équivaut à peu près aux émissions de méthane et représente environ un tiers de tous les hydrocarbures rejetés dans l’atmosphère. Plantes L'isoprène est fabriqué par la voie du méthyl-érythritol 4-phosphate (voie MEP, également appelée voie non mévalonate) dans les chloroplastes des plantes. L'un des deux produits finaux de la voie MEP, le diméthylallyl pyrophosphate (DMAPP), est catalysé par l'enzyme isoprène synthase pour former de l'isoprène. Par conséquent, les inhibiteurs qui bloquent la voie MEP, comme la fosmidomycine, bloquent également la formation d’isoprène. L'émission d'isoprène augmente considérablement avec la température et atteint son maximum à environ 40 °C. Cela a conduit à l'hypothèse selon laquelle l'isoprène pourrait protéger les plantes contre le stress thermique (hypothèse de thermotolérance, voir ci-dessous). L'émission d'isoprène est également observée chez certaines bactéries et on pense que cela provient de dégradations non enzymatiques du DMAPP. Régulation L'émission d'isoprène dans les plantes est contrôlée à la fois par la disponibilité du substrat (DMAPP) et par l'activité enzymatique (isoprène synthase). En particulier, les dépendances à la lumière, au CO2 et à l'O2 de l'émission d'isoprène sont contrôlées par la disponibilité du substrat, tandis que la dépendance à la température de l'émission d'isoprène est régulée à la fois par le niveau de substrat et l'activité enzymatique. Autres organismes L'isoprène est l'hydrocarbure le plus abondant mesurable dans l'haleine humaine. Le taux de production estimé d'isoprène dans le corps humain est de 0,15 µmol/(kg·h), ce qui équivaut à environ 17 mg/jour pour une personne pesant 70 kg. L'isoprène est courant en faibles concentrations dans de nombreux aliments. Rôles biologiques L'émission d'isoprène semble être un mécanisme utilisé par les arbres pour lutter contre les stress abiotiques. Il a été démontré en particulier que l'isoprène protège contre un stress thermique modéré (~40 °C). Il peut également protéger les plantes contre les grandes fluctuations de température des feuilles. L'isoprène est incorporé et aide à stabiliser les membranes cellulaires en réponse au stress thermique. L'isoprène confère également une résistance aux espèces réactives de l'oxygène. La quantité d'isoprène libérée par la végétation émettrice d'isoprène dépend de la masse des feuilles, de la surface des feuilles, de la lumière (en particulier la densité de flux de photons photosynthétiques, ou PPFD) et de la température des feuilles. Ainsi, pendant la nuit, peu d'isoprène est émis par les feuilles des arbres, alors que les émissions diurnes devraient être importantes lors des journées chaudes et ensoleillées, jusqu'à 25 μg/(g de poids de feuilles sèches)/heure chez de nombreuses espèces de chênes. Les isoprènes sont utilisés dans la monocouche de la membrane cellulaire de nombreuses archées, remplissant l'espace entre les groupes de tête tétraéther du diglycérol. On pense que cela ajoute une résistance structurelle aux environnements difficiles dans lesquels se trouvent de nombreuses archées. Isoprénoïdes Le squelette de l'isoprène peut être trouvé dans des composés naturels appelés terpènes (également appelés isoprénoïdes), mais ces composés ne proviennent pas de l'isoprène lui-même. Les terpènes peuvent être considérés comme des multiples de sous-unités de l'isoprène, et cette perspective est la pierre angulaire de la « règle de l'isoprène ». Le précurseur des unités isoprène dans les systèmes biologiques est le pyrophosphate de diméthylallyle (DMAPP) et son isomère pyrophosphate d'isopentényle (IPP). Le pluriel « isoprènes » est parfois utilisé pour désigner les terpènes en général. Les chaînes d'isoprène se trouvent couramment dans de nombreux oligomères biologiquement actifs tels que la vitamine A. De même, le caoutchouc naturel est composé de chaînes de polyisoprène linéaires de poids moléculaire très élevé et d'autres molécules naturelles. Heinz-Hermann Greve "Rubber, 2. Natural" dans l'Encyclopédie d'Ullmann de Chimie industrielle, 2000, Wiley-VCH, Weinheim. Impact sur les aérosols Après libération, l'isoprène est converti par les radicaux libres (comme le radical hydroxyle) et dans une moindre mesure par l'ozone en diverses espèces, telles que les aldéhydes, les hydroperoxydes, les nitrates organiques et les époxydes, qui se mélangent aux gouttelettes d'eau et contribuent à créer des aérosols et de la brume. Bien que la plupart des experts reconnaissent que les émissions d’isoprène affectent la formation d’aérosols, la question de savoir si l’isoprène augmente ou diminue la formation d’aérosols est débattue. Un deuxième effet majeur de l’isoprène sur l’atmosphère est qu’en présence d’oxydes d’azote (NOx), il contribue à la formation d’ozone troposphérique (basse atmosphère), qui est l’un des principaux polluants atmosphériques dans de nombreux pays. L'isoprène lui-même n'est normalement pas considéré comme un polluant, car il s'agit d'un produit végétal naturel. La formation d'ozone troposphérique n'est possible qu'en présence de niveaux élevés de NOx, qui proviennent presque exclusivement des activités industrielles. L'isoprène peut avoir l'effet inverse et éteindre la formation d'ozone sous de faibles niveaux de NOx. Production industrielle L'isoprène a été isolé pour la première fois par décomposition thermique du caoutchouc naturel. Il est le plus facilement disponible industriellement comme sous-produit du craquage thermique du naphta ou du pétrole, comme produit secondaire dans la production d'éthylène. Environ 800 000 tonnes sont produites chaque année. Environ 95 % de la production d'isoprène est utilisée pour produire du cis-1,4-polyisoprène, une version synthétique du caoutchouc naturel. Le caoutchouc naturel est principalement constitué de poly-cis-isoprène d'un poids moléculaire de 100 000 à 1 000 000. Le caoutchouc naturel contient généralement quelques pour cent d’autres matériaux, tels que des protéines, des acides gras, des résines et des matériaux inorganiques. Certaines sources de caoutchouc naturel, appelées gutta percha, sont composées de trans-1,4-polyisoprène, un isomère structurel qui possède des propriétés similaires, mais pas identiques. Motif structurel L'isoprène est un motif structurel courant dans les systèmes biologiques. Les isoprénoïdes (par exemple les carotènes sont des tétraterpènes) sont dérivés de l'isoprène. Le phytol, le rétinol (vitamine A), le tocophérol (vitamine E), les dolichols et le squalène sont également dérivés de l'isoprène. L'hème A a une queue isoprénoïde et le lanostérol, le précurseur du stérol chez les animaux, est dérivé du squalène et donc de l'isoprène. Les unités isoprène fonctionnelles dans les systèmes biologiques sont le pyrophosphate de diméthylallyle (DMAPP) et son isomère pyrophosphate d'isopentényle (IPP), qui sont utilisés dans la biosynthèse d'isoprénoïdes naturels tels que les caroténoïdes, les quinones, les dérivés du lanostérol (par exemple les stéroïdes) et les chaînes prényles de certains composés (par exemple, chaîne phytol de la chlorophylle).

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Le Taka est l'unité monétaire de base de quel pays ?

Bangladesh

Le taka bangladais (, signe : ou Tk, code : BDT) est la monnaie officielle de la République populaire du Bangladesh. L'émission des billets de 5 et plus est contrôlée par la Banque du Bangladesh, et pour les billets de 1 et 2, qui relèvent de la responsabilité du ministère des Finances du gouvernement du Bangladesh. Le symbole le plus couramment utilisé pour le taka est "" et "Tk", utilisés sur les reçus lors de l'achat de biens et de services. 1 est subdivisé en 100 poisha. Le mot taka en bengali est également couramment utilisé de manière générique pour désigner n'importe quelle monnaie, monnaie ou billet. Ainsi, familièrement, une personne parlant Bangla peut utiliser « taka » pour désigner de l'argent, quelle que soit la devise dans laquelle elle est libellée. Ceci est courant dans l'État indien du Bengale occidental et de Tripura, où le nom officiel de la roupie indienne est « taka ». " aussi. Histoire Le mot taka est dérivé du terme sanskrit tangka (ṭaṃka), qui était une ancienne dénomination des pièces d'argent. Dans la région du Bengale, le terme a toujours été utilisé pour désigner la monnaie. Au 14ème siècle, Ibn Battuta a remarqué que les habitants du sultanat du Bengale appelaient les pièces d'or et d'argent taka au lieu de dinar. 1947-1971 Après la partition du Bengale en 1947, au Bengale oriental, qui devint plus tard l'aile orientale de l'union du Pakistan, rebaptisée Pakistan oriental en 1956, la roupie pakistanaise portait également le mot taka sur les billets et les pièces officielles. Le bengali était l'une des deux langues nationales de l'Union pakistanaise entre 1956 et 1971 (l'autre étant l'ourdou au Pakistan occidental). Le taka bangladais a vu le jour en 1972, un an après l'indépendance de l'aile orientale de l'union, en tant que nation indépendante du Bangladesh. Avant la guerre de libération en 1971, les billets de banque de la Banque d'État du Pakistan circulaient dans tout le Bangladesh et ont continué à être utilisés au Bangladesh même après l'indépendance pendant environ trois mois seulement jusqu'à l'introduction officielle du taka le 4 mars 1972. Pendant la guerre, c'était une pratique non officielle de certains nationalistes bengalis de protester contre la domination pakistanaise en estampillant les billets de banque avec "" et "BANGLA DESH" comme deux mots en bengali ou en anglais. Ces timbres produits localement sont connus pour exister sous plusieurs variétés, tout comme les contrefaçons, alors méfiez-vous des timbres frais sur de vieux billets, des timbres bilingues ou des timbres sur des billets avec des empreintes de Karachi ou de Lahore au lieu de Dhaka. Le 8 juin 1971, le gouvernement pakistanais a déclaré que tous les billets portant de tels timbres n'avaient plus cours légal. En outre, pour éviter que les billets de grande valeur pillés ne perturbent l'économie pakistanaise, le gouvernement a également retiré le cours légal de tous les billets de 100 et 500 roupies. Certaines publications étrangères mentionnent qu'il y avait des surimpressions de tampons « BANGLA DESH » sur différentes coupures de billets de banque pakistanais au cours de la matinée. Il convient de mentionner que les timbres-poste pakistanais ont été tamponnés et utilisés dans tout le Bangladesh jusqu'au 30 mars 1973, mais la Banque du Bangladesh ou le ministère des Finances n'ont jamais émis d'ordre de surimpression ou de tamponnage de la monnaie pakistanaise. Il serait intéressant de noter ici qu'un gang de contrefaçons est actif, qui utilise un « système de lavage », dans lequel les billets de 100 Tk sont lavés avec un type spécial de liquide, et les numéros sont modifiés pour leur donner l'apparence d'un billet de 500 Tk. Depuis 1972 Billets du Trésor * Les premiers billets du Trésor en 1972 pour 1 et les billets de la Banque du Bangladesh pour 5, 10 et 100. * En 1975, les billets de 50 ont été introduits, suivis de 500 en 1977 et de 20 en 1980. * 1 bon du Trésor a été émis jusqu'en 1993, et 2 bons du Trésor ont été introduits en 1989. Billets et émissions En 2000, le gouvernement a émis à titre expérimental des billets en polymère 10 (similaires au dollar australien). Ils se sont toutefois révélés impopulaires et ont été retirés par la suite. À l'heure actuelle, les billets de 1 et 5 sont progressivement remplacés par des pièces de monnaie et, en 2008, le gouvernement a émis 1 000 billets. En 2011, la Bangladesh Bank a commencé à émettre une nouvelle série de billets libellés en 2, 5, 100, 500 et 1 000. Tous sont datés de 2011 et comportent un portrait et un filigrane du Père de la Nation, Bangabandhu Sheikh Mujibur Rahman, le long de l'inscription nationale. Monument du martyr à Savar au centre de la façade. À partir de 2011, la Banque du Bangladesh a introduit de nouveaux billets libellés en 10, 20 et 50 le 7 mars 2012. Les billets portent le portrait de Bangabandhu Sheikh Mujibur Rahman et du Monument national du martyr à Savar sur le devant. Au dos des billets, le 10 représentera la mosquée Baitul Mukarram, le 20 représentera la mosquée Shat Gombuk à Bagherat et les 50 billets représenteront le célèbre tableau de Shilpacharya Jainul Abedin « Labour ». Billets commémoratifs En 2011, la Bangladesh Bank a également introduit un billet de 40 pour commémorer le « 40e anniversaire de la victoire du Bangladesh ». La note commémorative présente un portrait du Père de la Nation, Bangabandhu Sheikh Mujibur Rahman et du Monument national du martyr à Savar au recto, et six hommes armés au verso. Curieusement, ce billet porte un électrotype 10 en filigrane, ce qui indique qu'il a probablement été imprimé sur du papier pour billets de 10 supplémentaires. Le 15 février 2012, la Banque du Bangladesh a introduit un billet de 60 pour commémorer « 60 ans de mouvement national ». La note commémorative mesure 130 x et représente le Shaeed Minar (monument des martyrs) à Dhaka et cinq hommes au dos. Comme le billet commémoratif 40, ce billet porte un électrotype 50 en filigrane. Il a probablement été imprimé sur du papier de 50 billets supplémentaires. Le 26 janvier 2013, la Banque du Bangladesh a émis un billet de 25 pour commémorer le 25e anniversaire (jubilé d'argent) de la Security Printing Corporation (Bangladesh) Ltd. Au recto se trouve le Monument national du martyr à Savar, les dessins de la série précédente du Notes de taka bangladais et ses timbres-poste, trois cerfs tachetés et l'oiseau rouge-gorge (doyel). Au revers se trouve le siège de la Security Printing Corporation. Curieusement, ce billet porte un électrotype 10 en filigrane, ce qui indique qu'il a probablement été imprimé sur du papier pour billets de 10 supplémentaires. Le 8 juillet 2013, la Bangladesh Bank a émis un billet de 100 pour commémorer le 100e anniversaire du Musée national du Bangladesh. La note commémorative présente une plaque en terre cuite du XVIIIe siècle représentant un cavalier au recto et le Musée national du Bangladesh au verso. Pièces de monnaie En 1973, des pièces de monnaie ont été introduites en coupures de 5, 10, 25 et 50 poisha. Les pièces de 1 poisha ont suivi en 1974, les pièces de 1 étant introduites en 1975. Les pièces de 1, 5 et 10 poisha ont été frappées en aluminium, les pièces de 25 et 50 poisha étant frappées en acier et le 1 en cuivre-nickel. Les 5 poisha étaient carrés avec des coins arrondis, tandis que les 10 poisha étaient festonnés. L'acier 5 a été introduit en 1994, tandis qu'une pièce en acier 2 a suivi en 2004. Les pièces de 1 et 5 poisha sont rarement en circulation. Les pièces de 10, 25 et 50 poisha ne circulent pas largement. Seuls les 1, 2 et 5 se retrouvent régulièrement en circulation. Billets de banque Les billets rarement utilisés sont les 1, 25, 40 et 60, et les billets les plus fréquemment utilisés en circulation sont les 2, 5, 10, 20, 50, 100, 500 et 1000. La Banque du Bangladesh a retiré le nouveau billet de 50 après une faute d'orthographe de Shilpacharya Zainul Abedin () qui a été identifiée au dos du billet. Le billet venait d'être introduit le 7 mars, il est donc probable que très peu d'entre eux aient été mis en circulation, même si 2,25 crores de pièces ont été imprimées. Taux d'échange Taux de change historiques Lors de l'indépendance du Bangladesh, la valeur du taka bangladais a été fixée entre 7,5 et 8,0 ৳ pour 1 $ US. À l'exception de l'exercice 1978, la valeur du taka par rapport au dollar américain a diminué chaque année de 1971 jusqu'à la fin de 1987. Pour aider à compenser ce phénomène, le Bangladesh a utilisé pour la première fois le mécanisme de financement compensatoire du Fonds monétaire international au cours de l'exercice 1974. ayant un besoin croissant d'aide, le gouvernement Mujib s'est d'abord montré peu disposé à respecter les conditions du FMI en matière de politique monétaire et budgétaire. Cependant, au cours de l'exercice 1975, le gouvernement a révisé sa position, déclarant une dévaluation du taka de 56 pour cent et acceptant la création du Bangladesh Aid Group par la Banque mondiale. Entre 1980 et 1983, le taka a connu une baisse d'environ 50 pour cent en raison d'une détérioration de la balance des paiements du Bangladesh. Entre 1985 et 1987, le taka a été ajusté par étapes progressives fréquentes, se stabilisant à nouveau autour de 12 pour cent plus bas en termes réels par rapport au dollar américain, mais réduisant en même temps l'écart entre le taux officiel et le taux secondaire préférentiel de 15 pour cent à 7,5. pour cent. Cet ajustement structurel s'est accompagné d'une expansion des échanges commerciaux menés au rythme secondaire, à 53 pour cent des exportations totales et à 28 pour cent des importations totales. Au milieu de 1987, le taux officiel était relativement stable, approchant moins de 31 ৳ pour 1 dollar EU. En janvier 2011, 1 $ US équivalait à environ 72 ৳, au 21 avril 2012, 1 $ US valait près de 82 ৳ et au 9 septembre 2015, 1 $ US valait 77 ৳. Taux de change actuels

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Qui joue Emilio Estevez dans le film « Young Guns » de 1988 ?

Billy the Kid

Emilio Estevez (né le 12 mai 1962) est un acteur, réalisateur et écrivain américain. Il a commencé sa carrière en tant qu'acteur et est bien connu pour être membre du Brat Pack des années 1980, jouant dans The Breakfast Club, St. Elmo's Fire, et également dans le film à succès de 1983 The Outsiders. Il est également connu pour Repo Man, The Mighty Ducks et ses suites, Stakeout, Maximum Overdrive, Bobby (qu'il a également écrit et réalisé) et ses performances dans des films occidentaux tels que Young Guns et sa suite. Début de la vie Estevez est né à Staten Island, l'aîné de l'artiste Janet Templeton et de l'acteur Martin Sheen (né Ramón Estevez). Ses frères et sœurs sont Ramon Estevez, Charlie Sheen (né Carlos Estevez) et Renée Estevez. Les grands-parents paternels d'Estevez étaient des immigrants irlandais et galiciens (espagnols). Son père est un « fervent catholique » et sa mère est une « stricte baptiste du Sud ». Estevez a d'abord fréquenté l'école publique de New York, mais a été transféré dans une prestigieuse académie privée une fois la carrière de son père décollée. Il a vécu dans l'Upper West Side de Manhattan jusqu'à ce que sa famille déménage vers l'ouest en 1968, lorsque son père a été choisi pour Catch-22. Ayant grandi à Malibu, en Californie, Estevez a fréquenté le lycée de Santa Monica. Quand Estevez avait 11 ans, son père a acheté à la famille une caméra portable. Estevez, son frère Charlie et leurs amis du lycée, Sean Penn, Chris Penn, Chad Lowe et Rob Lowe, ont utilisé la caméra pour réaliser des courts métrages, qu'Estevez écrivait souvent. Estevez est également apparu dans "Meet Mr. Bomb", un court métrage anti-nucléaire produit dans son lycée. Emilio avait 14 ans lorsqu'il accompagnait son père aux Philippines, où Sheen tournait Apocalypse Now. Estevez est apparu comme figurant dans Apocalypse Now, mais les scènes ont été supprimées. À leur retour à Los Angeles, Estevez a co-écrit et joué dans une pièce de théâtre sur les vétérans du Vietnam intitulée Echoes of an Era et a invité ses parents à la regarder. Sheen se souvient avoir été étonné par la performance de son fils et "a commencé à réaliser : mon Dieu, il est l'un des nôtres". Après avoir obtenu son diplôme de Santa Monica High en 1980, il a refusé d'aller à l'université et s'est plutôt tourné vers le théâtre. Contrairement à son frère Charlie, Emilio et ses autres frères et sœurs n'ont pas adopté le nom de scène de leur père. Emilio aurait aimé l'assonance des initiales doubles « E » et « ne voulait pas se lancer dans l'entreprise en tant que « fils de Martin Sheen » ». Lorsque son frère a utilisé son nom de naissance Carlos Estevez pour le film Machete Kills, Emilio a mentionné qu'il était fier de son héritage hispanique et qu'il était heureux de n'avoir jamais adopté de nom de scène, suivant les conseils de son père qui regrettait d'avoir adopté le nom de Martin Sheen comme opposé à l'utilisation de son nom de naissance Ramón Estevez. Carrière Son premier rôle était dans un drame produit par l'ordre catholique pauliste. Peu de temps après, il a fait ses débuts sur scène avec son père dans Mister Roberts au dîner-théâtre de Burt Reynolds à Jupiter, en Floride (c'était le seul travail dans lequel son père l'avait jamais placé). Depuis lors, père et fils ont travaillé ensemble dans le film ABC-TV de 1982 sur les mineurs en prison, In the Custody of Strangers, dans lequel Estevez a réalisé le casting. Années Brat Pack Estevez a reçu beaucoup d'attention au cours des années 1980 pour être membre du Brat Pack et a été reconnu comme le chef du groupe de jeunes acteurs. Estevez et Rob Lowe ont créé le Brat Pack lorsqu'ils ont été choisis pour soutenir "Greasers" dans un des premiers films de Brat Pack, The Outsiders, basé sur le roman. Lowe a été choisi pour incarner Sodapop, le frère aîné de C. Thomas Howell, et Estévez pour incarner Two-Bit Matthews, ivre. Pendant la production, il a également abordé son personnage comme un gars décontracté et a imaginé l'intérêt de Two-Bit pour Mickey Mouse, montré par son uniforme de T-shirts Mickey Mouse et ses visionnages de dessins animés. Outre ses rôles dans In the Custody of Strangers et The Outsiders, ses crédits incluent les thrillers Nightmares et Tex de NBC-TV, la version cinématographique de 1982 d'un autre film de S.E. Histoire de Hinton. Il a acheté les droits cinématographiques d'un troisième livre de Hinton, That Was Then, This Is Now, et a écrit le scénario. Son père prédit qu'il devra réaliser pour ressentir toute l'étendue de ses talents, le décrivant comme « un officier, pas un soldat ». Après The Outsiders, Estevez est apparu dans le rôle du punk-rocker devenu récupérateur de voitures Otto Maddox dans le film culte Repo Man avant de jouer dans The Breakfast Club et St. Elmo's Fire. Suite au succès de ces films consécutifs de Brat Pack, il a joué dans That Was Then, This Is Now (qu'il a co-écrit), le film d'horreur Maximum Overdrive (pour lequel il a été nominé pour un Golden Raspberry Award), et le drame policier Wisdom (avec son compatriote Brat Packer Demi Moore). Estevez a été initialement choisi dans Platoon pour être le soldat Chris Taylor, mais a été contraint d'abandonner après que la production ait été retardée de deux ans ; le rôle a finalement été attribué à son jeune frère Charlie Sheen. Il a ensuite joué des rôles principaux dans la comédie/film d'action Stakeout et dans les westerns Young Guns et Young Guns II. Carrière en tant qu'adulte Au début des années 1990, Estevez a réalisé, écrit et joué avec son frère Charlie dans une comédie sur les éboueurs, Men at Work. Estevez a déclaré plus tard : « Les gens viennent me voir dans la rue et me disent : Men at Work est le film le plus drôle que j'ai jamais vu de ma vie. Mais, vous savez, je dois me demander combien de films ces gens ont vu. En 1992, il a retrouvé la longévité de carrière qui avait échappé aux autres Brat Packers en jouant dans The Mighty Ducks dans le rôle de l'entraîneur Gordon Bombay, un avocat et ancienne star pee-wee et prodige du hockey mineur cherchant à oublier le passé, contraint d'entraîner une équipe de hockey pee-wee en tant que forme de service communautaire. Le film s’est avéré être l’une des franchises les plus réussies de Disney. Il a été suivi de deux suites. L'année suivante, Estevez a joué dans trois films : le thriller noir Judgment Night, la comédie parodie Loaded Weapon 1 et le film de comédie/action Another Stakeout, qui était la suite de son précédent film Stakeout. Estevez a joué à plusieurs reprises aux côtés de son père. Il a joué dans (et a également réalisé) le film The War at Home de 1996 dans lequel il incarnait un vétéran de la guerre du Vietnam aux prises avec un trouble de stress post-traumatique, tandis que Sheen jouait son père antipathique. Il a également joué dans un épisode de la série télévisée The West Wing dans le rôle d'une version plus jeune du personnage de son père (Jed Bartlet). Estevez est également apparu dans un rôle non crédité dans le long métrage Mission : Impossible. De 1998 à 1999, il est apparu dans trois téléfilms : le spaghetti Western Dollar for the Dead (1998), la comédie Late Last Night (1999) et Rated X (2000), qu'il a également réalisé. En 2000, Estevez a joué dans Moxie ! Thriller primé Sand dans le cadre d'un ensemble comprenant également Denis Leary, Jon Lovitz, Harry Dean Stanton et Julie Delpy. En 2003, il a fait ses débuts en tant que doublage en participant à la création de la version doublée en anglais des Trois Rois Mages avec son père. Plus tard, Estevez a joué dans The L.A. Riot Spectacular et a également doublé la version anglaise du film Arthur and the Invisibles. En 2008, il a joué dans la sitcom de son frère Two and a Half Men dans le rôle d'un vieil ami du personnage de Charlie Sheen. (Son père Martin Sheen avait également joué en 2005.) Dans une interview un mois après l'hommage rendu aux Oscars 2010 à John Hughes, il a expliqué son absence par timidité publicitaire : "Je n'ai jamais été du genre à sortir pour faire de la publicité sur moi-même. Je n'en ai jamais vu l'utilité." Carrière de réalisateur En plus d'agir, Estevez a également réalisé des émissions de télévision et des films. Il a fait ses débuts en tant que réalisateur avec le film Wisdom, qui a fait d'Emilio la plus jeune personne à avoir jamais écrit, réalisé et joué dans un seul film majeur. Plus récemment, il a réalisé des épisodes des séries télévisées Cold Case, Close to Home, The Guardian, CSI: NY et Numb3rs. Les films qu'il a réalisés incluent Men at Work et The War at Home. Il a réalisé le film Bobby de 2006, dont l'écriture a pris plus de six ans. La production du film l'a presque mis en faillite car le box-office national n'était pas en mesure de couvrir les coûts de production. Le film lui a valu des fans en dehors des États-Unis, principalement en Europe. Il a remporté un Hollywood Film Award et a reçu une standing ovation de 7 minutes au Festival du Film de Venise. Estevez a déclaré qu'il avait plusieurs scénarios qu'il avait écrits et qui n'étaient toujours pas produits. Estevez a déclaré lors d'une interview après l'une des premières projections de Bobby que son prochain film serait probablement Johnny Longshot. Sous Estevez Sheen Productions, une société affiliée à Warner Bros., Emilio a filmé son dernier projet, The Way, en Espagne où il a dirigé son père dans l'histoire d'un homme qui décide de faire le Camino de Santiago après la mort de son fils en les Pyrénées françaises. Il est sorti aux États-Unis le 7 octobre 2011. Vidéos musicales Estevez est apparu dans le clip vidéo "St. Elmo's Fire (Man in Motion)" de John Parr, tiré de la bande originale de son film du même nom, où il a joué Kirby Keger. Le clip mettait en vedette les sept principaux acteurs du film, regardant tristement à travers les fenêtres embuées d'une version délabrée et endommagée par le feu du décor du St. Elmo's Bar. Estevez est un ami proche de Jon Bon Jovi. Il est apparu dans le clip de Bon Jovi "Blaze of Glory" dans le rôle de Billy the Kid. À son tour, Bon Jovi a également fait une apparition dans Young Guns II. "Blaze of Glory" figurait dans la bande originale de Young Guns II et a été nominé pour un Oscar. En 2000, Estevez est apparu dans une autre vidéo de Bon Jovi, "Say It Isn't So", aux côtés de Matt LeBlanc, Claudia Schiffer et Arnold Schwarzenegger. . Le père d'Estevez, Martin Sheen (né Ramon Estevez) est d'origine moitié irlandaise et moitié espagnole, originaire de la région galicienne. Sheen est catholique romain et la mère d'Emilio a été élevée comme baptiste du Sud, et Emilio a déclaré que sa propre religion est un « travail en cours ». Il a également révélé sur son Twitter officiel qu'il était un supporter du South-East London Football Club Millwall F.C. Famille et relations Estevez est le frère aîné de Charlie Sheen et le fils de Martin Sheen. Il entretenait une relation stable avec Carey Salley, mannequin Wilhelmina, jusqu'à leur rupture en 1986. Ils partagent un fils, Taylor Levi Estevez (né le 22 juin 1984) et une fille, Paloma Rae Estevez (née le 15 février 1986). . Il a été brièvement fiancé à l'actrice Demi Moore et ils restent de bons amis. Les deux hommes ont joué le rôle d'un couple marié en conflit dans le film Bobby de 2006, aux côtés du vrai mari de Moore à l'époque, l'acteur Ashton Kutcher. Le 29 avril 1992, Estevez épouse la chanteuse-chorégraphe Paula Abdul. Ils ont divorcé en mai 1994, Abdul déclarant plus tard qu'elle voulait des enfants et Estevez, qui avait déjà deux enfants, n'en avait pas. En 2006, Estevez a annoncé ses fiançailles avec l'écrivain macédonien Sonja Magdevski. Le couple s'est séparé en mars 2015. Filmographie Récompenses et nominations Prix ​​ALMA *1998 : Nominé, « Réalisateur latino exceptionnel d'un long métrage » – The War at Home *1998 : Nominé, "Performance individuelle exceptionnelle dans un rôle croisé dans un long métrage" - The War at Home *2006 : Nominé, "Réalisateur exceptionnel – Film" – Bobby *2006 : Nominé, "Scénario exceptionnel – Film" – Bobby *2006 : Nominé pour le "Meilleur film" – Bobby Prix ​​​​de l'Association des critiques de films de diffusion *2006 : Nominé, "Meilleur casting" – Bobby (partagé avec les co-stars) Prix ​​​​des Golden Globes *2006 : Nominé, "Meilleur film" – Bobby Festival du cinéma hollywoodien *2006 : Gagné, "Ensemble de l'année" - Bobby (partagé avec les co-stars) Prix ​​du patrimoine occidental *1989 : Gagné, "Bronze Wrangler (Theatrical Motion Picture)" – Young Guns (partagé avec John Fusco, Christopher Cain, Lou Diamond Phillips, Charlie Sheen, Kiefer Sutherland) Prix ​​​​de la Phoenix Film Critics Society *2006 : Gagné, « Performance de l'année derrière la caméra – Bobby Prix ​​​​de la Guilde des acteurs de l'écran *2007 : Nominé, "Performance exceptionnelle d'un casting dans un film" – Bobby (partagé avec les co-stars) Prix ​​​​Shorty *2012 : Nominé, Acteur *2012 : Nominé, Directeur Festival du Film de Venise *2006 : Nominé, "Lion d'Or (Meilleur Film)" – Bobby *2006 : Gagné, "Biografilm Award" – Bobby

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Quelle île méditerranéenne a obtenu son indépendance en 1959 sous la présidence de l'archevêque Makarios ?

Chypre

La mer Méditerranée (prononcer) est une mer reliée à l'océan Atlantique, entourée par le bassin méditerranéen et presque entièrement entourée de terres : au nord par le sud de l'Europe et l'Anatolie, au sud par l'Afrique du Nord et à l'est par le Levant. La mer est parfois considérée comme faisant partie de l’océan Atlantique, bien qu’elle soit généralement identifiée comme une étendue d’eau distincte. Le nom Méditerranée est dérivé du latin mediterraneus, signifiant « à l'intérieur des terres » ou « au milieu des terres » (de medius, « milieu » et terra, « terre »). Il couvre une superficie d'environ 2,5 millions de km2 (965 000 milles carrés), mais sa connexion avec l'Atlantique (le détroit de Gibraltar) n'a que 14 km de large. Le détroit de Gibraltar est un détroit étroit qui relie l'océan Atlantique à la mer Méditerranée et sépare Gibraltar et l'Espagne en Europe du Maroc en Afrique. En océanographie, on l'appelle parfois la mer Méditerranée eurafricaine ou la mer Méditerranée européenne pour la distinguer des mers méditerranéennes ailleurs. La mer Méditerranée a une profondeur moyenne de 1 500 m et le point le plus profond enregistré est de 5 267 m dans les profondeurs de Calypso, dans la mer Ionienne. La mer est bordée au nord par l’Europe, à l’est par l’Asie et au sud par l’Afrique. Elle est située entre les latitudes 30° et 46° N et les longitudes 6° W et 36° E. Sa longueur ouest-est, du détroit de Gibraltar au golfe d'Iskenderun, sur la côte sud-ouest de la Turquie, est d'environ 4 000 km ( 2 500 milles). La longueur moyenne de la mer du nord au sud, depuis la côte sud de la Croatie jusqu'à la Libye, est d'environ 800 km (500 miles). La mer Méditerranée, y compris la mer de Marmara (reliée par les Dardanelles à la mer Égée), a une superficie d'environ 2 510 000 kilomètres carrés (970 000 milles carrés). La mer était une route importante pour les marchands et les voyageurs des temps anciens, permettant les échanges commerciaux et culturels entre les peuples émergents de la région. L’histoire de la région méditerranéenne est cruciale pour comprendre les origines et le développement de nombreuses sociétés modernes. Les pays riverains de la mer Méditerranée sont l'Albanie, l'Algérie, la Bosnie-Herzégovine, la Croatie, Chypre, l'Égypte, la France, la Grèce, Israël, l'Italie, le Liban, la Libye, Malte, le Maroc, Monaco, le Monténégro, la Slovénie, l'Espagne, la Syrie et la Tunisie. et la Turquie. En outre, la bande de Gaza en Palestine et les territoires britanniques d'outre-mer de Gibraltar, d'Akrotiri et de Dhekelia ont des côtes sur la mer. Nom Le terme Méditerranée dérive du mot latin mediterraneus, signifiant « au milieu de la terre (remarque : terre dans le sens de « sol », et non planète Terre) » ou « entre les terres » (medi- ; adj. medius, -um -un « milieu , entre" + terra f., "terre, terre") : comme c'est le cas entre les continents d'Afrique, d'Asie et d'Europe. Le nom grec ancien Mesogeios (Μεσόγειος), vient de la même manière de μέσο, ​​"entre" + γη, "terre, terre"). Il peut être comparé au nom grec ancien Mésopotamie (Μεσοποταμία), signifiant « entre les rivières ». La mer Méditerranée porte historiquement plusieurs noms. Par exemple, les Carthaginois l'appelaient la « mer syrienne » et les derniers Romains l'appelaient communément Mare Nostrum (latin, « Notre Mer »), et parfois Mare Internum (Sallust, Jug. 17). Dans les anciens textes syriens, les épopées phéniciennes et dans la Bible hébraïque, elle était principalement connue sous le nom de « Grande Mer » (הַיָּם הַגָּדוֹל, HaYam HaGadol, Nombres 34 :6,7 ; Josué 1 :4, 9 :1, 15 :47 ; Ézéchiel 47 :10,15,20), ou simplement « La mer » (1 Rois 5 :9 ; comp. 1 Macc. 14 :34, 15 :11) ; cependant, elle a également été appelée la « mer gênante » (הַיָּם הָאַחֲרוֹן), en raison de son emplacement sur la côte ouest de la Grande Syrie ou de la Terre Sainte, et donc derrière une personne tournée vers l'est, parfois traduite par « mer occidentale », (Deut. 11 :24 ; Joël 2 :20). Un autre nom était la « Mer des Philistins » (יָם פְּלִשְׁתִּים, Exode 23 :31), du peuple habitant une grande partie de ses rivages près des Israélites. La mer est également appelée la « Grande Mer » (moyen anglais : Grete See) dans le Prologue général de Geoffrey Chaucer. En turc ottoman, on l'appelle également Bahr-i Sefid, ce qui signifie la « Mer Blanche Pure ». En hébreu moderne, on l'appelle HaYam HaTikhon (), « la mer du Milieu », reflétant le nom de la mer en grec ancien (Mesogeios), en latin (Mare internum) et dans les langues modernes d'Europe et du Moyen-Orient (Méditerranée, etc. .). De même, en arabe moderne, elle est connue sous le nom de « (), « la mer du milieu [blanche] », tandis que dans la littérature arabe islamique et plus ancienne, elle était référencée sous le nom de « (), ou « la mer romane/byzantine ». En turc, elle est connue sous le nom d'Akdeniz, « la mer Blanche » puisque chez les Turcs la couleur blanche (ak) représente l'ouest. Histoire Civilisations anciennes Plusieurs civilisations anciennes étaient situées sur les rives de la Méditerranée et ont été fortement influencées par leur proximité avec la mer. Il a fourni des routes pour le commerce, la colonisation et la guerre, ainsi que de la nourriture (provenant de la pêche et de la cueillette d'autres fruits de mer) pour de nombreuses communautés à travers les âges. En raison du climat, de la géologie et de l’accès à la mer communs, les cultures centrées sur la Méditerranée avaient tendance à avoir une certaine mesure de culture et d’histoire étroitement liées. Deux des civilisations méditerranéennes les plus remarquables de l’Antiquité classique étaient les cités-États grecques et les Phéniciens, qui ont toutes deux largement colonisé les côtes de la Méditerranée. Plus tard, lorsqu'Auguste fonda l'Empire romain, les Romains appelèrent la Méditerranée Mare Nostrum (« Notre Mer »). Darius Ier de Perse, qui conquit l'Egypte ancienne, construisit un canal reliant la Méditerranée à la mer Rouge. Le canal de Darius était suffisamment large pour que deux trières puissent se croiser avec les rames déployées, et il fallait quatre jours pour le traverser. Moyen Âge et empires L'empire romain d'Occident s'est effondré vers 476 après JC. Temporairement, l'est a de nouveau dominé lorsque l'empire byzantin s'est formé à partir de la moitié orientale de l'empire romain. Une autre puissance est apparue au VIIe siècle, et avec elle la religion de l'Islam, qui s'est rapidement répandue depuis l'Est ; à son apogée, l’Empire arabe contrôlait 75 % de la région méditerranéenne et laissait une empreinte durable sur ses rives orientales et méridionales. L'Europe était en train de renaître, cependant, à mesure que des États plus organisés et centralisés commençaient à se former à la fin du Moyen Âge, après la Renaissance du XIIe siècle. La puissance ottomane continue de croître et, en 1453, l’Empire byzantin s’éteint avec la conquête de Constantinople. Les Ottomans ont pris le contrôle d'une grande partie de la mer au XVIe siècle et ont maintenu des bases navales dans le sud de la France, en Algérie et en Tunisie. Barberousse, le célèbre capitaine ottoman est un symbole de cette domination avec la victoire de la bataille de Prévéza. La bataille de Djerba marque l’apogée de la domination navale ottomane en Méditerranée. À mesure que les prouesses navales des puissances européennes augmentaient, elles furent confrontées à l’expansion ottomane dans la région lorsque la bataille de Lépante mit fin à la puissance de la marine ottomane. Ce fut la dernière bataille navale menée principalement entre galères. Les pirates barbaresques d’Afrique du Nord s’attaquaient aux navires chrétiens en Méditerranée occidentale. Selon Robert Davis, du XVIe au XIXe siècle, les pirates ont capturé entre 1 et 1,25 million d’Européens comme esclaves. Le développement du transport maritime commence à toucher l’ensemble de la Méditerranée. Autrefois, tout le commerce en provenance de l’Est passait par la région, mais désormais, la circumnavigation de l’Afrique permettait d’importer des épices et d’autres marchandises via les ports atlantiques de l’Europe occidentale. 21ème siècle et migrations En 2013, le président maltais avait qualifié la mer Méditerranée de « cimetière » en raison du grand nombre de migrants qui s'y noient après le chavirage de leurs bateaux. Le président du Parlement européen, Martin Schulz, a déclaré que la politique migratoire européenne a « transformé la Méditerranée en un cimetière », faisant référence au nombre de réfugiés noyés dans la région comme conséquence directe de cette politique. Un responsable azerbaïdjanais a décrit la mer comme « un cimetière... où les gens meurent ». Suite au naufrage du navire de migrants de Lampedusa en 2013, le gouvernement italien a décidé de renforcer le système national de patrouille en mer Méditerranée en autorisant "Mare Nostrum", une mission militaire et humanitaire visant à secourir les migrants et à arrêter les trafiquants d'immigrés. Géographie La mer Méditerranée est reliée à l'océan Atlantique par le détroit de Gibraltar (connu dans les écrits d'Homère sous le nom de « Colonnes d'Hercule ») à l'ouest et à la mer de Marmara et à la mer Noire, respectivement par les Dardanelles et le Bosphore, en l'est. La mer de Marmara est souvent considérée comme faisant partie de la mer Méditerranée, alors que la mer Noire ne l'est généralement pas. Le canal artificiel de Suez, long de 163 km, au sud-est, relie la mer Méditerranée à la mer Rouge. Les grandes îles de la Méditerranée comprennent Chypre, la Crète, l'Eubée, Rhodes, Lesbos, Chios, Céphalonie, Corfou, Limnos, Samos, Naxos et Andros en Méditerranée orientale ; Sardaigne, Corse, Sicile, Cres, Krk, Brač, Hvar, Pag, Korčula et Malte en Méditerranée centrale ; et Ibiza, Majorque et Minorque (les îles Baléares) en Méditerranée occidentale. Le climat typiquement méditerranéen se caractérise par des étés chauds, humides et secs et des hivers doux et pluvieux. Les cultures de la région comprennent les olives, les raisins, les oranges, les mandarines et le liège. Étendue L'Organisation hydrographique internationale définit les limites de la mer Méditerranée comme suit : S'étendant du détroit de Gibraltar à l'ouest jusqu'aux entrées des Dardanelles et du canal de Suez à l'est, la mer Méditerranée est délimitée par les côtes de l'Europe, de l'Afrique et de l'Asie et se divise en deux bassins profonds : *Bassin Ouest : **A l'ouest : Une ligne joignant les extrémités du cap Trafalgar (Espagne) et du cap Spartel (Afrique). **Au nord-est : La côte ouest de l'Italie. Dans le détroit de Messine, ligne joignant l'extrémité nord du cap Paci (15°42'E) au cap Peloro, extrémité est de l'île de Sicile. La côte nord de la Sicile. ** A l'est : Une ligne joignant le Cap Lilibeo à la pointe occidentale de la Sicile (), en passant par Adventure Bank jusqu'au Cap Bon (Tunisie). *Bassin Est : **À l'ouest : Les limites nord-est et est du bassin occidental. **Au nord-est : Une ligne joignant Kum Kale (26°11'E) et le Cap Helles, entrée ouest des Dardanelles. **Au sud-est : L'entrée du canal de Suez. **A l'est : Les côtes de Syrie et de Palestine. (Il convient de noter que la côte mentionnée comme appartenant à la Palestine dans ce document datant de 1953 se trouve à l'intérieur des frontières internationalement reconnues du pays connu sous le nom d'Israël depuis 1948. Parmi les territoires administrés par l'Autorité nationale palestinienne, seule la bande de Gaza a une côte maritime.) Océanographie Le fait d'être presque enclavé affecte les conditions de la mer Méditerranée : par exemple, les marées sont très limitées en raison de la connexion étroite avec l'océan Atlantique. La Méditerranée se caractérise et est immédiatement reconnaissable par sa couleur bleu profond. L'évaporation dépasse largement les précipitations et le ruissellement des rivières en Méditerranée, un fait qui est essentiel à la circulation de l'eau dans le bassin. L'évaporation est particulièrement élevée dans sa moitié orientale, entraînant une baisse du niveau de l'eau et une augmentation de la salinité vers l'est. La salinité à 5 m de profondeur est de 3,8 %. Le gradient de pression pousse l’eau relativement fraîche et peu saline de l’Atlantique à travers le bassin ; il se réchauffe et devient plus salé à mesure qu'il se déplace vers l'est, puis coule dans la région du Levant et circule vers l'ouest, pour déborder sur le détroit de Gibraltar. Ainsi, l'écoulement de l'eau de mer se fait vers l'est dans les eaux de surface du détroit et vers l'ouest en aval ; Une fois dans l’Atlantique, cette eau intermédiaire méditerranéenne chimiquement distincte peut persister à des milliers de kilomètres de sa source. Pays côtiers Les pays suivants ont un littoral sur la mer Méditerranée : *Rive Nord (d’ouest en est) : Espagne, France, Monaco, Italie, Slovénie, Croatie, Bosnie-Herzégovine, Monténégro, Albanie, Grèce et Turquie. *Rive Est (du nord au sud) : Turquie, Syrie, Liban, Israël. *Rive sud (d’ouest en est) : Maroc, Algérie, Tunisie, Libye, Egypte. *Nations insulaires : Malte, Chypre. Plusieurs autres territoires bordent également la mer Méditerranée (d'ouest en est) : le territoire britannique d'outre-mer de Gibraltar, les villes autonomes espagnoles de Ceuta et Melilla et les îles voisines, les zones de souveraineté de Chypre et la bande de Gaza de l'État de Palestine. Les grandes villes (communes) comptant plus de 200 000 habitants bordant la mer Méditerranée sont : Subdivisions Selon l'Organisation hydrographique internationale (OHI), la mer Méditerranée est subdivisée en un certain nombre de masses d'eau plus petites, chacune avec sa propre désignation (d'ouest en est) : *le détroit de Gibraltar ; *la mer d'Alboran, entre l'Espagne et le Maroc ; *la mer des Baléares, entre l'Espagne continentale et ses îles Baléares ; *la mer Ligure entre la Corse et la Ligurie (Italie) ; *la mer Tyrrhénienne entourée par la Sardaigne, la péninsule italienne et la Sicile ; *la mer Ionienne entre l'Italie, l'Albanie et la Grèce ; *la mer Adriatique entre l'Italie, la Slovénie, la Croatie, la Bosnie-Herzégovine, le Monténégro et l'Albanie ; *la mer Égée entre la Grèce et la Turquie. Autres mers Bien qu'elles ne soient pas reconnues par les traités de l'OHI, il existe d'autres mers dont les noms sont d'usage courant depuis l'Antiquité ou aujourd'hui : *la mer de Sardaigne, entre la Sardaigne et les îles Baléares, faisant partie de la mer des Baléares *la mer de Sicile entre la Sicile et la Tunisie, *la mer de Libye entre la Libye et la Crète, *En mer Égée, **la mer de Thrace au nord, **la mer de Myrtoan entre les Cyclades et le Péloponnèse, **la mer de Crète au nord de la Crète, **la mer Icarienne entre Kos et Chios *la mer de Cilicie entre la Turquie et Chypre *la mer Levantine à l'extrémité orientale de la Méditerranée Autres caractéristiques Beaucoup de ces petites mers figurent dans les mythes et le folklore locaux et tirent leurs noms de ces associations. Outre les mers, un certain nombre de golfes et de détroits sont également reconnus : *la baie de Saint George à Beyrouth, Liban *le cap Ras Ibn Hani à Lattaquié, Syrie *le cap Ras al-Bassit au nord de la Syrie. *la baie de Minet el-Beida (« Port Blanc ») près de l'ancienne Ougarit, en Syrie *le détroit de Gibraltar, relie l'océan Atlantique à la mer Méditerranée et sépare l'Espagne du Maroc *la baie de Gibraltar, à l'extrémité sud de la péninsule ibérique *le golfe de Corinthe, une mer fermée entre la mer Ionienne et le canal de Corinthe *le golfe Pagasétique, le golfe de Volos, au sud du golfe Thermaïque, formé par la péninsule du mont Pélion *le golfe Saronique, le golfe d'Athènes, entre le canal de Corinthe et la mer de Mirtoan *le golfe Thermaïque, le golfe de Thessalonique, situé dans la région grecque du nord de la Macédoine *le golfe de Kvarner, Croatie *le Golfe du Lion, sud de la France *le golfe de Valence, à l'est de l'Espagne *le détroit de Messine, entre la Sicile et la pointe de l'Italie *le golfe de Gênes, nord-ouest de l'Italie *le golfe de Venise, nord-est de l'Italie *le golfe de Trieste, nord-est de l'Italie *le golfe de Tarente, sud de l'Italie *le golfe de Salerne, sud-ouest de l'Italie *le golfe de Gaète, sud-ouest de l'Italie *le golfe de Squillace, sud de l'Italie *le détroit d'Otrante, entre l'Italie et l'Albanie *le golfe de Haïfa, nord d'Israël *le golfe de Sidra, entre la Tripolitaine (ouest de la Libye) et la Cyrénaïque (est de la Libye) *le détroit de Sicile, entre la Sicile et la Tunisie *le canal de Corse, entre la Corse et l'Italie *le détroit de Bonifacio, entre la Sardaigne et la Corse *le Golfe d'İskenderun, entre İskenderun et Adana (Turquie) *le golfe d'Antalya, entre les rives ouest et est d'Antalya (Turquie) *la baie de Kotor, au sud-ouest du Monténégro et au sud-est de la Croatie *le canal de Malte, entre la Sicile et Malte *le canal de Gozo, entre l'île de Malte et Gozo 10 plus grandes îles par superficie Climat Température de la mer Géologie L'histoire géologique de la mer Méditerranée est complexe. Reposant sur la croûte océanique, le bassin maritime était autrefois considéré comme un vestige tectonique de l'ancien océan Téthys ; on sait maintenant qu'il s'agit d'un bassin structurellement plus jeune, appelé Néotéthys, qui s'est formé pour la première fois par la convergence des plaques africaine et eurasienne au cours du Trias supérieur et du Jurassique inférieur. Parce qu'il s'agit d'une masse d'eau quasi enclavée dans un climat normalement sec, la Méditerranée est soumise à une évaporation intensive et à des précipitations d'évaporites. La crise de salinité messinienne a commencé il y a environ six millions d'années (ma) lorsque la Méditerranée est devenue enclavée, puis s'est pratiquement asséchée. Au fond du bassin se trouvent des dépôts de sel de plus d'un million de kilomètres cubes, parfois de plus de trois kilomètres d'épaisseur. Les scientifiques estiment que la mer a été remplie pour la dernière fois il y a environ 5,3 millions d'années (ma) en moins de deux ans par la crue de Zanclean. L'eau s'est déversée de l'océan Atlantique par une porte nouvellement percée, désormais appelée le détroit de Gibraltar, à un rythme estimé à environ trois ordres de grandeur (mille fois) supérieur au débit actuel du fleuve Amazone. La mer Méditerranée a une profondeur moyenne de 1 500 m et le point le plus profond enregistré est de 5 267 m dans les profondeurs de Calypso, dans la mer Ionienne. Le littoral s'étend sur 46 000 km. Une crête sous-marine peu profonde (le détroit de Sicile) entre l'île de Sicile et la côte tunisienne divise la mer en deux sous-régions principales : la Méditerranée occidentale, avec une superficie d'environ 850 000 km2 (330 000 mi2) ; et la Méditerranée orientale, d'environ 1,65 million km2 (640 000 mi2). Une caractéristique de la côte méditerranéenne sont les sources ou sources karstiques sous-marines, qui rejettent des eaux souterraines sous pression dans l'eau de mer côtière depuis le dessous de la surface ; l'eau de rejet est généralement fraîche et peut parfois être thermique. Tectonique et analyse paléoenvironnementale Le bassin et le système maritime méditerranéen ont été créés par la collision de l’ancien continent afro-arabe avec le continent eurasien. Alors que l'Afrique-Arabie dérivait vers le nord, elle s'est refermée sur l'ancien océan Téthys qui séparait auparavant les deux supercontinents Laurasia et Gondwana. À peu près à cette époque, au cours du Jurassique moyen, un bassin maritime beaucoup plus petit, appelé Néotéthys, s'est formé peu de temps avant la fermeture de l'océan Téthys à son extrémité ouest (arabe). La large série de collisions a poussé un très long système de montagnes depuis les Pyrénées en Espagne jusqu'aux monts Zagros en Iran dans un épisode de tectonique de construction de montagnes connu sous le nom d'orogenèse alpine. La Néotéthys s'est agrandie au cours des épisodes de collisions (et de plissements et de subductions associés) qui se sont produits au cours des époques Oligocène et Miocène (34 à 5,33 ma); voir l'animation : L'Afrique-Arabie en collision avec l'Eurasie. En conséquence, le bassin méditerranéen est constitué de plusieurs plaques tectoniques étirées en subduction qui constituent le fondement de la partie orientale de la mer Méditerranée. Diverses zones de subduction abritent et forment les dorsales océaniques les plus profondes et les plus majestueuses, à l'est de la mer Ionienne et au sud de la mer Égée. La dorsale centrale de l'Inde s'étend à l'est de la mer Méditerranée, au sud-est, à travers l'entre-deux de l'Afrique et de la péninsule arabique jusqu'à l'océan Indien. Néanmoins, alors que les troubles et le chaos géopolitiques d'origine humaine ont gouverné les côtes de nombreux pays méditerranéens au cours de l'histoire ancienne, moderne, présente et prévisible, le statut tectonique des plaques des nations bordant la mer Méditerranée se retrouvera à partager les mêmes préoccupations géologiques et destin. Crise de salinité messinienne Au cours du Mésozoïque et du Cénozoïque, alors que le coin nord-ouest de l'Afrique convergeait vers la péninsule ibérique, il soulevait les chaînes de montagnes Bétique-Rif à travers le sud de la péninsule ibérique et le nord-ouest de l'Afrique. Là, le développement des bassins intramontagnards du Bétique et du Rif a conduit à la création de deux portes maritimes à peu près parallèles entre l'océan Atlantique et la mer Méditerranée. Surnommés couloirs Bétique et Rifien, ils se sont progressivement fermés au cours du Miocène moyen et supérieur ; peut-être plusieurs fois. À la fin du Miocène, la fermeture du corridor bétique a déclenché ce que l'on appelle la « crise de salinité messinienne » (MSC), lorsque la Méditerranée s'est presque entièrement asséchée. L'époque du début du MSC a été récemment estimée astronomiquement à 5,96 Ma, et elle a persisté pendant environ 630 000 ans jusqu'à environ 5,3 Ma ; voir Animation : Crise de salinité messinienne, à droite. Après le rabattement et la réinondation initiaux ont suivi d'autres épisodes (le nombre total est débattu) de rabattements et de réinondations de la mer pendant toute la durée du MSC. Cela a pris fin lorsque l'océan Atlantique a inondé le bassin pour la dernière fois, créant le détroit de Gibraltar et provoquant l'inondation de Zanclean, à la fin du Miocène (5,33 ma). Certaines recherches ont suggéré qu'un cycle de dessiccation-inondation-dessiccation aurait pu se répéter plusieurs fois, ce qui pourrait expliquer plusieurs événements de dépôt de grandes quantités de sel. Des études récentes montrent cependant qu’un dessèchement et une réinondation répétés sont peu probables d’un point de vue géodynamique. Garcia-Castellanos, D., A. Villaseñor, 2011. Crise de salinité messinienne régulée par une tectonique concurrente et l'érosion de l'arc de Gibraltar. Nature, 15/12/2011 [https://docs.google.com/uc?id 0B_xuyENh5ksFN2MwYWE5YjUtNzNkOS00OGZlLWFkMDYtOWMxYTViYjRiZjc0&exportdownload&hl en pdf ici] [https://sites.google.com/site/daniggcc/publications Link] Dessiccation et échanges de flore et de faune La porte d'entrée actuelle de l'Atlantique, à savoir le détroit de Gibraltar, est née au début du Pliocène via le déluge de Zancléen. Comme mentionné, deux autres portes ont précédé Gibraltar : le couloir bétique qui traverse le sud de l’Espagne et le couloir rifien qui traverse le nord du Maroc. L'ancienne porte d'entrée a fermé environ six (6) millions d'années, provoquant la crise de salinité messinienne (MSC) ; cette dernière ou peut-être les deux portes se sont fermées au début de l'époque tortonienne, provoquant une « crise de salinité tortonienne » (de 11,6 à 7,2 millions d'années), qui s'est produite bien avant le MSC et a duré beaucoup plus longtemps. Les deux « crises » ont abouti à de larges connexions entre les continents d’Afrique et d’Europe, qui ont ainsi normalisé les migrations de la flore et de la faune – en particulier des grands mammifères, dont les primates – entre les deux continents. La crise vallésienne indique une extinction et un remplacement typiques d'espèces de mammifères en Europe à l'époque tortonienne suite à des bouleversements climatiques et à des migrations terrestres de nouvelles espèces ; voir Animation : Crise de salinité messinienne (et migrations de mammifères), à droite. La configuration presque totalement fermée du bassin méditerranéen a permis aux portes océaniques de dominer la circulation de l’eau de mer et l’évolution environnementale de la mer et du bassin. Les modèles de circulation sont également affectés par plusieurs autres facteurs, notamment le climat, la bathymétrie, la chimie et la température de l'eau, qui sont interactifs et peuvent induire une précipitation d'évaporites. Des dépôts d'évaporites se sont accumulés plus tôt dans l'avant-profond voisin des Carpates au cours du Miocène moyen et dans le bassin adjacent de la mer Rouge (au cours du Miocène supérieur) et dans l'ensemble du bassin méditerranéen (au cours du MSC et de l'âge messinien). Des diatomites se trouvent régulièrement sous les dépôts d’évaporites, suggérant un lien entre leurs genèses. Aujourd’hui, l’évaporation de l’eau de mer de surface (production) est supérieure à l’apport (entrée) d’eau douce par les précipitations et les systèmes de drainage côtiers, ce qui fait que la salinité de la Méditerranée est bien plus élevée que celle de l’Atlantique – à tel point que la Méditerranée, plus salée, Les eaux coulent sous les eaux arrivant de l'Atlantique, provoquant un écoulement à deux couches à travers le détroit de Gibraltar : c'est-à-dire un courant sous-marin sortant d'eau chaude et salée de la Méditerranée, contrebalancé par un courant de surface entrant d'eau océanique froide moins salée en provenance de l'Atlantique. La proposition de projet Atlantropa d'Herman Sörgel dans les années 1920 proposait la construction d'un barrage hydroélectrique sur le détroit de Gibraltar, utilisant le courant entrant pour fournir une grande quantité d'énergie hydroélectrique. Le réseau énergétique sous-jacent était également destiné à soutenir une union politique entre l’Europe et, au moins, la partie marghrébine de l’Afrique (comparez Eurafrika pour l’impact ultérieur et Desertec pour un projet ultérieur avec quelques parallèles dans le réseau prévu). Passage à un « climat méditerranéen » La fin du Miocène marque également un changement du climat du bassin méditerranéen. Les preuves fossiles de cette période révèlent que le plus grand bassin avait un climat subtropical humide avec des précipitations en été soutenant les forêts de lauriers. Le passage à un « climat méditerranéen » s'est produit en grande partie au cours des trois derniers millions d'années (à la fin du Pliocène), à ​​mesure que les précipitations estivales diminuaient. Les forêts de lauriers subtropicales ont reculé ; et même si elles persistaient sur les îles de Macaronésie au large de la côte atlantique de la péninsule ibérique et de l'Afrique du Nord, la végétation méditerranéenne actuelle a évolué, dominée par des conifères et des arbres et arbustes sclérophylles avec de petites feuilles dures et cireuses qui empêchent la perte d'humidité pendant les étés secs. . Une grande partie de ces forêts et zones arbustives ont été altérées au point de devenir méconnaissables par des milliers d’années d’habitation humaine. Il existe aujourd’hui très peu d’espaces naturels relativement intacts dans ce qui était autrefois une région fortement boisée. Paléoclimat En raison de sa position latitudinale et de sa configuration enclavée, la Méditerranée est particulièrement sensible aux variations climatiques induites par l'astronomie, qui sont bien documentées dans ses archives sédimentaires. Étant donné que la Méditerranée est impliquée dans le dépôt de poussières éoliennes du Sahara pendant les périodes sèches, alors que les apports détritiques fluviaux prédominent pendant les périodes humides, les séquences marines méditerranéennes contenant des sapropelles fournissent des informations climatiques à haute résolution. Ces données ont été utilisées pour reconstruire des échelles de temps astronomiquement calibrées pour les 9 derniers Ma de l'histoire de la Terre, contribuant ainsi à limiter le temps des inversions géomagnétiques passées. De plus, la précision exceptionnelle de ces enregistrements paléoclimatiques a amélioré notre connaissance des variations orbitales de la Terre dans le passé. Écologie et biote En raison de l'assèchement de la mer lors de la crise de salinité messinienne, le biote marin de la Méditerranée provient principalement de l'océan Atlantique. L'Atlantique Nord est considérablement plus froid et plus riche en nutriments que la Méditerranée, et la vie marine de la Méditerranée a dû s'adapter à ses différentes conditions au cours des cinq millions d'années qui se sont écoulées depuis la reinondation du bassin. La mer d'Alboran est une zone de transition entre les deux mers, contenant un mélange d'espèces méditerranéennes et atlantiques. La mer d'Alboran abrite la plus grande population de grands dauphins de la Méditerranée occidentale, abrite la dernière population de marsouins communs de la Méditerranée et constitue l'aire d'alimentation la plus importante pour les tortues caouannes en Europe. La mer d'Alboran abrite également d'importantes pêcheries commerciales, notamment de sardines et d'espadon. Les phoques moines de Méditerranée vivent dans la mer Égée en Grèce. En 2003, le Fonds mondial pour la nature a exprimé ses inquiétudes concernant la pêche généralisée au filet dérivant, qui met en danger les populations de dauphins, de tortues et d'autres animaux marins. Histoire environnementale Depuis 4 000 ans, l'activité humaine a transformé la majeure partie de l'Europe méditerranéenne, et « l'humanisation du paysage » s'est superposée à l'apparition du climat méditerranéen actuel. L’image d’une notion simpliste et déterministe environnementale d’un paradis méditerranéen sur Terre dans l’Antiquité, détruit par les civilisations ultérieures, remonte au moins au XVIIIe siècle et a été pendant des siècles à la mode dans les cercles archéologiques et historiques. Basé sur une grande variété de méthodes, par ex. documents historiques, analyse des relations commerciales, des sédiments des plaines inondables, du pollen, des cernes des arbres et d'autres analyses archéométriques et études de population, les travaux d'Alfred Thomas Grove et Oliver Rackham sur "La nature de l'Europe méditerranéenne" remettent en question cette sagesse commune d'une Europe méditerranéenne en tant que " Lost Eden", une région autrefois fertile et boisée, progressivement dégradée et désertifiée par la mauvaise gestion humaine. Cette croyance vient davantage de l’incapacité du paysage récent à être à la hauteur du passé imaginaire des classiques idéalisé par les artistes, poètes et scientifiques du début des Lumières modernes. L’évolution historique du climat, de la végétation et du paysage du sud de l’Europe, depuis la préhistoire jusqu’à nos jours, est beaucoup plus complexe et a subi divers changements. Par exemple, une partie de la déforestation avait déjà eu lieu avant l’époque romaine. Alors qu'à l'époque romaine, de grandes entreprises telles que les Latifundium s'occupaient efficacement des forêts et de l'agriculture, les effets de dépopulation les plus importants se sont produits avec la fin de l'empire. Certains supposent que la déforestation majeure a eu lieu à l'époque moderne ; les modèles d'utilisation ultérieurs étaient également très différents, par exemple. dans le sud et le nord de l'Italie. En outre, le climat a généralement été instable et a montré divers « petits âges glaciaires » anciens et modernes, et la couverture végétale s'est adaptée à divers extrêmes et est devenue résiliente à l'égard de divers modèles d'activité humaine. L’humanisation n’a donc pas été la cause du changement climatique mais l’a suivi. La grande diversité écologique typique de l’Europe méditerranéenne repose principalement sur le comportement humain, car elle est et a été des modèles d’utilisation humaine étroitement liés. La gamme de diversité a été renforcée par les échanges et l'interaction généralisés de l'agriculture locale de longue date et très diversifiée, les relations de transport et commerciales intenses, ainsi que l'interaction avec les établissements humains, les pâturages et d'autres utilisations des terres. Cependant, les plus grands changements induits par l'homme sont survenus après la Seconde Guerre mondiale, respectivement en lien avec le « syndrome des années 1950 », lorsque les populations rurales de toute la région ont abandonné les économies de subsistance traditionnelles. Grove et Rackham suggèrent que les habitants ont abandonné les modèles agricoles traditionnels pour jouer un rôle d'agents de mise en scène pour les voyageurs (touristiques) alors beaucoup plus importants. Cela a abouti à des formations plus monotones et à grande échelle. Parmi les autres menaces importantes qui pèsent actuellement sur les paysages méditerranéens figurent le surdéveloppement des zones côtières, l'abandon des montagnes et, comme mentionné, la perte de variété due à la réduction des activités agricoles traditionnelles. La nature de l'Europe méditerranéenne : une histoire écologique, par Alfred Thomas Grove, Oliver Rackham, Yale University Press, 2003, [http://yalepress.yale.edu/book.asp?isbn9780300100556 revue à Yale University Press] [https://muse.jhu.edu/login?auth 0&typerésumé&url /journals/journal_of_interdhistoric_history/v032/32.3fagan.pdfLa nature de l'Europe méditerranéenne : une histoire écologique (revue) Brian M. Fagan, Journal of Interdgraduate History, Volume 32, Numéro 3, hiver 2002, pp. 454-455 |] Risques naturels La région est confrontée à une variété de risques géologiques qui ont étroitement interagi avec l’activité humaine et les modèles d’utilisation des terres. Entre autres, en Méditerranée orientale, l'éruption de Thera, datée du 17ème ou 16ème siècle avant JC, a provoqué un grand tsunami qui, selon certains experts, a dévasté la civilisation minoenne sur l'île voisine de Crète, ce qui a amené certains à croire que cela pourrait avoir été dû à l'éruption de Théra. la catastrophe qui a inspiré la légende de l'Atlantide. Le Vésuve est le seul volcan actif du continent européen, tandis que d'autres, comme l'Etna et le Stromboli, se trouvent sur les îles voisines. La région autour du Vésuve, y compris la caldeira des Champs Phlégréens à l'ouest de Naples, est très active et constitue la région volcanique la plus densément peuplée du monde et des événements éruptifs peuvent survenir d'ici quelques décennies. Le Vésuve lui-même est considéré comme assez dangereux en raison de sa tendance aux éruptions explosives (pliniennes). Il est surtout connu pour son éruption en 79 après J.-C. qui a conduit à l’enterrement et à la destruction des villes romaines de Pompéi et d’Herculanum. La vaste expérience des États membres et des autorités régionales a conduit à des échanges au niveau international avec la coopération d'ONG, d'États, d'autorités régionales et municipales et de particuliers. Présentation d'Eric van der Horst de 2011 sur divers efforts de PROTECTION CIVILE EUROPÉENNE de l'UE 2011] La diplomatie sismique gréco-turque est un exemple assez positif de risques naturels conduisant à une amélioration des relations entre rivaux traditionnels dans la région après les tremblements de terre d'Izmir et d'Athènes en 1999. L'Union européenne Le Fonds de solidarité de l'Union (FSUE) a été créé pour répondre aux catastrophes naturelles majeures et exprimer la solidarité européenne envers les régions sinistrées de toute l'Europe. La plus grande partie des demandes de fonds dans l'UE est destinée aux incendies de forêt, suivis par les inondations et les tremblements de terre. Les incendies de forêt sont, qu'ils soient d'origine humaine ou naturelle, un danger souvent récurrent et dangereux.

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Dans quel pays d'Europe Wanlockhead est le village le plus haut ?

Écosse

Wanlockhead est un village de Dumfries et Galloway, en Écosse, niché dans les Lowther Hills et à 1,6 km au sud de Leadhills, à la tête du Mennock Pass, qui fait partie des Southern Uplands. C'est le village le plus haut d'Écosse avec une hauteur moyenne de 1 531 pieds et il est accessible via la B797, depuis l'A76 et la M74. Histoire Le village s'appelait Winlocke jusqu'en 1566. Wanlockhead doit son existence aux gisements de plomb et d'autres minéraux des collines environnantes. Ces gisements furent exploités pour la première fois par les Romains et, à partir du XIIIe siècle, ils recommencèrent à être exploités en été. Le village a été fondé définitivement en 1680 lorsque le duc de Buccleuch a construit une fonderie de plomb et des maisons d'ouvriers. Le plomb, le zinc, le cuivre et l'argent étaient extraits à proximité, ainsi que l'or le plus pur au monde (22,8 carats), utilisé pour fabriquer la couronne écossaise. Wanlockhead est devenu connu comme « le trésor de Dieu » en raison de la richesse de ses ressources minérales. Malgré un chemin de fer secondaire (voir Leadhills & Wanlockhead Railway), également le plus haut d'Écosse, qui a desservi le village de 1901 à 1939, l'exploitation minière du plomb a décliné au 20e siècle et s'est terminée dans les années 1950. Le village possédait un club de curling fondé en 1777, ainsi que des palets, des clubs de bowling, une troupe de théâtre et un orchestre d'argent doté d'instruments achetés pour eux par le duc de Buccleuch. William Symington était originaire de Leadhills, mais vivait et travaillait à Wanlockhead. Sa renommée réside dans le fait qu'il a conçu le moteur utilisé pour propulser le premier bateau à vapeur au monde. Ce bateau a été testé avec succès sur le Dalswinton Loch près d'Ellisland le 14 octobre 1788. Dalswinton était la maison du propriétaire de Robert Burns, Patrick Miller. Robert Brûlures Robert Burns et un associé, Thomas Sloan, visitèrent Wanlockhead au cours de l'hiver 1789-1790. Le temps était très glacial et ils ont décidé de faire « dépolir » les fers de leurs chevaux, c'est-à-dire affûtés pour augmenter l'adhérence. Ils durent attendre leur tour et se réfugièrent au Ramage's Inn, où Burns écrivit un poème intitulé Pegasus at Wanlockhead. Pegasus était le nom du cheval de Burns. Burns visita également Wanlockhead en janvier 1792 afin d'explorer les mines de plomb. Il était accompagné de Maria Riddell, la sœur de Robert Riddell de Friar's Carse. Ils déjeunèrent à Sanquhar puis prirent une chaise poste jusqu'aux mines. Ils ont parcouru une distance considérable dans les mines, bravant d'abord les conditions sombres, humides et exiguës ; cependant, ils ont dû faire demi-tour car Burns trouvait l'air pauvre très pénible. Burns n'a pas enregistré cette visite, mais Maria a inclus les détails dans une lettre. Installations Le village abrite aujourd'hui un important musée minier et des équipements industriels du XVIIIe siècle et constitue une destination touristique prisée. Wanlockhead se trouve sur le Southern Upland Way, un sentier pédestre qui commence traditionnellement à Portpatrick sur la côte ouest, à Dumfries & Galloway, et se termine à 341 km environ à Cockburnspath sur la côte est, dans les frontières écossaises. Le village abrite également le pub le plus haut d'Écosse, le Wanlockhead Inn, ouvert en 2003 ; un ancien pub situé sur une piste s'élevant de l'autre côté de la route principale traversant le village était considérablement plus haut, mais a fermé ses portes à la fin des années 1990. Le village est le décor de la série dramatique télévisée de la BBC, Hope Springs. Bibliothèque Wanlockhead La bibliothèque des mineurs de Wanlockhead est la deuxième plus ancienne bibliothèque par abonnement d'Europe et a été créée le 1er novembre 1756 avec 32 membres masculins qui ont principalement financé l'achat des livres, etc. une contribution a également été apportée par les sociétés minières qui étaient désireuses d'encourager de tels actes d'« auto-amélioration » parmi les mineurs. Le duc de Buccleuch, en tant que propriétaire foncier, était l'un des principaux mécènes de la bibliothèque. La bibliothèque a joué un rôle essentiel en facilitant un niveau de réussite scolaire permettant à certains mineurs et à leurs enfants d’échapper au labeur du travail minier. L'école abritait d'abord la bibliothèque, mais à mesure que le nombre de livres augmentait, il devint nécessaire en 1787 de déplacer la bibliothèque dans un chalet donné expressément à cet effet par les surveillants des mines. Cependant, le chalet était petit et il s'est avéré nécessaire de construire un bâtiment plus grand. Le nombre de livres achetés par abonnement a finalement dépassé les 2 000 et en 1851, une nouvelle bibliothèque a été construite et existe encore aujourd'hui. La bibliothèque des mineurs est devenue une collection reconnue d'importance nationale en octobre 2007. Cimetière de Meadowfoot Celui-ci se trouve à environ 1,6 km du village et date de 1751. Avant que Wanlockhead n'ait son propre cimetière, les cercueils devaient être transportés le long d'une route typique des cadavres sur 13 km jusqu'au cimetière le plus proche, qui se trouvait à Sanquhar. William Philip Minder, décédé le 2 avril 1751 à l'âge de 10 mois seulement, fut la première inhumation sur le lieu de sépulture nouvellement ouvert. Moteur à faisceau Le moteur à poutre et les pompes à eau ont été introduits à Wanlockhead en 1745. L'histoire du moteur à poutre n'est pas certaine, mais des récits de moteurs similaires ont été enregistrés dans une mine de charbon à Canonbie, Dumfriesshire dans les années 1790. Le moteur à poutre Wanlockhead a été construit, semble-t-il, au milieu du 19e siècle et est le seul exemple durable d'un moteur de pompage à seau d'eau que l'on puisse voir aujourd'hui dans une mine au Royaume-Uni. Le moteur à poutre permettait aux mineurs de continuer à travailler dans la mine de Straitsteps et, en supposant qu'il y avait deux coups de poutre par minute, ce moteur aurait été capable de soulever environ 7 280 litres par heure et, nécessitant peu d'attention, il aurait dû le faire vingt -quatre heures par jour. Le seau en bois était alimenté par une citerne au-dessus et une fois que le poids de l'eau était supérieur à celui de l'eau au-dessus du piston de la pompe, la poutre était soulevée, transportant l'eau jusqu'à 28 mètres sous terre dans un ponceau bordé de bois qui l'emportait vers le lieu voisin. brûler. Périodiquement, le poids du piston était ajusté de manière à ce qu'il reste plus lourd que le seau vide, garantissant ainsi que la poutre tombait pour recommencer le cycle. Le secrétaire d'État chargé de l'Écosse a assumé en 1972 la tutelle du moteur à poutre, ce qui en a fait le troisième monument industriel d'Écosse. Historic Scotland possède et entretient le moteur. Un modèle fonctionnel du moteur se trouve au Museum of Scottish Lead Mining.

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Quel pays européen a accueilli les Jeux Olympiques d'hiver de 1956 ?

Italie

Les Jeux olympiques d'hiver de 1956, officiellement connus sous le nom de VIIes Jeux olympiques d'hiver (français : Les VIIes Jeux olympiques d'hiver) (italien : VII Giochi olimpici invernali), étaient un événement multisports d'hiver célébré à Cortina d'Ampezzo, en Italie. Cette célébration des Jeux a eu lieu du 26 janvier au 5 février 1956. Cortina, à qui l'on avait initialement attribué les Jeux olympiques d'hiver de 1944, a battu Montréal, Colorado Springs et Lake Placid pour le droit d'accueillir les Jeux de 1956. Les Jeux de Cortina étaient uniques dans la mesure où de nombreux sites étaient situés à distance de marche les uns des autres. Le comité d'organisation a reçu un soutien financier du gouvernement italien pour améliorer les infrastructures, mais le reste des coûts des Jeux a dû être financé par des fonds privés. Par conséquent, le comité organisateur a été le premier à s'appuyer fortement sur le parrainage d'entreprises pour son financement. Trente-deux nations – le plus grand nombre de pays participants aux Jeux olympiques d'hiver à ce jour – ont concouru dans les quatre sports et vingt-quatre épreuves. L'Union soviétique a fait ses débuts aux Jeux olympiques d'hiver et a remporté plus de médailles que n'importe quelle autre nation. L'Autrichien Toni Sailer est devenu la première personne à remporter les trois épreuves de ski alpin lors d'une seule édition des Jeux olympiques. La compétition de patinage artistique s'est déroulée en plein air pour la dernière fois à ces Jeux. Sur le plan logistique, le seul problème rencontré a été le manque de neige lors des épreuves de ski alpin. Pour remédier à cela, l'armée italienne a transporté de grandes quantités de neige afin de garantir une couverture adéquate des parcours. La politique n’a pas eu d’impact sur les Jeux d’hiver de 1956 comme lors des Jeux d’été de Melbourne, en Australie, où la réponse soviétique au soulèvement hongrois et à la guerre de Suez a poussé de nombreux pays à boycotter les Jeux. Les Jeux olympiques de Cortina ont été les premiers Jeux olympiques d'hiver télévisés devant un public multinational. Étant donné que les pays communistes disposaient d'une technologie supérieure, les pays d'Europe occidentale comme la Finlande et quelques zones géographiques isolées de l'Allemagne de l'Ouest et de l'Autriche n'ont pu recevoir que les retransmissions communistes des Jeux. Cela a été perçu comme une victoire significative pour les Soviétiques sur le front de la propagande de la guerre froide, même si l’Europe occidentale (y compris la majeure partie de l’Allemagne de l’Ouest et l’Autriche) recevait le signal de diffusion de l’Eurovision. Sélection de la ville hôte Cortina d'Ampezzo est une station de ski située dans les Alpes Dolomites, au nord-est de l'Italie. En 1956, elle comptait 6 500 habitants. Le comte Alberto Bonacossa, skieur alpin accompli, patineur artistique et membre du Comité International Olympique (CIO) depuis 1925, a été le fer de lance des efforts visant à amener les Jeux Olympiques à Cortina d'Ampezzo. Findling et Pelle (1996), p. 258 Il persuada le conseil municipal de Cortina de se porter candidat aux Jeux de 1944. Lors du 38e Congrès du CIO tenu à Londres en 1939, Cortina d'Ampezzo se vit attribuer les Jeux olympiques d'hiver de 1944, mais les Jeux furent annulés en raison du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale. En 1946, la Fédération italienne des sports d'hiver s'est réunie à Milan et a décidé de soutenir une nouvelle tentative de Cortina d'accueillir les Jeux d'hiver. Une délégation, dirigée par le comte Bonacossa, a présenté la candidature de Cortina pour accueillir les Jeux olympiques d'hiver de 1952 lors de la 40e Session du CIO à Stockholm, en Suède. Ils étaient soutenus par le conseil municipal et le Comité national olympique italien (CONI, Comitato Olimpico Nazionale Italiano). Une offre rivale d'Oslo, en Norvège, a largement battu Cortina. Le Comte Bonacossa et le CONI préparèrent une troisième candidature, cette fois pour les Jeux d'hiver de 1956. La sélection de la ville hôte a eu lieu à Rome, lors de la 43e Session du CIO. Le 28 avril 1949, Cortina d'Ampezzo fut sélectionnée avec 75 % des voix, face aux offres de Montréal, Colorado Springs et Lake Placid. Malheureusement, Bonacossa décède le 30 janvier 1953, trois ans avant de pouvoir voir Cortina accueillir les Jeux. Organisation Les Jeux olympiques d'hiver de 1956 ont été organisés par un comité composé de membres du Comité national olympique italien et du gouvernement italien. Des observateurs ont été envoyés aux Jeux d'Oslo en 1952 pour recueillir des informations sur le programme sportif, les infrastructures et les besoins en matière d'hébergement. Comitato Olimpico Nazionale Italiano (1956), pp. 117-118. Les renseignements recueillis là-bas ont indiqué que les installations de Cortina n'étaient pas conformes aux normes olympiques. . La ville ne possédait ni patinoire, ni patinoire de vitesse ; les pistes de ski alpin, de saut à ski et de bobsleigh étaient en mauvais état. Cortina était un petit village et ses infrastructures seraient submergées par la foule attendue pour les Jeux. Pour accueillir l'afflux de personnes, de nouvelles routes et lignes ferroviaires ont dû être construites, et le réseau électrique et les lignes téléphoniques de la ville ont été étendus. Des améliorations ont également dû être apportées à la capacité des égouts et de l'eau. Findling et Pelle (1996), p. 259-260 Le gouvernement italien a fourni 460 millions de livres italiennes pour l'amélioration des infrastructures. Le Comité olympique italien était responsable du financement du reste des coûts liés à l'accueil des Jeux. Pour ce faire, ils ont mis de côté des fonds provenant de leur propre budget, de la vente de billets et même en récupérant des fonds provenant des pools locaux de paris sur le football. Le comité organisateur a également pris la mesure sans précédent de vendre des commandites d'entreprises. Par exemple, Fiat a été désignée voiture officielle des Jeux olympiques d’hiver de 1956 et Olivetti a fourni des machines à écrire aux 400 journalistes présents aux Jeux. Politique La guerre froide a commencé après la victoire des Alliés lors de la Seconde Guerre mondiale. Jusqu'en 1952, de nombreux pays communistes d'Europe de l'Est avaient participé aux Jeux olympiques des travailleurs ou aux Spartakiades. L'Union soviétique est sortie de son isolement international en évitant la Spartakiade et en participant aux Jeux olympiques d'été de 1952 à Helsinki ; ils ont fait leurs débuts aux Jeux olympiques d'hiver aux Jeux de Cortina. L'objectif du secrétaire général soviétique Nikita Khrouchtchev était d'utiliser les compétitions sportives internationales, telles que les Jeux olympiques, pour démontrer la supériorité du communisme, renforcer les liens politiques avec d'autres pays communistes et projeter l'Union soviétique comme une nation épris de paix et activement engagée dans le monde. La participation des Soviétiques aux Jeux olympiques a élevé le niveau de compétition car ils ont remporté le plus de médailles et plus de médailles d'or que toute autre nation. Findling et Pelle (1996), p. 261 Les Jeux de Cortina ont eu lieu avant le soulèvement hongrois et la guerre de Suez, qui ont eu lieu à l'automne 1956 ; les Jeux d'hiver ont échappé aux boycotts qui ont frappé les Jeux olympiques de Melbourne, célébrés en novembre et décembre de la même année. Télévision Les Jeux de Cortina ont été les premiers Jeux olympiques d'hiver à être diffusés à un public multinational. La télévision, en tant que technologie de communication de masse, s'est développée rapidement dans les années 1950. En pleine guerre froide, l’Europe était un champ de bataille de propagande alors que les pays relayaient les signaux de télévision à travers le rideau de fer. Schwoch (2009), p. 39 En 1956, les pays de la sphère d'influence soviétique avaient acquis un avantage technologique et étaient capables de diffuser des programmes de télévision communistes en Finlande, dans les régions frontalières orientales et dans les zones géographiques plus isolées de l'Allemagne de l'Ouest et de l'Autriche, où les résidents bénéficiaient d'une couverture d'un réseau est-allemand. diffusé avec un point de vue pro-communiste. La plupart des Allemands de l'Ouest ont regardé les Jeux olympiques d'hiver de 1956 via les émissions de l'Eurovision qui ont été relayées dans toute l'Europe occidentale, y compris toutes les principales chaînes ouest-allemandes (connectivité de l'Eurovision en 1956). Les ramifications politiques n'étaient pas le seul impact que la télévision a eu sur ces Jeux olympiques. Les Jeux de Cortina n'ont pas généré de revenus télévisuels – les Jeux olympiques d'hiver de 1960 à Squaw Valley ont été les premiers à le faire – mais ont été une expérience sur la faisabilité de télédiffuser un grand événement multisports. Guttman (1986), p. 135 Pour la première fois lors des Jeux Olympiques, les sites ont été construits en pensant à la télévision. Par exemple, la grande tribune du site de ski de fond (Lo Stadio della neve) a été construite face au sud afin que les caméras de télévision ne soient pas gênées par le soleil levant ou couchant. Événements Des médailles ont été décernées dans 24 épreuves disputées dans 4 sports (8 disciplines). Le programme des Jeux d'hiver de 1956 a vu deux nouvelles épreuves ajoutées aux quatre sports et aux vingt-deux épreuves des Jeux olympiques de 1952, à savoir la course de ski de fond de 30 km pour les hommes et la course de relais de ski de fond de 3 x 5 km pour les femmes. L'Union soviétique a demandé l'inclusion d'une épreuve de patinage de vitesse féminin, mais cette demande a été rejetée par le CIO lors de la 49e session à Athènes en 1954. * * *Patinage ** ** *Ski ** ** *** *** *** Cérémonies d'ouverture Les cérémonies d'ouverture ont eu lieu le jeudi 26 janvier 1956 au Stade olympique de glace. Des sièges temporaires ont été ajoutés pour porter la capacité du stade à 14 000 personnes. Des athlètes représentant 32 nations ont défilé lors de la cérémonie et M. Giovanni Gronchi, président de la République italienne, a déclaré les Jeux ouverts. C'est à ce moment-là que le patineur de vitesse Guido Caroli est entré dans le stade avec la flamme olympique. Alors qu'il se trouvait sur un circuit du Stade de Glace, il a trébuché et est tombé sur un câble de télévision ; il se remit sur pied et alluma le chaudron. Le serment olympique a été prononcé par Giuliana Chenal-Minuzzo ; c'était la première fois qu'une athlète féminine prêtait serment lors des Jeux Olympiques. L'hymne olympique, officiellement reconnu comme tel lors du congrès du CIO à Paris le 13 juin 1955, est joué pour la première fois aux Jeux de Cortina. Bobsleigh Il y avait deux épreuves de bobsleigh, les compétitions à deux et à quatre. Chaque nation participante était limitée à deux traîneaux dans chaque épreuve. Les traîneaux ont effectué quatre courses, le temps total étant additionné. Les Italiens ont remporté l'or et l'argent dans l'épreuve à deux. La Suisse a pris la troisième place en dépassant l'Espagne lors de la quatrième manche. Dans l'épreuve à quatre organisée une semaine plus tard, les Suisses ont remporté la médaille d'or, l'Italie l'argent et les États-Unis la médaille de bronze. L'Italie avait participé aux six précédentes compétitions olympiques de bobsleigh mais n'était jamais montée sur le podium. Les Italiens Renzo Alverà et Eugenio Monti ont remporté la médaille d'argent dans la compétition à deux et étaient également sur le traîneau à quatre qui a remporté l'argent. Les médailles d'argent de Monti aux Jeux de 1956 étaient la première des six médailles olympiques qu'il remporterait au cours de sa carrière de bobsleigh. La piste de bobsleigh de Cortina a finalement été rebaptisée piste Eugenio Monti pour honorer sa carrière de bobsleigh. Les médailles remportées en bobsleigh seraient les seules médailles du pays hôte à ces Jeux.Comitato Olimpico Nazionale Italiano (1956), p. 689 L'une des plaintes concernant les épreuves de bobsleigh était que la surface de la piste avait subi d'importants dommages en raison d'une utilisation excessive. Cela a gêné les performances des équipes tirées au sort en fin de compétition. Hockey sur glace Le huitième tournoi olympique de hockey sur glace a également fait office de championnat d'Europe et de championnat du monde. Réparties en trois poules avant le tournoi, les dix nations participantes ont commencé par affronter chaque équipe de leur poule dans un format de tournoi à la ronde. Les deux meilleures équipes de chaque poule se sont qualifiées pour les tours finaux, les équipes restantes jouant dans un groupe de consolation de la 7e à la 10e place. Le Canada, la Tchécoslovaquie et l'Union soviétique ont terminé leurs poules préliminaires avec des records invaincus. L'Allemagne, les États-Unis et la Suède occupent la deuxième place dans leur poule. Noverr et Ziewacz (1983), p. 232 Un premier affrontement important des tours finaux a été le match entre le Canada (vainqueurs de six médailles d'or et une d'argent lors des sept tournois précédents) et les États-Unis (qui avaient terminé une place derrière le Canada à chacune des cinq fois où les Américains ont joué). Les États-Unis ont battu le Canada 4-1. Les États-Unis affrontèrent ensuite l’URSS dans un match qui finirait par faire la différence pour la médaille d’or. Les Soviétiques ont remporté le match 4-0. Les Soviétiques ont remporté l'or en battant le Canada, tandis que les États-Unis ont remporté l'argent et que le Canada, avec ses deux défaites, a remporté le bronze. La victoire de l’équipe soviétique était particulièrement remarquable étant donné qu’elle n’a commencé à concourir au niveau international qu’en 1954. Patinage artistique Les Jeux de Cortina ont été les derniers Jeux olympiques à présenter le patinage artistique en plein air. Les patineurs des États-Unis ont remporté cinq médailles, balayant l'épreuve masculine et prenant les deux premières places chez les femmes. Tenley Albright a été championne olympique féminine malgré une grave blessure à l'entraînement. Moins de deux semaines avant les Jeux olympiques, elle pratiquait sa routine de patinage lorsqu'elle a heurté une ornière dans la glace et est tombée. Son patin a traversé plusieurs couches de vêtements et lui a tranché la jambe droite au niveau de la cheville. Sa coéquipière Carol Heiss a remporté la médaille d'argent et l'Autrichienne Ingrid Wendl a remporté la médaille de bronze. Les Américains Hayes Jenkins, Ronald Robertson et le frère de Jenkins, David Jenkins, étaient les médaillés masculins. Le duo autrichien composé de Sissy Schwarz et Kurt Oppelt a remporté la médaille d'or dans l'épreuve en couple. Les Canadiens Frances Dafoe et Norris Bowden ont remporté la médaille d'argent et les frères et sœurs hongrois Marianna Nagy et László Nagy ont défendu leur médaille de bronze aux Jeux de 1952. Patinage de vitesse L'Union soviétique a dominé les épreuves de patinage de vitesse en remportant sept des douze médailles, dont quatre d'or. Les patineurs soviétiques ont établi deux records du monde, un record olympique et ont eu au moins un médaillé dans chacune des quatre épreuves. Yevgeny Grishin a été le meilleur interprète individuel, avec deux médailles d'or et deux records du monde. Grishin et son coéquipier soviétique Yuri Mikhaylov étaient à égalité dans la course de 1 500 mètres. Il a été décidé d'attribuer des médailles d'or aux deux athlètes et de laisser la médaille d'argent vacante. Sigvard Ericsson, de Suède, a remporté des médailles d'or et d'argent et a établi un record olympique au 10 000 mètres. ski alpin Six épreuves de ski alpin ont eu lieu, trois pour les hommes et trois pour les femmes. Les courses étaient la descente, le slalom et le slalom géant. L'Autrichien Toni Sailer a balayé les médailles d'or chez les hommes, devenant ainsi la première personne à remporter trois médailles d'or en ski alpin lors d'une seule édition des Jeux olympiques. Menés par Sailer, les Autrichiens ont dominé les épreuves de ski alpin tant chez les hommes que chez les femmes, remportant neuf médailles sur dix-huit possibles. Les Autrichiens ont particulièrement réussi le slalom géant ; les hommes ont balayé les médailles et les femmes ont remporté l'argent et le bronze. Chiharu Igaya a remporté la première médaille du Japon aux Jeux olympiques d'hiver en se classant deuxième en slalom. Les coéquipières suisses Madeleine Berthod et Renée Colliard ont remporté les épreuves féminines de descente et de slalom. L'Allemagne a remporté sa seule médaille d'or des Jeux lorsque Ossi Reichert a remporté le slalom géant. Ski de fond Deux épreuves féminines ont été ajoutées pour la première fois au programme de ski de fond. Les femmes soviétiques ont pris les deux premières places dans la course individuelle de 10 kilomètres, mais ont perdu contre la Finlande dans le nouveau relais 3x5 kilomètres. Les hommes ont également participé à une nouvelle épreuve, la course de 30 kilomètres, remportée par le Finlandais Veikko Hakulinen. Les trois autres épreuves masculines ont été remportées par trois nations différentes : la Norvège a remporté la course de 15 km, la Suède le 50 km et l'Union soviétique a remporté le relais. Au total, l'Union soviétique a remporté sept médailles sur dix-huit possibles en ski de fond. La Suède, derrière le ski solide de Sixten Jernberg, a remporté six médailles. Jernberg a remporté une médaille d'or, deux d'argent et une de bronze, qui étaient la première des neuf médailles olympiques qu'il remporterait au cours de sa carrière de cross-country. Combiné nordique Des changements importants ont été apportés à l'épreuve du combiné nordique aux Jeux de 1956. L'épreuve a toujours été une course de ski de fond suivie d'un saut à ski. À l'origine, les concurrents du combiné nordique étaient inscrits à la course de ski de fond ouverte de 18 km, ce qui signifiait qu'ils concouraient aux côtés d'athlètes passionnés de ski de fond. Leurs temps ont été combinés avec leur score de deux sauts à ski pour déterminer le vainqueur. Aux Jeux de Cortina, le format a été modifié pour permettre aux athlètes du combiné nordique de participer à une course de cross-country dédiée de 15 km. Deux jours plus tard, ils ont effectué trois sauts sur le tremplin de saut à ski. Leurs deux meilleurs scores ont été combinés avec leur temps de cross-country pour déterminer un gagnant. Ce format deviendra désormais la norme pour les compétitions de combiné nordique. La Norvège a poursuivi sa domination du combiné nordique lorsque Sverre Stenersen a remporté la médaille d'or. Depuis sa création aux Jeux de 1924, le pays n’a perdu qu’une seule fois l’épreuve du combiné nordique. Stenersen a été suivi par le Suédois Bengt Eriksson et le Polonais Franciszek Gąsienica Groń. Saut à ski Lors de l'épreuve de saut à ski, le sauteur suisse Andreas Däscher a introduit un nouveau style de saut, qui deviendra bientôt connu sous le nom de technique Däscher. Avant ces Jeux, les athlètes tendaient les bras au-dessus de la tête. Däscher pensait que si l'athlète tenait ses bras le long de son corps, il volerait plus loin. Les adeptes de ce nouveau style dominaient la compétition. Les sauteurs finlandais Antti Hyvärinen et Aulis Källakorpi ont pris la première et la deuxième place ; L'Allemand Harry Glass a remporté la médaille de bronze. Cette compétition a marqué la fin de la domination norvégienne dans ce sport. Depuis les premiers Jeux d'hiver de 1924, les Norvégiens avaient remporté la médaille d'or à chaque Jeux olympiques jusqu'en 1956. Les mauvaises performances des sauteurs norvégiens étaient attribuées à leur refus d'utiliser la nouvelle technique de saut. Cérémonies de clôture Les cérémonies de clôture ont eu lieu le dimanche 5 février au Stade olympique de glace. Ils ont été précédés d'une exhibition de patinage artistique réalisée par les champions de patinage artistique masculin, féminin et en couple. Les porte-drapeaux de chaque nation sont ensuite entrés dans le stade suivis des drapeaux de la Grèce et des États-Unis. Ces deux drapeaux ont été hissés pour honorer la nation fondatrice des Jeux olympiques et le prochain pays à accueillir les Jeux d'hiver. Avery Brundage, président du Comité international olympique, a déclaré les Jeux olympiques clos et un feu d'artifice a conclu les Jeux. Calendrier Toutes les dates sont en heure d’Europe centrale (UTC+1) La cérémonie d'ouverture a eu lieu le 26 janvier, en même temps que les premiers matchs du tournoi de hockey. Du 27 janvier au 5 février, jour de la cérémonie de clôture, au moins une finale par épreuve a eu lieu chaque jour. † Le chiffre indique le nombre de finales par épreuve pour chaque sport organisées ce jour-là. Lieux Une caractéristique unique des Jeux Olympiques de Cortina était la proximité de nombreux lieux d'événements situés à distance de marche les uns des autres dans la ville de Cortina. Les épreuves de patinage de vitesse se sont déroulées au lac Misurina, à environ 13 km de Cortina. Les sites comportaient des tribunes chauffées par des serpentins de silice intégrés aux sièges. Le chauffage par serpentins de silice était une technologie qui n’était devenue économique que récemment. Les compétitions se sont déroulées sans incident à l'exception des épreuves de ski qui ont souffert du manque de neige. Un site remarquable introuvable aux Jeux de 1956 était un village olympique, où seraient hébergés les athlètes. La ville de Cortina d'Ampezzo comptait moins de 7 000 habitants en 1956. Les hôtels locaux craignaient qu'après les Jeux olympiques, un village olympique n'augmente si considérablement la capacité hôtelière qu'il entraînerait la faillite d'un grand nombre d'entre eux. Les athlètes étaient hébergés par des familles locales ou séjournaient dans des hôtels pendant les Jeux. Le stade olympique de glace (Stadio Olimpico Del Ghiaccio) était destiné à être le point central des Jeux. Il a été construit sur les rives de la rivière Boite, juste au nord de Cortina. Après la construction de nouvelles routes et d'un pont, le stade se trouvait à huit minutes à pied du centre-ville. Le stade a été construit pour accueillir entre 6 000 et 7 000 personnes. En raison du manque d'espace, les tribunes ont été construites verticalement, avec des gradins construits directement les uns sur les autres. Il y avait deux patinoires artificielles de 30 m, avec une surface totale de glace de 4 320 m². Une installation de refroidissement spéciale a été construite sous le stade, qui gelait la glace par évaporation de l'ammoniac. Le coût de construction s'est élevé à 1,3 milliard de ITL (2,1 millions de dollars américains en 1956), ce qui en fait le site le plus cher de ces Jeux. Le stade a été utilisé pour les cérémonies d'ouverture et de clôture, toutes les compétitions de patinage artistique et certaines épreuves de hockey sur glace. Après les Jeux, le comité d'organisation a offert le stade de glace à la ville de Cortina. Il était utilisé comme patinoire en hiver et comme gymnase extérieur pour le judo et la gymnastique en été. Comitato Olimpico Nazionale Italiano (1956), pp. 124-133. Le stade Apollonio a été utilisé pour certains matchs du tournoi de hockey sur glace. Des travaux considérables ont dû être réalisés pour remettre le stade au goût du jour. Une deuxième patinoire a été ajoutée pour permettre la tenue de deux matchs simultanément. Le stade a été équipé de lumières électriques et le nombre de places assises a été agrandi pour accueillir 2 000 personnes. La piste de bobsleigh (Pista Olimpica di Bob – Eugenio Monti) a été construite en 1928. La piste a été reconstruite et agrandie à plusieurs reprises au cours des années précédant les Jeux olympiques. Un panneau de signalisation ultramoderne a été installé, affichant un diagramme de la piste avec la position de chaque traîneau sur la piste indiquée par des lumières. Situé aux alentours de Cortina, près de Zuel, le tremplin "Italia" (Trampolino Olimpico Italia) a été construit en 1923 sous le nom de tremplin "Franchetti". Après des modifications en 1926, la première structure fut démolie en 1939 et reconstruite en 1940. Avec l'arrivée des Jeux de 1956 à Cortina, le saut dut être à nouveau modernisé pour répondre aux exigences techniques des Jeux Olympiques. Le 15 avril 1955, le saut "Franchetti" fut finalement démoli et le nouveau "Italia Jump" fut achevé la même année pour un coût de près de 310 millions de lires italiennes (500 000 dollars). La plate-forme en béton armé mesurait 54 m de haut et possédait une longue pente raide de 35°. Deux tribunes, d'une capacité chacune de 3 000 personnes, ont été placées de part et d'autre de la piste d'atterrissage ; un amphithéâtre naturel au pied de la colline pouvait accueillir jusqu'à 40 000 spectateurs debout. Une route spéciale a été construite entre Cortina et le site pour le transport des athlètes, des officiels et des autorités. Le Stade des Neiges (Stadio della neve) a été construit à 2 km de Cortina et a accueilli toutes les épreuves de cross-country. Deux tribunes ont été construites pour accueillir 6 000 personnes. Trois types de parcours de ski de fond ont été construits : un de 15 km, trois de 5 km et quatre de 10 km. Certains de ces parcours passaient par la piste de bobsleigh. En conséquence, un pont a dû être construit pour que les événements se déroulant dans les deux lieux n'interfèrent pas l'un avec l'autre. Les pistes alpines (Le piste alpine) ont été construites sur les pentes du Monte Tofana et du Monte Faloria dans les Alpes Dolomites voisines. Les courses de descente et de slalom hommes et femmes ont eu lieu à Tofana. Faloria a été le site des deux épreuves de slalom géant. Il a fallu près de deux ans pour achever la construction des pistes. Au cours des années précédentes, le manque de neige n'a jamais été un problème, mais au cours de l'hiver 1956, les chutes de neige étaient insuffisantes pour permettre aux skieurs de parcourir les pistes en toute sécurité. En conséquence, la neige a dû être transportée d'autres parties des montagnes par l'armée italienne. La patinoire Misurina (La pista di Misurina) était le lieu des épreuves de patinage de vitesse. C'était la dernière fois que le patinage de vitesse aux Jeux olympiques se déroulait sur glace naturelle. C'était à 13 km de Cortina. La patinoire a été établie à l'extrémité nord du lac avec en toile de fond les montagnes. Des tribunes ont été construites pour accueillir 8 500 personnes. Bien que l'événement se soit déroulé en plein air sur la glace d'un lac, deux records du monde et deux records olympiques ont été battus pendant la compétition. Trois des sites de ces jeux (la piste de bobsleigh, l'arène couverte et le saut à ski) serviraient de lieu de tournage pour le film de James Bond de 1981 Rien que pour vos yeux. Pays participants Au total, 32 nations ont envoyé des athlètes à Cortina d'Ampezzo. Aux côtés de l'Union soviétique, la Bolivie et l'Iran ont participé pour la première fois aux Jeux d'hiver. La Corée, le Liechtenstein et la Turquie sont revenus après avoir raté les Jeux olympiques d'hiver de 1952, tandis que l'Argentine, le Danemark, la Nouvelle-Zélande et le Portugal n'ont pas participé à ces Jeux, après avoir participé à l'édition précédente. Les athlètes d'Allemagne de l'Ouest (RFA) et d'Allemagne de l'Est (RDA) ont concouru ensemble au sein de l'équipe unie d'Allemagne, un arrangement qui se poursuivra pour les deux Olympiades suivantes. Ci-dessous la liste des nations participantes, avec le nombre de concurrents indiqué entre parenthèses : * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * Nombre de médailles Voici les dix premières nations qui ont remporté des médailles aux Jeux olympiques d'hiver de 1956 : * Deux médailles d'or ont été décernées lorsque les patineurs soviétiques étaient à égalité dans la compétition de patinage de vitesse sur 1 500 mètres.

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« Lofsongur » est l'hymne national de quel pays ?

Islande

"Lofsöngur" ("Hymne"), également connu sous le nom de "Ó Guð vors lands" ("Ó Dieu de notre terre"), est l'hymne national de l'Islande. Les paroles sont de Matthías Jochumsson et la musique de Sveinbjörn Sveinbjörnsson. L'hymne contient trois strophes, mais seule la première est couramment chantée. La mélodie peut être considérée comme difficile à chanter, car elle nécessite une tessiture vocale d'une quatorzième mineure. Le fait que l’hymne soit essentiellement un hymne a fait l’objet de controverses ces derniers temps. Paroles

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Dans la mythologie romaine, quel était le nom du frère tué par Romulus ?

Remus

La mythologie romaine est l'ensemble des récits traditionnels relatifs aux origines légendaires et au système religieux de la Rome antique, tels que représentés dans la littérature et les arts visuels des Romains. La « mythologie romaine » peut également faire référence à l'étude moderne de ces représentations et au sujet tel qu'il est représenté dans la littérature et l'art d'autres cultures à n'importe quelle période. Les Romains traitaient généralement leurs récits traditionnels comme historiques, même lorsque ceux-ci contiennent des éléments miraculeux ou surnaturels. Les histoires portent souvent sur la politique et la moralité, et sur la manière dont l'intégrité personnelle d'un individu est liée à sa responsabilité envers la communauté ou l'État romain. L'héroïsme est un thème important. Lorsque les récits éclairent les pratiques religieuses romaines, ils s’intéressent davantage aux rituels, aux augures et aux institutions qu’à la théologie ou à la cosmogonie. L'étude de la religion et des mythes romains est compliquée par l'influence précoce de la religion grecque sur la péninsule italienne au cours de la protohistoire de Rome, et par l'imitation artistique ultérieure des modèles littéraires grecs par les auteurs romains. En matière de théologie, les Romains étaient curieusement désireux d’identifier leurs propres dieux avec ceux des Grecs (interpretatio graeca) et de réinterpréter les récits sur les divinités grecques sous les noms de leurs homologues romains. Les premiers mythes et légendes de Rome entretiennent également une relation dynamique avec la religion étrusque, moins documentée que celle des Grecs. Alors que la mythologie romaine manque peut-être d'un corpus de récits divins aussi complet que celui trouvé dans la littérature grecque, Romulus et Remus allaitant la louve sont aussi célèbres que n'importe quelle image de la mythologie grecque, à l'exception du cheval de Troie. Parce que la littérature latine était plus largement connue en Europe tout au long du Moyen Âge et jusqu'à la Renaissance, les interprétations des mythes grecs par les Romains ont souvent eu plus d'influence sur les représentations narratives et picturales de la « mythologie classique » que les sources grecques. En particulier, les versions des mythes grecs des Métamorphoses d'Ovide, écrites sous le règne d'Auguste, en sont venues à être considérées comme canoniques. La nature du mythe romain Parce que le rituel a joué dans la religion romaine le rôle central que le mythe a joué pour les Grecs, on doute parfois que les Romains possédaient une mythologie indigène. Cette perception est un produit du romantisme et de l’érudition classique du XIXe siècle, qui considéraient la civilisation grecque comme plus « authentiquement créative ». De la Renaissance au XVIIIe siècle, cependant, les mythes romains ont été une source d’inspiration particulièrement pour la peinture européenne. La tradition romaine est riche en mythes historiques, ou légendes, concernant la fondation et l'essor de la ville. Ces récits se concentrent sur des acteurs humains, avec seulement l’intervention occasionnelle de divinités mais un sentiment omniprésent de destin divinement ordonné. Dans les premiers temps de Rome, l'histoire et le mythe entretiennent des relations mutuelles et complémentaires. Comme le disait T.P. Wiseman note : Les histoires romaines comptent toujours, tout comme elles comptaient pour Dante en 1300, pour Shakespeare en 1600 et pour les pères fondateurs des États-Unis en 1776. Que faut-il pour être un citoyen libre ? Une superpuissance peut-elle encore être une république ? Comment une autorité bien intentionnée se transforme-t-elle en tyrannie meurtrière ? Les principales sources du mythe romain comprennent l'Énéide de Virgile et les premiers livres de l'histoire de Tite-Live ainsi que les Antiquités romaines de Denys. D'autres sources importantes sont les Fasti d'Ovide, un poème en six livres structuré par le calendrier religieux romain, et le quatrième livre d'élégies de Properce. Des scènes du mythe romain apparaissent également dans la peinture murale, les pièces de monnaie et la sculpture romaines, en particulier les reliefs. Mythes fondateurs L'Énéide et les débuts de l'histoire de Tite-Live sont les meilleures sources existantes des mythes fondateurs de Rome. Des éléments de la légende héroïque grecque ont été greffés très tôt sur cette souche indigène. Le prince troyen Énée a été présenté comme l'époux de Lavinia, fille du roi Latinus, ancêtre patronymique des Latini, et donc, par une généalogie révisionniste alambiquée, comme ancêtre de Romulus et Remus. Par extension, les Troyens ont été adoptés comme ancêtres mythiques du peuple romain. Autres mythes Les mythes caractéristiques de Rome sont souvent politiques ou moraux, c'est-à-dire qu'ils traitent du développement du gouvernement romain conformément à la loi divine, telle qu'exprimée par la religion romaine, et de démonstrations de l'adhésion de l'individu à des attentes morales (mos maiorum) ou à des échecs. faire cela. * Viol des femmes Sabines, expliquant l'importance des Sabines dans la formation de la culture romaine et la croissance de Rome à travers les conflits et les alliances. * Numa Pompilius, le deuxième roi sabin de Rome qui s'est associé à la nymphe Egeria et a établi de nombreuses institutions juridiques et religieuses de Rome. * Servius Tullius, le sixième roi de Rome, dont les origines mystérieuses étaient librement mythifiées et qui aurait été l'amant de la déesse Fortuna. * La Roche Tarpéienne, et pourquoi elle a été utilisée pour l'exécution des traîtres. * Lucrèce, dont le sacrifice de soi a provoqué le renversement de la première monarchie romaine et a conduit à l'établissement de la République. *Cloelia, une femme romaine prise en otage par Lars Porsena. Elle s'échappe du camp clusien avec un groupe de vierges romaines. * Horatius au pont, sur l'importance de la valeur individuelle. * Mucius Scaevola, qui jeta sa main droite dans le feu pour prouver sa loyauté envers Rome. * Caeculus et la fondation de Préneste. * Manlius et les oies, à propos de l'intervention divine lors du siège gaulois de Rome. * Histoires relatives aux fêtes de Nonae Caprotinae et Poplifugia. * Coriolanus, une histoire de politique et de morale. * La cité étrusque de Corythe comme « berceau » de la civilisation troyenne et italienne. * L'arrivée de la Grande Mère (Cybèle) à Rome. Religion et mythe Le récit divin jouait un rôle plus important dans le système de croyance religieuse grecque que chez les Romains, pour qui le rituel et le culte étaient primordiaux. Même si la religion romaine ne reposait pas sur les Écritures ni sur l’exégèse, la littérature sacerdotale était l’une des premières formes écrites de prose latine. Les livres (libri) et commentaires (commentarii) du Collège des Pontifes et des augures contenaient des procédures religieuses, des prières, des décisions et des opinions sur des points de droit religieux. Même si au moins une partie de ces documents archivés était consultable par le Sénat romain, il s'agissait souvent d'occultum genre litterarum, une forme mystérieuse de littérature à laquelle, par définition, seuls les prêtres avaient accès. Des prophéties relatives à l'histoire du monde et au destin de Rome apparaissent fortuitement à des moments critiques de l'histoire, découvertes soudainement dans les nébuleux livres sibyllins, qui, selon la légende, ont été achetés par Tarquin le Fier à la fin du 6ème siècle avant JC à la Sibylle de Cumes. Certains aspects de la religion romaine archaïque ont été préservés par les travaux théologiques perdus du savant Varro du 1er siècle avant JC, connu par d'autres auteurs classiques et chrétiens. À la tête du premier panthéon se trouvaient la soi-disant triade archaïque de Jupiter, Mars et Quirinus, dont les flamens étaient du plus haut ordre, ainsi que Janus et Vesta. Selon la tradition, le fondateur de la religion romaine était Numa Pompilius, le deuxième roi sabin de Rome, qui aurait eu pour épouse et conseillère une déesse romaine ou nymphe des fontaines et de la prophétie, Egeria. La triade capitoline de Jupiter, Junon et Minerve, d'influence étrusque, est devenue plus tard centrale dans la religion officielle, remplaçant la triade archaïque – un exemple inhabituel dans la religion indo-européenne d'une triade suprême formée de deux divinités féminines et d'un seul homme. Le culte de Diane a été établi sur la colline de l'Aventin, mais la manifestation romaine la plus célèbre de cette déesse pourrait être Diane Nemorensis, en raison de l'attention portée à son culte par J.G. Frazer dans le classique mythographique Le Rameau d'Or. Les dieux représentaient distinctement les besoins pratiques de la vie quotidienne et se voyaient scrupuleusement accorder les rites et les offrandes jugées appropriées. Les premières divinités romaines comprenaient une multitude de « dieux spécialisés » dont les noms étaient invoqués dans l'exercice de diverses activités spécifiques. Des fragments d'anciens rituels accompagnant des actes tels que le labour ou le semis révèlent qu'à chaque étape de l'opération, une divinité distincte était invoquée, le nom de chaque divinité étant régulièrement dérivé du verbe de l'opération. Les divinités tutélaires étaient particulièrement importantes dans la Rome antique. Ainsi, Janus et Vesta gardaient la porte et le foyer, les Lares protégeaient le champ et la maison, Pales le pâturage, Saturne les semailles, Cérès la croissance des grains, Pomona le fruit et Consus et Ops la récolte. Même le majestueux Jupiter, le souverain des dieux, était honoré pour l'aide que ses pluies pouvaient apporter aux fermes et aux vignobles. Dans son caractère plus global, il était considéré, grâce à son arme de foudre, comme le directeur de l'activité humaine et, par son domaine étendu, comme le protecteur des Romains dans leurs activités militaires au-delà des frontières de leur propre communauté. Dans les premiers temps, les dieux Mars et Quirinus étaient souvent identifiés l'un à l'autre. Mars était un dieu de la guerre ; il a été honoré en mars et octobre. Les érudits modernes pensent que Quirinus était le patron de la communauté armée en temps de paix. L'érudit du XIXe siècle Georg Wissowa pensait que les Romains distinguaient deux classes de dieux, les di indigètes et les di novensides ou novensiles : les indigètes étaient les dieux originels de l'État romain, leurs noms et leur nature étant indiqués par les titres des premiers prêtres. et par les fêtes fixes du calendrier, avec 30 de ces dieux honorés par des fêtes spéciales ; les novensides étaient des divinités ultérieures dont les cultes furent introduits dans la ville au cours de la période historique, généralement à une date connue et en réponse à une crise spécifique ou à un besoin ressenti. Arnaldo Momigliano et d’autres ont cependant fait valoir que cette distinction ne peut être maintenue. Pendant la guerre contre Hannibal, toute distinction entre les dieux « indigènes » et « immigrants » commence à s'estomper, et les Romains ont adopté divers dieux issus de diverses cultures en signe de force et de faveur divine universelle. Dieux étrangers L'absorption des dieux locaux voisins a eu lieu lorsque l'État romain a conquis le territoire environnant. Les Romains accordaient généralement aux dieux locaux du territoire conquis les mêmes honneurs qu’aux dieux antérieurs de la religion d’État romaine. Outre Castor et Pollux, les colonies conquises en Italie semblent avoir contribué au panthéon romain Diane, Minerve, Hercule, Vénus et des divinités de moindre rang, dont certaines étaient des divinités italiques, d'autres dérivées à l'origine de la culture grecque de Magna. Grèce. En 203 avant JC, l'objet de culte incarnant Cybèle fut apporté de Pessinus en Phrygie et accueilli avec cérémonie à Rome, des siècles avant l'annexion formelle du territoire. Lucrèce et Catulle, poètes contemporains du milieu du Ier siècle avant JC, offrent un aperçu désapprobateur de son culte follement extatique. Dans certains cas, les divinités d'une puissance ennemie étaient formellement invitées, par le biais du rituel de l'évocatio, à s'installer dans de nouveaux sanctuaires à Rome. Les communautés d'étrangers (peregrini) et d'anciens esclaves (libertini) ont continué leurs propres pratiques religieuses au sein de la ville. C'est ainsi que Mithra arriva à Rome et sa popularité au sein de l'armée romaine répandit son culte jusqu'en Grande-Bretagne romaine. Les divinités romaines importantes ont finalement été identifiées avec les dieux et déesses grecs plus anthropomorphes et ont assumé bon nombre de leurs attributs et mythes.

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En 1951, quel pays européen a vu l'abdication du roi Léopold III au profit de son fils Baudouin ?

Belgique

L'abdication est l'acte d'abandonner formellement l'autorité monarchique. Terminologie Le mot abdication dérive du latin abdicatio signifiant renier ou renoncer (de ab, s'éloigner de, et dicare, consacrer ou abandonner). Dans son sens le plus large, l'abdication est l'acte de renoncer et de démissionner de toute fonction formelle, mais elle s'applique particulièrement à la fonction suprême de l'État. En droit romain, le terme s'appliquait également au reniement d'un membre de la famille, comme la déshéritation d'un fils. Aujourd'hui, le terme s'applique généralement aux monarques ou à ceux qui ont été officiellement couronnés. On dit qu’un responsable élu ou nommé démissionne plutôt qu’abdique. Antiquité classique occidentale Parmi les abdications les plus notables de l'Antiquité figurent celles de Lucius Cornelius Sulla, le dictateur, en 79 avant JC, de l'empereur Dioclétien en 305 après JC et de l'empereur Romulus Augustule en 476 après JC. Histoire britannique et du Commonwealth L’abdication la plus notable de l’histoire récente est peut-être celle du roi Édouard VIII du Royaume-Uni et des Dominions. En 1936, Edward abdiqua pour épouser Wallis Simpson, une américaine divorcée, malgré les objections de l'establishment britannique, des gouvernements du Commonwealth, de la famille royale et de l'Église d'Angleterre. C'était la première fois dans l'histoire que la couronne britannique ou anglaise était cédée de manière entièrement volontaire. Richard II d'Angleterre, par exemple, a été contraint d'abdiquer après que son cousin, Henry Bolingbroke, ait pris le pouvoir, alors que Richard était à l'étranger. Au cours de la Glorieuse Révolution de 1688, Jacques II d'Angleterre et VII d'Écosse s'enfuirent en France, laissant tomber le grand sceau du royaume dans la Tamise, et la question fut discutée au Parlement de savoir s'il avait renoncé au trône ou s'il avait abdiqué. Cette dernière désignation fut acceptée malgré les protestations de Jacques, et lors d'une assemblée plénière des Lords et des Communes, il fut résolu « que le roi Jacques II, ayant tenté de renverser la constitution du royaume, en rompant le contrat initial entre le roi et le peuple, et, sur le conseil des Jésuites et d'autres méchants, après avoir violé les lois fondamentales et s'être retiré de ce royaume, a abdiqué le gouvernement, et que le trône est ainsi vacant. Le parlement écossais a prononcé un décret de confiscation et de déposition. En Écosse, Mary, reine d'Écosse, a été contrainte d'abdiquer en faveur de son fils d'un an, James VI. Aujourd'hui, parce que le titre de la Couronne dépend de la loi, en particulier de l'Act of Settlement de 1701, une abdication royale ne peut être effectuée que par une loi du Parlement ; aux termes du Statut de Westminster de 1931, un tel acte doit être approuvé par les parlements de tous les signataires existants du Statut. Pour donner un effet juridique à l'abdication du roi Édouard VIII, la loi de 1936 sur la déclaration d'abdication de Sa Majesté a été adoptée. histoire du Japon Dans le Japon médiéval, l'abdication était très souvent utilisée et se produisait en fait plus souvent que la mort sur le trône. À cette époque, la majeure partie du pouvoir exécutif résidait entre les mains des régents (voir Sesshō et Kampaku), et la tâche principale de l'empereur était sacerdotale, comportant tellement de rituels répétitifs qu'il était considéré que l'empereur sortant méritait une retraite choyée en tant qu'empereur honoré à la retraite après un service d'une dizaine d'années. Une tradition s'est développée selon laquelle un empereur devait accéder au trône relativement jeune. Les devoirs de grand sacerdoce étaient jugés possibles pour un enfant qui marche ; et une dynaste qui avait dépassé ses premières années d'enfance était considérée comme convenable et assez vieille ; atteindre l’âge de la majorité légale n’est pas une condition. Ainsi, de nombreux empereurs japonais sont arrivés au pays alors qu'ils étaient enfants, certains à l'âge de 6 ou 8 ans seulement. L'enfance a apparemment aidé le monarque à assumer des tâches fastidieuses et à tolérer l'assujettissement aux agents du pouvoir politique, ainsi que parfois à dissimuler les membres les plus puissants de la dynastie impériale. Presque toutes les impératrices japonaises et des dizaines d'empereurs ont abdiqué et ont vécu le reste de leur vie dans une retraite choyée, exerçant une influence dans les coulisses, souvent avec plus de pouvoir que lorsqu'ils étaient sur le trône (voir Règle cloîtrée). Plusieurs empereurs ont abdiqué alors qu’ils étaient encore adolescents. Ces traditions se retrouvent dans le folklore japonais, le théâtre, la littérature et d'autres formes de culture, où l'empereur est généralement décrit ou représenté comme un adolescent. Avant la restauration Meiji, le Japon comptait onze impératrices régnantes, qui étaient généralement couronnées comme une sorte de « mesure provisoire » lorsqu'un homme approprié n'était pas disponible ou que certaines branches impériales étaient en rivalité, de sorte qu'un compromis était nécessaire. Plus de la moitié des impératrices japonaises ont abdiqué une fois qu'un descendant mâle approprié était considéré comme étant en âge de régner. Depuis la restauration Meiji et la réorganisation ultérieure de la succession impériale, aucun empereur n'a abdiqué et tous sont morts sur le trône. Il n'y a pas non plus de disposition relative à l'abdication dans la loi sur la maison impériale, la Constitution Meiji ou l'actuelle Constitution du Japon de 1947. Après la défaite du Japon lors de la Seconde Guerre mondiale, de nombreux membres de la famille impériale, tels que les princes Chichibu, Takamatsu et Higashikuni, ont fait pression sur l'empereur Hirohito pour qu'il abdique afin que l'un des princes puisse servir de régent jusqu'à ce que le prince héritier Akihito atteigne sa majorité. Le 27 février 1946, le plus jeune frère de l'empereur, le prince Mikasa (Takahito), se leva même au conseil privé et exhorta indirectement l'empereur à se retirer et à accepter la responsabilité de la défaite du Japon. Le général américain Douglas MacArthur a insisté pour que l'empereur Hirohito conserve le trône. MacArthur considérait l'empereur comme un symbole de la continuité et de la cohésion du peuple japonais. Abdications modernes Dans certaines cultures, l’abdication d’un monarque était considérée comme un abandon profond et choquant du devoir royal. En conséquence, les abdications ne se produisaient généralement que dans les circonstances les plus extrêmes de troubles politiques ou de violence. Au Royaume-Uni et dans les pays du Commonwealth, cette situation est encore perçue sous un jour particulièrement grave, en raison de la crise d'abdication d'Édouard VIII. Hussein ibn Ali al-Hashimi, chérif de La Mecque, abdiqua le royaume du Hedjaz en octobre 1924. Au cours des dernières décennies, les monarques ou dirigeants des Pays-Bas, de la Belgique, du Luxembourg, de l’État de la Cité du Vatican, du Qatar, du Cambodge et du Bhoutan ont abdiqué en raison de leur vieillesse. Aux Pays-Bas, les trois derniers monarques Wilhelmina, Juliana et Beatrix ont tous abdiqué. Dans les trois cas, cela a été fait pour transmettre le trône à l'héritier plus tôt. En juin 2014, le roi Juan Carlos d'Espagne a annoncé son intention d'abdiquer en faveur de son fils Felipe. Felipe a accédé au trône sous le nom de Felipe VI le 19 juin. Liste Voici une liste d’abdications importantes :

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Quelle maison anversoise d’un peintre baroque flamand est aujourd’hui un musée ?

Peter Paul Rubens

La Flandre (néerlandais : Vlaanderen) fait aujourd'hui normalement référence à la partie nord néerlandophone de la Belgique. C'est l'une des communautés, régions et zones linguistiques de Belgique. Le démonyme associé à la Flandre est Flamand, tandis que l'adjectif correspondant est Flamand. La capitale officielle de la Flandre est Bruxelles, bien que Bruxelles elle-même ait un gouvernement régional indépendant et que le gouvernement flamand ne supervise que certains aspects culturels de la vie bruxelloise. Historiquement, le nom faisait référence au comté de Flandre (Flandria), qui s'étendait vers l'an 1000 après JC du détroit du Pas de Calais jusqu'à l'estuaire de l'Escaut. Les seules parties de la Flandre historique situées dans la Flandre moderne sont les provinces de Flandre occidentale et de Flandre orientale. Néanmoins, au cours des XIXe et XXe siècles, il est devenu de plus en plus courant d'utiliser le terme « Flandre » pour désigner l'ensemble de la partie néerlandophone de la Belgique, qui s'étend jusqu'à la Meuse. Conformément aux réformes de l'État belge de la fin du XXe siècle, la région a été transformée en deux entités politiques : la « Communauté flamande » () et la « Région flamande » (). Ces entités ont été fusionnées, même si géographiquement la Communauté flamande, qui a un mandat culturel plus large, couvre Bruxelles, contrairement à la Région flamande. La Flandre occupe une place importante dans l’histoire européenne. À la fin du Moyen Âge, des villes comme Gand, Bruges, Anvers et Bruxelles en ont fait l'une des régions les plus riches et les plus urbanisées d'Europe, tissant la laine des terres voisines pour en faire des tissus destinés à l'usage domestique et à l'exportation. En conséquence, une culture très sophistiquée s'est développée, avec des réalisations impressionnantes dans les arts et l'architecture, rivalisant avec celles du nord de l'Italie. La Belgique fut l'un des centres de la révolution industrielle du XIXe siècle, mais la Flandre fut d'abord dépassée par la Wallonie francophone. Cependant, dans la seconde moitié du XXe siècle, l'économie flamande s'est rapidement modernisée et aujourd'hui, la Flandre est nettement plus riche que son homologue du sud. Géographiquement, la Flandre est généralement plate et possède une petite partie de la côte sur la mer du Nord. Une grande partie de la Flandre est agricolement fertile et densément peuplée, avec une densité de population de près de 500 habitants par kilomètre carré (1 200 par mile carré). Elle borde la France à l'ouest, les Pays-Bas au nord et à l'est et la Wallonie au sud. La Région de Bruxelles-Capitale est une enclave au sein de la Région flamande. La Flandre possède ses propres enclaves : Fourons à l'est se situe entre la Wallonie et les Pays-Bas et Baarle-Hertog au nord se compose de 22 enclaves entourées par les Pays-Bas. Terminologie En Belgique Le terme « Flandre » a plusieurs significations principales : * La « communauté flamande » ou « nation flamande », c'est-à-dire la communauté sociale, culturelle et linguistique, scientifique et éducative, économique et politique des Flamands. Il comprend 6,5 millions de Belges (60%) qui considèrent le néerlandais comme leur langue maternelle. * Les subdivisions politiques de la Belgique : la Région flamande (compétente en matière principalement économique) et la Communauté flamande (compétente en matière principalement culturelle). La première ne comprend pas Bruxelles (qui forme sur elle-même une Région), alors que la seconde oui. * Les institutions politiques qui régissent les deux subdivisions : l'organe opérationnel « Gouvernement flamand » et l'organe législatif « Parlement flamand ». * Les deux provinces les plus occidentales de la Région flamande, la Flandre occidentale et la Flandre orientale, formant la partie centrale du Comté historique de Flandre. En Belgique et dans les pays voisins * Territoire féodal qui existait depuis le VIIIe siècle (Flandrie) jusqu'à son absorption par la Première République française. Jusque dans les années 1600, ce comté s'étendait également sur certaines parties de la France et des Pays-Bas. * Une des régions conquises par les Français en Flandre, à savoir la Flandre française dans le département du Nord. La Flandre française peut être divisée en deux régions plus petites : la Flandre Lilloise et la Flandre Maritime. La première région était déjà majoritairement francophone dans les années 1600, la seconde le devint au XXe siècle. La ville de Lille s'identifie comme « flamande », et cela se reflète par exemple dans le nom de sa gare locale TGV Lille Flandres. * La région conquise par la République néerlandaise en Flandre, qui fait désormais partie de la province néerlandaise de Zélande. Partie néerlandophone de la Belgique L'importance du comté de Flandre et de ses comtés s'est érodée au fil du temps, mais la désignation est restée dans un sens très large. Au début de l’époque moderne, le terme Flandre était associé à la partie sud des Pays-Bas : les Pays-Bas du Sud. Au cours des XIXe et XXe siècles, il est devenu de plus en plus courant de désigner la partie néerlandophone de la Belgique sous le nom de « Flandre ». La limite linguistique entre le français et le néerlandais a été constatée au début des années 60, de Courtrai à Maastricht. Aujourd'hui, la Flandre s'étend sur la partie nord de la Belgique, y compris le Limbourg belge (correspondant étroitement au comté médiéval de Loon) et les parties belges du duché médiéval de Brabant. L'ambiguïté entre cette zone plus large et celle du Comté (ou de ses parties belges) demeure. Cependant, dans la plupart des contextes actuels, le terme Flandre désigne généralement soit la communauté politique, sociale, culturelle et linguistique (et l'institution officielle correspondante, la Communauté flamande), soit la zone géographique, l'une des trois régions institutionnelles en Belgique, à savoir la Région flamande. Dans l'histoire de l'art et dans d'autres domaines, les adjectifs flamand et hollandais sont couramment utilisés pour désigner toute la production artistique de cette région avant 1580 environ, après quoi ils désignent spécifiquement les Pays-Bas méridionaux. Par exemple, le terme « Primitifs flamands », désormais dépassé en anglais mais utilisé en français, en flamand et dans d'autres langues, est synonyme de « Early Russisch Peinture », et il n'est pas rare de voir l'art mosan catégorisé comme art flamand. En musique, l'école franco-flamande est également connue sous le nom d'école hollandaise. Dans cette partie néerlandophone de la Belgique, le français n'a jamais cessé d'être parlé par certains citoyens et des groupes juifs parlent le yiddish à Anvers depuis des siècles. Aujourd'hui, les résidents minoritaires de Flandre comprennent 170 nationalités, les groupes les plus importants parlant français, anglais, berbère, turc, arabe, espagnol, italien et polonais. Histoire Histoire ancienne La zone, englobant à peu près les significations géographiques ultérieures de la Flandre, était considérée comme située dans la partie nord et la moins développée économiquement de la Gallia Belgica. Sous l'Empire romain, cette région est devenue une province administrative, mais une grande partie de la Belgique moderne est finalement devenue une partie de la Germanie Inférieure. C'étaient les provinces continentales les plus septentrionales de l'empire romain. Linguistiquement, les tribus de cette région étaient sous influence celtique au sud et germanique à l'est, mais il existe un désaccord sur la langue parlée localement, qui pourrait même avoir été une langue intermédiaire du « bloc du Nord-Ouest » liée aux deux. Au premier siècle avant JC, les langues germaniques étaient devenues répandues. Dans le futur comté de Flandre, la principale tribu belge à l'époque romaine était les Ménapii, mais aussi sur la côte les Marsacii et les Morini. Dans la partie centrale de la Belgique moderne se trouvaient les Nerviens et à l'est les Tungri. On pensait en particulier que les Toungri avaient des liens avec les tribus germaniques à l'est du Rhin. Un autre groupe notable était celui des Toxandriens qui semblent avoir vécu dans la région de Kempen, dans les parties nord des provinces de Nervian et de Toungrian. Les provinces romaines des Menapii, Nervii et Tungri correspondent donc à peu près aux comtés médiévaux de Flandre, Brabant et Loon, et aux provinces modernes de Flandre orientale et occidentale (Menapii), du Brabant et d'Anvers (Nervii) et du Limbourg belge (Tungri). . La Flandre historique Créé en 862 comme fief féodal en Francie occidentale, le comté de Flandre fut divisé lorsque ses districts occidentaux tombèrent sous domination française à la fin du XIIe siècle. Le reste de la Flandre passa sous la domination des comtes du Hainaut voisin en 1191. L'ensemble de la région passa en 1384 aux ducs de Bourgogne, en 1477 à la dynastie des Habsbourg et en 1556 aux rois d'Espagne. Les districts occidentaux de la Flandre passèrent finalement sous domination française par les traités successifs de 1659 (Artois), 1668 et 1678. À la fin du Moyen Âge, les villes commerçantes de la Flandre (notamment Gand, Bruges et Ypres) en ont fait l'une des régions les plus riches et les plus urbanisées d'Europe, tissant la laine des terres voisines pour en faire des tissus destinés à la fois à l'usage domestique et à l'exportation. En conséquence, une culture très sophistiquée s'est développée, avec des réalisations impressionnantes dans les arts et l'architecture, rivalisant avec celles du nord de l'Italie. Gand, Bruges, Ypres et le Franc de Bruges formaient les Quatre Membres, une forme de parlement qui exerçait un pouvoir considérable en Flandre. De plus en plus puissantes à partir du XIIe siècle, les communes urbaines autonomes du territoire ont joué un rôle déterminant dans la défaite d'une tentative d'annexion française (1300-1302), pour finalement vaincre les Français lors de la bataille des Éperons d'Or (11 juillet 1302), près de Courtrai. Deux ans plus tard, le soulèvement fut vaincu et la Flandre resta partie de la Couronne française. Cependant, la prospérité flamande a diminué au siècle suivant, en raison du déclin généralisé de la population européenne après la peste noire de 1348, de la perturbation du commerce pendant la guerre de Cent Ans anglo-française (1337-1453) et de l'augmentation de la production de tissus anglaise. Les tisserands flamands s'étaient rendus à Worstead et North Walsham dans le Norfolk au XIIe siècle et avaient établi l'industrie de la laine. Le comté de Flandre a commencé à prendre le contrôle du comté voisin de Brabant pendant la vie de Louis II, comte de Flandre (1330-1384), qui s'est battu avec sa belle-sœur Jeanne, duchesse de Brabant pour en obtenir le contrôle. Les titres furent finalement plus clairement unis sous Philippe le Bon (1396 – 1467), duc de Bourgogne. Le comté de Loon, approximativement la province flamande moderne du Limbourg, est resté indépendant sous la seigneurie de l'archevêque de Liège jusqu'à la Révolution française, mais entouré par les Bourguignons. Pays Bas ; Tempête de Belden En 1500, Charles V naît à Gand. Il hérita des Dix-Sept Provinces (1506), de l'Espagne (1516) avec ses colonies et fut élu empereur du Saint-Empire en 1519. La Sanction pragmatique de 1549, émise par Charles Quint, a établi les Pays-Bas sous le nom de Dix-sept provinces (ou Pays-Bas espagnols au sens large) en tant qu'entité distincte du Saint-Empire romain germanique et de la France. En 1556, Charles V abdiqua pour cause de mauvaise santé (il souffrait de goutte invalidante). L'Espagne et les dix-sept provinces revinrent à son fils, le roi Philippe II d'Espagne. Au cours de la première moitié du XVIe siècle, Anvers s'est développée pour devenir en 1560 la deuxième plus grande ville européenne au nord des Alpes. Anvers était à cette époque la ville la plus riche d'Europe. Selon Luc-Normand Tellier "On estime que le port d'Anvers rapportait à la couronne espagnole sept fois plus de revenus que les Amériques". Pendant ce temps, le protestantisme avait gagné les Pays-Bas. Parmi les riches commerçants d'Anvers, les croyances luthériennes des commerçants hanséatiques allemands trouvèrent un attrait, peut-être en partie pour des raisons économiques. La présence d'un cloître augustinien (fondé en 1514) dans le quartier de Saint-André a favorisé la propagation du protestantisme dans cette ville. Luther, lui-même augustinien, avait enseigné à certains moines et ses œuvres étaient imprimées en 1518. Les premiers martyrs luthériens venaient d'Anvers. La Réforme a donné lieu à des vagues de réformes consécutives mais superposées : un mouvement luthérien, suivi d'un militant anabaptiste, puis d'un mennonite et enfin d'un mouvement calviniste. Ces mouvements existaient indépendamment les uns des autres. Philippe II, fervent catholique et protecteur autoproclamé de la Contre-Réforme, a supprimé le calvinisme en Flandre, dans le Brabant et en Hollande (ce qui est aujourd'hui approximativement le Limbourg belge faisait partie de l'évêché de Liège et était catholique de facto). En 1566, la vague d'iconoclasme connue sous le nom de Beeldenstorm fut le prélude à une guerre de religion entre catholiques et protestants, notamment les anabaptistes. La tempête de Beelden a commencé dans ce qui est aujourd'hui la Flandre française, avec des sermons en plein air () qui se sont propagés à travers les Pays-Bas, d'abord à Anvers et à Gand, et de là plus à l'est et au nord. Au total, cela n’a même pas duré un mois. ; La guerre de Quatre-Vingts Ans et ses conséquences Par la suite, Philippe II envoie le duc d'Albe en province pour réprimer la révolte. Alba a reconquis la partie sud des provinces, qui ont signé l'Union d'Atrecht, ce qui signifiait qu'elles accepteraient le gouvernement espagnol à condition de plus de liberté. Mais la partie nord des provinces signa l'Union d'Utrecht et fonda en 1581 la République des Sept Pays-Bas Unis. Les troupes espagnoles commencèrent rapidement à combattre les rebelles, mais avant que la révolte puisse être complètement vaincue, une guerre entre l'Angleterre et l'Espagne avait éclaté, obligeant les troupes espagnoles de Philippe à stopper leur avance. Entre-temps, les armées espagnoles avaient déjà conquis les importantes villes commerciales de Bruges et de Gand. Il fallait également conquérir Anvers, qui était alors le port le plus important du monde. Le 17 août 1585, Anvers tombe. Cela a mis fin à la guerre de quatre-vingts ans pour les Pays-Bas du Sud (désormais). Les Provinces-Unies (le nord des Pays-Bas) combattirent jusqu'en 1648 – la Paix de Westphalie. Alors que l'Espagne était en guerre contre l'Angleterre, les rebelles du nord, renforcés par les réfugiés du sud, lancèrent une campagne pour récupérer les zones perdues face aux troupes espagnoles de Philippe II. Ils réussirent à conquérir une partie considérable du Brabant (plus tard Noord-Brabant des Pays-Bas) et la rive sud de l'estuaire de l'Escaut (Zeeuws-Vlaanderen), avant d'être arrêtés par les troupes espagnoles. À la fin de cette guerre, la ligne de front s'est stabilisée et est devenue la frontière actuelle entre la Belgique et les Pays-Bas actuels. Les Néerlandais (comme on les appelait plus tard) avaient réussi à récupérer suffisamment de Flandre sous contrôle espagnol pour fermer l'Escaut, coupant ainsi Anvers de ses routes commerciales. D'abord, la chute d'Anvers aux mains des Espagnols et plus tard également la fermeture de l'Escaut furent la cause d'une émigration considérable d'Antverpiens. De nombreux marchands calvinistes d'Anvers et d'autres villes flamandes quittèrent la Flandre et émigrèrent vers le nord. Un grand nombre d'entre eux se sont installés à Amsterdam, qui était à l'époque un port plus petit, important uniquement pour le commerce baltique. Au cours des années suivantes, Amsterdam s'est rapidement transformée en l'un des ports les plus importants au monde. En raison de la contribution des exilés flamands à cette transformation, l'exode est parfois décrit comme « la création d'un nouvel Anvers ». La Flandre et le Brabant, à cause de ces événements, entrèrent dans une période de déclin relatif à partir de la guerre de Trente Ans. Cependant, dans le nord des Pays-Bas, l’émigration massive des Flandres et du Brabant est devenue un moteur important de l’âge d’or néerlandais. ; Pays-Bas du Sud (1581-1795) Bien que les arts soient restés à un niveau relativement impressionnant pendant un autre siècle avec Peter Paul Rubens (1577-1640) et Anthony van Dyck, la Flandre a connu une perte de son ancienne puissance économique et intellectuelle sous la domination espagnole, autrichienne et française, avec une fiscalité lourde et des règles rigides. le contrôle politique impérial aggrave les effets de la stagnation industrielle et des conflits hispano-néerlandais et franco-autrichien. Les Pays-Bas du Sud ont beaucoup souffert de la guerre de Succession d'Espagne, mais sous le règne de l'impératrice Marie-Thérèse, ces terres ont de nouveau prospéré économiquement. Influencé par le siècle des Lumières, l'empereur autrichien Joseph II fut le premier souverain à résider dans le sud des Pays-Bas depuis que le roi Philippe II d'Espagne les quitta en 1559. ; Révolution française et France napoléonienne (1795-1815) En 1794, l'Armée républicaine française a commencé à utiliser Anvers comme port naval le plus septentrional de la France, pays qui a officiellement annexé la Flandre l'année suivante sous le nom de départements du Lys, de l'Escaut, des Deux-Nèthes, de la Meuse-Inférieure et de la Dyle. Le service militaire obligatoire (français) pour tous les hommes âgés de 16 à 25 ans fut l'une des principales raisons du soulèvement populaire contre les Français en 1798, connu sous le nom de Boerenkrijg (Guerre des paysans), avec les combats les plus violents dans la région de la Campine. ; Royaume-Uni des Pays-Bas (1815-1830) Après la défaite de Napoléon Bonaparte lors de la bataille de Waterloo en 1815 à Waterloo, dans le Brabant, la souveraineté sur les Pays-Bas autrichiens – la Belgique moins les cantons de l'Est et le Luxembourg – fut donnée par le Congrès de Vienne (1815) aux Pays-Bas unis (néerlandais : Verenigde Nederlanden ), l'État qui a brièvement existé sous le prince souverain Guillaume Ier d'Orange Nassau, ce dernier roi Guillaume Ier du Royaume-Uni des Pays-Bas, après que l'Empire français ait été chassé des territoires néerlandais. Le Royaume-Uni des Pays-Bas était né. Le roi protestant des Pays-Bas, Guillaume Ier, commença rapidement l'industrialisation des parties méridionales du royaume. Cependant, le système politique mis en place n’a pas réussi, lentement mais sûrement, à forger une véritable union entre le nord et le sud du Royaume. La bourgeoisie du sud était majoritairement catholique, contrairement à la bourgeoisie du nord, majoritairement protestante ; Une grande partie de la bourgeoisie du Sud parlait également principalement le français plutôt que le néerlandais. En 1815, le Sénat néerlandais fut rétabli (néerlandais : Eerste Kamer der Staaten Generaal). La noblesse, venue principalement du sud, s'éloigne de plus en plus de ses collègues du nord. Le ressentiment grandit à la fois entre les catholiques romains du sud et les protestants du nord, ainsi qu'entre la puissante bourgeoisie libérale du sud et leurs collègues plus modérés du nord. Le 25 août 1830 (après la représentation de l'opéra 'La Muette de Portici' de Daniel Auber à Bruxelles) la Révolution belge éclate et devient un fait. Le 4 octobre 1830, le gouvernement provisoire (néerlandais : Voorlopig Bewind) proclama l'indépendance, qui fut ensuite confirmée par le Congrès national qui publia une nouvelle Constitution libérale et déclara le nouvel État monarchie constitutionnelle, sous la Maison de Saxe-Cobourg. La Flandre fait désormais partie du Royaume de Belgique, reconnu par les grandes puissances européennes le 20 janvier 1831. La dissidence de facto est finalement reconnue par le Royaume-Uni des Pays-Bas le 19 avril 1839. Royaume de Belgique En 1830, la Révolution belge entraîne la scission des deux pays. La Belgique a été confirmée comme État indépendant par le Traité de Londres de 1839, mais privée de la moitié orientale du Limbourg (aujourd'hui Limbourg néerlandais) et de la moitié orientale du Luxembourg (aujourd'hui Grand-Duché de Luxembourg). La souveraineté sur la Flandre zélandaise, au sud du delta de l'Escaut occidental, a été laissée au Royaume des Pays-Bas, qui a été autorisé à percevoir un péage sur tout le trafic vers le port d'Anvers jusqu'en 1863. ; Montée du mouvement flamand La Révolution belge ne fut pas bien soutenue en Flandre et même le 4 octobre 1830, lorsque l'indépendance belge fut finalement déclarée, les autorités flamandes refusèrent d'accepter les ordres du nouveau gouvernement belge à Bruxelles. Ce n'est qu'après que la Flandre fut soumise un mois plus tard, avec l'aide d'une importante force militaire française, sous la direction du comte de Pontécoulant, que la Flandre devint une véritable partie de la Belgique. La bourgeoisie francophone montrait très peu de respect pour la partie néerlandophone de la population. Le français est devenu la seule langue officielle en Belgique et tout enseignement secondaire et supérieur en langue néerlandaise a été aboli. En 1834, toutes les personnes, même vaguement soupçonnées d'être « flamandes » ou d'appeler à la réunification des Pays-Bas, furent poursuivies en justice et leurs maisons pillées et incendiées. La Flandre, jusqu’alors une région européenne très prospère, n’était pas considérée comme intéressante en termes d’investissement et d’érudition. Une étude de 1918 démontrait qu'au cours des 88 premières années de son existence, 80 % du PNB belge était investi en Wallonie. Cela a conduit à une pauvreté généralisée en Flandre, obligeant environ 300 000 Flamands à émigrer en Wallonie pour y travailler dans l'industrie lourde. Tous ces événements conduisirent à un soulèvement silencieux en Flandre contre la domination francophone. Mais ce n'est qu'en 1878 que le néerlandais fut autorisé à être utilisé à des fins officielles en Flandre (voir la législation linguistique en Belgique), même si le français resta la seule langue officielle en Belgique. En 1873, le néerlandais devient la langue officielle des écoles secondaires publiques. En 1898, le néerlandais et le français furent déclarés langues égales dans les lois et arrêtés royaux. En 1930, la première université flamande fut ouverte. La première traduction officielle de la Constitution belge en néerlandais n'a été publiée qu'en 1967. ; La Première Guerre mondiale et ses conséquences La Flandre (et la Belgique dans son ensemble) a connu certaines des plus grandes pertes en vies humaines sur le front occidental de la Première Guerre mondiale, en particulier lors des trois batailles d'Ypres. Le sentiment d'identité et de conscience flamand s'est développé à travers les événements et les expériences de la guerre. Les autorités d'occupation allemandes ont pris plusieurs mesures favorables aux Flamands. Plus important encore, les expériences de nombreux soldats néerlandophones sur le front menés par des officiers francophones ont catalysé l'émancipation flamande. Les officiers francophones donnaient souvent des ordres en français uniquement, suivis de « et pour les Flamands, la même chose ! », signifiant « et pour les Flamands, la même chose ! (ce qui n'a pas aidé les conscrits flamands, qui étaient pour la plupart des agriculteurs sans instruction et des ouvriers incapables de comprendre ce qui avait été dit en français).— Note : Cette citation en langue française "Et pour ...!" est devenue une expression inventée en Belgique et, à ce titre, publiée à l'étranger. Par exemple.: Les organisations flamandes se souviennent encore des souffrances qui en ont résulté lors du pèlerinage annuel de l'Yser à Dixmude, au monument de la Tour de l'Yser. ; Le nationalisme de droite pendant l’entre-deux-guerres et la Seconde Guerre mondiale Durant l'entre-deux-guerres et la Seconde Guerre mondiale, plusieurs partis de droite fascistes et/ou national-socialistes ont émergé en Belgique, les flamands étant dynamisés par la discrimination anti-flamande des Wallons. Comme le gouvernement allemand avait promis à ces partis davantage de droits pour les Flamands pendant la Seconde Guerre mondiale, nombre d'entre eux ont collaboré avec le régime nazi. Après la guerre, les collaborateurs (ou les personnes qui étaient Zwart, « Noirs » pendant la guerre) furent poursuivis et punis, parmi lesquels de nombreux nationalistes flamands dont le principal objectif politique avait été l'émancipation de la Flandre. C’est pourquoi le nationalisme flamand est jusqu’à aujourd’hui souvent associé à des idéologies de droite et parfois fascistes. ; Autonomie flamande Après la Seconde Guerre mondiale, les différences entre Belges néerlandophones et francophones sont apparues clairement dans un certain nombre de conflits, comme la question royale, la question du retour du roi Léopold III (que la plupart des Flamands soutenaient mais pas les Wallons) et la question du retour du roi Léopold III (que la plupart des Flamands soutenaient mais pas les Wallons) et la utilisation du néerlandais à l'Université catholique de Louvain. En conséquence, plusieurs réformes de l'État ont eu lieu dans la seconde moitié du XXe siècle, qui ont transformé la Belgique unitaire en un État fédéral doté de communautés, de régions et d'espaces linguistiques. Cela a également abouti à la création d'un Parlement et d'un gouvernement flamands. Au cours des années 1970, tous les grands partis politiques se sont divisés en un parti flamand et francophone. Plusieurs partis flamands plaident encore pour plus d'autonomie flamande, certains même pour l'indépendance flamande (voir Partition de la Belgique), alors que les francophones souhaiteraient maintenir l'état actuel tel qu'il est. Les gouvernements récents (comme le gouvernement Verhofstadt I) ont transféré certaines compétences fédérales aux gouvernements régionaux. Le 13 décembre 2006, une fausse nouvelle diffusée par la radio publique belge francophone RTBF déclarait que la Flandre avait décidé de déclarer son indépendance de la Belgique. Les élections fédérales de 2007 ont montré un soutien accru à l'autonomie flamande, marquant le début de la crise politique belge de 2007-2011. Tous les partis politiques qui prônaient une augmentation significative de l'autonomie flamande ont obtenu des voix ainsi que des sièges au Parlement fédéral belge. C'était notamment le cas de la Démocratie chrétienne et de l'Alliance flamande et néo-flamande (N-VA) (qui avaient participé sur une liste électorale commune). La tendance s'est poursuivie lors des élections régionales de 2009, où le CD&V et la N-VA ont été clairement vainqueurs en Flandre, et la N-VA est même devenue le plus grand parti en Flandre et en Belgique lors des élections fédérales de 2010, suivie par la formation gouvernementale la plus longue de tous les temps après lequel le gouvernement Di Rupo I a été formé à l'exclusion de la N-VA. Huit partis se sont mis d'accord sur une sixième réforme de l'État visant à résoudre les conflits entre Flamands et francophones. Les élections provinciales et communales de 2012 ont toutefois poursuivi la tendance selon laquelle la N-VA est devenue le plus grand parti de Flandre. Cependant, les études sociologiques ne montrent aucun parallèle entre la montée des partis nationalistes et le soutien populaire à leur programme. Au lieu de cela, une étude récente a révélé une majorité favorable au retour des compétences régionales au niveau fédéral. Ces victoires des partisans d'une plus grande autonomie flamande sont tout à fait parallèles aux sondages d'opinion qui montrent une augmentation structurelle de . Depuis 2006, certains sondages commencent à montrer l'indépendance flamande. Ces sondages ne sont pas encore représentatifs, mais ils pointent vers une tendance significative à long terme. Gouvernement et politique La Communauté flamande et la Région flamande sont toutes deux des institutions constitutionnelles du Royaume de Belgique, exerçant certaines compétences dans leur ressort, accordées à la suite d'une série de réformes de l'État. Dans la pratique, la Communauté flamande et la Région forment ensemble un seul corps, doté de son propre parlement et de son propre gouvernement, puisque la Communauté a absorbé légalement les compétences de la Région. Le Parlement est un organe législatif élu directement composé de 124 représentants. Le gouvernement comprend au maximum onze membres et est présidé par un ministre-président, actuellement Geert Bourgeois (Nouvelle Alliance flamande) à la tête d'une coalition de son parti (N-VA) avec Christen-Democratisch en Vlaams (CD&V) et Open Vlaamse Liberalen en Democraten (Open VLD). Le territoire de la Communauté flamande est représenté sur les cartes ci-dessus, y compris le territoire de la Région de Bruxelles-Capitale (hachuré sur la carte concernée). En gros, la Communauté flamande exerce des compétences initialement orientées vers les individus de langue communautaire : culture (y compris les médias audiovisuels), éducation et usage de la langue. Les extensions à des questions personnelles moins directement liées à la langue comprennent le sport, la politique de santé (médecine curative et préventive) et l'aide aux individus (protection de la jeunesse, protection sociale, aide aux familles, services d'aide aux immigrés, etc.) La région flamande est représentée sur les cartes ci-dessus. Elle compte plus de 6 millions d'habitants (sans compter la communauté néerlandophone de la Région bruxelloise, grisée sur la carte car elle ne fait pas partie de la Région flamande). En gros, la Région flamande est responsable des questions territoriales au sens large, notamment l'économie, l'emploi, l'agriculture, la politique de l'eau, le logement, les travaux publics, l'énergie, les transports, l'environnement, l'aménagement du territoire, la protection de la nature, le crédit et le commerce extérieur. . Elle supervise les provinces, les communes et les entreprises de services publics intercommunales. Le nombre de Flamands néerlandophones dans la région de la capitale est estimé entre 11 % et 15 % (les chiffres officiels n'existent pas car il n'y a pas de recensement linguistique ni de sous-nationalité officielle). Selon une enquête menée par l'Université catholique de Louvain à Louvain-la-Neuve et publiée en juin 2006, 51% des Bruxellois se déclarent bilingues, même s'ils n'ont pas le néerlandais comme langue maternelle. Ils sont régis par la Région bruxelloise pour les affaires économiques et par la Communauté flamande pour les questions éducatives et culturelles. Comme mentionné ci-dessus, les institutions flamandes telles que le Parlement et le Gouvernement flamands représentent la Communauté flamande et la Région flamande. La région et la communauté partagent donc de facto le même parlement et le même gouvernement. Toutes ces institutions sont basées à Bruxelles. Néanmoins, les deux types de subdivisions (la Communauté et la Région) existent toujours légalement et la distinction entre les deux est importante pour les Bruxellois. Les députés flamands élus en Région bruxelloise ne peuvent pas voter sur les affaires relevant des compétences de la Région flamande. La langue officielle de toutes les institutions flamandes est le néerlandais. Le français bénéficie d'une reconnaissance officielle limitée dans une douzaine de communes frontalières avec la Wallonie francophone, et d'une large reconnaissance dans la Région bruxelloise bilingue. Le français est largement connu en Flandre, avec 59 % déclarant connaître le français selon une enquête menée par l'Université catholique de Louvain à Louvain-la-Neuve et publiée en juin 2006. Politique Historiquement, les partis politiques reflétaient la pilarisation (verzuiling) de la société flamande. Les partis politiques traditionnels des trois piliers sont les Démocrates-Chrétiens et Flamands (CD&V), l'Open Libéraux et Démocrates Flamands (Open Vld) et le Parti Socialiste – Autrement (sp.a). Cependant, au cours du dernier demi-siècle, de nombreux nouveaux partis politiques ont été fondés en Flandre. L'un des premiers fut l'Union populaire nationaliste, dont le Bloc nationaliste flamand de droite (aujourd'hui Intérêt flamand) s'est séparé, et qui s'est ensuite dissous dans l'Esprit ou Parti social-libéral, aujourd'hui disparu, un nationalisme modéré plutôt à gauche du spectre, sur le d'une part, et la Nouvelle Alliance flamande (N-VA), plus conservatrice mais indépendantiste, d'autre part. Les autres partis sont le parti vert alternatif/écologique de gauche ; l'éphémère étincelle libertaire anarchiste ROSSEM et plus récemment le libéral conservateur de droite List Dedecker, fondé par Jean-Marie Dedecker, et le Parti socialiste des travailleurs. Le Bloc flamand/Intérêt flamand a notamment connu des succès électoraux au tournant du siècle environ, et la Nouvelle Alliance flamande lors des dernières élections, devenant même le parti le plus important aux élections fédérales de 2010. Indépendance flamande Pour certains habitants, la Flandre est bien plus qu'une simple zone géographique ou des institutions fédérales (Communauté et Région flamande). Les partisans du Mouvement flamand le qualifient même de nation et recherchent l'indépendance flamande, mais la plupart (environ 75 %) des habitants de la Flandre se disent fiers d'être Belges et opposés à la dissolution de la Belgique. 20% en sont même très fiers, tandis qu'environ 25% ne le sont pas et 8% ne le sont pas du tout. La plupart des étudiants se déclarent fiers de leur nationalité, 90 % d'entre eux le restant. Parmi les personnes de plus de 55 ans, 31% se déclarent fières d'être Belges. L'opposition à la sécession vient particulièrement des femmes, des personnes employées dans les services, des classes sociales les plus élevées et des personnes issues de familles nombreuses. Les plus fortes oppositions à cette notion sont les femmes de ménage – tant les femmes au foyer que les hommes au foyer. En 2012, le gouvernement flamand a rédigé une « Charte pour la Flandre » (Handvest voor Vlaanderen) dont le premier article dit : « La Flandre est un deelstaat van de Federale Staat België en maakt deel uit van de Europese Unie ». ("La Flandre est un Etat composant l'Etat fédéral de Belgique et fait partie de l'Union européenne"). Bien qu'interprétée par de nombreux nationalistes flamands comme une déclaration, cette phrase n'est qu'une citation de la Constitution belge et n'a plus aucune valeur juridique. Géographie La Flandre partage ses frontières avec la Wallonie au sud, Bruxelles étant une enclave au sein de la Région flamande. Le reste de la frontière est partagé avec les Pays-Bas (Flandre zélandaise, Brabant septentrional et Limbourg) au nord et à l'est, et avec la France (Flandre française) et la mer du Nord à l'ouest. Fourons est une enclave de Flandre entre la Wallonie et les Pays-Bas, tandis que Baarle-Hertog en Flandre forme une série complexe d'enclaves et d'exclaves avec Baarle-Nassau aux Pays-Bas. L'Allemagne, bien que limitrophe de la Wallonie et proche de Fourons dans le Limbourg, ne partage pas de frontière avec la Flandre. La Communauté germanophone de Belgique, également proche de Fourons, n'est pas non plus limitrophe de la Flandre. (La commune de Plombières, à majorité francophone, se situe entre eux.) La Flandre est une zone fortement urbanisée, entièrement située dans la Banane Bleue. Anvers, Gand, Bruges et Louvain sont les plus grandes villes de la Région flamande. Anvers a une population de plus de 500 000 habitants et est la plus grande ville, Gand a une population de 250 000 habitants, suivie de Bruges avec 120 000 habitants et Louvain en compte presque

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Quel duo de chanteurs américains a débuté sous les noms de Caesar et Cleo ?

Sonny et Cher

Sonny & Cher était un duo de musique pop américain composé d'acteurs, de chanteurs et d'artistes composé du mari et de la femme Sonny et Cher Bono dans les années 1960 et 1970. Le couple a débuté sa carrière au milieu des années 1960 en tant que choristes R&B pour le producteur de disques Phil Spector. Le couple est devenu célèbre pour la première fois avec deux chansons à succès en 1965, "Baby Don't Go" et "I Got You Babe". En signant avec Atco/Atlantic Records, ils ont sorti trois albums studio à la fin des années 1960, ainsi que l'enregistrement de la bande originale d'un film infructueux, Good Times. En 1972, après quatre ans de silence, le couple retourne en studio et sort deux autres albums sous le label MCA/Kapp Records. Dans les années 1970, ils se sont également positionnés comme personnalités médiatiques avec deux des dix émissions de télévision les plus populaires aux États-Unis, The Sonny & Cher Comedy Hour et The Sonny & Cher Show. La carrière du couple en duo prend fin en 1975 suite à leur divorce. Au cours de la décennie qu'ils ont passée ensemble, Sonny et Cher ont vendu plus de 40 millions de disques dans le monde. Se produisant sous son prénom, Cher a poursuivi une carrière très réussie en tant que chanteuse solo et actrice, tandis que Sonny Bono a finalement été élu au Congrès en tant que représentant républicain des États-Unis de Californie. Les deux artistes ont été intronisés sur le Hollywood Walk of Fame en 1998, juste après la mort de Sonny dans un accident de ski. Carrière 1962-1964 : l'origine Cherilyn Sarkisian a rencontré Salvatore Bono pour la première fois dans un café de Los Angeles en novembre 1962, alors qu'elle avait seize ans. De onze ans son aîné, Bono travaillait pour le producteur de disques Phil Spector aux Gold Star Studios à Hollywood. Les deux sont devenus meilleurs amis, voire amants, et se seraient mariés en 1964, mais Bono dit dans son autobiographie qu'il ne s'agissait pas d'un mariage officiel (ils se sont en fait légalement mariés après la naissance de leur fille, Chastity). Grâce à Bono, Cher a commencé comme chanteuse de session et a chanté sur plusieurs enregistrements classiques de Spector, notamment "Be My Baby" des Ronettes, "You've Lost That Loving Feeling" des Righteous Brothers et "A Fine," de Darlene Love. Bon garçon". Dans la composition de Darlene Love, l'auditeur peut clairement entendre Cher et Sonny près du micro (avec Love, qui a enregistré ses propres chœurs). 1965-1966 : évolution de carrière Alors que Bono continuait d'écrire, d'arranger et de produire les chansons, la première incarnation du couple fut le duo "César et Cléo". Ils ont reçu peu d'attention, malgré la sortie de quelques singles en 1964 : "The Letter", avec Vault Records, et "The Letter", "Do You Wanna Dance" et "Love Is Strange", avec Reprise Records. En septembre 1964, ils sortent "Baby Don't Go" sous le nom de Sonny & Cher, qui devient leur premier succès régional. La chanson a ensuite été incluse dans la compilation Reprise de 1965 Baby Don't Go – Sonny & Cher and Friends, qui comprenait également des chansons d'artistes tels que Bill Medley, The Lettermen et The Blendells. Le duo sort son premier album Look at Us à l'été 1965. L'album contient l'éventuel single numéro un " I Got You Babe ". Look at Us s'est vendu rapidement, atteignant la deuxième place du classement Billboard pendant huit semaines à la fin de 1965. Le couple est rapidement apparu dans plusieurs des plus grandes émissions de télévision de l'époque, notamment The Ed Sullivan Show, American Bandstand, Where The Action Is, Hollywood A Go-Go, Hollywood Palace, Hullabaloo, Beat Club, Shindig !, Ready Steady Go ! et Top des Pops. Ils sont également apparus comme eux-mêmes dans le film Wild on the Beach, chantant "It's Gonna Rain". Sur leur premier album, Bono a également affiché son intérêt politique bien avant de se présenter au Congrès dans les paroles de la chanson "The Revolution Kind". Suite au succès de Look at Us, ils sortent leur deuxième album studio en avril 1966, The Wondrous World of Sonny & Chér, qui culmine à la 34e place. Le couple voyage également et se produit à travers le monde, et les billets comptent parmi les meilleurs. le plus chaud à l'époque. Les fans faisaient la queue pour acheter des billets pour Sonny et Cher pour leur première tournée, le Wondrous World Tour. Les deux hommes sont rapidement devenus une sensation, vêtus de peaux d'animaux, Bono portant des bottes d'homme des cavernes hautes et Cher pieds nus. En 1965, cinq de leurs chansons figuraient dans le Top 20 du Billboard américain, un record dépassé uniquement par Elvis Presley et derrière des artistes célèbres comme les Beatles, les Rolling Stones et d'autres. Les sorties solo périodiques de Cher se sont poursuivies pendant cette période, y compris des succès majeurs avec "Bang Bang (My Baby Shot Me Down)", et le thème de Burt Bacharach & Hal David de "Alfie" (tel qu'entendu dans le film Alfie, ainsi qu'un single), tous deux sortis en 1966. Ils sont devenus brièvement controversés à Los Angeles pour s'être rangés du côté des jeunes harcelés sur le Sunset Strip ; en conséquence, ils ont été démis de leur position d'honneur promise lors du défilé du Tournoi des Roses en janvier 1967. 1967-1969 : malheurs de carrière En 1967, Sonny et Cher sortent leur troisième album, In Case You're In Love. Il a culminé au numéro 46 dans les charts américains. Il contenait deux singles à succès, tous deux écrits par Bono, "The Beat Goes On" (n°6 sur le Billboard Hot 100) et "Little Man" (n°21 sur le Billboard Hot 100), qui ont culminé au numéro un sur cinq en Europe. des pays. Dans une tentative de capitaliser sur le succès initial du duo, Bono a rapidement organisé un projet de film dans lequel le duo pourrait jouer. Mais le long métrage de 1967, Good Times, a été une bombe majeure, malgré les efforts du jeune réalisateur William Friedkin et de son co-star George. Sanders. Après l'échec de Good Times en 1968, Columbia Pictures vendit immédiatement les droits de son film de suivi prévu, Speedway, à la MGM. Le couple a été remplacé par Elvis Presley et Nancy Sinatra. En 1969, un autre film, Chastity, avec Cher, écrit et produit par Sonny, fut également une bombe commerciale. La carrière de Sonny et Cher était au point mort en 1968 alors que les ventes d'albums se tarissaient rapidement. Leur son pop doux et facile à écouter et leur vie sans drogue étaient devenus impopulaires à une époque de plus en plus marquée par le rock psychédélique du paysage en évolution de la culture pop américaine à la fin des années 1960. Bono a décidé d'aller de l'avant, ouvrant une nouvelle carrière au duo dans les stations balnéaires de Las Vegas, où ils ont aiguisé leur personnalité publique avec Cher comme la chanteuse sage et Bono comme le destinataire bon enfant de ses insultes. En réalité, Bono contrôlait tous les aspects de leur numéro, des arrangements musicaux à l'écriture des blagues. Même si le succès a mis du temps à venir, leur chance s'est améliorée lorsque des chercheurs de talents de télévision du réseau ont assisté à une émission, notant leur attrait potentiel pour une série de variétés. Sonny et Cher ont également accueilli leur premier enfant, Chastity Sun Bono, né le 4 mars 1969. 1970-1977 : succès télévisuel et divorce En 1970, Sonny et Cher ont joué dans leur première émission spéciale télévisée, The Nitty Gritty Hour, un mélange de comédie burlesque, de sketchs et de musique live. L'apparition a été un succès critique, qui a conduit à de nombreux spots invités dans d'autres émissions de télévision. Ils sont également apparus dans Les nouveaux films de Scooby-Doo en tant que stars invitées. Sonny et Cher ont attiré l'attention du responsable de la programmation de CBS, Fred Silverman, alors qu'ils animaient The Merv Griffin Show, et Silverman a offert au duo sa propre émission de variétés. La Sonny and Cher Comedy Hour a fait ses débuts en 1971 en tant que série de remplacement estivale. L'émission est revenue aux heures de grande écoute plus tard cette année-là et a été un succès immédiat, atteignant rapidement le Top 10. L'émission a reçu 15 nominations aux Emmy Awards au cours de sa diffusion, en remportant une pour la réalisation, tout au long de ses quatre premières saisons sur CBS. Le duo a également relancé sa carrière d'enregistrement en sortant l'album All I Ever Need Is You et en classant deux autres succès dans le top dix : " All I Ever Need Is You " et " A Cowboy's Work Is Never Done " en 1972. Les dialogues de Sonny et Cher étaient calqués sur les routines à succès en boîte de nuit de Louis Prima et Keely Smith : le mari insouciant écrasé par une remarque acidulée de la femme peu amusée. L'émission mettait en vedette une société par actions de comédiens loufoques, dont Freeman King, Ted Ziegler et Murray Langston (plus tard The Unknown Comic sur The Gong Show). Un sketch satirique de l'émission policière Cannon de CBS et de sa corpulente star William Conrad a connu un tel succès que Sonny et Cher ont organisé plusieurs suites, avec Tony Curtis dans le rôle de "Detective Fat". Tout le monde dans ces croquis portait des « gros costumes » à taille large (semblables à des jupes cerceaux), de sorte que le détective Fat, ses clients et ses suspects passaient la plupart du temps à se cogner et à rebondir à travers la salle bondée. À la troisième saison de Sonny and Cher Comedy Hour, le mariage de Sonny et Cher s'effondrait ; le duo s'est séparé plus tard cette année-là. L'émission a implosé, alors qu'elle était toujours dans le top 10 des audiences. Ce qui suivit fut un divorce désagréable et très public (finalisé le 27 juin 1975). Cher a remporté le Golden Globe Award de la meilleure performance d'une actrice dans une série télévisée musicale ou comique pour The Sonny and Cher Comedy Hour en 1974. Bono lance son propre spectacle, The Sonny Comedy Revue, à l'automne 1974, conservant la troupe de comédiens et d'écrivains « Sonny and Cher ». Cher a également annoncé son intention de jouer dans sa propre série de variétés. Les critiques prédisaient que Bono serait le grand gagnant avec une comédie solo, et n'avaient pas beaucoup d'espoir pour la vitrine plus musicale de Cher. Cependant, après seulement six semaines, le spectacle de Bono a été brusquement annulé. L'émission Cher a fait ses débuts sous la forme d'une émission spéciale élaborée composée de stars le 16 février 1975, mettant en vedette Flip Wilson, Bette Midler et l'invité spécial Elton John. Cloris Leachman et Jack Albertson ont tous deux remporté des Emmy Awards pour leurs apparitions en tant que guest-stars quelques semaines plus tard, et la série a reçu quatre nominations supplémentaires aux Emmy cette année-là. La première saison s'est classée dans le Top 25 des audiences de fin d'année. À la suite du divorce, Sonny et Cher se sont séparés jusqu'à ce que Cher assiste à l'ouverture de l'un des restaurants de Bono dans une sorte de réconciliation. Le Sonny & Cher Show est revenu en 1976, même s'ils n'étaient plus mariés (le duo s'est « réuni » avec une poignée de main humoristique). Après avoir lutté contre de faibles notes jusqu'en 1977, Sonny et Cher se sont finalement séparés pour de bon. En 1976, Mego Toys lance également une ligne de jouets et de poupées, à l'effigie de Sonny & Cher. La sortie de ces poupées de mode a coïncidé avec la popularité du Sonny & Cher Show. 1978-1999 : Après Sonny et Cher Bono a poursuivi une carrière d'acteur et est ensuite entré en politique, devenant finalement membre de la Chambre des représentants des États-Unis. Cher est devenue une chanteuse solo lauréate d'un Grammy Award et une actrice lauréate d'un Oscar. Le couple a fait deux performances surprises de retrouvailles impromptues : la première au Mike Douglas Show au printemps 1979, chantant un medley de "United We Stand" et "Without You", et la seconde le 13 novembre 1987 dans Late Night with David. Letterman où ils ont interprété leur chanson à succès "I Got You Babe". Début 1999, "And the Beat Goes On: The Sonny and Cher Story", réalisé par David Burton Morris et mettant en vedette Jay Underwood et Renee Faia, a été diffusé sur ABC. Le téléfilm est basé sur l'autobiographie de Bono et se concentre sur la relation entre le couple du début des années 60 jusqu'à leur divorce à la fin des années 70. Ce film a également été nominé pour deux Emmy Awards. La mort de Bono et le droit d'auteur sur la musique Le 5 janvier 1998, Bono est décédé des suites de ses blessures après avoir heurté un arbre alors qu'il skiait à Heavenly Ski Resort à Lake Tahoe. Il avait 62 ans. La mort de Bono est survenue quelques jours seulement après la mort de Michael Kennedy dans un accident similaire. La veuve de Bono, Mary, a été choisie pour remplir le reste de son mandat au Congrès. Depuis, elle a été réélue de plein droit. Elle continue de défendre bon nombre des causes de son défunt mari, y compris la lutte en cours pour savoir comment sauver au mieux la mer de Salton. Les funérailles, à l'insu de Cher, ont été retransmises en direct sur CNN. Elle a fait un éloge funèbre en larmes, après quoi les participants ont chanté la chanson "The Beat Goes On". Devant des millions de personnes, Cher a fait l'éloge de Bono en larmes et avec effusion, le qualifiant de "personnage le plus inoubliable que j'ai jamais rencontré". Son dernier lieu de repos est le Desert Memorial Park, à proximité de Cathedral City, en Californie, le même cimetière dans lequel Frank Sinatra a été enterré plus tard la même année. L'épitaphe sur la pierre tombale de Bono dit : "And The Beat Goes On". En 1998, Sonny et Cher ont reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame pour la télévision. Cher est apparue à l'événement avec Mary Bono, qui a accepté le prix au nom de son défunt mari. Cher a rendu hommage à Bono dans l'émission spéciale Sonny and Me: Cher Remembers de CBS, qualifiant son chagrin de "quelque chose que je n'ai jamais l'intention de surmonter". Au cours de la même année, Cher a également sorti son vingt-troisième album Believe qui a été fortement influencé par la mort de Bono, et dans le livret Cher a écrit "In memory of Son". Lorsque Cher et Bono ont divorcé, ils ont convenu de partager les revenus des chansons enregistrées ensemble. À la mort de Bono, un tiers de ses intérêts sont passés à son épouse Mary Bono-Mack, et un sixième des intérêts a été partagé entre ses enfants. Cher a poursuivi UMG en 2009, affirmant qu'elle et les héritiers de Bono devaient 5 000 000 $ de redevances « cachées ». Filmographie Discographie * Regardez-nous (1965) * Le monde merveilleux de Sonny & Chér (1966) * Au cas où tu serais amoureux (1967) * Tout ce dont j'ai toujours besoin, c'est de toi (1971) * Maman était une chanteuse de rock and roll, papa écrivait toutes ses chansons (1973)

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Quel jeu de société Fidel Castro, ancien président de Cuba, a ordonné de détruire lorsqu'il a pris le pouvoir ?

Monopole

Un jeu de société est un jeu de table qui implique des pions ou des pièces déplacés ou placés sur une surface pré-marquée ou « plateau », selon un ensemble de règles. Certains jeux sont basés sur une stratégie pure, mais beaucoup contiennent un élément de hasard ; et certains sont purement aléatoires, sans aucun élément de compétence. Les jeux ont généralement un objectif qu’un joueur souhaite atteindre. Les premiers jeux de société représentaient une bataille entre deux armées, et la plupart des jeux de société modernes sont toujours basés sur la défaite des joueurs adverses en termes de compteurs, de position gagnante ou d'accumulation de points. Il existe de nombreuses variétés de jeux de société. Leur représentation de situations réelles peut aller de l'absence de thème inhérent (par exemple, les dames) à un thème et un récit spécifiques (par exemple, Cluedo). Les règles peuvent aller des plus simples (par exemple, Tic-tac-toe) à celles décrivant un univers de jeu de manière très détaillée (par exemple, Donjons et Dragons), bien que la plupart de ces derniers soient des jeux de rôle où le plateau est secondaire par rapport au jeu. jeu, servant à aider à visualiser le scénario du jeu. Le temps nécessaire pour apprendre à jouer ou maîtriser un jeu varie fortement d'un jeu à l'autre, mais n'est pas nécessairement corrélé au nombre ou à la complexité des règles ; des jeux comme les échecs ou le go possèdent des règles relativement simples, mais ont une grande profondeur stratégique. Histoire Jeux de société anciens Les jeux de société ont été joués dans la plupart des cultures et sociétés à travers l’histoire. Un certain nombre de sites historiques, d'artefacts et de documents importants mettent en lumière les premiers jeux de société, tels que : * Plateaux de jeu de la civilisation Jiroft * Senet, trouvé dans les sépultures prédynastiques et de la première dynastie d'Égypte, vers. 3500 avant JC et 3100 avant JC respectivement ; le plus ancien jeu de société connu, Senet a été représenté dans une fresque trouvée dans la tombe de Merknera (3300-2700 avant JC) * Mehen, également originaire de l'Égypte prédynastique * Go, originaire de Chine * Liubo, également originaire de Chine * Patolli, originaire de Méso-Amérique joué par les anciens Aztèques * Jeu Royal d'Ur, les Tombes Royales d'Ur contiennent, entre autres, ce jeu datant de la Mésopotamie il y a 4 600 ans Jason R. Edwards, [http://visionandvalues.org/docs/familymatters/Edwards_Jason.pdf Saving Families, One Game at une heure] * Liste des jeux Bouddha, la plus ancienne liste de jeux connue * Pachisi et Chaupar, de l'Inde Fichier : Peindre la chambre de saisie du Néfertari 003.jpg | Fichier : Alfonso LJ 97V.jpg | Le jeu des tables astronomiques, du Livre des jeux Fichier:AMI - Schachbrett.jpg|Knossos, période du Nouveau Palais 1600-1500 avant JC Fichier : Plaque noire avec des guerriers jouant à un jeu de société Antikensammlung Berlin 1.jpg | Hoplites grecs antiques jouant à un jeu de société, v. 520 avant JC, Olympie, Grèce Fichier:Jiroft scorpion.png|Un plateau de jeu trouvé dans la civilisation Jiroft L'Europe  Fichier : VA23Oct10 171.jpg|Plateau et jeu de société en faïence française, 1720-1750 Fichier:Anon-L'écran de fortune ici, voici-Early-Harl5937271-E2 4 240 -p1.tiff|L'écran de fortune ici, voici, jeu de divination britannique, c. 1650-1750 États-Unis Dans l'Amérique coloniale des XVIIe et XVIIIe siècles, la vie agraire du pays laissait peu de temps pour jouer, même si les jeux de dames, de quilles et de cartes n'étaient pas inconnus. Les pèlerins et les puritains de la Nouvelle-Angleterre désapprouvaient le jeu et considéraient les dés comme des instruments du diable. Lorsque le gouverneur William Bradford découvrit un groupe de non-puritains jouant au tabouret, au bar et pratiquant d'autres sports dans les rues le jour de Noël 1622, il confisqua leurs outils, les réprimanda et leur fit part de leur dévouement pour la journée. devraient être confinés chez eux. Dans Réflexions sur les loteries (1826), Thomas Jefferson écrit : Presque toutes ces poursuites du hasard [c'est-à-dire de l'industrie humaine] produisent quelque chose d'utile à la société. Mais il y en a qui ne produisent rien et mettent en danger le bien-être des individus qui y participent ou de ceux qui en dépendent. Tels sont les jeux de cartes, de dés, de billard, etc. Et bien que leur poursuite soit une question de droit naturel, la société, percevant la tendance irrésistible de certains de ses membres à les poursuivre, et la ruine qu'ils produisent pour les familles. selon ces individus, considérer cela comme un cas de folie, quad hoc, intervenir pour protéger la famille et le parti lui-même, comme dans d'autres cas de folie, d'enfance, d'imbécillité, etc., et supprimer complètement la poursuite et le naturel droit de le suivre. Il existe quelques autres jeux de hasard, utiles dans certaines occasions, et nuisibles seulement lorsqu'ils sont poussés au-delà de leurs limites utiles. Telles sont les assurances, les loteries, les tirages au sort, etc. Ils ne les suppriment pas, mais les réglementent à leur gré. Le jeu de société Traveller's Tour Through the United States et son jeu frère Traveller's Tour Through Europe ont été publiés par le libraire new-yorkais F. & R. Lockwood en 1822 et revendiquent aujourd'hui la distinction d'être le premier jeu de société publié aux États-Unis. À mesure que les États-Unis passaient d’une vie agraire à une vie urbaine au XIXe siècle, la classe moyenne avait accès à davantage de temps libre et à une augmentation de ses revenus. Le foyer américain, autrefois centre de production économique, est devenu un lieu de divertissement, d’éducation et d’éducation sous la supervision des mères. Les enfants ont été encouragés à jouer à des jeux de société qui développaient leurs compétences en lecture et en enseignement moral. Les premiers jeux de société publiés aux États-Unis étaient basés sur la moralité chrétienne. Le Manoir du Bonheur (1843), par exemple, envoyait les joueurs sur un chemin de vertus et de vices qui menait au Manoir du Bonheur (Ciel). Le jeu du pape ou du païen, ou le siège de la forteresse de Satan par l'armée chrétienne (1844) opposait sur son plateau l'image d'une femme hindoue commettant un sutte contre des missionnaires débarquant sur un rivage étranger. Les missionnaires sont habillés en blanc comme « le symbole de l'innocence, de la tempérance et de l'espoir » tandis que le pape et les païens sont habillés en noir, la couleur de « la tristesse de l'erreur et… du chagrin face à la perte quotidienne de l'empire ». Les jeux de société produits commercialement au milieu du XIXe siècle étaient des impressions monochromes laborieusement coloriées à la main par des équipes de jeunes ouvrières mal payées. Les progrès de la fabrication du papier et de la gravure au cours de cette période ont permis la production commerciale de jeux de société relativement bon marché. L'avancée la plus significative a été le développement de la chromolithographie, une prouesse technologique qui a permis de rendre disponibles des images audacieuses et richement colorées à des prix abordables. Les jeux coûtent aussi peu que 0,25 USD pour un petit jeu de cartes en boîte et 3,00 USD pour des jeux plus élaborés. Les protestants américains croyaient qu’une vie vertueuse conduisait au succès, mais cette croyance a été remise en question au milieu du siècle lorsque les Américains ont adopté le matérialisme et le capitalisme. L’accumulation de biens matériels était considérée comme une bénédiction divine. En 1860, Le jeu à damier de la vie récompensait les joueurs pour des activités banales telles que fréquenter l'université, se marier et devenir riche. La vie quotidienne plutôt que la vie éternelle est devenue le centre des jeux de société. Le jeu a été le premier à se concentrer sur les vertus laïques plutôt que sur les vertus religieuses, et s'est vendu à 40 000 exemplaires la première année. Game of the District Messenger Boy, ou Merit Rewarded, publié en 1886 par la société new-yorkaise McLoughlin Brothers, fut l'un des premiers jeux de société basés sur le matérialisme et le capitalisme publiés aux États-Unis. Le jeu est un jeu de société typique avec piste de roulement et de déplacement. Les joueurs déplacent leurs jetons le long de la piste en suivant la rotation de la flèche vers le but à la fin de la piste. Certaines cases de la piste feront avancer le joueur tandis que d'autres le feront reculer. Dans les riches années 1880, les Américains ont assisté à la publication de jeux de hasard algériens qui permettaient aux joueurs d'imiter les héros capitalistes de l'époque. L'un des premiers jeux de ce type, The Game of the District Messenger Boy, encourageait l'idée que le messager le plus modeste pouvait gravir les échelons de l'entreprise jusqu'à son échelon le plus élevé. De tels jeux insinuaient que l’accumulation de richesses entraînait un statut social accru. Les jeux capitalistes compétitifs ont culminé en 1935 avec le Monopoly, le jeu de société le plus réussi commercialement de l'histoire des États-Unis. McLoughlin Brothers a publié des jeux similaires basés sur le thème du garçon télégraphique, notamment Game of the Telegraph Boy, ou Merit Rewarded (1888). Greg Downey note dans son essai « Information Networks and Urban Spaces: The Case of the Telegraph Messenger Boy » que les familles qui pouvaient se permettre la version de luxe du jeu dans sa boîte chromolithographiée aux parois en bois n'auraient pas « envoyé leurs fils dehors pour un apprentissage si rude dans le monde du travail. Margaret Hofer a décrit la période des années 1880 aux années 1920 comme « l'âge d'or » des jeux de société en Amérique. La popularité des jeux de société a été renforcée, comme celle de nombreux articles, grâce à la production de masse, ce qui les a rendus moins chers et plus facilement accessibles au grand public. En l’absence de statistiques détaillées, certains chercheurs suggèrent que le 20ème siècle a vu un déclin de la popularité de ce passe-temps. 21e siècle À partir de la fin des années 1990, la portée et le marché des jeux de société ont connu une croissance substantielle. Cela a été attribué, entre autres facteurs, à Internet, qui a permis aux gens de s'informer plus facilement sur les jeux et de trouver des adversaires contre lesquels jouer. Vers l’an 2000, l’industrie des jeux de société a connu une croissance significative avec des sociétés produisant un nombre croissant de nouveaux jeux destinés à être vendus à un public mondial croissant. Dans les années 2010, un certain nombre de publications évoquaient les jeux de société comme un nouvel âge d’or. Les salles de jeux de société gagnent également en popularité ; par exemple, les cafés de jeux de société seraient très populaires en Chine. Chance, stratégie et diplomatie Certains jeux, comme les échecs, dépendent entièrement des compétences du joueur, tandis que de nombreux jeux pour enfants tels que Candy Land et Snakes and Ladders ne nécessitent aucune décision de la part des joueurs et sont décidés uniquement par la chance. De nombreux jeux nécessitent un certain niveau d’habileté et de chance. Un joueur peut être gêné par la malchance au backgammon, au Monopoly, au Risque ; mais dans de nombreux jeux, un joueur expérimenté gagnera plus souvent et les éléments de chance peuvent créer plus d'enthousiasme et des stratégies plus diverses et multiformes, car des concepts tels que la valeur attendue et la gestion des risques doivent être pris en compte. La chance peut être introduite dans un jeu par plusieurs méthodes. L’utilisation de dés de toutes sortes remonte aux premiers jeux de société. Ceux-ci peuvent tout décider, du nombre de pas qu'un joueur déplace son jeton, comme dans Monopoly, à la façon dont ses forces se comportent au combat, comme dans Risk, ou aux ressources qu'un joueur gagne, comme dans Les colons de Catane. D'autres jeux tels que Désolé ! utilisez un jeu de cartes spéciales qui, une fois mélangées, créent du hasard. Le Scrabble fait quelque chose de similaire avec des lettres choisies au hasard. D'autres jeux utilisent des spinners, des minuteries de durée aléatoire ou d'autres sources aléatoires. Les jeux de société de style allemand se distinguent par leur élément de chance souvent inférieur à celui de nombreux jeux de société nord-américains. Un autre aspect important de certains jeux est la diplomatie, c'est-à-dire que les joueurs concluent des accords entre eux. La négociation n'apparaît généralement que dans les jeux à trois joueurs ou plus, les jeux coopératifs étant l'exception. Une facette importante de The Settlers of Catan, par exemple, consiste à convaincre les joueurs d'échanger avec vous plutôt qu'avec des adversaires. Dans Risk, deux joueurs ou plus peuvent faire équipe contre d'autres. La diplomatie facile consiste à convaincre les autres joueurs que quelqu'un d'autre est en train de gagner et qu'il faut donc faire équipe contre lui. La diplomatie avancée (par exemple dans le jeu bien nommé Diplomatie) consiste à élaborer ensemble des plans élaborés, avec la possibilité d'une trahison. Dans des jeux d'information parfaite comme les échecs, chaque joueur dispose d'informations complètes sur l'état de la partie, mais dans d'autres jeux, comme Tigre et Euphrate ou Stratego, certaines informations sont cachées aux joueurs. Cela rend plus difficile la recherche du meilleur coup et peut impliquer une estimation des probabilités par les adversaires. Jeux de société et autres médias De nombreux jeux de société sont désormais disponibles sous forme de jeux vidéo, qui peuvent inclure l'ordinateur lui-même comme l'un des nombreux joueurs ou comme seul adversaire. De nombreux jeux de société peuvent désormais être joués en ligne contre un ordinateur et/ou d’autres joueurs. Certains sites Web permettent de jouer en temps réel et montrent immédiatement les mouvements des adversaires, tandis que d'autres utilisent le courrier électronique pour avertir les joueurs après chaque mouvement. Internet et l'impression domestique moins chère ont également influencé les jeux de société via des jeux imprimables qui peuvent être achetés et imprimés. Certains jeux utilisent des supports externes tels que des cassettes audio ou des DVD pour accompagner le jeu. Marché Même si le marché des jeux de société est estimé plus petit que celui des jeux vidéo, il a également connu une croissance significative à partir de la fin des années 1990. Un article de 2012 dans The Guardian décrivait les jeux de société comme « faisant un retour ». Un autre de 2014 a donné une estimation selon laquelle la croissance du marché des jeux de société se situe « entre 25 % et 40 % par an » depuis 2010, et a décrit l'époque actuelle comme « l'âge d'or des jeux de société ». L'augmentation de la popularité des jeux de société a été attribuée à l'amélioration de la qualité (mécaniques et graphismes plus élégants) ainsi qu'à une disponibilité accrue grâce aux ventes sur Internet. En 1991, une estimation du marché mondial des jeux de société dépassait 1,2 milliard de dollars. Une estimation de 2001 pour le marché des « jeux de société et puzzles » aux États-Unis donnait une valeur de moins de 400 millions de dollars, et pour le Royaume-Uni, d'environ 50 millions de livres sterling. Une estimation pour 2009 pour le marché coréen était de 800 millions de won, et une autre estimation pour le marché américain des jeux de société pour la même année était d'environ 800 millions de dollars. En 2011, le marché chinois des jeux de société était estimé à plus de 10 milliards de yuans. (Certaines estimations peuvent séparer les jeux de société des jeux de cartes à collectionner, des jeux de miniatures et des jeux de rôle ; par exemple, une autre estimation de 2014 distinguant les jeux de société des autres types de jeux de loisirs a donné une estimation pour le marché américain et canadien à seulement 75 millions de dollars, avec une taille totale de 75 millions de dollars. ce qu'il définit comme le marché des jeux de loisirs à plus de 700 millions de dollars, avec une estimation de 2015 suggérant une valeur de près de 900 millions de dollars) Une estimation de 2013 évalue la taille du marché allemand du jouet à 2,7 milliards d'euros (dont le marché des jeux de société et des puzzles). vaut environ 375 millions d'euros) et les marchés polonais, respectivement à 2 milliards et 280 millions de zlotes. Par habitant, l'Allemagne était considérée en 2009 comme le meilleur marché, avec le plus grand nombre de jeux vendus par individu. Recherche sur le jeu Il existe un domaine de recherche dédié au jeu, appelé études de jeux ou ludologie. Bien qu'il y ait eu pas mal de recherches scientifiques sur la psychologie des jeux de société plus anciens (par exemple, les échecs, le Go, le mancala), moins ont été faites sur les jeux de société contemporains tels que le Monopoly, le Scrabble et le Risk. De nombreuses recherches ont été menées sur les échecs, en partie parce que de nombreux joueurs de tournois sont publiquement classés sur des listes nationales et internationales, ce qui permet de comparer leurs niveaux d'expertise. Les travaux d'Adriaan de Groot, William Chase, Herbert A. Simon et Fernand Gobet ont établi que la connaissance, plus que la capacité d'anticiper les mouvements, joue un rôle essentiel dans le jeu d'échecs. Il a été démontré que les jeux de société disposés de manière linéaire améliorent la compréhension numérique spatiale des enfants. En effet, le jeu est similaire à une droite numérique dans la mesure où il favorise une compréhension linéaire des nombres plutôt que la compréhension logarithmique innée. Des études de recherche montrent que les jeux de société tels que les chutes et les échelles permettent aux enfants de montrer des améliorations significatives dans certains aspects des compétences numériques de base telles que le comptage, la reconnaissance des nombres, l'estimation numérique et la compréhension des nombres. Ils pratiquent également leur motricité fine chaque fois qu’ils saisissent une pièce de jeu. Jouer à des jeux de société est également lié à l’amélioration des compétences exécutives des enfants. De plus, les jeux de société peuvent être thérapeutiques. Bruce Halpenny, un inventeur de jeux vidéo, a déclaré lors d'une interview à propos de son jeu, The Great Train Robbery : Avec le crime, vous faites face à toutes les émotions humaines fondamentales et disposez également de suffisamment d'éléments pour combiner action et mélodrame. L’imagination du joueur est stimulée alors qu’il envisage de voler le train. En raison du pari qu'ils prennent au début du jeu, il y a une montée de tension, qui se relâche immédiatement une fois le train volé. La libération des tensions est thérapeutique et utile dans notre société, car la plupart des emplois sont ennuyeux et répétitifs. Voler la vedette. Toy Retailing News, Volume 2 Numéro 4 (décembre 1976), p. 2 Les jeux ont été suggérés comme un complément viable au programme éducatif traditionnel. Catégories Il existe de nombreuses façons de classer les jeux de société, et des chevauchements considérables peuvent exister, de sorte qu'un jeu appartient à plusieurs catégories. Voici une liste de certains des plus courants : * Jeux de stratégie abstraits – par ex. échecs, dames, Go, Reversi, jeux de tafl ou jeux modernes tels que Abalone, Stratego, Hive ou GIPF * Jeux d'alignement - par ex. Renju, Gomoku, Connect6, Nine Men's Morris ou Tic-tac-toe * Jeux d'enchères – par ex. Hoity Toity * Variantes d'échecs – variantes traditionnelles, par ex. shogi, xiangqi ou janggi ; variantes modernes, par ex. Chess960, Grand échecs, échecs hexagonaux ou échecs Alice * Jeux de configuration – par ex. Lignes d'action, hexade ou entropie * Jeux de connexion – par ex. TwixT, Hex ou Havannah * Jeux coopératifs – par ex. Max le chat, Cavernes et Griffes, ou Pandémie * Comptez et capturez les jeux – par ex. jeux de mancala * Jeux de croix et de cercle – par ex. Yut, Ludo ou Aggravation * Jeux de déduction – par ex. Cerveau ou boîte noire * Jeux de dextérité – par ex. Tumblin' Dice ou Pitch Car * Jeux de simulation économique – par ex. Le jeu d'affaires, le monopole ou le jeu de la vie * Jeux éducatifs – par ex. Arthur sauve la planète, Cléopâtre et la Société des Architectes ou Shakespeare : Le Jeu du Barde * Jeux d'élimination – par ex. dames, Alquerque, Fanorona, Yoté ou Surakarta * Jeux en famille – par ex. Traversez les âges, Oiseaux sur un fil ou À vendre * Jeux fantastiques – par ex. Ombres sur Camelot * Jeux de société de style allemand ou Eurogames – par ex. Les colons de Catane, Carcassonne, Decatur • The Game, Carson City ou Porto Rico * Jeux de devinettes – par ex. Pictionnaire ou cuirassé * Jeux de rôle cachés - par ex. Mafia (jeu) ou La Résistance * Jeux de simulation historiques – par ex. À travers les âges ou les chemins de fer du monde * Grands jeux multijoueurs – par ex. Allez-y doucement ou Swat (2010) * Jeux d'apprentissage/communication non compétitifs – par ex. Le Ungame (1972) * Jeux Mancala – par ex. Wari, Oware ou le jeu des perles de verre * Jeux multijoueurs – par ex. Échecs à risque, monopole ou à quatre joueurs * Jeux musicaux – par ex. Spontuné * Jeux de négociation – par ex. Diplomatie * Jeux papier et crayon – par ex. Tic-tac-toe ou Points et Boîtes * Jeux d'adresse physique – par ex. Camp Grenade * Jeux de position (pas de capture ; gagner en laissant l'adversaire incapable de bouger) – par ex. Konane, mū tōrere ou le jeu L * Jeux de course – par ex. Pachisi, backgammon, Serpents et Échelles, Chasse à la Hyène ou Worm Up * Jeu de rôle - par ex. Donjons & Dragons * Jeux de roulette et de déplacement – ​​par ex. Monopole ou vie * Jeux d'achat d'actions (jeux dans lesquels les joueurs achètent des parts dans les positions des autres) – généralement des jeux de gestion économique plus longs – Acquire ou Panamax * Jeux de réflexion en solo – par ex. jeu de solitaire ou Sudoku * Jeux de développement spirituel (jeux sans gagnant ni perdant) – par ex. Jeu de Transformation ou Clé de Psyché * Jeux de narration d'histoires – par ex. Dixit ou Contes des mille et une nuits * Jeux d'empilage – par ex. Lasca ou DVONN * Jeux de territoire – par ex. Aller ou Reversi * Jeux basés sur des tuiles – par ex. Carcassonne, Scrabble, Tigre et Euphrate, ou Evo * Jeux de train – par ex. Les Aventuriers du Rail, Steam ou 18xx * Jeux-questionnaires – par ex. Trivial Pursuit * Jeux thématiques à deux joueurs uniquement – ​​par ex. En Garde ou Dos de Mayo * Jeux de forces inégales (ou de « chasse ») – par ex. Renard et oies ou Tablut * Wargames – allant du risque, de la diplomatie ou de l'Axe et des alliés à l'attaque ! ou Conquête de l'Empire * Jeux de mots – par ex. Scrabble, Boggle, Anagrammes ou Quelle est ma parole ? (2010) Glossaire Bien que de nombreux jeux de société aient leur propre jargon, il existe une terminologie généralisée pour décrire les concepts applicables aux mécanismes de jeu de base et aux attributs communs à presque tous les jeux de société.

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Quelle créature figure sur l’étiquette d’une bouteille de rhum Bacardi ?

Un

Bacardi Limited (anglais : ;;) est la plus grande entreprise familiale privée de spiritueux au monde. Connue à l’origine pour son rhum blanc éponyme Bacardi, elle dispose aujourd’hui d’un portefeuille de plus de 200 marques et labels. Fondée en 1862 et entreprise familiale depuis sept générations, Bacardi emploie 6 000 personnes, fabrique dans 27 usines réparties sur 16 marchés sur quatre continents et vend dans plus de 150 pays. Bacardi Limited fait référence au groupe de sociétés Bacardi, dont Bacardi International Limited. L'entreprise vend plus de 200 millions de bouteilles par an. Les ventes de l'entreprise en 2007 se sont élevées à 5,5 milliards de dollars américains, contre 4,9 milliards de dollars en 2006. Bacardi Limited a son siège à Hamilton, aux Bermudes, et dispose d'un conseil d'administration de 16 membres dirigé par l'arrière-arrière-petit-fils du fondateur d'origine, Facundo L. Bacardí. Aux côtés d'autres grands producteurs d'alcool, Bacardi fait partie des engagements des producteurs visant à réduire la consommation nocive d'alcool.[5] Histoire Histoire ancienne Facundo Bacardí Massó, un marchand de vin espagnol, est né à Sitges, en Catalogne, en Espagne, en 1814, et a émigré à Cuba en 1830. Au cours de cette période, le rhum était fabriqué à bas prix et n'était pas considéré comme une boisson raffinée, et rarement vendu dans les tavernes haut de gamme. Facundo a commencé à tenter d'"apprivoiser" le rhum en isolant une souche exclusive de levure encore utilisée dans la production de Bacardi. Cette levure confère au rhum Bacardi son profil aromatique. Après avoir expérimenté plusieurs techniques, il a décidé de filtrer le rhum sur du charbon de bois, ce qui éliminait les impuretés. De plus, Facundo faisait vieillir le rhum dans des fûts de chêne blanc, ce qui avait pour effet d'adoucir la boisson. Le produit final fut le premier rhum clair ou « blanc » au monde. Passant du stade expérimental à une entreprise plus commerciale, lui et son frère José fondent une distillerie à Santiago de Cuba qu'ils achètent en 1862, qui abrite un alambic en cuivre et en fonte. Dans les chevrons de ce bâtiment vivaient des chauves-souris frugivores – l'inspiration du logo de la chauve-souris Bacardi. Les années 1880 et 1890 furent une période mouvementée pour Cuba et l’entreprise. Emilio Bacardi, le fils aîné de Don Facundo, a été emprisonné à plusieurs reprises et exilé de Cuba pour avoir combattu dans l'armée rebelle contre l'Espagne lors de la guerre d'indépendance cubaine. Les frères d'Emilio, Facundo et José, ainsi que son beau-frère Henri (Don Enrique) Schueg, restèrent à Cuba avec la lourde tâche de soutenir l'entreprise pendant une période de guerre. Les femmes de la famille ont été exilées à Kingston, en Jamaïque. Après la guerre d'indépendance cubaine et l'occupation américaine de Cuba, « The Original Cuba Libre » et le Daiquiri ont tous deux été créés, à partir du rhum Bacardi. En 1899, le général américain Leonard Wood nomme Emilio Bacardi maire de Santiago de Cuba. En 1912, Emilio Bacardi se rend en Égypte où il achète une momie (toujours exposée) pour le futur musée municipal Emilio Bacardi Moreau de Santiago de Cuba. À Santiago, son frère Facundo M. Bacardí a continué à diriger l'entreprise aux côtés de Schueg, qui a commencé l'expansion internationale de l'entreprise en ouvrant des usines d'embouteillage à Barcelone (1910) et à New York (1915). L'usine de New York a été rapidement fermée en raison de la Prohibition, mais pendant cette période, Cuba est devenue une destination prisée des touristes américains. En 1922, Emilio ouvre une nouvelle distillerie à Santiago. En 1930, Schueg ouvre le bâtiment Art Déco Bacardi à La Havane et la troisième génération de la famille Bacardí entre dans l'entreprise. Facundito Bacardí était connu pour avoir invité les Américains (toujours soumis à la prohibition) à « venir à Cuba et se baigner dans le rhum Bacardi ». Un nouveau produit est introduit : la bière Hatuey. La transition de Bacardi vers une marque internationale était principalement due au « génie des affaires » de Schueg ; Schueg « a présenté Cuba comme la patrie du rhum et Bacardi comme le roi des rhums » et s'est développé à l'étranger, d'abord au Mexique (1931), puis à Porto Rico (1936), sous la marque Ron Bacardi. (Ron est le mot espagnol pour rhum). La production post-prohibition à Porto Rico a permis au rhum d'être vendu sans droits de douane aux États-Unis. Il s'étend ensuite aux États-Unis (1944). Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'entreprise était dirigée par le gendre de Schueg, José « Pepin » Bosch. Pépin a fondé Bacardi Imports à New York et est devenu ministre du Trésor de Cuba en 1949. Révolution cubaine Portuondo et d'autres membres de la famille Bacardí ont initialement soutenu les révolutionnaires cubains, y compris Fidel Castro et le mouvement plus large M-26-7 : Bosch a personnellement fait don de dizaines de milliers de dollars au mouvement et a servi d'intermédiaire entre les révolutionnaires et la CIA pour apaiser les tensions. les préoccupations de ce dernier. Les membres de la famille, les employés et les installations ont été mis à profit par le mouvement et l'entreprise a publiquement soutenu la révolution avec des publicités et des fêtes. Mais leur soutien s’est transformé en opposition lorsque l’aile pro-soviétique Che Guevara du mouvement a commencé à dominer et que Castro s’est retourné contre leurs intérêts. La famille Bacardí (et donc l'entreprise) a maintenu une farouche opposition à la révolution de Fidel Castro à Cuba dans les années 1960. Dans son livre Bacardi, The Hidden War, Hernando Calvo Ospina décrit l'élément politique de l'argent de la famille. Ospina décrit comment la famille Bacardi et l'entreprise ont quitté Cuba après que le régime de Castro ait confisqué les actifs cubains de l'entreprise le 15 octobre 1960, notamment en nationalisant et en interdisant toute propriété privée sur l'île ainsi que tous les comptes bancaires. Cependant, en raison des inquiétudes suscitées par l'ancien dirigeant cubain, Fulgencio Batista, l'entreprise avait ouvert des succursales à l'étranger quelques années avant la révolution ; la société a transféré la propriété de ses marques, actifs et formules exclusives hors du pays vers les Bahamas avant la révolution et a également construit des usines à Porto Rico et au Mexique après l'interdiction pour économiser les taxes d'importation sur le rhum importé aux États-Unis. Cela a aidé l'entreprise survivre après que le gouvernement communiste ait confisqué tous les biens de Bacardí dans le pays sans aucune compensation. Ospina explique également les liens étroits que les membres de la famille Bacardí entretenaient avec l'élite politique américaine ainsi qu'avec des organisations d'État telles que la CIA. La famille a financé diverses organisations d'exil cubains, comme la CANF. Plus récemment, les avocats de Bacardi ont joué un rôle déterminant dans la rédaction de la loi Helms-Burton de 1996, qui visait à étendre la portée de l’embargo américain contre Cuba. En 1999, Otto Reich, un lobbyiste à Washington au nom de Bacardi, a rédigé l'article 211 de l'Omnibus Consolidated and Emergency Appropriations Act, FY1999 (), un projet de loi devenu connu sous le nom de Bacardi Act. L'article 211 refusait la protection des marques aux produits des entreprises cubaines expropriées après la révolution cubaine, une disposition vivement recherchée par Bacardi. L'acte visait principalement la marque Havana Club aux États-Unis. La marque a été créée par la société José Arechabala et confisquée sans compensation lors de la révolution cubaine. La marque Havana Club avait été enregistrée par le gouvernement cubain aux États-Unis sans l'autorisation de ses propriétaires légitimes. La nouvelle loi a invalidé l'enregistrement de la marque. L’article 211 a été contesté sans succès par le gouvernement cubain et l’Union européenne devant les tribunaux américains. Cependant, la loi a été jugée illégale par l'OMC (août 2001). Le Congrès américain n’a pas encore réexaminé la question. Bacardi et Cuba aujourd'hui Les boissons Bacardi ne se trouvent pas à Cuba aujourd'hui. La principale marque de rhum à Cuba est Havana Club, produite par une entreprise confisquée et nationalisée par le gouvernement pendant la révolution. Bacardi a ensuite racheté la marque aux propriétaires d'origine, la famille Arechabala. Le gouvernement cubain, en partenariat avec la société française Pernod Ricard, vend ses produits Havana Club à l'international, sauf aux États-Unis et dans ses territoires. Bacardi a créé sa propre gamme de rhum Havana Club basée sur la recette originale de la famille Arechabala, la fabrique à Porto Rico et la vend en Floride. Bacardi continue de se battre devant les tribunaux, tentant de légaliser sa propre marque Havana Club en dehors des États-Unis. Les boissons aujourd'hui fabriquées dans l'ancienne distillerie cubaine Bacardi sont vendues à Cuba sous le nom de Caney. Bien qu'elle ne dispose pas aujourd'hui d'installations de production à Cuba, Bacardi au Royaume-Uni a récemment décidé de mettre à nouveau l'accent sur son héritage cubain, principalement pour des raisons commerciales. Face à la concurrence accrue sur le marché du rhum de la part de la marque désormais internationale Havana Club, l'entreprise a conclu qu'il était important pour les ventes d'associer son rhum à Cuba. Les publicités télévisées avec les slogans « Bienvenue dans le Quartier Latin » n'en sont qu'un exemple. En 1998, sous le logo distinctif de la chauve-souris, l'expression « entreprise fondée à Santiago de Cuba en 1862 » a été ajoutée. Bacardi a fait face à des critiques et à des problèmes juridiques pour avoir soi-disant tenté d'encourager les consommateurs à croire qu'ils achetaient du rhum fabriqué à Cuba, plutôt que de simplement marquer son héritage. Les publicités Bacardi en Espagne, depuis 1966, décrivaient une combinaison populaire de rhum et de Coca comme « rhum et coca ». Cependant, après 1998, il a commencé à décrire la boisson comme Cuba Libre – traduit littéralement par « Cuba libre », qui est le nom original de la boisson et ce qu'on l'appelle principalement en Amérique latine. Dans ce cas, Bacardi a fait face à une décision de justice de l'Association espagnole des utilisateurs de la publicité qui a obligé l'entreprise à arrêter la publicité. Ils ont conclu que cela pourrait "induire le spectateur en erreur quant à la véritable nature du produit", car la publicité contenait tellement d'images caribéennes qu'on pourrait conclure qu'elle provenait de Cuba. Le bâtiment Bacardi à La Havane est considéré comme l'un des plus beaux bâtiments Art déco d'Amérique latine. Enquête OSHA 2012 En août 2012, un travailleur temporaire de la filiale d'embouteillage de l'entreprise à Jacksonville, en Floride, Bacardi Bottling, a été mortellement blessé alors qu'il entretenait une machine de palettisation. Après avoir mené une enquête, l'Administration de la sécurité et de la santé au travail (OSHA) du Département américain du travail a déterminé que Bacardi avait enfreint plusieurs règles de sécurité, dont deux violations délibérées. Bacardi Bottling a été condamné à une amende de 192 000 $ par l'OSHA. Marques Bacardi Limited a réalisé de nombreuses acquisitions pour se diversifier loin de la marque éponyme de rhum Bacardi. En 1993, Bacardi fusionne avec Martini & Rossi, producteur italien de vermouth et de vins mousseux Martini, créant ainsi le groupe Bacardi-Martini. En 1998, la société a acquis le scotch Dewar's, notamment le gin Royal Brackla et Bombay Sapphire, auprès de Diageo pour 2 milliards de dollars. Bacardi a acquis la marque de tequila Cazadores en 2002 et a acheté en 2004 Grey Goose, une vodka de fabrication française, à Sidney Frank pour 2 milliards de dollars. En 2006, Bacardi Limited a acheté la marque de vodka néo-zélandaise 42 Below. D'autres marques associées incluent la version américaine de Havana Club, la liqueur de whisky écossais Drambuie, DiSaronno Amaretto, la vodka Eristoff, les liqueurs B&B et Bénédictine. Prix Au cours de ses 150 ans d’histoire, le rhum Bacardi a remporté plus de 550 prix pour sa qualité et son profil de produit, ce qui en fait le rhum le plus récompensé au monde. Les emblèmes des médailles d'or et les armoiries espagnoles décernées au cours des années de formation de l'entreprise apparaissent sur la bouteille. Les rhums Bacardi ont été sélectionnés pour un certain nombre de prix internationaux de classement des spiritueux. Plusieurs spiritueux Bacardi se sont particulièrement bien comportés. Bacardi 8, par exemple, a reçu deux médailles d'or et une médaille d'argent au San Francisco World Spirits Competition entre 2008 et 2010. De plus, il a reçu le Trophée International de Haute Qualité aux World Quality Selections de Monde Selection en 2010, ainsi qu'une Grande Médaille d'Or. en 2011. Bacardi Gold, Bacardi 8 et Bacardi Reserva Limitada ont également reçu les prix du Trophée international de haute qualité lors des sélections mondiales de qualité 2010 de Monde Selection. Cependant, il convient de noter que ces prix ne sont pas compétitifs et que seuls les produits payants sont évalués. Proof66, un site Web qui regroupe les évaluations professionnelles du Beverage Testing Institute et d'autres organismes de notation professionnelle, place Bacardi Reserva Limitada, Bacardi 1873 Solera et Bacardi 8 dans le premier niveau ou le 10e centile supérieur de tous les spiritueux évalués. Connexion Hemingway Ernest Hemingway a vécu à Cuba de 1939 jusqu'à peu après la Révolution cubaine. Il vivait à Finca Vigía, dans la petite ville de San Francisco de Paula, située tout près de la brasserie Modelo de Bacardi pour Hatuey Beer à Cotorro, La Havane. En 1954, la Compañía Ron Bacardi S.A. a organisé une fête pour Hemingway lorsqu'il a reçu le prix Nobel de littérature – peu après la publication de son roman Le vieil homme et la mer (1952) – dans lequel il a honoré l'entreprise en mentionnant sa bière Hatuey. Hemingway a également mentionné Bacardi et Hatuey dans ses romans To Have and Have Not (1937) et For Whom the Bell Tolls (1940). Guillermo Cabrera Infante a écrit un récit des festivités pour le périodique Ciclón, intitulé "El Viejo y la marca" ("Le vieil homme et la marque"). Dans son récit, il décrit comment « d'un côté il y avait une scène en bois avec deux banderoles – de la bière Hatuey et du rhum Bacardi – à chaque extrémité et un drapeau cubain au milieu. À côté de la scène se trouvait un bar, dans lequel les gens se pressaient, ordonnant des daiquiris et de la bière, le tout gratuit. Une pancarte lors de l'événement indiquait "Le rhum Bacardi accueille l'auteur du Vieil Homme et la Mer". Dans son article "Le vieil homme et le Daiquiri", Wayne Curtis écrit que "le bar de la maison d'Hemingway contenait également une bouteille de rhum Bacardi". Hemingway a écrit dans Islands in the Stream : "... ce daiquirí gelé, si bien battu soit-il, ressemble à la mer où la vague s'éloigne de la proue d'un navire lorsqu'il fait trente nœuds." Siège social aux États-Unis En 1964, Bacardi ouvre son nouveau siège social américain à Miami, en Floride. L'architecte cubain en exil Enrique Gutierrez a créé un bâtiment résistant aux ouragans, en utilisant un système de câbles et de poulies en acier qui permettent au bâtiment de bouger légèrement en cas de choc violent. Les câbles d'acier sont ancrés dans le substrat rocheux et s'étendent à travers des puits recouverts de marbre jusqu'au dernier étage, où ils sont acheminés sur de grandes poulies. À l'extérieur, des deux côtés du bâtiment de huit étages, plus de 28 000 carreaux peints et cuits par l'artiste brésilien Francisco Brennard, représentant des fleurs bleues abstraites, ont été placés sur les murs selon les spécifications exactes de l'artiste. En 1972, la Société a mis en service le bâtiment carré sur la place. L'architecte Ignacio Carrera-Justiz a utilisé une construction en porte-à-faux, un style inventé par Frank Lloyd Wright. Wright a observé à quel point les arbres à racines pivotantes résistaient aux vents violents des ouragans. Le bâtiment, élevé à 47 pieds du sol autour d'un noyau central, comporte quatre murs massifs, constitués de sections de tapisseries murales en verre martelé d'un pouce d'épaisseur, conçues et fabriquées en France. Le dessin provient d’un tableau de l’artiste allemand Johannes M. Dietz. En 2006, Bacardi USA a loué un complexe social de 15 étages à Coral Gables, en Floride. Bacardi avait à l'époque des employés dans sept bâtiments du comté de Miami-Dade. Bacardi a quitté ses anciens bâtiments du siège social sur Biscayne Boulevard à Midtown Miami. Le bâtiment sert actuellement de siège à la National YoungArts Foundation. Les citoyens de Miami ont lancé une campagne pour qualifier les bâtiments d'« historiques ». Allan Schulman, professeur d'architecture à l'Université de Miami, a déclaré : « La marque de Miami est son identité de ville tropicale. Les bâtiments Bacardi sont exactement du genre à résonner avec notre conscience de ce qu'est Miami ». En 2007, Chad Oppenheim, directeur d'Oppenheim Architecture + Design, a décrit les bâtiments Bacardi comme « élégants, avec un look moderniste [combiné avec] une saveur locale ». Le siège américain actuel est situé au 2701 LeJeune Road à Coral Gables. Les 300 employés occupent 230 000 pieds carrés de bureaux loués. Bâtiments de la ville de Mexico Bacardi a demandé aux architectes Ludwig Mies Van Der Rohe et Felix Candela de concevoir des immeubles de bureaux et une usine d'embouteillage à Mexico dans les années 1950. Le complexe immobilier a été ajouté à la liste provisoire des sites du patrimoine mondial de l'UNESCO le 20 novembre 2001.

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Selon la Bible, qui était le seul apôtre à avoir été témoin de la crucifixion de Jésus ?

John

La Bible (du grec Koine τὰ βιβλία, tà biblía, « les livres ») est un recueil de textes sacrés dans le judaïsme et le christianisme. Il s'agit d'un recueil d'écritures écrites à différentes époques par différents auteurs et dans différents lieux. Les juifs et les chrétiens considèrent les livres de la Bible comme un produit d’inspiration divine ou comme un récit faisant autorité sur la relation entre Dieu et les humains. La Bible canonique varie selon les traditions ou les groupes ; un certain nombre de canons bibliques ont évolué, avec des contenus qui se chevauchent et divergent. L'Ancien Testament chrétien chevauche la Bible hébraïque et la Septante grecque ; la Bible hébraïque est connue dans le judaïsme sous le nom de Tanakh. Le Nouveau Testament est un recueil d’écrits rédigés par les premiers chrétiens, considérés pour la plupart comme des disciples juifs du Christ, rédigés en grec koine du premier siècle. Ces premiers écrits grecs chrétiens se composent de récits, de lettres et d’écrits apocalyptiques. Parmi les confessions chrétiennes, il existe des désaccords sur le contenu du canon, principalement dans les Apocryphes, une liste d'œuvres considérées avec différents niveaux de respect. Les attitudes envers la Bible varient également selon les groupes chrétiens. Les catholiques romains, les anglicans et les chrétiens orthodoxes orientaux soulignent l'harmonie et l'importance de la Bible et de la tradition sacrée, tandis que les églises protestantes se concentrent sur l'idée de sola scriptura, ou de l'écriture seule. Ce concept est apparu pendant la Réforme protestante, et de nombreuses confessions continuent aujourd'hui de soutenir l'utilisation de la Bible comme seule source d'enseignement chrétien. Avec des ventes totales estimées à plus de 5 milliards d’exemplaires, la Bible est largement considérée comme le livre le plus vendu de tous les temps. Ses ventes annuelles sont estimées à 100 millions d'exemplaires et ont eu une influence majeure sur la littérature et l'histoire, notamment en Occident, où la Bible de Gutenberg a été le premier livre imprimé en masse. Il s'agit du premier livre jamais imprimé à caractères mobiles. Étymologie Le mot anglais Bible vient du latin biblia, du même mot en latin médiéval et en latin tardif et finalement du grec koine ta biblia « les livres » (singulier biblion). Le latin médiéval biblia est l'abréviation de biblia sacra « livre saint », tandis que biblia en grec et en latin tardif est un pluriel neutre (gen. bibliorum). Il est progressivement devenu considéré comme un nom féminin singulier (biblia, gen. bibliae) dans le latin médiéval, et ainsi le mot a été prêté au singulier dans les langues vernaculaires de l'Europe occidentale. Le latin biblia sacra « livres saints » traduit le grec ta biblia ta hagia, « les livres saints ». Le mot lui-même avait le sens littéral de « papier » ou de « parchemin » et a fini par être utilisé comme mot ordinaire pour « livre ». C'est le diminutif de byblos, « papyrus égyptien », peut-être ainsi appelé du nom du port maritime phénicien Byblos (également connu sous le nom de Gebal) d'où le papyrus égyptien était exporté vers la Grèce. Le grec ta biblia (lit. « petits livres de papyrus ») était « une expression utilisée par les Juifs hellénistiques pour décrire leurs livres sacrés (la Septante). L'utilisation chrétienne du terme remonte à environ 223 de notre ère. Le bibliste F.F. Bruce note que Chrysostome semble être le premier écrivain (dans ses Homélies sur Matthieu, prononcées entre 386 et 388) à utiliser l'expression grecque ta biblia (« les livres ») pour décrire ensemble l'Ancien et le Nouveau Testament. Histoire textuelle Au IIe siècle avant notre ère, les groupes juifs appelaient les livres bibliques les « écritures » et les qualifiaient de « saintes », ou en hébreu כִּתְבֵי הַקֹּדֶשׁ (Kitvei hakkodesh), et les chrétiens appellent maintenant communément l'Ancien et le Nouveau Testament de la Bible chrétienne. « La Sainte Bible » (en grec, tà biblía tà ágia) ou « les Saintes Écritures » (, e Agía Graphḗ). La Bible a été divisée en chapitres au 13ème siècle par Stephen Langton et en vers au 16ème siècle par l'imprimeur français Robert Estienne et est maintenant généralement citée par livre, chapitre et vers. La plus ancienne copie existante d'une Bible complète est un livre sur parchemin du début du IVe siècle conservé dans la Bibliothèque du Vatican et connu sous le nom de Codex Vaticanus. La copie la plus ancienne du Tanakh en hébreu et en araméen date du 10ème siècle de notre ère. La copie la plus ancienne d'une Bible latine complète (Vulgate) est le Codex Amiatinus, datant du 8ème siècle. Développement Le professeur John K. Riches, professeur de théologie et de critique biblique à l'Université de Glasgow, déclare dans une introduction à la Bible d'Oxford University Press que « les textes bibliques eux-mêmes sont le résultat d'un dialogue créatif entre des traditions anciennes et différentes communautés à travers le époques", et "les textes bibliques ont été produits sur une période au cours de laquelle les conditions de vie des écrivains – politiques, culturelles, économiques et écologiques – variaient énormément". Timothy H. Lim, professeur de Bible hébraïque et de judaïsme du Second Temple à l'Université d'Édimbourg, affirme que l'Ancien Testament est « une collection de textes faisant autorité, d'origine apparemment divine, qui ont subi un processus humain d'écriture et d'édition ». Il déclare qu’il ne s’agit pas d’un livre magique et qu’il n’a pas été littéralement écrit par Dieu et transmis à l’humanité. Parallèlement à la solidification du canon hébreu (vers le IIIe siècle avant notre ère), seules la Torah d'abord, puis le Tanakh, ont commencé à être traduits en grec et développés, maintenant appelés la Septante ou l'Ancien Testament grec. Dans les Bibles chrétiennes, les Évangiles du Nouveau Testament sont issus de traditions orales de la seconde moitié du premier siècle de notre ère. Riches dit que : Les chercheurs ont tenté de reconstruire quelque chose de l’histoire des traditions orales derrière les Évangiles, mais les résultats n’ont pas été très encourageants. La période de transmission est courte : moins de 40 ans se sont écoulés entre la mort de Jésus et la rédaction de l'Évangile de Marc. Cela signifie que les traditions orales ont eu peu de temps pour prendre une forme fixe. La Bible a ensuite été traduite en latin et dans d’autres langues. John Riches déclare que : La traduction de la Bible en latin marque le début d’une séparation entre le christianisme latin occidental et le christianisme oriental, qui parlait grec, syriaque, copte, éthiopien et d’autres langues. Les Bibles des Églises orientales varient considérablement : le canon orthodoxe éthiopien comprend 81 livres et contient de nombreux textes apocalyptiques, tels que ceux trouvés à Qumran et par la suite exclus du canon juif. En règle générale, on peut dire que les Églises orthodoxes suivent généralement la Septante en incluant plus de livres dans leur Ancien Testament que dans le canon juif. Bible hébraïque Le texte massorétique est le texte hébreu faisant autorité de la Bible hébraïque, ou Tanakh. Il définit les livres du canon juif, ainsi que les lettres-textes précises de ces livres bibliques, avec leur vocalisation et leur accentuation. Les plus anciens manuscrits existants du texte massorétique datent d'environ le 9ème siècle de notre ère, et le Codex d'Alep (autrefois la plus ancienne copie complète du texte massorétique, mais il manque désormais sa section de la Torah) date du 10ème siècle. Le nom Tanakh (hébreu : ) reflète la triple division des Écritures hébraïques, Torah (« Enseignement »), Nevi'im (« Prophètes ») et Ketuvim (« Écrits »). Torah La Torah (תּוֹרָה) est également connue sous le nom de « Cinq Livres de Moïse » ou Pentateuque, signifiant « cinq étuis à parchemins ». Les noms hébreux des livres dérivent des premiers mots des textes respectifs. La Torah se compose des cinq livres suivants : * Genèse, Beresheth * Exode, Shemot (noms) * Lévitique, Vayikra * Nombres, Bamidbar (במדבר) * Deutéronome, Devarim (דברים) Les onze premiers chapitres de la Genèse racontent la création (ou l'organisation) du monde et l'histoire des premières relations de Dieu avec l'humanité. Les trente-neuf chapitres restants de la Genèse rendent compte de l'alliance de Dieu avec les patriarches bibliques Abraham, Isaac et Jacob (également appelés Israël) et les enfants de Jacob, les « enfants d'Israël », en particulier Joseph. Il raconte comment Dieu a ordonné à Abraham de quitter sa famille et sa maison dans la ville d’Ur, pour finalement s’installer dans le pays de Canaan, et comment les enfants d’Israël ont ensuite déménagé en Égypte. Les quatre autres livres de la Torah racontent l’histoire de Moïse, qui vécut des centaines d’années après les patriarches. Il conduit les enfants d’Israël depuis l’esclavage dans l’Égypte ancienne jusqu’au renouvellement de leur alliance avec Dieu au mont Sinaï et à leurs pérégrinations dans le désert jusqu’à ce qu’une nouvelle génération soit prête à entrer dans le pays de Canaan. La Torah se termine avec la mort de Moïse. La Torah contient les commandements de Dieu, révélés au Mont Sinaï (bien qu'il y ait un certain débat parmi les érudits traditionnels quant à savoir si ceux-ci ont tous été écrits en une seule fois, ou sur une période de temps au cours des 40 années d'errance dans le désert, alors que plusieurs mouvements juifs modernes rejettent l'idée d'une révélation littérale, et que des érudits critiques estiment que bon nombre de ces lois se sont développées plus tard dans l'histoire juive). Ces commandements constituent la base de la loi religieuse juive. La tradition affirme qu’il existe 613 commandements (taryag mitsvot). Nevi'im Nevi'im (« Prophètes ») est la deuxième division principale du Tanakh, entre la Torah et Ketuvim. Il contient deux sous-groupes, les anciens prophètes (les livres narratifs de Josué, des Juges, de Samuel et des Rois) et les derniers prophètes (les livres d'Isaïe, de Jérémie et d'Ézéchiel et les douze prophètes mineurs). Les Nevi'im racontent l'histoire de la montée de la monarchie hébraïque et de sa division en deux royaumes, l'ancien Israël et Juda, en se concentrant sur les conflits entre les Israélites et d'autres nations, et les conflits entre Israélites, en particulier les luttes entre les croyants au « Dieu ». " et les croyants en dieux étrangers, et la critique du comportement contraire à l'éthique et injuste des élites et des dirigeants israélites ; dans lequel les prophètes ont joué un rôle crucial et de premier plan. Elle se termine par la conquête du royaume d'Israël par les Assyriens suivie de la conquête du royaume de Juda par les Babyloniens et de la destruction du Temple de Jérusalem. Anciens prophètes Les anciens prophètes sont les livres Josué, Juges, Samuel et Rois. Ils contiennent des récits qui commencent immédiatement après la mort de Moïse avec la nomination divine de Josué comme son successeur, qui conduit ensuite le peuple d'Israël dans la Terre promise, et se terminent avec la libération de l'emprisonnement du dernier roi de Juda. Traitant Samuel et Kings comme des livres uniques, ils couvrent : * La conquête par Josué du pays de Canaan (dans le Livre de Josué), * la lutte du peuple pour posséder la terre (dans le Livre des Juges), * la demande du peuple à Dieu de lui donner un roi pour qu'il puisse occuper le pays face à ses ennemis (dans les Livres de Samuel) * la possession de la terre sous les rois divinement nommés de la maison de David, se terminant par la conquête et l'exil à l'étranger (Livres des Rois) Derniers prophètes Les derniers prophètes sont divisés en deux groupes, les prophètes « majeurs », Isaïe, Jérémie et Ézéchiel, et les douze prophètes mineurs, rassemblés dans un seul livre. La collection est divisée pour former douze livres individuels dans l'Ancien Testament chrétien, un pour chacun des prophètes : * Osée, Osée (הושע) * Joël, Joël (יואל) * Amos, Amos (עמוס) * Abdias, Ovadyah * Jonas, Yona * Michée, Mikhah (Michée) *Nahum, Nahum * Habacuc, Havakuk (Habacuc) * Sophonie, Tsefanya (Sophonie) * Aggée, Khagay * Zacharie, Zekharyah * Malachie, Malakhi Kétuvim Ketuvim ou Kəṯûḇîm (dans « écrits ») est la troisième et dernière section du Tanakh. On pense que les Ketuvim ont été écrits sous le Ruach HaKodesh (le Saint-Esprit), mais avec un niveau d'autorité inférieur à celui de la prophétie. Les livres poétiques Dans les manuscrits massorétiques (et certaines éditions imprimées), les Psaumes, les Proverbes et Job sont présentés sous une forme spéciale à deux colonnes mettant l'accent sur les points parallèles dans les versets, qui sont fonction de leur poésie. Collectivement, ces trois livres sont connus sous le nom de Sifrei Emet (un acronyme des titres en hébreu, איוב, משלי, תהלים donne Emet אמ"ת, qui est aussi l'hébreu pour "vérité"). Ces trois livres sont également les seuls du Tanakh à disposer d'un système spécial de notes de cantillation conçues pour souligner les points parallèles dans les vers. Cependant, le début et la fin du livre de Job sont dans le système de prose normal. Les cinq parchemins (Hamesh Megillot) Les cinq livres relativement courts du Cantique des Cantiques, du Livre de Ruth, du Livre des Lamentations, de l'Ecclésiaste et du Livre d'Esther sont collectivement connus sous le nom de Hamesh Megillot (Cinq Megillot). Ce sont les derniers livres rassemblés et désignés comme « faisant autorité » dans le canon juif même s'ils n'étaient complets qu'au IIe siècle de notre ère. Autres livres Outre les trois livres poétiques et les cinq rouleaux, les livres restants de Ketuvim sont Daniel, Esdras-Néhémie et les Chroniques. Bien qu’il n’existe pas de regroupement formel de ces livres dans la tradition juive, ils partagent néanmoins un certain nombre de caractéristiques distinctives : * Leurs récits décrivent tous ouvertement des événements relativement tardifs (c'est-à-dire la captivité babylonienne et la restauration ultérieure de Sion). * La tradition talmudique leur attribue à tous une paternité tardive. * Deux d'entre eux (Daniel et Ezra) sont les seuls livres du Tanakh comportant des parties significatives en araméen. Ordre des livres La liste suivante présente les livres de Ketuvim dans l'ordre dans lequel ils apparaissent dans la plupart des éditions imprimées. Il les divise également en trois sous-groupes en fonction du caractère distinctif de Sifrei Emet et Hamesh Megillot. Les trois livres poétiques (Sifrei Emet) * Tehilim (Psaumes) * Mishlei (Livre des Proverbes) * Iyyôbh (Livre de Job) Les Cinq Mégillot (Hamesh Megillot) * Shīr Hashshīrīm (Cantique des Cantiques) ou (Chant de Salomon) Cantique des Cantiques (Pâque) * Rūth (Livre de Ruth) Ruth (Shābhû‘ôth) * Eikhah (Lamentations) Ikha (Neuvième Av) [Aussi appelé Kinnot en hébreu.] * Qōheleth (Ecclésiaste) Ecclésiaste (Sukkôth) * Estēr (Livre d'Esther) Esther (Pûrîm) Autres livres * Dānî'ēl (Livre de Daniel) Daniel * 'Ezrā (Livre d'Esdras-Livre de Néhémie) Ezra * Divrei ha-Yamim (Chroniques) דברי הימים La tradition textuelle juive n'a jamais finalisé l'ordre des livres de Ketuvim. Le Talmud babylonien (Bava Batra 14b-15a) donne leur ordre comme Ruth, Psaumes, Job, Proverbes, Ecclésiaste, Cantique de Salomon, Lamentations de Jérémie, Daniel, Rouleau d'Esther, Esdras, Chroniques. Dans les codex massorétiques tibériens, y compris le Codex d'Alep et le Codex de Leningrad, et souvent aussi dans les vieux manuscrits espagnols, l'ordre est Chroniques, Psaumes, Job, Proverbes, Ruth, Cantique de Salomon, Ecclésiaste, Lamentations de Jérémie, Esther, Daniel, Esdras. Canonisation Le Ketuvim est la dernière des trois parties du Tanakh à avoir été acceptée comme canon biblique. Alors que la Torah a pu être considérée comme canon par Israël dès le 5ème siècle avant notre ère et que les anciens et derniers prophètes ont été canonisés au 2ème siècle avant notre ère, les Ketuvim n'étaient pas un canon fixe avant le 2ème siècle de l'ère commune. Les preuves suggèrent cependant que le peuple d’Israël ajoutait ce qui allait devenir les Ketuvim à sa littérature sainte peu après la canonisation des prophètes. Dès 132 avant notre ère, des références suggèrent que les Ketuvim commençaient à prendre forme, même s'il manquait un titre formel. Les références dans les quatre Évangiles ainsi que dans d'autres livres du Nouveau Testament indiquent que bon nombre de ces textes étaient à la fois connus et considérés comme ayant un certain degré d'autorité religieuse au début du 1er siècle de notre ère. De nombreux érudits pensent que les limites des Ketuvim en tant qu'écriture canonisée ont été déterminées par le Concile de Jamnia c. 90 CE. Contre Apion, les écrits de Josèphe en 95 EC traitaient le texte de la Bible hébraïque comme un canon fermé auquel "... personne ne s'est aventuré ni à ajouter, ni à supprimer, ni à modifier une syllabe..." Car longtemps après cette date, l'inspiration divine d'Esther, le Cantique des Cantiques et l'Ecclésiaste furent souvent sous surveillance. Langues originales Le Tanakh a été principalement écrit en hébreu biblique, avec quelques petites portions ( et , , ) en araméen biblique, une langue sœur qui est devenue la lingua franca d'une grande partie du monde sémitique. Septante La Septante, ou LXX, est une traduction des Écritures hébraïques et de certains textes connexes en grec koine, commencée à la fin du IIIe siècle avant notre ère et achevée en 132 avant notre ère, initialement à Alexandrie, mais également ailleurs. Il n’est pas tout à fait clair ce qui a été traduit, quand et où ; certains peuvent même avoir été traduits deux fois, dans des versions différentes, puis révisés. À mesure que le travail de traduction progressait, le canon de la Bible grecque s’élargissait. La Torah a toujours maintenu sa prééminence en tant que base du canon, mais la collection d'écrits prophétiques, basée sur les Nevi'im, comprenait diverses œuvres hagiographiques incorporées. De plus, certains livres plus récents ont été inclus dans la Septante, parmi lesquels les Macchabées et la Sagesse de Sirach. Cependant, on sait maintenant que le livre du Siracide a existé dans une version hébraïque, puisque d'anciens manuscrits hébreux en ont été redécouverts dans les temps modernes. La version Septante de certains livres bibliques, comme Daniel et Esther, est plus longue que celles du canon juif. Certains de ces livres deutérocanoniques (par exemple la Sagesse de Salomon et le deuxième livre des Macchabées) n'ont pas été traduits, mais composés directement en grec. Depuis l’Antiquité tardive, autrefois attribuée à un hypothétique concile de Jamnia de la fin du Ier siècle, le judaïsme rabbinique dominant a rejeté la Septante en tant que textes scripturaires juifs valides. Plusieurs raisons ont été avancées pour cela. Premièrement, certaines erreurs de traduction ont été signalées. Deuxièmement, les textes sources hébreux utilisés pour la Septante différaient de la tradition massorétique des textes hébreux, choisis comme canoniques par les rabbins juifs. Troisièmement, les rabbins voulaient distinguer leur tradition de la nouvelle tradition émergente du christianisme. Enfin, les rabbins revendiquaient une autorité divine pour la langue hébraïque, contrairement à l’araméen ou au grec – même si ces langues étaient la lingua franca des Juifs à cette époque (et l’araméen se verrait finalement attribuer un statut de langue sainte comparable à l’hébreu). La Septante constitue la base des versions latine, slave, syriaque, arménienne, géorgienne et copte de l'Ancien Testament chrétien. Les Églises catholique romaine et orthodoxe orientale utilisent la plupart des livres de la Septante, contrairement aux églises protestantes. Après la Réforme protestante, de nombreuses Bibles protestantes ont commencé à suivre le canon juif et à exclure les textes supplémentaires, appelés apocryphes bibliques. Les Apocryphes sont inclus sous un titre distinct dans la version King James de la Bible, base de la version standard révisée. Incorporations de Théodotion Dans la plupart des copies anciennes de la Bible qui contiennent la version Septante de l'Ancien Testament, le Livre de Daniel n'est pas la version originale de la Septante, mais plutôt une copie de la traduction de Théodotion de l'hébreu, qui ressemble plus au texte massorétique. La version de la Septante a été abandonnée au profit de la version de Théodotion aux IIe et IIIe siècles de notre ère. Dans les régions de langue grecque, cela s'est produit vers la fin du IIe siècle, et dans les régions de langue latine (au moins en Afrique du Nord), cela s'est produit au milieu du IIIe siècle. L'histoire n'en enregistre pas la raison, et saint Jérôme rapporte, dans la préface de la version Vulgate de Daniel, "Cette chose" vient "de se produire." L'un des deux textes en grec ancien du Livre de Daniel a été récemment redécouvert et des travaux sont en cours pour reconstruire la forme originale du livre. Le canonique Esdras-Néhémie est connu dans la Septante sous le nom de « Esdras B », et 1 Esdras est « Esdras A ». 1 Esdras est un texte très similaire aux livres d’Esdras et de Néhémie, et les érudits pensent largement que les deux sont dérivés du même texte original. Il a été proposé, et est considéré comme très probable par les érudits, que « Esdras B » – le canonique Esdras-Néhémie – est la version de Théodotion de ce matériau, et « Esdras A » est la version qui figurait auparavant seule dans la Septante. Forme définitive Certains textes se trouvent dans la Septante mais ne sont pas présents en hébreu. Ces livres supplémentaires sont Tobit, Judith, la Sagesse de Salomon, la Sagesse de Jésus fils de Sirach, Baruch, la Lettre de Jérémie (qui devint plus tard le chapitre 6 de Baruch dans la Vulgate), des ajouts à Daniel (La Prière d'Azarias, le Cantique de les Trois Enfants, Suzanne et Bel et le Dragon), ajouts à Esther, 1 Macchabées, 2 Macchabées, 3 Macchabées, 4 Macchabées, 1 Esdras, Odes, dont la Prière de Manassé, les Psaumes de Salomon et le Psaume 151. Certains livres isolés dans le texte massorétique sont regroupés. Par exemple, les Livres de Samuel et les Livres des Rois sont dans la LXX un livre en quatre parties appelé Βασιλειῶν (« Des règnes »). Dans LXX, les Livres des Chroniques complètent Reigns et s'appelle Paralipomenon (Παραλειπομένων—choses laissées de côté). La Septante organise les prophètes mineurs en douze parties d'un Livre des Douze. Bibles chrétiennes Une Bible chrétienne est un ensemble de livres qu'une confession chrétienne considère comme divinement inspirés et constituant ainsi l'Écriture. Bien que l'Église primitive utilisait principalement la Septante ou les Targums parmi les locuteurs araméens, les apôtres n'ont pas laissé un ensemble défini de nouvelles écritures ; au lieu de cela, le canon du Nouveau Testament s'est développé au fil du temps. Les groupes au sein du christianisme incluent différents livres dans leurs écrits sacrés, parmi lesquels les plus importants sont les apocryphes bibliques ou les livres deutérocanoniques. Les versions importantes de la Bible chrétienne anglaise comprennent la Bible de Douay-Rheims, la version autorisée King James, la version anglaise révisée, la version standard américaine, la version standard révisée, la nouvelle version standard américaine, la nouvelle version King James, la nouvelle version internationale. Version et la version standard anglaise. L'Ancien Testament Les livres qui composent l'Ancien Testament chrétien diffèrent entre les églises catholique (voir Bible catholique), orthodoxe et protestante (voir Bible protestante), le mouvement protestant n'acceptant que les livres contenus dans la Bible hébraïque, tandis que les catholiques et les orthodoxes ont une portée plus large. canons. Quelques groupes considèrent que certaines traductions sont divinement inspirées, notamment la Septante grecque et la Peshitta araméenne. Livres apocryphes ou deutérocanoniques Dans le christianisme oriental, les traductions basées sur la Septante prédominent encore. La Septante a été généralement abandonnée au profit du texte massorétique du Xe siècle comme base pour les traductions de l'Ancien Testament dans les langues occidentales. Certaines traductions occidentales modernes depuis le 14ème siècle utilisent la Septante pour clarifier des passages du texte massorétique, où la Septante peut conserver une lecture variante du texte hébreu. Ils adoptent aussi parfois des variantes qui apparaissent dans d’autres textes, par exemple celles découvertes parmi les manuscrits de la mer Morte. Un certain nombre de livres qui font partie de la Peshitta ou de la Septante grecque mais qui ne se trouvent pas dans la Bible hébraïque (rabbinique) (c'est-à-dire parmi les livres protocanoniques) sont souvent appelés livres deutérocanoniques par les catholiques romains faisant référence à un secondaire ultérieur (c'est-à-dire, deutéro), ce canon tel que fixé définitivement par le Concile de Trente 1545-1563. Il comprend 46 livres pour l'Ancien Testament (45 si l'on compte Jérémie et les Lamentations pour un seul) et 27 pour le Nouveau. La plupart des protestants qualifient ces livres d’apocryphes. Les traditions protestantes modernes n'acceptent pas les livres deutérocanoniques comme canoniques, bien que les Bibles protestantes les aient inclus dans les sections apocryphes jusque dans les années 1820. Cependant, les Églises catholique romaine et orthodoxe orientale incluent ces livres dans leur Ancien Testament. L'Église catholique romaine reconnaît : * Tobie *Judith * 1 Macchabées * 2 Macchabées * Sagesse * Sirach (ou Ecclésiastique) * Baruch * La Lettre de Jérémie (Baruch Chapitre 6) * Ajouts grecs à Esther (Livre d'Esther, chapitres 10 :4 – 12 :6) * La prière d'Azaria et le chant des trois saints enfants, versets 1 à 68 (Livre de Daniel, chapitre 3, versets 24 à 90) * Susanna (Livre de Daniel, chapitre 13) * Bel et le Dragon (Livre de Daniel, chapitre 14) En plus de cela, les Églises orthodoxes grecque et russe reconnaissent ce qui suit : * 3 Macchabées * 1 Esdras * Prière de Manassé * Psaume 151 Les Églises orthodoxes russes et géorgiennes comprennent : * 2 Esdras, c'est-à-dire les Esdras latines dans les Bibles russe et géorgienne Il y a aussi 4 Maccabées qui ne sont acceptées comme canoniques que dans l'Église géorgienne, mais qui ont été incluses par saint Jérôme dans une annexe à la Vulgate, et qui sont une annexe à la Bible orthodoxe grecque, et sont donc parfois incluses dans les recueils de la Bible orthodoxe grecque. Apocryphes. La tradition syriaque orthodoxe comprend : * Psaumes 151-155 * L'Apocalypse de Baruch * La lettre de Baruch Le canon biblique éthiopien comprend : * Jubilés * Hénoc * 1 à 3 Meqabyan et quelques autres livres. L'Église anglicane utilise liturgiquement certains livres apocryphes. Par conséquent, les éditions de la Bible destinées à être utilisées dans l'Église anglicane comprennent les livres deutérocanoniques acceptés par l'Église catholique, plus 1 Esdras, 2 Esdras et la Prière de Manassé, qui se trouvaient dans l'annexe de la Vulgate. Livres pseudépigraphiques Le terme Pseudepigrapha décrit communément de nombreuses œuvres de la littérature religieuse juive écrites entre 300 avant notre ère et 300 de notre ère. Toutes ces œuvres ne sont pas réellement pseudépigraphiques. Il fait également référence aux livres du canon du Nouveau Testament dont la paternité est déformée. Les œuvres pseudépigraphiques de « l'Ancien Testament » comprennent les suivantes : Harris, Stephen L., Understanding the Bible. Palo Alto : Mayfield. 1985. * 3 Macchabées * 4 Macchabées * Assomption de Moïse * Livre éthiopien d'Enoch (1 Enoch) * Livre slave d'Enoch (2 Enoch) * Livre hébreu d'Enoch (3 Enoch) (également connu sous le nom de « La Révélation de Métatron » ou « Le Livre du Rabbin Ismaël le Grand Prêtre ») * Livre des Jubilés * Apocalypse syriaque de Baruch (2 Baruch) * Lettre d'Aristée (Lettre à Philocrate concernant la traduction des Écritures hébraïques en grec) * Vie d'Adam et Ève * Martyre et Ascension d'Isaïe * Psaumes de Salomon * Oracles sibyllins * Apocalypse grecque de Baruch (3 Baruch) * Testaments des douze patriarches Livre d'Hénoch Les œuvres pseudépigraphiques notables incluent les Livres d'Enoch (tels que 1 Enoch, 2 Enoch, survivant uniquement en vieux slave, et 3 Enoch, survivant en hébreu, du 5e au 6e siècle de notre ère). Il s’agit d’œuvres religieuses juives anciennes, traditionnellement attribuées au prophète Enoch, l’arrière-grand-père du patriarche Noé. Ils ne font pas partie du canon biblique utilisé par les Juifs, à l'exception de Beta Israel. La plupart des dénominations et traditions chrétiennes peuvent accepter les livres d’Enoch comme ayant un intérêt ou une signification historique ou théologique. Il a été observé qu'une partie du Livre d'Enoch est citée dans l'Épître de Jude (une partie du Nouveau Testament), mais les confessions chrétiennes considèrent généralement les Livres d'Enoch comme non canoniques ou non inspirés. Cependant, les livres d'Enoch sont traités comme canoniques par l'Église orthodoxe éthiopienne de Tewahedo et l'Église orthodoxe érythréenne de Tewahedo. On estime que les sections les plus anciennes (principalement dans le Livre des Veilleurs) datent d'environ 300 avant notre ère, et la partie la plus récente (Livre des Paraboles) a probablement été composée à la fin du 1er siècle avant notre ère. Vues confessionnelles de Pseudepigrapha Il est apparu dans certaines études bibliques protestantes une utilisation étendue du terme pseudépigraphe pour des œuvres qui semblaient devoir faire partie du canon biblique, en raison de la paternité qui leur était attribuée, mais qui se situaient en dehors à la fois des canons bibliques reconnus par les protestants et Catholiques. Ces ouvrages étaient également en dehors de l'ensemble particulier des livres que les catholiques romains appelaient deutérocanoniques et auxquels les protestants avaient généralement appliqué le terme apocryphe. En conséquence, le terme pseudépigraphique, tel qu’il est maintenant souvent utilisé aussi bien par les protestants que par les catholiques romains (prétendument pour la clarté qu’il apporte à la discussion), peut rendre difficile la discussion impartiale des questions de paternité pseudépigraphique des livres canoniques avec un public profane. Pour rendre les choses encore plus confuses, les chrétiens orthodoxes orientaux acceptent comme canoniques des livres que les catholiques romains et la plupart des confessions protestantes considèrent comme pseudépigraphiques ou, au mieux, avec beaucoup moins d'autorité. Il existe également des églises qui rejettent certains des livres acceptés par les catholiques romains, les orthodoxes et les protestants. Il en va de même pour certaines sectes juives. De nombreuses œuvres « apocryphes » sont par ailleurs considérées comme authentiques. Rôle de l'Ancien Testament dans la théologie chrétienne L'Ancien Testament a toujours été au cœur de la vie de l'Église chrétienne. Le bibliste N.T. Wright dit que « Jésus lui-même a été profondément façonné par les Écritures ». Il ajoute que les premiers chrétiens ont également étudié ces mêmes écritures hébraïques dans leur effort pour comprendre la vie terrestre de Jésus. Ils considéraient les « écrits saints » des Israélites comme nécessaires et instructifs pour le chrétien, comme le montrent les paroles de Paul à Timothée (2 Timothée 3 : 15), et comme désignant le Messie, et comme ayant atteint un accomplissement culminant en Jésus lui-même. , générant la « nouvelle alliance » prophétisée par Jérémie. Nouveau Testament Le Nouveau Testament est une collection de 27 livres de 4 genres différents de littérature chrétienne (Évangiles, un récit des Actes des Apôtres, des Épîtres et une Apocalypse). Jésus en est le personnage central. Le Nouveau Testament présuppose l'inspiration de l'Ancien Testament. (2 Timothée 3:16) Presque tous les chrétiens reconnaissent le Nouveau Testament comme une écriture canonique. Ces livres peuvent être regroupés en : Les Évangiles * Évangiles synoptiques ** Évangile selon Matthieu ** Évangile selon Marc ** Évangile selon Luc * Évangile selon Jean Littérature narrative, récit et histoire de l'époque apostolique * Actes des Apôtres Épîtres pauliniennes * Épître aux Romains * Première épître aux Corinthiens * Deuxième épître aux Corinthiens * Épître aux Galates * Épître aux Éphésiens * Épître aux Philippiens * Épître aux Colossiens * Première épître aux Thessaloniciens * Deuxième épître aux Thessaloniciens Épîtres pastorales * Première épître à Timothée * Deuxième épître à Timothée * Épître à Tite * Épître à Philémon * Épître aux Hébreux Épîtres générales, également appelées épîtres catholiques * Épître de Jacques * Première épître de Pierre * Deuxième épître de Pierre * Première épître de Jean * Deuxième épître de Jean * Troisième épître de Jean * Épître de Jude Littérature apocalyptique, aussi appelée prophétique * L'Apocalypse ou l'Apocalypse Les livres du Nouveau Testament sont classés différemment selon la tradition catholique/orthodoxe/protestante, la tradition slave, la tradition syriaque et la tradition éthiopienne. Langue originale Le consensus dominant est que le Nouveau Testament a été écrit sous une forme de grec koine, qui était la langue commune de la Méditerranée orientale depuis les conquêtes d'Alexandre le Grand (335-323 avant notre ère) jusqu'à l'évolution du grec byzantin (vers 600). . Éditions historiques Les autographes originaux, c’est-à-dire les écrits grecs originaux et les manuscrits rédigés par les auteurs originaux du Nouveau Testament, n’ont pas survécu. Mais historiquement, il existe des copies de ces autographes originaux, transmis et conservés dans un certain nombre de traditions manuscrites. Il y a eu quelques variations mineures, ajouts ou omissions dans certains textes. Lorsque les scribes anciens copiaient des livres antérieurs, ils écrivent parfois des notes dans les marges de la page (gloses marginales) pour corriger leur texte – surtout si un scribe a accidentellement omis un mot ou une ligne – et pour commenter le texte. Lorsque les scribes ultérieurs copiaient la copie, ils ne savaient parfois pas si une note était destinée à être incluse dans le texte. Au fil du temps, différentes régions ont développé différentes versions, chacune avec son propre ensemble d'omissions et d'ajouts. Les trois principales traditions textuelles du Nouveau Testament grec sont parfois appelées le type de texte alexandrin (généralement minimaliste), le type de texte byzantin (généralement maximaliste) et le type de texte occidental (parfois sauvage). Ensemble, ils constituent la plupart des manuscrits anciens. Développement des canons chrétiens Le canon de l'Ancien Testament est entré dans l'usage chrétien dans les traductions grecques de la Septante et les livres originaux, ainsi que dans leurs différentes listes de textes. En plus de la Septante, le christianisme a ensuite ajouté divers écrits qui deviendront le Nouveau Testament. Des listes quelque peu différentes d’œuvres acceptées ont continué à se développer dans l’Antiquité. Au IVe siècle, une série de synodes produisit une liste de textes équivalents au canon de 39, 46(51), 54 ou 57 livres de l'Ancien Testament et au canon de 27 livres du Nouveau Testament qui serait ensuite utilisé pour aujourd'hui, notamment le Synode d'Hippone en 393 CE. Aussi c. 400, Jérôme réalise un L définitif

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Qui a joué le rôle de Caligula dans la série télévisée britannique « Moi, Claudius » de 1976 ?

John Hurt

Moi, Claudius est une adaptation télévisée de la BBC de 1976 de Moi, Claudius et Claudius le Dieu de Robert Graves. Écrit par Jack Pulman, il mettait en vedette Derek Jacobi dans le rôle de Claudius, avec Siân Phillips, Brian Blessed, George Baker, Margaret Tyzack, John Hurt, Patricia Quinn, Ian Ogilvy, Kevin McNally, Patrick Stewart et John Rhys-Davies. Parmi de nombreuses autres productions et adaptations, les romans Claudius de Graves ont également été adaptés pour la diffusion de BBC Radio 4 (2010) et pour le théâtre (1972). Parcelle Moi, Claudius, je suis l'histoire de Rome, racontée par le vieux Claudius, depuis la mort de Marcellus dans le premier épisode jusqu'à la propre mort de Claudius dans le dernier. La série s'ouvre avec Auguste, l'empereur de Rome, tentant de trouver un héritier, et sa femme, Livie, complotant pour élever son propre fils Tibère à ce poste. Le complot et la double trahison se poursuivent pendant de nombreuses décennies, à travers la conspiration de Sejanus et le règne de l'empereur fou Caligula, culminant avec l'accession au pouvoir apparemment accidentelle de Claudius. Le règne éclairé de Claude est gâché par les trahisons de son épouse adultère Messaline et de son ami d'enfance Hérode Agrippa. Finalement, Claudius en vient à accepter le caractère inévitable de son propre assassinat et de l'ascension de son beau-fils fou, Néron. Production La série a été produite par Joan Sullivan et Martin Lisemore et réalisée par Herbert Wise dans les studios du BBC Television Center. La production a été retardée en raison de négociations complexes entre la BBC et les détenteurs des droits d'auteur de la version cinématographique avortée de 1937 d'Alexander Korda. Cela a cependant donné au scénariste Jack Pulman plus de temps pour peaufiner son scénario. Le tournage s'est déroulé en studio, pour des raisons artistiques plutôt que budgétaires. Moi, Claudius a été réalisé à un coût relativement bas de 60 000 £ pour une heure de matériel diffusé, dans une série d'une durée totale de 650 minutes. Compte tenu de l'inflation de la livre sterling, l'ensemble du spectacle aurait coûté 3 960 000 £ en 2013. Comme discuté dans le documentaire de 2002 Moi, Claudius : une épopée télévisée, la scène de l'épisode 8, « Zeus, par Jove ! où Caligula coupe le fœtus du ventre de Drusilla a été jugé trop choquant et a donc été réédité plusieurs fois, même le jour de sa première sur ordre de Bill Slater, alors chef du département des séries. Après la première diffusion et une rediffusion deux jours plus tard, la photo du fœtus a été supprimée de sorte que l'épisode se termine maintenant avec Claudius sous le choc et l'horreur, mais le public ne voit pas ce qu'il voit. Le plan supprimé n'a été diffusé que deux fois en 1976 et est aujourd'hui perdu puisque la BBC n'en possède plus de copie. Le documentaire de 2002, qui présente des entretiens approfondis avec tous les principaux acteurs, a révélé de nombreux faits jusqu'alors inconnus sur le casting et le développement de la série : * Derek Jacobi figurait bien en bas de la liste de ceux considérés pour jouer Claudius - parmi ceux considérés ou proposés pour le rôle avant lui figuraient la star de cinéma américaine Charlton Heston et l'acteur-comédien britannique Ronnie Barker. Jacobi a expliqué qu'il n'avait obtenu le rôle qu'après qu'un autre acteur britannique de premier plan (anonyme) qui avait pris le rôle s'était révélé inadapté et avait dû être remplacé dans un bref délai. * Brian Blessed a initialement auditionné pour le rôle de Tibère, mais a finalement été persuadé de jouer Augustus à la place. Il a raconté certains des conseils clés du réalisateur Herbert Wise sur la façon de jouer Augustus - Wise a dit à Blessed qu'il devrait "... être comme vous êtes - plein de flanelle ...", et qu'il devrait toujours jouer Augustus comme un ordinaire. personne, car les réactions de son entourage feraient de lui l’Empereur. * John Hurt a révélé qu'il avait décliné le rôle de Caligula lorsqu'il lui a été proposé pour la première fois. En raison de la durée de la production, du fait que Derek Jacobi serait le seul acteur à apparaître dans chaque épisode et des engagements ultérieurs des autres acteurs, il a été décidé qu'au lieu de la "soirée de clôture" habituelle à la fin de la série, il y aurait une soirée spéciale de pré-production à la place, pour donner à l'ensemble des acteurs et de l'équipe la chance de se rencontrer. Hurt a expliqué que le réalisateur de la série, Herbert Wise, l'avait délibérément invité à assister à la fête, dans l'espoir qu'il reconsidérerait sa décision, et qu'il avait été tellement impressionné par sa rencontre avec les acteurs et l'équipe qu'il était immédiatement revenu sur sa décision et avait accepté le rôle. Musique Wilfred Josephs a écrit la musique du titre. David Wulstan et l'ensemble Clerkes of Oxenford ont fourni la musique (diégétique) de la plupart des épisodes. Prix ​​​​et réception Royaume-Uni Lors de sa première diffusion en 1976, la BBC a estimé que Moi, Claudius avait une audience moyenne de 2 500 000 téléspectateurs par épisode, sur la base d'enquêtes d'audience. Entre autres récompenses, la série a remporté trois BAFTA en 1977 (Derek Jacobi, meilleur acteur (TV) ; Siân Phillips, meilleure actrice (TV) ; Tim Harvey, meilleur design (TV)). Le réalisateur Herbert Wise a remporté le prix de contribution exceptionnelle aux BAFTA en 1978. Dans une liste des 100 plus grands programmes de télévision britanniques établie par le British Film Institute en 2000, votée par les professionnels de l'industrie, Moi, Claudius a été classé 12ème. États-Unis La série a ensuite été diffusée aux États-Unis dans le cadre de la série Masterpiece Theatre de PBS, où elle a été acclamée par la critique. Tim Harvey a remporté un Emmy en 1978 pour une direction artistique exceptionnelle. Les producteurs et le réalisateur ont reçu des nominations aux Emmys. En 2007, elle a été classée parmi les « 100 meilleures émissions de télévision de tous les temps » par le magazine Time. Casting Héritage Moi, Claudius a été précédé par le drame historique ITV de 1968 Les Césars qui couvrait un terrain très similaire, mais différait par son approche moins sensationnaliste des personnages principaux et de leurs motivations. Les drames historiques ultérieurs de la BBC Les Borgias (1981) et Les Cléopâtres (1983) ont été produits dans la même veine, bien qu'ils n'aient pas égalé le succès critique et commercial de Moi, Claudius. VHS/DVD La plupart des versions VHS et DVD de la série télévisée incluent le documentaire de la BBC The Epic That Never Was (1965), sur la version cinématographique Korda inachevée du premier livre, avec des interviews avec le personnel de production et les acteurs clés ainsi que la plupart des images survivantes. L'édition DVD britannique de 2002 contient également un documentaire sur la série I, Claudius – a Television Epic, ainsi que quelques scènes alternatives et supprimées. La version DVD a été mise à jour le 2 décembre 2008 avec un son et une vidéo supérieurs à la version DVD américaine de 2000, mais elle a rencontré des critiques hostiles de la part de certains clients, citant que certaines parties avaient été soit coupées, soit censurées par rapport à la version originale, et aucun sous-titre ou le sous-titrage codé était inclus. Une édition du 35e anniversaire a été publiée le 27 mars 2012. Elle comprend les 12 épisodes (non coupés à l'exception de "Zeus, par Jove!", qui contenait à l'origine en 1976 une photo du fœtus que Caligula avait coupé du ventre de Drusilla, coupé de toutes les répétitions ultérieures. et maintenant perdu) sur quatre disques, sous-titrés SDH et un disque de bonus.

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De quelle couleur est la croix sur le drapeau national du Danemark ?

Blanc

Dans les organisations militaires, on pense que la pratique consistant à porter des drapeaux, des étendards ou des guidons, à la fois pour servir de point de ralliement aux troupes et pour marquer l'emplacement du commandant, trouve son origine dans l'Égypte ancienne il y a environ 5 000 ans. L’Empire romain a également intégré les étendards de bataille à ses vastes armées. Il a été officialisé dans les armées européennes au Haut Moyen Âge, les étendards étant ornés des armoiries du commandant. Usage général À mesure que les armées s'entraînaient et adoptaient des formations fixes, la capacité de chaque régiment à conserver sa formation était potentiellement essentielle à son succès, et donc à celui de son armée. Dans le chaos de la bataille, notamment en raison de la quantité de poussière et de fumée sur le champ de bataille, les soldats devaient être capables de déterminer où se trouvait leur régiment. Les drapeaux régimentaires sont généralement décernés à un régiment par un chef d'État lors d'une cérémonie. Ils étaient donc traités avec respect car ils représentaient l'honneur et les traditions du régiment. Les couleurs peuvent porter les noms de batailles ou d'autres symboles représentant des réalisations antérieures (voir honneurs de bataille). Les régiments avaient tendance à adopter des « gardes des couleurs », composés de soldats expérimentés ou d'élite, pour protéger leurs couleurs. En conséquence, la capture de l’étendard ennemi était considérée comme un grand fait d’armes. Ils ne sont jamais détruits de manière capricieuse : lorsqu'ils sont trop vieux pour être utilisés, ils sont remplacés puis déposés dans des musées, des édifices religieux et d'autres lieux importants pour leur régiment. Cependant, dans la plupart des armées modernes, les ordres permanents exigent désormais que les drapeaux soient intentionnellement détruits s'ils risquent d'être capturés par l'ennemi. En raison de l'avènement des armes modernes et des changements tactiques ultérieurs, les couleurs ne sont plus utilisées au combat, mais continuent d'être utilisées lors d'événements à caractère formel. Couleurs Amériques du Nord, centrale et du Sud Argentine Les couleurs militaires des Forces armées de la République argentine de l'armée argentine, de la marine argentine et de l'armée de l'air argentine sont le drapeau de l'Argentine en tant que couleur de guerre nationale et couleur d'unité. La couleur de guerre nationale est une variante du drapeau national argentin conçue pour un usage militaire, tandis que la couleur de l'unité diffère selon l'arme militaire et l'unité. Les régiments les plus anciens de l'armée ont tendance à avoir la couleur de leur unité basée sur des modèles utilisés auparavant, tandis que le régiment de grenadiers à cheval a tendance à avoir le drapeau de l'armée des Andes comme deuxième couleur de guerre nationale. Seul le Régiment des Patriciens utilise les couleurs de l'entreprise. Brésil Les unités des forces armées brésiliennes portent un stand de deux couleurs, différentes selon les services. L'étendard de l'Armée mesure 80 × 120 cm, blanc avec les armoiries de l'Armée au centre, bordées de franges dorées. Le nom du service est inscrit en lettres dorées sur un parchemin vert sous l'écu. Au-dessus du bouclier se trouve un casque de chevalier avec un manteau rouge et bleu ciel. Le bâton est surmonté d'un fleuron en forme de lance nickelé de 32 cm de haut. Au-dessous de la tête de lance, il y a une cravate (laço militar) divisée dans le sens de la longueur, bleu ciel et rouge, avec une frange d'or à l'extrémité, nouée en un arc et attachée par une cocarde bleue avec la Croix du Sud en étoiles blanches, rouges. , et bleu. Dix banderoles rouges avec les honneurs de campagne inscrits en lettres bleu ciel sont également fixées sous la tête de lance. Le bâton mesure 212 cm de long, sans compter la tête de lance, et 3,5 cm de diamètre. Il est recouvert de velours bleu ciel avec une bande spirale rouge. La ceinture de couleur mesure 10 cm de largeur, recouverte de velours bleu ciel à rayures de velours rouge. Le drapeau de la Marine utilise des couleurs bleu foncé, celui de l'Air Force est bleu outremer. Les unités militaires brésiliennes portent également le drapeau national comme couleur nationale. C'est dans les dimensions 90 × 128 cm. Il est monté sur un bâton de même taille et avec le même fleuron que l'étendard de l'armée, mais la cravate est divisée dans le sens de la longueur en jaune et vert, avec une frange dorée à l'extrémité, nouée dans un nœud et attachée avec une cocarde bleue avec le Cruzeiro. do Sul en étoiles blanches, jaunes et vertes. Le bâton est recouvert de velours vert avec une bande spirale jaune. La ceinture de couleur mesure 10 cm de largeur, recouverte de velours vert avec des rayures de velours jaune dont la largeur et le nombre varient en fonction du grade du commandant de l'organisation. Chili Les unités de l'armée chilienne portent une couleur principale, connue sous le nom d'estandarte de combate (étendard de combat). C'est le même que le drapeau national, mais avec une étoile brodée et avec la désignation de l'unité, le titre honorifique, la date et le lieu de fondation et, selon l'unité, d'autres informations historiques et honneurs brodés en diagonale sur la braguette en or. Le drapeau est également orné de franges dorées. Il est monté sur un bâton avec un fleuron en condor doré ; sous le fleuron se trouve une cravate aux couleurs nationales avec des décorations attachées. En plus de la couleur militaire, les unités particulièrement distinguées et les unités en service depuis longtemps peuvent porter une deuxième couleur connue sous le nom de bandera coronela (couleur du colonel). Il s'agit d'un champ rouge avec une grande étoile blanche à cinq branches. Dans les angles de l'étoile se trouvent les noms et les dates des honneurs de bataille entourés de couronnes de laurier, le tout en or, tandis que dans un arc au-dessus de l'étoile se trouve la désignation de l'unité, également en or. Le drapeau est également entouré de franges dorées. L'armée de l'air chilienne, la marine chilienne, les carabineros du Chili et la gendarmerie chilienne utilisent tous l'estandarte de combate comme couleur principale et n'utilisent pas du tout la bandera coronela. Le design est le même que celui de l'armée. Colombie Les principales couleurs d'État des forces militaires de Colombie et de la police nationale de Colombie sont le drapeau de la Colombie avec les armoiries de la Colombie au centre à l'intérieur d'un cercle avec une bordure rouge, utilisé par tous les services. Ces drapeaux portent également des médailles et des décorations attachées au drapeau. Le MFC et le NPC utilisent également les couleurs régimentaires d'unité et les couleurs de bataille, qui diffèrent en conséquence selon le service. Tous sont bordés d’or. Mexique Les forces armées mexicaines utilisent le drapeau du Mexique comme couleur nationale, avec l'inscription de l'unité sous les armoiries du Mexique et le nom officiel du pays (Estados Unidos Mexicanos, États-Unis du Mexique) au-dessus. États-Unis Dans l'armée américaine, chaque branche possède son propre drapeau, une couleur organisationnelle, parfois aussi appelée drapeau de cérémonie. Chacun d'eux mesure 4 pieds 4 pouces × 5 pieds 6 pouces, certains utilisant une frange dorée de 2,5 pouces dans des cas spécifiques. Le drapeau de cérémonie est arboré avec une couleur nationale de dimensions égales dans une garde de couleurs, avec une frange dorée si nécessaire. La couleur nationale n'est jamais trempée en salutation, mais reste verticale à tout moment, tandis que les couleurs de l'organisation et les éventuels guidons sont trempés si nécessaire. Lorsque la couleur nationale n'est pas mise en majuscule, tout le monde salue les couleurs. Le fleuron est un fer de lance nickelé ou chromé, bien que la Marine utilise parfois des fleurons différents. Chaque service attache des banderoles de campagne/bataille, parfois appelées honneurs de bataille, pour les actions auxquelles le service dans son ensemble a pris part. Il peut s'agir soit de banderoles de service de guerre, aux couleurs de la médaille de campagne appropriée et sur lesquelles est brodé le nom de la campagne ; ou des banderoles de citation d'unité, qui portent le nom de l'action brodé et signifient que la performance de l'unité dans une action spécifique mérite une mention spéciale. Les unités sont également autorisées à porter des banderoles de récompenses étrangères qui peuvent leur avoir été décernées. Ces banderoles sont aux couleurs du ruban de médaille approprié. Les banderoles mesurent 3 pieds sur 2,75 pouces. L'armée, par exemple, compte actuellement 178 banderoles de service, aux États-Unis. Communiqué de presse de l'armée, [http://www4.army.mil/ocpa/print.php?story_id_key 9003 Army attribuera des crédits de participation à la campagne et des banderoles pour la guerre mondiale contre le terrorisme]. Récupéré le 16 août 2006. brodant le nom de chaque bataille sur chacune, tout comme le fait l'Air Force. Le Corps des Marines et la Marine brodent à la place des dispositifs de récompense sur des banderoles pour les consolider, en ayant respectivement 62 et 34. Armée des États-Unis Dans l'armée, la plupart des régiments, bataillons de régiments et bataillons distincts ont également un drapeau. La première est la couleur nationale, qui est une version de 36 pouces × 48 pouces du drapeau national ornée d'une large frange dorée de 2,5 pouces, et est l'équivalent de la couleur de la reine dans l'armée britannique. La seconde est la couleur organisationnelle, qui est l'équivalent de la couleur régimentaire ; il s'agit des mêmes dimensions que la couleur nationale, mais elle est d'une seule couleur représentant la branche du service dont est issue l'unité ; chaque branche a également sa propre couleur de franges, avec laquelle la couleur de l'organisation est ornée. Au centre de la couleur se trouve l'aigle du grand sceau des États-Unis, mais avec les armoiries du régiment dans l'écu. L'aigle a dans son bec un parchemin portant la devise du régiment, avec l'écusson des armoiries du régiment au-dessus et le nom du régiment en dessous. Attachées à la couleur organisationnelle seront les banderoles de campagne et de citation d'unité décernées à chaque unité – elles sont équivalentes aux honneurs de bataille brodés directement sur les couleurs des unités britanniques et du Commonwealth. La couleur organisationnelle a été portée à la place d'une couleur nationale jusqu'à peu de temps avant la guerre civile, lorsque les étoiles et les rayures sont devenues la couleur nationale. Récupéré le 16 août 2006. Les unités de l'époque de la guerre civile portaient parfois des couleurs organisationnelles alternatives basées sur les drapeaux de leur État d'origine ou d'autres conceptions. Corps des Marines des États-Unis Dans le Corps des Marines, chaque unité de la taille d'un bataillon ou plus conserve un ensemble de couleurs. La couleur organisationnelle identique à la couleur de bataille du Marine Corps, sauf que le parchemin portera le nom de l'unité au lieu de « United States Marine Corps ». Il portera également les banderoles autorisées à l'unité, ou des pompons écarlates et dorés si aucun n'est autorisé. La frange n'est généralement pas visible sur les couleurs nationales lorsqu'elle est portée par une unité du Corps des Marines (à l'exception des défilés en salle). Au lieu de cela, un pompon rouge, blanc et bleu est utilisé pour décorer. Marine américaine Alors que la marine utilise un certain nombre de drapeaux maritimes, tels que l'enseigne et le jack des États-Unis, le drapeau de la marine américaine n'est normalement vu que lors des cérémonies et des défilés. L'affichage des banderoles et des franges est conforme à celui du Corps des Marines. Armée de l'air américaine Les groupes de l'US Air Force (USAF) ont la même couleur nationale que l'armée ; la couleur organisationnelle est le bleu outremer, avec les armoiries du groupe sous l'écusson de l'USAF, qui est un aigle sur fond nuageux. La frange est en or. Uruguay Outre les trois couleurs de l'État (le drapeau de l'Uruguay, le drapeau d'Artigas et le drapeau de la Treinta y Tres), l'armée uruguayenne a également des couleurs régimentaires qui diffèrent selon le service et l'unité. Les couleurs nationales ont des gardes de couleur armés tandis que la couleur régimentaire n'en a pas du tout. Venezuela Dans les Forces armées nationales bolivariennes du Venezuela, outre le drapeau du Venezuela comme couleur nationale, il existe également des couleurs organisationnelles pour chacune des 6 branches de service et la couleur ministérielle du ministère de la Défense et les couleurs des unités, qui diffèrent selon la branche de service. et bras. Chaque unité militaire, du ministère de la Défense jusqu'à toutes les unités individuelles, a un stand de couleurs comme au Royaume-Uni, mais diffère du bataillon au service et au niveau national. Le drapeau national, jusque dans les années 1940, servait également de couleur d'État unitaire de la même manière que la couleur nationale de l'armée des États-Unis et la couleur de l'État/du souverain dans le Commonwealth des Nations, et était basé sur le drapeau national mais avec le inscription unitaire remplaçant les étoiles au centre en lettres blanches. La Milice nationale vénézuélienne est la seule branche militaire qui utilise une couleur de combat, similaire au drapeau du Mouvement cubain du 26 juillet : la couleur est rouge et noire avec le nom du service en blanc, et une couleur distincte est utilisée pour le service. siège à la caserne Montana à Caracas. À partir de juillet 2013, elle a obtenu l'autorisation d'utiliser une quatrième couleur pour ses bataillons : le rouge avec les yeux du défunt président Hugo Chávez et l'inscription Chavez Vive (Chavez Lives On) en dessous, surmontée d'une étoile écarlate. Depuis 2014, les Forces armées nationales utilisent une 3ème couleur (la Milice nationale sa 5ème) : celle du commandant suprême, qui est rouge portant le portrait du défunt président Chávez entouré d'une couronne, avec les dates du 4 février 1992 ( la date de la 1ère tentative de coup d'État contre Carlos Andrés Pérez) et le 6 décembre 1998 (date de l'élection présidentielle de 1998) et la devise des forces armées (Indépendance et Patrie Socialiste, nous vivrons et triompherons !) ci-dessous et l'inscription Suprême Commandant de la Révolution bolivarienne (Comandante Supremo de la Revolucion Bolivariana) et les huit étoiles d'or du drapeau national au-dessus. Les couleurs utilisées sur les couleurs unitaires sont les suivantes : * Rouge : Ministère de la Défense (anciennement gris), unités de service, Corps des Marines, Milice nationale, Académie technique militaire, Garde d'honneur présidentielle, Bataillon QG de Caracas du Ministère de la Défense * Bleu foncé et rouge : QG de l'armée vénézuélienne et unités se dirigeant vers les couleurs du QG de l'armée, des divisions et des brigades. * Jaune : infanterie, infanterie de la jungle, unités aéroportées *Orange : Rangers * Vert : ingénieurs de l'armée * Bleu foncé : Forces spéciales de l'armée vénézuélienne * Noir : Armure * Bourgogne Rouge : Artillerie et Artillerie de Défense Aérienne *Gray : Ecole de Logistique, de Communication et d'Electronique des Armées Nationales * Bleu marine : Marine * Bleu outremer : Force aérienne *Marron : Garde Nationale * Bleu foncé et blanc : Université militaire bolivarienne du Venezuela, Académie militaire de l'armée bolivarienne et Académie des sciences de la santé des forces armées * Bleu clair et blanc : Académie navale vénézuélienne * Blanc : écoles de l'armée vénézuélienne Asie Chine Ceci détaille les deux Chines (République populaire de Chine et République de Chine) La république populaire de chine L'Armée populaire de libération est l'organisme global de l'ensemble des forces armées de la République populaire de Chine et est représentée par un drapeau unique, qui sert de couleur de cérémonie à tous les régiments et formations plus importantes. Celui-ci est basé sur le drapeau national, mais comporte à la place des quatre petites étoiles dorées les caractères chinois pour les chiffres « 8 » et « 1 », qui représentent le 1er août, date à laquelle l'APL a été fondée en 1927. Lorsqu'il est défilé, le drapeau est frangé d'or et est monté sur un mât rouge et or. Cependant, chaque branche de l'APL possède son propre drapeau, basé sur le drapeau de l'armée : *Forces terrestres : Il s'agit du drapeau de l'armée avec les 40 % inférieurs de couleur verte. *Marine : Il s'agit du drapeau de l'armée, sauf que les 40 % inférieurs comportent trois bandes horizontales bleues et deux blanches d'égale largeur. *Armée de l'Air : Il s'agit du drapeau de l'armée avec les 40 % inférieurs de couleur bleu de l'armée de l'air. *[http://english.pladaily.com.cn/special/cpla/2/index.htm Bannières de l'APL] République de Chine L'armée de la République de Chine (Taïwan) utilise également un seul drapeau, qui est rouge, avec un rectangle bleu au centre et le soleil blanc du drapeau national. Il a un mât de drapeau rouge avec un fleuron en fer de lance argenté et des glands rouges immédiatement en dessous. Les unités individuelles utilisent une variante du drapeau de l'armée comme leur propre couleur d'identification ; celui-ci comporte une bande blanche à côté du treuil, qui porte le nom de l'unité en caractères noirs, ainsi qu'une frange dorée (comme c'est le cas depuis 1961 pour toutes les unités des forces armées de la République de Chine, mais depuis 1947 elles étaient limitées uniquement aux Unités militaires au-dessus du niveau régimentaire). La couleur de la garde d'honneur de l'armée est en or avec les armoiries de l'unité au centre. Les couleurs de la marine de la République de Chine étaient rouges, mais avec le sceau de la marine dans un canton bleu foncé au centre jusque dans les années 1980, les couleurs de la compagnie de garde d'honneur n'utilisent qu'à la fois le bleu foncé et le sceau de la marine, qui sont les mêmes couleurs utilisées aujourd'hui dans d'autres unités du ROCN. Pour le Corps des Marines de la République de Chine, la couleur de combat de son unité reflète celle de l'USMC, mais depuis les années 1980, le nom de l'unité figure sur la bande blanche près du treuil (tout comme le reste des forces armées, auparavant il figurait sur un parchemin semblable à les USMC). Les couleurs utilisées par l'armée de l'air de la République de Chine sont le bleu ciel avec le sceau de l'armée de l'air au centre (auparavant, il était rouge avec le canton bleu ciel comportant les armoiries, l'ancien dessin utilisé uniquement aujourd'hui par la garde d'honneur). Les unités de la police militaire de la République de Chine, qui utilisaient autrefois une couleur bleue, utilisent désormais une couleur marron avec les armes ROCMP. Les unités relevant du ministère de la Défense nationale arborent une couleur orange avec les armoiries côtières du ministère au centre. Les couleurs de la garnison sont en bleu avec l'emblème du Kuomintang, une couronne de blé et 3 cercles entrelacés respectivement jaune, rouge et bleu. Les unités de réserve portent une couleur rouge tandis que la réserve de Taiwan utilise une couleur verte. Seules les académies militaires suivantes arborent leurs couleurs car la couleur ROCAF est utilisée par l'Académie de l'armée de l'air de la République de Chine : * Académie militaire de la République de Chine * Académie navale de la République de Chine Dans tous les événements où le ROCAF est impliqué, le drapeau du ROC est utilisé comme couleur nationale. Philippines Les couleurs militaires philippines sont le drapeau des Philippines en tant que couleur nationale, couleurs organisationnelles et couleur régimentaire de l'unité. Le drapeau des Philippines est la couleur nationale des forces armées des Philippines, mais contrairement à la couleur américaine, il n'y a aucune marque sur le drapeau. Les couleurs organisationnelles sont les drapeaux des quatre commandements des services majeurs de l'AFP, tandis que la couleur régimentaire de l'unité diffère selon l'arme militaire et l'unité. Comme les États-Unis, ils disposent également de guidons de 2e ordre pour les compagnies et les troupes, mais ceux-ci sont également basés sur les guidons et bannières militaires espagnoles, et non sur ceux des États-Unis, ce qui reflète la longue histoire de l'establishment militaire d'ici. Ces guidons ne sont donc pas à queue d'aronde, à l'exception de la PMA, du Btn d'escorte et de sécurité de l'armée philippine et de quelques autres unités de l'armée philippine. Thaïlande Chaque unité des Forces armées royales thaïlandaises reçoit une couleur appelée « Thong Chai Chalermphol » () ou couleurs de la victoire. Ceux-ci sont présentés personnellement à chaque unité par le roi de Thaïlande. Les drapeaux sont divisés en quatre modèles différents, pour : l'Armée royale thaïlandaise, la Marine royale thaïlandaise, la Force aérienne royale thaïlandaise et les unités de la Garde royale. Avant leur présentation, les couleurs sont bénies lors d'une cérémonie religieuse à laquelle participent des moines bouddhistes et d'autres dignitaires de haut rang à l'intérieur du temple du Bouddha d'émeraude à Bangkok. Au cours de la cérémonie, au milieu des chants des moines, le roi enfoncera personnellement les clous en laiton dans le bâton de chaque couleur à l'aide d'un marteau en argent. Chaque couleur contient environ 32 à 35 clous dans lesquels le tissu est fixé au bâton en bois. Au cours de la même cérémonie, le roi prendra également une mèche de ses propres cheveux et la cachera dans un compartiment situé au sommet du bâton, fermé par un bouchon rond à vis en argent. Le roi attachera également à chaque couleur sa propre image cérémonielle de Bouddha et bénira chaque couleur avec de l'eau bénite. La cérémonie est ancrée dans l'héritage bouddhiste et brahmique, elle symbolise et cimente le rôle du roi en tant que chef Kshatriya (กษัตริย์) ou chef guerrier de son royaume. Il souligne également son rôle constitutionnel de chef et chef des forces armées thaïlandaises (จอมทัพไทย : Chomthap Thai). Ces couleurs sont similaires au drapeau de la Thaïlande et sont donc traitées comme les couleurs de l'État du Commonwealth, mais ne sont pas abaissées au sol mais au-dessus au rythme du Sansoen Phra Barami (l'hymne royal) lorsque les salutations sont rendues par ces couleurs. à la famille royale thaïlandaise (plus particulièrement le roi et la reine) dans tous les événements militaires auxquels ils participent. Fichier:ธงชัยเฉลิมพลหน่วยทหารบก (มีคันธง).svg|Couleur de l'unité de l'armée royale thaïlandaise Fichier:Couleur de l'unité de la Marine royale thaïlandaise (avec personnel).svg|Couleur de l'unité de la Marine royale thaïlandaise Fichier : Thongchai Chalermpol, Force aérienne royale thaïlandaise (avec mât de drapeau).svg|Couleur de l'unité de la Royal Thai Air Force Fichier : Couleur du 1er Bataillon, 1er Régiment d'infanterie, King's Own Bodyguards (avec personnel).svg|Couleurs des unités de la Garde royale Royaumes du Commonwealth Les couleurs de l'infanterie sont un ensemble de grands drapeaux, uniques à chaque régiment, que le soldat ordinaire serait en mesure d'identifier immédiatement. Royaume-Uni Infanterie de ligne et gardes à pied Dans les régiments d'infanterie de l'armée britannique et des armées d'autres pays du Commonwealth, chaque bataillon porte deux couleurs, collectivement appelées stand. Ce sont de grands drapeaux, généralement de 36 pouces × 45 pouces, montés sur une pique de 8 pieds 7½ de long ; la couleur du roi/de la reine est généralement une version du drapeau national du pays, souvent garni de tissu doré et avec l'insigne du régiment placé au centre. La couleur régimentaire est un drapeau d'une seule couleur, généralement la couleur des parements d'uniforme (col/revers et poignets) du régiment, encore une fois souvent garni et avec l'insigne au centre. La plupart des régiments désignés comme régiments « royaux » (c'est-à-dire qui portent le mot « Royal » ou le parrainage d'un personnage royal dans leur nom) ont une couleur régimentaire bleu marine. Les régiments irlandais, aujourd'hui le Royal Irish Regiment, ont une couleur régimentaire vert foncé. Les couleurs des cinq régiments de Foot Guards ont le motif de l'infanterie de ligne inversé, la couleur de la reine étant pourpre avec les insignes et les honneurs régimentaires et la couleur régimentaire une variante du drapeau de l'Union avec les honneurs de bataille brodés. Couleurs supplémentaires *Les Grenadier, Coldstream et Scots Guards ont chacun au moins une couleur d'État ; celui-ci est généralement cramoisi avec divers emblèmes et honneurs régimentaires, ainsi que le chiffre royal aux coins. Ils ne sont utilisés que par les gardes d'honneur de toute unité de ces régiments, non trouvés par la garde de la reine, montés lors des occasions d'État lorsque la reine est présente. Ils ne sont descendus qu'auprès de la reine et du duc d'Édimbourg et lors des occasions d'État uniquement lorsque la reine est présente, même si la garde d'honneur est montée en l'honneur d'un autre personnage. Le dessin des couleurs est plus grand que les couleurs normales de la division des gardes utilisées lors des cérémonies. *Le 1st Battalion, Princess of Wales's Royal Regiment, en tant que descendant linéaire, porte la Troisième Couleur initialement née par le 2nd Regiment of Foot, rebaptisé plus tard Queen's Royal Regiment (West Surrey) qui, pour une raison ou une autre, n'a jamais été pris. loin du régiment au XVIIIe siècle lorsque de nouvelles réglementations sur les couleurs furent mises en œuvre. *Le 1er Bataillon, Royal Regiment of Fusiliers porte la couleur du batteur décernée après la bataille de Wilhelmsthal au 5e Régiment d'infanterie, (plus tard The Royal Northumberland Fusiliers) dont il est le descendant direct. *Le 3e bataillon du Yorkshire Regiment (Duke of Wellington's), en tant que descendant linéaire, porte les couleurs honorifiques de la reine et du régiment qui ont été données au 76e régiment d'infanterie par l'honorable East India Company à la suite de leurs actions à Delhi et à Allyghur. *Le Royal Highland Fusiliers 2nd Battalion, Royal Regiment of Scotland porte la couleur Assaye décernée comme couleur honorifique au 74th Regiment of Foot à la suite de la bataille d'Assaye, qui est défilée chaque année le jour d'Assaye. * L'Honorable Artillery Company possède à la fois un stand de drapeaux (reine et régimentaire) et de canons. Ces derniers sont également considérés comme des couleurs et reçoivent les mêmes compliments, tout comme la Royal Artillery considère ses canons comme ses couleurs. Régiments de fusiliers Par tradition, les régiments de fusiliers ne portent pas de couleurs ; cela remonte à leur formation, lorsqu'ils étaient utilisés comme tirailleurs et tireurs d'élite. Même si les unités individuelles pouvaient avoir des bannières ou des fanions pour se distinguer des autres unités, les régiments dans leur ensemble n'ont jamais eu besoin d'un stand complet de drapeaux. Aujourd'hui, les deux régiments de fusiliers de l'armée britannique, The Rifles et Royal Gurkha Rifles, portent leurs honneurs de bataille sur leurs tambours, tandis que les Royal Green Jackets avaient également les leurs inscrits sur leur insigne de casquette ; cette tradition est maintenue par les Rifles, qui portent l'insigne de la Croix de Malte des Royal Green Jackets, inscrit avec les honneurs régimentaires, comme insigne de ceinture. Au lieu d'une couleur régimentaire, les Gurkhas portent la matraque de la reine. Couleurs dans les régiments de cavalerie Dans les unités de cavalerie de l'armée britannique, le Queen's Cavalry Standard et le Regimental Standard (pour la cavalerie lourde) et le Queen's Cavalry Standard et Regimental Guidons (pour la cavalerie légère) sont les équivalents des couleurs de l'infanterie de ligne. L'étendard de la Reine est cramoisi avec les armoiries et le chiffre royaux, ainsi que les honneurs régimentaires, tandis que l'étendard régimentaire (escadron/Union) a une couleur de fond adaptable par unité (la couleur est parfois écarlate) et comprend parfois l'insigne de l'Union sous le couronne et le chiffre royal sur les côtés de l'insigne, avec les honneurs de l'unité en dessous. La cavalerie légère Guidon est à queue d'hirondelle et comprend les armoiries et les honneurs du régiment. Avant les années 1950, cependant, les timbales des chevaux de tambour (et plus tard les caisses claires, les grosses caisses et les ténors des fanfares démontées) portaient les honneurs régimentaires et les insignes des régiments de cavalerie légère. Embellissements Les honneurs de bataille sont tissés sur les couleurs ; le drapeau de la Reine porte les honneurs de la Première Guerre mondiale et de la Seconde Guerre mondiale, tandis que le drapeau régimentaire porte les honneurs d'autres campagnes. Le drapeau régimentaire aura également d'autres distinctions, notamment des emblèmes antérieurs et des honneurs uniques ; un exemple significatif est l'emblème du Sphinx porté par les régiments qui ont participé à la campagne d'Égypte de 1801. Si le régiment compte plus d'un bataillon, des marques d'identification seront alors portées sur les couleurs pour indiquer à quel bataillon ils appartiennent. Il existe divers autres embellissements qui peuvent être ajoutés aux couleurs à diverses occasions : *À l'occasion des anniversaires de divers honneurs de bataille et de certains autres événements, une couronne de laurier est ajoutée au sommet du brochet. *Des équivalents d'honneur de bataille décernés par des pays étrangers peuvent être ajoutés aux couleurs, sous réserve de l'autorisation du chef de l'État. Dans le Commonwealth, trois bataillons d'infanterie sont autorisés à arborer la banderole bleue de quatre pieds de long qui signifie la Presidential Unit Citation/Distinguished Unit Citation, qui est la plus haute distinction collective décernée par les États-Unis d'Amérique : **2e Bataillon, Princess Patricia's Canadian Light Infantry **3e Bataillon, Royal Australian Regiment **6e bataillon, Royal Australian Regiment Au Royaume-Uni, le 41e Commando des Royal Marines et le 1er Bataillon du Gloucestershire Regiment ont également reçu le PUC et ont été autorisés à afficher la banderole aux couleurs de leur régiment. En raison de leur importance pour le régiment, avant la présentation d'un nouveau drapeau, ils sont consacrés. Hôpital Royal, Chelsea Le Royal Hospital de Chelsea n'a eu ni couleurs ni autre signe distinctif tout au long de son histoire, jusqu'en 2002, lorsque la Reine a présenté à l'hôpital la masse du souverain. Ceci est maintenant défilé par un groupe de retraités lors de toutes les cérémonies de l'Hôpital Royal. Marine royale Le Corps of Royal Marines a un seul motif Queen's Colour, qui est le drapeau de l'Union avec l'ancre fétide et le chiffre du souverain régnant entrelacé au centre. Ci-dessus se trouve un parchemin avec l'honneur de bataille unique de Gibraltar surmonté de la couronne de Saint-Édouard. Ci-dessous se trouve le globe (qui représente les nombreux honneurs de bataille gagnés par les Royal Marines) entouré d'une couronne de laurier (qui représente la bataille de Belle Isle) et en dessous se trouve un parchemin avec la devise du Corps. Chacun des quatre commandos (les formations de la taille d'un bataillon qui constituent l'essentiel du corps) porte la couleur de la reine, la seule différence étant la couleur des cordons et des pompons. Chaque commando possède également sa propre couleur régimentaire. La couleur régimentaire est un drapeau bleu foncé (car le Corps est classé comme « régiment royal ») avec un petit drapeau de l'Union à la tête du brochet. La couleur porte des embellissements centraux similaires à ceux de la couleur de la reine, à l'exception du fait que le chiffre de George IV remplace celui du monarque régnant et que le chiffre de l'unité se trouve en dessous. Le chiffre royal se trouve aux autres coins. Les couleurs régimentaires comportent également des cordons et des pompons colorés, qui sont dorés combinés aux couleurs suivantes : *40 Commando : Bleu clair *42 Commando : Blanc *43 Commando : Vieil Or et Écarlate *45 Commando : Rouge L'ancien 41 Commando a reçu la Distinguished Unit Citation pour son service pendant la guerre de Corée et a ainsi été autorisé à porter la banderole sur sa couleur régimentaire. *[http://www.rmascarborough.co.uk/id11.html Couleurs des Royal Marines] La Marine royale Les couleurs des navires de Sa Majesté dans la Royal Navy sont les suivantes : * un pavillon blanc (porté à l'arrière, ou sur la gaffe ou la vergue principale en mer) ; * un Union Jack (porté sur le bâton du navire à la proue lorsqu'il n'est pas en route ou lorsque le navire est habillé) ; * un fanion de mât (porté en tête de mât, sauf lorsqu'il est déplacé par le drapeau d'un amiral ou le large fanion d'un commodore). En outre, chaque commandement principal de la Royal Navy possède également son propre Queen's Color, qui est une variante du White Ensign, dont les dimensions sont modifiées pour refléter celles des couleurs des régiments d'infanterie. Au centre se trouve le chiffre royal du monarque régnant dans la jarretière, surmonté de la couronne. Contrairement aux couleurs des régiments de l'armée, chaque couleur de la reine de la Royal Navy est identique. Les unités suivantes portent le drapeau de la Reine de la Royal Navy : * Commandement de l'aviation navale (ACOS(AV), HMS Heron) * Commandement sous-marin (CAPTFASFLOT, HMS Neptune) * Flotte (QG CINCFLEET) * Collège naval royal de Britannia * Flottille de surface (MWS, ) * Réserve navale royale (COMMARRES, ) La Royal Air Force Les couleurs RAF sont faites de soie bleu ciel et mesurent environ 36" x 36". Les couleurs suivantes ont été récompensées : *RAF College, Cranwell, approuvé le 27 décembre 1947, présenté le 6 juillet 1948. *La RAF au Royaume-Uni, approuvée le 27 décembre 1947, présentée le 16 mai 1951. *Non. 1 École de formation technique RAF, approuvée le 27 décembre 1947, présentée le 25 juillet 1952. *RAF Regiment, présenté le 17 mars 1953. *Near East Air Force, présentée le 14 octobre 1960, désarmée le 31 mai 1976. *Far East Air Force, présentée le 13 juillet 1961, désarmée le 30 janvier 1972. *Central Flying School, présentée le 26 juin 1969. *RAF Allemagne, présentée le 16 septembre 1970, désarmée le 27 juin 1993. *Royal Auxiliary Air Force, présentée le 12 juin 1989. *RAF Halton, présenté le 31 octobre 1997. Le Queen's Color de la Royal Air Force au Royaume-Uni est une variante du RAF Ensign dont les dimensions ont été modifiées. La cocarde de la RAF est déplacée vers la mouche inférieure, sa place au centre étant à nouveau prise par le chiffre royal surmonté de la couronne. D'autres couleurs comportent l'insigne de l'unité au centre avec le chiffre royal et la couronne au premier quart. Les standards d'escadron de la RAF sont l'équivalent des couleurs régimentaires. Ils sont de couleur bleu air force, entourés d'une frange dorée, avec l'insigne et les honneurs de l'escadron. Australie, Canada et Nouvelle-Zélande Les forces navales et aériennes de ces trois pays ont également des couleurs similaires basées sur leurs propres enseignes. Les règles stipulées par le ministère canadien de la Défense stipulent que les premières couleurs, ou couleurs supérieures, symbolisent la loyauté de l'unité envers la Couronne ; l'autorisation de posséder une couleur de la reine ne peut être accordée, et la couleur présentée, que par la reine ou son représentant vice-royal. Le dessin basé sur le drapeau du Canada reflète la coutume établie pour les régiments de ligne d'infanterie au milieu du XVIIIe siècle, lorsque le drapeau du souverain était basé sur le drapeau national, comme c'était le cas dans les unités britanniques et françaises au Canada. Marine *Marine royale australienne : la couleur de la reine du RAN est une variante du drapeau blanc australien : il s'agit d'un revers du drapeau australien (blanc avec des étoiles bleues), avec le chiffre royal et la bande jarretière positionnés entre l'étoile du Commonwealth et les étoiles. représentant la Croix du Sud. (Voir les anciennes couleurs de la chapelle navale, Garden Island NSW.) Le RAN possède deux couleurs, la première est la couleur de la flotte détenue au nom des unités de la flotte par le quartier général de la flotte. La seconde, connue sous le nom d'Etablissement Colour, est détenue au nom des établissements à terre. *Marine royale canadienne : La couleur navale de la Reine est une variante du pavillon naval canadien (qui était autrefois le drapeau naval des Forces canadiennes) – elle est blanche, avec le drapeau canadien dans le canton, le chiffre du drapeau personnel de la Reine pour la Commonwealth (un « E » couronné entouré d'une couronne de roses) au centre, et le symbole de la marine dans la braguette inférieure. Le bord de la couleur est bordé d’or. Jusqu'en 1979, la MRC possédait deux couleurs identiques : une pour la flotte de l'Atlantique et une pour la flotte du Pacifique. Depuis lors, une seule couleur est détenue au quartier général du service naval. *Marine royale néo-zélandaise : depuis 1968

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Quel est le nom du personnage d'Humphrey Bogart dans le film « Casablanca » ?

Rick Blaine

Humphrey DeForest Bogart (25 décembre 1899 - 14 janvier 1957) était un acteur de cinéma américain dont les performances dans les films noirs des années 1940 tels que The Maltese Falcon, Casablanca et The Big Sleep lui ont valu le statut d'icône culturelle. Bogart a commencé à jouer en 1921 après un incident dans la marine américaine pendant la Première Guerre mondiale et peu de succès dans divers emplois dans la finance et dans la production théâtrale. Peu à peu, il devient un habitué des spectacles de Broadway dans les années 1920 et 1930. Lorsque le krach boursier de 1929 réduisit la demande de pièces de théâtre, Bogart se tourna vers le cinéma. Son premier grand succès fut celui de Duke Mantee dans La Forêt Pétrifiée (1936), ce qui conduisit à une période de catalogage de gangster avec des films tels que Des Anges aux visages sales (1938) et des films de série B comme Le Retour du Docteur X (1939). ). La percée de Bogart en tant qu'homme de premier plan a eu lieu en 1941 avec High Sierra et The Maltese Falcon. L’année suivante, sa performance à Casablanca (1943 ; nomination aux Oscars) l’élève au sommet de sa profession et, en même temps, cimente son personnage de cinéma caractéristique, celui du cynique endurci qui montre finalement son côté noble. D'autres succès suivirent, notamment To Have and Have Not (1944), The Big Sleep (1946), Dark Passage (1947) et Key Largo (1948), tous les quatre avec sa femme Lauren Bacall ; Le Trésor de la Sierra Madre (1948) ; Dans un endroit solitaire (1950); La reine africaine (1951 ; oscarisé) ; Sabrine (1954) ; et La mutinerie de Caine (1954; nomination aux Oscars). Son dernier film était Plus ils tombent (1956). Au cours d'une carrière cinématographique de près de 30 ans, Bogart est apparu dans plus de 75 longs métrages. En 1999, l’American Film Institute a classé Bogart comme la plus grande star masculine du cinéma américain classique. Au cours de sa carrière, il a reçu trois nominations aux Oscars du meilleur acteur, dont une (pour The African Queen). Début de la vie Bogart est né le 25 décembre 1899 à New York, l'aîné du Dr Belmont DeForest Bogart (juillet 1867, Watkins Glen, New York - 8 septembre 1934, New York) et de Maud Humphrey (1868-1940) . Belmont était le seul enfant du mariage malheureux d'Adam Watkins Bogart, un aubergiste de Canandaigua, New York, et de sa femme, Julia, une riche héritière. Le nom « Bogart » vient du nom de famille néerlandais « Bogaert ». Belmont et Maud se sont mariés en juin 1898, il était presbytérien d'origine anglaise et hollandaise, elle épiscopale d'origine anglaise. Le jeune Humphrey a été élevé dans la foi épiscopale, mais n'a pas pratiqué pendant la majeure partie de sa vie adulte. La date précise de la naissance de Bogart a longtemps été un sujet de controverse, mais elle a été éclaircie. Warner Bros a indiqué sa date de naissance comme le jour de Noël 1899, tout au long de sa carrière ; mais l'historien du cinéma Clifford McCarty a soutenu plus tard que le service de publicité de Warner l'avait modifié à partir du 23 janvier 1900 "... pour favoriser l'idée qu'un homme né le jour de Noël ne pouvait pas vraiment être aussi méchant qu'il le paraissait à l'écran" . La date de naissance « corrigée » de janvier est apparue par la suite – et dans certains cas, demeure – dans de nombreuses sources par ailleurs faisant autorité. Biographes A.M. Sperber et Eric Lax ont cependant documenté que Bogart célébrait toujours son anniversaire le 25 décembre et l'indiquait systématiquement comme tel dans les documents officiels, comme son acte de mariage. Lauren Bacall a confirmé dans son autobiographie que son anniversaire était toujours célébré le jour de Noël, ajoutant qu'il avait plaisanté en disant qu'il se faisait priver d'un cadeau chaque année à cause de cela. Sperber et Lax ont également noté qu'un faire-part de naissance, imprimé dans l'Ontario County Times le 10 janvier 1900, exclut effectivement la possibilité d'une date de naissance le 23 janvier ; et les recensements étatiques et fédéraux de 1900 indiquent également une date de naissance à Noël 1899. Le père de Bogart, Belmont, était chirurgien cardiopulmonaire. Sa mère, Maud, était une illustratrice commerciale qui a reçu sa formation artistique à New York et en France, notamment auprès de James McNeill Whistler. Plus tard, elle devient directrice artistique du magazine de mode The Delineator et suffragette militante. Elle a utilisé un dessin du bébé Humphrey dans une campagne publicitaire bien connue pour Mellins Baby Food. À son apogée, elle gagnait plus de 50 000 $ par an, soit une somme considérable et bien supérieure aux 20 000 $ de son mari. Les Bogart vivaient dans un appartement à la mode de l'Upper West Side et possédaient un élégant cottage sur un domaine de 55 acres au bord du lac Canandaigua, dans le nord de l'État de New York. Lorsqu'il était jeune, la bande d'amis d'Humphrey au bord du lac montait des pièces de théâtre. Humphrey avait deux sœurs cadettes, Frances (« Pat ») et Catherine Elizabeth (« Kay »). Ses parents étaient occupés dans leur carrière et se disputaient fréquemment. Très formels, ils montraient peu d'émotion envers leurs enfants. Maud a dit à sa progéniture de l'appeler « Maud » et non « Mère », et leur a montré peu ou pas d'affection physique. Lorsqu'elle était satisfaite, elle "[t] tapait sur l'épaule, presque comme le fait un homme", se souvient Bogart. "J'ai été élevé sans sentimentalité, mais très franchement. Un baiser, dans notre famille, était un événement. Notre mère et notre père ne se plaignaient pas de mes deux sœurs et de moi." Enfant, Bogart était taquiné pour ses boucles, sa propreté, les photos « mignonnes » pour lesquelles sa mère le faisait poser, les vêtements du Petit Lord Fauntleroy avec lesquels elle l'habillait, et même pour le nom « Humphrey ». De son père, Bogart a hérité d'une tendance à l'aiguille, d'un penchant pour la pêche, d'un amour de toujours pour la navigation de plaisance et d'une attirance pour les femmes volontaires. Bogart a fréquenté l'école privée Delancey jusqu'en cinquième année, puis la prestigieuse Trinity School. C'était un étudiant indifférent et maussade qui ne montrait aucun intérêt pour les activités parascolaires. Plus tard, il est allé au pensionnat tout aussi élitiste Phillips Academy, où il a été admis en raison de ses liens familiaux. Ses parents espéraient qu'il irait à Yale, mais en 1918, Bogart fut expulsé. Plusieurs raisons ont été avancées : l'une prétend que c'était pour avoir jeté le directeur (ou un jardinier) dans Rabbit Pond sur le campus. Un autre cite le tabagisme, la consommation d'alcool, de mauvais résultats scolaires et peut-être des commentaires inappropriés faits au personnel. Un troisième le fait retirer par son père pour ne pas avoir amélioré ses notes. Quelle que soit la cause de son départ prématuré, ses parents étaient profondément consternés et regrettaient leurs projets ratés pour son avenir. Marine Sans aucune option de carrière viable, Bogart a suivi sa passion pour la mer et s'est enrôlé dans la marine américaine au printemps 1918. Il se souviendra plus tard : « À dix-huit ans, la guerre était une bonne chose. Paris ! Des filles françaises sexy ! Bon sang ! Bogart est enregistré comme un marin modèle qui a passé la majeure partie de son temps en mer après l'armistice à ramener des troupes d'Europe. C'est au cours de son séjour dans la marine que Bogart a peut-être reçu sa cicatrice caractéristique et développé son zézaiement caractéristique, bien que les circonstances réelles ne soient pas claires. Dans un récit, sa lèvre a été coupée par des éclats d'obus lorsque son navire, le ', a été bombardé, bien que certains prétendent que Bogart n'a pris la mer qu'après la signature de l'armistice. Une autre version, à laquelle adhère l'ami de longue date de Bogart, l'auteur Nathaniel Benchley, est que Bogart a été blessé alors qu'il emmenait un prisonnier à la prison navale de Portsmouth à Kittery, dans le Maine. En changeant de train à Boston, le prisonnier menotté aurait demandé une cigarette à Bogart, puis pendant que Bogart cherchait une allumette, le prisonnier l'a frappé sur la bouche avec les menottes, lui coupant la lèvre et s'enfuyant. Recapturé, le prisonnier a été conduit en prison. Dans une version alternative, Bogart est frappé à la bouche par une menotte desserrée alors qu'il libérait sa charge, l'autre toujours autour du poignet du prisonnier. Au moment où Bogart a été soigné par un médecin, une cicatrice s'était déjà formée. David Niven a déclaré que lorsqu'il avait interrogé Bogart pour la première fois sur sa cicatrice, il avait répondu qu'elle était causée par un accident d'enfance. "Putain de docteur", dit plus tard Bogart à Niven, "au lieu de le recoudre, il l'a foiré." Niven affirme que les histoires selon lesquelles Bogart aurait eu la cicatrice en temps de guerre ont été inventées par les studios pour injecter du glamour. Son examen médical d'après service ne fait aucune mention de la cicatrice sur les lèvres, même s'il mentionne de nombreuses cicatrices plus petites. Lorsque l'actrice Louise Brooks rencontra Bogart en 1924, il avait du tissu cicatriciel sur la lèvre supérieure, que Brooks dit que Bogart avait peut-être partiellement réparé avant d'entrer dans le cinéma en 1930. Elle pensait que sa cicatrice n'avait rien à voir avec son discours distinctif, et a déclaré que sa "blessure aux lèvres ne lui causait aucun problème d'élocution, ni avant ni après qu'elle ait été réparée. Au fil des années, Bogart a pratiqué toutes sortes de gymnastiques des lèvres, accompagnées de tons nasillards, de grognements, de zézaiements et d'insultes. Sa grimace douloureuse, son regard, son sourire diabolique était le plus abouti jamais vu au cinéma." Début de carrière Bogart est rentré chez lui pour trouver son père souffrant d'une mauvaise santé, de sa pratique médicale chancelante et d'une grande partie de la richesse familiale perdue à cause de mauvais investissements dans le bois. Au cours de ses années dans la marine, le caractère et les valeurs de Bogart se sont développés indépendamment de l'influence familiale et il a commencé à se rebeller quelque peu contre leurs valeurs. Il est devenu un libéral qui détestait les prétentions, les impostures et les snobs, et défiait parfois les comportements conventionnels et l'autorité, traits qu'il affichait tant dans la vie que dans les films. Il n'a cependant pas abandonné les bonnes manières, l'éloquence, la ponctualité, la modestie et le dégoût d'être touché. Après son service naval, il a travaillé comme expéditeur puis comme vendeur d'obligations. Il rejoint la Réserve navale. Bogart a repris son amitié avec son ami d'enfance Bill Brady, Jr., dont le père avait des relations dans le monde du spectacle. Finalement, Bogart a obtenu un emploi de bureau pour la nouvelle société de William A. Brady Sr., World Films. Bogart a pu s'essayer à l'écriture de scénario, à la réalisation et à la production, mais n'a excellé dans aucun domaine. Pendant un certain temps, il a été régisseur pour la pièce de théâtre d'Alice, la fille de Brady, A Ruined Lady. Quelques mois plus tard, il fait ses débuts sur scène en tant que majordome japonais dans la pièce d'Alice Drifting de 1921, parlant nerveusement une ligne de dialogue. Plusieurs apparitions ont suivi dans ses pièces ultérieures. Même si Bogart avait été élevé dans l'idée que jouer le rôle d'un gentleman était indigne d'un gentleman, il aimait les heures tardives des acteurs et appréciait l'attention portée sur scène. Il a déclaré: "Je suis né pour être indolent et c'était la raquette la plus douce." Il passait une grande partie de son temps libre dans des bars clandestins et devenait un gros buveur. Une bagarre dans un bar à cette époque rejoint la liste des causes présumées des lésions des lèvres de Bogart et coïncide mieux avec le récit de Brooks. Préférant apprendre au fur et à mesure, Bogart n'a jamais pris de cours de théâtre. Il était persévérant et travaillait régulièrement dans son métier, apparaissant dans au moins dix-sept productions de Broadway entre 1922 et 1935. Il jouait des rôles secondaires juvéniles ou romantiques dans des comédies de salon et aurait été le premier acteur à demander "Tennis, n'importe qui". ?" sur scène. Le critique Alexander Woollcott a écrit à propos des premiers travaux de Bogart qu'il « est ce qui est habituellement et heureusement décrit comme inadéquat ». Certaines critiques étaient plus gentilles. Heywood Broun, dans sa critique de Nerves, a écrit : "Humphrey Bogart donne la performance la plus efficace ... à la fois sèche et fraîche, si cela est possible". Il incarna le journaliste juvénile Gregory Brown dans la comédie Meet the Wife, écrite par Lynn Starling, qui eut une série de 232 représentations réussies au Klaw Theatre de novembre 1923 à juillet 1924. Bogart détestait ces rôles insignifiants et efféminés qu'il devait jouer. jouer au début de sa carrière, les appelant les rôles de « White Pants Willie ». Au début de sa carrière, alors qu'il jouait des rôles doubles dans la pièce Drifting au Playhouse Theatre en 1922, Bogart rencontra l'actrice Helen Menken. Ils se sont mariés le 20 mai 1926 au Gramercy Park Hotel de New York. Divorcés le 18 novembre 1927, ils restèrent amis. Le 3 avril 1928, il épousa Mary Philips, qu'il avait rencontrée lors de leur apparition dans la pièce Nerves lors de sa très brève diffusion au Comedy Theatre en septembre 1924, dans l'appartement de sa mère à Hartford, Connecticut. Comme Menken, elle avait un caractère fougueux et, comme toutes les autres épouses de Bogart, elle était actrice. Après le krach boursier de 1929, la production scénique a fortement chuté et bon nombre des acteurs les plus photogéniques se sont dirigés vers Hollywood. Les débuts au cinéma de Bogart ont eu lieu avec Helen Hayes dans le film à deux rouleaux de 1928 The Dancing Town, dont une copie complète n'a jamais été retrouvée. Il est également apparu avec Joan Blondell et Ruth Etting dans un court métrage Vitaphone, Broadway's Like That (1930), redécouvert en 1963. Bogart a ensuite signé un contrat avec Fox Film Corporation pour 750 $ par semaine. Là, il rencontra Spencer Tracy, un acteur sérieux de Broadway que Bogart aimait et admirait, et ils devinrent des amis proches et des compagnons de beuverie. C'est Tracy, en 1930, qui l'appela pour la première fois « Bogie ». Tracy a fait ses débuts au cinéma dans le seul film dans lequel lui et Bogart sont apparus ensemble, le premier film sonore de John Ford, Up the River (1930). Tous deux ont joué un rôle majeur en tant que détenus. Tracy a reçu la première place et le visage de Bogart figurait sur les affiches du film à la place de celui de Tracy. Bogart a ensuite eu un rôle de soutien mineur dans Bad Sister avec Bette Davis en 1931. Des décennies plus tard, Tracy et Bogart prévoyaient de faire The Desperate Hours ensemble, mais tous deux recherchaient la première place, alors Tracy a abandonné et a été remplacée par Fredric March. Bogart a fait la navette entre Hollywood et la scène new-yorkaise de 1930 à 1935, souffrant de longues périodes sans travail. Ses parents s'étaient séparés et son père mourait endetté en 1934, que Bogart finit par rembourser. Bogart a hérité de la bague en or de son père qu'il portait toujours, même dans plusieurs de ses films. Sur le lit de mort de son père, Bogart lui dit enfin combien il l'aimait. Son deuxième mariage était en ruine et il n'était pas très satisfait de sa carrière d'acteur. Il est devenu déprimé, irritable et a bu beaucoup. La forêt pétrifiée Bogart a joué dans la pièce de Broadway Invitation to a Murder au Theatre Masque, aujourd'hui le John Golden Theatre, en 1934. Le producteur Arthur Hopkins a entendu la pièce hors scène et a envoyé Bogart pour jouer le meurtrier évadé Duke Mantee dans Robert E. Sherwood. nouvelle pièce, La Forêt Pétrifiée. Hopkins a rappelé : La pièce a eu 197 représentations au Broadhurst Theatre de New York en 1935. Leslie Howard, cependant, était la star. Le critique du New York Times, Brooks Atkinson, a déclaré à propos de la pièce : "une pêche ... un mélodrame occidental rugissant ... Humphrey Bogart fait le meilleur travail de sa carrière d'acteur." Bogart a déclaré que la pièce "marquait ma délivrance des rangs des" smoothies "élégants, sybarites, aux chemises raides et à queue d'hirondelle auxquels je semblais condamné à vie." Cependant, il ne se sentait toujours pas en sécurité. Warner Bros. a acheté les droits d'écran de La Forêt Pétrifiée. La pièce semblait parfaite pour le studio, célèbre pour ses films d'action socialement réalistes, urbains et à petit budget, en particulier pour un public fasciné par de vrais criminels comme John Dillinger (à qui Bogart ressemblait) et Dutch Schultz. Bette Davis et Leslie Howard ont été choisies. Howard, qui détenait les droits de production, a clairement indiqué qu'il souhaitait que Bogart joue avec lui. Le studio a testé plusieurs vétérans d'Hollywood pour le rôle de Duke Mantee et a choisi Edward G. Robinson, qui avait un attrait de premier ordre et devait réaliser un film pour remplir son coûteux contrat. Bogart a télégraphié la nouvelle à Howard en Écosse, qui a répondu : « Att : Jack Warner insiste pour que Bogart joue à Mantee No Bogart No Deal L.H. ». Quand Warner Bros. a vu que Howard ne bougerait pas, ils ont cédé et ont choisi Bogart. Jack Warner, célèbre pour avoir affronté ses stars, a tenté de convaincre Bogart d'adopter un nom de scène, mais Bogart a obstinément refusé. Le film a connu un grand succès, rapportant 500 000 $ au box-office et faisant de Bogart une star. Il n'a jamais oublié la faveur d'Howard et, en 1952, a nommé sa fille unique « Leslie Howard Bogart » en l'honneur de Howard, décédé pendant la Seconde Guerre mondiale dans des circonstances mystérieuses. Robert E. Sherwood est resté un ami proche de Bogart. Début de carrière cinématographique La version cinématographique de La Forêt Pétrifiée est sortie en 1936. La performance de Bogart a été qualifiée de « brillante », « convaincante » et « superbe ». Malgré son succès dans un « film A », Bogart a reçu un contrat tiède de vingt-six semaines à 550 $ par semaine et a été catalogué comme un gangster dans une série de drames policiers « film B ». Bogart était fier de son succès, mais le fait qu'il vienne du rôle d'un gangster lui pesait. Il a dit un jour : « Je ne peux pas participer à une discussion douce sans la transformer en dispute. Il doit y avoir quelque chose dans mon ton de voix, ou dans ce visage arrogant, quelque chose qui contrarie tout le monde. Personne ne m'aime à vue. pourquoi je suis considéré comme le heavy. Les rôles de Bogart étaient non seulement répétitifs, mais physiquement exigeants et épuisants (les studios n'étaient pas encore climatisés), et son travail enrégimenté et serré chez Warners était tout sauf la vie d'acteur indolent et « pêche » qu'il espérait. Cependant, il a toujours été professionnel et généralement respecté par les autres acteurs. Il a utilisé ces années de "film B" pour commencer à développer son personnage de film durable : le solitaire blessé, stoïque, cynique, charmant, vulnérable et auto-dérision avec un code d'honneur. Malgré son succès, Warner Bros. n’avait aucun intérêt à faire de Bogart une grande star. Le tournage d'un nouveau film peut commencer quelques jours ou quelques heures seulement après la fin du précédent. Le système de studio, alors le plus enraciné, limitait les acteurs à leur domicile, avec seulement des prêts occasionnels. Tout acteur refusant un rôle pourrait être suspendu sans salaire. Bogart n'aimait pas les rôles choisis pour lui, mais il travaillait régulièrement. Entre 1936 et 1940, il tournait en moyenne un film tous les deux mois, travaillant parfois sur deux simultanément. Les commodités chez Warners étaient rares par rapport au prestigieux Metro-Goldwyn-Mayer. Bogart pensait que le département de garde-robe de la Warner était bon marché et portait souvent ses propres costumes dans ses films. Dans High Sierra, Bogart a utilisé son propre chien Zero pour incarner le chien de son personnage, Pard. Les disputes de Bogart avec Warner Bros. concernant les rôles et l'argent étaient similaires à celles que le studio menait avec d'autres stars pleines d'entrain et peu obéissantes telles que Bette Davis, James Cagney, Errol Flynn et Olivia de Havilland. Les hommes de premier plan devant Bogart chez Warner Bros. comprenaient non seulement des noms de renom tels que James Cagney et Edward G. Robinson, mais également des compagnons tels que Victor McLaglen, George Raft et Paul Muni. La plupart des meilleurs scénarios de films du studio leur sont allés, laissant Bogart avec ce qui restait. Il a réalisé des films comme Racket Busters, San Quentin et You Can't Get Away with Murder. Le seul rôle principal important qu'il obtint au cours de cette période fut dans Dead End (1937), alors qu'il était prêté à Samuel Goldwyn, où il incarnait un gangster sur le modèle de Baby Face Nelson. Bogart a joué des rôles violents si souvent que dans le roman de Nevil Shute de 1939 What Happened to the Corbetts, le protagoniste, lorsqu'on lui demande s'il sait utiliser une arme automatique, plaisante "J'ai vu Humphrey Bogart avec une assez souvent...". Il a joué une variété de seconds rôles intéressants, comme dans Angels with Dirty Faces (1938) (dans lequel son personnage a été abattu par James Cagney). Bogart a été abattu à plusieurs reprises sur film par Cagney et Edward G. Robinson, entre autres. Dans Black Legion (1937), pour changer, il incarne un homme bon rattrapé et détruit par une organisation raciste, un film que Graham Greene décrit comme « intelligent et passionnant, quoique plutôt sérieux ». En 1938, Warner Bros. a mis Bogart dans une « comédie musicale montagnarde » appelée Swing Your Lady en tant que promoteur de lutte ; plus tard, il a apparemment considéré cela comme sa pire performance cinématographique. En 1939, Bogart incarnait un savant fou dans Le Retour du Docteur X. Il craqua : "Si ça avait été le sang de Jack Warner ... Cela ne me dérangerait pas tellement. Le problème, c'est qu'ils buvaient le mien et je faisais ce film puant." Pendant ce temps, sa femme Mary connut un succès scénique dans A Touch of Brimstone (1935) et refusa d'abandonner sa carrière à Broadway pour aller à Hollywood. Après la fin de la pièce, elle a cédé, mais a insisté pour poursuivre sa carrière et le couple a divorcé en 1937. Le 21 août 1938, Bogart contracta un troisième mariage désastreux avec l'actrice Mayo Methot, une femme vive et amicale lorsqu'elle était sobre mais paranoïaque et physique lorsqu'elle était ivre. Elle est devenue convaincue que Bogart la trompait. Plus les deux s'éloignaient, plus elle buvait, lui jetant dans sa fureur des plantes, de la vaisselle, tout ce qui était à portée de main. Elle a incendié leur maison, l'a poignardé avec un couteau et lui a coupé les poignets à plusieurs reprises. Bogart, pour sa part, la piquait sans pitié et semblait apprécier la confrontation. Parfois, il devenait violent. La presse les a surnommés à juste titre « les Battling Bogarts ». "Le mariage Bogart-Methot était la séquelle de la guerre civile", a déclaré leur ami Julius Epstein. Un farceur a observé qu'il y avait « de la folie dans son Methot ». Pendant ce temps, Bogart a acheté une vedette à moteur, qu'il a baptisée Sluggy, son surnom pour Methot colérique. Malgré ses proclamations selon lesquelles « j'aime les femmes jalouses », « nous nous entendons si bien (parce que) nous ne nous faisons pas d'illusions l'un sur l'autre » et « je ne vous donnerais pas deux centimes pour une dame sans un tempérament", c'était une relation très destructrice. Bogart a toujours eu un dégoût pour ce qui est prétentieux, faux ou bidon. Sensible mais caustique, il était une fois de plus dégoûté par les films de qualité inférieure dans lesquels il jouait. Il voyait rarement ses propres films et évitait les premières. Il a même publié de faux communiqués de presse sur sa vie privée pour satisfaire la curiosité des journaux et du public. Lorsqu’il pensait qu’un acteur, un réalisateur ou un studio de cinéma avait fait quelque chose de mauvaise, il en parlait et était prêt à être cité. Il a conseillé à Robert Mitchum que la seule façon de rester en vie à Hollywood était d'être un « contre ». En conséquence, il n’était pas l’acteur le plus populaire, et certains membres de la communauté hollywoodienne l’évitaient en privé pour éviter des ennuis avec les studios. Mais la presse hollywoodienne, peu habituée à la franchise, était ravie. Bogart a dit un jour : Devenir célèbre Haute Sierra High Sierra, un film de 1941 réalisé par Raoul Walsh, avait un scénario écrit par l'ami et partenaire de Bogart, John Huston, adapté du roman de W. R. Burnett (Petit César, etc.). Paul Muni et George Raft ont tous deux refusé le rôle principal, donnant à Bogart l'opportunité de jouer un personnage d'une certaine profondeur, bien que le légendaire réalisateur Walsh ait d'abord combattu le casting du second rôle Bogart en tant qu'homme principal, préférant de loin Raft pour le rôle. Le film était le dernier grand film de Bogart jouant un gangster (seul un second rôle dans The Big Shot de 1942 suivit). Bogart a bien travaillé avec Ida Lupino et sa relation avec lui était étroite, provoquant la jalousie de l'épouse de Bogart, Mayo. Le film a cimenté un lien personnel et professionnel fort entre Bogart et Huston. Bogart admirait et enviait quelque peu Huston pour ses talents d'écrivain. Bien qu’étudiant pauvre, Bogart fut un lecteur permanent. Il pouvait citer Platon, Pope, Ralph Waldo Emerson et plus d'un millier de lignes de Shakespeare. Il est abonné à la Harvard Law Review. Il admirait les écrivains et certains de ses meilleurs amis étaient scénaristes, notamment Louis Bromfield, Nathaniel Benchley et Nunnally Johnson. Bogart appréciait les conversations intenses et provocatrices et les boissons fortes, tout comme Huston. Tous deux étaient rebelles et aimaient faire des farces enfantines. Huston s'ennuyait facilement pendant la production et admirait Bogart (qui s'ennuyait également facilement hors caméra) non seulement pour son talent d'acteur mais aussi pour son intense concentration sur le plateau. Le faucon maltais Désormais considéré comme un film noir classique, The Maltese Falcon (1941) était le premier film de John Huston. Initialement un roman écrit par Dashiell Hammett, il a été publié pour la première fois dans le magazine pulp Black Mask en 1929 et a également servi de base à deux autres versions cinématographiques, dont Satan Met a Lady (1936) avec Bette Davis. Le producteur Hal Wallis a initialement proposé le rôle principal à George Raft, un nom au box-office plus établi que Bogart dont le contrat stipulait qu'il n'était pas obligé d'apparaître dans des remakes. Craignant qu'il ne s'agisse que d'une version épurée du Code de pré-production The Maltese Falcon (1931), Raft l'a refusé afin de réaliser Manpower avec le réalisateur Raoul Walsh et les acteurs Edward G. Robinson et Marlene Dietrich. Avec impatience, Huston accepta Bogart comme son Sam Spade. Bogart était complété par les co-stars Sydney Greenstreet, Peter Lorre, Elisha Cook, Jr. et Mary Astor dans le rôle du fleuret féminin perfide. Le timing précis et les expressions faciales de Bogart ont été salués par les acteurs et le réalisateur comme étant essentiels à l'action rapide et au dialogue rapide. Le film fut un énorme succès en salles et un triomphe majeur pour Huston. Bogart en était particulièrement satisfait, remarquant : "c'est pratiquement un chef-d'œuvre. Je n'ai pas beaucoup de choses dont je suis fier ... mais c'en est une". Casablanca Bogart a obtenu son premier véritable rôle romantique dans Casablanca en 1942, dans le rôle de Rick Blaine, un propriétaire de boîte de nuit expatrié aux abois, se cachant d'un passé sombre tout en négociant une ligne fine entre les nazis, la clandestinité française, le préfet de Vichy et ses sentiments non résolus pour son ex-petite amie. . Le film a été réalisé par Michael Curtiz et produit par Hal Wallis, et mettait en vedette Ingrid Bergman, Claude Rains, Sydney Greenstreet, Paul Henreid, Conrad Veidt, Peter Lorre et Dooley Wilson. Joueur d'échecs passionné, Bogart aurait eu l'idée que Rick Blaine soit décrit comme tel, une métaphore de la relation d'entraînement qu'il entretenait avec ses amis, ses ennemis et ses alliés ténus. Dans la vraie vie, Bogart a joué aux échecs au niveau tournoi une division en dessous du maître, appréciant souvent les jeux avec les membres de l'équipage et les acteurs, mais trouvant son meilleur chez le supérieur Paul Henreid. La magie à l'écran de Bogart et Bergman était le résultat du travail de deux acteurs de leur mieux, et non d'étincelles réelles, même si l'épouse toujours jalouse de Bogart pensait le contraire. En dehors du plateau, les co-stars ne parlaient pratiquement pas. Bergman, qui avait la réputation d'avoir des liaisons avec ses principaux hommes, dira plus tard à propos de Bogart : "Je l'ai embrassé mais je ne l'ai jamais connu." Parce que Bergman était plus grand, Bogart avait des blocs de 3 pouces attachés à ses chaussures dans certaines scènes. Casablanca a remporté l'Oscar du meilleur film en 1943. Bogart a été nominé pour le meilleur acteur dans un rôle principal, mais a perdu contre Paul Lukas pour sa performance dans Watch on the Rhine. Le film a propulsé Bogart de la quatrième place à la première place du classement du studio, dépassant finalement James Cagney. En 1946, il avait plus que doublé son salaire annuel pour atteindre plus de 460 000 dollars, faisant de lui l'acteur le mieux payé au monde. La Seconde Guerre mondiale Pendant une partie des années 1943 et 1944, Bogart partit en tournée avec l'USO et War Bond accompagné de Methot, endurant des voyages pénibles en Italie et en Afrique du Nord, y compris à Casablanca. Bogart et Bacall Avoir et ne pas avoir Bogart a rencontré Lauren Bacall lors du tournage de To Have and Have Not (1944), une adaptation libre du roman d'Ernest Hemingway. Le film présente de nombreuses similitudes avec Casablanca : les mêmes ennemis, le même genre de héros, et même un acolyte pianiste (joué par Hoagy Carmichael). Lorsqu'ils se sont rencontrés, Bacall avait 19 ans et Bogart 44 ans. Il la surnommait « Bébé ». Elle était mannequin depuis l'âge de 16 ans et avait joué dans deux pièces ratées. Bogart était attiré par les pommettes saillantes, les yeux verts, les cheveux blonds fauves et le corps mince de Bacall, ainsi que par son sang-froid et son honnêteté franche et terreuse. Il aurait dit : "Je viens de voir votre test. Nous allons beaucoup nous amuser ensemble". Leur rapport physique et émotionnel a été très fort dès le départ, leur différence d'âge et leur disparité d'expérience d'acteur permettant d'émerger la dynamique d'une relation mentor-élève. Contrairement aux normes hollywoodiennes, leur liaison était la première de Bogart avec une actrice de premier plan. Il était toujours marié et ses premières rencontres avec Bacall furent discrètes et brèves, leurs séparations comblées par d'ardentes lettres d'amour. Cette relation a rendu beaucoup plus facile pour la nouvelle venue de réaliser son premier film, et Bogart a fait de son mieux pour la mettre à l'aise avec des blagues et un coaching discret. Il l'a laissée voler des scènes et l'a même encouragé. Howard Hawks, pour sa part, a également fait de son mieux pour améliorer sa performance et mettre en valeur son rôle, et a trouvé Bogart facile à diriger. À un moment donné, Hawks a commencé à désapprouver le couple. Il se considérait comme le protecteur et le mentor de Bacall, et Bogart usurpait ce rôle. Marié et peu attiré par ses starlettes, lui aussi est tombé amoureux de Bacall, lui disant qu'elle ne représentait rien pour Bogart et menaçant même de l'envoyer à Monogram, le pire studio d'Hollywood. Bogart l'a calmée puis s'est lancé à la poursuite de Hawks. Jack Warner a réglé le différend et le tournage a repris. Hawks a déclaré à propos de Bacall: "Bogie est tombée amoureuse du personnage qu'elle jouait, elle a donc dû continuer à le jouer pour le reste de sa vie." Le grand sommeil Quelques mois seulement après avoir terminé le film, Bogart et Bacall se sont réunis pour un rappel, le film noir The Big Sleep, basé sur le roman de Raymond Chandler, toujours avec l'aide du scénario de William Faulkner. Chandler a profondément admiré la performance de Bogart : "Bogart peut être dur sans arme. De plus, il a un sens de l'humour qui contient cette nuance grinçante de mépris." Le film a été achevé et devait sortir en 1945, puis retiré et substantiellement réédité pour ajouter de nouvelles scènes enrichies exploitant à la fois l'alchimie au box-office qui brillait entre Bogart et Bacall dans Avoir et ne pas avoir, et la notoriété de leur relation personnelle. À la demande pressante du réalisateur Howard Hawks, le partenaire de production, Charles K. Feldman, a accepté que les scènes de Bacall soient réécrites pour accroître la qualité « insolente » qui avait intrigué les critiques et le public dans ce film. Par chance, un maître positif composite en nitrate de 35 mm (grain fin) de la version 1945 a survécu. L'UCLA Film Archive, en association avec Turner Entertainment et grâce au financement de Hugh Hefner, l'a restauré et publié en 1996. Tout au long du tournage, Bogart était toujours déchiré entre son nouvel amour et son sens du devoir envers son mariage. L'ambiance sur le plateau était tendue, les acteurs étaient tous deux épuisés émotionnellement alors que Bogart tentait de trouver une issue à son dilemme. Les dialogues, en particulier dans les scènes nouvellement tournées, étaient pleins d'insinuations sexuelles fournies par Hawks, et Bogart se révèle convaincant et endurant dans le rôle du détective privé Philip Marlowe. En fin de compte, le film a été un succès, même si certains critiques ont trouvé l'intrigue déroutante et trop compliquée. Il semblerait que Chandler lui-même, perplexe, n'ait pas pu répondre à la question déconcertée des scénaristes sur l'identité du tueur du chauffeur de limousine au début de l'histoire. Mariage Bogart a demandé le divorce de Methot en février 1945. Lui et Bacall se sont mariés lors d'une petite cérémonie dans la maison de campagne de l'ami proche de Bogart, l'auteur lauréat du prix Pulitzer Louis Bromfield, à Malabar Farm près de Lucas, Ohio, le 21 mai 1945. Bogart et Bacall ont emménagé dans un manoir en briques blanches d'une valeur de 160 000 $ (aujourd'hui) dans un quartier chic de Holmby Hills à Los Angeles. Le mariage s'est avéré heureux, même s'il y avait des tensions dues à leurs différences. La consommation d'alcool de Bogart a parfois attisé les tensions. Il était casanier et elle aimait la vie nocturne ; il aimait la mer, ce qui lui donnait le mal de mer. Ils se sont adorés pour le reste de leur vie. En Californie, en 1945, Bogart achète un voilier de 55 pieds, le Santana, à l'acteur Dick Powell. La mer était son sanctuaire, passant une trentaine de week-ends par an sur l'eau, avec une prédilection particulière pour la navigation autour de l'île Catalina. Il a dit un jour : « Un acteur a besoin de quelque chose pour stabiliser sa personnalité, de quelque chose qui lui permette de définir ce qu'il est réellement, pas ce qu'il prétend être actuellement. » Il a également rejoint la réserve temporaire de la Garde côtière, offrant l'utilisation de son propre yacht, Santana, à l'usage de la Garde côtière. Selon certaines rumeurs, Bogart aurait tenté de s'enrôler mais aurait été refusé en raison de son âge. Passage sombre et Key Largo Le suspense Dark Passage (1947) fut le prochain duo de Bogart et Bacall. Son premier tiers est tourné du point de vue du personnage de Bogart, la caméra voyant ce qu'il voit. Après sa chirurgie plastique, le reste du film est tourné normalement, Bogart ayant l'intention de retrouver le véritable meurtrier d'un crime pour lequel il a été blâmé et condamné à la prison. Le couple a ensuite joué dans le futur classique, Key Largo. Réalisé par John Huston, le film mettait en vedette Edward G. Robinson dans le rôle du gangster « Johnny Rocco », une synthèse bouillonnante de plusieurs de ses premiers rôles de méchants vicieux. Les personnages sont piégés lors d'un ouragan spectaculaire dans un hôtel appartenant au beau-père de Bacall, joué par Lionel Barrymore. Claire Trevor a remporté l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour son interprétation déchirante du rôle de la petite amie alcoolique et maltraitée de Rocco. Bien que Robinson ait toujours eu la première place sur Bogart dans leurs films précédents ensemble, cette fois le nom de Robinson apparaît à droite de celui de Bogart, mais placé un peu plus haut sur les affiches et dans le générique d'ouverture du film, pour signifier le statut presque égal de Robinson. L'image de Robinson était également nettement plus grande et centrée sur l'affiche originale, Bogart étant relégué au second plan. Dans la bande-annonce du film, Bogart est mentionné à plusieurs reprises en premier, mais le nom de Robinson est répertorié au-dessus de celui de Bogart dans une liste de distribution à la fin de la bande-annonce. Le rôle de Robinson évoque celui de Duke Mantee dans La Forêt Pétrifiée (1936),

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Quelle est la capitale de l'État américain de la Louisiane ?

Baton Rouge

La Louisiane (ou ; , ; Créole de Louisiane : Léta de la Lwizyàn) est un État situé dans la région sud des États-Unis. La Louisiane est la 31ème plus vaste et la 25ème plus peuplée des 50 États-Unis. Sa capitale est Baton Rouge et sa plus grande ville est la Nouvelle-Orléans. La Louisiane est le seul État des États-Unis doté de subdivisions politiques appelées paroisses, qui sont l'équivalent des comtés pour le gouvernement local. La plus grande paroisse en termes de population est la paroisse d'East Baton Rouge, et la plus grande en termes de superficie est Plaquemines. La Louisiane est bordée par l'Arkansas au nord, le Mississippi à l'est, le Texas à l'ouest et le golfe du Mexique au sud. Une grande partie des terres de l'État ont été formées à partir de sédiments déversés par le fleuve Mississippi, laissant d'énormes deltas et de vastes zones de marais et de marécages côtiers. Ceux-ci contiennent un riche biote méridional ; les exemples typiques incluent des oiseaux tels que l'ibis et les aigrettes. Il existe également de nombreuses espèces de rainettes et de poissons comme l'esturgeon et le spatulaire. Dans les zones plus élevées, le feu est un processus naturel dans le paysage et a produit de vastes zones de forêts de pins à feuilles longues et de savanes humides. Ceux-ci abritent un nombre exceptionnellement grand d’espèces végétales, dont de nombreuses espèces d’orchidées et de plantes carnivores. Certains environnements urbains de Louisiane ont un héritage multiculturel et multilingue, étant si fortement influencés par un mélange de cultures française, espagnole, amérindienne et africaine du XVIIIe siècle qu'ils sont considérés comme exceptionnels aux États-Unis. Avant l'achat du territoire par les Américains en 1803, l'État actuel de la Louisiane était à la fois une colonie française et, pendant une brève période, une colonie espagnole. De plus, les colons ont importé de nombreux Africains comme esclaves au XVIIIe siècle. Beaucoup venaient de peuples d’une même région d’Afrique de l’Ouest, concentrant ainsi leur culture. Dans l’environnement d’après-guerre civile, les Anglo-Américains ont accru la pression en faveur de l’anglicisation et, en 1921, l’anglais est devenu la seule langue officielle de l’État. La Louisiane compte plus de tribus amérindiennes que tout autre État du sud, dont quatre sont reconnues par le gouvernement fédéral, dix sont reconnues par l'État et quatre n'ont pas encore été reconnues. Étymologie La Louisiane doit son nom à Louis XIV, roi de France de 1643 à 1715. Lorsque René-Robert Cavelier, sieur de La Salle revendique le territoire drainé par le fleuve Mississippi pour la France, il le nomme . Le suffixe -ana (ou -ane) est un suffixe latin qui peut faire référence à « des informations relatives à un individu, un sujet ou un lieu particulier ». Ainsi, en gros, Louis + ana porte l'idée de « apparenté à Louis ». Autrefois partie de l'Empire colonial français, le territoire de la Louisiane s'étendait de l'actuelle baie de Mobile jusqu'au nord de l'actuelle frontière canado-américaine, et comprenait une petite partie de ce qui est aujourd'hui le sud-ouest du Canada. Géologie Le golfe du Mexique n’existait pas il y a 250 millions d’années lorsqu’il n’existait qu’un seul supercontinent, la Pangée. Lorsque la Pangée s'est divisée, l'océan Atlantique et le golfe du Mexique se sont ouverts. La Louisiane s'est développée lentement, sur des millions d'années, de l'eau à la terre et du nord au sud. Les roches les plus anciennes sont exposées au nord, dans des zones telles que la forêt nationale de Kisatchie. Les roches les plus anciennes remontent au début de l’ère tertiaire, il y a environ 60 millions d’années. L'histoire de la formation de ces roches peut être trouvée dans Roadside Geology of Louisiana de D. Spearing. Les parties les plus jeunes de l'État se sont formées au cours des 7 500 dernières années sous forme de deltas successifs du fleuve Mississippi : le Maringouin, le Teche, le Saint-Bernard, la Fourche, le Mississippi moderne et maintenant l'Atchafalaya. Les sédiments ont été transportés du nord au sud par le fleuve Mississippi. Entre les roches tertiaires du nord et les sédiments relativement nouveaux le long de la côte se trouve une vaste ceinture connue sous le nom de terrasses du Pléistocène. Leur âge et leur répartition peuvent être largement liés à la montée et à la baisse du niveau de la mer au cours des périodes glaciaires passées. En général, les terrasses du nord ont eu suffisamment de temps pour que les rivières creusent des canaux profonds, tandis que les terrasses les plus récentes ont tendance à être beaucoup plus plates. On trouve également des dômes de sel en Louisiane. Leur origine remonte au début du golfe du Mexique, lorsque l'océan peu profond présentait des taux d'évaporation élevés. Il existe plusieurs centaines de dômes de sel dans l'État ; l’une des plus connues est Avery Island. Les dômes de sel ne sont pas seulement importants en tant que source de sel ; ils servent également de pièges souterrains pour le pétrole et le gaz. Géographie La Louisiane est bordée à l'ouest par le Texas ; au nord par l'Arkansas ; à l'est par l'état du Mississippi ; et au sud par le golfe du Mexique. La surface de l'État peut à juste titre être divisée en deux parties, les hautes terres du nord et les terres alluviales le long de la côte. La région alluviale comprend des terres marécageuses basses, des marais et des plages côtières et des îles-barrières qui couvrent environ 1 000 km2. Cette zone s'étend principalement le long du golfe du Mexique et du fleuve Mississippi, qui traverse l'État du nord au sud sur une distance d'environ 600 miles (1 000 km) et se jette dans le golfe du Mexique ; la rivière Rouge; la rivière Ouachita et ses bras ; et d'autres cours d'eau mineurs (dont certains sont appelés bayous). La largeur de la région alluviale le long du Mississippi est de 10 à 60 milles (15 à 100 km), et le long des autres rivières, la région alluviale a une largeur moyenne d'environ 10 miles (15 km). Le fleuve Mississippi coule le long d'une crête formée par ses propres dépôts naturels (appelée digue), à ​​partir de laquelle les terres descendent vers une rivière au-delà avec une chute moyenne de six pieds par mile (3 m/km). Les terres alluviales situées le long d'autres cours d'eau présentent des caractéristiques similaires. Les collines les plus élevées et contiguës de la partie nord et nord-ouest de l'État ont une superficie de plus de 1 000 000 m2. Ils consistent en prairies et forêts. Les élévations au-dessus du niveau de la mer varient de 10 pieds (3 m) sur la côte et sur les terres marécageuses à 50 et 60 pieds (15 à 18 m) sur les prairies et les terres alluviales. Dans les hautes terres et les collines, les altitudes s'élèvent jusqu'à Driskill Mountain, le point culminant de l'État à seulement 535 pieds (163 m) au-dessus du niveau de la mer. Outre les voies navigables déjà nommées, il y a la Sabine, qui forme la limite occidentale ; et la Perle, la limite orientale ; le Calcasieu, le Mermentau, le Vermilion, le Bayou Teche, l'Atchafalaya, le Boeuf, le Bayou Lafourche, la rivière Courtableau, le Bayou D'Arbonne, la rivière Macon, la Tensas, la rivière Amite, la Tchefuncte, la Tickfaw, la rivière Natalbany, et un certain nombre d'autres cours d'eau plus petits, constituant un système naturel de voies navigables, totalisant plus de 4 000 milles de long. L'État exerce également une juridiction politique sur la partie sous-marine d'environ 3 miles de large du plateau continental intérieur du golfe du Mexique. En raison d'une particularité de la géographie politique des États-Unis, cette superficie est nettement inférieure à la juridiction de 15 km des États voisins du Texas et de la Floride, qui, comme la Louisiane, possèdent de vastes côtes du Golfe. La côte sud de la Louisiane, aux États-Unis, compte parmi les régions où la disparition de la population est la plus rapide au monde. Cela résulte en grande partie d'une mauvaise gestion humaine de la côte (voir Zones humides de Louisiane). À une certaine époque, les terres ont été agrandies lorsque les crues printanières du fleuve Mississippi ont ajouté des sédiments et stimulé la croissance des marais ; la terre rétrécit maintenant. Il y a plusieurs causes. Les digues artificielles bloquent les eaux de crue printanière qui apporteraient de l’eau douce et des sédiments aux marais. Les marécages ont été largement exploités, laissant des canaux et des fossés qui permettent à l'eau salée de se déplacer vers l'intérieur des terres. Les canaux creusés pour l’industrie pétrolière et gazière permettent également aux tempêtes de déplacer l’eau de mer vers l’intérieur des terres, où elle endommage les marécages et les marécages. La montée des eaux de la mer a exacerbé le problème. Certains chercheurs estiment que l’État perd chaque jour une superficie équivalente à 30 terrains de football. Il existe de nombreuses propositions visant à sauver les zones côtières en réduisant les dégâts humains, notamment en rétablissant les inondations naturelles du Mississippi. Sans une telle restauration, les communautés côtières continueront de disparaître. Et à mesure que les communautés disparaissent, de plus en plus de personnes quittent la région. Étant donné que les zones humides côtières soutiennent une pêche côtière économiquement importante, la perte de zones humides nuit à cette industrie. Climat La Louisiane a un climat subtropical humide (classification climatique de Köppen Cfa). Il a des étés longs, chauds et humides et des hivers courts et doux. Les caractéristiques subtropicales de l'État sont dues en grande partie à l'influence du golfe du Mexique, dont le point le plus éloigné n'est qu'à 320 km. Les pluies sont fréquentes tout au long de l'année, même si l'été est légèrement plus humide que le reste de l'année. Il y a une baisse des précipitations en octobre. Le sud de la Louisiane reçoit des précipitations bien plus abondantes, surtout pendant les mois d'hiver. Les étés en Louisiane ont des températures élevées de la mi-juin à la mi-septembre, atteignant en moyenne 90 °F (32 °C) ou plus, et des températures minimales pendant la nuit dépassant en moyenne 70 °F (22 °C). En été, la température maximale extrême est beaucoup plus chaude au nord qu'au sud, avec des températures près du golfe du Mexique atteignant parfois 100 °F (38 °C), bien que des températures supérieures à 95 °F (35 °C) soient monnaie courante. . Dans le nord de la Louisiane, les températures dépassent 41 °C (105 °F) en été. Les températures sont généralement légèrement chaudes en hiver dans la partie sud de l'État, avec des maximales autour de la Nouvelle-Orléans, de Baton Rouge, du reste du sud de la Louisiane et du golfe du Mexique, atteignant une moyenne de 66 °F (19 °C). La partie nord de l'État est légèrement fraîche en hiver, avec des températures maximales atteignant en moyenne 59 °F (15 °C). Les minimums nocturnes en hiver sont en moyenne bien au-dessus du point de congélation dans tout l'État, avec 46 °F (8 °C) en moyenne près du golfe et un minimum moyen de 37 °F (3 °C) en hiver dans la partie nord de l'État. État. La Louisiane connaît quelques fronts froids, qui font fréquemment chuter les températures en dessous de −8 °C dans la partie nord de l'État, mais ne le font presque jamais dans la partie sud de l'État. La neige n'est pas très courante près du golfe du Mexique, même si les habitants du nord de l'État peuvent s'attendre à une à trois chutes de neige par an, la fréquence augmentant vers le nord. La température la plus élevée enregistrée en Louisiane est de 114 F à Plain Dealing le 10 août 1936, tandis que la température la plus froide enregistrée est à Minden le 13 février 1899. La Louisiane est souvent touchée par les cyclones tropicaux et est très vulnérable aux frappes des ouragans majeurs, en particulier dans les basses terres autour et dans la région de la Nouvelle-Orléans. La géographie unique de la région, avec ses nombreux bayous, marais et criques, peut entraîner des dégâts des eaux sur une vaste zone suite à des ouragans majeurs. La région est également sujette à des orages fréquents, surtout en été. L’ensemble de l’État connaît en moyenne plus de 60 jours d’orages par an, soit plus que tout autre État à l’exception de la Floride. La Louisiane compte en moyenne 27 tornades par an. L’État tout entier est vulnérable à une tornade, la partie extrême sud de l’État l’étant légèrement moins que le reste de l’État. Les tornades sont plus fréquentes de janvier à mars dans le sud de l'État et de février à mars dans le nord de l'État. Ouragans depuis 1950 *Les 28 et 29 août 2012, Isaac (catégorie 1 à l'atterrissage) frappe le sud-est de la Louisiane 7 ans après Katrina (2005). *Le 1er septembre 2008, Gustav (catégorie 2 à l'atterrissage) a touché terre le long de la côte près de Cocodrie, dans le sud-est de la Louisiane. Pas plus tard que le 31 août, le Centre national des ouragans avait prévu que l'ouragan resterait de catégorie 3 ou plus le 1er septembre, mais dans le cas où le centre de Gustav toucherait terre sous la forme d'un puissant ouragan de catégorie 2 (1 mph en dessous de la catégorie 3). ), et est tombé en catégorie 1 peu de temps après. Suite aux prévisions du NHC, une évacuation massive de la Nouvelle-Orléans a eu lieu après que de nombreux habitants n'aient pas pu partir pour Katrina en 2005. Un nombre important de décès ont été causés ou attribués à Gustav. Environ 1,5 million de personnes étaient privées d'électricité en Louisiane le 1er septembre. *Le 24 septembre 2005, Rita (catégorie 3 à l'atterrissage) a frappé le sud-ouest de la Louisiane, inondant de nombreuses paroisses et villes le long de la côte, notamment la paroisse de Cameron, Lake Charles et d'autres villes. Les vents de la tempête ont affaibli les digues endommagées à la Nouvelle-Orléans et provoqué de nouvelles inondations dans certaines parties de la ville. *Le 29 août 2005, Katrina (catégorie 3 à l'atterrissage) a frappé et dévasté le sud-est de la Louisiane, où elle a brisé et miné les digues de la Nouvelle-Orléans, provoquant l'inondation de 80 % de la ville. La plupart des gens ont été évacués, mais la majorité de la population s'est retrouvée sans abri. La ville était pratiquement fermée jusqu'en octobre. On estime que plus de deux millions de personnes dans la région du Golfe ont été déplacées par l'ouragan et que plus de 1 500 personnes ont perdu la vie rien qu'en Louisiane. Un tollé général a critiqué les gouvernements aux niveaux local, étatique et fédéral, pour leur manque de préparation et la lenteur de leur réponse. Les résidents de Louisiane ont déménagé à travers le pays pour trouver un logement temporaire, et beaucoup ne sont pas revenus. *3 octobre 2002, Lili (Catégorie 1 à l'atterrissage) *Août 1992, Andrew (catégorie 3 à l'atterrissage) a frappé le centre-sud de la Louisiane. Cela a tué quatre personnes ; près de 150 000 citoyens ont été privés d’électricité ; et détruit des récoltes valant des centaines de millions de dollars. *Août 1969, Camille (Catégorie 5) provoque une onde de tempête et tue 250 personnes. Bien que Camille ait officiellement touché terre dans le Mississippi et que les pires dégâts se soient produits là-bas, cela a également eu des effets en Louisiane. La Nouvelle-Orléans est restée sèche, à l'exception de légères inondations provoquées par des pluies dans les zones les plus basses. *Le 9 septembre 1965, Betsy (catégorie 3 à l'atterrissage) a débarqué en Louisiane, provoquant des destructions massives. Il s'agit du premier ouragan de l'histoire à causer un milliard de dollars de dégâts (plus de dix milliards de dollars corrigés de l'inflation). La tempête a frappé la Nouvelle-Orléans et a inondé près de 35 % de la ville (y compris le Lower 9th Ward, Gentilly et certaines parties de Mid-City). Le bilan des morts dans l'État était de 76. *Juin 1957, Audrey (catégorie 4) dévaste le sud-ouest de la Louisiane, détruisant ou endommageant gravement 60 à 80 % des maisons et des entreprises de Cameron à Grand Chenier. 40 000 personnes se sont retrouvées sans abri et plus de 300 personnes sont mortes dans l’État. *15-17 août 1915 : un ouragan a touché terre juste à l'ouest de Galveston. Des coups de vent hurlaient dans toutes les paroisses de Cameron et Vermilion et aussi loin à l'est que Mobile. Produit des marées de 11 pieds à Cameron (appelé Leesburg à l'époque), de 10 pieds à Grand Cheniere et de 9,5 pieds à Marsh Island ; Grand Isle a signalé une eau de 6 pieds de profondeur à travers la ville. Le gardien du phare de Sabine Pass a dû tourner la lentille à la main, car les vibrations provoquées par l'action des vagues mettaient le mécanisme d'horlogerie en panne. À Sabine Bank, à 17 milles au large de l'embouchure de la Sabine, des dommages ont été constatés. Les estimations des dégâts pour la Louisiane et le Texas s'élèvent à environ 50 millions de dollars. 1915, plus de 300 personnes se sont noyées sous Montegut - 4 peuvent être identifiées comme blanches, aucune des autres n'a été identifiée et est supposée être des Indiens. La colonie indienne se trouvait à environ 10 milles en aval de Montegut, appelée par les Indiens - Taire-bonne -, elle est maintenant dans un marécage et n'est accessible que par bateau. Cet ouragan a poussé les survivants à se déplacer vers des terrains plus élevés. Zones protégées En raison de sa situation géographique et de sa géologie, l'État possède une grande diversité biologique. Certaines zones vitales, comme les Prairies du sud-ouest, ont connu une perte de plus de 98 pour cent. Les forêts de pins sont également exposées à de grands risques, principalement en raison de la suppression des incendies et de l'étalement urbain. Il n'existe pas encore de système correctement organisé d'espaces naturels pour représenter et protéger la diversité biologique de la Louisiane. Un tel système consisterait en un système protégé de zones centrales reliées par des corridors biologiques, comme le prévoit la Floride. La Louisiane contient un certain nombre de zones qui sont, à des degrés divers, protégées de l'intervention humaine. En plus des sites et zones du National Park Service et d'une forêt nationale des États-Unis, la Louisiane exploite un système de parcs d'État, de sites historiques d'État, une zone de préservation de l'État, une forêt domaniale et de nombreuses zones de gestion de la faune. La [http://www.nature.org/ourinitiatives/regions/northamerica/unitedstates/louisiana/index.htm Nature Conservancy] possède et gère également un ensemble d'espaces naturels. L'une des plus grandes zones naturelles de Louisiane est la forêt nationale de Kisatchie. Il s'agit d'une superficie d'environ 600 000 acres, dont plus de la moitié est constituée de végétation vitale de bois plats, qui abrite de nombreuses espèces végétales et animales rares. Ceux-ci incluent le serpent du pin de Louisiane et le pic à cocarde rouge. Le système de marécages de cyprès protégés autour du lac Pontchartrain constitue une autre zone naturelle vaste et importante, avec des espèces de zones humides du sud, notamment des aigrettes, des alligators et des esturgeons. Au moins 12 zones centrales seraient nécessaires pour construire un « système de zones protégées » pour l'État ; ceux-ci s'étendraient des prairies du sud-ouest, à la plaine inondable de la rivière des Perles à l'est, jusqu'aux marécages alluviaux du fleuve Mississippi au nord. Le système de rivières naturelles et pittoresques de Louisiane offre un certain degré de protection à 48 rivières, ruisseaux et bayous de l'État. Il est administré par le Département de la faune et des pêches de Louisiane. Service des parcs nationaux Les zones historiques ou pittoresques gérées, protégées ou autrement reconnues par le National Park Service comprennent : *Zone du patrimoine national Atchafalaya dans la paroisse de l'Ascension ; *Zone du patrimoine national de Cane River près de Natchitoches ; *Parc historique national créole de Cane River, près de Natchitoches ; *Parc historique national et réserve Jean Lafitte, dont le siège est à la Nouvelle-Orléans, avec des unités dans la paroisse de Saint-Bernard, à Barataria (Crown Point) et à Acadiana (Lafayette) ; *Monument national de Poverty Point à Epps, Louisiane ; et *Saline Bayou, une rivière nationale sauvage et pittoresque désignée près de la paroisse de Winn, dans le nord de la Louisiane. Service forestier des États-Unis *La forêt nationale de Kisatchie est la seule forêt nationale de Louisiane. Il comprend 600 000 acres dans le centre et le nord de la Louisiane avec de vastes zones de bois plats et de forêts de pins à longues feuilles. Parcs d'État et zones de loisirs La Louisiane exploite un système de 22 parcs d'État, 17 sites historiques d'État et une zone de préservation de l'État. Transport Le ministère des Transports et du Développement de la Louisiane est l'organisation gouvernementale de l'État chargée de l'entretien des transports publics, des routes, des ponts, des canaux, de certaines digues, de la gestion des plaines inondables, des installations portuaires, des véhicules commerciaux et de l'aviation qui comprend 69 aéroports. Autoroutes interétatiques Autoroutes des États-Unis L'Intracoastal Waterway est un moyen important de transport de marchandises commerciales telles que le pétrole et les produits pétroliers, les produits agricoles, les matériaux de construction et les produits manufacturés. En 2011, la Louisiane se classait parmi les cinq États les plus meurtriers en termes d'accidents de véhicules causés par des débris/détritus, par nombre total de véhicules immatriculés et par taille de population. Les chiffres dérivés du NTSHA montrent qu'au moins 25 personnes en Louisiane ont été tuées chaque année dans des collisions de véhicules à moteur avec des objets non fixes, notamment des débris, des détritus déversés, des animaux et leurs carcasses. Histoire Histoire pré-contact La Louisiane a été habitée par les Amérindiens pendant plusieurs millénaires avant l'arrivée des Européens au XVIe siècle. Au cours de la période archaïque moyenne, la Louisiane a été le site du premier complexe de monticules d'Amérique du Nord et de l'une des premières constructions complexes et datées des Amériques, le site Watson Brake, près de l'actuelle Monroe. Complexe de 11 monticules, il a été construit vers 5 400 BP (3 500 avant notre ère). Les sites de l'Archaïque moyen de Caney et Frenchman's Bend ont également été datés de manière fiable entre 5 600 et 5 000 BP, démontrant que les chasseurs-cueilleurs saisonniers se sont organisés pour construire des constructions complexes dans le nord de la Louisiane actuelle. Le site Hedgepeth dans la paroisse de Lincoln est plus récent, daté de 5 200 à 4 500 BP. Près de 2 000 ans plus tard, Poverty Point, le site archaïque tardif le plus grand et le plus connu de l'État, a été construit. Les Epps modernes se sont développés à proximité. La culture de Poverty Point a peut-être atteint son apogée vers 1 500 avant notre ère, ce qui en fait la première culture complexe, et peut-être la première culture tribale d'Amérique du Nord. Cela a duré jusqu'à environ 700 avant notre ère. La culture de Poverty Point a été suivie par les cultures Tchefuncte et Lake Cormorant de la période Tchula, manifestations locales de la période sylvicole primitive. La culture Tchefuncte a été le premier peuple de Louisiane à fabriquer de grandes quantités de poterie. Ces cultures ont duré jusqu'en 200 CE. La période Middle Woodland commence en Louisiane avec la culture de Marksville dans la partie sud et est de l'État et la culture Fourche Maline dans la partie nord-ouest de l'État. La culture de Marksville tire son nom du site indien préhistorique de Marksville dans la paroisse d'Avoyelles, en Louisiane. Ces cultures étaient contemporaines des cultures Hopewell de l'Ohio et de l'Illinois et participaient au Hopewell Exchange Network. Le commerce avec les peuples du sud-ouest a apporté l’arc et les flèches. Les premiers tumulus furent construits à cette époque. Le pouvoir politique commence à se consolider à mesure que les premières plates-formes des centres rituels sont construites pour le développement des dirigeants politiques et religieux héréditaires. Vers 400 CE, dans la partie sud de l'État, la période forestière tardive avait commencé avec la culture de Baytown. La population a augmenté de façon spectaculaire et il existe des preuves évidentes d’une complexité culturelle et politique croissante. De nombreux sites de Coles Creek ont ​​été érigés sur des tumulus mortuaires antérieurs de la période forestière. Les chercheurs ont émis l’hypothèse que les élites émergentes s’appropriaient symboliquement et physiquement les ancêtres morts pour souligner et projeter leur propre autorité. La période mississippienne en Louisiane a été celle où les cultures plaquemineennes et caddoennes du mississippien se sont développées et où l'agriculture extensive du maïs a été adoptée. La culture Plaquemine dans la vallée inférieure du fleuve Mississippi, dans l'ouest du Mississippi et l'est de la Louisiane, a commencé en 1200 de notre ère et s'est poursuivie jusqu'à environ 1400 de notre ère. De bons exemples de cette culture sont le site Medora dans la paroisse de West Baton Rouge, en Louisiane, et les sites Emerald Mound, Winterville et Holly Bluff dans le Mississippi. La culture Plaquemine était contemporaine de la culture du Mississippien moyen représentée par la colonie principale, le site de Cahokia près de St. Louis, Missouri. Ce groupe est considéré comme ancestral des peuples Natchez et Taensa. Vers 1000 CE, dans la partie nord-ouest de l'État, la culture Fourche Maline avait évolué vers la culture mississippienne Caddoan. Les Mississippiens Caddoans couvraient un vaste territoire, comprenant ce qui est aujourd'hui l'est de l'Oklahoma, l'ouest de l'Arkansas, le nord-est du Texas et le nord-ouest de la Louisiane. Les preuves archéologiques ont démontré que la continuité culturelle est ininterrompue depuis la préhistoire jusqu'à nos jours. Les Caddo et les locuteurs de la langue Caddo apparentés à l'époque préhistorique et au premier contact européen étaient les ancêtres directs de la nation Caddo moderne de l'Oklahoma d'aujourd'hui. De nombreux noms de lieux actuels dans l'État, notamment Atchafalaya, Natchitouches (maintenant orthographié Natchitoches), Caddo, Houma, Tangipahoa et Avoyel (comme Avoyelles), sont des translittérations de ceux utilisés dans diverses langues amérindiennes. Exploration et colonisation par les Européens Les premiers explorateurs européens à visiter la Louisiane sont arrivés en 1528 lorsqu'une expédition espagnole dirigée par Panfilo de Narváez a localisé l'embouchure du fleuve Mississippi. En 1542, l'expédition d'Hernando de Soto contourna l'État par le nord et l'ouest (rencontrant les groupes Caddo et Tunica) puis suivit le fleuve Mississippi jusqu'au golfe du Mexique en 1543. L'intérêt espagnol pour la Louisiane s'est ensuite évanoui pendant un siècle et un moitié. À la fin du XVIIe siècle, des expéditions françaises et canadiennes-françaises, qui avaient des objectifs souverains, religieux et commerciaux, ont pris pied sur le fleuve Mississippi et sur la côte du golfe. Avec ses premières colonies, la France revendique une vaste région de l'Amérique du Nord et entreprend d'établir un empire commercial et une nation française s'étendant du golfe du Mexique au Canada. En 1682, l'explorateur français Robert Cavelier de La Salle nomma la région Louisiane en l'honneur du roi de France Louis XIV. La première colonie permanente, Fort Maurepas (dans ce qui est aujourd'hui Ocean Springs, Mississippi, près de Biloxi), a été fondée par Pierre Le Moyne d'Iberville, un officier militaire français du Canada, en 1699. À cette époque, les Français avaient également construit un petit fort à l'embouchure du Mississippi dans une colonie qu'ils appelèrent La Balise (ou La Balize), « seamark » en français. En 1721, ils construisirent une structure de type phare en bois de 62 pieds pour guider les navires sur le fleuve. Une ordonnance royale de 1722, suite au transfert de la gouvernance du pays de l'Illinois du Canada à la Louisiane, aurait pu présenter la définition la plus large de la Louisiane : toutes les terres revendiquées par la France au sud des Grands Lacs, entre les montagnes Rocheuses et les Alleghenies. Une génération plus tard, les conflits commerciaux entre le Canada et la Louisiane ont conduit à une frontière plus définie entre les colonies françaises ; en 1745, le gouverneur général de la Louisiane, Vaudreuil, fixa les limites nord et est de son domaine comme la vallée de Wabash jusqu'à l'embouchure de la rivière Vermilion (près de l'actuelle Danville, Illinois) ; de là, au nord-ouest jusqu'au Rocher sur la rivière Illinois, et de là à l'ouest jusqu'à l'embouchure de la rivière Rock (aujourd'hui Rock Island, Illinois). Ainsi, Vincennes et Peoria étaient la limite de l'étendue de la Louisiane ; les avant-postes de Ouiatenon (sur le haut Wabash, près de l'actuel Lafayette, Indiana), de Chicago, de Fort Miamis (près de l'actuel Fort Wayne, Indiana) et de Prairie du Chien fonctionnaient comme des dépendances du Canada. La colonie de Natchitoches (le long de la rivière Rouge, dans l'actuel nord-ouest de la Louisiane) a été fondée en 1714 par Louis Juchereau de Saint-Denis, ce qui en fait la plus ancienne colonie européenne permanente de l'État moderne de Louisiane. La colonie française avait deux objectifs : établir des échanges commerciaux avec les Espagnols au Texas via la Old San Antonio Road et dissuader les avancées espagnoles en Louisiane. La colonie devint rapidement un port fluvial florissant et un carrefour routier, donnant naissance à de vastes royaumes cotonniers le long du fleuve. Au fil du temps, les planteurs ont développé de grandes plantations et construit de belles maisons dans une ville en pleine croissance. C’est devenu un modèle répété à la Nouvelle-Orléans et ailleurs. Les colonies françaises de Louisiane ont contribué à une exploration plus approfondie et à des avant-postes, concentrés le long des rives du Mississippi et de ses principaux affluents, de la Louisiane jusqu'au nord de la région appelée le pays de l'Illinois, autour de l'actuel Saint-Louis, dans le Missouri. Initialement, Mobile puis Biloxi fonctionnaient comme capitale de la colonie. Reconnaissant l'importance du fleuve Mississippi pour le commerce et les intérêts militaires, la France a fait de la Nouvelle-Orléans le siège de l'autorité civile et militaire au sud des Grands Lacs en 1722. Depuis lors jusqu'à ce que les États-Unis acquièrent le territoire lors de l'achat de la Louisiane en 1803, la France et L'Espagne se battait pour le contrôle de la Nouvelle-Orléans et des terres à l'ouest du Mississippi. Dans les années 1720, des immigrants allemands se sont installés le long du fleuve Mississippi, dans une région appelée la côte allemande. La France a cédé la majeure partie de son territoire à l'est du Mississippi à la Grande-Bretagne en 1763, à la suite de la victoire de la Grande-Bretagne dans la guerre de Sept Ans (généralement appelée en Amérique du Nord la guerre française et indienne). Le reste de la Louisiane, y compris la zone autour de la Nouvelle-Orléans et les paroisses autour du lac Pontchartrain, était devenu une colonie espagnole par le traité de Fontainebleau (1762), bien que le transfert du pouvoir de chaque côté du fleuve soit retardé jusqu'à plus tard. la décennie. En 1765, sous la domination espagnole, plusieurs milliers de réfugiés francophones de la région de l'Acadie (aujourd'hui la Nouvelle-Écosse, le Nouveau-Brunswick et l'Île-du-Prince-Édouard, Canada) se dirigent vers la Louisiane après avoir été expulsés de leur pays par les Britanniques lors de la Grande Guerre. Guerre française et indienne. Ils se sont installés principalement dans la région du sud-ouest de la Louisiane, aujourd'hui appelée Acadiana. Les Espagnols, désireux d'attirer davantage de colons catholiques, accueillent les réfugiés acadiens, ancêtres des Cajuns de Louisiane. Les insulaires espagnols des Canaries, appelés Isleños, ont émigré des îles Canaries espagnoles vers la Louisiane sous la couronne espagnole entre 1778 et 1783. En 1800, Napoléon Bonaparte a racheté la Louisiane à l'Espagne dans le cadre du Traité de San Ildefonso, un accord gardé secret pendant deux ans. Expansion de l'esclavage Bienville a amené les deux premiers esclaves africains en Louisiane en 1708, les transportant d'une colonie française des Antilles. En 1709, le financier français Antoine Crozat obtient le monopole du commerce dans la Louisiane, qui s'étend du golfe du Mexique jusqu'à l'actuel Illinois. "Cette concession lui permettait de faire venir chaque année une cargaison de Noirs d'Afrique", écrit l'historien britannique Hugh Thomas. Les conditions physiques, y compris les maladies, étaient si dures qu'il y avait une mortalité élevée tant parmi les colons que parmi les esclaves, ce qui entraînait une demande et une importation continues d'esclaves. À partir de 1719, les commerçants commencèrent à importer un plus grand nombre d’esclaves ; deux navires français, le Du Maine et l'Aurore, arrivent à la Nouvelle-Orléans avec à leur bord plus de 500 esclaves noirs venus d'Afrique. Les anciens esclaves de Louisiane avaient été transportés depuis les colonies françaises des Antilles. À la fin de 1721, la Nouvelle-Orléans comptait 1 256 habitants, dont environ la moitié étaient des esclaves. Avec le développement de l'esclavage, en 1724, la colonie adopte le « Code Noir » de Louis XV en Louisiane. Le « Code Noir » de Louis XIV date de la fin du XVIIe siècle. Il s’agissait théoriquement de protéger les conditions de vie et de travail des esclaves africains. Les historiens l'ont également évalué comme un moyen de satisfaire davantage les esclaves en leur accordant certaines libertés et en protégeant leurs familles. Les autorités étaient conscientes du risque posé par le petit nombre de colons en territoire hostile. Conformément aux principes catholiques, le Code interdit la séparation des membres de la famille, notamment toute vente de jeunes enfants à leurs parents. Dans ces années-là, un jeune était considéré comme un adulte à l'âge de treize ans et pouvait être vendu hors de sa famille à partir de cet âge. Les maîtres dépendaient du travail des esclaves pour cultiver leurs terres et ne pouvaient pas se permettre de déclencher des rébellions qui auraient pu se transformer en violence, ni de perdre de nombreux esclaves à cause de leur fuite. Les esclaves fugitifs, appelés marrons, pouvaient facilement se cacher dans l'arrière-pays des bayous et survivre dans de petites colonies. Le mot « marron » vient du français « marron » et signifie sauvage ou fugitif. L'article II du Code Noir de 1724 exigeait que les maîtres dispensent à leurs esclaves une éducation religieuse, c'est-à-dire le catholicisme romain. Le dimanche devait être un jour de repos pour les esclaves. Les jours de congé, les esclaves devaient se nourrir et prendre soin d'eux-mêmes. Durant la crise économique des années 1740 dans la colonie, les maîtres avaient du mal à nourrir leurs esclaves et eux-mêmes. Leur donner du temps libre donnait également plus de pouvoir aux esclaves, qui commençaient à cultiver leurs propres jardins et à fabriquer des objets destinés à la vente comme leur propre propriété. Ils commencèrent à participer au développement économique de la colonie tout en augmentant leur indépendance et leur autosubsistance. Le Code interdisait les mariages mixtes (article VI) mais faisait peu pour protéger les femmes esclaves du viol par leurs maîtres, surveillants ou autres esclaves. Dans l’ensemble, le Code profitait aux maîtres mais offrait plus de protections et de flexibilité que l’institution de l’esclavage dans les Treize colonies du sud. À la fin du XVIIIe siècle, le dernier gouverneur espagnol du territoire de la Louisiane écrivait : En réalité, il est impossible pour la Basse-Louisiane de vivre sans esclaves » et grâce à l’utilisation d’esclaves, la colonie « a fait de grands progrès vers la prospérité et la richesse ». Lorsque les États-Unis ont acheté la Louisiane en 1803, il a été rapidement admis que les esclaves africains pouvaient être amenés en Louisiane aussi facilement que dans le Mississippi voisin, même si cela violait la loi américaine. Malgré les demandes du représentant des États-Unis James Hillhouse et du pamphlétaire Thomas Paine d'appliquer la loi fédérale existante contre l'esclavage dans le territoire nouvellement acquis, l'esclavage a prévalu parce qu'il était la source de gros profits et de la main-d'œuvre la moins chère. Au début du XIXème siècle, la Louisiane était un petit producteur de sucre avec un nombre d'esclaves relativement faible, comparé à Saint-Domingue et aux Antilles. Elle est rapidement devenue un important producteur de sucre avec l'arrivée de nouveaux colons pour développer des plantations. William C. C. Claiborne, premier gouverneur de la Louisiane aux États-Unis, a déclaré que le travail des esclaves africains était nécessaire parce que les travailleurs blancs « ne peuvent pas être trouvés dans ce climat malsain ». Hugh Thomas a écrit que Claiborne était incapable d'imposer l'abolition de la traite des esclaves africains, que les États-Unis et la Grande-Bretagne ont adoptée en 1808. Les États-Unis ont continué à protéger la traite intérieure des esclaves, y compris le commerce côtier, le transport des esclaves par bateau le long des côtes. la côte atlantique et vers le Nouveau

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Dans quel pays la bataille de la crête de Vimy a-t-elle eu lieu pendant la Première Guerre mondiale ?

France

La bataille de la crête de Vimy était un engagement militaire mené principalement dans le cadre de la bataille d'Arras, dans la région du Nord-Pas-de-Calais en France, pendant la Première Guerre mondiale. Les principaux combattants étaient le Corps canadien, composé de quatre divisions, contre trois divisions de la Sixième Armée allemande. La bataille, qui s'est déroulée du 9 au 12 avril 1917, faisait partie de la phase d'ouverture de la bataille d'Arras menée par les Britanniques, une attaque de diversion de l'offensive française de Nivelle. L'objectif du Corps canadien était de prendre le contrôle des hauteurs tenues par les Allemands le long d'un escarpement à l'extrémité nord de l'offensive d'Arras. Cela garantirait que le flanc sud pourrait avancer sans subir les tirs d'enfilade allemands. Soutenu par un barrage rampant, le Corps canadien s'empare de la majeure partie de la crête au cours du premier jour de l'attaque. La ville de Thélus tomba au cours du deuxième jour de l'attaque, tout comme la crête de la crête une fois que le Corps canadien eut vaincu un saillant contre une résistance allemande considérable. L'objectif final, une butte fortifiée située à l'extérieur du village de Givenchy-en-Gohelle, tomba aux mains du Corps canadien le 12 avril. Les forces allemandes se replient alors sur la ligne Oppy-Méricourt. Les historiens attribuent le succès du Corps canadien dans la capture de la crête à un mélange d'innovations techniques et tactiques, de planification méticuleuse, de puissant soutien d'artillerie et d'entraînement approfondi, ainsi qu'à l'échec de la Sixième Armée allemande à appliquer correctement la nouvelle doctrine défensive allemande. C'était la première fois que les quatre divisions du Corps expéditionnaire canadien participaient à une bataille ensemble et elle est devenue un symbole de la réussite et du sacrifice nationaux du Canada. Une partie de 100 ha de l'ancien champ de bataille sert de parc commémoratif et de site du Mémorial national du Canada à Vimy. Arrière-plan La crête de Vimy est un escarpement situé à 8 km au nord-est d'Arras, à l'extrémité ouest des plaines de Douai. La crête s'élève progressivement sur son côté ouest et descend plus rapidement sur son côté est. D'une longueur d'environ 7 km et culminant à une altitude de 145 m ou 60 m au-dessus des plaines de Douai, la crête offre une vue naturelle dégagée sur des dizaines de kilomètres dans toutes les directions. La crête tomba sous contrôle allemand en octobre 1914 lors de la Course à la mer alors que les forces franco-britanniques et allemandes tentaient continuellement de se déborder à travers le nord-est de la France. La dixième armée française tente de déloger les Allemands de la région lors de la deuxième bataille de l'Artois en mai 1915 en attaquant leurs positions sur la crête de Vimy et à Notre-Dame de Lorette. La 1re Division marocaine française parvient à s'emparer brièvement de la hauteur de la crête mais ne parvient pas à la maintenir faute de renforts. Les Français firent une autre tentative lors de la troisième bataille de l'Artois en septembre 1915 mais ne capturèrent que la ville de Souchez à la base ouest de la crête. Le secteur de Vimy s'est calmé après l'offensive, les deux parties ayant adopté une approche essentiellement « vivre et laisser vivre ». Au total, les Français ont subi environ 150 000 pertes dans leurs tentatives de prendre le contrôle de la crête de Vimy et du territoire environnant. Le XVIIe corps britannique, commandé par le lieutenant-général Sir Julian Byng, releva la dixième armée française dans le secteur en février 1916, permettant aux Français d'étendre leurs opérations à Verdun. Les Britanniques découvrirent bientôt que les sociétés allemandes de construction de tunnels avaient profité du calme relatif en surface pour construire un vaste réseau de tunnels et de mines profondes à partir duquel elles attaqueraient les positions françaises en déclenchant des charges explosives sous leurs tranchées. Les Royal Engineers ont immédiatement déployé des sociétés spécialisées dans la construction de tunnels le long du front pour lutter contre les opérations minières allemandes. En réponse à l'agression minière britannique accrue, les tirs d'artillerie et de mortiers de tranchée allemands se sont intensifiés début mai 1916. Samuels pp. 200-202. Le 21 mai 1916, après avoir bombardé les tranchées avancées et les positions d'artillerie divisionnaire depuis pas moins de 80 positions hors de vue. batteries sur le versant inverse de la crête, l'infanterie allemande a commencé une opération, une attaque contre les lignes britanniques le long d'un front de 2 000 mètres dans le but de les éjecter de leurs positions le long de la crête. Les Allemands ont capturé plusieurs tunnels et cratères de mines sous contrôle britannique avant d'arrêter leur avance et de consolider leurs positions. Les Allemands sont devenus inquiets de la proximité des positions britanniques avec le sommet de la crête, en particulier après l'augmentation des activités britanniques de creusement de tunnels et de contre-mine. . De petites contre-attaques des unités des 140e et 141e brigades britanniques eurent lieu le 22 mai mais ne parvinrent pas à changer la situation. Le Corps canadien a relevé le IVe Corps britannique stationné le long des pentes ouest de la crête de Vimy en octobre 1916. Prélude Planification stratégique Le 28 mai 1916, Byng prend le commandement du Corps canadien, succédant au lieutenant-général Sir Edwin Alderson. Des discussions formelles en vue d'une offensive de printemps près d'Arras ont commencé à la suite d'une conférence des commandants de corps tenue au quartier général de la Première armée britannique le 21 novembre 1916. En mars 1917, le quartier général de la Première armée britannique a officiellement présenté à Byng des ordres décrivant la crête de Vimy comme objectif du corps pour l'offensive d'Arras. . Un plan d'assaut formel, adopté début mars 1917, s'appuyait largement sur les briefings des officiers d'état-major envoyés pour tirer les leçons des expériences de l'armée française lors de la bataille de Verdun. Pour la première fois, les quatre divisions canadiennes étaient rassemblées pour participer à une bataille. La nature et l'ampleur de l'assaut prévu du Corps canadien nécessitaient un soutien et des ressources dépassant ses capacités opérationnelles normales. Par conséquent, la 5e Division d'infanterie britannique et des unités supplémentaires d'artillerie, de génie et de main-d'œuvre renforcent les quatre divisions canadiennes. Cela portait l'effectif nominal du Corps canadien à environ 170 000 hommes, dont 97 184 Canadiens.Nicholson p. 229 Plan tactique En janvier 1917, trois officiers du Corps canadien accompagnaient d'autres officiers britanniques et du Dominion pour assister à une série de conférences organisées par l'armée française concernant leurs expériences lors de la bataille de Verdun. La contre-offensive française conçue par le général Robert Nivelle avait été l'un des nombreux succès alliés de 1916. Après de longues répétitions, huit divisions françaises avaient attaqué les positions allemandes en deux vagues le long d'un front de 6 milles. Appuyés par une artillerie extrêmement puissante, les Français avaient regagné le terrain perdu et infligé de lourdes pertes à cinq divisions allemandes.Nicholson p. 227 À leur retour des conférences, les officiers d'état-major du Corps canadien ont produit une analyse tactique des batailles de Verdun et ont donné une série de conférences au niveau du corps et de la division pour promouvoir la primauté de l'artillerie et souligner l'importance du tir de harcèlement et de la flexibilité des compagnies et des pelotons. Le rapport du commandant de la 1re Division canadienne, Arthur Currie, mettait en évidence les leçons, selon lui, que le Corps canadien pourrait tirer des expériences des Français. Le plan final de l'assaut sur la crête de Vimy s'est largement inspiré de l'expérience et de l'analyse tactique des officiers qui ont assisté aux conférences de Verdun. Le général Henry Horne, commandant de la Première armée britannique, approuva le plan le 5 mars 1917. Le plan divisait l'avancée du Corps canadien en quatre lignes d'objectifs colorées. L'attaque serait menée sur un front de 7 000 mètres, avec son centre face au village de Vimy, à l'est de la crête. Le premier objectif, représenté par la Ligne Noire, était de s'emparer de la ligne défensive avancée allemande. L'objectif final du flanc nord était la Ligne Rouge : prendre le point culminant de la crête, la butte fortifiée dite du Bouton, la Ferme de la Folie, la tranchée Zwischen-Stellung et le hameau des Tilleuls. Les deux divisions du sud devaient atteindre deux objectifs supplémentaires : la Ligne bleue englobant la ville de Thélus et les bois à l'extérieur de la ville de Vimy, et la Ligne brune, qui visait à capturer la tranchée Zwölfer-Graben et la deuxième ligne allemande. L'infanterie avancerait de près derrière un barrage rampant posé par des canons légers de campagne, avançant par incréments chronométrés de 100 mètres. Les obusiers moyens et lourds établiraient une série de barrages permanents plus loin devant l'infanterie contre les systèmes défensifs connus. Le plan prévoyait que les unités sautaient les unes sur les autres, au fur et à mesure de l'avancée, pour maintenir leur élan pendant l'attaque. La vague initiale capturerait et consoliderait la ligne noire, puis avancerait vers la ligne rouge. Le barrage s'arrêterait pour permettre aux unités de réserve de progresser, puis avancerait avec les unités poussant au-delà de la ligne rouge jusqu'à la ligne bleue. Une fois que le corps aurait sécurisé la Ligne bleue, les unités en progression dépasseraient à nouveau celles établies et captureraient la Ligne brune. Bien mené, le plan laisserait peu de temps aux forces allemandes pour sortir de la sécurité de leurs abris profonds et défendre leurs positions contre l’avancée de l’infanterie. Si le corps maintenait son programme, les troupes avanceraient jusqu'à 4 000 mètres et maîtriseraient la majorité de la crête à 13 heures le premier jour. Défenses allemandes L’expérience de la bataille de la Somme a amené le commandement allemand à conclure que la politique de défense rigide d’une ligne de position de tranchée n’était plus efficace face à la puissance de feu accumulée par les armées de l’Entente. Ludendorff publia une nouvelle doctrine défensive en décembre 1916, dans laquelle des défenses plus profondes devaient être construites, à l'intérieur desquelles la garnison aurait une marge de manœuvre, plutôt que de tenir rigidement des lignes de tranchées successives. Le long de la crête de Vimy, les forces allemandes ont passé deux ans à construire des fortifications conçues pour assurer une défense rigide. Peu de reconstructions basées sur la nouvelle doctrine de défense en profondeur avaient été réalisées en avril 1917 parce que le terrain la rendait impraticable. La topographie du champ de bataille de Vimy rendait difficile la réalisation d’une défense en profondeur. La crête mesurait 700 m de large à son point le plus étroit, avec une forte pente du côté est, éliminant pratiquement la possibilité de contre-attaques si la crête était capturée. Les Allemands craignaient la faiblesse inhérente des défenses de la crête de Vimy. Le plan défensif allemand consistait à maintenir une ligne de défense suffisamment solide pour se défendre contre un assaut initial et faire avancer les réserves opérationnelles, avant que l'ennemi ne puisse consolider ses gains ou envahir les positions allemandes restantes. En conséquence, la défense allemande sur la crête de Vimy reposait en grande partie sur des mitrailleuses, qui servaient de multiplicateurs de force pour l'infanterie en défense. Trois divisions de ligne, avec sept régiments d'infanterie à elles deux, étaient responsables de la défense immédiate de la crête. L'effectif papier de chaque division était d'environ 15 000 hommes, mais leurs effectifs réels étaient nettement inférieurs. En 1917, une compagnie de fusiliers allemande à pleine puissance se composait de 264 hommes ; sur la crête de Vimy, chaque compagnie de fusiliers comptait environ 150 hommes. Chaque régiment allemand détenait une zone d'environ 1 000 m de large jusqu'à l'arrière. Lorsque le Corps canadien attaqua, chaque compagnie allemande fit face à deux bataillons ou plus d'environ 1 000 hommes chacun. Les divisions de réserve ont été maintenues à environ 15 milles en arrière au lieu de se rassembler derrière la deuxième ligne selon la théorie de la défense en profondeur. Nicholson p. 267 Artillerie Les formations d'artillerie divisionnaires du Corps canadien, totalisant huit brigades de campagne et deux groupes d'artillerie lourde, étaient insuffisantes pour la tâche à accomplir et furent par conséquent renforcées par des formations extérieures. Farndale p. 238 Carte 38 Quatre groupes d'artillerie lourde, neuf brigades d'artillerie de campagne, trois groupes d'artillerie divisionnaires et le complément d'artillerie de la 5e division britannique étaient rattachés au Corps canadien. De plus, dix groupes d'artillerie lourde des Ier et XVIIe Corps d'accompagnement se virent confier des tâches de soutien au Corps canadien. Les batteries d'artillerie du I Corps étaient particulièrement importantes car elles enfilaient les positions de canons allemandes derrière la crête de Vimy. Au total, les Britanniques ont mis à la disposition du Corps canadien vingt-quatre groupes d'artillerie de brigade composés de quatre cent quatre-vingts canons de campagne de 18 livres, cent trente-huit obusiers de 4,5 pouces, quatre-vingt-seize mortiers de tranchée de 2 pouces, vingt-quatre obusiers de 9,45 pouces. mortiers, appuyés par 245 canons de siège au niveau du corps et des mortiers lourds.Nicholson p. 225Cook (2007) p. 113 Cette puissance de feu donnait une densité d'un canon lourd pour chaque 20 verges et d'un canon de campagne pour chaque 10 verges de façade du Corps canadien, ce qui représente une augmentation moyenne considérable, y compris trois fois celle des canons lourds, par rapport à la répartition de l'artillerie lors de la bataille de la Somme un an plus tôt. Sheffield pp. 191, 194 Le brigadier-général Edward Morrison a élaboré puis publié un plan d'appui-feu en plusieurs phases de 35 pages intitulé Instruction d'artillerie du Corps canadien n° 1 pour la capture de la crête de Vimy afin de soutenir les efforts de l'infanterie. Pour ses opérations, le Corps canadien a reçu trois fois l'artillerie normalement assignée à un corps pour les opérations régulières. Brennan pp. 98-99 Pour gérer la logistique associée à l'augmentation de l'artillerie, l'officier d'état-major de la Royal Artillery, le major Alan Brooke, a élaboré des plans coordonnés de communication et de transport. travailler en conjonction avec les plans de barrage complexes. Une allocation de 1,6 million d'obus a permis à l'artillerie située le long du front du Corps canadien de maintenir une cadence de tir soutenue élevée. Les améliorations de la qualité des obus par rapport à ceux utilisés plus tôt dans la guerre ont permis de réduire le nombre de ratés. Sheffield p. 191 L'introduction de la fusée instantanée n° 106 a grandement amélioré l'efficacité de l'artillerie puisque cette fusée éclatait de manière fiable au moindre contact, contrairement aux anciennes fusées temporisées, ce qui la rendait particulièrement efficace pour couper les barbelés avant l'avancée. Pour maintenir les communications pendant la bataille, en particulier avec l'artillerie, les unités de campagne ont posé plus de 1 400 km de câbles télégraphiques et téléphoniques de campagne, normalement à une profondeur de 7 pieds. De plus, le corps a mené des initiatives coordonnées de contre-batterie avant la bataille. La First Army Field Survey Company a imprimé des cartes de barrage pour toutes les batteries, produit des tableaux d'artillerie et fourni un soutien à la contre-batterie avec ses groupes de repérage flash et ses sections de télémétrie sonore. Utilisant le repérage flash, la télémétrie sonore et la reconnaissance aérienne du 16e Escadron et de la Balloon Company du Royal Flying Corps au cours de la semaine précédant la bataille, l'artillerie de contre-batterie sous le commandement du lieutenant-colonel Andrew McNaughton a tiré 125 900 obus, harcelant environ 83 obus. % des positions de canons allemandes. Entraînement En février 1917, l'état-major britannique a publié une brochure de formation intitulée SS 143 Instructions pour la formation des pelotons en vue d'une action offensive, prônant le retour à l'accent mis avant la guerre sur les tactiques de tir et de mouvement et l'utilisation du peloton comme unité autonome. unité tactique. Le court dépliant soulignait l'importance des sections dédiées aux grenades à main, aux grenades à fusil et aux mitrailleuses pour supprimer les points forts ennemis avec un niveau de tir approprié pour permettre aux autres unités militaires d'avancer. Couplé aux observations et aux suggestions faites par Currie dans le rapport qu'il présenta en janvier 1917 à la suite des conférences de Verdun, le Corps canadien inculqua le changement tactique avec vigueur. Le corps a inculqué la doctrine tactique aux petites unités en attribuant des objectifs jusqu'au niveau du peloton. Les bataillons d'infanterie d'assaut utilisaient les collines derrière les lignes comme représentations grandeur nature du champ de bataille. Des lignes enregistrées délimitaient les lignes de tranchées allemandes tandis que les officiers à cheval portaient des drapeaux pour représenter l'avancée du barrage d'artillerie. Conscients que les hommes occupant des postes de direction risquaient d'être blessés ou tués, les soldats apprirent le travail de ceux qui étaient à leurs côtés et au-dessus d'eux. Au quartier général de la Première Armée britannique, une maquette en pâte à modeler à grande échelle du secteur de Vimy a été construite et utilisée pour montrer aux officiers et sous-officiers supérieurs les caractéristiques topographiques du champ de bataille et les détails du système de tranchées allemand. En outre, plus de 40 000 cartes topographiques des tranchées ont été imprimées et distribuées pour garantir que même les sergents de peloton et les commandants de section aient une plus grande connaissance du champ de bataille. Ces mesures ont donné à chaque peloton une idée plus claire de la façon dont il s'intégrait au plan de bataille global et, ce faisant, ont réduit les problèmes de commandement et de contrôle qui ont tourmenté les combats de la Première Guerre mondiale. Opérations souterraines Le secteur Arras-Vimy était propice au creusement de tunnels en raison du caractère mou, poreux et extrêmement stable du sous-sol crayeux. La guerre clandestine était menée dans le secteur de Vimy depuis 1915. Les ingénieurs bavarois avaient fait sauter vingt mines dans le secteur en mars 1915. Au début de 1916, les mineurs allemands avaient pris l'avantage sur leurs homologues français. À leur arrivée, les compagnies de tunnels britanniques des Royal Engineers ont commencé une offensive minière contre les mineurs allemands, arrêtant d'abord l'avancée souterraine allemande, puis développant une stratégie défensive qui a empêché les Allemands d'obtenir un avantage tactique grâce à leurs activités minières. En 1917, 19 groupes de cratères existaient le long de cette section du front occidental, chacun comportant plusieurs grands cratères. En préparation de l'assaut, les sociétés britanniques de creusement de tunnels ont créé de vastes réseaux souterrains et des fortifications. Douze souterrains, d'une longueur allant jusqu'à 10 m, ont été creusés à une profondeur de 10 m et utilisés pour relier les lignes de réserve aux lignes de front, permettant aux soldats d'avancer vers le front rapidement, en toute sécurité et sans être vus. Les lignes de métro léger, les hôpitaux, les postes de commandement, les réservoirs d'eau, les magasins de munitions, les postes de mortiers et de mitrailleuses et les centres de communication étaient souvent intégrés aux métros. Les Allemands ont creusé un certain nombre de tunnels similaires sur le front de Vimy, pour fournir des routes couvertes vers la ligne de front et protéger le quartier général, le personnel au repos, l'équipement et les munitions. Il s'agissait notamment des tunnels Prinz Arnulf, Volker et Schwaben. Pour protéger certaines troupes en progression des tirs de mitrailleuses allemandes, alors qu'elles traversaient le no man's land pendant l'attaque, huit mines ont été posées à l'extrémité des métros, pour permettre aux troupes de se déplacer plus rapidement et en toute sécurité d'entrer dans le système de tranchées allemand, en créant un cratère allongé profond dans une tranchée qui s'étendait sur toute la longueur du no man's land. Dans le but de détruire certaines fortifications de surface allemandes avant l'assaut, les sociétés britanniques de construction de tunnels ont secrètement déposé 13 grosses charges explosives sous les positions allemandes. Les Allemands ont mené des opérations de lutte contre les tunneliers britanniques et ont détruit un certain nombre de tentatives britanniques visant à poser des mines sous ou à proximité de leurs lignes. Explosion anti-mines allemande ; 35 t ont explosé près du cratère Broadmarsh (créant le groupe de cratères Longfellow) le 23 mars 1917, 45 t ont explosé le 26 mars 1917 près du Pimple Parmi les charges explosives posées par les Britanniques, trois mines ont été tirées avant l'assaut et trois mines et deux spécialisées des charges ont été tirées au début de l'attaque. Pillage de tranchées Les raids de tranchées impliquaient des attaques surprises à petite échelle sur les positions ennemies, souvent au milieu de la nuit pour des raisons de furtivité. Tous les belligérants ont utilisé les raids de tranchées comme tactique pour harceler leur ennemi et obtenir des renseignements. Dans le Corps canadien, les raids de tranchées sont devenus un mécanisme de formation et de renforcement du leadership. La taille d'un raid peut normalement aller de quelques hommes à une compagnie entière, voire plus, selon la taille de la mission. Au cours des quatre mois précédant l'attaque d'avril, le Corps canadien a exécuté pas moins de 55 raids de tranchées distincts. La compétition entre unités s'est même développée, les unités se disputant l'honneur du plus grand nombre de prisonniers capturés ou du plus grand nombre de destructions provoquées. La politique agressive de raids dans les tranchées n’a pas été sans coût. Un raid de tranchées à grande échelle le 13 février 1917, impliquant 900 hommes de la 4e Division canadienne, fit 150 victimes. Un raid de tranchées encore plus ambitieux le 1er mars 1917, encore une fois mené par la 4e Division canadienne, échoua et fit 637 victimes, dont deux commandants de bataillon et un certain nombre de commandants de compagnie tués. Cette expérience n'a pas diminué la mesure dans laquelle le Corps canadien a eu recours aux raids de tranchées, des raids étant menés de nuit entre le 20 mars et le début de l'offensive le 9 avril, entraînant environ 1 400 victimes canadiennes supplémentaires. Les Allemands menèrent une politique de patrouille active et, même s'ils ne furent pas aussi nombreux et ambitieux que ceux du Corps canadien, ils se livrèrent également à des raids dans les tranchées. À titre d'exemple, un raid de tranchées allemand lancé par 79 hommes contre la 3e Division canadienne le 15 mars 1917 réussit à capturer des prisonniers et à causer des dégâts. Bataille dans les airs Le Royal Flying Corps a lancé un effort déterminé pour acquérir la supériorité aérienne sur le champ de bataille à l'appui de l'offensive du printemps. Les Canadiens considéraient que des activités telles que le repérage d'artillerie et la photographie des systèmes de tranchées adverses, des mouvements de troupes et des emplacements de canons étaient essentielles à la poursuite de leur offensive. Le Royal Flying Corps a déployé 25 escadrons totalisant 365 avions le long du secteur d'Arras, dépassant de 2 contre 1 le service aérien de l'armée impériale allemande. Byng a pu utiliser les 2e Escadrons, 8e Escadron (naval), 25e Escadron, 40e Escadron et 43e Escadron, le 16e Escadron étant attaché en permanence au Corps canadien et employé exclusivement à des fins d'observation et de appui d'artillerie. La reconnaissance aérienne était souvent une tâche dangereuse en raison de la nécessité de voler à des vitesses lentes et à basse altitude. La tâche est devenue d'autant plus dangereuse avec l'arrivée d'escadrons volants allemands supplémentaires, notamment le Jasta 11 très expérimenté et bien équipé de Manfred von Richthofen, ce qui a entraîné une forte augmentation des pertes du Royal Flying Corps. Bien que nettement plus nombreux que les Allemands, le Royal Flying Corps a perdu 131 avions au cours de la seule première semaine d'avril. Malgré les pertes subies par le Royal Flying Corps, le service aérien de l'armée impériale allemande n'a pas réussi à empêcher le Royal Flying Corps de réaliser son objectif premier, à savoir le soutien continu de l'armée tout au long de l'offensive d'Arras avec des photographies aériennes et des photos aériennes à jour. informations de reconnaissance. Bataille Belligérants Le commandant de la Sixième armée allemande, le général Ludwig von Falkenhausen, était responsable du secteur Cambrai-Lille et commandait 20 divisions, ainsi que des réserves. La crête de Vimy elle-même était principalement défendue par la formation ad hoc basée sous le commandant du I Corps de réserve bavarois, le général der Infanterie Karl von Fasbender. Cependant, une division de , sous les ordres du général d'infanterie du VIIIe corps de réserve Georg Karl Wichura, était impliquée dans la défense de la ligne de front le long de la partie la plus au nord de la crête. Trois divisions étaient en fin de compte chargées d'assurer les défenses de première ligne face au Corps canadien. La 16e division d'infanterie bavaroise était située en face de la ville de Souchez et était chargée de la défense de la partie la plus septentrionale de la crête. La division fut créée en janvier 1917 par la fusion de formations bavaroises existantes et ne s'était jusqu'à présent opposée qu'au Corps canadien. La 79e Division de réserve était chargée de la défense de la vaste section centrale incluant le point culminant de la crête, la cote 145. La 79e Division de réserve combattit pendant deux ans sur le front de l'Est avant d'être transférée dans le secteur de Vimy à la fin de février 1917. La 1ère Division de réserve bavaroise était présente dans la région d'Arras depuis octobre 1914 et tenait les villes de Thélus, Bailleul et le versant sud de la crête. Byng commandait quatre divisions d'attaque, une division de réserve et de nombreuses unités de soutien. Il était soutenu au nord par la 24e division britannique du I Corps, qui avançait au nord de la rivière Souchez et par l'avancée du XVIIe Corps au sud. La 4e Division canadienne était responsable de la partie nord de l'avancée qui comprenait la capture du point culminant de la crête, suivi du Pimple, fortement défendu, juste à l'ouest de la ville de Givenchy-en-Gohelle. La 3e Division canadienne était responsable de l'étroite section centrale de la crête, y compris la prise de la ferme La Folie. La 2e Division canadienne, qui comprenait plus tard une brigade supplémentaire de la 5e Division britannique, se trouvait directement au sud de la 3e Division canadienne et était chargée de la prise de la ville de Thélus. La 1re Division canadienne était responsable du vaste secteur sud de l'avancée du corps et s'attendait à réaliser la plus grande avance en termes de distance. Byng prévoyait une réserve saine pour les imprévus, notamment le relèvement des troupes avancées, l'aide à la consolidation des positions et l'aide à la 4e Division canadienne dans la capture de Pimple. En conséquence, la 9e Brigade canadienne, la 15e Brigade britannique et la 95e Brigade britannique sont restées dans la réserve au niveau du corps. Attaque préliminaire La collecte de renseignements étrangers allemands, les raids de tranchées alliés à grande échelle et les concentrations de troupes observées à l'ouest d'Arras ont clairement fait comprendre aux Allemands qu'une offensive de printemps près d'Arras était en préparation. En février 1917, un soldat canadien d'origine allemande déserta du côté allemand et contribua à confirmer bon nombre des soupçons des Allemands, leur fournissant ainsi de nombreuses informations utiles. En mars 1917, les forces allemandes savaient qu'une attaque majeure était imminente et comprendrait des opérations visant à capturer la crête de Vimy. Le général d'infanterie Ernst August Marx von Bachmeister, commandant la 79e division de réserve allemande, a rapporté à la fin mars qu'il croyait que le Corps canadien se dirigeait vers une formation échelonnée et se préparait à une attaque majeure. Les Allemands ont rapidement élaboré des plans pour lancer une opération préventive, suivant l'adage selon lequel la meilleure défense est une bonne attaque, avec l'intention de capturer la partie nord de la vallée du Zouave, le long de la partie la plus septentrionale du front canadien. L'attaque portait le nom de code Opération Munich. Les tirs d'artillerie du Corps lourd canadien ont finalement empêché les Allemands d'exécuter leur attaque préventive. La phase préliminaire du bombardement d'artillerie du Corps canadien débuta le 20 mars 1917, avec un bombardement systématique pendant deux semaines des batteries, tranchées et points forts allemands. Le Corps canadien accorda une attention particulière à l'élimination des barbelés allemands, une tâche facilitée par l'introduction du détonateur instantané no 106. De plus, seule la moitié de l'artillerie disponible a été engagée à un moment donné, l'intensité du barrage variant expressément de manière à semer la confusion chez les Allemands et à préserver un certain niveau de secret. La deuxième phase a duré toute la semaine commençant le 2 avril 1917 et a utilisé tout l'arsenal d'artillerie à la disposition du Corps canadien, massant l'équivalent d'un canon lourd tous les 20 mètres et d'un canon de campagne tous les 10 mètres. Les soldats allemands en sont venus à qualifier la semaine précédant l'attaque de « semaine de souffrance ». Nicholson p. 251 D'après les propres dires des Allemands, leurs tranchées et leurs ouvrages défensifs furent presque entièrement démolis. De plus, la santé et le moral des Allemands souffraient du stress dû au fait de rester prêts pendant onze jours consécutifs sous des bombardements d'artillerie extrêmement intenses. Aux difficultés allemandes s'ajoutait l'incapacité des équipes de rationnement à apporter des vivres aux lignes de front. Le 3 avril, le général von Falkenhausen ordonna à ses divisions de réserve de se préparer à relever les divisions de première ligne au cours d'une longue bataille défensive, d'une manière similaire à la bataille de la Somme. Cependant, les divisions étaient maintenues à 24 km du champ de bataille pour éviter d'être bombardées. Godefroy (2007a) p. 231 Assaut principal 9 avril L'attaque devait commencer à 5 h 30 le lundi de Pâques 9 avril 1917. L'attaque était initialement prévue pour le matin du 8 avril (dimanche de Pâques), mais elle fut reportée de 24 heures à la demande des Français. Aux heures tardives du 8 avril et tôt le matin du 9 avril, les hommes de la vague de tête et de soutien de l'attaque ont été déplacés vers leurs positions de rassemblement avancées. Le temps était froid et s'est ensuite transformé en grésil et en neige. Bien que physiquement inconfortable pour tout le monde, la tempête du nord-ouest a fourni un certain avantage aux troupes d'assaut en projetant de la neige au visage des troupes en défense. Les bombardements légers de l'artillerie canadienne et britannique se sont poursuivis toute la nuit précédente, mais se sont arrêtés quelques minutes avant l'attaque, alors que l'artillerie recalibrait ses canons en vue du barrage synchronisé. À 5 h 30 exactement, toutes les pièces d'artillerie à la disposition du Corps canadien commencent à tirer. Trente secondes plus tard, les ingénieurs ont fait exploser les charges de mines placées sous le no man's land et la ligne de tranchées allemandes, détruisant un certain nombre de points forts allemands et créant des tranchées de communication sécurisées directement à travers le no man's land. Les canons de campagne légers déployaient un barrage qui avançait par incréments prédéterminés, souvent de 91 m toutes les trois minutes, tandis que les obusiers moyens et lourds établissaient une série de barrages permanents plus en avant, contre les systèmes défensifs connus. Au cours des premiers combats, les artilleries divisionnaires allemandes, malgré de lourdes pertes, purent maintenir leur tir défensif. Au fur et à mesure que l'assaut canadien avançait, il a dépassé de nombreux canons allemands parce qu'il n'y avait aucun moyen de les déplacer vers l'arrière en raison de la plupart des chevaux tués lors de l'attaque initiale au gaz. Les 1re, 2e et 3e divisions canadiennes ont déclaré avoir atteint et capturé leur premier objectif, la Ligne noire, à 6 h 25. La 4e Division canadienne rencontra beaucoup de difficultés lors de son avance et ne put atteindre son premier objectif que quelques heures plus tard. Après une pause planifiée, lorsque les 1re, 2e et 3e Divisions canadiennes consolidèrent leurs positions, l'avancée reprit. Peu après 7 heures du matin, la 1re Division canadienne s'empare de la moitié gauche de son deuxième objectif, la Ligne rouge, et fait avancer la 1re Brigade canadienne pour lancer une attaque sur le reste. La 2e Division canadienne rapporte avoir atteint la Ligne rouge et capturé la ville des Tilleuls à peu près au même moment. L'explosion d'une mine qui tua de nombreux soldats allemands du 262e Régiment d'infanterie de réserve qui occupait la ligne de front précéda l'avancée de la 3e Division canadienne. Les troupes allemandes restantes ne pouvaient faire que d'occuper des lignes de résistance temporaires jusqu'à ce qu'elles assurent plus tard une défense complète sur la troisième ligne allemande. Ainsi, la section sud de la 3e Division canadienne a pu atteindre la Ligne Rouge à la limite ouest du Bois de la Folie vers 7h30. À 9 heures du matin, la division apprit que son flanc gauche était exposé, car la 4e Division canadienne n'avait pas encore capturé la colline 145. La 3e Division canadienne fut donc appelée à établir un flanc défensif divisionnaire au nord. Bien que les commandants allemands aient été capables de maintenir des lignes de communication ouvertes et de donner des ordres d'opération, même avec un travail d'état-major rapide, le rythme de l'assaut était tel que le cycle de décision allemand était incapable de réagir de manière décisive. La seule partie de l'assaut canadien qui ne s'est pas déroulée comme prévu a été l'avancée de la 4e Division canadienne, qui s'est effondrée presque immédiatement après avoir quitté ses tranchées. Le commandant de l'un des bataillons d'assaut a demandé à l'artillerie de laisser une partie de la tranchée allemande intacte. Des nids de mitrailleuses dans les sections intactes de la ligne allemande ont coincé, blessé ou tué une grande partie du flanc droit de la 4e Division canadienne. La progression sur le flanc gauche a finalement été entravée par les tirs harcelants du Pimple, qui ont été aggravés lorsque le barrage rampant s'est trop éloigné des troupes qui avançaient. Nicholson pp. 259-260 Compte tenu de la défense allemande, la 4e Division canadienne a fait pas tenter un nouvel assaut frontal tout au long de l'après-midi. Les unités de réserve de la 4e Division canadienne s'avancèrent et attaquèrent une fois de plus les positions allemandes au sommet de la crête. Des attaques persistantes ont finalement forcé les troupes allemandes à tenir la partie sud-ouest de la colline 145. La colline 145 est le site de l'actuel Mémorial de Vimy. de se retirer, mais seulement après avoir été à court de munitions, d'obus de mortier et de grenades. Vers midi, la 79e division de réserve reçut l'ordre de reprendre les portions de sa troisième ligne perdues lors de la progression de l'attaque canadienne. Cependant, ce n'est qu'à 18 heures que la force a pu s'organiser et contre-attaquer, éliminant les troupes du Corps canadien du village en ruine de Vimy, mais ne reprenant pas la troisième ligne au sud du village. La nuit, les forces allemandes qui tenaient le sommet de la crête pensaient entre-temps avoir surmonté la crise immédiate. Des renforts allemands supplémentaires ont commencé à arriver et, en fin de soirée, des parties de la 111e Division d'infanterie ont été occupées.

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De quelle couleur est le chapeau de « Mr Man » Mr Strong ?

Vert

M. Men est une série de 49 livres pour enfants de l'auteur britannique Roger Hargreaves commençant en 1971. À partir de 1981, une série d'accompagnement de 42 livres Little Miss du même auteur, mais avec des personnages féminins, a été publiée. Après la mort de Hargreaves en 1988, son fils Adam Hargreaves a commencé à écrire et à illustrer de nouvelles histoires comme M. Good et M. Cool. Chaque livre de la série originale Mr. Men and Little Miss a présenté un personnage principal différent et sa personnalité dominante unique pour transmettre une simple leçon de morale. Les personnages de Mr. Men et Little Miss réapparaissent fréquemment dans les livres d'autres personnages. En 2015, un total de 85 personnages de M. Men et Little Miss avaient été présentés dans des séries. Les histoires simples des livres, avec des illustrations aux couleurs vives et audacieusement dessinées, les ont rendus très populaires, avec des ventes de plus de 100 millions d'exemplaires dans le monde dans 28 pays. Histoire Roger Hargreaves Les six premiers livres de Mr. Men ont été publiés au Royaume-Uni en 1971, au prix de 20 pence chacun. M. Tickle était le premier personnage de M. Men créé par Hargreaves, inspiré par son fils, Adam, qui lui avait demandé à quoi ressemblait un chatouillement. Hargreaves a répondu avec une silhouette ronde et orange avec de longs bras flexibles. Au cours des années 1970, Roger Hargreaves a produit 38 autres Mr Men en plus de Mr Tickle, ainsi qu'un certain nombre d'autres livres Mr Men. Dans les années 1980, Roger Hargreaves a commencé la série Little Miss avec « Little Miss Bossy » et a produit 21 personnages et livres. En plus de cela, deux histoires spéciales de Mr Men ont été créées en 1985, « Mr Nobody » et « Mr Christmas ». Les deux ont été réédités au cours des années suivantes. Roger Hargreaves est décédé en 1988 et son fils Adam devait reprendre la franchise. Français Mr Men et Little Miss En France, Colette David (artiste), Viviane Cohen et Evelyne Lallemand (écrivains) ont produit plusieurs nouveaux personnages. Les personnages « Mr Crosspatch », « Mr No », « Little Miss Yes », « Little Miss All-Goes-Well », « Little Miss Loud », « Little Miss Careful », « Little Miss Brilliant », « Little Miss Flirt » ', 'Little Miss Pain-in-the-neck' et 'Little Miss Prim' ne sont sortis qu'en France alors que quatre personnages de Mr Men et neuf personnages de Little Miss ont également été publiés en anglais et peuvent être vus ci-dessous comme étant sortis en 1990. . Adam Hargreaves Après la mort de son père, Adam Hargreaves a repris le Mr Men. Un concours a été organisé dans le journal britannique Sunday Times pour que les enfants soumettent leur propre personnage de Mr. Men à inclure dans une édition limitée célébrant le 30e anniversaire de la série. M. Cheeky, soumis par Gemma Almond, alors âgée de huit ans, a été sélectionné comme candidature gagnante. La création de Gemma a conduit à la publication d'un livre mettant en vedette son personnage ; il n'était vendu que dans les succursales W H Smith, une partie des bénéfices étant reversée à un organisme de bienfaisance venant en aide aux enfants atteints de leucémie. En 2003, Adam a créé trois nouveaux personnages de Mr Men et trois nouveaux personnages de Little Miss. Il a également créé « Little Miss Christmas » pour accompagner « Mr Christmas » après la réédition de ce livre avec de nouvelles illustrations. En avril 2004, la veuve de Hargreaves, Christine, a vendu les droits des personnages de M. Men et Little Miss au groupe de divertissement britannique Chorion pour 28 millions de livres sterling. En 2006, pour célébrer les 35 ans de Mr. Men et les 25 ans de Little Miss, Mr. Birthday et Little Miss Birthday ont été publiés. Il y avait également une exposition d’art à l’Animation Art Gallery au centre de Londres. En octobre 2006, Adam Hargreaves a créé le premier personnage de Little Miss basé sur une personne réelle, Stella McCartney, qu'il a baptisée Little Miss Stella. Celui-ci a été publié en édition limitée à 1 000 exemplaires destinés à être utilisés comme invitations aux défilés de mode. En février 2011, 20th Century Fox et 21 Laps Entertainment ont annoncé leur intention de réaliser un film d'animation. En 2011, Sanrio, la société de design japonaise mieux connue pour être la créatrice de Hello Kitty, a annoncé avoir conclu un accord pour acquérir les droits des personnages Mr. Men et Little Miss de Chorion. C'était la première fois que Sanrio accordait une licence à un personnage tiers depuis qu'il détenait les droits sur le personnage Unico d'Osamu Tezuka à la fin des années 1970 et au début des années 1980, qui ont été restitués à Tezuka Productions après la mort de Tezuka en 1989. En 2016, quatre nouveaux personnages seront lancés pour célébrer le 45ème anniversaire de la série. M. Marvellous, M. Aventurier, Little Miss Fabulous et Little Miss Sparkle. Par ailleurs plusieurs personnages commerciaux ont été lancés tels que Mr Try et Little Miss Unbelievable pour Uniqlo, Mr et Little Miss Gap pour GAP et Mr Quiffy. Format Chaque livre contient une page de titre, 16 à 18 pages de texte et 15 à 17 illustrations en couleurs dessinées au marqueur magique. .] Récupéré le 25 mai 2015 Là où le nom du personnage du titre Mr. Men est trop long pour tenir horizontalement sur la couverture, au lieu d'être dans une taille de police réduite, il s'incurve à la fin. La police de caractères des livres originaux de Little Miss Bossy à Little Miss Star est Univers, les livres de Little Miss Busy à Little Miss Somersault utilisant Helvetica. Tous les autres livres de la série utilisent Optima. Les livres sont de poche et mesurent 14 cm x 12,6 cm. Si tous les livres de chaque série sont rassemblés dans l'ordre, les mots « Bibliothèque My Mr. Men » ou « My Little Miss Library » peuvent être lus sur le dos et une illustration de Walter le ver (M. Men) ou d'une fleur ( Petite Miss) peut être vu. Paramètre Les histoires se déroulent dans un univers fictif appelé "Misterland", habité par les Monsieurs et les Petites Miss elles-mêmes, ainsi que par des personnages humains ordinaires tels que des commerçants, des médecins et des facteurs. Il y a aussi divers animaux et Walter le ver apparaît fréquemment. [http://childrensbooksguide.com/mr-men Guide du livre pour enfants – Mr Men]. Récupéré le 26 mai 2015. Les personnages sont humains dans leurs comportements et leurs attributs. Gamme de produits Il y a 80 titulaires de licence qui vendent les produits Mr. Men et Little Miss, notamment : Liste des livres Ce qui suit est une liste des titres de livres avec l'année de première publication et les ISBN associés indiqués entre parenthèses. Il existe de nombreux autres titres publiés sous forme de traductions, notamment des ouvrages en mandarin, français, espagnol, néerlandais, grec, islandais, hébreu, allemand, portugais, irlandais et autres. Série "M. Men" Série "Petite Mademoiselle" Éditions spéciales M. Men (Célébrations) Nouvelle bibliothèque « M. Men » * M. Bump perd la mémoire (2006, ISBN 1-84422-986-6) * M. Funny bouleverse M. Fussy (2006, ISBN 1-84422-987-4) * M. Greedy est utilement lourd (2006, ISBN 1-84422-988-2) * M. Happy trouve un passe-temps (2006, ISBN 1-84422-984-X) * M. Mischief, un endroit problématique (2006, ISBN 1-84422-992-0) * M. Messy Messing About in the Snow (2006, ISBN 1-84422-993-9) * M. Nosy et la grande surprise (2006, ISBN 1-84422-991-2) * M. Silly fait rire (2006, ISBN 1-84422-985-8) * M. Small, une grande journée (2006, ISBN 1-84422-962-9) * M. Strong et le déluge (2006, ISBN 1-84422-989-0) * M. Tickle in a Tangle (2006, ISBN 1-84422-983-1) * M. Topsy-Turvy the Round Way Wrong (2006, ISBN 1-84422-990-4) "Petite Miss" Nouvelle Bibliothèque * Petite Miss Bossy et le mot magique (2006, ISBN 1-84422-966-1) * Petite Miss Contraire Tout dans une confusion (2006, ISBN 1-84422-973-4) * Little Miss Dotty passe une journée à Dotty (2006, ISBN 1-84422-969-6) * Petite Miss Utile et la Maison Verte (mars 2006, ISBN 1-84422-970-X) * Little Miss Naughty Worries Mr. Worry (2006, ISBN 1-84422-968-8) * Little Miss Neat et la dernière feuille (2006, ISBN 1-84422-967-X) * Little Miss Scatterbrain part pour le soleil (2006, ISBN 1-84422-965-3) * Little Miss Splendid et la maison avec vue (2006, ISBN 1-84422-971-8) * Petite Miss têtue et les mauvais conseils (2006, ISBN 1-84422-972-6) * Little Miss Sunshine garde son sourire (2006, ISBN 1-84422-963-7) * Little Miss Tiny Juste la bonne taille (2006, ISBN 1-84422-974-2) * Little Miss Trouble Déménagement (2006, ISBN 1-84422-964-5) Éditions promotionnelles (gratuites avec le shampoing L'Oréal Kids) * M. Daydream et le Big Splash (2003, ISBN 1-4052-0661-6) * Little Miss Sunshine et la journée des cheveux splendides (2003, ISBN 0-7498-5553-3) * Little Miss Chatterbox et la fraise éclatée (2003, ISBN 1-4052-0662-4) Série "Soyez mon" * Soyez ma petite Miss Sunshine * Soyez mon monsieur heureux Petite chouette Ces histoires ont été publiées sous le titre Little Owl Storytime – The Children's Choice. * Que se passe-t-il (par M. Nosey) (1985, ISBN 0-7498-0099-2) * Moi et mon ventre (par M. Greedy) (1985, ISBN 0-7498-0100-X) * Je ne peux pas m'en empêcher (par M. Tickle) (1985, ISBN 0-7498-0102-6) * Bump Saturday (Par M. Bump) (1985, ISBN 0-7498-0101-8) * Je ne suis que petit (par M. Small) (1985) Livres de mots * M. Chatouiller dans le parc (1979) * M. Greedy fait du shopping (1979) * M. Heureux au bord de la mer (1979) * M. Silly à la ferme (1979) * M. Strong à la rescousse (1980) * M. Muddle va à l'école (1980) * M. Funny au Cirque (1980) * M. Nosy suit son nez (1980) Livres à cordes * M. Clever : L'Anneau Impossible (1986) * M. Nosey : suivez cette piste (1986) * M. Strong : Tir à la corde (1986) Guides * Le guide du bricolage de M. Bump (2000, ISBN 0-7498-4892-8) * Guide de remise en forme de M. Lazy (2000, ISBN 0-7498-4891-X) * Guide de gestion de M. Mean (2000, ISBN 0-7498-4893-6) * Guide des messages texte de Little Miss Chatterbox (2001, ISBN 0-7497-4791-9) * Guide de l'amour de Little Miss Naughty (2001, ISBN 0-7497-4792-7) * Guide des hommes de Little Miss Trouble (2002, ISBN 1-4052-0191-6) * Guide des potins de Little Miss Chatterbox (2003, ISBN 1-4052-0754-X) * Guide alimentaire de M. Greedy * Guide de la vie étudiante de M. Messy * Guide des femmes de M. Tickle (2002, ISBN 1-4052-0192-4) Des gros morceaux * Les trucs coquins de Little Miss Naughty (2001, ISBN 0-7498-4771-9) * Le Smiley Day de M. Happy (2001, ISBN 0-7498-4579-1) Série "Commencer à" * Mr. Men : Start to Read, publié le 5 juillet 2004, ISBN 0-603-56130-6 * Mr. Men : Start to Write, publié le 5 juillet 2004, ISBN 0-603-56139-X. Livres cartonnés * Mon livre cartonné Mr. Funny (2001, ISBN 0-603-56022-9) * Mon livre cartonné M. Greedy : M. Men (2001, ISBN 0-603-56026-1) * Mon livre cartonné Mr. Happy : Mr. Men (2001, ISBN 0-603-56025-3) * Mon livre cartonné M. Nosy : M. Men (2001, ISBN 0-603-56024-5) Divers * Mr. Men & Little Miss : Livre d'activités pare-chocs (2002, ISBN 0-7214-8439-5) * Mr. Men & Little Miss : Livre de coloriage (2002, ISBN 0-7214-8436-0) * M. Men & Little Miss : Fun & Games (2002, ISBN 0-7214-8440-9) * M. Men & Little Miss : dictionnaire d'images * Mr. Men & Little Miss : Livre d'activités au pochoir * Mr. Men & Little Miss : Les aventures de M. Tickle * Trésor de l'histoire de M. Men Série télévisée originale Les personnages de M. Men ont été adaptés en deux séries télévisées d'animation en 1974 comprenant un total de 28 épisodes. Ils ont été produits par la société de Terry Ward, Flicks Films (anciennement connue sous le nom de 101 Film Productions) en partenariat avec Trevor Bond[http://www.animatormag.com/archive/issue-13/issue-13-page-15/ Flicks Films chez Animatormag]. Récupéré le 27 juillet 2013 et diffusé par la BBC. Les voix et la narration ont été fournies par Arthur Lowe, mieux connu pour son rôle de capitaine Mainwaring dans la sitcom Dad's Army, qui a utilisé des accents régionaux pour certains personnages. Le thème musical a été composé par Tony Hymas. [http://www.tonyhymas.com/biog.htm Biographie de Tony Hymas]. Récupéré le 28 juillet 2013 Les 28 épisodes étaient : En 1983, une autre série mettant en vedette les personnages de Little Miss a été produite par Flicks Films. Ceci a été raconté par le mari et la femme John Alderton et Pauline Collins. Les 13 épisodes de Little Miss étaient : Une autre série, Mr. Men and Little Miss, a été produite par Marina Productions en 1995 et diffusée à la télévision de 1995 à 1997 ; ces histoires ont été racontées par Geoffrey Palmer et diffusées sur Nick Jr et Milkshake ! de Channel 5. En 2006, Renegade Animation a produit une série, The Mr. Men Show, une nouvelle série d'animation américaine qui a fait ses débuts sur Cartoon Network (États-Unis) et sur Milkshake de Channel 5 ! (Royaume-Uni) en février 2008. Il n'y avait que 25 personnages présentés dans la première saison, et la plupart ont vu leur nom ou leur apparence modifié. Le Mr. Men Show a été écrit et produit par Eryk Casemiro et Kate Boutilier, et réalisé par Mark Risley. L'équipe créative était un effort combiné du personnel de Nickelodeon's Razmoket, The Wild Thornberrys et As Told by Ginger. La narration d'ouverture et de clôture a été exprimée par l'acteur Simon Callow dans la version britannique et Joseph J. Terry dans la version américaine. Sorties vidéo et DVD au Royaume-Uni * Abbey Home Media (1991-1994, 2016-présent) * Divertissement à domicile de la 20th Century Fox (1995-2001) * Delta Divertissement (2003-2015) * Sony Pictures Divertissement (2008-2009) Film En février 2011, il a été rapporté que 20th Century Fox Animation produirait un long métrage d'animation basé sur la série de livres Mr. Men, avec Shawn Levy et sa société 21 Laps Entertainment produisant le film. Le 27 janvier 2015, 20th Century Fox Animation a annoncé avoir acquis les droits cinématographiques des personnages de Mr. Men Little Miss et que Levy produirait le film.

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Quel était le nom de la voiture de Penelope Pitstop dans la série télévisée pour enfants « Wacky Races » ?

Compact Pussycat

Wacky Races est une série télévisée d'animation américaine produite par Hanna-Barbera Productions et Heatter-Quigley Productions. La série a peut-être été inspirée par la comédie burlesque de 1965 La Grande Course, chaque pilote espérant remporter le titre de « Course le plus farfelu du monde ». Le dessin animé comptait un grand nombre de personnages réguliers, avec 23 personnes et animaux répartis parmi les 11 voitures de course. L'émission a été diffusée sur CBS du 14 septembre 1968 au 4 janvier 1969. 17 épisodes ont été produits, chaque épisode présentant deux courses différentes. Arrière-plan L'un des plans inutilisés pour la série était que les courses feraient partie d'un quiz en direct réalisé par Merrill Heatter et Bob Quigley Productions dans lequel les concurrents parieraient sur quel Wacky Racer franchirait la ligne d'arrivée en premier. Bien que le concept du jeu télévisé ait finalement été abandonné, la série a conservé un double crédit de production Hanna-Barbera/Heatter-Quigley. Comme l'arrière-catalogue d'Orion de la période de coentreprise 1978-1982 et certains films post-1982, c'est l'une des rares séries Heatter-Quigley qui n'appartient pas actuellement à la filiale de Metro-Goldwyn-Mayer, Orion Pictures Corporation, depuis le 11 septembre 2014. En 1988 , un téléfilm, Autour du monde avec les Wacky Racers, était prévu dans le cadre de la série de téléfilms Hanna-Barbera Superstars 10, mais il n'a jamais dépassé le stade du concept. Personnages et véhicules Dick Dastardly et Muttley dans la Mean Machine #00 (The Double Zero) Les méchants (et aussi les stars) de la série, dans une voiture violette propulsée par une fusée avec une abondance d'armes dissimulées et la capacité de voler. Dastardly (exprimé par Paul Winchell, d'une manière que Winchell utilisera plusieurs années plus tard pour représenter l'ennemi juré des Schtroumpfs, Gargamel) est un archétype du méchant virevoltant la moustache ; Muttley (exprimé par Don Messick) est son homme de main anthropomorphe et ricanant, sa marque de fabrique. La stratégie de course habituelle de Dastardly consiste à utiliser la grande vitesse de Mean Machine pour devancer les autres coureurs, puis à tendre un piège pour les arrêter et maintenir la tête, mais la plupart de ses plans se retournent contre lui, le faisant retomber à la dernière place. Parfois, il était tellement en avance que s'il avait continué sans essayer de tricher ou d'arrêter les autres coureurs, il aurait sûrement gagné cette course en particulier. La voiture-fusée de Dastardly était sans doute la voiture la plus rapide de la série, comme en témoignent les zooms répétés de Dastardly vers une avance étonnante de loin derrière. Dastardly n'a jamais vu la victoire, mais s'en est approché au moins trois fois : une fois lorsqu'il a franchi la ligne d'arrivée en premier, et cela est vu dans les images originales et officielles, mais une rediffusion falsifiée visionnée par les juges l'a montré en train de tricher, et une autre fois lorsque il se battait avec trois autres voitures pour terminer premier, mais il s'est arrêté pour poser pour la photo finish. Il a également failli remporter une autre course, mais il s'est à nouveau arrêté, cette fois pour signer un autographe à Muttley. Dastardly n’a même jamais officiellement terminé parmi les trois premiers. En fait, il n'a franchi la ligne d'arrivée que cinq fois : deux fois à la dernière place, une fois à la cinquième place (en battant l'Army Surplus Special), une fois à la quatrième place. À la quatrième place, il a semblé gagner, mais une bande vidéo falsifiée en rediffusion instantanée montre la voiture Double Zero apparemment en train d'utiliser un dispositif pour étirer le nez du véhicule, ce qui a permis à Penelope Pitstop d'être déclarée vainqueur par les juges de course. C'est étrange, cependant, car dans une autre course, Rufus Ruffcut a utilisé une tactique similaire et a été considéré comme un vainqueur, même si la distinction pourrait être que Rufus a en fait étendu son propre cou à un degré ridicule, tandis que Dastardly a étendu son véhicule. Quoi qu'il en soit, cela est souvent considéré comme soit une erreur de la série, soit que les juges se sont délibérément prononcés contre Dastardly pour s'assurer qu'il n'obtienne pas de victoire. Dans les temps modernes, il est désormais possible de mettre en pause les images originales et de constater que le cône avant n’a pas été initialement étendu. Cependant, dans la "relecture instantanée", il montre le cône de nez s'étendant, ce qui amène certains fans de la série à croire que les juges se sont entendus pour créer un correctif. Il est parfois déjoué par la ligne d'arrivée elle-même, où il fait un sprint à la fin pour prendre la tête, mais tout en ricanant et en regardant derrière lui les autres concurrents, il ne remarque pas que les pièces dépassant de la Mean Machine (souvent des voiles ou des fusées) ) sont trop gros pour passer sous la bannière d'arrivée et il s'écrase ensuite dessus. Il semble souvent que si Dastardly n’avait pas pris la peine de tricher, il aurait pu gagner équitablement. En goûtant la défaite, Dastardly prononçait ses slogans, "Drat !!! Drat !!! Et Double Drat !!!", "Triple Drat!" et même "Des malédictions encore déjouées !" Ceci est souvent suivi du ricanement de Muttley. Son autre slogan principal était "Muttley, fais quelque chose!" Les Slag Brothers dans le Boulder Mobile #1 Rock and Gravel Slag (exprimé par Daws Butler et Don Messick) sont des hommes des cavernes conduisant un rocher à roues. Ils sont presque entièrement couverts de poils sauvages et négligés et communiquent principalement par des grognements et des phrases marmonnées entrecoupées. Si jamais leur voiture est détruite, les Slag Brothers la reconstruiront généralement à partir de zéro simplement en utilisant leurs gourdins sur n'importe quel gros rocher qu'ils peuvent trouver. Les Slag Brothers peuvent également invoquer un Ptéranodon pour les aider. Ils accélèrent en heurtant la voiture (ou parfois les uns les autres) avec leurs gourdins. Ils attaqueront parfois directement les autres conducteurs avec leurs massues ou en leur lançant des pierres. La conception des personnages des Slag Brothers a été réutilisée pour Captain Caveman. Le duo horrible dans le Creepy Coupe #2 Big Gruesome (un énorme personnage humanoïde vacillant exprimé par Daws Butler imitant Boris Karloff) et Little Gruesome (un vampire à la peau violette exprimé par Don Messick imitant Peter Lorre) sont des monstres conduisant une voiture ressemblant à un corbillard avec un beffroi victorien au toit mansardé, qui abrite un dragon, des fantômes, des serpents, des sorcières et d'autres personnages sur le thème de l'horreur ainsi que des nuages ​​d'orage. Les Gruesomes peuvent invoquer ces créatures pour les aider dans la course ou pour repousser les autres pilotes ; surtout le dragon, qui est pratiquement le troisième membre de l'équipe. Les Gruesome Twosome sont assez enclins aux jeux déloyaux et utilisent leur gamme de créatures pour effrayer ou saboter d'autres concurrents, Little Gruesome agissant comme le cerveau du duo tandis que Big Gruesome agit comme le muscle. Cependant, ils ne sont pas dénués d'un sens de la décence, car ils ont autrefois utilisé leur pouvoir de serpent de mer pour aider les autres coureurs à traverser une étendue d'eau après que Dastardly ait détruit le pont. Professeur Pat en attente dans Convert-a-Car #3 Un scientifique (exprimé par Don Messick) dans une voiture en forme de bateau ressemblant à un avion qui peut se transformer en à peu près tout ce qui bouge, des véhicules banals (comme une moto ou un hélicoptère) aux plus étranges (comme une boule de bowling géante ou un ressort hélicoïdal massif). Il utilise souvent la multitude de gadgets de sa voiture pour aider les autres conducteurs s'ils sont tous pris dans le même piège. Son nom allitératif est un jeu de mots sur l'expression « brevet en instance ». La plupart de ses gadgets semblent être défensifs par opposition aux dispositifs offensifs de Dastardly ; en effet, on peut affirmer qu'il est l'ennemi juré de Dastardly. Le Red Max dans le Crimson Haybaler #4 Un as de l'air (exprimé par Daws Butler) dont le nom est une combinaison du Red Baron et du Blue Max, dans un hybride voiture/avion capable d'un vol limité, généralement juste assez pour sauter par-dessus les coureurs ou les obstacles sur son chemin. Le Haybaler est équipé d'une mitrailleuse montée qui est utilisée sporadiquement. La mitrailleuse peut tirer des balles, du poivre et d'autres substances. Les transformations du Haybaler d'avion en voiture semblent avoir considérablement affaibli sa capacité de vol, et Max doit souvent renflouer lorsque le Haybaler tombe en panne. Le caractère et le nom de son véhicule sont en partie dérivés des cascadeurs des années 1920. Penelope Pitstop dans le Compact Pussycat #5 Penelope Pitstop (exprimée par Janet Waldo) est la seule femme parmi les Wacky Racers. C'est une belle stéréotypée du Sud vêtue d'un costume de course des années 1930. La Compact Pussycat est une voiture de sport coupé cabriolet rose sophistiquée équipée de toutes sortes de produits de beauté pour filles – en fait, un salon de beauté sur roues. Penelope prend souvent du temps pendant la course pour conserver son apparence, ce qui fait perdre du terrain aux autres coureurs en cas de dysfonctionnement de ses gadgets. Les coureurs masculins sont très chevaleresques envers elle et attaquent rarement sa voiture, lui permettant même parfois de les dépasser. Le pilote de Turbo Terrific, Peter Perfect, l'aime particulièrement, l'appelant fréquemment "Pretty Penny". Penelope avait également son propre spin-off de dessin animé, The Perils of Penelope Pitstop, qui mettait également en vedette Ant Hill Mob. Le sergent Blast et le soldat Meekly dans le spécial excédentaire de l'armée #6 Deux soldats, l'un un sergent (exprimé par Daws Butler) et l'autre un soldat (exprimé par Paul Winchell), courent dans un hybride char/jeep de l'armée avec une petite roue de rouleau compresseur fixée à l'avant. L'Army Surplus Special utilise ses installations de char pendant la course, y compris son canon, qui peut tourner vers l'avant ou vers l'arrière, et la trappe, où monte le sergent Blast. Le Surplus Special est équipé d'une réserve de mines terrestres et de propulseurs montés à l'arrière. Le Surplus Special est capable de tirer avec son arme vers l'arrière pour se propulser vers l'avant et obtenir une vitesse supplémentaire. Comme leurs noms l'indiquent, le soldat Meekly est très doux et suit simplement les ordres sans poser de questions, tandis que le sergent Blast « fait exploser » les ordres avec une voix stéréotypée de sergent instructeur. La foule de Ant Hill dans la bombe pare-balles #7 La Bulletproof Bomb (parfois appelée « Roaring Plenties ») est une berline de style limousine des années 1920, conduite par « The Ant Hill Mob » - un groupe de sept truands de la taille d'une pinte, tous assis sur le siège avant : le chef Clyde ( exprimé par Paul Winchell), Ring-A-Ding (exprimé par Don Messick), Danny, Rug Bug Benny, Mac, Kirby et Willy. La foule entière porte des chapeaux, des manteaux à double boutonnage et chacun arbore une ombre de cinq heures. Clyde est un pastiche du personnage d'Edward G. Robinson dans le film Little Caesar et de la moitié masculine des vrais criminels Bonnie et Clyde. En effet, à plus d'une occasion, lorsque sa foule semble sur le point de se rebeller, il la réprime immédiatement en menaçant simplement de « le dire à Bonnie » ; pourtant, il semble se soucier d'eux, comme le montre lorsqu'il affronte le Gruesome Twosome alors qu'il pense qu'ils ont kidnappé « ses garçons ». Leur méthode typique pour améliorer la vitesse de leur voiture est "Getaway Power", qui est obtenue en étendant leurs pieds à travers le plancher de la voiture et en courant, un peu comme la méthode de Fred Flintstone pour propulser sa "voiture troglodyte" dans sa propre série. À l'occasion, Ant Hill Mob utilisait ses mitraillettes contre les autres coureurs. Leur nom de foule est un jeu à la fois sur leur petite taille et sur le titre du film de 1951, The Lavender Hill Mob. The Ant Hill Mob est également apparu dans la série dérivée The Perils of Penelope Pitstop, avec Clyde dans une tenue argentée et un grand chapeau melon avec un bandeau rouge et ses ailiers, désormais nommés Yak Yak, Softy, Pockets, Zippy, Snoozy. et Dum-Dum ; portant des tenues bleues et des chapeaux marron différents, chacun avec un bandeau de couleur différente et montant dans une voiture vivante, appelée "Chugga-Boom". La foule était les protagonistes de cette série, aux côtés de Penelope elle-même, et se précipitait constamment à son secours. Lazy Luke et Blubber Bear dans l'Arkansas Chuggabug #8 Luke (exprimé par John Stephenson) est un montagnard qui a tendance à conduire avec ses pieds à moitié endormi. Dans un épisode, il se présente sous le nom de Dog-Nosed Luke ; Blubber (également exprimé par Stephenson) est son timide grizzli de compagnie, vêtu d'une écharpe et d'un premier casque d'aviateur avec des lunettes. Le Chuggabug est un tacot de hot rod des années 1920 construit en bois, comprenant des sièges de chaise berçante, et est alimenté par un poêle ventru au charbon à l'arrière du véhicule. Le poêle peut avoir tendance à exploser, généralement si un autre concurrent bloque l'échappement. Luke a tendance à utiliser des moyens démodés pour améliorer les performances de sa voiture, comme verser diverses liqueurs dans le poêle pour augmenter rapidement la vitesse (mais le poêle explose souvent par la suite). Il a également été montré en train d'utiliser divers ballons et pièges de type gomme. Peter Perfect dans le Turbo Terrific #9 Un gentleman driver (exprimé par Daws Butler) conduisant un dragster. Le Turbo Terrific, malgré son nom et l'adulation de Peter, est très peu fiable ; il tombe souvent en morceaux au milieu d'une course, généralement après que Peter l'ait félicité pour ses performances. Néanmoins, Peter a réussi à remporter les Wacky Races pas moins de quatre fois tout au long de la série, à égalité avec Lazy Luke, Ant Hill Mob et Penelope Pitstop pour le plus grand nombre de victoires de la série. Peter Perfect a le béguin pour Penelope Pitstop (qu'il appelle "Pretty Penny"), qui lui rend souvent son affection. Le Turbo Terrific semble être capable de faire germer quatre roues arrière supplémentaires, soit huit roues au total, pour plus de vitesse. Rufus Ruffcut et Sawtooth dans le Buzzwagon #10 Rufus Ruffcut (exprimé par Daws Butler) est un bûcheron coriace et musclé, tandis que Sawtooth (exprimé par Don Messick) est son castor anthropomorphe. Le Buzzwagon est un wagon fait de rondins, avec des scies circulaires utilisées comme roues, d'où son nom. Les scies circulaires donnent à la voiture la capacité de couper presque tout, détruisant ainsi l'objet. Par exemple, lors d'une course traversant une zone densément boisée avec un parcours plein de longues courbes, Ruffcut est capable de prendre temporairement la tête en découpant des raccourcis en ligne droite à travers le feuillage. Malheureusement, les scies circulaires ont tendance à se détacher du véhicule et à couper les autres coureurs, coupant dans un cas deux roues de la voiture d'Ant Hill Mob. Le narrateur Chaque épisode est présenté et commenté par un narrateur invisible (voix de Dave Willock), qui communique souvent avec les coureurs pendant qu'ils conduisent. Les coureurs répondent en s'adressant au public, brisant ainsi le quatrième mur. Dick Dastardly s'adresse parfois au Narrateur en l'appelant "Boopsie". Interaction Les autres personnages semblent s'entendre les uns avec les autres, on les voit souvent (notamment Pat Pending et généralement Peter Perfect et Penelope Pitstop) s'entraider pour sortir des pièges tendus par Dastardly. Ils utilisent aussi parfois des « sales tours » les uns sur les autres (Army Surplus tirant sur d'autres voitures ou Gruesome Twosome utilisant leur Dragon). Certaines de ces astuces sont aussi mauvaises que celles de Dastardly, mais elles semblent s'en tirer. Distribution de voix * Daws Butler – Rock Slag, Big Gruesome, Red Max, Sergeant Blast, Peter Perfect, Rufus Ruffcut * Don Messick – Muttley, Gravel Slag, Little Gruesome, Professeur Pat Pending, Ring-a-Ding, Sawtooth * John Stephenson – Luke et Blubber Bear * Janet Waldo – Penelope Pitstop * Paul Winchell – Dick Dastardly, Soldat Meekly, Clyde * Dave Willock – Narrateur Crédits * Produit et réalisé par : William Hanna et Joseph Barbera * Producteurs associés : Alex Lovy, Art Scott * Histoire : Larz Bourne, Tom Dagenais, Mike Maltese, Dalton Sandifer * Réalisation de l'histoire : Art Davis, Earl Klein, Paul Sommer, Irv Spector * Voix : Daws Butler, Don Messick, John Stephenson, Janet Waldo, Dave Willock, Paul Winchell * Directeur de l'animation : Charles A. Nichols * Conception et réalisation : Iwao Takamoto * Coordinateur de production : Victor O. Schipek * Conception des personnages : Jerry Eisenberg * Mise en page : Jerry Eisenberg, Bert Freund, Willie Ito, Don Jurwich, Henry Lee, Phil Lewis, Jack Manning, Erni Nordli, Grace Stanzell, Al Wilson * Animation : Ed Aardal, Frank Andrina, Ed Barge, Bob Bemiller, Frank Braxton, Emil Carle, Patsy Crudden, Isadore Ellis, John Garling, Terry Harrison, Jerry Hathcock, Bill Higgins, Sam Kai, Hicks Lokey, Tony Love, Robert Maxfield , Tom McDonald, Kenneth Muse, Casey Onaitis, Jack Parr, Bud Partch, Bernard Posner, Morey Reden, Veve Risto, Carlo Vinci, Ray Young * Arrière-plans : Hal Ashmead, Barbeara Begg, Al Budnick, Daniela Bielecka, Bill Butler, Robert Gentle, Mike Kawaguchi, Walt Peregoy, Don Watson, David Weidman * Conception du titre : Bill Perez * Titres : Robert Schaefer * Directeur musical : Hoyt Curtin * Superviseur technique : Frank Paiker * Superviseur de l'encre et de la peinture : Roberta Greutert * Xérographie : Robert "Tiger" West * Direction sonore : Richard Olson * Monteurs de films : Richard Allen, Milton Krear, Chuck McCann, Norm Vizents * Caméra : Gene Borghi, George Epperson, Charles Flekal, Frank Parrish, Cliff Shripser, Clarence Wogatzke * Directeur de production : Gérald Ray * Une production Hanna-Barbera en association avec Heatter-Quigley, Inc. * Cette photo réalisée sous la juridiction de l'IATSE-IA, Affiliée à l'A.F.L.-C.I.O.-C.L.C. * Enregistrement sonore RCA * © 1968 Hanna-Barbera Productions, Inc. Épisodes Spin-offs et séries similaires Penelope Pitstop et Ant Hill Mob ont été transformés en une autre série de dessins animés en 1969 intitulée Les périls de Penelope Pitstop. La même année, Dick Dastardly et Muttley ont reçu une série dérivée intitulée Dastardly and Muttley in Their Flying Machines. La série est parfois connue à tort sous le nom de Stop the Pigeon, d'après le titre provisoire et la chanson thème de l'émission. Les deux séries ont duré deux saisons. Les idées de base derrière Wacky Races et certains personnages ont été réutilisées par Hanna-Barbera au cours des années suivantes : * Sawtooth est apparu sur le casting des personnages du film Yogi's Ark Lark 1972. * Le nouveau personnage de Mumbly (star du film The Mumbly Cartoon Show de 1976) ressemble beaucoup à Muttley. * Le nouveau personnage de Captain Caveman (star de la série Captain Caveman et Teen Angels de 1977) ressemble beaucoup aux Slag Brothers. * En 1977, Mumbly (qui, contrairement à son rôle de détective dans sa série solo, est désormais décrit comme un méchant) et Dread Baron (qui ressemble fortement à Dick Dastardly) sont devenus les dirigeants de l'équipe Really Rottens sur le Laff- Dessin animé A-Lympics, qui mettait en vedette trois équipes de personnages de Hanna-Barbera (dont la méchante équipe "Really Rottens" de Mumbly, l'équipe "Yogi Yahooeys" de Yogi Bear composée de plusieurs de ses amis du Yogi's Gang et les "Scooby Doobies" de Scooby-Doo. équipe qui comprenait de nombreux personnages résolvant des crimes de cette époque, dont le capitaine Caveman) participant à des courses et à des compétitions à travers le monde. Cependant, dans la version latino-américaine de Laff-A-Lympics, Mumbly a été crédité sous le nom de Muttley. * La série Yogi's Space Race de 1978 mettait en vedette des piliers de Hanna-Barbera tels que Yogi Bear, Huckleberry Hound et d'autres qui couraient les uns contre les autres dans l'espace tout en repoussant un méchant grand et mince (Phantom Phink) et son chien ricanant (Sinister Sludge). * Dick Dastardly et Muttley sont revenus dans la série Yogi's Treasure Hunt de 1985 alors qu'ils participaient à une chasse au trésor contre Yogi Bear et plusieurs de ses anciens coéquipiers "Yogi Yahooeys". Au lieu de conduire la Mean Machine, Dastardly a piloté un sous-marin appelé The SS Dirty Tricks et un biplan de la Première Guerre mondiale dans cette série. * Dread Baron et Mumbly (remplaçant une fois de plus Dick Dastardly et Muttley) reviennent pour contrarier Yogi et plusieurs de ses coéquipiers "Yogi Yahooeys" dans le film de 1987 Yogi Bear and the Magical Flight of the Spruce Goose. * Blubber Bear est apparu dans The New Yogi Bear Show en 1988. * La série syndiquée de 1990 Wake, Rattle and Roll présentait un segment appelé Fender Bender 500 mettant en vedette Dick Dastardly et Muttley au volant d'une "Mean Machine" remaniée qui est rebaptisée "Dirty Truckster". Ils ont couru contre Yogi Bear, Winsome Witch, Quick Draw McGraw et d'autres stars de Hanna-Barbera. Bien que Dastardly ait continué à s'appuyer fortement sur des pièges et des stratagèmes, lui et Muttley ont réussi à remporter l'une de ces courses. * En 1991, des versions adolescentes de Dick Dastardly et Muttley sont apparues sur Yo Yogi ! série avec Yogi Bear, Boo-Boo Bear, Cindy Bear, Snagglepuss et Huckleberry Hound. * En 2006, le pilote d'une série dérivée intitulée Wacky Races Forever a été produit pour Cartoon Network. La série représentait une liste de coureurs nouveaux et anciens en compétition les uns contre les autres. Penelope Pitstop et Peter Perfect s'étaient mariés et avaient créé Perfect Industries, le sponsor corporatif des nouvelles Wacky Races, tandis que leurs enfants Parker et Piper participaient à la course. Parmi les autres personnages figuraient les Slag Brothers, le professeur Pat Pending, une version adolescente du Gruesome Twosome, et Dick Dastardly et Muttley (travaillant pour un nouveau méchant nommé M. Viceroy, qui cherchait à voler Perfect Industries). Cette série n'a pas été reprise par Cartoon Network. * En 2015, une promotion de Cartoon Network pour 2016 a révélé un logo pour une nouvelle série Wacky Races. La série sera diffusée sur Cartoon Network. * En 2016, DC Comics a lancé une nouvelle série de bandes dessinées intitulée Wacky Raceland. Il s’agit d’une réimagination sombre et réaliste de la série se déroulant après l’apocalypse dans une veine similaire à celle de la franchise Mad Max. Jeux vidéo Un jeu vidéo Wacky Races a été produit en 1991 pour la NES, dans lequel le joueur incarnait Muttley, envoyé en mission par Dick Dastardly pour vaincre les autres coureurs. Un autre jeu basé sur la série est également sorti sur IBM PC, ZX Spectrum et Commodore 64 en 1991. Un jeu Mega Drive/Genesis était également en cours de développement, mais annulé avant sa sortie. Un jeu japonais Wacky Racers intitulé est sorti pour la Game Boy originale par Atlus le 27 mars 1992. Un autre jeu Wacky Races pour Game Boy Color créé par Infogrames est sorti le 6 juin 2000. Un jeu Wacky Races est sorti sur Dreamcast en 2000. Ce jeu présentait tous les personnages de la série jouables avec leurs véhicules. Ce jeu proposait une variété de modes tels que le mode Arcade, le mode Aventure et Battle Arena. Ce jeu permettait de jouer en multijoueur jusqu'à quatre personnes. Les voix pour les interprétations des personnages dans les jeux vidéo comprenaient Jim Cummings dans le rôle de Dick Dastardly, Clyde, Private Meekly, Big Gruesome, Rock Slag et Gravel Slag ; Billy West dans le rôle de Muttley et Little Gruesome, Janet Waldo reprenant son rôle télévisé de Penelope Pitstop, John Stephenson reprenant son rôle télévisuel de Luke, Scott Innes dans le rôle du professeur Pat Pending, Gregg Berger dans le rôle du narrateur et feu Greg Burson dans le rôle du Red Max, Sergent Blast, Peter Perfect et Rufus Ruffcut. Une version étendue du jeu intitulée Wacky Races Starring Dastardly and Muttley a ensuite été publiée sur PlayStation 2. Plus tard en 2007, un autre jeu appelé Wacky Races: Mad Motors pour PlayStation 2 a été publié par Blast Entertainment le 12 juin. Un nouveau jeu vidéo pour les consoles Wii et Nintendo DS intitulé Wacky Races: Crash and Dash est sorti le 27 juin 2008. . Ce jeu a été développé par Eidos. Communiqués de presse à domicile Une cassette VHS de deux heures et demie de la série a été mise à disposition en 1996. Une version DVD de trois disques de la série complète a été mise à disposition au Japon le 10 août 2001 et contenait des fichiers audio en anglais et en japonais. En Grande-Bretagne, Warner a sorti un coffret de trois disques sans fonctionnalités supplémentaires, disponible uniquement dans les Virgin Megastores. Le coffret complet de Wacky Races est sorti le 31 juillet 2006 en exclusivité HMV, mais il s'agit essentiellement des volumes standard 1 à 3 sans extras. La version australienne des volumes 1 et 2 a été rendue disponible en 2005 et le volume 3 en 2007. Warner Home Video a sorti l'intégralité de la série, avec des commentaires et autres extras, dans un coffret DVD le 26 octobre 2004. Les 34 épisodes peuvent être achetés sur l'iTunes Store. Résultats de la course L'émission donnait les résultats de chaque course à la fin de chaque épisode (les premier, deuxième et troisième classements sont donnés par le narrateur, et on voyait parfois tout ou partie des autres voitures franchir la ligne d'arrivée). L'émission n'a jamais indiqué un système de notation particulier ni un moyen de déterminer qui a remporté les Wacky Races dans leur ensemble. Les totaux cumulés pour les première, deuxième et troisième places pour chaque concurrent sont présentés ci-dessous : Pour gagner, il n'était pas nécessaire d'être dans le véhicule qui lui était attribué ; apparemment, tout ce qui était nécessaire était que le conducteur franchisse la ligne d'arrivée dans un véhicule quelconque (un tapis volant ou un glaçon géant ferait l'affaire), bien qu'il soit apparemment interdit aux coureurs de simplement traverser à pied. La disqualification résulterait si un pilote franchissait la ligne d'arrivée « dans le mauvais véhicule » d'un autre coureur inscrit. The Ant Hill Mob dans The Bulletproof Bomb, Luke et Blubber Bear dans The Arkansas Chuggabug, Peter Perfect dans The Turbo Terrific et Penelope Pitstop dans The Compact Pussycat, détiennent un record commun pour le plus grand nombre de victoires, chacun terminant premier quatre fois, bien qu'un des victoires de Pitstop étaient le résultat de la disqualification de Dastardly pour tricherie. Tous les concurrents restants ont remporté trois courses chacun, à l'exception de Dastardly et Muttley in the Mean Machine, qui n'ont pas réussi à gagner du tout. Les records du plus grand nombre de deuxièmes places et de Top 3 sont tous deux détenus par The Slag Brothers dans The Boulder Mobile, avec respectivement 8 et 14, tandis que Rufus Ruffcut et Sawtooth dans le Buzzwagon l'ont fait 6 et 13 fois. Le Gruesome Twosome de The Creepy Coupe détient le record du plus grand nombre de troisièmes places, avec 6. Dans la plupart des épisodes, Dick Dastardly finirait dernier. Cependant, son meilleur résultat a eu lieu dans "See-Saw To Arkansas", où il a terminé quatrième. Références culturelles * Des répliques fonctionnelles grandeur nature des véhicules ont été construites au Royaume-Uni et apparaissent chaque année au Goodwood Festival Of Speed, avec de nouveaux ajouts chaque année. 2008 a vu la dernière des voitures (la Ant Hill Mob dans la Bulletproof Bomb 07) ajoutée à la collection, formant un ensemble complet. Fichier:Courses farfelues - The Mean Machine.jpg | Machine moyenne #00 Fichier : Wacky_Races_-_Boulder_Mobile.jpg | Boulder Mobile #1 Fichier:Wacky Races - The Creepy Coupe.jpg | Coupé effrayant #2 Fichier:Wacky_Races_-_Convert-a-Car.jpg | Convertir une voiture #3 Fichier:Courses farfelues - Le Crimson Haybailer.jpg | Haybailer cramoisi #4 Fichier:Wacky_Races_-_Compact_Pussycat.jpg | Chaton Compact #5 Fichier : Wacky_Races_-_Army_Surplus_Special.jpg | Spécial Surplus de l'Armée #6 Fichier:Courses farfelues - turbo terriffic.jpg | Turbo formidable #9 Non représenté : Bulletproof Bomb #7, Arkansas Chuggabug #8, Buzzwagon #10 ---- *En 1992, le studio japonais Artmic sort un OVA intitulé Tsuppashire ! Genom Trophy Rally (au niveau international : Scramble Wars) comme une version comique de Wacky Races, mettant en vedette des personnages de la série animée Gall Force, Bubblegum Crisis, Genesis Survivor Gaiarth et d'autres personnages de diverses productions Artmic. *En 2003, Dexter's Laboratory a parodié Wacky Races dans un épisode où plusieurs personnages de la série participent à une course de cross-country. * En 2006, le constructeur automobile Vauxhall a lancé une publicité télévisée pour le marché britannique, parodiant Wacky Races avec une configuration similaire mettant en vedette des voitures Corsa. La publicité faisait plusieurs références au dessin animé et utilisait le thème musical de la série et le rire emblématique de Muttley. * La bande dessinée anglaise pour adultes Viz avait une bande parodique unique intitulée "Wacky Racists" avec David Irving dans le rôle de Dick Dastardly, Unity Mitford dans le rôle de Penelope Pitstop et le comédien Bernard Manning dans le rôle de Muttley. * Un arc d'histoire dans le jeu en ligne City of Heroes a des méchants nommés d'après les personnages de Wacky Races (Rufus de Perez, Slag of Skywyay, etc.). * En 2013, le constructeur automobile Peugeot a lancé une publicité télévisée pour le marché brésilien mettant en scène les personnages de dessins animés dans un univers réel. La vidéo est devenue un succès instantané sur YouTube, avec plus de 2 millions de vues. *En 2014, South Park a fait référence aux Wacky Races comme à quelque chose qui devait être interdit par une convention internationale dans l'épisode Handicar et dans lequel une Wacky Race était diffusée en direct sur CNN. *Le gag du canapé de l'épisode des Simpsons « Gone Abie Gone » est une parodie évidente de la série. *Dick Dastardly et Muttley font une apparition dans l'épisode Oncle Grandpa "Oncle Grandpa Retires". Titres en langues autres que l'anglais * Argentine : Los Autos Locos (Les Voitures Folles) * Brésil : Corrida Maluca (Crazy Race) * Croatia: Uvrnute trke (Whirlpool races) * France: les Fous du volant (Madmen at the wheel) * Germany: Autorennen Total (Total car race) * Hongrie : Flúgos futam (course farfelue) * Italie : Wacky Races/Le Corse Pazze (Les Courses Folles) * Japon : Chikichikimashin mō rēsu (Chitty Chitty Machine Fierce Race) * Pologne : courses farfelues * Portugal : A Corrida Mais Louca do Mundo (La course la plus folle du monde) * Roumanie : Curse Trăsnite (Course folle) * Serbie : courses Whirlpool * Espagne : Los autos locos (Les voitures folles) ** Galicien : Os autos tolos (Les voitures folles) ** Catalan : Els cotxes esbojarrats (Les voitures folles) * Suède : Fartdårarna (fous de vitesse) * Turquie : Çılgın Yarışlar (Courses folles)

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Dans quel pays asiatique se trouve le fleuve Wang ?

Thaïlande

La rivière Wang (, ,) est une rivière du nord de la Thaïlande. Géographie La rivière Wang mesure au total 335 km de long. Ses eaux coulent du nord au sud. La rivière Wang prend sa source dans la chaîne de Phi Pan Nam, dans le district de Wiang Pa Pao, province de Chiang Rai. L'une des principales colonies le long de la rivière est Lampang, située sur la rive nord d'une courbe de la rivière. De Lampang, la rivière coule vers le sud en passant par Thoen dans la province de Tak. Il rejoint la rivière Ping près de Mae Salit, dans le district de Ban Tak, au nord de la ville de Tak. La rivière Ping est elle-même un affluent de la rivière Chao Phraya. Affluents Les affluents du Wang comprennent les rivières Mo, Tui, Chang et Soi. Bassin Wang Le bassin Wang fait partie du bassin du Grand Ping et du bassin versant de la Chao Phraya. La superficie totale drainée par la rivière Wang et ses affluents est de 10 792 km2. Le barrage de Kiu Lom (เขื่อนกิ่วลม) est un barrage sur la rivière Wang situé à environ 38 km de la ville de Lampang.

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Dans quel pays européen se trouvent les ports de Puck et Jastarnia ?

Pologne

Puck (, , ) est une ville du nord-ouest de la Pologne comptant 11 350 habitants. C'est à Gdańsk en Poméranie, sur la côte sud de la mer Baltique (Baie de Puck). Anciennement dans la voïvodie de Gdańsk (1975-1998), Puck est depuis 1999 la capitale du comté de Puck dans la voïvodie de Poméranie. Histoire La colonie est devenue un marché et un port maritime dès le 7ème siècle. Le nom, comme c'était courant au Moyen Âge, était orthographié différemment : dans un document de 1277 Putzc, 1277 Pusecz, 1288 Puczse et Putsk, 1289 Pucz. En 1309, elle passa sous la domination de l'Ordre Teutonique en tant que partie de Pomerelia. Puck a obtenu le statut de ville en 1348. Avec le reste de la Prusse royale, elle a rejoint la Pologne en 1454 (1466) et était le siège de l'administration du comté local (Starostwo). Les rois polonais ont tenté de créer une flotte à Dantzig, mais l'indépendant Hanséatique Dantzig ne les a pas autorisés à pénétrer sur leur territoire. Les navires affrétés par la Pologne devaient débarquer à Pautzke (Puck) en 1567. La Pologne tenta de créer une marine polonaise, obtenant l'utilisation de certains ports de Livonie et de Finlande, mais une marine permanente ne se matérialisa jamais. Le roi Vasa suédo-lituanien de Pologne-Lituanie Sigismond III a également tenté d'établir une flotte dans ses tentatives d'arracher la couronne de Suède au roi Gustave Adolphe de Suède, mais les tentatives de Sigismond ont été détruites en 1628. La première véritable marine polonaise a été fondée à la fin de la Première Guerre mondiale en 1918 avec la participation française et britannique. En 1772, grâce aux partages de la Pologne, la ville prussienne occidentale fut incorporée au royaume de Prusse. Après la Première Guerre mondiale, Puck fut attribué à la Seconde République polonaise par le Traité de Versailles. En 1920, la Pologne a célébré ses noces avec la mer à Puck. Puck était le seul port polonais jusqu'à la construction de Gdynia dans les années 1920 et servit de port principal à la marine polonaise jusqu'à la Seconde Guerre mondiale. Puck a été bombardé par l'Allemagne nazie à 5 h 20, heure polonaise, le vendredi 1er septembre, connu par la suite sous le nom de Vendredi Gris. Un bombardier de la Luftwaffe a largué un seul projectile sur la ville, qui possédait également une base aérienne. La déclaration de guerre britannique et française intervient deux jours plus tard. Cette semaine-là, le magazine new-yorkais TIME mettait en couverture une photo en noir et blanc du commandant en chef polonais, Edward Rydz-Śmigły. Après l'occupation de la Pologne par l'Allemagne nazie en 1939, une branche du camp de concentration de Stutthof existait à Puck entre 1941 et 1944. Après 1945, Puck faisait partie de la République de Pologne. Endroits intéressants *Hôtel de ville (1865) *Église Saint-Pierre-et-Paul (XIIIe siècle) *Maisons bourgeoises sur la place principale (Plac Wolności), XVIIe siècle, reconstruites au XIXe siècle *Port inondé (VIIIe-Xe siècle) situé à environ 500 mètres du rivage *Vestiges d'un château en brique (XIVe siècle) *Mémorials du gén. Józef Haller et les noces de la Pologne avec la mer *Musée de la région de Puck (Muzeum Ziemi Puckiej) *Jetée en bois *Marina *Grottes de Mechowo *Parc paysager côtier (Nadmorski Park Krajobrazowy) Population L'utilisation des terres Relations internationales Puck, Pologne est jumelée avec : Cieszyn, Stein, Konz, Guéret Galerie Fichier:PuckU.jpg|Bâtiment à pans de bois d'un hôpital pour les pauvres du XVIIIe siècle, aujourd'hui siège du musée de la région de Puck Fichier:Plaża w Pucku - kitesurfers - plage de Puck (4).jpg|Puck est un important centre de sports nautiques Fichier:Kutry podczas pielgrzymki rybackiej do Pucka.jpg|Port de Puck lors du pèlerinage annuel des pêcheurs de la péninsule de Hel à la foire de l'église Saint-Pierre et Paul à Puck Fichier:PuckU (15).jpg|Petite marina et jetée à Puck Fichier:PuckU (12).jpg|Marina à Puck Fichier:Puck miejsce zaslubin z morzem.JPG|Mémorials du gén. Józef Haller et les noces de la Pologne avec la mer Fichier:PuckU (5).jpg|Restaurant sur la jetée de Puck Fichier:Puck - wieczorem.jpg|Une vue nocturne de la ville

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Quel cheval de course célèbre a remporté la Melbourne Cup en Australie en 1930 ?

Phar Lap

Les courses de chevaux sont un sport de performance équestre, impliquant deux ou plusieurs jockeys montant des chevaux sur une distance définie pour la compétition. Il s’agit de l’un des sports les plus anciens et son principe de base – identifier lequel de deux ou plusieurs chevaux est le plus rapide sur un parcours ou une distance définie – est resté inchangé depuis les temps les plus reculés. Les courses hippiques varient considérablement en format. Souvent, les pays ont développé leurs propres traditions de courses de chevaux. Les variantes incluent la restriction des courses à des races particulières, le franchissement d'obstacles, la course sur différentes distances, la course sur différentes surfaces de piste et la course à différentes allures. Même si les courses de chevaux sont parfois pratiquées uniquement à des fins sportives, une grande partie de l'intérêt et de l'importance économique des courses de chevaux réside dans les jeux de hasard qui y sont associés, une activité qui a généré en 2008 un marché mondial d'une valeur d'environ 115 milliards de dollars. Histoire Les courses de chevaux ont une histoire longue et distinguée et sont pratiquées dans les civilisations du monde entier depuis l’Antiquité. Des documents archéologiques indiquent que des courses de chevaux avaient lieu dans la Grèce antique, à Babylone, en Syrie et en Égypte. Il joue également un rôle important dans les mythes et légendes, comme le concours entre les destriers du dieu Odin et le géant Hrungnir dans la mythologie nordique. Les courses de chars étaient l’un des sports grecs, romains et byzantins les plus populaires. Les courses de chars et de chevaux à cheval étaient des événements des Jeux olympiques grecs antiques en 648 avant JC et étaient importants dans les autres Jeux panhelléniques. Et ce, malgré le fait que les courses de chars étaient souvent dangereuses pour le conducteur et le cheval, car ils souffraient fréquemment de blessures graves, voire mortelles. Dans l’Empire romain, les courses de chars et de chevaux à cheval étaient des industries majeures. et du milieu du XVe siècle jusqu'en 1882, le carnaval de printemps de Rome se terminait par une course de chevaux. Quinze à vingt chevaux sans cavalier, importés à l'origine de la côte barbaresque d'Afrique du Nord, parcouraient la Via del Corso, une longue rue droite de la ville, en 2 minutes et demie environ. Plus tard, les courses de pur-sang étaient et sont toujours populaires auprès des aristocrates et de la royauté de la société britannique, ce qui leur a valu le titre de « Sport des rois ». Historiquement, les cavaliers perfectionnaient leurs compétences à travers des jeux et des courses. Les sports équestres divertissaient les foules et perfectionnaient l’excellente équitation nécessaire au combat. Les courses hippiques de tous types sont issues de compétitions impromptues entre cavaliers ou conducteurs. Toutes les formes de compétition, exigeant des compétences exigeantes et spécialisées de la part du cheval et du cavalier, ont abouti au développement systématique de races et d'équipements spécialisés pour chaque sport. La popularité des sports équestres au fil des siècles a permis la préservation de compétences qui autrement auraient disparu lorsque les chevaux ont cessé d'être utilisés au combat. Types de courses de chevaux Il existe de nombreux types de courses hippiques, notamment : *Courses de plat, où les chevaux galopent directement entre deux points autour d'une piste droite ou ovale. *Courses de sauts, ou courses de sauts, également connues sous le nom de Steeplechasing ou, au Royaume-Uni et en Irlande, courses de chasse nationale, où les chevaux courent sur des obstacles. *Courses attelées, où les chevaux trottent ou marchent au pas tout en tirant un conducteur au sulky. *Courses d'endurance, où les chevaux parcourent le pays sur des distances extrêmes, allant généralement de 25 à Différentes races de chevaux se sont développées et excellent dans chacune des disciplines spécifiques. Les races utilisées pour les courses de plat comprennent le pur-sang, le quarter horse, l'arabe, le paint et l'appaloosa. Les races de courses de saut d'obstacles comprennent le pur-sang et l'AQPS. Les courses sous harnais sont dominées par les chevaux Standardbred en Australie, en Nouvelle-Zélande et en Amérique du Nord, mais plusieurs autres races, comme le trotteur russe et le cheval finlandais, sont observées en Europe. Course de plat Les courses de plat sont la forme de course la plus répandue dans le monde. Les pistes de course plates sont généralement de forme ovale et sont généralement de niveau, bien qu'en Grande-Bretagne et en Irlande, il existe une variation beaucoup plus grande, y compris des pistes en huit comme Windsor, et des pistes avec des pentes et des changements de cambrure souvent sévères, comme l'hippodrome d'Epsom. Les surfaces des pistes varient avec le gazon le plus répandu dans le monde, la terre plus courante en Amérique du Nord et les surfaces synthétiques de conception nouvelle, telles que le Polytrack de Tapeta vu sur certaines pistes dans le monde. Les courses individuelles de plat se déroulent sur des distances allant de 440 mètres à deux milles et demi, les distances comprises entre cinq et douze stades étant les plus courantes. Les courses courtes sont généralement appelées « sprints », tandis que les courses plus longues sont appelées « routes » aux États-Unis ou « courses restantes » en Europe. Bien qu'une accélération rapide (« un tour de pied ») soit généralement nécessaire pour gagner l'un ou l'autre type de course, les sprints sont généralement considérés comme un test de vitesse, tandis que les courses longue distance sont considérées comme un test d'endurance. Les courses de plat les plus prestigieuses au monde, comme le Prix de l'Arc de Triomphe, la Japan Cup, le Derby d'Epsom, le Kentucky Derby et la Dubai World Cup, se déroulent sur des distances situées au milieu de cette fourchette et sont considérées comme des tests de vitesse et l'endurance dans une certaine mesure. Dans les courses les plus prestigieuses, les chevaux se voient généralement attribuer le même poids à porter par souci d'équité, avec des allocations accordées aux chevaux plus jeunes et aux chevaux femelles courant contre des mâles. Ces courses sont appelées courses à conditions et offrent les plus grosses bourses. Il existe une autre catégorie de courses appelées courses à handicap où chaque cheval se voit attribuer un poids différent à porter en fonction de ses capacités. Outre le poids qu'il porte, les performances d'un cheval peuvent également être influencées par sa position par rapport à la barrière intérieure (position du poteau), son sexe, son jockey et son entraîneur. Courses de sauts Les courses de sauts (ou sauts) en Grande-Bretagne et en Irlande sont connues sous le nom de courses de National Hunt (bien que, ce qui prête à confusion, les courses de National Hunt incluent également des courses de plat se déroulant lors de réunions de sauts ; celles-ci sont connues sous le nom de courses de plat National Hunt). Les courses de sauts peuvent être subdivisées en course d'obstacles et en haies, selon le type et la taille des obstacles franchis. Le mot « Steeplechasing » peut également désigner collectivement tout type de course de saut d'obstacles dans certaines juridictions de course, notamment aux États-Unis. En règle générale, les chevaux progressent vers des obstacles plus grands et des distances plus longues à mesure qu'ils vieillissent, de sorte qu'un cheval de saut d'obstacles européen aura tendance à débuter dans les courses de plat National Hunt en tant que juvénile, à passer aux haies après environ un an, puis, s'il le juge capable. , passez au course d'obstacles. Course d'endurance La durée d'une course d'endurance varie considérablement. Certains sont très courts, seulement dix milles, tandis que d’autres peuvent atteindre cent milles. Il existe quelques courses qui dépassent même cent milles et durent plusieurs jours. Ces différentes longueurs de courses sont divisées en cinq catégories : balades de plaisir (10 à 20 milles), randonnées en sentier non compétitives (21 à 27 milles), randonnées en sentier de compétition (20 à 45 milles), randonnées en sentier progressif (25 à 60 milles). ) et les courses d'endurance (40 à 100 milles en une journée, jusqu'à 250 milles en plusieurs jours). Chaque course étant très longue, des sentiers en terrain naturel sont généralement utilisés. Les courses d'endurance organisées contemporaines ont commencé en Californie vers 1955, et la première course a marqué le début de la Tevis Cup. Cette course était une course de cent milles d'une journée commençant à Squaw Valley, dans le comté de Placer, et se terminant à Auburn. Fondée en 1972, l'American Endurance Ride Conference a été la première association nationale d'équitation d'endurance des États-Unis.[http://www.equiworld.net/uk/sports/endurance/index.htm "Endurance Riding".] Equiworld.net. 8 avril 2009. La course d'endurance la plus longue au monde est le Mongol Derby, long de 1 000 km. Races Dans la plupart des courses de chevaux, l'entrée est limitée à certaines races ; c'est-à-dire que le cheval doit avoir un père (père) et une mère (mère) qui sont des individus de race pure, quelle que soit la race en course. Par exemple, dans une course sous harnais normale, le père et la mère du cheval doivent tous deux être de purs Standardbred. La seule exception à cette règle concerne les courses de Quarter Horse, où un Quarter Horse de l'Annexe peut être considéré comme éligible pour courir contre des Quarter Horses (standard). Un Quarter Horse Annexe est un cheval qui a soit un parent Quarter Horse et un parent de toute autre race éligible (comme le pur-sang, le croisement de l'Annexe le plus courant), soit les deux parents sont des Quarter Horses enregistrés, ou un parent est un Quarter Horse. et un parent est un Quarter Horse annexé. La désignation « Annexe » fait référence à la section addenda, ou Annexe, du registre officiel du Quarter Horse. L'AQHA publie également un « Registre du mérite des courses » qui permet à un cheval de courir sur des pistes Quarter Horse, mais de ne pas être considéré comme un Quarter Horse à des fins d'élevage (sauf si d'autres exigences sont remplies). Un étalon ayant remporté de nombreuses courses peut être mis au haras lorsqu'il prend sa retraite. L'insémination artificielle et la technologie de transfert d'embryons (autorisées uniquement dans certaines races) ont apporté des changements dans les traditions et la facilité d'élevage. Les pedigrees des étalons sont enregistrés dans divers livres et sites Web, tels que Weatherbys Stallion Book, l'Australian Stud Book et Thoroughbred Heritage. De race Il existe trois pères fondateurs auxquels presque tous les pur-sang peuvent remonter : le Darley Arabian, le Godolphin et le Byerly Turk, nommés d'après leurs propriétaires respectifs, Thomas Darley, Lord Godolphin et le capitaine Robert Byerly. Tous ont été emmenés en Angleterre où ils ont été accouplés avec des juments. Les pur-sang varient en hauteur et sont mesurés en mains (une main mesurant quatre pouces). Certains ont seulement 15 mains, tandis que d'autres ont plus de 17 mains. Les pur-sang peuvent parcourir des distances moyennes à un rythme rapide, nécessitant un équilibre entre vitesse et endurance. cheval arabe Le cheval arabe a été développé par le peuple bédouin du Moyen-Orient spécifiquement pour son endurance sur de longues distances, afin de pouvoir distancer ses ennemis. Ce n’est qu’en 1725 que l’Arabe fut introduit aux États-Unis. Les Arabes sont apparus aux États-Unis à l’époque coloniale, mais n’ont été élevés comme race pure qu’à l’époque de la guerre civile. Jusqu'à la création de l'Arabian Horse Registry of America en 1908, les Arabes étaient enregistrés au Jockey Club dans une sous-section distincte des pur-sang. Ils doivent être capables de supporter des déplacements sur de longues distances à un rythme modéré. Les Arabes possèdent une abondance de fibres de type I. Leurs muscles sont capables de travailler pendant de longues périodes. De plus, les muscles de l'Arabe ne sont pas aussi massifs que ceux du Quarter Horse, ce qui lui permet de parcourir de plus longues distances à des vitesses plus rapides. L'Arabian est aujourd'hui principalement utilisé dans les courses d'endurance, mais il est également couru sur des circuits traditionnels dans de nombreux pays. Les courses de chevaux arabes sont régies par [http://www.ifahr.net IFAHR (Fédération internationale des autorités des courses de chevaux arabes)]. Quarter Horse Les ancêtres du Quarter Horse étaient répandus en Amérique au début du XVIIe siècle. Ces chevaux étaient un mélange de chevaux coloniaux espagnols croisés avec des chevaux anglais importés dans les années 1700. Le cheval indigène et le cheval anglais ont été croisés, ce qui a donné un cheval musclé et compact. À cette époque, ils étaient principalement utilisés pour des travaux tels que le labourage et le travail du bétail. L'American Quarter Horse n'a pas été reconnu comme race officielle jusqu'à la création de l'American Quarter Horse Association en 1940. Pour réussir en course, les Quarter Horses doivent être capables de se propulser vers l'avant à une vitesse de sprint extrêmement rapide. Le Quarter Horse a des muscles des membres postérieurs beaucoup plus gros que l'Arabe, ce qui le rend beaucoup moins adapté aux courses d'endurance. Ils contiennent également davantage de fibres de type II-b, qui permettent au Quarter Horse d'accélérer rapidement. Lorsque les courses de Quarter Horse ont commencé, il était très coûteux de poser un mile complet de piste, il a donc été convenu qu'une piste droite de quatre cents mètres, soit un quart de mile, serait posée à la place. C'est devenu la distance de course standard pour les Quarter Horses et a inspiré leur nom. À l'exception des concours de distance plus longs, de 870 mètres, les courses de Quarter Horse se déroulent à fond, les chevaux courant à toute vitesse pendant toute la durée. Il y a moins de bousculades pour les positions, car les virages sont rares et de nombreuses courses se terminent avec plusieurs concurrents regroupés sur le fil. La surface de la piste est similaire à celle des courses de pur-sang et est généralement constituée de terre. Races de chevaux et structure musculaire Les muscles sont simplement des faisceaux de fibres filandreuses attachées aux os par des tendons. Ces faisceaux contiennent différents types de fibres et les chevaux se sont adaptés au fil des ans pour produire différentes quantités de ces fibres. Les fibres de type II-b sont des fibres à contraction rapide. Ces fibres permettent aux muscles de se contracter rapidement, ce qui entraîne beaucoup de puissance et de vitesse. Les fibres de type I sont des fibres à contraction lente. Ils permettent aux muscles de travailler plus longtemps, ce qui se traduit par une plus grande endurance. Les fibres de type II-a se trouvent au milieu. Ils constituent un équilibre entre les fibres à contraction rapide et les fibres à contraction lente. Ils permettent aux muscles de générer à la fois vitesse et endurance. Les muscles de type I sont absolument nécessaires à l’exercice aérobique car ils dépendent de la présence d’oxygène pour fonctionner. Les muscles de type II sont nécessaires aux exercices anaérobies car ils peuvent fonctionner sans présence d’oxygène. Les pur-sang possèdent plus de fibres musculaires de type II-a que le Quarter Horse ou l'Arabe. Ce type de fibre leur permet de se propulser vers l’avant à grande vitesse et de la maintenir sur une distance prolongée. Entraînement Le programme de conditionnement des différents chevaux varie en fonction de la durée de la course. La génétique, l'entraînement, l'âge et la solidité du squelette sont tous des facteurs qui contribuent aux performances d'un cheval. Nielsen, D.D. Député et W. Moyer. Principes scientifiques pour le conditionnement des chevaux de course et de performance.] Publication. Programme de sciences équines du Département des sciences animales de l'Université Texas A&M. 29 avril 2009 La structure musculaire et le type de fibres des chevaux dépendent de la race, c'est pourquoi la génétique doit être prise en compte lors de l'élaboration d'un plan de conditionnement. Le plan de remise en forme d'un cheval doit être correctement coordonné afin d'éviter les blessures ou les boiteries inutiles. Si cela devait se produire, cela pourrait avoir un effet négatif sur la volonté d'apprendre du cheval. Les exercices de sprint conviennent à l’entraînement des chevaux de course de deux ans, mais ils sont mentalement incapables d’en gérer un trop grand nombre. Le système squelettique d'un cheval s'adapte à l'exercice qu'il reçoit. Étant donné que le système squelettique n’atteint sa pleine maturité que lorsque le cheval a au moins quatre ans, les jeunes chevaux de course souffrent souvent de multiples blessures. Courses hippiques par continent Amérique du Nord États-Unis Les courses de chevaux aux États-Unis et sur le continent nord-américain remontent à 1665, année qui a vu la création du parcours Newmarket à Salisbury, New York, une section de ce qui est maintenant connu sous le nom de Hempstead Plains of Long Island, New York. Cette première compétition de courses en Amérique du Nord était supervisée par le gouverneur colonial de New York, Richard Nicolls. La zone est maintenant occupée par l'actuel comté de Nassau, New York, la région du Grand Westbury et d'East Garden City. La section South Westbury est (à juste titre) connue sous le nom de Salisbury. Le pari sur dépôt avancé est une forme de pari sur les résultats des courses de chevaux dans laquelle le parieur doit approvisionner son compte avant d'être autorisé à placer des paris. L'ADW est souvent effectuée en ligne ou par téléphone. Contrairement à ADW, les magasins de crédit autorisent les paris sans financement préalable ; les comptes sont réglés en fin de mois. Les propriétaires d'hippodromes, les entraîneurs de chevaux et les gouvernements des États reçoivent parfois une réduction des revenus de l'ADW. Aux États-Unis, les courses de plat pur-sang se déroulent sur des surfaces en terre battue, synthétiques ou en gazon. D'autres pistes proposent des courses de Quarter Horse et des courses de chevaux Standardbred, ou des combinaisons de ces trois types de surfaces de course. Les courses d'autres races, comme les courses de chevaux arabes, sont pratiquées sur une base limitée. Les courses de pur-sang américains se déroulent sur une grande variété de distances, le plus souvent de 5 à ; Dans cette optique, les éleveurs de chevaux de course pur-sang tentent d'élever des chevaux qui excellent sur une distance particulière (voir Indice de dosage). L'hippodrome de Pleasanton Fairgrounds, situé au parc des expositions du comté d'Alameda, est le plus ancien hippodrome d'Amérique, datant de 1858, date à laquelle il a été fondé par les fils de l'Espagnol Don Agustin Bernal. En 1665, le premier hippodrome fut construit à Long Island. Il s'agit de la plus ancienne race de pur-sang en Amérique du Nord. L'American Stud Book a été lancé en 1868, provoquant le début des courses de chevaux organisées aux États-Unis. Il y avait 314 pistes en activité aux États-Unis en 1890 ; et en 1894, l'American Jockey Club a été formé. 7 avril 2009. Le premier record de courses d'un quart de mile remontait à 1674 dans le comté de Henrico, en Virginie. Chaque course se composait de seulement deux chevaux et ils parcouraient les rues et ruelles du village. Le Quarter Horse doit son nom à la longueur de la course. Les courses duraient en effet « un quart » de mile, soit 400 mètres. La race de chevaux a été développée pour pouvoir démarrer rapidement et gagner la course. Le parc Belmont fait partie de la limite ouest des plaines de Hempstead. Sa piste principale d'un kilomètre et demi est le plus grand parcours de course de pur-sang en terre battue au monde et possède la plus grande tribune du sport. L'une des dernières grandes hippodromes ouverts aux États-Unis était le Meadowlands Racetrack, ouvert en 1977 pour les courses de pur-sang. C'est le siège de la Coupe Meadowlands. D'autres pistes ouvertes plus récemment incluent Remington Park, Oklahoma City, ouvert en 1988, et Lone Star Park dans le Metroplex de Dallas-Fort Worth, ouvert en 1997 ; cette dernière piste a accueilli la prestigieuse série de courses Breeders 'Cup en 2004. Les courses de chevaux pur-sang aux États-Unis ont leur propre Temple de la renommée à Saratoga Springs, New York. Le Temple de la renommée honore des chevaux, jockeys, propriétaires et entraîneurs remarquables. Le point culminant traditionnel des courses de chevaux aux États-Unis est le Kentucky Derby, qui a lieu le premier samedi de mai à Churchill Downs à Louisville, Kentucky. Ensemble, le Derby ; les Preakness Stakes, organisés deux semaines plus tard au Pimlico Race Course à Baltimore, Maryland ; et les Belmont Stakes, organisés trois semaines après le Preakness à Belmont Park à Long Island, forment la Triple Couronne des courses de pur-sang pour les enfants de trois ans. Ils ont tous lieu en début d'année, tout au long du mois de mai et début juin. Ces dernières années, les courses de la Breeders' Cup, organisées à la fin de l'année, ont défié les épreuves de la Triple Couronne en tant que déterminantes du champion des trois ans. La Breeders' Cup se déroule normalement sur une piste différente chaque année ; cependant, les éditions 2010 et 2011 ont eu lieu à Churchill Downs, et les courses 2012 et 2013 ont eu lieu au parc Santa Anita, tout comme l'édition 2014. Keeneland, à Lexington, KY, a accueilli la coupe des éleveurs 2015. L'événement Standardbred correspondant est la Breeders' Crown. Il existe également une triple couronne de courses sous harnais pour les Pacers et une triple couronne de courses sous harnais pour les trotteurs, ainsi qu'une triple couronne arabe composée des buveurs du Wind Derby en Californie, des Texas Six Shooter Stakes et du Bob Magness Derby en Californie. Delaware. Les paris américains sur les courses de chevaux sont sanctionnés et réglementés par l'État où se déroule la course. Les paris en diffusion simultanée existent dans tous les États avec une surveillance minimale, à l'exception des sociétés impliquées dans le jeu parimutuel légalisé. Un produit à emporter, ou « prise », est retiré de chaque pool de paris et distribué conformément à la loi de l'État, entre l'État, l'hippodrome et les cavaliers. Divers facteurs affectent les plats à emporter, à savoir l'emplacement et le type de pari placé. Une forme de jeu de parimutuel est l'Instant Racing, dans lequel les joueurs parient sur des rediffusions vidéo de courses. Canada Le cheval le plus célèbre du Canada est généralement considéré comme Northern Dancer, qui, après avoir remporté le Kentucky Derby, le Preakness et le Queen's Plate en 1964, est devenu le père de pur-sang le plus titré du 20e siècle ; son Derby en deux minutes chrono était le plus rapide jamais enregistré jusqu'à Secretariat en 1973. Le seul challenger à son titre de plus grand cheval canadien serait son fils Nijinsky II, qui est le dernier cheval à remporter la Triple Couronne anglaise. L'hippodrome de Woodbine (1956) à Toronto, domicile du Queen's Plate (1860), la première course de pur-sang à enjeux du Canada, et de la North America Cup (1984), la première course à enjeux de Standardbred au Canada, est la seule piste de course en Amérique du Nord qui accueille des pur-sang et Réunions Standardbred (attelage) le même jour. Le Pattison Canadian International possède la plus grande bourse de toutes les courses hippiques canadiennes. D'autres courses clés incluent Woodbine Oaks (1956), Prince of Wales Stakes (1929), Breeders' Stakes (1889) et Canadian Derby (1930). L'Europe  Belgique Les courses hippiques en Belgique se déroulent sur trois sites : l'Hippodrome Wellington à Ostende (ouvert en 1883 en l'honneur d'Arthur Wellesley, 1er duc de Wellington), l'Hippodrome Waregem à Waregem en Flandre et l'Hippodrome de Wallonie à Mons, en Wallonie. République tchèque Il existe 15 hippodromes en République tchèque, notamment l'hippodrome de Pardubice, où se déroule depuis 1874 la course la plus célèbre du pays, le Velka Pardubicka. Depuis 1907, des courses ont également lieu sur un hippodrome central à Prague - Velka Chuchle. Cependant, la première course officielle a été organisée en 1816 par l'empereur François II près de Kladruby nad Labem. La saison des courses de chevaux tchèque commence généralement début avril et se termine courant novembre. Les courses ont lieu principalement le week-end et il y a généralement une réunion le samedi et une le dimanche. Les courses hippiques ainsi que l'élevage de chevaux pur-sang sont organisés par le Jockey Club République tchèque, fondé en 1919. France La France possède l’une des principales industries hippiques d’Europe. Il abrite le célèbre Prix de l'Arc de Triomphe organisé à l'hippodrome de Longchamp, la course la plus riche d'Europe et la deuxième course sur gazon la plus riche au monde après la Coupe du Japon, avec un prix de 4 millions d'euros (environ 5,2 millions de dollars américains). . D'autres courses majeures incluent le Grand Prix de Paris, le Prix du Jockey Club (le Derby français) et le Prix de Diane. Outre Longchamp, les autres hippodromes de plat de premier plan en France comprennent Chantilly et Deauville. Il existe également un secteur des courses d'obstacles plus petit mais néanmoins important, l'hippodrome d'Auteil étant le plus connu. L'instance dirigeante du sport est France Galop. Grande Bretagne Les courses de chevaux en Grande-Bretagne sont principalement des courses de plat et d'obstacles pur-sang. C'est en Grande-Bretagne, entre le XVIIe et le XIXe siècle, que de nombreuses règles et réglementations du sport ont été établies. Bon nombre des plus grands jockeys du sport, notamment Sir Gordon Richards, sont britanniques. Le sport est réglementé par la British Horseracing Authority. Notez que l'autorité du BHA ne s'étend pas à l'Irlande du Nord : les courses en Irlande sont régies à l'échelle de toute l'Irlande. Hongrie La Hongrie a une longue tradition de courses de chevaux. Les premières courses de chevaux à Pest ont eu lieu le 6 juin 1827. Bien que les courses en Hongrie ne soient ni aussi populaires ni aussi prestigieuses qu'en Europe occidentale, le pays se distingue par la production de quelques excellents chevaux de course internationaux. Le plus important d'entre eux est Kincsem, né en 1874, et le cheval de course pur-sang le plus titré de tous les temps, ayant remporté 54 courses pour 54 départs. Plus récemment, le pays a produit Overdose, un cheval qui a remporté ses 12 premières courses, dont des courses de groupe en Allemagne et en Italie, et a terminé quatrième des King's Stand Stakes à Royal Ascot. Irlande L'Irlande a une riche histoire de courses de chevaux ; le point to point est né là-bas et, aujourd'hui encore, les courses d'obstacles sont plus populaires que les courses de plat. En conséquence, chaque année, les fans irlandais de courses de chevaux se rendent en grand nombre à l'événement phare du calendrier national de la chasse, le Festival de Cheltenham, et ces dernières années, les chevaux irlandais appartenant ou élevés ont dominé l'événement. L'Irlande possède une industrie d'élevage de pur-sang florissante, stimulée par un traitement fiscal favorable. Le plus grand haras de pur-sang au monde, Coolmore Stud, y possède sa ferme principale (en plus d'importantes opérations aux États-Unis et en Australie). Ces dernières années, les chevaux irlandais élevés et entraînés ont connu un succès considérable dans les grandes courses du monde entier. Divers chevaux ont remporté la victoire dans une ou plusieurs des 2000 Guinées britanniques, le Derby d'Epsom et le Prix de l'Arc de Triomphe, considérés comme les trois courses les plus prestigieuses d'Europe. Lors des 6 éditions du Derby d'Epsom entre 2008 et 2013, les chevaux irlandais ont occupé 20 des 30 premiers classements, remportant la course à 5 reprises. Italie Historiquement, l'Italie a été l'une des principales nations européennes de courses de chevaux, bien qu'elle soit loin derrière la Grande-Bretagne, l'Irlande et la France en termes de taille et de prestige. Le regretté éleveur de chevaux italien Federico Tesio est l'une des figures marquantes de l'industrie de l'élevage de pur-sang. Ces dernières années, cependant, le sport du pays a souffert d'une crise de financement majeure, qui a abouti à son exclusion du modèle européen. Bien que de peu d'importance dans le monde des courses de chevaux au sens large, une course italienne populaire est le Palio di Siena (connu localement sous le nom d'Il Palio), le palio le plus célèbre d'Italie, une course de chevaux organisée deux fois par an le 2 juillet et le 16 août à Sienne. , dans lequel le cheval et le cavalier représentent l'un des dix-sept Contrade, ou quartiers de la ville. Un magnifique spectacle précède la course, qui attire des visiteurs et des spectateurs du monde entier. Pays-Bas À Wassenaar à la Haye, il y a un parcours sur gazon à Duindigt. Pologne Les courses de chevaux en Pologne peuvent être datées de 1777 lorsqu'un cheval appartenant au noble polonais Kazimierz Rzewuski a battu le cheval du chargé d'affaires anglais, Sir Charles Whitworth, sur la route de Wola au château d'Ujazdów. Les premières courses de chevaux régulières ont été organisées en 1841 sur les champs de Mokotów à Varsovie par Towarzystwo Wyścigów Konnych i Wystawy Zwierząt Gospodarskich w Królestwie Polskim (en anglais, la Société des courses de chevaux au Congrès de Pologne). Le principal hippodrome de Pologne est l'hippodrome de Służewiec à Varsovie. L’industrie a été sévèrement limitée à l’époque communiste, lorsque les jeux de hasard, la principale source de financement, ont été rendus illégaux. Océanie Australie Les courses de chevaux en Australie ont été fondées au cours des premières années de la colonisation et l'industrie s'est développée pour figurer parmi les trois principales nations de courses de pur-sang au monde. La célèbre Melbourne Cup, la course qui arrête une nation, a récemment attiré de nombreuses inscriptions internationales. Dans les courses country, les archives indiquent que Goulburn a commencé à courir en 1834. Le premier club de courses country d'Australie a été créé à Wallabadah en 1852 et la Wallabadah Cup a toujours lieu le jour de l'An (l'hippodrome actuel a été construit en 1898). En Australie, le cheval de course le plus célèbre était Phar Lap (élevé en Nouvelle-Zélande), qui a couru de 1928 à 1932. Phar Lap a remporté la Melbourne Cup 1930. On se souvient du steeplechaser australien Crisp pour sa bataille avec le champion irlandais Red Rum lors du Grand National de 1973. En 2003-2005, la jument Makybe Diva (élevée en Grande-Bretagne) est devenue le seul cheval de course à avoir remporté la Melbourne Cup à trois reprises, sans parler des années consécutives. Dans les courses sous harnais, Cane Smoke a remporté 120 victoires, dont 34 en une seule saison, Paleface Adios est devenu un nom connu dans les années 1970, tandis que Cardigan Bay, un cheval de course néo-zélandais, a connu un grand succès aux plus hauts niveaux des courses sous harnais américaines en les années 1960. Plus récemment, Blacks A Fake a remporté quatre championnats Inter Dominion, faisant de lui le seul cheval à réaliser cet exploit lors de la première course sous harnais d'Australasie. L'équitation d'endurance de compétition a débuté en Australie en 1966, lorsque la Tom Quilty Gold Cup a eu lieu pour la première fois dans le district de Hawkesbury, près de Sydney, en Nouvelle-Galles du Sud. La Quilty Cup est considérée comme l'épreuve nationale d'endurance et il existe désormais plus de 100 épreuves d'endurance disputées à travers l'Australie, sur des distances allant de 80 km à 400 km. L'épreuve d'endurance la plus longue au monde est le Shahzada 400 km Memorial Test, qui se déroule sur cinq jours et parcourt 80 kilomètres par jour à St Albans, sur la rivière Hawkesbury, en Nouvelle-Galles du Sud. Dans toutes les épreuves d'endurance, des contrôles vétérinaires rigoureux sont effectués avant, pendant et après la compétition, au cours desquels le bien-être des chevaux est de la plus haute importance. Nouvelle-Zélande La course automobile est un sport établi de longue date en Nouvelle-Zélande, remontant à l'époque coloniale. Les courses de chevaux représentent une part importante de l'économie néo-zélandaise et généraient en 2004 1,3 % du PIB. On estime que l'impact indirect des dépenses consacrées aux courses a généré plus de 1,4 milliard de dollars d'activité économique en 2004 et créé 18 300 emplois équivalents temps plein. Plus de 40 000 personnes étaient impliquées à un titre ou à un autre dans l'industrie des courses en Nouvelle-Zélande en 2004. En 2004, plus d'un million de personnes ont assisté à des courses en Nouvelle-Zélande. Il existe 69 clubs de pur-sang et 51 clubs de harnais agréés en Nouvelle-Zélande. Les hippodromes sont situés dans 59 endroits à travers la Nouvelle-Zélande. L'industrie du sang est importante pour la Nouvelle-Zélande, avec l'exportation de chevaux – principalement vers l'Australie et l'Asie – générant plus de 120 millions de dollars par an. Au cours de la saison de courses 2008-09, 19 chevaux de race néo-zélandaise ont remporté 22 courses de groupe 1 à travers le monde. Les chevaux de course notables de Nouvelle-Zélande comprennent Cardigan Bay, Carbine, Nightmarch, Sunline, Desert Gold et Rising Fast. Phar Lap et Tulloch ont tous deux été élevés en Nouvelle-Zélande mais n'y ont pas couru. La plus célèbre d’entre elles est probablement Cardigan Bay. Stanley Dancer a conduit le cheval néo-zélandais Cardigan Bay à remporter 1 million de dollars de mises en 1968, le premier cheval d'attelage à franchir cette étape dans l'histoire américaine. Afrique Maurice Le 25 juin 1812, l'hippodrome du Champ de Mars est inauguré par le Mauritius Turf Club, fondé plus tôt la même année par le colonel Edward A. Draper. Le Champ de Mars est situé sur une avenue prestigieuse de Port Louis, la capitale et est le plus ancien hippodrome de l'hémisphère sud. Le Mauritius Turf Club est le troisième plus ancien club de turf actif au monde. Indéniablement, la course automobile est l'un des sports les plus populaires à Maurice, attirant désormais régulièrement des foules de 20 000 personnes ou plus sur le seul hippodrome de l'île. Un haut niveau de professionnalisme a été atteint dans l'organisation des courses au cours des dernières décennies, préservant l'ambiance électrisante unique qui règne les jours de course au Champ de Mars. Le Champ de Mars organise quatre événements classiques par an tels que : la Duchess of York Cup, la Barbé Cup, la Maiden Cup et la Duke of York Cup. La plupart des chevaux sont importés d'Afrique du Sud, mais certains sont également acquis d'Australie, du Royaume-Uni et de France. Afrique du Sud Les courses de chevaux sont un sport populaire en Afrique du Sud qui remonte à 1797. La première réunion enregistrée d'un club de courses a eu lieu cinq ans plus tard, en 1802. L'organisme national des courses de chevaux est connu sous le nom de National Horseracing Authority et a été fondé en 1882. Le principal événement, qui attire 50 000 personnes à Durban, est le Durban July Handicap, organisé depuis 1897 à l'hippodrome de Greyville. Il s'agit de l'événement le plus grand et le plus prestigieux du continent, avec des paris qui se chiffrent en centaines de millions de rands. Plusieurs vainqueurs de juillet ont remporté de grandes courses internationales, telles que Colorado King, London News et Ipi Tombe. Cependant, les autres courses majeures notables sont la Summer Cup, organisée à l'hippodrome de Turffontein à Johannesburg, et la J & B Met, qui se déroule sur le circuit de Kenilworth au Cap. Asie Chine Les courses de chevaux, sous une forme ou une autre, font partie de la culture chinoise depuis des millénaires. Les courses de chevaux étaient un passe-temps populaire pour l'aristocratie au moins sous la dynastie Zhou - 4ème siècle avant JC. Le stratagème du général Tian Ji concernant une course de chevaux reste peut-être l'histoire la plus connue sur les courses de chevaux à cette époque. Aux XVIIIe et XIXe siècles, les courses de chevaux et les sports équestres en Chine étaient dominés par les influences mongoles. Les courses de chevaux pur-sang sont arrivées en Chine avec les colonies britanniques au milieu des années 1800 et se sont notamment concentrées autour des ports du traité, y compris les deux principaux hippodromes de Shanghai, l'hippodrome de Shanghai et le terrain de loisirs international (à Kiang-wan), ainsi que les hippodromes de Tianjin. L'hippodrome de Kiang-wan a été détruit à l'approche de la Seconde Guerre sino-japonaise et le Shanghai Race Club a fermé ses portes en 1954. L'ancien hippodrome de Shanghai est aujourd'hui la Place du Peuple et le Parc du Peuple et l'ancien bâtiment du club était le Musée d'Art de Shanghai. Les courses de chevaux ont été interdites en République de Chine à partir de 1945, et la République populaire de Chine a maintenu l'interdiction après 1949, bien que des tolérances aient été accordées aux minorités ethniques pour lesquelles les sports équestres constituent un élément culturel.

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Quel sport est célèbre pour Amr Shabana d'Égypte ?

Squash

Amr Shabana (né le 20 juillet 1979 au Caire) est un ancien joueur de squash professionnel égyptien. Il a remporté l'Open mondial en 2003, 2005, 2007 et 2009, et a atteint le classement mondial n°1 en 2006. Il a représenté l'équipe égyptienne gagnante aux Championnats du monde de squash par équipes masculins de 1999 organisés au Caire et aux Championnats du monde de squash par équipes masculins de 2009. organisé au Danemark. Les réalisations de Shabana dans le squash professionnel amènent beaucoup à le considérer comme l'un des plus grands joueurs de tous les temps. Aperçu de carrière Le talentueux gaucher du Caire a montré pour la première fois ses promesses lorsqu'il était finaliste (derrière son compatriote Ahmed Faizy) du British Under-14 Open en janvier 1993. Quatre ans plus tard, il atteignait la finale du British Under-19 Open, où il a encore perdu contre Faizy. Membre du PSA depuis 1995, Amr a remporté son premier titre du Tour avec l'aide de Bryan "Griffin" Knight en juillet 1999, remportant l'Open de Puebla au Mexique. Sept jours plus tard, il remporte à nouveau son deuxième, l'Open du Mexique, en battant l'Australien Craig Rowland en finale. Amr Shabana a couronné une année remarquable en 2003 lorsque, en tant que neuvième tête de série, il s'est frayé un chemin à travers un peloton de stars lors de l'Open mondial au Pakistan. Il a éliminé le tenant du titre David Palmer, troisième tête de série, en cinq matchs au troisième tour. Il a ensuite éliminé le coéquipier australien de Palmer, Anthony Ricketts, lors des huitièmes de finale. Après avoir battu Karim Darwish (le numéro 1 égyptien) lors d'une demi-finale de quatre matchs, Shabana a décroché le titre historique en battant Thierry Lincou en finale 15-14, 9-15, 15-11, 15-7, pour devenir le champion égyptien. premier vainqueur du premier titre du sport. Mais après une année suivante décevante, au cours de laquelle sa seule apparition finale fut au British Open Squash Championship en Angleterre, perdant contre David Palmer en quatre matchs 10-11 (4-6), 11-7, 11-10 (3-1). ), 11-7, Shabana est revenu au sommet de son art en 2005. En peu de temps, il a acquis un nouvel entraîneur, Ahmed Tahir ; un nouveau manager, l'ancien international égyptien Omar Elborolossy ; et une épouse, Nadjla. "Tout ce dont je dois m'inquiéter maintenant, c'est de jouer mes matchs. Tout le reste est réglé pour moi désormais", a déclaré Shabana. Et l'effet était évident : une semaine après avoir remporté l'Open d'Héliopolis dans sa ville natale du Caire, Shabana, septième tête de série, a battu David Palmer et James Willstrop, avant de battre Anthony Ricketts en finale pour remporter la couronne de l'Open de St Louis aux États-Unis. États. L'événement suivant a vu l'Égyptien en forme écarter toute opposition lors de l'Open de Hongrie à Budapest, remportant son troisième titre en autant de semaines après avoir battu Grégory Gaultier en finale. Mais le World Open de Hong Kong a incontestablement confirmé sa renaissance. Classé cinquième, Amr a écrasé la quatrième tête de série Lee Beachill en quarts, Peter Nicol en demi-finale et, lors de sa troisième victoire consécutive en matchs consécutifs, a battu David Palmer 11-6 11-7 11-8 en finale pour devenir le premier joueur. depuis l'apogée des Khans pour remporter le titre World Open pour la deuxième fois. La nouvelle année a apporté des récompenses continues à Shabana avec des victoires à la Classique canadienne en janvier, suivies du Tournoi des Champions à New York en mars et du Bermuda PSA Masters en avril – portant son total de titres sur le PSA Tour à 12, puis en avril. En 2006, Shabana est devenue la première joueuse égyptienne à atteindre le numéro 1 mondial. En 2007, Shabana a été couronné champion du monde pour la troisième fois en cinq ans à l'Open mondial des Bermudes et plus tard, en janvier 2009, le règne de 33 mois de Shabana en tant que numéro un mondial a été mis fin par son compatriote Karim Darwish. En 2014, Shabana est devenu le professionnel le plus âgé à remporter un titre des World Series en battant Gregory Gaultier en finale du Tournoi des Champions. Le 27 août 2015, Shabana a annoncé sa retraite du squash professionnel de compétition. Apparitions finales du World Open 4 titres & 0 finaliste Apparitions finales des Majors World Series British Open : 1 finale (0 titre, 1 finaliste) Open de Hong Kong : 4 finales (4 titres, 0 finaliste) Qatar Classic : 3 finale (1 titre, 2 vice-champion) US Open : 4 finales (2 titres, 2 finalistes) Statistiques de carrière Énumérés ci-dessous. Titres PSA (30) Tous les résultats de Amr Shabana dans le tournoi PSA World's Tour Remarque : (retraité), min minutes, h = heures Finales du PSA Tour (finaliste) (11) Shabana après avoir remporté l'AON US Open. Chronologie des performances en simple Pour éviter toute confusion et double comptage, les informations de ce tableau ne sont mises à jour qu'une fois le tournoi ou la participation du joueur au tournoi terminé. Remarque : NA = Non disponible

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Quel dramaturge britannique a été tué à coups de marteau par son amant Keith Haliwell en 1967 ?

Joe Orton

John Kingsley « Joe » Orton (1er janvier 1933 – 9 août 1967) était un dramaturge et auteur anglais. Sa carrière publique fut courte mais prolifique, s'étalant de 1964 jusqu'à sa mort trois ans plus tard. Durant cette brève période, il choqua, indigna et amusa le public avec ses comédies noires scandaleuses. L'adjectif Ortonesque est parfois utilisé pour désigner une œuvre caractérisée par un cynisme tout aussi sombre mais farfelu. Début de la vie Orton est né à la maternité Causeway Lane, Leicester, de William A. Orton et Elsie M. Orton (née Bentley). William a travaillé pour le conseil d'arrondissement du comté de Leicester en tant que jardinier et Elsie a travaillé dans l'industrie locale de la chaussure jusqu'à ce que la tuberculose lui coûte un poumon. Quand Joe avait deux ans, ils ont déménagé du 261 Avenue Road Extension à Clarendon Park, Leicester, au domaine municipal de Saffron Lane. Il eut bientôt un jeune frère, Douglas, et deux jeunes sœurs, Marilyn et Leonie. Orton a fréquenté l'école primaire de Marriot Road, mais a échoué à l'examen de onze ans et plus après de longues crises d'asthme, et a donc suivi un cours de secrétariat au Clark's College de Leicester de 1945 à 1947. Il a ensuite commencé à travailler comme commis junior avec 3 £ par semaine. Orton s'est intéressé au théâtre vers 1949 et a rejoint un certain nombre de sociétés dramatiques différentes, dont la prestigieuse Leicester Dramatic Society. Tout en travaillant sur des productions amateurs, il était également déterminé à améliorer son apparence et son physique, en achetant des cours de musculation, en prenant des cours d'élocution et en essayant de remédier à son manque d'éducation et de culture. Il postula pour une bourse à la Royal Academy of Dramatic Art (RADA) en novembre 1950. Il fut accepté et quitta les East Midlands pour Londres. Son entrée au RADA fut retardée jusqu'en mai 1951 à cause d'une appendicite. Orton a rencontré Kenneth Halliwell à RADA en 1951 et a emménagé dans un appartement de West Hampstead avec lui et deux autres étudiants en juin de la même année. Halliwell avait sept ans de plus qu'Orton et disposait de moyens indépendants, possédant un héritage substantiel. Ils ont rapidement noué une relation solide et sont devenus amants. Après avoir obtenu leur diplôme, Orton et Halliwell se sont lancés dans le travail de répertoire régional : Orton a passé quatre mois à Ipswich en tant que régisseur adjoint ; Halliwell à Llandudno, au Pays de Galles. Tous deux retournèrent à Londres et commencèrent à écrire ensemble. Ils ont collaboré à un certain nombre de romans inédits (imitant souvent Ronald Firbank) sans succès pour obtenir une publication. Le rejet de leur grand espoir, Les Derniers Jours de Sodome, les conduit en 1957 à des œuvres solos. Orton a écrit son dernier roman, The Vision of Gombold Proval (publié à titre posthume sous le titre Head to Toe), en 1959. Il s'inspirera plus tard de ces manuscrits pour trouver des idées ; beaucoup donnent un aperçu de son style de jeu sur scène. Confiants dans leur « particularité », Orton et Halliwell ont refusé de travailler pendant de longues périodes. Ils subsistaient grâce à l'argent de Halliwell (et aux allocations de chômage) et étaient contraints de suivre une vie ascétique pour limiter leurs dépenses à 5 £ par semaine. De 1957 à 1959, ils ont travaillé pendant six mois chez Cadbury pour récolter des fonds pour un nouvel appartement ; ils ont emménagé dans un petit appartement austère au 25 Noel Road à Islington en 1959. Crimes et châtiments Le manque de travail sérieux les conduisait à s'amuser avec des farces et des canulars. Orton a créé l'alter ego Edna Welthorpe, une vieille snob du théâtre, qu'il ressuscitera plus tard pour susciter la controverse sur ses pièces. Orton a choisi le nom comme une allusion à "Tante Edna" de Terence Rattigan, l'archétype du spectateur de Rattigan. À partir de janvier 1959, ils commencèrent à retirer subrepticement des livres de plusieurs bibliothèques publiques locales et à modifier la couverture ou les présentations avant de les remettre dans les rayons. Un volume de poèmes de John Betjeman, par exemple, a été rendu à la bibliothèque avec une nouvelle jaquette comportant une photographie d'un homme d'âge moyen presque nu, lourdement tatoué. Le couple a décoré leur appartement avec de nombreuses gravures. Ils furent finalement découverts et poursuivis en mai 1962. Ils furent reconnus coupables de cinq chefs d'accusation de vol et de dommages malveillants, reconnurent avoir endommagé plus de 70 livres et furent condamnés à six mois de prison (libérés en septembre 1962) et à une amende de 262 £. L'incident a été rapporté dans le Daily Mirror sous le titre "Gorilla in the Roses". Orton et Halliwell ont estimé que cette phrase était indûment dure « parce que nous étions pédés ». Cependant, la prison serait une expérience formatrice cruciale pour Orton ; l'isolement d'Halliwell lui permettrait de se libérer de lui de manière créative ; et il verrait clairement ce qu’il considérait comme la corruption, l’orgueil et les deux poids, deux mesures d’un pays prétendument libéral. Comme l'a dit Orton : "Cela a affecté mon attitude envers la société. Avant que j'aie vaguement conscience de quelque chose de pourri quelque part, la prison a cristallisé cela. La vieille société de putains a vraiment relevé ses jupes et la puanteur était assez nauséabonde.... Être dans le Nick a apporté du détachement à mon écriture. Je n'étais plus impliqué et tout d'un coup, ça a fonctionné. Les couvertures de livres vandalisées par Orton et Halliwell sont depuis devenues une partie précieuse de la collection du Centre d'histoire locale d'Islington. Certains sont exposés au musée d'Islington. Une collection de couvertures de livres est disponible en ligne. Dramaturge Percée Orton a commencé à écrire des pièces de théâtre au début des années 1960. Finalement, en 1963, la BBC a payé 65 £ pour la pièce radiophonique The Ruffian on the Stair, diffusée le 31 août 1964. Elle a été largement réécrite pour la scène en 1966. Orton se délectait de sa réussite et publiait de nouvelles œuvres. Il avait terminé Entertaining Mr Sloane au moment de la diffusion de Ruffian. Il en envoya une copie à l'agent de théâtre Peggy Ramsay en décembre 1963. Elle fut créée au New Arts Theatre le 6 mai 1964, produite par Michael Codron. Les critiques allaient de l’éloge à l’indignation. Divertir M. Sloane a perdu de l'argent au cours de ses trois semaines, mais les éloges critiques du dramaturge Terence Rattigan, qui y a investi 3 000 £, ont assuré sa survie. La pièce a été transférée au Wyndham's Theatre dans le West End fin juin et au Queen's Theatre en octobre. Sloane est arrivé premier à égalité dans le sondage des critiques de variétés pour la « Meilleure nouvelle pièce » et Orton est arrivé deuxième pour le « Dramaturge le plus prometteur ». En moins d'un an, Sloane était joué à New York, en Espagne, en Israël et en Australie, et transformé en film (après la mort d'Orton) et en pièce de théâtre pour la télévision. Butin L'œuvre suivante d'Orton était Loot. La première ébauche a été écrite entre juin et octobre 1964 et s'appelait Funeral Games, un titre qu'Orton abandonnerait à la suggestion de Halliwell mais qu'il réutiliserait plus tard. La pièce est une parodie sauvage de fiction policière, ajoutant la farce la plus noire et les idées établies sur la mort, la police, la religion et la justice. Orton a offert la pièce à Codron en octobre 1964 et elle a subi des réécritures radicales avant d'être jugée adaptée au West End (par exemple, le personnage de « l'inspecteur Truscott » n'avait que huit lignes dans le premier acte initial). Codron avait amené Orton à rencontrer son collègue Kenneth Williams en août 1964. Orton a retravaillé Loot en pensant à Williams pour Truscott. Son autre inspiration pour le rôle était DS Harold Challenor. Avec le succès de Sloane, Loot a été précipité en pré-production malgré ses défauts évidents. Les répétitions commencèrent en janvier 1965, avec des plans pour une tournée de six semaines culminant avec un début dans le West End. La pièce a débuté à Cambridge le 1er février avec des critiques cinglantes. Orton, en désaccord avec le réalisateur Peter Wood sur l'intrigue, a produit 133 pages de nouveau matériel pour remplacer ou ajouter aux 90 pages originales. La pièce a reçu de mauvaises critiques à Brighton, Oxford, Bournemouth, Manchester et enfin Wimbledon à la mi-mars. . Découragés, Orton et Halliwell partent en vacances pendant 80 jours à Tanger, au Maroc. En janvier 1966, Loot est relancé, avec Oscar Lewenstein prenant une option. Avant sa production, il a eu une courte diffusion (du 11 au 23 avril) au University Theatre de Manchester. L'expérience croissante d'Orton l'a amené à couper plus de 600 lignes, augmentant ainsi le tempo et améliorant les interactions des personnages. Mise en scène par Braham Murray, la pièce a recueilli des critiques plus favorables. Lewenstein, encore un peu cool, a placé la production londonienne dans une « sorte de théâtre du Off-West End », le Jeannetta Cochrane Theatre de Bloomsbury, sous la direction de Charles Marowitz. Orton s'est affronté avec Marowitz, bien que les coupures supplémentaires sur lesquelles ils ont accepté d'améliorer encore le jeu. Cette production a été créée pour la première fois à Londres le 27 septembre 1966 et a reçu des critiques élogieuses. Ronald Bryden dans The Observer a affirmé qu'il avait « établi la niche d'Orton dans le drame anglais ». Loot a déménagé au Criterion Theatre en novembre où il a présenté 342 représentations. Cette fois, le film remporta plusieurs prix et il vendit les droits du film pour 25 000 £. Loot, lors de sa représentation à Broadway en 1968, a répété l'échec de Sloane, et la version cinématographique de la pièce n'a pas été un succès lorsqu'elle a fait surface en 1970. Travaux ultérieurs Orton était au plus haut après la réception de Loot. Au cours des dix mois suivants, il a révisé The Ruffian on the Stair et The Erpingham Camp pour la scène en tant que double intitulé Crimes of Passion, a écrit Funeral Games, a écrit le scénario Up Against It pour les Beatles et sa dernière pièce complète What la scie de majordome. The Erpingham Camp, la version d'Orton des Bacchae, écrite jusqu'au milieu de 1965 et proposée à Rediffusion en octobre de la même année, a été diffusée le 27 juin 1966 en tant que segment « fierté » de leur série Seven Deadly Sins. Le Bon et fidèle serviteur était une œuvre de transition pour Orton. Pièce télévisée en un acte, elle fut achevée en juin 1964 mais diffusée pour la première fois par Associated-Rediffusion le 6 avril 1967. Orton a écrit et réécrit Funeral Games quatre fois de juillet à novembre 1966. Créée pour une série Rediffusion de 1967, The Seven Deadly Virtues, la pièce d'Orton traitait de la charité, en particulier de la charité chrétienne, dans une confusion d'adultère et de meurtre. Rediffusion n'a pas utilisé la pièce ; au lieu de cela, il a été réalisé comme l'une des premières productions de la nouvelle société ITV Yorkshire Television et diffusé à titre posthume le 26 août 1968. En mars 1967, Orton et Halliwell avaient prévu de nouvelles vacances prolongées en Libye, mais ils rentrèrent chez eux au bout d'une journée car le seul hôtel qu'ils pouvaient trouver était un bateau transformé en hôtel/discothèque. Orton travaillait dur, énergique et heureux ; Halliwell était de plus en plus déprimé, argumentatif et en proie à des maladies mystérieuses. La farce autrefois controversée d'Orton, What The Butler Saw, a fait ses débuts dans le West End après sa mort en 1969. Elle a débuté au Queen's Theatre avec Sir Ralph Richardson, Coral Browne, Stanley Baxter et Hayward Morse. Meurtre Le 9 août 1967, Kenneth Halliwell a matraqué à mort Orton, 34 ans, à son domicile du 25 Noel Road, Islington, Londres, avec neuf coups de marteau à la tête, puis s'est suicidé avec une surdose de 22 comprimés de Nembutal arrosés de le jus de pamplemousse en conserve. Les enquêteurs ont déterminé qu'Halliwell était mort en premier, car les draps d'Orton étaient encore chauds. L'édition du 22 novembre 1970 du Sunday Times rapportait que le 5 août 1967, quatre jours avant le meurtre, Orton s'était rendu au pub Chelsea Potter sur King's Road. Il a rencontré son ami Peter Nolan, qui a ensuite témoigné lors de l'enquête selon lequel Orton lui avait dit qu'il avait un autre petit ami et qu'il voulait mettre fin à sa relation avec Halliwell, mais qu'il ne savait pas comment s'y prendre. La dernière personne à avoir parlé à Halliwell était son médecin, qui s'est arrangé pour qu'un psychiatre le voie le lendemain matin. Il a parlé à Halliwell trois fois au téléphone. Le dernier appel a eu lieu à 22 heures. Michael Thornton, critique-ami-Michael-Thornton.html « Pourquoi je me blâme pour le meurtre du dramaturge des années 60 Joe Orton »], Mail Online, 4 avril 2009. Halliwell a pris l'adresse du psychiatre et a déclaré : « Ne vous inquiétez pas, je suis Je me sens mieux maintenant. J'irai voir le médecin demain matin. Halliwell s'était senti de plus en plus menacé et isolé par le succès d'Orton et en était venu à dépendre des antidépresseurs et des barbituriques. Les corps ont été découverts le lendemain matin lorsqu'un chauffeur est arrivé pour emmener Orton à une réunion avec le réalisateur Richard Lester pour discuter des options de tournage de Up Against It. Halliwell a laissé une note de suicide, informant la police que tout serait expliqué s'ils lisaient le journal d'Orton, "surtout la dernière partie". Les journaux ont depuis été publiés. Orton a été incinéré au crématorium Golders Green, son cercueil drapé de tissu marron étant amené dans la chapelle ouest pour un enregistrement de la chanson des Beatles " A Day in the Life ". Harold Pinter a lu l'éloge funèbre, concluant par "C'était un écrivain vraiment merveilleux". Selon les mémoires de Dennis Dewsnap, What's Sex Got To Do With It (The Syden Press, 2004), Orton et Halliwell ont mélangé leurs cendres et ont été enterrés ensemble. Dewsnap écrit à propos de l'agent d'Orton, Peggy Ramsay : "... Lors de la dispersion des cendres de Joe et de Kenneth, sa sœur en prit une poignée dans les deux urnes et dit : 'Un peu de Joe et un peu de Kenneth. Je pense que peut-être un un peu plus de notre Joe, et puis un peu plus de Kenneth. Ce à quoi Peggy a déclaré: "Allez, chérie, ce n'est qu'un geste, pas une recette. Elle a décrit les proches d'Orton comme simplement "les petites gens de Leicester", laissant une note froide et indescriptible et un bouquet en leur nom aux funérailles. Les cendres d'Orton reposent dans la section 3-C du Jardin du Souvenir à Golders Green. Il n'y a pas de mémorial. L'héritage d'Orton perdure dans sa ville natale, Leicester ; le développement du « quartier culturel » de la ville, une ancienne zone industrielle, se poursuit à un rythme soutenu et le nouveau théâtre, Curve, le développement central du quartier, dispose d'un nouveau hall piétonnier devant l'entrée principale du théâtre nommé « Orton Square ». Curve a officiellement ouvert ses portes le 4 décembre 2008. Biographie et cinéma, radio, télévision La biographie d'Orton par John Lahr, intitulée Prick Up Your Ears (un titre qu'Orton lui-même avait envisagé d'utiliser), a été publiée en 1978. L'adaptation cinématographique de 1987 est basée sur les journaux d'Orton et sur les recherches de Lahr. Réalisé par Stephen Frears, il met en vedette Gary Oldman dans le rôle d'Orton, Alfred Molina dans le rôle de Halliwell et Vanessa Redgrave dans le rôle de Peggy Ramsay. Alan Bennett a écrit le scénario. (Le titre original d'Orton, conçu quelque temps avant le livre de Lahr, devait être Prick Up Your Erse, le reste étant une prononciation de cul.) Carlos Be a écrit une pièce sur les derniers jours d'Orton et Halliwell, Noel Road 25: A Genius Like Us, jouée pour la première fois en 2001. Elle a reçu sa première à New York en 2012, produite par Repertorio Español. Joe Orton a été joué par l'acteur Kenny Doughty dans le film de la BBC de 2006 Kenneth Williams : Fantabulosa !, avec Michael Sheen dans le rôle de Kenneth Williams. On sait que deux enregistrements d'archives d'Orton ont survécu : une courte interview à la radio de la BBC transmise pour la première fois en août 1967 et un enregistrement vidéo, détenu par le British Film Institute, de son apparition dans l'émission de discussion ITV d'Eamonn Andrews transmis le 23 avril 1967. Pièces * Fred et Madge (écrit en 1959, publié en 2001) * Les Visiteurs (écrit en 1961, publié en 2001) * The Ruffian on the Stair (première représentation 1964) Pièce radiophonique * Entertaining Mr Sloane (première représentation 1964) * Butin (première représentation 1965) * The Erpingham Camp (création 1966) * Le Bon et Fidèle Serviteur (création 1967) * Jeux Funéraires (première représentation 1968) * What the Butler Saw (première représentation 1969) * Contre cela (scénario) Des romans * De la tête aux pieds (publié en 1971) * Entre nous les filles (publié en 2001) * Lord Cucumber and The Boy Hairdresser (co-écrit avec Halliwell) (publié en 1999)

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Quel est le surnom de la star du baseball Jimmie Foxx ?

Double X

James Emory "Jimmie" Foxx (22 octobre 1907 - 21 juillet 1967), surnommé "Double X" et "The Beast", était un joueur de premier but de baseball américain qui a joué 20 saisons dans la Major League Baseball (MLB) pour les Athletics de Philadelphie. , les Red Sox de Boston, les Cubs de Chicago et les Phillies de Philadelphie. Ses années les plus productives ont été avec les Athletics de Philadelphie et les Red Sox de Boston, où il a réussi 30 circuits ou plus en 12 saisons consécutives et a réalisé plus de 100 points en 13 années consécutives. Foxx est devenu le deuxième joueur de l'histoire de la MLB à réussir 500 circuits en carrière, après Babe Ruth. Atteignant ce plateau à l'âge de 32 ans et 336 jours, il a détenu le record du plus jeune à atteindre 500 ans pendant soixante-huit ans, jusqu'à ce qu'il soit remplacé par Alex Rodriguez en 2007. Ses trois prix de joueur le plus utile en carrière sont à égalité au deuxième rang de tous les temps. Foxx a été intronisé au Temple de la renommée du baseball national en 1951. Premières années Foxx est né à Sudlersville, Maryland, le 22 octobre 1907, de Dell et Mattie Foxx, qui étaient agriculteurs. Dell Foxx avait joué au baseball pour une équipe municipale lorsqu'il était plus jeune. Jimmie Foxx a bien réussi à l'école mais excellait dans les sports, en particulier le football, l'athlétisme et le baseball. Il a pratiqué les trois sports à la Sudlersville High School. Foxx a abandonné ses études secondaires très tôt pour rejoindre une équipe de ligue mineure dirigée par l'ancien grand joueur des Athletics de Philadelphie, Frank "Home Run" Baker. Foxx avait espéré lancer ou jouer au troisième but, mais comme l'équipe manquait de receveurs, Foxx s'est déplacé derrière le marbre. Il a immédiatement suscité l'intérêt des Athletics et des Yankees de New York. Foxx a signé avec les A et a fait ses débuts dans les ligues majeures en mai 1925 à l'âge de 17 ans. Il était encore en première année de lycée à l'époque. Carrière dans les ligues majeures Athlétisme de Philadelphie Les tâches de capture des A étaient déjà remplies par le futur membre du Temple de la renommée du baseball, Mickey Cochrane, donc en 1927, Foxx partageait son temps entre la capture, la première base et le champ extérieur. En 1929, installé comme joueur de premier but régulier des A, Foxx a connu une année décisive, avec une frappe de .354 et 33 circuits. Cette année-là, Foxx est apparu sur la couverture de Time. En 1932, Foxx a atteint 0,364, avec 58 circuits avec 169 points produits, manquant la Triple Couronne de seulement trois points en moyenne au bâton. Foxx a en fait réussi 60 circuits cette année-là, ce qui aurait égalé le record de Babe Ruth, mais deux des circuits ont été frappés lors de matchs qui ont fini par pleuvoir, donc les circuits ne comptaient pas. Le joueur de premier but des Red Sox de Boston, Dale Alexander, a atteint 0,367, mais en seulement 454 apparitions au marbre ; il n'aurait pas remporté le titre au bâton selon les règles actuelles, qui sont basées sur 3,1 apparitions au marbre par match d'équipe joué. Foxx a remporté la Triple Couronne la saison suivante, avec une moyenne au bâton de 0,356, 163 points produits et 48 circuits. Il a remporté les honneurs consécutifs de MVP en 1932 et 1933. Foxx était l’un des trois ou quatre cogneurs les plus redoutés de son époque. Le grand lanceur Yankee Lefty Gomez a dit un jour de lui : « Il a des muscles dans les cheveux ». En 1937, Foxx a frappé une balle dans le troisième pont des tribunes du champ gauche du Yankee Stadium de New York, un exploit très rare en raison de la distance et de l'angle des tribunes. Gomez est le lanceur qui l'a abandonné, et lorsqu'on lui a demandé jusqu'où il était allé, il a répondu : "Je ne sais pas, mais je sais qu'il a fallu 45 minutes à quelqu'un pour monter là-bas et le récupérer." Lorsque la Grande Dépression a frappé de plein fouet au début des années 1930, la propriétaire de A, Connie Mack, n'a pas été en mesure de payer les salaires de ses stars bien payées et a été obligée d'en vendre un certain nombre. Après un différend contractuel en 1936, Mack vendit le contrat de Foxx aux Red Sox de Boston pour 150 000 $. Red Sox de Boston Foxx a joué six ans pour Boston, dont une saison 1938 au cours de laquelle il a réussi 50 circuits, réalisé 175 points, frappé 0,349, remporté son troisième prix MVP et a encore une fois raté de peu la triple couronne. Foxx est l'un des neuf joueurs à avoir remporté trois MVP ; seul Barry Bonds (7) en a plus. Le 16 juin 1938, il établit un record de la Ligue américaine en marchant six fois dans un match. En 1939, il a atteint 0,360, sa deuxième meilleure moyenne au bâton de tous les temps. Ses 50 circuits resteront le record d'une saison pour les Red Sox jusqu'à ce que David Ortiz en atteigne 54 en 2006. Cubs de Chicago et Phillies de Philadelphie Les compétences de Foxx ont considérablement diminué après 1941. Certaines sources attribuent cela à un problème d'alcool, tandis que d'autres l'attribuent à un problème de sinus. Il partagea la saison 1942 entre les Red Sox et les Cubs de Chicago, jouant principalement un rôle de réserve. Il a raté la saison 1943 et n'est apparu que dans 15 matchs en 1944, principalement en tant que frappeur de pincement. Il a terminé sa carrière avec les Phillies de Philadelphie en 1945, remplaçant aux premier et troisième rangs, frappant par pincement et lançant neuf matchs, dont deux en tant que lanceur partant. Il a compilé un record de 1-0 et une MPM de 1,59 en 22 manches. Foxx était souvent appelé le droitier Babe Ruth, mais sa carrière était à l'opposé de Ruth à cet égard. Ruth a commencé sa carrière dans la grande ligue en tant que lanceur ; Foxx a terminé sa carrière dans la grande ligue comme tel. Foxx a terminé sa carrière de 20 ans avec 534 circuits, 1 922 points produits et une moyenne au bâton de 0,325. Ses 12 saisons consécutives avec 30 circuits ou plus constituaient un record des ligues majeures jusqu'à ce qu'il soit battu par Barry Bonds en 2004. À la fin de sa carrière, ses 534 circuits le plaçaient au deuxième rang derrière Ruth sur la liste de tous les temps, et premier parmi les frappeurs droitiers. Il a conservé ces postes jusqu'à ce que Willie Mays dépasse Foxx pour la deuxième place en 1966. Foxx a été élu au Temple de la renommée du baseball en 1951. Carrière après le baseball Foxx a travaillé comme manager et entraîneur de ligue mineure après la fin de ses jours de jeu, notamment en gérant les Fort Wayne Daisies de la All-American Girls Professional Baseball League pendant une saison en 1952. /profiles/foxx-james-e/689 James E. Foxx AAGPBL Joueur/Profil] Il les a emmenés aux séries éliminatoires où ils ont perdu au premier tour 2 matchs à 1 contre les Rockford Peaches. Foxx n'est pas revenu pour la saison 1953. Foxx a été entraîneur-chef de l'équipe de baseball de l'Université de Miami pendant deux saisons, avec une fiche de 9 à 8 en 1956 et de 11 à 12 en 1957. Une série de mauvais investissements ont laissé Foxx faire faillite en 1958. Il a pris sa retraite dans la banlieue de Cleveland à Lakewood et a été employé par le département des loisirs de Lakewood. Ses deux enfants, une fille et un fils, vivaient également à Lakewood. Son fils, Jimmie Foxx, Jr., était un joueur de football exceptionnel à la Lakewood High School et à la Kent State University. Foxx avait un terrain de baseball urbain nommé en son honneur. La cérémonie d'inauguration comprenait le fils de Foxx, ses petits-enfants et plusieurs anciens membres des Indiens de Cleveland, dont Herb Score et Mike Hegan. L'annonceur télé Casey Coleman, fils de l'annonceur Ken Coleman, a été maître de cérémonie de l'événement. Une plaque commémorant le service communautaire de Foxx y reste aujourd'hui. La mort Foxx est décédé en 1967 à 59 ans à Miami, en Floride. Il est tombé malade alors qu'il dînait avec son frère et a été transporté à l'hôpital, où les efforts de réanimation ont échoué. Une autopsie a montré que Foxx s'était étouffé avec un morceau de nourriture. L'année précédente, la deuxième épouse de Foxx, Dorothy, était également morte d'étouffement. Foxx est enterré au Flagler Memorial Park à Miami. Héritage Une statue de Foxx a été érigée dans sa ville natale de Sudlersville, Maryland, le 25 octobre 1997. En 1999, il s'est classé 15e sur la liste des 100 plus grands joueurs de baseball de The Sporting News. /legendary/lisn100.shtml 100 plus grands joueurs de baseball par The Sporting News : Une liste légendaire par Baseball Almanac] et a été nominé pour l'équipe de tous les siècles de la Ligue majeure de baseball. Le personnage de Tom Hanks, Jimmy Dugan, dans le film A League of Their Own était en grande partie basé sur Foxx et Hack Wilson, bien que les producteurs aient pris un certain nombre de libertés en créant le rôle. Foxx est mentionné dans le poème « Line-Up for Yesterday » d'Ogden Nash :

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En quelle année a eu lieu la prise de la Bastille, qui a déclenché la Révolution française ?

1789

La prise de la Bastille () a eu lieu à Paris, en France, dans l'après-midi du 14 juillet 1789. La forteresse médiévale et la prison de Paris, connues sous le nom de Bastille, représentaient l'autorité royale au centre de Paris. La prison ne contenait que sept détenus au moment de sa prise d'assaut mais était un symbole des abus de la monarchie ; sa chute fut le point d’éclair de la Révolution française. En France, Le quatorze juillet (14 juillet) est un jour férié, généralement appelé Bastille Day en anglais. Arrière-plan Sous le règne de Louis XVI, la France a été confrontée à une crise économique majeure, en partie déclenchée par le coût de l'intervention dans la Révolution américaine, et exacerbée par un système fiscal régressif. Le 5 mai 1789, les États généraux de 1789 se réunissent pour traiter de cette question, mais ils sont freinés par des protocoles archaïques et le conservatisme du Second État, composé de la noblesse et qui ne représente alors que 2 % de la population française. Le 17 juin 1789, le Tiers État, avec ses représentants issus du peuple, se reconstitue en Assemblée nationale, organe dont le but est la création d'une constitution française. Le roi s'est d'abord opposé à cette évolution, mais a été contraint de reconnaître l'autorité de l'Assemblée, qui s'est ensuite rebaptisée Assemblée nationale constituante le 9 juillet. Les roturiers avaient formé la Garde nationale, arborant des cocardes tricolores (cocardes) bleues, blanches et rouges, formées en combinant la cocarde rouge et bleue de Paris et la cocarde blanche du roi. Ces cocardes, et bientôt simplement leurs couleurs, devinrent le symbole de la révolution et, plus tard, de la France elle-même. Paris, proche de l'insurrection et, selon les mots de François Mignet, « enivré de liberté et d'enthousiasme », manifeste un large soutien à l'Assemblée. La presse publie les débats de l'Assemblée ; le débat politique s'étend au-delà de l'Assemblée elle-même, dans les places et les salles publiques de la capitale. Le Palais-Royal et son parc deviennent le lieu d'une rencontre sans fin. La foule, sous l'autorité du meeting du Palais-Royal, fit éclater les prisons de l'Abbaye pour libérer quelques grenadiers des gardes françaises, qui auraient été emprisonnés pour avoir refusé de tirer sur le peuple. L'Assemblée recommanda les gardes emprisonnés à la clémence du roi ; ils retournèrent en prison et furent graciés. La base du régiment, auparavant considérée comme fiable, penche désormais vers la cause populaire. Le licenciement de Necker Le 11 juillet 1789, avec des troupes à Versailles, Sèvres, au Champ de Mars et à Saint-Denis, Louis XVI, agissant sous l'influence des nobles conservateurs de son conseil privé, destitue et bannit son ministre des Finances, Jacques Necker, qui avait sympathisant avec le tiers état, il reconstruisit complètement le ministère. Les maréchaux Victor-François, duc de Broglie, la Galissonnière, le duc de la Vauguyon, le baron Louis de Breteuil et l'intendant Foulon, reprennent les postes de Puységur, Armand Marc, comte de Montmorin, La Luzerne, Saint-Priest. , et Necker. La nouvelle du licenciement de Necker parvint à Paris dans l'après-midi du dimanche 12 juillet. Les Parisiens pensaient généralement que ce limogeage marquait le début d'un coup d'État d'éléments conservateurs. Les Parisiens libéraux étaient encore plus enragés par la crainte qu'une concentration de troupes royales, amenées à Versailles depuis les garnisons frontalières, ne tente de fermer l'Assemblée nationale constituante, qui se réunissait à Versailles. Des foules se sont rassemblées dans tout Paris, dont plus de dix mille au Palais-Royal. Camille Desmoulins réussit à rallier la foule en « montant à une table, le pistolet à la main, en s'écriant : Citoyens, il n'y a pas de temps à perdre ; le destitution de Necker sonne le glas d'une Saint-Barthélemy pour les patriotes ! Cette nuit même, tous les bataillons suisses et allemands nous quitterons le Champ de Mars pour nous massacrer tous ; il ne reste plus qu'une ressource : prendre les armes ! Les régiments suisses et allemands mentionnés faisaient partie des troupes mercenaires étrangères qui constituaient une partie importante de l'armée royale pré-révolutionnaire et étaient considérés comme moins susceptibles d'être favorables à la cause populaire que les soldats français ordinaires. Début juillet, environ la moitié des 25 000 soldats réguliers présents à Paris et à Versailles provenaient de ces régiments étrangers. Les régiments français inclus dans la concentration semblent avoir été sélectionnés soit en raison de la proximité de leurs garnisons avec Paris, soit parce que leurs colonels étaient des partisans du « parti de cour » réactionnaire opposé aux réformes. Lors des manifestations publiques qui débutent le 12 juillet, la multitude expose des bustes de Necker et de Louis Philippe II, duc d'Orléans, puis défile du Palais Royal à travers le quartier des théâtres avant de poursuivre vers l'ouest le long des boulevards. La foule affronte le Régiment de cavalerie royale allemande (« Royal-Allemand ») entre la place Vendôme et le palais des Tuileries. Du haut des Champs-Élysées, le prince de Lambesc a déclenché une charge de cavalerie qui a dispersé les manifestants restants sur la place Louis XV, aujourd'hui place de la Concorde. Le commandant royal, le baron de Besenval, craignant les conséquences d'un bain de sang parmi les foules mal armées ou de défections parmi ses propres hommes, retire alors la cavalerie vers Sèvres. Pendant ce temps, l'agitation grandissait parmi les Parisiens qui exprimaient leur hostilité contre les autorités de l'État en attaquant les postes de douane accusés d'avoir provoqué la hausse des prix de la nourriture et du vin. Les Parisiens ont commencé à piller tout endroit où de la nourriture, des armes et des fournitures pouvaient être thésaurisées. Cette nuit-là, des rumeurs couraient selon lesquelles des provisions étaient thésaurisées à Saint-Lazare, immense propriété du clergé, qui faisait office de couvent, d'hôpital, d'école et même de prison. Une foule en colère est entrée par effraction et a pillé la propriété, saisissant 52 wagons de blé qui ont été emmenés au marché public. Le même jour, des multitudes de personnes ont pillé de nombreux autres lieux, notamment des arsenaux d'armes. Les troupes royales n'ont rien fait pour arrêter la propagation du chaos social à Paris à cette époque. Un conflit armé Le régiment des Gardes Françaises formait la garnison permanente de Paris et, fort de ses nombreux attaches locales, était favorable à la cause populaire. Ce régiment était resté confiné dans sa caserne pendant les premiers stades des troubles de la mi-juillet. Alors que Paris devenait le théâtre d'une émeute générale, Charles Eugène, prince de Lambesc (maréchal de camp, propriétaire des Royal Allemand-Dragons), ne faisant pas confiance au régiment pour obéir à son ordre, posta soixante dragons pour se stationner devant son dépôt à la Chaussée d'Antin. Une fois de plus, une mesure destinée à restreindre n’a servi qu’à provoquer. Les officiers des Gardes françaises tentèrent en vain de rallier leurs hommes. Les citoyens rebelles disposaient désormais d’un contingent militaire entraîné. A mesure que cette nouvelle se répandit, les commandants des forces royales campées au Champ de Mars devinrent douteux de la fiabilité même des régiments étrangers. Le futur « Roi citoyen », Louis-Philippe, duc d'Orléans, fut témoin de ces événements lorsqu'il était jeune officier et estimait que les soldats auraient obéi aux ordres s'ils étaient mis à l'épreuve. Il commente également rétrospectivement que les officiers des Gardes françaises avaient négligé leurs responsabilités dans la période précédant le soulèvement, laissant trop le régiment sous le contrôle de ses sous-officiers. Cependant, la direction incertaine de Besenval a conduit à une quasi-abdication de l'autorité royale dans le centre de Paris. Une « milice bourgeoise » surgit dans les soixante circonscriptions électorales de Paris pour prendre le contrôle de l'insurrection. Prise de la Bastille (14 juillet 1789) Le matin du 14 juillet 1789, la ville de Paris est en état d'alerte. Les partisans du Tiers État en France, désormais sous le contrôle de la milice bourgeoise de Paris (qui deviendra bientôt la Garde nationale de la France révolutionnaire), avaient auparavant pris d'assaut l'Hôtel des Invalides sans rencontrer d'opposition significative. Leur intention avait été de rassembler les armes qui s'y trouvaient (29 000 à 32 000 mousquets, mais sans poudre ni plomb). Le commandant des Invalides avait pris la précaution, les jours précédents, de transférer 250 barils de poudre à la Bastille pour un stockage plus sûr. A cette époque, la Bastille était presque vide, n'hébergeant que sept prisonniers : quatre faussaires, deux « fous » et un aristocrate « déviant », le comte de Solages (le marquis de Sade avait été transféré dix jours plus tôt). Le coût de l'entretien d'une forteresse médiévale avec garnison dans un but aussi limité avait conduit à prendre la décision, peu avant le début des troubles, de la remplacer par un espace public ouvert. Au milieu des tensions de juillet 1789, le bâtiment resta un symbole de la tyrannie royale. La garnison régulière était composée de 82 invalides (soldats vétérans qui ne sont plus aptes au service sur le terrain). Il avait cependant été renforcé le 7 juillet par 32 grenadiers du régiment suisse Salis-Samade issus des troupes régulières du Champ de Mars. Les murs étaient équipés de dix-huit canons de huit livres et de douze pièces plus petites. Le gouverneur était Bernard-René de Launay, fils du précédent gouverneur et actuellement né à la Bastille. La liste officielle des vainqueurs de la Bastille, dressée par la suite, compte 954 noms, et le total de la foule était probablement inférieur à un millier. Une répartition des professions incluses dans la liste indique que la majorité étaient des artisans locaux, auxquels s'ajoutaient quelques déserteurs de l'armée régulière et quelques catégories distinctes telles que vingt et un marchands de vin. La foule s'est rassemblée dehors vers le milieu de la matinée, appelant à la reddition de la prison, au retrait des canons et à la libération des armes et de la poudre. Deux représentants de la foule à l'extérieur furent invités dans la forteresse et les négociations commencèrent, et un autre fut admis vers midi avec des revendications précises. Les négociations s'éternisent tandis que la foule grandit et s'impatiente. Vers 13h30, la foule a envahi la cour extérieure non défendue. Un petit groupe a grimpé sur le toit d'un immeuble à côté de la porte de la cour intérieure et a brisé les chaînes du pont-levis, écrasant un malheureux vainqueur dans sa chute. Les soldats de la garnison ont appelé la population à se retirer, mais dans le bruit et la confusion, ces cris ont été interprétés à tort comme un encouragement à entrer. Des coups de feu ont commencé, apparemment spontanément, transformant la foule en foule. La foule semble avoir eu le sentiment d'avoir été délibérément attirée dans un piège et les combats sont devenus plus violents et plus intenses, tandis que les tentatives des députés pour organiser un cessez-le-feu ont été ignorées par les assaillants. Les tirs se sont poursuivis et après 15 heures, les assaillants ont été renforcés par des gardes françaises mutines, accompagnées de deux canons. Une force importante de troupes de l'Armée royale campée sur le Champs de Mars n'est pas intervenue. Alors que la possibilité d'un carnage mutuel apparaissait soudainement, le gouverneur de Launay ordonna un cessez-le-feu à 17 heures. Une lettre proposant ses conditions fut distribuée aux assiégeants par une brèche dans la porte intérieure. Ses demandes furent refusées, mais de Launay capitula néanmoins, réalisant qu'avec des stocks de nourriture limités et sans approvisionnement en eau, ses troupes ne pourraient pas tenir longtemps. Il ouvre alors les portes de la cour intérieure et les vainqueurs entrent en trombe pour libérer la forteresse à 17h30. Quatre-vingt-dix-huit attaquants et un défenseur sont morts au cours des combats, une disparité expliquée par la protection assurée à la garnison par les murs de la forteresse. De Launay fut saisi et traîné vers l'Hôtel de Ville dans une tempête d'injures. A l'extérieur de l'Hôtel, une discussion sur son sort s'engage. De Launay, grièvement battu, a crié "Assez ! Laissez-moi mourir !" et a donné un coup de pied à l'aine d'un pâtissier nommé Dulait. De Launay a ensuite été poignardé à plusieurs reprises et est mort ; sa tête fut coupée et mise sur une pique pour être transportée dans les rues. Les trois officiers de la garnison permanente de la Bastille furent également tués par la foule ; les rapports de police survivants détaillent leurs blessures et leurs vêtements. Deux des invalides de la garnison furent lynchés, mais tous les réguliers suisses du régiment Salis-Samade, sauf deux, furent protégés par les gardes françaises et finalement libérés pour retourner dans leur régiment. Leur officier, le lieutenant Louis de Flue, rédigea un rapport détaillé sur la défense de la Bastille qui fut incorporé au journal de bord de la Salis-Samade et qui a survécu. Il critique (peut-être injustement) le défunt marquis de Launay, que de Flue accuse de leadership faible et indécis. La responsabilité de la prise de la Bastille semble plutôt imputable à l'inertie des commandants de l'importante force des troupes de l'Armée royale campées sur le Champs de Mars, qui n'ont fait aucun effort pour intervenir lorsque l'Hôtel des Invalides ou la Bastille, situés à proximité, ont été détruits. attaqué. De retour à l'Hôtel de Ville, la foule accusa le prévôt ès marchands (en gros, le maire) Jacques de Flesselles de trahison, et il fut assassiné alors qu'il se rendait à un prétendu procès au Palais-Royal. Conséquences Le roi n'apprit l'assaut que le lendemain matin par l'intermédiaire du duc de La Rochefoucauld. "Est-ce une révolte ?" demanda Louis XVI. Le duc répondit : "Non Sire, ce n'est pas une révolte, c'est une révolution." Les Parisiens, s'attendant à une contre-attaque, retranchèrent les rues, bâtirent des barricades de pavés et s'armèrent de leur mieux, notamment de piques improvisées. Pendant ce temps, à Versailles, l'Assemblée restait ignorante de la plupart des événements de Paris, mais parfaitement consciente que le maréchal de Broglie était sur le point de déclencher un coup d'État pro-royaliste pour forcer l'Assemblée à adopter l'ordonnance du 23 juin puis à se dissoudre. Le vicomte de Noailles fut apparemment le premier à apporter à Versailles des nouvelles assez précises des événements de Paris. M. Ganilh et Bancal-des-Issarts, dépêchés à l'Hôtel de Ville, confirmèrent son rapport. Au matin du 15 juillet, le résultat parut également clair au roi, et lui et ses commandants militaires reculèrent. Les troupes royales concentrées autour de Paris se dispersent dans leurs garnisons frontalières. Le marquis de la Fayette prit le commandement de la garde nationale à Paris ; Jean-Sylvain Bailly – leader du Tiers État et instigateur du Serment du Tennis – est devenu maire de la ville sous une nouvelle structure gouvernementale connue sous le nom de Commune de Paris. Le roi annonça qu'il rappellerait Necker et reviendrait de Versailles à Paris ; le 17 juillet, à Paris, il accepte une cocarde tricolore de Bailly et entre dans l'Hôtel de Ville aux cris de « Vive le Roi » et « Vive la Nation ». Néanmoins, après ces violences, les nobles – peu rassurés par la réconciliation apparente et, comme cela devait se prouver, temporaire entre le roi et le peuple – ont commencé à fuir le pays en tant qu'émigrés. Parmi les premiers à partir furent le comte d'Artois (le futur Charles X de France) et ses deux fils, le prince de Condé, le prince de Conti, la famille Polignac et (un peu plus tard) Charles Alexandre de Calonne, l'ancien ministre des Finances. Ils s'installèrent à Turin, où Calonne, en tant qu'agent du comte d'Artois et du prince de Condé, commença à comploter une guerre civile au sein du royaume et à militer en faveur d'une coalition européenne contre la France. La nouvelle de l'insurrection réussie de Paris se répandit dans toute la France. Conformément aux principes de souveraineté populaire et au mépris total des prétentions à l'autorité royale, le peuple a établi des structures parallèles de municipalités pour le gouvernement civique et de milices pour la protection civique. Dans les zones rurales, beaucoup sont allés plus loin : certains ont brûlé des titres de propriété et un grand nombre de châteaux, tandis que la « Grande Peur » s'est répandue dans les campagnes au cours des semaines du 20 juillet au 5 août, avec des attaques contre de riches propriétaires motivées par la croyance que l'aristocratie essayait de réprimer la révolution. Le 22 juillet 1789, la population décapita Joseph Foullon de Doué et son gendre. Bien qu'il y ait eu des arguments pour que la Bastille soit préservée comme monument de la libération ou comme dépôt de la nouvelle Garde nationale, la Commission permanente des électeurs municipaux de la Mairie de Paris a confié à l'entrepreneur en construction Pierre-François Palloy la mission de démonter le bâtiment. . Palloy commença immédiatement à travailler. La démolition de la forteresse elle-même, la fonte de son horloge représentant des prisonniers enchaînés et le démantèlement de quatre statues ont été réalisées en cinq mois. Le compositeur autrichien Carl Ditters von Dittersdorf a écrit sa Symphonie en do majeur en hommage à cet événement. Le premier mouvement de la pièce est connu sous le nom de La Prise De La Bastille. Dans le tome 2 de A Tale of Two Cities de Charles Dickens, les Defarge aident à mener l'assaut sur la Bastille. En 1790, Lafayette a donné la clé en fonte d'une livre et de trois onces de la Bastille au président américain George Washington. Washington l'a exposé en bonne place dans des installations et des événements gouvernementaux à New York et à Philadelphie jusqu'à peu de temps avant sa retraite en 1797. La clé reste exposée dans la résidence de Washington à Mount Vernon.

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Qui a été le premier poète à être enterré au Poet’s Corner de l’abbaye de Westminster à Londres ?

Geoffrey Chaucer

Le Coin des Poètes est le nom traditionnellement donné à une section du transept sud de l'abbaye de Westminster en raison du grand nombre de poètes, dramaturges et écrivains qui y sont enterrés et commémorés. Le premier poète enterré dans le coin des poètes fut Geoffrey Chaucer en 1400. Au fil des siècles, une tradition s'est développée consistant à y enterrer ou à commémorer des personnes en reconnaissance de leur contribution à la culture britannique. Dans l’écrasante majorité des cas, cet honneur est décerné à des écrivains. En 2009, les fondateurs du Royal Ballet ont été commémorés par une pierre commémorative et le 25 septembre 2010, l'écrivain Elizabeth Gaskell a été célébrée par la dédicace d'un panneau dans la fenêtre commémorative. Le 6 décembre 2011, l'ancien poète lauréat Ted Hughes a été commémoré par une pierre au sol. Le 22 novembre 2013, jour du cinquantième anniversaire de sa mort, l'écrivain C. S. Lewis a été commémoré par une pierre commémorative au sol. Histoire Le premier inhumé, Geoffrey Chaucer, devait son enterrement là-bas en 1400 plus à sa position de commis aux travaux du palais de Westminster qu'à sa renommée d'écrivain. Cependant, l'érection de son magnifique tombeau par Nicholas Brigham en 1556 (là où les restes de Chaucer furent ensuite transférés) et l'enterrement à proximité d'Edmund Spenser en 1599 ont lancé une tradition qui est toujours respectée. Le quartier abrite également les tombeaux de plusieurs chanoines et doyens de l'abbaye, ainsi que la tombe de Thomas Parr qui, dit-on, mourut à l'âge de 152 ans en 1635 après avoir vu dix souverains sur le trône. L'inhumation ou la commémoration dans l'abbaye n'a pas toujours lieu au moment du décès ou peu après. Lord Byron, par exemple, dont la poésie était admirée mais qui menait un style de vie scandaleux, mourut en 1824 mais ne reçut de monument commémoratif qu'en 1969. Même William Shakespeare, enterré à Stratford-upon-Avon en 1616, ne fut honoré d'un monument qu'en 1969. 1740, lorsque celui conçu par William Kent fut construit à Poets' Corner (bien que peu de temps après sa mort, William Basse ait suggéré que Shakespeare devrait y être enterré.) Samuel Horsley, doyen de Westminster en 1796, aurait farouchement refusé la demande de l'actrice Kitty. Clive sera enterré à l'abbaye : si nous ne mettons pas une limite à cette ambition théâtrale jusqu’à la renommée mortuaire, nous ferons bientôt de l’abbaye de Westminster à peine meilleure qu’une salle verte gothique ! Tous les poètes n'ont pas apprécié la commémoration et l'épitaphe de Samuel Wesley pour Samuel Butler, censé être mort dans la pauvreté, a poursuivi le ton satirique de Butler : Alors que Butler, misérable dans le besoin, était encore en vie, Aucun patron généreux ne donnerait un dîner ; Voyez-le, quand il est mort de faim et transformé en poussière, Présenté avec un buste monumental. Le destin du poète est ici représenté en emblème, Il a demandé du pain et il a reçu une pierre. Certaines des personnes enterrées dans le Coin des poètes se sont également vu ériger des monuments commémoratifs sur ou à proximité de leur tombe, soit au moment de leur mort, soit plus tard. Dans certains cas, comme celui de Joseph Addison, l'enterrement a eu lieu ailleurs dans l'abbaye de Westminster, avec un mémorial érigé plus tard dans le coin des poètes. Dans certains cas, un enterrement complet du corps a eu lieu, dans d'autres cas, le corps a été incinéré et les cendres enterrées. Il y a aussi des cas où il y avait un soutien pour qu'une personne particulière soit enterrée dans le coin des poètes, mais la décision a été prise de l'enterrer ailleurs dans l'abbaye, comme Edward Bulwer-Lytton. D'autres poètes et écrivains notables, comme Aphra Behn, sont enterrés ailleurs dans l'abbaye. Au moins deux des monuments commémoratifs (tous deux dédiés à des personnes enterrées dans le coin des poètes – Rowe et Gay) ont ensuite été déplacés ailleurs dans l'abbaye en raison de la découverte de peintures anciennes sur le mur derrière eux. Types de monuments commémoratifs Les monuments commémoratifs peuvent prendre plusieurs formes. Certains sont des dalles de pierre posées dans le sol sur lesquelles sont gravés un nom et une inscription, tandis que d'autres sont des monuments en pierre plus élaborés et sculptés, ou des tablettes de pierre suspendues, ou des bustes commémoratifs. Certains sont commémorés en groupe, comme le mémorial commun des sœurs Brontë (commandé en 1939, mais dévoilé en 1947 en raison de la guerre), les seize poètes de la Première Guerre mondiale inscrits sur une dalle de pierre et dévoilés en 1985, et le quatre fondateurs du Royal Ballet, commémorés ensemble en 2009. La tombe de Ben Jonson ne se trouve pas dans le coin des poètes, mais dans le bas-côté nord de la nef. Il porte l'inscription « O Rare Ben Johnson » (sic) sur la dalle au-dessus. Il a été suggéré que cela pourrait se lire « Orare Ben Jonson » (priez pour Ben Jonson), ce qui indiquerait un retour au catholicisme sur son lit de mort, mais la sculpture montre un espace distinct entre « O » et « rare ». Le fait qu'il ait été enterré dans une tombe verticale pourrait être une indication de sa situation réduite au moment de sa mort, mais il a également été suggéré que Jonson avait demandé une tombe à exactement 18 pouces carrés du monarque et avait reçu une tombe verticale adaptée. dans l'espace demandé. En plus de la pierre tombale dans le bas-côté nord de la nef, une tablette murale commémorant Jonson a ensuite été érigée dans le coin des poètes. Alors que l'espace au sol et sur les murs commençait à s'épuiser, la décision fut prise d'installer un vitrail commémoratif (dévoilé en 1994 à la mémoire d'Edward Horton Hubbard), et c'est ici que de nouveaux noms sont ajoutés sous la forme de panneaux de verre inscrits. . Il y a de la place pour 20 noms, et actuellement (début 2010) il y a six noms sur cette fenêtre, avec une nouvelle entrée (Elizabeth Gaskell) dévoilée le 25 septembre 2010. Enterrements Mémoriaux Poètes de la Première Guerre mondiale Le mémorial du coin des poètes, à l'abbaye de Westminster, dédié à 16 poètes de la Grande Guerre est une dalle en ardoise sur laquelle sont inscrits les noms des poètes. Il a été dévoilé le 11 novembre 1985, jour du 67e anniversaire de l'Armistice. Une inscription supplémentaire cite la « Préface » d'Owen : Ballet Royal Le mémorial au sol en dalles de pierre dédié aux quatre fondateurs du Royal Ballet a été inauguré le 17 novembre 2009. Ailleurs dans l'abbaye Les poètes et les écrivains sont commémorés ailleurs dans l'abbaye de Westminster, mais pas dans le coin des poètes proprement dit.

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Qui a été l’illustrateur de la plupart des histoires pour enfants de Roald Dahl ?

Quentin Blake

Roald Dahl (; 13 septembre 1916 - 23 novembre 1990) était un romancier, nouvelliste, poète, scénariste et pilote de chasse britannique. Ses livres se sont vendus à plus de 200 millions d'exemplaires dans le monde. Né au Pays de Galles de parents norvégiens, Dahl a servi dans la Royal Air Force pendant la Seconde Guerre mondiale, au cours de laquelle il est devenu un as de l'aviation et un officier du renseignement, atteignant le rang de commandant d'escadre par intérim. Il s'est fait connaître dans les années 1940 avec des œuvres pour enfants et adultes et est devenu l'un des auteurs les plus vendus au monde. Il a été considéré comme « l’un des plus grands conteurs pour enfants du 20e siècle ». Ses prix pour sa contribution à la littérature incluent le World Fantasy Award for Life Achievement en 1983 et l'auteur pour enfants de l'année des British Book Awards en 1990. En 2008, le Times a placé Dahl au 16e rang sur sa liste des « 50 plus grands écrivains britanniques depuis 1945 ». ". Les nouvelles de Dahl sont connues pour leurs fins inattendues et ses livres pour enfants pour leur contenu non sentimental, macabre, souvent sombre et comique, mettant en vedette les méchants ennemis adultes des personnages enfants. Ses livres défendent les personnes de bon cœur et présentent un sentiment chaleureux sous-jacent. Les œuvres de Dahl pour enfants comprennent James et la pêche géante, Charlie et la chocolaterie, Matilda, Les Sorcières, Fantastic Mr Fox, The BFG, The Twits et George's Marvelous Medicine. Ses œuvres pour adultes incluent Contes de l'inattendu. Début de la vie Enfance Roald Dahl est né en 1916 à Villa Marie, Fairwater Road, à Llandaff, Cardiff, Pays de Galles, de parents norvégiens, Harald Dahl et Sofie Magdalene Dahl (née Hesselberg). Le père de Dahl avait émigré de Sarpsborg, en Norvège, au Royaume-Uni et s'était installé à Cardiff dans les années 1880. Sa mère est venue et a épousé son père en 1911. Dahl doit son nom à l'explorateur polaire norvégien Roald Amundsen. Sa langue maternelle était le norvégien, qu'il parlait à la maison avec ses parents et ses sœurs Astri, Alfhild et Else. Dahl et ses sœurs ont été élevés dans la foi luthérienne et ont été baptisés à l'église norvégienne de Cardiff, où leurs parents pratiquaient. En 1920, alors que Dahl avait trois ans, sa sœur Astri, âgée de sept ans, mourut d'une appendicite. Quelques semaines plus tard, son père mourut d'une pneumonie à l'âge de 57 ans. Ayant la possibilité de retourner en Norvège pour vivre chez des proches, la mère de Dahl décida de rester au Pays de Galles, car Harald souhaitait que leurs enfants soient scolarisés dans des écoles britanniques, ce qu'il considérait comme le meilleur du monde. Dahl a d'abord fréquenté la Cathedral School de Llandaff. À l'âge de huit ans, lui et quatre de ses amis (dont un nommé Thwaites) ont été frappés par le directeur après avoir mis une souris morte dans un pot de gobstoppers dans la confiserie locale, qui appartenait à une vieille femme « méchante et répugnante ». a appelé Mme Pratchett. Ceci était connu parmi les cinq garçons sous le nom de « Complot de la Grande Souris de 1924 ». Bonbon préféré des écoliers britanniques entre les deux guerres mondiales, Dahl fera plus tard référence aux gobstoppers dans sa création littéraire, Everstanding Gobstopper. Par la suite, il est transféré dans un internat en Angleterre : St Peter's à Weston-super-Mare. Les parents de Roald voulaient qu'il fasse ses études dans une école publique anglaise et, en raison d'une liaison par ferry alors régulière à travers le canal de Bristol, celle-ci s'est avérée être la plus proche. Son séjour à Saint-Pierre fut pour lui une expérience désagréable. Il avait le mal du pays et écrivait à sa mère chaque semaine sans jamais lui révéler son malheur. Ce n'est qu'après sa mort en 1967 qu'il découvrit qu'elle avait conservé chacune de ses lettres, dans de petits paquets maintenus ensemble par du ruban adhésif vert. En 2016, pour marquer le centenaire de la naissance de Dahl, ses lettres à sa mère ont été abrégées et diffusées en tant que livre de la semaine sur BBC Radio 4. Dahl a écrit sur son séjour à Saint-Pierre dans son autobiographie Boy: Tales of Childhood. École de Repton À partir de 1929, il fréquente la Repton School dans le Derbyshire. Dahl a eu des expériences malheureuses à l'école, décrivant un environnement de cruauté rituelle et agissant comme serviteurs personnels pour les garçons plus âgés ainsi que de terribles passages à tabac ; ces expériences violentes sont décrites dans la biographie de Dahl par Donald Sturrock. Il y a des échos de ces expériences plus sombres dans les écrits de Dahl et dans sa haine de la cruauté et des châtiments corporels. Selon Boy: Tales of Childhood, un ami nommé Michael a été vicieusement frappé par le directeur Geoffrey Fisher, qui est devenu plus tard archevêque de Canterbury et a ensuite couronné la reine Elizabeth II en 1953. (Cependant, selon le biographe de Dahl, Jeremy Treglown, la bastonnade a eu lieu en mai 1933, un an après que Fisher ait quitté Repton et le directeur concerné était en fait J. T. Christie, le successeur de Fisher.) Cela a amené Dahl à « avoir des doutes sur la religion et même sur Dieu ». Il n'a jamais été considéré comme un écrivain particulièrement talentueux au cours de ses années d'école, l'un de ses professeurs d'anglais écrivant dans son bulletin scolaire : « Je n'ai jamais rencontré quelqu'un qui écrive avec autant de persistance des mots signifiant exactement le contraire de ce qui est prévu. Dahl était exceptionnellement grand, atteignant 6 pieds à l'âge adulte. Il excellait dans le sport, étant nommé capitaine des équipes de cinq et de squash de l'école, et jouant également pour l'équipe de football. En plus d'avoir une passion pour la littérature, il a également développé un intérêt pour la photographie et emportait souvent un appareil photo avec lui. Au cours de ses années à Repton, Cadbury, la chocolaterie, envoyait occasionnellement des boîtes de nouveaux chocolats à l'école pour que les élèves les testent. Dahl rêverait d'inventer une nouvelle barre chocolatée qui gagnerait les éloges de M. Cadbury lui-même ; et cela l'a inspiré à écrire son troisième livre pour enfants, Charlie et la chocolaterie (1964), et à inclure des références au chocolat dans d'autres livres pour enfants. Tout au long de son enfance et de son adolescence, Dahl a passé la majorité de ses vacances d'été avec la famille de sa mère en Norvège et a écrit de nombreux souvenirs heureux de ces expéditions dans Boy: Tales of Childhood, comme lorsqu'il a remplacé le tabac dans la chambre de sa demi-sœur. la pipe du fiancé avec des crottes de chèvre. Il n'a eu qu'un souvenir malheureux de ses vacances en Norvège vers l'âge de huit ans, lorsque ses végétations adénoïdes ont été retirées par un médecin. Son enfance et son premier emploi dans la vente de kérosène à Midsomer Norton et dans les villages environnants du Somerset sont des sujets dans Boy: Tales of Childhood. Après l'école Après avoir terminé ses études, en août 1934, Dahl traversa l'Atlantique et parcourut Terre-Neuve en randonnée avec la Public Schools Exploring Society. En juillet 1934, Dahl rejoint la Shell Petroleum Company. Après deux années de formation au Royaume-Uni, il a été transféré d'abord à Mombasa, au Kenya, puis à Dar-es-Salaam, au Tanganyika (aujourd'hui Tanzanie). Avec les deux seuls autres employés de Shell sur tout le territoire, il vivait dans le luxe dans la Shell House à l'extérieur de Dar es Salaam, avec un cuisinier et des domestiques. Alors qu'il était en mission pour fournir du pétrole à des clients à travers le Tanganyika, il a rencontré des mambas noirs et des lions, entre autres animaux sauvages. As du combattant En août 1939, à l’approche de la Seconde Guerre mondiale, des plans furent élaborés pour rassembler les centaines d’Allemands à Dar-es-Salaam. Dahl a été nommé lieutenant dans les King's African Rifles, commandant un peloton d'Askaris, troupes indigènes servant dans l'armée coloniale. En novembre 1939, Dahl rejoint la Royal Air Force (RAF) en tant qu'aviateur sous le numéro de service 774022. Après un voyage en voiture de 600 milles de Dar es Salaam à Nairobi, il est accepté pour une formation au pilotage avec 16 autres hommes, dont seulement trois autres. survécu à la guerre. Avec sept heures et 40 minutes d'expérience à bord d'un De Havilland Tiger Moth, il a volé en solo ; Dahl aimait observer la faune du Kenya pendant ses vols. Il a poursuivi sa formation avancée en vol en Irak, à la RAF Habbaniya, à 50 milles à l'ouest de Bagdad. Il fut nommé officier pilote le 24 août 1940. Après une formation de six mois sur Hawker Harts, Dahl fut nommé officier pilote par intérim. Il a été affecté au No. 80 Squadron RAF, pilotant des Gloster Gladiators obsolètes, le dernier avion de combat biplan utilisé par la RAF. Dahl fut surpris de constater qu'il ne recevrait aucune formation spécialisée en combat aérien ou en pilotage de Gladiators. Le 19 septembre 1940, Dahl reçut l'ordre de faire voler son Gladiator d'Abou Sueir en Égypte, à Amiriya pour faire le plein, puis à Fouka en Libye pour un deuxième ravitaillement. De là, il se rendrait à la piste d'atterrissage avant du 80e Escadron, à 30 km au sud de Mersa Matruh. Lors de la dernière étape, il n'a pas pu trouver la piste d'atterrissage et, à court de carburant et à l'approche de la nuit, il a été contraint de tenter un atterrissage dans le désert. Le train d'atterrissage a heurté un rocher et l'avion s'est écrasé, lui fracturant le crâne, lui fracassant le nez et l'aveuglant temporairement. Alan Warren (1988) [http://books.google.co.uk/books?id X5BaAAAAMAAJ&qdahl+fracturé+son+crâne&dq dahl+fracturé+son+crâne&reach&ei iYsHTZO5N86ChQfgj4ntBw&saX&oi book_result&ctresult&resnum 4&ved0CDQQ6AEwAw Roald Dahl] pp.12, 87. Starmont House, 1988 Il a réussi à s'éloigner des décombres en feu et s'est évanoui. Il a écrit sur l'accident dans son premier ouvrage publié. Dahl a été secouru et emmené dans un poste de premiers secours à Mersa Matruh, où il a repris conscience, mais pas la vue, puis a été emmené en train à l'hôpital de la Royal Navy à Alexandrie. Là, il tomba amoureux d'une infirmière, Mary Welland. Une enquête de la RAF sur l'accident a révélé que l'endroit vers lequel on lui avait dit de voler était complètement erroné et qu'il avait été envoyé par erreur dans le no man's land entre les forces alliées et italiennes. En février 1941, Dahl sortit de l'hôpital et fut pleinement apte aux fonctions de vol. À cette époque, le 80e Escadron avait été transféré à la campagne grecque et basé à Eleusina, près d'Athènes. L'escadron était désormais équipé de Hawker Hurricanes. Dahl a piloté un Hurricane de remplacement à travers la mer Méditerranée en avril 1941, après sept heures de vol avec des Hurricane. À ce stade de la campagne grecque, la RAF ne disposait que de 18 avions de combat en Grèce : 14 Hurricanes et quatre bombardiers légers Bristol Blenheim. Dahl assiste à son premier combat aérien le 15 avril 1941, alors qu'il survole seul la ville de Chalcis. Il a attaqué six Junkers Ju-88 qui bombardaient des navires et en a abattu un. Le 16 avril, lors d'une autre bataille aérienne, il abattit un autre Ju-88. Le 20 avril 1941, Dahl participa à la « Bataille d'Athènes », aux côtés de l'as du Commonwealth britannique le plus performant de la Seconde Guerre mondiale, Pat Pattle, et de l'ami de Dahl, David Coke. Sur les 12 Hurricanes impliqués, cinq ont été abattus et quatre de leurs pilotes tués, dont Pattle. Les observateurs grecs au sol ont dénombré 22 avions allemands abattus, mais en raison de la confusion de l'engagement aérien, aucun des pilotes ne savait quel avion ils avaient abattu. Dahl l'a décrit comme "un flou sans fin de combattants ennemis filant vers moi de tous côtés". En mai, alors que les Allemands faisaient pression sur Athènes, Dahl fut évacué vers l'Égypte. Son escadre est rassemblée à Haïfa. À partir de là, Dahl a effectué des sorties quotidiennes pendant quatre semaines, abattant un Potez 63 de l'armée de l'air française de Vichy le 8 juin et un autre Ju-88 le 15 juin, mais il a ensuite commencé à avoir de graves maux de tête qui l'ont fait perdre connaissance. . Il a été renvoyé chez lui en Grande-Bretagne. Bien qu'à cette époque, Dahl n'était qu'un officier pilote en probation, en septembre 1941, il fut simultanément confirmé comme officier pilote et promu officier d'aviation de guerre. Diplomate, écrivain et agent de renseignement Après avoir été invalidé chez lui, Dahl a été affecté dans un camp d'entraînement de la RAF à Uxbridge tout en tentant de recouvrer suffisamment sa santé pour devenir instructeur. Fin mars 1942, alors qu'il était à Londres, il rencontra le sous-secrétaire d'État à l'Air, le major Harold Balfour (plus tard Lord Balfour), dans son club. Impressionné par son bilan de guerre et ses capacités de conversation, Balfour nomma Dahl comme attaché aérien adjoint à l'ambassade britannique à Washington, D.C. Initialement résistant, il fut finalement persuadé par Balfour d'accepter et prit le passage sur le SS Batori depuis Glasgow quelques jours plus tard. Il est arrivé à Halifax le 14 avril, après quoi il a pris un train-couchette pour Montréal. Originaire d'une Grande-Bretagne affamée par la guerre, Dahl était émerveillé par la richesse de la nourriture et des commodités disponibles en Amérique du Nord. En arrivant à Washington une semaine plus tard, Dahl aimait l’atmosphère de la capitale américaine, mais n’était pas impressionné par son bureau au sein de la British Air Mission, rattaché à l’ambassade. Il n'était pas non plus impressionné par l'ambassadeur, Lord Halifax, avec qui il jouait parfois au tennis et qu'il décrivait comme « un gentleman anglais courtois ». Dans le cadre de ses fonctions d'attaché de l'air adjoint, Dahl devait aider à neutraliser les opinions isolationnistes que de nombreux Américains avaient encore en prononçant des discours pro-britanniques et en discutant de son service de guerre ; les États-Unis n’étaient entrés en guerre qu’en décembre précédent, à la suite de l’attaque de Pearl Harbor. Après seulement dix jours dans son nouveau poste, Dahl ne l'aimait pas du tout, estimant qu'il avait accepté « un travail des plus impies et sans importance ». Comme il l'a dit plus tard : Cependant, à cette époque, Dahl rencontra le célèbre romancier C. S. Forester, qui travaillait également pour contribuer à l'effort de guerre britannique. Le Saturday Evening Post avait demandé à Forester d'écrire une histoire basée sur les expériences de vol de Dahl ; Forester a demandé à Dahl d'écrire quelques anecdotes de la RAF afin de pouvoir en faire une histoire. Après que Forester ait lu ce que Dahl lui avait donné, il a décidé de publier l'histoire exactement telle que Dahl l'avait écrite. Le titre original de l'article était « Un morceau de gâteau », mais le titre a été changé en « Abattu au-dessus de la Libye » pour le rendre plus dramatique, malgré le fait que Dahl n'avait pas réellement été abattu ; il est paru dans le numéro du 1er août du Post. Il partageait une maison au 1610 34th Street, NW, à Georgetown, avec un autre attaché. Dahl a socialisé avec l'éditeur et pétrolier texan Charles E. Marsh dans sa maison du 2136 R Street, NW, et dans le domaine de Marsh en Virginie. Dahl a été promu lieutenant d'aviation (subvention de guerre) en août. Pendant la guerre, Forester travaillait pour le service d'information britannique et écrivait de la propagande pour la cause alliée, principalement destinée à la consommation américaine. Ce travail a initié Dahl à l'espionnage et aux activités du maître-espion canadien William Stephenson, connu sous le nom de code « Intrepid ». Pendant la guerre, Dahl a fourni des renseignements de Washington à Stephenson et à son organisation connue sous le nom de British Security Coordination, qui faisait partie du MI6. Il a déclaré dans les années 1980 qu'il avait défendu les intérêts et le message britanniques aux États-Unis et combattu le mouvement « America First », en collaboration avec d'autres officiers bien connus comme Ian Fleming et David Ogilvy. Dahl a été renvoyé en Grande-Bretagne par des responsables de l'ambassade britannique, soi-disant pour mauvaise conduite : "J'ai été expulsé par les grands", a-t-il déclaré. Stephenson le renvoya rapidement à Washington, avec une promotion au poste de commandant d'escadre. Vers la fin de la guerre, Dahl a écrit une partie de l'histoire de l'organisation secrète et lui et Stephenson sont restés amis pendant des décennies après la guerre. À la fin de la guerre, Dahl occupait le grade de commandant d'escadre temporaire (lieutenant d'aviation en titre). En raison de la gravité de son accident en 1940, il fut déclaré inapte à poursuivre son service et fut invalidé de la RAF en août 1946. Il quitta le service avec le grade effectif de chef d'escadron. Son record de cinq victoires aériennes, le qualifiant d'as de l'aviation, a été confirmé par des recherches d'après-guerre et recoupé dans les archives de l'Axe, bien qu'il soit très probable qu'il en ait marqué plus le 20 avril 1941, lorsque 22 avions allemands étaient en vol. abattu. La vie d'après-guerre Dahl a épousé l'actrice américaine Patricia Neal le 2 juillet 1953 à la Trinity Church de New York. Leur mariage dura 30 ans et ils eurent cinq enfants : Olivia Twenty (20 avril 1955 – 17 novembre 1962) ; Chantal Sophia « Tessa » (née en 1957) ; Théo Matthieu (né en 1960) ; Ophélie Magdalena (née en 1964) ; et Lucy Neal (née en 1965). Le 5 décembre 1960, Theo Dahl, quatre mois, fut grièvement blessé lorsque sa poussette fut heurtée par un taxi à New York. Pendant un certain temps, il a souffert d'hydrocéphalie et, par conséquent, son père s'est impliqué dans le développement de ce qui est devenu connu sous le nom de valve « Wade-Dahl-Till » (ou WDT), un dispositif destiné à soulager cette maladie. La valve est le fruit d'une collaboration entre Dahl, l'ingénieur hydraulique Stanley Wade et le neurochirurgien du Great Ormond Street Hospital de Londres, Kenneth Till, et a été utilisée avec succès sur près de 3 000 enfants dans le monde. En novembre 1962, Olivia décède d'une encéphalite rougeoleuse à l'âge de sept ans. Sa mort a laissé Dahl « mou de désespoir » et lui a donné un sentiment de culpabilité de ne pouvoir rien faire pour elle. Dahl est ensuite devenu un partisan de la vaccination et a dédié son livre de 1982, The BFG, à sa fille. Après la mort d'Olivia, Dahl a perdu confiance en Dieu et a considéré la religion comme une imposture. Tout en pleurant sa perte, il avait demandé l'aide spirituelle de l'ancien archevêque de Cantorbéry Geoffrey Fisher, mais il fut consterné lorsque Fisher lui dit que même si Olivia était au paradis, son chien bien-aimé Rowley ne la rejoindrait jamais là-bas, Dahl se rappelant : « Je voulais demandez-lui comment il pouvait être si absolument sûr que d'autres créatures ne bénéficiaient pas du même traitement spécial que nous. Je me demandais si ce grand et célèbre homme d'Église savait vraiment de quoi il parlait et s'il savait quelque chose sur Dieu ou le ciel. , et s'il ne l'a pas fait, alors qui diable l'a fait ? En 1965, Patricia Neal a subi trois éclats d'anévrismes cérébraux alors qu'elle était enceinte de leur cinquième enfant, Lucy ; Dahl a pris en charge sa rééducation et a réappris à parler et à marcher, et est même revenue à sa carrière d'actrice, un épisode de leur vie qui a été dramatisé dans le film The Patricia Neal Story, dans lequel le couple était interprété par Glenda Jackson et Dirk Bogarde. Après un divorce avec Neal en 1983, Dahl épousa Felicity "Liccy" Crosland à l'hôtel de ville de Brixton, dans le sud de Londres. Dahl et Crosland avaient déjà eu une relation. Liccy a abandonné son travail et a emménagé dans la "Gipsy House", Great Missenden dans le Buckinghamshire, qui était la maison de Dahl depuis 1954. En 1983, Dahl a révisé God Cried de Tony Clifton, un livre d'images sur le siège de Beyrouth-Ouest par l'armée israélienne pendant la guerre du Liban de 1982. La critique de Dahl déclarait que le livre rendrait les lecteurs « violemment anti-israéliens », en écrivant : « Je ne suis pas antisémite. Je suis anti-israélien ». Dahl a déclaré à un journaliste en 1983 : « Il y a un trait dans le caractère juif qui provoque de l'animosité… Je veux dire, il y a toujours une raison pour laquelle l'anti-quoi que ce soit surgit quelque part ; même un puant comme Hitler ne s'en est pas pris à eux simplement pour aucune raison. "Roald Dahl: Une biographie, Jeremy Treglown (Farrar, Straus, Giroux, 1994), pp. 255-256. Dahl entretenait des amitiés avec un certain nombre de Juifs, dont le philosophe Sir Isaiah Berlin, qui a déclaré : « Je pensais qu'il pouvait dire n'importe quoi. Il aurait pu être pro-arabe ou pro-juif. Il n'y avait pas de ligne cohérente. C'était un homme qui suivait ses caprices. , ce qui signifiait qu'il exploserait dans une direction, pour ainsi dire." Amelia Foster, directrice du musée Roald Dahl à Great Missenden, déclare : « C'est encore une fois un exemple de la façon dont Dahl a refusé de prendre quoi que ce soit au sérieux, même lui-même. Il était très en colère contre les Israéliens. Il a eu une réaction enfantine face à ce qui se passait. en Israël. Dahl voulait provoquer, comme il provoquait toujours au dîner. Son éditeur était juif, son agent était juif, et il n'attendait que de bonnes choses de leur part. Il m'a demandé d'en être le directeur général, et je le suis. Juif." Dans la liste des honneurs du Nouvel An 1986, Dahl s'est vu offrir une nomination au poste d'Officier de l'Ordre de l'Empire britannique (OBE), mais l'a refusé, prétendument parce qu'il voulait être fait chevalier afin que sa femme soit Lady Dahl. Dahl est le père de l'auteur Tessa Dahl et le grand-père de l'auteur, auteur de livres de cuisine et ancienne mannequin Sophie Dahl (d'après qui Sophie dans The BFG porte le nom). Mort et héritage Roald Dahl est décédé le 23 novembre 1990, à l'âge de 74 ans, d'une maladie du sang, le syndrome myélodysplasique, à Oxford, et a été enterré au cimetière de l'église Saint-Pierre et Saint-Paul de Great Missenden, Buckinghamshire, Angleterre. Selon sa petite-fille, la famille lui a offert une « sorte de funérailles vikings ». Il a été enterré avec ses queues de billard, du très bon bordeaux, des chocolats, des crayons HB et une scie électrique. Aujourd'hui, les enfants continuent de déposer des jouets et des fleurs près de sa tombe. En novembre 1996, la galerie pour enfants Roald Dahl a été ouverte au musée du comté de Buckinghamshire, à Aylesbury, à proximité. L'astéroïde de la ceinture principale 6223 Dahl, découvert par l'astronome tchèque Antonín Mrkos, a été nommé en sa mémoire en 1996. En 2002, l'un des monuments modernes de la baie de Cardiff, la place Oval Basin, a été rebaptisée « Roald Dahl Plass ». "Plass" signifie "lieu" ou "place" en norvégien, faisant allusion aux racines norvégiennes de l'écrivain. Le public a également demandé qu'une statue permanente de lui soit érigée à Cardiff. En 2016, la ville célèbre le centenaire de la naissance de Dahl à Llandaff. Les organisations artistiques galloises, dont le National Theatre Wales, le Wales Millennium Centre et Literature Wales, se sont réunies pour une série d'événements, intitulée Roald Dahl 100, y compris une Ville de l'inattendu à l'échelle de Cardiff, qui marquera son héritage. Les engagements caritatifs de Dahl dans les domaines de la neurologie, de l'hématologie et de l'alphabétisation au cours de sa vie ont été poursuivis par sa veuve depuis sa mort, par l'intermédiaire de la Marvelous Children's Charity de Roald Dahl, anciennement connue sous le nom de Fondation Roald Dahl. L'association caritative fournit des soins et un soutien aux enfants et aux jeunes gravement malades dans tout le Royaume-Uni. En juin 2005, le musée et centre d'histoire Roald Dahl, situé dans le village natal de l'auteur, Great Missenden, a été officiellement inauguré par Cherie Blair, épouse du Premier ministre britannique Tony Blair, pour célébrer le travail de Roald Dahl et faire progresser son travail en matière d'alphabétisation. Plus de 50 000 visiteurs étrangers, principalement d'Australie, du Japon, des États-Unis et d'Allemagne, se rendent chaque année au musée du village. En 2008, l'association caritative britannique Booktrust et le lauréat pour les enfants Michael Rosen ont inauguré le Roald Dahl Funny Prize, un prix annuel décerné aux auteurs de fiction humoristique pour enfants. Le 14 septembre 2009 (le lendemain de ce qui aurait été le 93e anniversaire de Dahl), la première plaque bleue en son honneur a été dévoilée à Llandaff. Plutôt que de commémorer son lieu de naissance, la plaque a été érigée sur le mur de l'ancienne confiserie (et site de « Le complot de la grande souris de 1924 ») qui figure dans la première partie de son autobiographie Boy. Il a été dévoilé par sa veuve Felicity et son fils Theo. L'anniversaire de Dahl, le 13 septembre, est célébré comme le « Jour Roald Dahl » en Afrique, au Royaume-Uni et en Amérique latine. En l'honneur de Roald Dahl, la poste royale de Gibraltar a émis une série de quatre timbres en 2010 présentant les illustrations originales de Quentin Blake pour quatre des livres pour enfants écrits par Dahl au cours de sa longue carrière ; Le BFG, Les Twits, Charlie et la Chocolaterie et Matilda. Un ensemble de six timbres a été émis par Royal Mail en 2012, présentant les illustrations de Blake pour Charlie et la chocolaterie, Les Twits, Les Sorcières, Matilda, Fantastic Mr Fox et James and the Giant Peach. L'influence de Dahl s'est étendue au-delà des personnalités littéraires. Par exemple, le réalisateur Tim Burton a rappelé depuis son enfance « la deuxième couche [après le Dr Seuss] de la connexion avec un écrivain qui comprend l'idée de la fable moderne – et le mélange de lumière et d'obscurité, et le fait de ne pas dénigrer les enfants, et le C'est une sorte d'humour politiquement incorrect que les enfants reçoivent. J'ai toujours aimé ça, et cela a façonné tout ce que j'ai ressenti. L'actrice Scarlett Johansson a désigné Fantastic Mr Fox comme l'un des cinq livres qui ont fait une différence pour elle. Considéré comme « l'un des plus grands conteurs pour enfants du XXe siècle », Dahl a été désigné par le Times comme l'un des 50 plus grands écrivains britanniques depuis 1945. Il se classe parmi les auteurs de fiction les plus vendus au monde avec des ventes estimées à plus de 200 millions d'euros. et ses livres ont été publiés dans près de 60 langues. En 2003, quatre livres de Dahl, menés par Charlie et la Chocolaterie au numéro 35, classés parmi les 100 meilleurs dans The Big Read, une enquête menée auprès du public britannique par la BBC pour déterminer le « roman le plus aimé de la nation » de tous les temps. . Première de deux pages. Archivé le 2 septembre 2014 par l'éditeur. Charles Dickens et Terry Pratchett sont en tête avec cinq du Top 100. Les quatre romans Harry Potter existants figuraient tous dans le Top 25. Les romans de Dahl étaient Charlie, The BFG, Matilda et The Twits. Dans les enquêtes menées auprès des enseignants, des parents et des élèves du Royaume-Uni, Dahl est fréquemment classé comme le meilleur écrivain pour enfants. Dans une liste de 2006 de la Royal Society of Literature, la créatrice de Harry Potter, J. K. Rowling, a nommé Charlie et la Chocolaterie l'un de ses dix meilleurs livres que chaque enfant devrait lire. En 2012, Matilda a été classée 30e parmi les meilleurs romans pour enfants de tous les temps dans une enquête publiée par School Library Journal, un mensuel destiné principalement à un public américain. Le Top 100 comprenait quatre livres de Dahl, plus que tout autre écrivain : Matilda, Charlie et la Chocolaterie, Les Sorcières et The BFG. En écrivant Le premier ouvrage publié de Dahl, inspiré par une rencontre avec C. S. Forester, fut "A Piece of Cake" le 1er août 1942. L'histoire, sur ses aventures de guerre, fut achetée par le Saturday Evening Post pour 1 000 $ US (une somme substantielle en 1942). et publié sous le titre « Abattu sur la Libye ». Son premier livre pour enfants était The Gremlins, publié en 1943, sur les petites créatures espiègles qui faisaient partie du folklore de la Royal Air Force.Donald, Graeme [http://books.google.com/books?id QlmwkeBINiYC&pgPA147&dq RAF+pilotes+blâmés+gremlins&hlen&ei wuwQTeKBNsaJhQfrho23Dg&saX&oi book_result&ctresult&resnum 6&ved0CDwQ6AEwBQ#v onepage&q&ffalse Sticklers, favoris et bikinis : les origines militaires des mots et des phrases de tous les jours]. Osprey Publishing, 2008 Les pilotes de la RAF ont imputé aux gremlins tous les problèmes de l'avion. Alors qu'il était à l'ambassade britannique à Washington, Dahl en a envoyé un exemplaire à la Première Dame Eleanor Roosevelt qui l'a lu à ses petits-enfants, et le livre a été commandé par Walt Disney pour un film qui n'a jamais été réalisé. Dahl a ensuite créé certaines des histoires pour enfants les plus appréciées du XXe siècle, telles que Charlie et la chocolaterie, Matilda, James et la pêche géante, Les sorcières, Fantastic Mr Fox, The BFG, The Twits et George's Marvelous Medicine. . Dahl a également eu une carrière parallèle réussie en tant qu'écrivain de nouvelles macabres pour adultes, généralement avec un sens de l'humour noir et une fin surprise. Les Mystery Writers of America ont décerné à Dahl trois prix Edgar pour son travail, et beaucoup ont été écrits à l'origine pour des magazines américains tels que Collier's (l'objet de collection était Colliers Star Story of the week du 4 septembre 1948), Ladies Home Journal, Harper's, Playboy. et Le New Yorker. Des œuvres telles que Kiss Kiss ont ensuite rassemblé les histoires de Dahl dans des anthologies, gagnant une renommée mondiale. Dahl a écrit plus de 60 nouvelles ; ils sont apparus dans de nombreux recueils, certains n'ayant été publiés sous forme de livre qu'après sa mort (voir la liste des nouvelles de Roald Dahl). Ses trois Edgar Awards ont été décernés pour : en 1954, la collection Someone Like You ; en 1959, l'histoire « La Propriétaire » ; et en 1980, l'épisode de Tales of the Unexpected basé sur "Skin".Andrew Maunder [http://books.google.com/books?idPx9s1oIjj88C&pg PA96&dqroald+dahl+edgar+prix&hl fr&ei_eYQTd2UMY2IhQen4PS2Dg&sa X&oibook_result&ct résultat&resnum3&bois 0CDgQ6AEwAg#vonepage&q roald%20dahl%20edgar%20award&f=false The Facts On File compagnon de la nouvelle britannique]. Publication de la base d'informations, 2007 L'une de ses histoires pour adultes les plus célèbres, "The Smoker" (également connue sous le nom de "Man from the South"), a été filmée deux fois dans les épisodes de 1960 et 1985 d'Alfred Hitchcock Presents, et également adaptée dans le segment de Quentin Tarantino du film Four de 1995. Pièces. Ce classique souvent anthologisé concerne un homme en Jamaïque qui parie avec des visiteurs pour tenter de récupérer les doigts de leurs mains. La version Hitchcock de 1960 met en vedette Steve McQueen et Peter Lorre. James Mottram [http://books.google.com/books?id-GZvT_iUIhkC&pg PA95&dq roald+dahl+man+du+sud+-+hitchcock nhl en&ei IvQQTdGMGcHDhAf86523Dg&sa X&oibook_result&ct résultat&resnum8&ved 0CFQQ6AEwBw#vonepage&q roald%20dahl%20man%20from%20the%20south%20-%20hitchcock&f=false Les enfants de Sundance : comment les non-conformistes ont repris Hollywood] Macmillan, 2006 Dahl a acquis un chariot gitan traditionnel roman dans les années 1960 et la famille l'a utilisé comme salle de spectacle pour ses enfants dans sa maison de Great Missenden, dans le Buckinghamshire. Il a ensuite utilisé le vardo comme salle d'écriture, où il a écrit Danny, le champion du monde en 1975. Dahl a incorporé un chariot tsigane dans l'intrigue principale du livre, où le jeune garçon anglais Danny et son père William ( joué par Jeremy Irons dans l'adaptation cinématographique) vivent dans une caravane gitane. De nombreuses scènes et personnages locaux de Great Missenden ont inspiré les histoires de Dahl. Son recueil de nouvelles Tales of the Unexpected a été adapté à une série télévisée à succès du même nom, commençant par "Man From the South". Lorsque le stock d'histoires originales de Dahl fut épuisé, la série continua en adaptant des histoires d'auteurs écrits dans le style de Dahl, notamment les écrivains John Collier et Stanley Ellin. Certaines de ses nouvelles sont censées être des extraits du journal intime de son oncle (fictif) Oswald, un riche gentleman dont les exploits sexuels font l'objet de ces histoires. Dans son roman My Uncle Oswald, l'oncle engage une tentatrice pour séduire les génies et la royauté du 20e siècle avec un philtre d'amour secrètement ajouté aux truffes au chocolat fabriquées par la chocolaterie préférée de Dahl, Prestat of Piccadilly, Londres. Darrell Schweitzer (1985) [http:/ /books.google.co.uk/books?idYTL_YsSp4r8C&pg PA125&dqfictional+mon+oncle+Oswald&hl fr&eiZNYHTZKgEdSAhAePpJTBAQ&sa X&oibook_result&ct résultat&resnum3&ved 0CDEQ6AEwAg#vonepage&q fictional%20my%20Uncle%20Oswald&ffalse À la découverte de la fiction d'horreur moderne, Volume 2]. Wildside Press LLC, 1985 Memories with Food at Gipsy House, écrit avec sa femme Felicity et publié à titre posthume en 1991, était un mélange de recettes, de souvenirs familiaux et de réflexions de Dahl sur des sujets favoris tels que le chocolat, les oignons et le bordeaux. Sally Williams (12 septembre 2006) [http://www.telegraph.co.uk/foodanddrink/recipes/3334427/A-plateful-of-Dahl.html Une assiette de Dahl] The Daily Telegraph. Récupéré le 4 janvier 2011. Fiction pour enfants Les œuvres pour enfants de Dahl sont généralement racontées du point de vue d'un enfant. Ils impliquent généralement des méchants adultes qui détestent et maltraitent les enfants, et mettent en vedette au moins un « bon » adulte pour contrecarrer le(s) méchant(s). Ces personnages courants font peut-être référence aux abus que Dahl a déclaré avoir subis dans les internats qu'il a fréquentés. Les livres de Dahl voient le triomphe de l'enfant ; La critique de livres pour enfants Amanda Craig a déclaré : « Il a dit sans équivoque que ce sont les bons, les jeunes et les gentils qui triomphent des vieux, des avides et des méchants. » Bien que ses histoires excentriques comportent un sentiment chaleureux sous-jacent, elles contiennent généralement de nombreux scénarios sombres et grotesques, y compris une violence horrible. Les Sorcières, George's Marvelous Medicine et Matilda sont des exemples de cette formule. Le BFG le suit de manière plus analogue avec le bon géant (le BFG ou « Big Friendly Giant ») représentant l'archétype du « bon adulte » et les autres géants étant les « mauvais adultes ». Cette formule est également quelque peu évidente dans le scénario du film de Dahl pour Chitty Chitty Bang Bang. Des thèmes soucieux de la classe sociale font également surface dans des œuvres telles que Fantastic Mr Fox et Danny, le champion du monde. Dahl présente également dans ses livres des personnages très gros, généralement des enfants. Augustus Gloop, Bruce Bogtrotter et Bruno Jenkins sont quelques-uns de ces personnages, bien qu'une énorme femme nommée Tante Sponge soit présentée dans James and the Giant Peach et que le méchant fermier Boggis dans Fantastic Mr Fox soit un personnage extrêmement gros. Tous ces personnages (à l'exception peut-être de Bruce Bogtrotter) sont soit des méchants, soit simplement des gloutons désagréables. Ils sont généralement punis pour cela : Augustus Gloop boit de la rivière de chocolat de Willy Wonka, sans tenir compte des adultes qui lui disent de ne pas le faire, et tombe dedans, se fait aspirer par une pipe et est presque transformé en fudge. Dans Matilda, Bruce Bogtrotter vole le gâteau de la méchante directrice, Miss Trunchbull, et est obligé de manger un gigantesque gâteau au chocolat devant l'école. Présenté dans The Witches, Bruno Jenkins est attiré par les sorcières dans leur convention avec la promesse de chocolat, avant de le transformer en souris. Tante Éponge est aplatie par une pêche géante. La mère de Dahl avait l'habitude de lui raconter, à lui et à ses sœurs, des histoires sur les trolls et autres créatures mythiques norvégiennes et certains de ses livres pour enfants contiennent des références ou des éléments inspirés de ces histoires, comme les géants de The BFG, la famille des renards.

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Le film « Gigi » de 1958 était basé sur le roman de quel auteur français ?

Colette

Gigi est une nouvelle de 1944 de l'écrivaine française Colette. L'intrigue se concentre sur une jeune Parisienne préparée pour une carrière de courtisane et sur sa relation avec le riche homme cultivé nommé Gaston qui tombe amoureux d'elle et finit par l'épouser. La nouvelle a servi de base à un film français de 1949 mettant en vedette Danièle Delorme et Gaby Morlay. En 1951, il est adapté pour la scène par Anita Loos. Colette avait personnellement choisi Audrey Hepburn, encore inconnue, à première vue pour jouer le rôle titre. Sa tante Alicia était interprétée par la légende de la scène Cathleen Nesbitt, qui allait devenir à partir de ce moment le mentor par intérim de Hepburn. Ouverture le 24 novembre 1951 à Broadway au Fulton Theatre, la pièce a été jouée pendant 219 représentations (se terminant le 31 mai 1952) et les débuts de Hepburn à Broadway lui ont valu un Theatre World Award. La nouvelle a été traduite en anglais par Roger Senhouse et publiée (avec "The Cat" traduit par Antonia White) en 1953. Sept ans plus tard, une version musicale du film avec un scénario d'Alan Jay Lerner et une musique de Lerner et Frederick Loewe a remporté l'Oscar du meilleur film. Cette version cinématographique mettait en vedette Leslie Caron et Louis Jourdan. L'histoire d'une jeune fille préparée à devenir une courtisane par sa grand-mère a amené le producteur Arthur Freed à douter que le fait d'en faire un drame pur et simple serait acceptable pour les censeurs américains, alors ils l'ont "nettoyé" et l'ont transformé en comédie musicale. Lerner et Loewe ont adapté le film pour une comédie musicale de 1973 qui s'est avérée infructueuse. Une production pré-Broadway de la comédie musicale, nouvellement adaptée par Heidi Thomas (Call the Midwife, Cranford, Upstairs Downstairs) et réalisée par Eric D. Schaeffer (Follies, Million Dollar Quartet) a été jouée au Kennedy Center de Washington D.C jusqu'à la mi-février. 2015 avec l'actrice de High School Musical Vanessa Anne Hudgens dans le rôle de Gigi. Cette reprise de Gigi a débuté à Broadway, au Neil Simon Theatre, le 8 avril 2015.

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« Back to Bedlam » était le premier album de quel chanteur britannique ?

James Blunt

Back to Bedlam est le premier album studio de l'auteur-compositeur-interprète anglais James Blunt. Il est sorti le 14 novembre 2003 via Atlantic Records. Il porte le nom du tristement célèbre établissement psychiatrique du Bethlem Royal Hospital, communément connu sous le nom de Bedlam. L'album a été salué par les critiques musicaux, qui ont loué les compétences vocales et d'écriture de Blunt. Initialement resté dans les régions inférieures du UK Albums Chart au cours de ses premiers mois de sortie, il est devenu un succès international majeur après que son troisième single, "You're Beautiful", ait été un énorme succès mondial à l'été 2005. Bedlam est l'album le plus vendu en 2005 au Royaume-Uni, avec plus de 2,4 millions d'exemplaires vendus. En décembre 2009, l'album avait été certifié 10 × Platine par la British Phonographic Industry pour des ventes de plus de 3 millions, ce qui en faisait l'album le plus vendu des années 2000 au Royaume-Uni. En 2011, il a été dépassé par Back to Black d'Amy Winehouse comme album le plus vendu du 21e siècle au Royaume-Uni. Back to Bedlam se classe actuellement au 16ème rang des albums les plus vendus de l'histoire des charts britanniques. En 2015, il s'est vendu à 3,31 millions d'exemplaires au Royaume-Uni et à plus de 11 millions d'exemplaires dans le monde. Contexte et enregistrement Blunt a suivi des cours de piano et de violon lorsqu'il était enfant, mais sa première exposition significative à la musique populaire a eu lieu à la Harrow School. Là, il a été initié à la guitare par un camarade et a commencé à jouer de l'instrument et à écrire des chansons à l'âge de 14 ans. À l'Université de Bristol, sa thèse de premier cycle était La marchandisation de l'image – Production d'une idole pop ; l'une de ses principales références pour la thèse était le sociologue et critique rock Simon Frith, président du jury du Mercury Music Prize depuis 1992. Parce que l'armée britannique a financé ses études universitaires, Blunt a été obligé de servir au moins quatre ans dans les forces armées. Il a déclaré lors d'une interview lors de ses séances Back to Bedlam qu'il avait choisi de rejoindre l'armée car son père « faisait pression pour cela, afin que [Blunt] puisse obtenir un placement sûr et un revenu ». Blunt s'est formé à l'Académie royale militaire de Sandhurst. Alors qu'il était encore dans l'armée, il travaillait sur des démos pendant son temps libre. Un choriste et collaborateur à l'écriture de chansons lui a suggéré de contacter le manager d'Elton John, Todd Interland, avec qui elle partageait une maison. Interland a déclaré à HitQuarters qu'il avait écouté la démo de Blunt en rentrant chez lui et qu'après avoir entendu le morceau "Goodbye My Lover", il s'était arrêté et avait appelé le numéro de portable écrit sur le CD pour organiser une réunion. Blunt a quitté l'armée britannique en 2002 pour pouvoir poursuivre sa carrière musicale. C'est à cette époque qu'il a commencé à utiliser le nom de scène « Blunt », en partie pour le rendre plus facile à épeler pour les autres ; "Blount" se prononce de la même manière et reste son nom de famille légal. Peu de temps après avoir quitté l'armée, il a été recruté par les éditeurs de musique EMI et la direction de Twenty-First Artists. Un contrat d'enregistrement est resté insaisissable, les dirigeants des maisons de disques désignant la voix chic de Blunt comme un obstacle dans une Grande-Bretagne divisée en classes. Linda Perry, qui venait de lancer son propre label Custard Records au début de 2003, a entendu la cassette promotionnelle de Blunt lors de sa visite à Londres et, peu de temps après, l'a entendu se produire en direct au South by Southwest Music Festival. Elle lui a fait une offre le soir même et quelques jours plus tard, Blunt a signé un contrat d'enregistrement avec Perry et un mois plus tard, il était à Los Angeles pour travailler avec le producteur Tom Rothrock. Blunt a enregistré Back to Bedlam en 2003 avec le producteur Tom Rothrock au home studio de Rothrock, en utilisant des musiciens de session et en jouant lui-même sur de nombreux instruments différents. À Los Angeles, il a logé chez l'actrice Carrie Fisher, qu'il avait rencontrée par l'intermédiaire de la famille d'une ancienne petite amie. Fisher a beaucoup soutenu les aspirations de Blunt, suggérant le nom de l'album et offrant à Blunt l'utilisation d'une salle de bain chez elle pour enregistrer la chanson "Goodbye My Lover". Réception critique L'album a reçu un accueil universel de la part des critiques musicaux. AllMusic a estimé que "... les débuts nostalgiques du crooner britannique Soulful James Blunt insufflent à l'auditeur - dans l'ordre - l'espoir des jours de pluie, le confort mélancolique d'un amour inaccessible et, enfin, une résignation lasse du monde. Tandis que son fausset desséché et efféminé rappelle Gasoline Rod Stewart de l'ère Alley avec une bonne dose d'Antony et les Johnson, c'est le regretté Elliott Smith qui jette la plus grande ombre sur Back to Bedlam. » Le magazine Q et Common Sense Media ont attribué à l'album quatre étoiles sur cinq. RocknWorld a déclaré : « Il est difficile de décrire James Blunt ou sa musique sans devenir la proie de nombreux clichés ou hyperboles. Originaire du Royaume-Uni, sert dans l'armée puis réalise un album de ballades émouvantes et sincères qui font une énorme impression dans son pays natal et en Australie, lui permettant ainsi de connaître un succès phénoménal, en tête des charts. Cependant, dans ce cas, la musique que Blunt fait mérite vraiment et justifie le battage médiatique qui l'entoure, même si sa musique est partout à la radio ici en Australie, je ne peux pas. Je regrette le fait que Blunt soit vraiment talentueux et qu'il ait fait un très bon premier album. BBC Collective a déclaré : « Il est très rare que je donne 5 étoiles à un album. Beaucoup s'en sont approchés, mais ils les manquent de peu. Je n'aurais jamais pensé dire cela, mais Back To Bedlam n'a pas un seul mauvais morceau. J'ai écouté ça 3 fois de suite, juste pour être sûr." Slant Magazine a déclaré, dans une critique de trois étoiles et demie, que "Bedlam est une expérience d'écoute globale brute" et que bien que "l'écriture de Blunt juxtapose souvent l'amour avec la mort", c'est "une raison de plus pour les filles américaines de devenir gaga devant ce britannique capable". type." Indie London a fait l'éloge de l'album et l'a qualifié de "... un début magistral et que vous ne devez pas laisser passer." Dans une critique 4 étoiles, About.com a déclaré que « pour décrire avec justesse la musique de James Blunt dans son premier album Back to Bedlam, ce serait une injustice d'ignorer la toile de fond de son passé et sa relation avec sa musique – en fait, il est impossible de faites-le" et a fait l'éloge des chansons qu'ils ont qualifiées de "Envoûtantes et captivantes, ses paroles dressent le portrait de nombreuses histoires vécues, magistralement récitées à travers ses chansons. Back to Bedlam ne semble pas tant une compilation pop que le reflet d'une vie. à travers l'art de la musique. Nate Murray de Relevant a donné une critique similaire et a comparé son travail à celui d'Elliott Smith, le qualifiant de "d'une honnêteté attachante" et a poursuivi "... comme tout grand écrivain, il invite le lecteur, ou dans ce cas, l'auditeur, dans les détails intimes de la vie qui résonnent chez presque tout le monde. Combinez une écriture aussi franche avec une voix qu'un intervieweur a qualifiée de « dégoûtante et magnifique », et vous obtenez une recette pour la dépendance musicale de Blunt qui a gagné l'approbation d'Elton John et conduit à des comparaisons. avec les premiers travaux de John, ainsi qu'avec le regretté Elliott Smith. Liste des pistes Graphiques Graphiques hebdomadaires Graphiques de fin d'année Graphiques de fin de décennie Certifications Crédits et personnel *James Blunt – chant principal sur toutes les pistes ; guitare sur les pistes 1, 5, 6 et 9 ; orgue sur les pistes 3, 4, 6 et 9 ; piano sur les pistes 1, 4, 5 et 10 ; Piano électrique Wurlitzer sur les pistes 5, 6 et 7 ; guitare acoustique sur les pistes 2 et 7 ; Piano Rhodes sur les pistes 3 et 4 ; claviers et marimba sur la piste 1 ; guitare classique sur la piste 3 ; guitare à douze cordes sur la piste 4 ; orgue d'église sur la piste 5 ; choeurs sur la piste 6; piano à queue sur la piste 8 ; mellotron sur la piste 9 *Sasha Kristov – basse sur toutes les pistes sauf 4, 7 et 10 ; choeurs sur la piste 6 *Charlie Paxon – batterie sur toutes les pistes sauf 10 ; choeurs sur la piste 6 *John Nau – orgue Hammond sur les pistes 3, 5, 6, 7 et 8 ; Piano électrique Wurlitzer sur les pistes 1, 3, 8 et 9 ; piano sur la piste 2 ; sustain de guitare sur la piste 4 ; choeurs sur la piste 6; punaise de piano sur la piste 8 *Eric Gorfain – cordes sur les pistes 2, 4 et 5 *The Section – cordes sur les pistes 2, 4 et 5 *John "Gumby" Goodwin – guitare électrique sur la piste 3 ; choeurs sur la piste 6; slide solo de guitare sur la piste 7 *Matt Chait – extrait de guitare sur la piste 4 ; guitare électrique sur la piste 7 ; guitare sur la piste 8 *Jimmy Hogarth – guitare acoustique et claviers sur la piste 3 *Sacha Skarbek – piano Rhodes sur la piste 3 *Amanda Ghost – choeurs sur la piste 3 *Guy Chambers – retour de guitare sur la piste 5 *Tom Rothrock – choeurs sur la piste 6 *W. Vincent – ​​basse sur la piste 8 *The Producer – guitare slide sur la piste 9 *Linda Perry – guitare et production sur la piste 10 *P. III – basse sur la piste 10 *Brian McCloud – batterie sur la piste 10 *Tom Rothrock – production, mixage *Mike Tarantino – ingénierie ; guitare solo sur la piste 1 ; guitare électrique sur la piste 2 ; Guitare Mississippi sur la piste 7 *David Guerrero – ingénierie en piste 10 *John Morrical – assistance ingénierie *Andrew Chavez – assistance technique sur la voie 10 *Don Tyler – mastering Utilisation dans d'autres médias Huit des dix chansons de Back to Bedlam ont été autorisées à être utilisées dans des émissions de télévision, des films, des campagnes publicitaires et des bandes-annonces, soit un total de 34 fois. Cela comprenait "Tears and Rain", "So Long Jimmy" et "Cry", des morceaux qui n'étaient pas sortis en single.

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Quel gangster américain a été libéré de la prison d'Alcatraz en novembre 1939 ?

Al Capone

Un gangster est un criminel membre d'un gang. Certains gangs sont considérés comme faisant partie du crime organisé. Les gangsters sont également appelés gangsters, terme dérivé de mob et du suffixe -ster. Les gangs offrent un niveau d'organisation et de ressources qui permettent de soutenir des transactions criminelles beaucoup plus importantes et complexes que ce qu'un criminel individuel pourrait réaliser. Les gangsters sont actifs depuis de nombreuses années dans des pays du monde entier. Certains gangsters, comme Al Capone, sont devenus tristement célèbres. Les gangsters font l’objet de nombreux romans et films, notamment entre 1920 et 1990. Les criminels contemporains se qualifient souvent de « gangsta » en référence à une prononciation noire américaine non rhotique. Bandes Dans l'usage actuel, le terme « gang » est généralement utilisé pour désigner une organisation criminelle, et le terme « gangster » décrit invariablement un criminel. Beaucoup a été écrit sur le sujet des gangs, même s’il n’existe pas de consensus clair sur ce qui constitue un gang ou sur les situations qui conduisent à la formation et à l’évolution d’un gang. Il existe un consensus sur le fait que les membres d’un gang ont un sentiment d’identité et d’appartenance commune, et ce sentiment est généralement renforcé par des activités partagées et par des identifications visuelles telles que des vêtements spéciaux, des tatouages ​​ou des bagues. Certaines idées préconçues peuvent être fausses. Par exemple, l’idée répandue selon laquelle la distribution de drogues illégales aux États-Unis est largement contrôlée par des gangs a été remise en question. Un gang peut être un groupe relativement restreint de personnes qui coopèrent à des actes criminels, comme le gang Jesse James, qui a pris fin avec la mort de son chef en 1882. Mais un gang peut être un groupe plus vaste doté d'une organisation formelle qui survit à la mort de son chef. chef. La tenue de Chicago créée par Al Capone a survécu à l'emprisonnement et à la mort de son fondateur et a survécu jusqu'au 21e siècle. Des gangs importants et bien structurés tels que la mafia, les cartels de la drogue, les triades ou même les gangs de motards hors-la-loi peuvent entreprendre des transactions complexes qui dépasseraient de loin les capacités d'un seul individu et peuvent fournir des services tels que l'arbitrage des différends et l'exécution des contrats qui sont parallèles à ceux d'un gouvernement légitime. Le terme « crime organisé » est associé aux gangs et aux gangsters, mais n'est pas synonyme. Un petit gang de rue qui se livre à des activités criminelles sporadiques de faible intensité ne serait pas considéré comme « organisé ». Une organisation qui coordonne des gangs dans différents pays impliqués dans le commerce international de drogues ou de prostituées ne peut pas être considérée comme un « gang ». Bien que les gangs et les gangsters aient existé dans de nombreux pays et à de nombreuses reprises dans le passé, ils ont joué un rôle plus important en période d’affaiblissement de l’ordre social ou lorsque les gouvernements ont tenté de supprimer l’accès à des biens ou des services pour lesquels la demande est forte. Variantes régionales L'Europe  La mafia sicilienne, ou Cosa Nostra, est un syndicat criminel apparu au milieu du XIXe siècle en Sicile, en Italie. Il s’agit d’une association lâche de groupes criminels qui partagent une structure organisationnelle et un code de conduite communs. Les origines résident dans le bouleversement de la transition de la Sicile hors de la féodalité en 1812 et de son annexion ultérieure par l'Italie continentale en 1860. Sous la féodalité, la noblesse possédait la plupart des terres et appliquait la loi et l'ordre par le biais de ses armées privées. Après 1812, les barons féodaux vendirent ou louèrent régulièrement leurs terres à des particuliers. L'aînesse fut abolie, la terre ne pouvait plus être saisie pour régler des dettes et un cinquième de la terre devait devenir la propriété privée des paysans. Le crime organisé existe en Russie depuis l’époque de la Russie impériale sous forme de banditisme et de vol. Durant la période soviétique, Vory contre Zakone est apparu, une classe de criminels qui devaient respecter certaines règles du système pénitentiaire. L’une de ces règles interdisait toute coopération avec les autorités. Pendant la Seconde Guerre mondiale, certains prisonniers ont conclu un accord avec le gouvernement pour rejoindre les forces armées en échange d'une réduction de peine, mais à leur retour en prison, ils ont été attaqués et tués par des détenus restés fidèles aux règles des voleurs. En 1988, l’Union soviétique a légalisé l’entreprise privée mais n’a pas mis en place de réglementation garantissant la sécurité de l’économie de marché. Des marchés de brut ont émergé, le plus connu étant le marché Rizhsky, où des réseaux de prostitution étaient organisés à côté de la gare Rizhsky à Moscou. Alors que l’Union soviétique se dirigeait vers l’effondrement, de nombreux anciens fonctionnaires se sont tournés vers le crime, tandis que d’autres ont déménagé à l’étranger. D'anciens agents du KGB et vétérans des guerres d'Afghanistan et de la première et de la deuxième guerre de Tchétchénie, aujourd'hui au chômage mais possédant une expérience qui pourrait s'avérer utile dans la criminalité, ont rejoint la vague de criminalité croissante. Au début, le Vory contre Zakone a joué un rôle clé dans l’arbitrage des guerres de gangs qui ont éclaté dans les années 1990. Au milieu des années 1990, on pensait que « Don » Semion Moguilevitch était devenu le « patron de tous les patrons » de la plupart des syndicats de la mafia russe dans le monde, décrit par le gouvernement britannique comme « l'un des hommes les plus dangereux au monde ». Plus récemment, des criminels ayant des liens plus étroits avec les grandes entreprises et le gouvernement ont évincé les Vory de certaines de leurs niches traditionnelles, même si les Vory sont toujours présents dans le secteur des jeux de hasard et du commerce de détail. La mafia albanaise est active en Albanie, aux États-Unis et dans les pays de l'Union européenne (UE), participant à un large éventail d'entreprises criminelles, notamment le trafic de drogue et d'armes. Les habitants du pays montagneux d’Albanie ont toujours eu de fortes traditions de loyauté familiale et clanique, similaires à certains égards à celles du sud de l’Italie. Les gangs d'origine albanaise se sont développés rapidement depuis 1992, pendant la période prolongée d'instabilité dans les Balkans après l'effondrement de la Yougoslavie. Cela a coïncidé avec une migration à grande échelle dans toute l'Europe, ainsi que vers les États-Unis et le Canada. Bien que basés en Albanie, les gangs s'occupent souvent de transactions internationales telles que le trafic de migrants économiques, de drogues et autres contrebandes, ainsi que d'armes. D’autres organisations criminelles apparues dans les Balkans à cette époque sont communément appelées mafia serbe, mafia bosniaque, mafia bulgare, etc. Asie En Chine, les Triades trouvent leurs racines dans des groupes de résistance ou de rebelles opposés à la domination mandchoue sous la dynastie Qing, qui ont reçu le triangle comme emblème. Le premier enregistrement d'une société triade, Heaven and Earth Gathering, remonte au soulèvement de Lin Shuangwen à Taiwan de 1786 à 1787. Les triades ont évolué vers des sociétés criminelles. Lorsque le Parti communiste chinois est arrivé au pouvoir en 1949 en Chine continentale, l’application de la loi est devenue plus stricte et la répression gouvernementale contre les organisations criminelles a forcé les triades à émigrer vers Hong Kong, alors colonie britannique, et vers d’autres villes du monde. Les triades sont aujourd'hui très organisées, avec des départements responsables de fonctions telles que la comptabilité, le recrutement, les communications, la formation et le bien-être, en plus des armes opérationnelles. Ils se livrent à divers délits, notamment l'extorsion, le blanchiment d'argent, la contrebande, le trafic et la prostitution. Les Yakuza sont membres de syndicats traditionnels du crime organisé au Japon. Ils sont connus pour leurs codes de conduite stricts et leur nature très organisée. En 2009, ils comptaient environ 80 900 membres. La plupart des yakuza modernes dérivent de deux classifications apparues au milieu de la période Edo : les tekiya, ceux qui colportaient principalement des biens illicites, volés ou de mauvaise qualité ; et bakuto, ceux qui étaient impliqués ou participaient à des jeux de hasard. États-Unis et Canada À mesure que la société et la culture américaines se développaient, de nouveaux immigrants s'installaient aux États-Unis. Les premiers grands gangs de la ville de New York au XIXe siècle étaient les gangs irlandais tels que les Whyos et les Dead Rabbits. Ceux-ci ont été suivis par le gang italien Five Points et plus tard par un gang juif connu sous le nom de Eastman Gang. Il y avait aussi des gangs anti-immigration « nativistes » comme les Bowery Boys. La mafia américaine est issue de la mafia apparue aux États-Unis à la fin du XIXe siècle, à la suite de vagues d’émigration en provenance de Sicile. Il y avait des ramifications similaires au Canada parmi les Italo-Canadiens. À la fin des années 1800, de nombreux Chinois ont émigré aux États-Unis, fuyant l'insécurité et les difficultés économiques de leur pays, travaillant d'abord sur la côte ouest, puis se déplaçant vers l'est. Les nouveaux immigrants ont formé des associations caritatives chinoises. Dans certains cas, celles-ci ont évolué vers des Tongs, ou des organisations criminelles principalement impliquées dans le jeu. Les membres des triades qui ont émigré aux États-Unis rejoignaient souvent ces pinces. Avec une nouvelle vague migratoire dans les années 1960, les gangs de rue ont commencé à prospérer dans les grandes villes. Les Tongs ont recruté ces gangs pour protéger leurs opérations d'extorsion, de jeu et de stupéfiants. Les termes « gangster » et « gangster » sont principalement utilisés aux États-Unis pour désigner les membres d'organisations criminelles associées à la Prohibition ou à une ramification américaine de la mafia italienne (comme le Chicago Outfit, la Philadelphia Mafia ou les Five Families). ). En 1920, le dix-huitième amendement de la Constitution des États-Unis interdit la vente, la fabrication et le transport d’alcool destiné à la consommation. De nombreux gangs vendaient illégalement de l’alcool pour réaliser d’énormes profits et utilisaient une violence extrême pour s’emparer de leur territoire et protéger leurs intérêts. Souvent, les policiers et les hommes politiques étaient payés ou extorqués pour assurer la continuité des opérations. l'Amérique latine La majeure partie de la cocaïne est cultivée et transformée en Amérique du Sud, notamment en Colombie, en Bolivie et au Pérou, et introduite clandestinement aux États-Unis et en Europe, les États-Unis étant le plus grand consommateur mondial de cocaïne. La Colombie est le premier producteur mondial de cocaïne et produit également de l'héroïne, principalement destinée au marché américain. Le cartel de Medellín était un réseau organisé de fournisseurs et de contrebandiers de drogue originaires de la ville de Medellín, en Colombie. Le gang a opéré en Colombie, en Bolivie, au Pérou, en Amérique centrale, aux États-Unis, ainsi qu'au Canada et en Europe tout au long des années 1970 et 1980. Elle a été fondée et dirigée par les frères Ochoa Vázquez et Pablo Escobar. En 1993, le gouvernement colombien, aidé par les États-Unis, avait réussi à démanteler le cartel en emprisonnant ou en traquant et en abattant ses membres. Bien que les cartels de la drogue mexicains, ou organisations de trafic de drogue, existent depuis plusieurs décennies, ils sont devenus plus puissants depuis la disparition des cartels colombiens de Cali et Medellín dans les années 1990. Les cartels de la drogue mexicains dominent désormais le marché de gros des drogues illicites aux États-Unis. Soixante-cinq pour cent de la cocaïne entre aux États-Unis via le Mexique et la grande majorité du reste via la Floride. Les expéditions de cocaïne en provenance d'Amérique du Sud transportées via le Mexique ou l'Amérique centrale sont généralement acheminées par voie terrestre ou aérienne vers des sites de transit situés dans le nord du Mexique. La cocaïne est ensuite divisée en petits chargements pour la contrebande à travers la frontière entre les États-Unis et le Mexique. Les arrestations de chefs de gangs clés, en particulier dans les cartels de Tijuana et du Golfe, ont conduit à une augmentation de la violence liée à la drogue alors que les gangs se battent pour le contrôle des routes du trafic vers les États-Unis. Les trafiquants de cocaïne de Colombie, et récemment du Mexique, ont également établi un labyrinthe de routes de contrebande à travers les Caraïbes, la chaîne des îles Bahama et le sud de la Floride. Ils engagent souvent des trafiquants du Mexique ou de la République dominicaine pour transporter la drogue. Les trafiquants utilisent diverses techniques de contrebande pour transférer leur drogue vers les marchés américains. Il s'agit notamment de largages aériens de 500 à 700 kg dans les îles Bahama ou au large des côtes de Porto Rico, de transferts de bateau à bateau en pleine mer de 500 à 2 000 kg et de l'expédition commerciale de tonnes de cocaïne via le port de Miami. Une autre route de trafic de cocaïne passe par le Chili. Cette route est principalement utilisée pour la cocaïne produite en Bolivie puisque les ports maritimes les plus proches se trouvent dans le nord du Chili. La frontière aride entre la Bolivie et le Chili est facilement traversée par les véhicules 4x4 qui se dirigent ensuite vers les ports maritimes d'Iquique et d'Antofagasta. Des individus notoires Al Capone Al Capone était l'un des gangsters les plus influents de cette période. Né à Williamsburg, Brooklyn en 1899 de parents immigrés, Capone a été recruté par les membres du Five Points Gang au début des années 1920. L'ami d'enfance de Capone, Lucky Luciano, était également à l'origine membre du Five Points Gang. Capone allait contrôler une grande partie des activités illicites telles que les jeux de hasard, la prostitution et la contrebande à Chicago au début du XXe siècle. Frank Costello Frank Costello était un autre gangster influent. Il est né dans le sud de l'Italie mais a déménagé en Amérique à l'âge de quatre ans. Il a ensuite changé son nom de Francesco Castiglia à Frank Costello lorsqu'il a rejoint un gang à l'âge de 13 ans. Son changement de nom a amené certaines personnes à croire à tort qu'il était irlandais. Il a travaillé avec Charlie Luciano dans le domaine de la contrebande et des jeux de hasard. Il disposait également d'un grand pouvoir politique qui lui permettait de poursuivre ses activités. Il a pris les commandes lorsque Luciano a été arrêté et a élargi les opérations du gang. Il décide de s'éloigner de la vie de gangster et meurt paisiblement en 1973. Carlo Gambino Carlo Gambino était un gangster influent en Amérique. De 1961 jusqu’à sa mort en 1976, il fut président de la mafia américaine. Gambino est né à Palerme, en Sicile, mais a déménagé aux États-Unis à l'âge de 21 ans. Grâce à ses parents Castellano, il a rejoint la famille Masseria. Alors que Lucky Luciano était le sous-patron de la famille Masseria, Gambino travaillait pour lui. Après que Luciano ait tué Masseria, Luciano est devenu le patron et Gambino a été envoyé dans la famille Scalise. Plus tard, Scalise fut déchu de son grade et Vicenzu Mangano devint patron jusqu'en 1951, date à laquelle Mangano disparut. Son corps n'a jamais été retrouvé. Les jumeaux Kray Les jumeaux Kray, Reginald et Ronald Kray, étaient des criminels de premier plan à Londres, en Angleterre, dans les années 1950 et 1960. Ils ont été impliqués dans des vols à main armée, des incendies criminels, des rackets de protection, des agressions violentes, y compris des actes de torture, et les meurtres de Jack "The Hat" McVitie et George Cornell. En tant que propriétaires de discothèques du West End, ils côtoyaient des artistes de premier plan, notamment Diana Dors, Frank Sinatra, Judy Garland et des politiciens. Les Krays étaient très craints au sein de leur environnement social. Dans les années 1960, ils sont devenus des célébrités à part entière, photographiés par David Bailey et interviewés à la télévision. Ils furent arrêtés en 1968 et tous deux condamnés à la réclusion à perpétuité. Chanceux Luciano Lucky Luciano (né Salvatore Lucania), un gangster sicilien, est considéré comme le père du crime organisé moderne et le cerveau de l'expansion massive du commerce international de l'héroïne après la guerre. Il fut le premier patron officiel de la famille criminelle génoise moderne et on lui attribue l'organisation du corps dirigeant de la mafia américaine. Johnny Torrio Né dans le sud de l'Italie en 1882, Torrio a immigré aux États-Unis avec sa mère après la mort de son père, survenue alors qu'il avait trois ans. Connu sous le nom de "Le Renard" pour sa ruse, il a contribué à la formation du Chicago Outfit et on lui attribue le mérite d'avoir inspiré la naissance du National Crime Syndicate. Il a eu une grande influence sur Al Capone, qui le considérait comme un mentor. Après l'assassinat de Big Jim Colosimo, Torrio a pris sa place dans le Chicago Outfit. Il a été grièvement blessé par des membres du North Side Gang alors qu'il revenait d'une séance de shopping, ce qui l'a forcé, entre autres problèmes, à abandonner ses activités criminelles. Il décède en 1957 et les médias apprennent son décès trois semaines après son enterrement. Elmer Irey, responsable du Département du Trésor des États-Unis, a défini Torrio comme « le plus grand gangster d'Amérique », « le plus intelligent et le meilleur de tous les voyous » tandis que Virgil W. Peterson de la Chicago Crime Commission le considérait comme « un génie organisationnel ». Dans la culture populaire Les gangs font depuis longtemps l’objet de films. En fait, le premier long métrage jamais produit fut The Story of the Kelly Gang (1906), une production australienne qui retraçait la vie du hors-la-loi Ned Kelly (1855-1880). Les États-Unis ont profondément influencé le genre, mais d’autres cultures ont contribué aux films de gangsters distinctifs et souvent excellents. États-Unis Le film de gangsters classique se classe, avec le western, parmi les créations les plus réussies de l'industrie cinématographique américaine. La forme "classique" du film de gangsters, rarement produite ces dernières années, raconte l'histoire d'un gangster progressant dans son entreprise et audacieux, jusqu'à ce que son organisation s'effondre alors qu'il est au sommet de ses pouvoirs. Bien que la fin soit présentée comme un résultat moral, elle n’est généralement considérée que comme un échec accidentel. Le gangster est typiquement articulé, bien que parfois solitaire et déprimé, et sa sagesse mondaine et son mépris des normes sociales ont un fort attrait, en particulier auprès des adolescents. L’image stéréotypée et le mythe du gangster américain sont étroitement associés au crime organisé à l’époque de la Prohibition des années 1920 et 1930. 1931 et 1932 ont vu le genre produire trois classiques : Warner Bros. Little Caesar et The Public Enemy, qui ont fait d'Edward G. Robinson et James Cagney des icônes à l'écran, et Scarface de Howard Hughs avec Paul Muni, qui offrait une sombre analyse psychologique d'un Al Capone fictif. Ces films racontent l'ascension rapide, et la chute tout aussi rapide, de trois jeunes criminels violents, et représentent le genre dans sa forme la plus pure avant que la pression morale ne le force à changer et à évoluer. Même si le gangster de chaque film devait faire face à une chute violente conçue pour rappeler aux téléspectateurs les conséquences du crime, le public était souvent capable de s'identifier à l'anti-héros charismatique. Ceux qui ont souffert de la Dépression ont pu s'identifier au personnage de gangster qui a travaillé dur pour gagner sa place et réussir dans le monde, pour ensuite tout lui enlever. Plus récemment, les gangsters ont été représentés dans la culture populaire américaine dans des films tels que Le Parrain, War, Scarface, Black Caesar, Hell Up in Harlem, New Jack City et Goodfellas, ainsi que dans des émissions de télévision telles que The Sopranos, The Wire & Boardwalk Empire. . l'Amérique latine Les films de gangsters latino-américains sont connus pour leur réalisme réaliste. Soy un delincuente (anglais : Je suis un criminel) est un film vénézuélien de 1976 du réalisateur Clemente de la Cerda. Le film raconte l'histoire de Ramón Antonio Brizuela, un individu réel, qui depuis son enfance doit faire face à une violence endémique, à la drogue, au sexe et aux petits vols d'un bidonville de Caracas. En commençant par la délinquance, Ramón passe aux activités sérieuses des gangs et aux vols. Il devient un jeune homme dur, sûr de lui et endurci face à la violence. Son avis change lorsque le frère de sa fiancée est tué dans un vol. Le film a connu un succès retentissant au Venezuela. City of God () est un film dramatique policier brésilien réalisé en 2002 par Fernando Meirelles et co-réalisé par Kátia Lund, sorti dans son pays d'origine en 2002 et dans le monde entier en 2003. Tous les personnages existaient dans la réalité et l'histoire est basée sur des faits réels. événements. Il dépeint la croissance du crime organisé dans la banlieue de Cidade de Deus à Rio de Janeiro, entre la fin des années 60 et le début des années 80, avec la clôture du film racontant la guerre entre le trafiquant de drogue Li'l Zé et le KO criminel Ned. Le film a reçu quatre nominations aux Oscars en 2004. Asie de l'Est Le premier film de yakuza (gangster) réalisé au Japon fut Bakuto (Gambler, 1964). Le genre est rapidement devenu populaire et, dans les années 1970, l’industrie cinématographique japonaise produisait chaque année une centaine de films de yakuza, pour la plupart à petit budget. Les films sont les descendants des épopées des samouraïs et sont plus proches des westerns que des films de gangsters hollywoodiens. Le héros est généralement déchiré entre la compassion pour les opprimés et son sens du devoir envers le gang. Les intrigues sont généralement très stylisées, commençant par la libération du protagoniste de prison et se terminant par un combat sanglant à l'épée dans lequel il meurt d'une mort honorable. Bien que certains films de gangsters de Hong Kong soient simplement des véhicules d'action violente, les films grand public du genre traitent de sociétés triades décrites comme des organisations quasi inoffensives. Le gangster du cinéma applique les principes taoïstes d’équilibre et d’honneur à sa conduite. Les intrigues sont souvent similaires à celles des films de gangsters hollywoodiens, se terminant souvent par la chute du sujet du film aux mains d'un autre gangster, mais une telle chute est bien moins importante qu'une chute d'honneur. Le premier film réalisé par le célèbre réalisateur Wong Kar-wai était un film de gangsters, As Tears Go By. Le protagoniste se retrouve déchiré entre son désir de femme et sa loyauté envers un autre gangster. Infernal Affairs (2002) est un thriller sur un policier qui infiltre une triade et un membre de la triade qui infiltre le service de police. Le film a été refait par Martin Scorsese sous le nom de The Departed. Les films de gangsters constituent l’un des segments les plus rentables de l’industrie cinématographique sud-coréenne. Les films réalisés dans les années 1960 étaient souvent influencés par les films japonais de yakuza, traitant de conflits internes entre les membres d'un gang ou de conflits externes avec d'autres gangs. Le code de conduite et la loyauté des gangsters sont des éléments importants. À partir des années 1970, une censure stricte a provoqué une baisse du nombre et de la qualité des films de gangsters, et aucun n’a été réalisé dans les années 1980. À la fin des années 1980 et au début des années 1990, on a assisté à une forte augmentation des importations de films d’action en provenance de Hong Kong. Le premier de la nouvelle vague de films de gangsters locaux importants fut General's Son (1990) d'Im Kwon-taek. Bien que ce film ait suivi la tradition précédente, il a été suivi par une série de films noirs de gangsters sophistiqués se déroulant dans des lieux urbains contemporains, comme A Bittersweet Life (2005).

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Dans quel roman les personnages fictifs William Dobbin et Rawdon Crawley apparaissent-ils ?

Vanity Fair

Vanity Fair : Un roman sans héros est un roman de l'auteur anglais William Makepeace Thackeray, publié pour la première fois en 1847-1848, faisant la satire de la société britannique du début du XIXe siècle. Il suit la vie de deux femmes, Becky Sharp et Amelia Sedley, au milieu de leurs amis et de leur famille. Le roman est désormais considéré comme un classique et a inspiré plusieurs adaptations cinématographiques. En 2003, Vanity Fair figurait à la 122e place du sondage The Big Read de la BBC sur les livres les plus appréciés du Royaume-Uni. Titre Le titre du livre vient du récit allégorique de John Bunyan, The Pilgrim's Progress, publié pour la première fois en 1678 et encore largement lu à l'époque du roman de Thackeray. Dans cette œuvre, « Vanity Fair » fait référence à une étape sur le chemin du pèlerin : une foire sans fin organisée dans une ville appelée Vanity, censée représenter l'attachement pécheur de l'homme aux choses du monde. Résumé de l'intrigue Rebecca Sharp ("Becky") est une jeune femme volontaire, rusée et sans argent, déterminée à se frayer un chemin dans la société. Après avoir quitté l'école, Becky reste avec Amelia Sedley ("Emmy"), une jeune fille bon enfant et simple d'esprit, issue d'une riche famille de la ville. Là, Becky rencontre le fringant et obsédé par le capitaine George Osborne (le fiancé d'Amelia) et le frère d'Amelia, Joseph ("Jos") Sedley, un fonctionnaire maladroit et vaniteux mais riche de la Compagnie des Indes orientales. Dans l'espoir d'épouser Sedley, le jeune homme le plus riche qu'elle ait rencontré, Becky le séduit, mais elle échoue. L'ami de George Osborne, le capitaine William Dobbin, aime Amelia, mais ne souhaite que son bonheur, centré sur George. Becky Sharp fait ses adieux à la famille Sedley et entre au service du baronnet grossier et débauché Sir Pitt Crawley, qui l'a engagée comme gouvernante de ses filles. Son comportement chez Sir Pitt gagne ses faveurs, et après la mort prématurée de sa seconde épouse, il lui propose de se marier. Cependant, il découvre qu'elle a épousé secrètement son deuxième fils, le capitaine Rawdon Crawley. La demi-sœur aînée de Sir Pitt, la célibataire Miss Crawley, est très riche, ayant hérité de la fortune de sa mère, et toute la famille Crawley se dispute sa faveur afin qu'elle leur lègue sa richesse. Au départ, son préféré est Rawdon Crawley. Mais son mariage avec Becky la met en colère. Elle privilégie d'abord la famille du frère de Sir Pitt, mais à sa mort, elle laisse son argent au fils aîné de Sir Pitt, également appelé Pitt. Le père d'Amelia, John Sedley, fait faillite. Le riche père de George interdit à George d'épouser Amelia, qui est désormais pauvre. Dobbin persuade George d'épouser Amelia, et George est par conséquent déshérité. La nouvelle arrive que Napoléon s'est échappé de l'île d'Elbe, alors George Osborne, William Dobbin et Rawdon Crawley sont déployés à Bruxelles, accompagnés d'Amelia et Becky, et le frère d'Amelia, Jos. George est gêné par la vulgarité de Mme Major O'Dowd, la épouse du chef du régiment. Déjà, Osborne, nouvellement marié, se lasse d'Amelia et il devient de plus en plus attiré par Becky, ce qui rend Amelia jalouse et malheureuse. Il perd également de l'argent au profit de Rawdon aux cartes et au billard. Lors d'un bal à Bruxelles, George remet à Becky un mot l'invitant à s'enfuir avec lui. Mais ensuite l'armée a l'ordre de marcher vers la bataille de Waterloo, et George passe une tendre nuit avec Amelia et s'en va. Le bruit de la bataille horrifie Amelia, et elle est réconfortée par la vive mais gentille Mme O'Dowd. Becky est indifférente et fait des plans pour le résultat. Elle réalise également des bénéfices en vendant sa calèche et ses chevaux à des prix gonflés à Jos, cherchant à fuir Bruxelles. George Osborne meurt à Waterloo, tandis que Dobbin et Rawdon survivent. Amelia donne naissance à George un fils posthume, également nommé George. Elle retourne vivre dans une pauvreté distinguée avec ses parents, passant sa vie à la mémoire de son mari et aux soins de son fils. Dobbin paie une petite rente pour Amelia et exprime son amour pour elle par de petites gentillesses envers elle et son fils. Elle est trop amoureuse de la mémoire de son mari pour lui rendre l'amour. Attristé, il part avec son régiment en Inde pendant de nombreuses années. Becky a également un fils, nommé Rawdon en l'honneur de son père. Becky est une mère froide et distante, même si Rawdon aime son fils. Becky poursuit son ascension d'abord dans le Paris d'après-guerre puis à Londres où elle est patronnée par le riche et puissant marquis de Steyne. Elle est finalement présentée à la cour au Prince Régent. Pendant ce temps, le vieux Sir Pitt Crawley meurt et son fils Pitt lui succède, qui avait épousé Lady Jane Sheepshanks, la troisième fille de Lord Southdown. Becky est en bons termes avec Pitt et Jane à l'origine, mais Jane est dégoûtée par l'attitude de Becky envers son fils et jalouse de la relation de Becky avec Pitt. Becky et Rawdon semblent réussir financièrement, mais ils n'ont pas d'argent et vivent à crédit, même si cela ruine ceux qui leur font confiance, comme leur propriétaire, un vieux serviteur de la famille Crawley. Le marquis de Steyne donne de l'argent à Becky, ainsi que d'autres cadeaux. Au sommet de leur réussite sociale, Rawdon est arrêté pour dettes. Becky ne le renfloue pas, alors il s'adresse à la femme de son frère, Lady Jane. Lorsqu'il rentre chez lui, il y retrouve Becky et Steyne et suppose (peut-être à juste titre) qu'ils ont une liaison. Il retrouve également l'argent que Steyne lui a donné. Il quitte Becky et s'attend à ce que Steyne le défie en duel. Au lieu de cela, Steyne fait en sorte que Rawdon soit nommé gouverneur de Coventry Island, un endroit infesté de parasites. Becky, ayant perdu à la fois son mari et sa crédibilité, quitte l'Angleterre et erre sur le continent, laissant son fils aux soins de Pitt Crawley et de Lady Jane. Alors que George, le fils adoré d'Amelia, grandit, son grand-père, M. Osborne, cède envers lui (mais pas envers Amelia) et l'enlève à sa mère pauvre, qui sait que le vieil homme riche lui donnera un meilleur départ dans la vie qu'elle ne pourrait le faire. Après douze ans à l'étranger, Joseph Sedley et Dobbin reviennent. Dobbin avoue son amour inchangé à Amelia. Amelia est affectueuse, mais elle ne peut oublier le souvenir de son mari décédé. Dobbin négocie une réconciliation entre Amelia et son beau-père, décédé peu de temps après. Il avait modifié son testament, léguant au jeune George la moitié de sa grande fortune et à Amelia une généreuse rente. Après la mort de M. Osborne, Amelia, Jos, George et Dobbin se rendent en Allemagne, où ils rencontrent Becky, une démunie. Becky est tombée dans la vie. Elle boit beaucoup, joue et passe du temps avec des joueurs de cartes et des escrocs. Becky enchante à nouveau Jos Sedley et Amelia est persuadée de laisser Becky les rejoindre. Dobbin l'interdit et rappelle à Amelia sa jalousie envers Becky avec son mari. Amelia estime que cela déshonore la mémoire de son mari décédé et vénéré, ce qui conduit à une rupture totale entre elle et Dobbin. Dobbin quitte le groupe et rejoint son régiment, tandis que Becky reste avec le groupe. Cependant, Becky a décidé qu'Amelia devrait épouser Dobbin, même si elle sait que Dobbin est son ennemi. Becky montre la note d'Amelia George, gardée pendant tout ce temps à la veille de la bataille de Waterloo, et Amelia se rend enfin compte que George n'était pas l'homme parfait qu'elle a toujours pensé et qu'elle a rejeté un homme meilleur, Dobbin. Amelia et Dobbin se réconcilient et retournent en Angleterre. Becky et Jos restent en Europe. Jos meurt, peut-être de manière suspecte, après avoir signé une partie de son argent à Becky à titre d'assurance-vie, lui donnant ainsi un revenu. Elle retourne en Angleterre et mène une vie respectable, même si tous ses anciens amis refusent de la reconnaître. Personnages Amélie Sedley Amelia est de bonne humeur mais passive et naïve. Pas très belle, elle est fréquemment ignorée des hommes et des femmes, mais est appréciée de la plupart des hommes qui la connaissent en raison de sa personnalité. Sa popularité est souvent ressentie par les autres femmes. Elle épouse George Osborne contre la volonté de son père et lui est dévouée malgré sa négligence et son flirt avec Becky. Après la mort de George lors de la bataille de Waterloo, elle élève seule le petit George tout en vivant avec ses parents. Elle est complètement dominée par son père dépensier, qui, révèle-t-on, vend la rente que Jos lui avait fournie pour financer l'un des projets d'investissement en échec, et par sa mère de plus en plus maussade. Après la mort de George Osborne, Amelia devient obsédée par son fils et par le souvenir de son mari. Elle ignore William Dobbin, qui la courtise depuis des années, et le traite mal jusqu'à son départ. Ce n'est que lorsque Becky lui montre la lettre de George qu'Amelia peut passer à autre chose, même si elle informe Becky qu'elle a déjà écrit à Dobbin pour lui demander de revenir. Elle épouse finalement Dobbin. Becky Sharp (Rebecca) L'anti-héroïne, et l'opposé d'Amelia, est une jeune femme intelligente avec un don pour la satire. Elle est décrite comme une petite fille aux cheveux sable, aux yeux verts et beaucoup d'esprit. Parlant couramment le français et l'anglais, Becky a une belle voix chantée, joue du piano et fait preuve d'un grand talent d'actrice. Elle est aussi complètement amorale et sans conscience. Elle ne semble pas avoir la capacité de s'attacher aux autres et ment facilement et intelligemment pour obtenir ce qu'elle veut. Elle est extrêmement manipulatrice et, après les premiers chapitres et son échec à attirer Jos Sedley, ne se montre pas particulièrement sincère. N'ayant jamais connu la sécurité financière ou sociale même étant enfant, Becky la désire par-dessus tout. Presque tout ce qu'elle fait a pour but d'assurer une position stable pour elle-même, ou pour elle-même et son mari, après son mariage avec Rawdon. Elle défend inlassablement les intérêts de Rawdon, flirtant avec des hommes tels que le général Tufto et le marquis de Steyne afin de le faire promouvoir. Elle utilise également ses ruses féminines pour distraire les hommes lors des soirées de cartes tandis que Rawdon les trompe à l'aveugle. Épouser Rawdon Crawley en secret était une erreur, tout comme s'enfuir au lieu de demander pardon à Miss Crawley. Elle ne parvient pas non plus à manipuler Miss Crawley via Rawdon afin d'obtenir un héritage. Bien que Becky manipule les hommes très facilement, elle n'essaie même pas de cultiver l'amitié de la plupart des femmes. Lady Jane, les sœurs Dobbin et Lady Steyne voient clair en elle. Amelia et (initialement) Miss Crawley font exception à la règle. Rawdon Crawley Rawdon, le plus jeune des deux fils Crawley, est un officier de cavalerie à la tête vide qui est le favori de sa riche tante jusqu'à ce qu'il épouse Becky Sharp, qui appartient à une classe bien inférieure. Il s'aliène définitivement sa tante, qui laisse sa succession au frère aîné de Rawdon, Sir Pitt. Sir Pitt a désormais hérité de la succession de leur père, laissant Rawdon sans ressources. Rawdon, bien intentionné, a quelques talents dans la vie, la plupart liés au jeu et aux duels. Il est très bon aux cartes et au billard, et même s'il ne gagne pas toujours, il parvient à gagner de l'argent en pariant contre des joueurs moins talentueux. Il est lourdement endetté pendant la majeure partie du livre, pas tant pour ses propres dépenses que pour celles de Becky. Pas particulièrement doué en tant qu'officier militaire, il se contente de laisser Becky gérer sa carrière. Bien que Rawdon sache que Becky est attirante pour les hommes, il pense que sa réputation est impeccable, même si elle est largement soupçonnée d'intrigues romantiques avec le général Tufto et d'autres hommes puissants. Personne n'ose suggérer le contraire à Rawdon à cause de son caractère et de sa réputation de duelliste. Pourtant, d'autres personnes, en particulier le marquis de Steyne, ont du mal à croire que Crawley ignore les ruses de Becky. Steyne pense en particulier que Rawdon est pleinement conscient que Becky se prostitue et pense que Rawdon se joint à la mascarade dans l'espoir d'un gain financier. Après que Rawdon ait découvert la vérité et quitté Becky pour une mission à l'étranger, il laisse son fils élevé par son frère Sir Pitt et sa femme Lady Jane. À l'étranger, Rawdon meurt du paludisme. Sir Pitt Crawley, baronnet Le frère aîné de Rawdon Crawley hérite du domaine Crawley de son père âgé, ainsi que de sa riche tante, Miss Crawley. Sir Pitt est très religieux et a des aspirations politiques, même si peu de gens apprécient son intelligence ou sa sagesse car il n'y a pas grand-chose à apprécier. Quelque peu pédant et conservateur, Sir Pitt ne fait rien pour aider Rawdon ou Becky, même lorsqu'ils traversent des moments difficiles. Cela est principalement dû à l'influence de sa femme Lady Jane qui n'aime pas Becky en raison de son traitement insensible envers son fils, et aussi parce que Becky a récompensé la gentillesse antérieure de Lady Jane en la prenant avec condescendance et en flirtant avec Sir Pitt. Mlle Matilda Crawley La vieille Miss Crawley est la tante riche préférée de tous. Sir Pitt et Rawdon l'adorent tous les deux, bien que Rawdon soit son neveu préféré et son unique héritier jusqu'à ce qu'il épouse Becky. Même si Miss Crawley aime Becky et la garde pour la divertir avec sarcasme et esprit, et même si elle aime le scandale et particulièrement les histoires de mariage imprudent, elle ne veut pas de scandale ou de mariage imprudent dans sa famille. Une partie importante de la première section du livre traite des efforts déployés par les Crawley pour se prosterner devant Miss Crawley dans l'espoir de recevoir un gros héritage. Georges Osborne George Osborne, son père et ses deux sœurs sont proches de la famille Sedley jusqu'à ce que M. Sedley (le père de Jos et Amelia) fasse faillite suite à des spéculations peu judicieuses. Étant donné que George et Amelia ont grandi en étroite compagnie et étaient amoureux d'enfance, George défie son père pour épouser Amelia. Avant que le père et le fils puissent se réconcilier, George est tué à la bataille de Waterloo, laissant Amelia, enceinte, continuer du mieux qu'elle peut. Élevé pour être un dépensier égoïste, vaniteux, dépensier, beau et obsédé par lui-même, George gaspille le reste de l'argent qu'il reçoit de son père et ne met rien de côté pour aider Amelia. Après avoir épousé Amelia, il découvre au bout de quelques semaines qu'il s'ennuie. Il flirte très sérieusement avec Becky et se réconcilie avec Amelia peu de temps avant d'être tué au combat. William Dobbin Le meilleur ami de George Osborne, William Dobbin est grand, disgracieux et pas particulièrement beau. Il a quelques années de plus que George mais est ami avec lui depuis ses années d'école même si le père de Dobbin est un marchand de figues et que les Osborne appartiennent à la classe distinguée et sont devenus riches de manière indépendante. Il défend George et est aveugle à ses défauts à bien des égards, bien qu'il essaie de forcer George à faire la bonne chose. Il pousse George à tenir sa promesse d'épouser Amelia même si Dobbin est lui-même amoureux d'Amelia. Après la mort de George, Dobbin constitue une rente pour aider Amelia, apparemment avec l'aide des collègues officiers de George. Plus tard, Dobbin fait discrètement ce qu'il peut pour aider à soutenir Amelia ainsi que son fils George. Il permet à Amelia de poursuivre son obsession pour George et ne corrige pas ses croyances erronées à son sujet. Il traîne pendant des années, soit en se languit d'elle alors qu'il sert en Inde, soit en l'attendant en personne, lui permettant de profiter de sa bonne nature. Après qu'Amelia ait finalement choisi l'amitié de Becky plutôt que la sienne pendant leur séjour en Allemagne, Dobbin part avec dégoût. Il revient quand Amelia lui écrit et lui avoue ses sentiments, l'épouse (bien qu'il ait perdu une grande partie de sa passion pour elle) et a une fille qu'il aime profondément. Joseph Sedley Le frère aîné d'Amelia, Joseph « Jos » Sedley, est un « nabab » qui a fait une fortune respectable en tant que collectionneur en Inde. Obèse et important mais très timide et peu sûr de lui, il est attiré par Becky Sharp mais les circonstances l'empêchent de proposer. Il ne se marie jamais, mais lorsqu'il rencontre à nouveau Becky, il est facilement manipulé pour tomber amoureux d'elle. Jos n'est ni un homme courageux ni intelligent, faisant preuve de lâcheté lors de la bataille de Waterloo en essayant de fuir et en achetant les deux chevaux hors de prix de Becky. Becky le prend à nouveau au piège vers la fin du livre et, laisse-t-on entendre, l'assassine pour son assurance-vie. Historique des publications Comme beaucoup de romans de l'époque, Vanity Fair a été publié sous forme de feuilleton avant d'être vendu sous forme de livre ; il fut imprimé en 20 parties mensuelles entre janvier 1847 et juillet 1848. Comme c'était la pratique courante, la dernière partie était un « numéro double » contenant les parties 19 et 20. N ° 1 (janvier 1847) Ch. 1 à 4 N ° 2 (février 1847) Ch. 5 à 7 N° 3 (mars 1847) Ch. 8-11 N ° 4 (avril 1847) Ch. 12-14 N° 5 (mai 1847) Ch. 15-18 ans N° 6 (juin 1847) Ch. 19-22 N° 7 (juillet 1847) Ch. 23-25 N° 8 (août 1847) Ch. 26-29 N° 9 (septembre 1847) Ch. 30-32 N° 10 (octobre 1847) Ch. 33-35 N° 11 (novembre 1847) Ch. 36-38 N° 12 (décembre 1847) Ch. 39-42 N° 13 (janvier 1848) Ch. 43-46 N° 14 (février 1848) Ch. 47-50 N° 15 (mars 1848) Ch. 51-53 N° 16 (avril 1848) Ch. 54-56 N° 17 (mai 1848) Ch. 57-60 N° 18 (juin 1848) Ch. 61-63 N° 19/20 (juillet 1848) Ch. 64-67 Les parties ressemblaient à des brochures et contenaient le texte de plusieurs chapitres entre des pages extérieures de gravures sur plaques d'acier et de publicités. Des gravures sur bois, qui pouvaient être placées avec des caractères mobiles normaux, sont apparues dans le texte. La même illustration gravée figurait sur la couverture jaune canari de chaque partie mensuelle ; cette couleur est devenue la signature de Thackeray, tout comme le bleu-vert clair était celui de Dickens, permettant aux passants de remarquer à distance un nouveau numéro de Thackeray dans un étalage de livres. Vanity Fair fut le premier ouvrage publié par Thackeray sous son propre nom et fut extrêmement bien accueilli à l'époque. Les numéros mensuels originaux et la version reliée ultérieure comportaient les propres illustrations de Thackeray, qui fournissaient parfois des indices d'intrigue ou des images symboliquement chargées (un personnage majeur représenté comme une sirène mangeuse d'hommes, par exemple) auxquelles le texte ne fait pas explicitement référence. La plupart des éditions modernes soit ne reproduisent pas toutes les illustrations, soit les reproduisent si mal que de nombreux détails sont perdus. Thackeray voulait que le livre soit non seulement divertissant mais aussi instructif, une intention démontrée à travers la narration du livre et à travers la correspondance privée de Thackeray. Le roman est considéré comme un classique de la littérature anglaise, même si certains critiques affirment qu'il présente des problèmes structurels ; Thackeray a parfois perdu la trace de l'énorme portée de son travail, mélangeant les noms des personnages et les détails mineurs de l'intrigue. Le nombre d’allusions et de références qu’il contient peut rendre difficile la compréhension du lecteur moderne. Signification littéraire et critique Critiques contemporaines Même avant la publication de la dernière partie du feuilleton, les critiques ont salué l'ouvrage comme un trésor littéraire. Bien que les critiques aient été extrêmement élogieuses, certains ont exprimé leur déception face à la représentation toujours sombre de la nature humaine, craignant que Thackeray n'ait poussé trop loin sa lugubre métaphore. En réponse à ces critiques, Thackeray a expliqué qu'il considérait les gens pour la plupart comme « abominablement stupides et égoïstes ». La fin malheureuse visait à inciter les lecteurs à se pencher sur leurs propres défauts. Théoriciens Le sous-titre, Un roman sans héros, est approprié car les personnages sont tous plus ou moins imparfaits ; même les plus sympathiques ont des faiblesses, par exemple le capitaine Dobbin, enclin à la vanité et à la mélancolie. Les faiblesses humaines illustrées par Thackeray sont principalement liées à l’avidité, à l’oisiveté et au snobisme, ainsi qu’aux intrigues, à la tromperie et à l’hypocrisie qui les masquent. Aucun des personnages n'est totalement mauvais, bien que les tendances manipulatrices et amorales de Becky la rapprochent assez. Cependant, même Becky, qui est amorale et rusée, est abandonnée à ses propres ressources par la pauvreté et ses stigmates. (Elle est la fille orpheline d'un pauvre artiste et d'une danseuse d'opéra.) La tendance de Thackeray à mettre en évidence les défauts de tous ses personnages montre son désir d'un plus grand niveau de réalisme dans sa fiction par rapport aux personnages plutôt improbables ou idéalisés de nombreux romans contemporains. . Le roman est une satire de la société dans son ensemble, caractérisée par l’hypocrisie et l’opportunisme, mais ce n’est pas un roman réformateur ; rien ne suggère que des changements sociaux ou politiques, ou une plus grande piété et un réformisme moral pourraient améliorer la nature de la société. Il dresse ainsi un portrait assez sombre de la condition humaine. Ce sombre portrait se poursuit avec le propre rôle de Thackeray en tant que narrateur omniscient, l'un des écrivains les plus connus pour avoir utilisé cette technique. Il ne cesse de faire des apartés sur ses personnages et de les comparer à des acteurs et à des marionnettes, mais son mépris va jusqu'à ses lecteurs ; accusant tous ceux qui pourraient être intéressés par de telles "Vanity Fairs" d'être "d'humeur paresseuse, ou bienveillante, ou sarcastique". Comme l'a fait remarquer Lord David Cecil, « Thackeray aimait les gens et, pour la plupart, il les pensait bien intentionnés. Mais il voyait aussi très clairement qu'ils étaient tous, dans une certaine mesure, faibles et vaniteux, égocentriques et trompés. » L'ouvrage est souvent comparé — par exemple par John Carey — à l'autre grand roman historique des guerres napoléoniennes, Guerre et Paix de Tolstoï. Alors que le travail de Tolstoï met davantage l'accent sur les détails historiques et l'effet de la guerre sur ses protagonistes, Thackeray utilise plutôt le conflit comme toile de fond pour la vie de ses personnages. Les événements marquants du continent n'ont pas toujours une influence aussi importante sur le comportement des personnages de Thackeray. Au contraire, leurs défauts ont tendance à s’aggraver avec le temps. Cela contraste avec le conflit de pouvoir rédempteur sur les personnages de Guerre et Paix. Pour Thackeray, les guerres napoléoniennes dans leur ensemble peuvent être considérées comme une vanité de plus exprimée dans le titre. Dans les illustrations originales, réalisées par Thackeray, Becky est représentée derrière un rideau lorsque Jos meurt, avec une fiole à la main ; la photo est intitulée "La deuxième apparition de Becky dans le personnage de Clytemnestre" (elle avait joué Clytemnestre lors de charades lors d'une fête plus tôt dans le livre). La mort de Joseph semble avoir fait sa fortune. La suggestion vers la fin de l'ouvrage selon laquelle Becky aurait pu tuer Jos est contestée par John Sutherland. Bien que Becky soit décrite comme ayant un sens moral très douteux, l’idée qu’elle commettrait un meurtre prémédité est un grand pas en avant pour le personnage. Thackeray était un critique féroce de la fiction policière populaire à l'époque, en particulier celle d'Edward Bulwer-Lytton. Ces récits sinistres et sensationnalistes, connus sous le nom de « romans de Newgate », tirent leur inspiration, et parfois des histoires entières, des pages du calendrier de Newgate. Ce à quoi Thackeray s’opposait principalement était la glorification des actes d’un criminel ; il semble donc étrange qu'il ait dépeint Becky comme une telle méchante. Son intention était peut-être de piéger le lecteur victorien avec ses propres préjugés et de lui faire penser au pire de Becky Sharp, même s'il n'a aucune preuve de ses actes. Le trio d'avocats qu'elle obtient pour la défendre contre les réclamations, Burke, Thurtell et Hayes, portent le nom d'éminents meurtriers de l'époque, bien qu'il puisse s'agir d'une taquinerie ou d'un commentaire supplémentaire destiné à la profession juridique. Bien que Thackeray ne détermine pas définitivement si Becky assassine Jos, une telle évolution pourrait être considérée comme conforme à la tendance générale du développement des personnages dans le roman. Le ton de Vanity Fair semble s’assombrir à mesure que le livre avance. Au début du roman, Becky Sharp est une fille brillante qui cherche à améliorer son sort en se mariant à l'échelle sociale ; bien qu'elle ne soit absolument pas sentimentale, elle est néanmoins décrite comme une bonne amie d'Amelia. À la fin du roman, elle est devenue adultère et est soupçonnée d'être une meurtrière. Amelia commence comme une fille chaleureuse et amicale, bien que sentimentale et naïve, mais à la fin de l'histoire, elle est décrite comme creuse et superficielle. L'engouement de Dobbin pour Amelia est un thème qui unifie le roman et que beaucoup ont comparé à l'amour non partagé de Thackeray pour la femme d'un ami (Jane Brookfield). Dobbin apparaît d'abord comme loyal et magnanime, bien qu'ignorant sa propre valeur ; à la fin de l'histoire, il est présenté comme un imbécile tragique, prisonnier de son propre sens du devoir qui sait qu'il gaspille ses dons pour Amelia mais est incapable de vivre sans elle. Que Thackeray ait voulu ce changement de ton lorsqu'il a commencé à écrire, ou s'il s'est développé au cours de la composition de l'œuvre, est une question qui ne peut être tranchée. Quelle que soit sa provenance, les perspectives de plus en plus sombres du roman peuvent surprendre les lecteurs, car les personnages que Thackeray – et le lecteur – ont d'abord en sympathie se révèlent indignes d'une telle considération. Il a été affirmé que le personnage de Becky Sharp est basé en partie sur la grand-mère maternelle de Thackeray, Harriet Becher, mais selon Peter Shillingsburg, elle aurait été le modèle de Miss Crawley. Elle a abandonné son mari et ses enfants lorsqu'elle s'est enfuie avec le capitaine Charles Christie. En 1806, peu de temps après la mort de Christie et de son mari, elle épousa Edward Butler, un autre officier de l'armée. Thackeray vécut avec sa grand-mère à Paris dans les années 1830, puis dans les années 1840. Adaptations cinématographiques, télévisuelles et radiophoniques Le livre a inspiré de nombreuses adaptations : Versions de films muets *1911 : Vanity Fair : réalisé par Charles Kent. *1915 : Vanity Fair : réalisé par Charles Brabin. *1922 : Vanity Fair : réalisé par W. Courtney Rowden. *1923 : Vanity Fair : réalisé par Hugo Ballin Versions de films sonores *1932 : Vanity Fair : réalisé par Chester M. Franklin et avec Myrna Loy *1935 : Becky Sharp : avec Miriam Hopkins et Frances Dee, le premier long métrage tourné en Technicolor à spectre complet *2004 : Vanity Fair : réalisé par Mira Nair. Avec Reese Witherspoon dans le rôle de Becky Sharp et Natasha Little, de la mini-série télévisée de Vanity Fair, dans le rôle de Lady Jane Sheepshanks. Cette œuvre réécrit Becky comme un personnage sympathique dont les défauts sont « compréhensibles ». Télévision *1956-7 : Vanity Fair : série de la BBC adaptée par Constance Cox avec Joyce Redman. *1967 : Vanity Fair : mini-série de la BBC adaptée par Rex Tucker avec Susan Hampshire dans le rôle de Becky Sharp, pour laquelle elle a reçu un Emmy Award en 1973. Cette version a également été diffusée en 1972 aux États-Unis sur la télévision PBS dans le cadre du Masterpiece Theatre. *1976 Yarmarka tshcheslaviya : réalisé par Igor Ilyinsky et Mariette Myatt. En 2 épisodes. (Émission télévisée mise en scène par le Théâtre académique d'État Maly de Moscou de l'URSS) *1987 : Vanity Fair : mini-série de la BBC avec Eve Matheson dans le rôle de Becky Sharp, Rebecca Saire dans le rôle d'Amelia Sedley, James Saxon dans le rôle de Jos Sedley et Simon Dormandy dans le rôle de Dobbin. *1998 : Vanity Fair : mini-série de la BBC avec Natasha Little dans le rôle de Becky Sharp Radio *La série CBS Radio Campbell Playhouse, animée par Orson Welles, a diffusé une adaptation d'une heure le 7 janvier 1940 mettant en vedette Helen Hayes et Agnes Moorehead. *La série NBC Radio Favorite Story, animée par Ronald Colman, a diffusé une adaptation d'une demi-heure avec Joan Lorring dans le rôle de "Becky Sharp". *BBC Radio a diffusé une adaptation du roman de Stephen Wyatt en 2004 avec Emma Fielding dans le rôle de Becky, Stephen Fry dans le rôle du narrateur, Katy Cavanagh dans le rôle d'Amelia, David Calder, Philip Fox, Jon Glover, Geoffrey Whitehead dans le rôle de M. Osborne, Ian Masters dans le rôle de M. Sedley, Alice Hart dans le rôle de Maria Osborne et Margaret Tyzack dans le rôle de Miss Crawley. Cela a ensuite été rediffusé sur BBC Radio 7 en 20 épisodes de quinze minutes. Remarques

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Qui fait le commentaire dans l’émission télévisée britannique « Come Dine With Me » ?

Dave Lamb

Come Dine with Me est un programme télévisé populaire de Channel 4 diffusé au Royaume-Uni. Il a été produit par ITV Studios (anciennement Granada) jusqu'en 2013, date à laquelle Shiver Productions a pris le relais. Diffusée pour la première fois en janvier 2005, l'émission met en scène quatre ou cinq chefs amateurs qui s'affrontent et organisent un dîner pour les autres candidats. Chaque concurrent évalue ensuite la performance de l'hôte, le gagnant remportant un prix en espèces de 1 000 £ annoncé par le concurrent qui a organisé le dîner vendredi. Un élément de comédie est ajouté au spectacle grâce au comédien Dave Lamb, qui fournit une narration sèche et mordante sarcastique. Le format a été repris par de nombreux autres diffuseurs à travers le monde. Diffusions internationales En plus d'être rediffusée sur Channel 4, leur chaîne sœur More4 diffuse également régulièrement les épisodes précédents le samedi soir et le dimanche après-midi, les cinq programmes d'une semaine étant diffusés consécutivement dans un bloc. Les épisodes de la première série sont également régulièrement diffusés sur Discovery Real Time, DMAX UK, Discovery Travel & Living et Discovery Home & Health. Le programme s'affiche : * en Australie sur la chaîne LifeStyle Food et Nine Life *au Canada sur le réseau W * en Nouvelle-Zélande sur TV One et Food Television * aux Etats-Unis sur BBC America * en Irlande sur TV3 * en Italie sur La7 * au Royaume-Uni sur Manoto 1, une chaîne en langue persane, pour les téléspectateurs iraniens et persans * en Scandinavie et en Pologne sur BBC Lifestyle * en Allemagne sur VOX (Das Perfekte Dinner) * en Afrique du Sud sur BBC Lifestyle et BBC Entertainment * en Belgique sur Vier (Komen Eten) Formats dérivés Le 21 mars 2007, il a été annoncé que le diffuseur rival ITV1 avait commandé un nouveau programme de jour, House Guest de Granada Productions, une partie de la même société qui produit également Come Dine With Me. Le format de House Guest est très similaire à celui de Come Dine With Me, dans le sens où plusieurs candidats se visitent mutuellement pendant une semaine, au cours desquels ils organisent des dîners et se notent mutuellement sur 10 en privé. Même la disposition du tableau de bord est la même. même. La différence est que dans House Guest, les invités « tirent des brosses à dents » pour voir qui passera la nuit chez l'hôte, pour juger de leurs compétences en matière d'hospitalité et leur attribuer une note distincte. Une autre émission d'ITV qui était extrêmement similaire au format de Come Dine with Me était May the Best House Win, la seule vraie différence étant qu'aucun repas n'était servi, les concurrents s'évaluant sur des éléments tels que la propreté, le confort et l'hospitalité. . Les deux émissions impliquaient quatre candidats, tous deux remportaient un prix de 1 000 £ et tous deux avaient une voix off sarcastique pendant les débats. Versions internationales Guide des épisodes Série 1 : Jour Série 2 : Jour La série 2 a été créée le 12 septembre 2005 avec le premier Celebrity Come Dine with Me. L'épisode diffusé à Bristol n'a pas été diffusé lors de la diffusion originale mais a été diffusé pour la première fois en 2007. Deux ans plus tard que la première de la deuxième série et un an après la première de la troisième série. Cet épisode a été créé sur LifeStyle FOOD en Australie la semaine du 21 au 25 août 2006 dans le cadre de la deuxième série. Gloucester n'a pas non plus été diffusé lors de la diffusion originale, mais a été diffusé pour la première fois en 2008. Trois ans plus tard que la première de la deuxième série, plusieurs mois après la diffusion de la quatrième série et après une série d'épisodes de la troisième série. Cet épisode a été créé sur LifeStyle FOOD en Australie la semaine du 4 au 8 septembre 2006 dans le cadre de la deuxième série. Ces deux épisodes sont considérés comme la série 2 sur le site officiel Come Dine with Me de Channel 4. Dans l'épisode organisé à Londres, la candidate Isabelle Goldstein a attribué de faibles notes aux autres concurrentes pour améliorer ses propres chances de gagner. Les producteurs de l'émission lui ont demandé de réévaluer ses partitions, sinon elle risquerait d'être disqualifiée. Goldstein a donné de nouveaux scores et, après avoir été premier avec 28 points, a terminé deuxième derrière son compatriote Bill Buckley. Série 3 : Jour La troisième série a été créée à l'été 2006. Comme pour la deuxième série, la première semaine mettait en vedette des célébrités. Les cinq premières semaines ont été diffusées les soirs de semaine à 16h30 tandis que Deal or No Deal prenait une pause estivale. Après une semaine d'absence, il est revenu pour trois semaines supplémentaires à 16h15. Les programmes restants de la série ont été retenus et diffusés sporadiquement en 2007 et même jusqu'en septembre 2008. Manchester, Birmingham et Kent n'ont pas été diffusés lors de la diffusion originale mais ont été diffusés pour la première fois en 2008, deux ans plus tard que la première de la troisième série et quelques mois après la diffusion de la quatrième série. Série 4 : Primetime Un spécial de Noël d'une heure aux heures de grande écoute a également été produit au milieu de la série, en utilisant un format légèrement différent pour s'adapter au créneau horaire plus court. Seuls quatre participants ont participé, chacun préparant un plat distinct pour le dîner : entrée, plat de poisson, plat principal et dessert. Après chaque plat, celui qui préparait la partie suivante du repas partait compléter chez lui son plat préparé auparavant, avant d'être rejoint par les autres convives. Série 5 : Portions supplémentaires La série 5 se compose de versions rééditées des épisodes de jour, en un seul épisode aux heures de grande écoute. Ainsi, pour une émission habituelle de 22 à 24 minutes avec 5 concurrents dans des créneaux de jour, les épisodes ont été joints et réédités, les séquences étant coupées, pour devenir un seul épisode de 62 à 63 minutes. Série 6 : Jour Fin 2007, Channel 4 a annoncé sur son site Web qu'elle produirait une quatrième série pour 2008 et a lancé un appel aux candidats vivant à Bath, Newcastle, Oxford, Exeter, sur la côte de Fylde et dans le Shropshire. Contrairement aux séries précédentes, elle serait diffusée aux heures de grande écoute et ne comporterait que quatre invités afin de pouvoir être diffusée sous la forme d'un seul épisode hebdomadaire d'une heure. Il est alternativement intitulé « Come Dine with Me All in One » (tel qu'il est répertorié sur le site Web de Channel 4). Dans l'épisode 22, Lee Pritchett a reçu un score record (pour 4 candidats) de 7, obtenant des scores de 3, 3 et 1. Série 7 : Jour Série 8 : Portions supplémentaires La série 8 se compose de versions rééditées d'épisodes d'une heure aux heures de grande écoute, au format quotidien d'épisodes séparés. Ainsi, pour une émission habituelle de 48 minutes avec 4 concurrents dans un créneau aux heures de grande écoute, les épisodes ont été réédités, avec plus de séquences ajoutées, pour devenir 4 épisodes distincts, diffusés soit sur 4 jours, soit sur une seule journée, chacun étant les 22 à 24 minutes habituelles chacun. Série 9 : Jour Les épisodes de jour de la série 9 ont été retenus et diffusés sporadiquement tout au long de 2009 et même au début de 2010, comblant les lacunes des blocs de rediffusions et des diffusions ultérieures de l'émission. Le site Web de Channel 4 classe toujours tous ces épisodes dans la série 5. Pendant le tournage de l'édition de Basingstoke, Spencer Uren a déclaré à ses camarades que sa sœur était atteinte d'un cancer et que, s'il gagnait le concours, il ferait don des 2 000 £ du prix à l'hôpital qui la soignait. Peu de temps après le tournage, Uren a lui-même reçu un diagnostic de cancer et est décédé après une courte bataille contre la maladie. L'épisode dans lequel Uren cuisine lui était dédié. Son compatriote Gill Buley, avec le soutien de Gabrielle Hennig et Richard Carpenter, a lancé une organisation caritative, Come Dine For Spencer, afin de collecter des fonds pour l'hôpital qui l'a soigné, Basingstoke et l'hôpital du North Hampshire. Série 10 : heure de grande écoute Une troisième série aux heures de grande écoute a commencé à être diffusée le dimanche à 20 heures à partir du 15 février. Un épisode a été diffusé le 22 mars, mais il s'agissait d'une répétition de l'épisode de Coventry de la série 4a. Série 11 : heure de grande écoute Série 12 : Portions supplémentaires La série 12 se compose de versions rééditées d'épisodes d'une heure aux heures de grande écoute, au format quotidien d'épisodes séparés. Ainsi, pour une émission habituelle de 48 minutes avec 4 concurrents dans un créneau aux heures de grande écoute, les épisodes ont été réédités, avec plus de séquences ajoutées, pour devenir 4 épisodes distincts, diffusés soit sur 4 jours, soit sur une seule journée, chacun étant les 22 à 24 minutes habituelles chacun. Série 13 : Jour Série 14 : heure de grande écoute Série 16 : heure de grande écoute Série 17 : Primetime Série 18 : heure de grande écoute Série 19 : heure de grande écoute Série 20 : heure de grande écoute Série 21 : Jour Série 22 : Jour Bien que les épisodes normaux de jour soient diffusés du lundi au vendredi, les épisodes de Cardiff ont tous été diffusés consécutivement le 22 janvier 2011. Série 23 : Primetime Série 24 : Primetime Dans la continuité des épisodes de la série 20 Primetime, la série 24 a débuté sur Channel 4 en juillet 2011. Série 25 : Jour 1.Jasmine Lennard est partie après le deuxième épisode et n'a donc jamais animé sa soirée. Ses scores, cependant, ont été autorisés à rester et Margi Clarke a marqué les deux nuits suivantes. Série 26 : heure de grande écoute Dans la continuité des épisodes de la série 24 Primetime, la série 26 a débuté sur Channel 4 en février 2012. Les épisodes 63 et suivants sont des versions abrégées des épisodes de la série pour s'adapter à un créneau horaire de 50 minutes. 1.Cet épisode a été diffusé pour la première fois sur More4 plutôt que sur Channel 4, qui présente généralement chaque épisode. Il a été diffusé pour la première fois sur Channel 4 le 7 décembre 2012. Série 27 Channel 4 ne mentionne pas l'existence d'une série 27. Série 28 : Jour La série 28 présentait des épisodes « Extra Portions » des épisodes de la série 14 aux heures de grande écoute. Au total, 56 épisodes ont été diffusés à ce jour. Série 29 : Primetime Dans la continuité des épisodes de la série 26 Primetime, la série 29 a débuté sur Channel 4 en janvier 2013 avec le Comedy Mash up. La seconde moitié de la série, commençant le 2 septembre 2013, a été diffusée en semaine pendant le créneau horaire de 17 heures avec le format typique aux heures de grande écoute. L'épisode 28 a été décrit à tort par la voix off comme se déroulant dans l'ouest du Lancashire, mais en fait l'épisode s'est déroulé dans le nord du Lancashire (Lancaster et Morecambe). Série 30 : Jour Dans la continuité des épisodes de jour de la série 25, la série 30 a commencé sa diffusion sur Channel 4 en mars 2013. Série 31 : Jour Dans la continuité des épisodes de jour de la série 30, la série 31 a commencé sa diffusion sur Channel 4 en avril 2014. Série 32 : Jour La série 32 a commencé à être diffusée sur Channel 4 en septembre 2014. Série 33 : heure de grande écoute La série 33 a commencé à être diffusée sur Channel 4 en décembre 2014. Série 34 La série 34 a commencé à être diffusée sur Channel 4 en mars 2015. Série 35 La série 35 a commencé à être diffusée sur Channel 4 en septembre 2015. Série 37 La série 37 a commencé à être diffusée sur Channel 4 en janvier 2016. (Remarque : le site Web de Channel 4 appelle cette série 37, Derbyshire de la série 35 étant étiqueté comme le seul épisode de la série 36.) L'épisode 1 de cette série est devenu particulièrement tristement célèbre, avec une fin qui a fait la une des journaux nationaux. Peter Marsh s'est éclaté après avoir terminé à la 4ème place (avec des notes de 7, 4 et 3 sur 10) en affirmant que la gagnante (Jane) avait délibérément saboté sa soirée pour gagner. Il a dit qu'elle vivait une "triste petite vie" et a suggéré qu'elle devrait utiliser le prix de 1 000 £ pour payer des "leçons de grâce et de décorum". Épisodes spéciaux Le 19 novembre 2010, un court épisode spécial de Come Dine With Me a été diffusé lors du téléthon annuel Children in Need mettant en vedette le casting britannique de Dragons' Den, à l'exception de James Caan, qui s'est retiré. La prémisse de cette émission était que les dragons mâles Duncan Bannatyne, Peter Jones et Theo Paphitis préparaient chacun un plat pour leur invitée Deborah Meaden. Le 6 juin 2012, More4 a diffusé un épisode « top 30 » contenant des extraits des épisodes précédents. Cet épisode est classé dans la série 27 par Channel 4 qui ne contient actuellement aucun autre épisode.

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La ville de Honiton dans le Devon est célèbre pour produire quoi ?

Lace

Honiton (ou) est un bourg et une paroisse civile de l'est du Devon, situé à proximité de la rivière Otter, à 27 km au nord-est d'Exeter dans le comté de Devon. Honiton a une population estimée à 11 822 habitants (sur la base des estimations de mi-année pour les deux quartiers de Honiton en 2009). Histoire La ville s'est développée le long de la Fosse Way, l'ancienne voie romaine reliant Exeter (Isca Dumnoniorum) à Lincoln (Lindum) sur laquelle elle constituait un point d'arrêt important. L'emplacement est mentionné dans le Domesday Book comme Honetone, ce qui signifie une ferme appartenant à Huna. Elle est devenue un bourg important, connu pour sa fabrication de dentelle introduite par les immigrants flamands à l'époque élisabéthaine. Au XVIIe siècle, des milliers de personnes fabriquaient de la dentelle à la main dans leurs maisons et, plus tard, au XIXe siècle, la reine Victoria faisait confectionner sa robe de mariée en dentelle Honiton. La ville est également devenue connue pour sa poterie. Au milieu du XVIIIe siècle, la ville fut en grande partie détruite par un incendie. Des maisons géorgiennes furent alors construites pour remplacer certaines de celles qui avaient été détruites. Honiton a plus que doublé de taille entre les années 1960 et 2005, la majeure partie du développement ayant lieu au sud de la ligne ferroviaire Exeter-Waterloo. Coutumes locales La cérémonie des Hot Pennies a lieu chaque année le premier mardi après le 19 juillet dans la rue principale de la ville et remonte au règne du roi Stephen. La cérémonie trouve ses racines dans la pratique de la noblesse terrienne prenant plaisir à jeter des pièces de monnaie chaudes par les fenêtres aux paysans locaux, un geste apparemment philanthropique entraînant des brûlures. Cette coutume avait également pour but d'inciter les gens des environs à se rendre dans la ville pour assister à une foire ultérieure. A midi, le crieur public accompagné du maire et d'autres dignitaires locaux, lève un mât orné d'une guirlande avec une main gantée au sommet et proclame que "aucun homme ne peut être arrêté tant que ce gant est en place". Des pièces de monnaie chaudes sont ensuite lancées depuis plusieurs balcons de High Street à la foule de la population locale. Le mât est ensuite exposé pendant la « semaine de foire » suivante. Les enfants du Honiton Community College sont autorisés à quitter le campus pendant toute la durée de la cérémonie des Hot Pennies. Caractéristiques La taille d'Honiton en 2005 était d'environ 1 000 km2. La poursuite du développement sera limitée car Honiton borde l'AONB de l'Est du Devon (zone de beauté naturelle exceptionnelle) au sud et l'AONB de Blackdown Hills au nord et à l'est. Les AONB bénéficient du même niveau de protection que les parcs nationaux d'Angleterre et du Pays de Galles, ce qui restreint les nouveaux développements. Il existe encore des traces de son histoire en tant que centre de fabrication de dentelle, comme les lieux appelés "Lace Walk" et le "Honiton Lace Shop", aujourd'hui un restaurant de style chinois, le rôle du magasin a été rempli par le Allhallows Museum of Lace and Local. Antiquités. Le dernier magasin de dentelle en activité à Honiton existe toujours à l'extrémité de la ville. Il s'agit d'un bâtiment particulier attenant à une maison. Le magasin a été construit pour la famille Fowler qui détenait le mandat royal pour la fabrication de dentelle et a été conçu pour maximiser la lumière naturelle pour les dentellières. Les locaux sont désormais utilisés par des généalogistes qui possèdent des photos de la boutique à l'époque de la dentellerie. Le musée était autrefois la chapelle Allhallows, construite au XIIIe siècle et réputée pour être le bâtiment le plus ancien d'Honiton. C'était autrefois la maison de l'école Allhallows. Architecture Les bâtiments de High Street sont presque tous géorgiens, datant d'après les deux incendies de 1747 et 1765. Marwood House, 1619, et le Manor House, qui était à l'origine un relais de poste (le porche ajouté date du 19ème siècle) sont particulièrement intéressants. . Le garage Honiton date d'environ 1700 et la halle du marché (qui avait à l'origine des arcades au rez-de-chaussée et une salle de réunion au-dessus) possède une modeste façade en pierre du début du XIXe siècle. Pevsner, N. (1952) South Devon. Harmondsworth : Pingouin ; pp. 181-83 L'église paroissiale Saint-Michel, reconstruite en 1911 après un incendie, est située sur une petite colline au-dessus de la ville. L'ancienne église était grande et parfaitement rectangulaire : elle était construite dans le style perpendiculaire, avec deux nefs, deux transepts (qui ne faisaient pas saillie), et le chœur et deux chapelles du chœur de longueur égale. La tour ouest et les murs extérieurs sont tout ce qui reste de l'ancien bâtiment. Le coût du bâtiment d'origine a été payé par l'évêque Courtenay d'Exeter, seigneur du manoir de Honiton (partie ouest) et par John et Joan Takell (partie est). L'église Saint-Paul du milieu du XIXe siècle a été conçue par Charles Fowler et est située au centre de la ville. Son érection en 1835 nécessita une loi du Parlement et la démolition de la moitié de la chapelle Allhallows adjacente. Il a été construit en 1837-1838 dans un style intégrant des éléments de l'architecture romane. Il y a des pinacles sur la tour et les arcades à l'intérieur ont de hautes colonnes ; au-dessus de la nef se trouve une claire-voie qui ressemble à celles des basiliques paléochrétiennes. Salon de l'agriculture Honiton accueille chaque année le Honiton Agricultural Show, un événement traditionnel datant de 1890. Éducation Honiton compte deux écoles primaires, Honiton Primary School et Littletown Primary School, et une école secondaire, Honiton Community College, qui comprend une sixième année. Commerces et loisirs Honiton possède un centre sportif avec piscine et plusieurs pubs et restaurants. Les points de vente au détail comprennent des chaînes de magasins telles que Co-operative, Lidl, Aldi, Islande, Argos, Homebase, Screwfix, Tesco, Boots et W H Smith. La commune compte également de nombreuses agences immobilières. Il existe également de nombreuses petites boutiques indépendantes, notamment des bijouteries, des boutiques de vêtements et des confiseries. Les mardis, jeudis et samedis, un marché en plein air se tient sur High Street. Honiton est également connu pour être populaire auprès des chasseurs d'antiquités, avec plus de 20 antiquaires. Transport Route Honiton est à la jonction des routes A35, A30 et A373. L'A30 contourne désormais la ville par le nord. Jusqu'à la construction du contournement en 1966, la ville était en proie aux embouteillages. La ville se trouve à la sortie 28 de la M5. Rail La gare de Honiton se trouve sur la ligne principale de l'ouest de l'Angleterre qui relie Londres Waterloo à Exeter. Villes jumelles Honiton est jumelée avec Mézidon-Canon en France et Gronau-Leine en Allemagne. Résidents notables *Ozias Humphry – miniaturiste (artiste) *Jo Pavey – athlète *Alfred Leyman - artiste *Amiral Samuel Graves *William Salter – portraitiste

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Quelle équipe nationale a battu la Hongrie 4-2 pour remporter la Coupe du Monde de la FIFA 1938 ?

Italie

L'équipe nationale hongroise de football () représente la Hongrie dans le football international et est contrôlée par la Fédération hongroise de football. La Hongrie a une histoire de football respectable, ayant remporté trois titres olympiques, terminant deuxième des Coupes du monde de la FIFA 1938 et 1954 et troisième du Championnat d'Europe de football de l'UEFA 1964. La Hongrie a révolutionné ce sport dans les années 1950, en établissant les bases tactiques du football total et en dominant le football international avec la remarquable Golden Team qui comprenait la légende Ferenc Puskás, meilleur buteur du 20e siècle, à qui la FIFA a dédié sa nouvelle récompense, le Prix Puskás. L'équipe de cette époque possède le deuxième classement Elo de football le plus élevé de tous les temps au monde, avec 2166 en 1954, et l'une des plus longues séries d'invincibilité de l'histoire du football, restant invaincue en 31 matchs, s'étalant sur 4 ans et comprenant des matchs tels que le match du siècle. Malgré ces réalisations, l'équipe hongroise a fait face à une grave sécheresse depuis son élimination à la Coupe du Monde de la FIFA 1986, sans parvenir à se qualifier pour un tournoi majeur pendant 30 ans et atteindre son plus bas classement FIFA (87) en 1996 et terminer sixième de son classement. groupe des éliminatoires de l'UEFA Euro 2008, avant de se qualifier pour l'UEFA Euro 2016 où ils ont réalisé leur meilleure performance en Championnat d'Europe depuis plus de 40 ans en atteignant les huitièmes de finale. Histoire Bien que l'Autriche et la Hongrie soient des pays constitutifs de la double monarchie connue sous le nom d'Empire austro-hongrois, elles ont formé des associations et des équipes de football distinctes au début du 20e siècle. années 1910 L'équipe nationale est apparue pour la première fois aux Jeux olympiques d'été de 1912 à Stockholm, en Suède. L'équipe a dû demander des dons pour pouvoir assister aux matchs. La Hongrie a perdu 7-0 contre l'Angleterre et a donc été éliminée. Après les Jeux Olympiques, la Hongrie a disputé deux matches contre la Russie à Moscou. Le premier match a été remporté 9-0 et le second 12-0, ce qui reste un record pour l'équipe nationale. Le meilleur buteur des deux matches était Imre Schlosser qui a marqué sept buts. Le début de la Première Guerre mondiale a eu un impact profond sur le football hongrois, florissant. Le pays et les clubs souffraient de problèmes financiers. Pendant la Première Guerre mondiale, la Hongrie a affronté l'Autriche à 16 reprises. En 1919, l’Angleterre revendiquait l’exclusion des puissances centrales (dont la Hongrie) de la FIFA. Lorsque la FIFA a rejeté la demande de l'Angleterre, les associations britanniques (anglaises, écossaises et galloises) et irlandaises ont décidé de démissionner de la FIFA. années 1920 Budapest s'est vu refuser la possibilité d'accueillir les Jeux olympiques d'été de 1920, qui se sont déroulés en Belgique. Les pays des puissances centrales (Allemagne, Autriche-Hongrie, Empire ottoman et Bulgarie) ont été exclus des Jeux olympiques. Durant cette période, les frères Fogl (József et Károly Fogl) jouaient en équipe nationale. La formation utilisée par les Hongrois était 2-3-5, ce qui était unique à cette époque. L'équipe nationale a joué aux Jeux olympiques d'été de 1924 à Paris, en France. Lors du premier match, la Hongrie a battu la Pologne, mais au deuxième tour, elle a perdu contre l'Égypte. En conséquence, l'entraîneur principal et le président de la Fédération hongroise de football ont démissionné. Entre 1927 et 1930, la Hongrie a participé à la Coupe Europa, considérée comme le premier tournoi international, avec l'Autriche, la Tchécoslovaquie, la Suisse, la Russie et la Yougoslavie. En finale, la Hongrie a perdu contre la Russie. Le 12 juin 1927, la Hongrie bat la France par 13 à 1, ce qui constitue toujours un record. József Takacs a marqué six buts. années 1930 La première Coupe du monde a eu lieu en Uruguay en 1930, mais la Hongrie n'a pas été invitée et n'a pas participé au tournoi ; il n'y a pas eu de matches de qualification. La Hongrie a participé pour la première fois à la Coupe du Monde de la FIFA 1934 en Italie. Le premier match de Coupe du monde de la Hongrie eut lieu contre l'Égypte le 27 mai 1934 ; La Hongrie a gagné 4-2. Les buts ont été marqués par Teleki, Toldi (2) et Vincze. En quarts de finale, la Hongrie a affronté son grand rival l'Autriche, mais a perdu 2-1. Le seul but hongrois a été marqué par Sárosi. La Hongrie est entrée aux Jeux olympiques de 1936. Au premier tour, ils ont été éliminés par la Pologne 0–3. La Coupe du Monde de la FIFA 1938 s'est déroulée en France. Le premier match a été joué contre les Indes néerlandaises et la Hongrie a gagné 6-0. Sárosi et Zsengellér ont chacun marqué deux fois tandis que Kohut et Toldi ont également marqué un but chacun. En quarts de finale, la Hongrie a battu la Suisse 2-0, avec des buts de Sárosi et Zsengellér. En demi-finale au Parc des Princes à Paris, la Hongrie a battu la Suède 5-1, avec des buts de Sas et Sárosi et un triplé de Zsengellér. En finale, la Hongrie affronte l'Italie au Stade Olympique de Colombes à Paris, mais perd 4-2. Les buts hongrois ont été marqués par Titkos et Sárosi. années 1950 Cette équipe hongroise était surtout connue comme l’une des équipes les plus redoutables et les plus influentes de l’histoire du football, qui a révolutionné le jeu. Centré autour du quatuor dynamique et puissant composé d'attaquants Ferenc Puskás, Sándor Kocsis, du demi offensif József Bozsik et de l'attaquant en retrait Nándor Hidegkuti, l'Aranycsapat (« équipe d'or ») des « Magyars magnifiques » a captivé le monde du football avec une marque passionnante de jouez avec des nuances tactiques innovantes. En excluant la finale de la Coupe du monde de 1954, ils ont réalisé un record remarquable de 43 victoires, 6 nuls et aucune défaite du 14 mai 1950 jusqu'à leur défaite 3-1 contre la Turquie le 19 février 1956. Aux Jeux olympiques d'été de 1952 à Helsinki, la Hongrie a battu la Roumanie 2-1 avec un but chacun de Czibor et Kocsis lors du tour préliminaire. Au premier tour, la Hongrie a battu l'Italie 3-0. En quarts de finale, la Hongrie a battu la Turquie 7-1. En demi-finale, la Hongrie a affronté la Suède, championne des Jeux olympiques de 1948 et a gagné 6-0. En finale, la Hongrie a battu la Yougoslavie 2-0 avec un but chacun de Puskás et Czibor et a ainsi remporté le titre olympique pour la première fois. Le 25 novembre 1953, l'Angleterre affronta la Hongrie au stade de Wembley, à Londres, en Angleterre, qui sera plus tard surnommé « le match du siècle ». L'équipe anglaise était invaincue depuis 90 ans à domicile. Devant 105 000 spectateurs, Nándor Hidegkuti a marqué le premier but hongrois dès la première minute. À la mi-temps, le score était de 4 à 2 pour la Hongrie. Les buts hongrois ont été marqués par Nándor Hidegkúti (1er, 22e) et Ferenc Puskás (25e, 29e). En seconde période, les Hongrois ont encore marqué deux fois (Hidegkúti et József Bozsik). Le score final était de 6–3. Le 23 mai 1954, l'équipe nationale hongroise bat l'Angleterre 7-1 (ce qui reste sa pire défaite à ce jour) au stade Puskás Ferenc. A cette époque en Hongrie, il y avait un dicton à propos du match : Az angolok egy hétre jöttek és 7:1-re mentek, ou en anglais : « Les Anglais sont venus pendant une semaine (sept jours) et sont rentrés chez eux avec un score de 7 :1 ». La Coupe du Monde de la FIFA 1954 s'est déroulée en Suisse. Le premier match a été joué contre la Corée du Sud et la Hongrie a gagné par 9-0 au Hardturm de Zurich. Lors du deuxième match de groupe, la Hongrie a affronté l'Allemagne de l'Ouest et a remporté le match par 8-3 au stade Saint-Jacques de Bâle. En quarts de finale, la Hongrie a battu le Brésil 4-2 au stade Wankdorf de Berne. En demi-finale, la Hongrie a affronté l'Uruguay, double vainqueur de la Coupe du monde, à Lausanne. La Hongrie a gagné par 4-2 après prolongation. En finale, la Hongrie affrontait à nouveau l'Allemagne de l'Ouest. Bien que la Hongrie ait remporté le match de groupe contre les Allemands, elle a perdu 3-2 en finale à Berne au stade Wankdorf. L'équipe dorée, construite autour du légendaire Ferenc Puskás, menait tôt 2-0, mais finissait 2-3 dans un match que les Allemands baptisèrent par la suite "Le Miracle de Berne". En 2010, le journaliste Erik Eggers spécule dans une étude selon laquelle l'équipe allemande aurait pu utiliser des drogues pour battre l'équipe hongroise, alors considérée comme invincible. Bien que la Hongrie se soit qualifiée comme championne en titre des Jeux olympiques de 1956, elle n'a pas participé au tournoi. La Hongrie s'est qualifiée pour la Coupe du Monde de la FIFA 1958 en Suède. La Hongrie a disputé son premier match contre le Pays de Galles au stade Jarnvallen de Sandviken et le résultat final était de 1–1. Le deuxième match de groupe s'est joué contre le pays hôte, la Suède. La Hongrie a perdu 2-1 au stade Råsunda de Solna. Bien que la Hongrie ait remporté son dernier match de groupe contre le Mexique au stade Jarnvallen de Sandvinken, elle a été éliminée de la Coupe du monde après avoir perdu en barrage contre le Pays de Galles, avec qui elle avait égalisé aux points. Les Gallois avaient fait match nul dans tous leurs matches de groupe, puis battu les Hongrois, autrefois puissants, lors d'un match de barrage pour décider quelle nation devait suivre la Suède pour les huitièmes de finale. Si la différence de buts avait été décisive, la Hongrie aurait été qualifiée, puisque les Hongrois avaient un total de buts de 6–3 contre 2–2 pour le Pays de Galles. En fait, le Pays de Galles a rencontré le Brésil en quarts de finale et a reçu le premier but du jeune Pelé en Coupe du Monde. années 1960 En 1960, la Hongrie participa de nouveau aux Jeux olympiques organisés en Italie et fut intégrée dans le groupe D avec la France, le Pérou et l'Inde. La Hongrie a terminé première du groupe avec toutes les victoires et une différence de buts de +12. En demi-finale, ils ont perdu contre le Danemark 0 – 2, mais ont battu l'Italie dans le match pour la médaille de bronze 2 – 1 grâce à un but chacun d'Orosz et Dunai et ont ainsi remporté une médaille de bronze. La Hongrie s'est qualifiée pour la Coupe du Monde de la FIFA 1962 qui s'est déroulée au Chili. Le 31 mai 1962, lors du premier match de groupe, la Hongrie bat l'Angleterre par 2-1 grâce aux buts de Tichy et Albert au stade El Teniente de Rancagua devant 7938 spectateurs. Le deuxième match, le 3 juin 1962, fut encore plus convaincant contre l'équipe nationale bulgare. Le match a été remporté par 6-1 à Rancagua. Le dernier match de groupe eut lieu contre l'Argentine le 6 juin 1962 et le résultat final fut un match nul et vierge devant 7 945 spectateurs à Rancagua. La Hongrie s'est qualifiée pour les quarts de finale en gagnant 5 points et en remportant le groupe. En quarts de finale de la Coupe du monde, la Hongrie a été éliminée par la Tchécoslovaquie par 1-0 au stade El Teniente de Rancagua devant 11 690 spectateurs. En 1964, la Hongrie s'est de nouveau qualifiée pour les Jeux olympiques de Tokyo et a été intégrée dans le groupe B avec la Yougoslavie, le Maroc et la Corée du Nord, champions en titre, qui se sont retirés. Lors de son premier match contre le Maroc, la Hongrie a gagné 6-0 avec les 6 buts marqués par Ferenc Bene. Lors de leur deuxième match, la Hongrie a gagné de justesse avec un 6 à 5 contre la Yougoslavie et s'est qualifiée pour le tour suivant avec la Yougoslavie, finaliste. En quarts de finale, la Hongrie a battu la Roumanie 2 à 0 grâce à des buts de Csernai. En demi-finale, la Hongrie a battu la République arabe unie (Égypte) 6 à 0 avec 4 buts de Bene et 2 de Komora. En finale, la Hongrie a battu la Tchécoslovaquie 2 à 1 grâce à un but contre son camp de Weiss et un but de Bene, remportant ainsi sa deuxième médaille d'or. La Hongrie s'est qualifiée pour la Coupe d'Europe des Nations 1964 organisée en Espagne. La Hongrie a affronté l'Espagne en demi-finale du tournoi. Le résultat final était de 2-1 après prolongation. Le seul but hongrois a été marqué par Ferenc Bene. Lors des barrages pour la troisième place, la Hongrie a battu le Danemark 3-1 après prolongation. Dezső Novák a marqué deux fois dans la prolongation. La Hongrie a également réussi à se qualifier pour la Coupe du Monde de la FIFA 1966 qui s'est déroulée dans le pays du football, l'Angleterre. Le 13 juillet 1966, la Hongrie perd son premier match de groupe contre le Portugal d'Eusébio par 3-1 au stade Old Trafford de Manchester. Deux jours plus tard, lors du deuxième match de groupe, la Hongrie a battu le Brésil grâce aux buts de Bene, Farkas et Mészöly au Goodison Park de Liverpool. Au dernier tour des matches de groupe, le 20 juillet 1966, la Hongrie bat la Bulgarie par 3-1. Les buts ont été marqués par Mészöly et Bene. La Hongrie a terminé deuxième du groupe et s'est qualifiée pour les quarts de finale. En quarts de finale, la Hongrie a été éliminée par l'Union soviétique le 23 juillet 1966 par 2-1 au Roker Park de Sunderland devant 26 844 spectateurs. Aux Jeux olympiques de 1968, la Hongrie s'est qualifiée comme championne en titre pour défendre son titre et a été intégrée dans le groupe C avec Israël, le Ghana et le Salvador. La Hongrie a terminé première et s'est qualifiée pour le tour suivant avec Israël. En quarts de finale, la Hongrie a battu le Guatemala de justesse avec 1 à 0 grâce à un but de Szűcs. En demi-finale, ils ont battu le Japon 5 – 0 grâce à Szűcs avec 3 buts et 2 de Novák. En finale, ils ont battu la Bulgarie 4 à 1 et ont remporté leur troisième titre, devenant ainsi l'équipe la plus titrée aux Jeux olympiques de football (la Grande-Bretagne a également remporté 3 titres, mais son premier titre date de 1904 et le football est devenu un événement officiel en 1908). Flórián Albert a été nommé footballeur européen de l'année en 1967. Il a été le footballeur le plus titré de Ferencváros depuis la création du club, marquant 255 buts en 351 matches de 1958 à 1974. années 1970 La Hongrie est revenue en tant que championne en titre de longue date aux Jeux olympiques de Munich en 1972 et a été intégrée dans le groupe C avec le Danemark, l'Iran et le Brésil. Ils ont terminé premiers et se sont qualifiés pour le tour suivant avec le Danemark. Lors de leur deuxième tour de groupe, ils ont été répartis dans le groupe 1 avec l'Allemagne de l'Est, l'Allemagne de l'Ouest et le Mexique. Ils ont de nouveau terminé premiers, invaincus et se sont qualifiés pour la finale avec l'Allemagne de l'Est. En finale, ils ont affronté la Pologne et ont perdu 1 à 2. Le seul but hongrois a été marqué par Varady. La Hongrie s'est qualifiée pour la finale de l'UEFA Euro 1972 qui s'est déroulée en Belgique. En demi-finale, la Hongrie a joué contre l'Union soviétique et a perdu 1-0. Lors des barrages pour la troisième place, la Hongrie a perdu contre la Belgique 2-1. Le seul but hongrois a été marqué par Lajos Kű. La Hongrie a terminé quatrième de l'Euro de l'UEFA 1972. La Hongrie a participé à la Coupe du Monde de la FIFA 1978 qui s'est déroulée en Argentine. Le 2 juin 1978, à l'Estadio Monumental de Buenos Aires, la Hongrie joue avec l'Argentine. Bien que Károly Csapó ait marqué un but précoce, l'équipe locale a remporté le match par 2-1. La Hongrie a disputé son deuxième match de groupe contre l'Italie et les Azzurri ont gagné par 3-1. Le troisième match de la Hongrie a été joué contre la France de Michel Platini et la Hongrie a perdu 3-1, ce qui a entraîné les adieux de l'équipe nationale. années 1980 Au cours des années 1980, la Hongrie s'est qualifiée à deux reprises pour la Coupe du Monde de la FIFA. Le premier match de groupe de la Coupe du Monde de la FIFA 1982 en Espagne a été joué contre le Salvador et la Hongrie a gagné par 10-1 à l'Estadio Nuevo d'Elche. Les buts ont été marqués par Nyilasi (2), Pölöskei, Fazekas (2), Tóth, Kiss (3) et Szentes. Malgré la grande victoire, la Hongrie a perdu 4-1 contre l'Argentine de Maradona lors du deuxième match de la phase de groupes. Maradona a marqué deux fois, tandis que le seul but hongrois a été marqué par Pölöskei au stade José Rico Pérez d'Alicante. Bien que la Hongrie ait fait match nul lors du dernier match contre la Belgique, elle a été éliminée de la Coupe du monde. Cependant, la Hongrie menait en première mi-temps grâce à un but de Varga. La dernière participation de la Hongrie à la Coupe du Monde remonte à la Coupe du Monde de la FIFA 1986 au Mexique. Lors du premier match du groupe, la Hongrie a perdu 6-0 contre l'Union soviétique. Les experts du football datent de ce match la crise du football hongrois. Bien que la Hongrie ait remporté son deuxième match contre le Canada par 2-0 (les buts ont été marqués par Esterházy et Détári), elle a perdu contre la France de Platini 3-0 lors du dernier match de groupe. Il s'agit de la dernière participation de l'équipe nationale hongroise à la Coupe du monde. années 1990 Au cours des années 1990, la Hongrie n'a pu se qualifier pour aucun tournoi international, à l'exception des Jeux olympiques d'été de 1996 organisés à Atlanta, aux États-Unis. Les années 1980 ont été considérées comme les années les plus amères du football hongrois, mais les années 1990 se sont révélées être les pires. En 1996, la Hongrie a atteint son plus bas classement FIFA (87). La chute du régime communiste a causé des problèmes financiers à de nombreux clubs hongrois. Des clubs autrefois prospères comme Ferencváros et Újpest ont été confrontés à la crise financière et à la faillite. Cela a également eu un effet profond sur l'équipe nationale hongroise, car auparavant, les plus grands clubs de Budapest (Ferencváros, Újpest, Honvéd et MTK) produisaient les joueurs de l'équipe nationale. Une autre raison importante de ce déclin peut être attribuée à l’arrêt Bosman. Depuis que les clubs hongrois ont perdu l’aide financière de l’État au début des années 1990, ils n’ont plus pu rivaliser avec les clubs plus riches d’Europe occidentale. La crise du football des clubs hongrois a affecté les performances de l'équipe nationale. La légende hongroise Puskás a été nommée entraîneur-chef de l'équipe nationale en 1993 afin de ramener les succès antérieurs. Cependant, il n'a dirigé l'équipe que pendant quatre matches. Par conséquent, le coaching de l’ancienne légende du Honvéd et du Real Madrid ne pourrait rien changer. Le seul succès remarquable des années 1990 fut la qualification de l’équipe nationale hongroise pour les Jeux olympiques d’été de 1996. L'équipe de Dunai a disputé son premier match de groupe contre le Nigeria et a perdu 1-0 à Orlando, aux États-Unis. Lors du deuxième match de groupe, la Hongrie a joué contre le Brésil et a perdu 3-1. Le seul but hongrois a été marqué par Madar. Le dernier match de groupe a été joué contre le Japon. La Hongrie a perdu 3-2. Les buts hongrois ont été marqués par Madar et Sándor. Bien que la qualification olympique de la jeune équipe ait été une grande surprise et que les gens pensaient que la Hongrie aurait un avenir meilleur dans l'histoire du football, l'équipe n'a jamais obtenu un succès similaire par la suite. Dans les années 1990, la Hongrie était la plus proche de se qualifier pour la Coupe du Monde de la FIFA 1998, mais elle a été éliminée en barrages par la RF de Yougoslavie. années 2000 La Hongrie n'a pas pu se qualifier pour l'UEFA Euro 2000, 2004, 2008 ni pour la Coupe du Monde de la FIFA 2002, 2006 et 2010. De plus, lors des qualifications pour l'UEFA Euro 2008, la Hongrie a terminé sixième de son groupe, atteignant son nadir de son histoire du football. Ils ont même perdu contre Malte, ce qui a entraîné la démission de Bozsik. Quelques jours plus tard, Várhidi a été nommé, célèbre pour ses apparitions dans Sport 1, la télévision sportive hongroise, et pour ses analyses des clubs italiens de Serie A. Il a prouvé son talent en battant l'Italie, championne du monde de la FIFA 2006, par 3-1 au stade Ferenc Puskás lors d'un match amical. Cependant, ni Bozsik ni Várhidi n'ont pu réussir lors des matches officiels qui ont abouti à leur élimination. La Fédération hongroise de football a même fait appel à des entraîneurs étrangers. Matthäus et Koeman n'ont réussi à se qualifier pour aucun tournoi. années 2010 L'entraîneur des moins de 20 ans, Egervári, a été nommé entraîneur-chef de l'équipe senior avant les qualifications pour l'Euro 2012, au cours desquelles la Hongrie a affronté la Finlande, la Moldavie, les Pays-Bas, Saint-Marin et la Suède. La Hongrie en a remporté six, fait match nul et perdu trois matchs et termine le groupe à la troisième place avec 19 points. Lors du processus de qualification, en septembre 2011, la Hongrie a atteint la 27e place du classement FIFA, sa position la plus élevée à ce jour. À la fin de l'année, l'équipe nationale a affronté le Liechtenstein en souvenir d'Albert, récemment décédé, le seul footballeur hongrois à avoir remporté le Ballon d'Or. La Hongrie a été tirée au sort dans le groupe D lors des éliminatoires de la Coupe du Monde de la FIFA 2014, aux côtés des Pays-Bas, de la Turquie, de la Roumanie, de l'Estonie et d'Andorre. Ils avaient 14 points avant l'avant-dernier tour de matchs, mais ont subi une défaite record nationale commune 8-1 contre les Pays-Bas, ce qui a entraîné la démission de l'entraîneur-chef Egervári. Pour leur dernier match de groupe, une victoire 2-0 contre Andorre, la Hongrie était dirigée par l'entraîneur intérimaire József Csábi. Ils terminent à la troisième place du groupe, avec dix-sept points, manquant ainsi la qualification. Après le match, l'attaquant Ádám Szalai a donné une conférence de presse dans un monologue poignant et cinglant sur sa perception de "mentir continuellement à nos supporters" lorsqu'il s'agissait de suggérer que l'équipe avait une chance contre les meilleures équipes mondiales actuelles. Des sentiments similaires ont déjà été exprimés par le milieu de terrain Szabolcs Huszti. Durant cette période, une équipe de tournage a commencé à filmer l'équipe pendant ses préparatifs et ses matchs ; le film Még 50 perc est finalement sorti en 2016 juste avant les Championnats d'Europe. Pintér a été nommé entraîneur-chef de l'équipe nationale en décembre 2013. Certains avaient considéré cette décision comme controversée, étant donné la faible popularité de Pintér auprès des supporters et des joueurs. L'équipe a disputé son premier match dans la nouvelle Groupama Arena le 7 septembre 2014, une défaite 2-1 contre l'Irlande du Nord lors des qualifications pour l'UEFA Euro 2016. Pintér a ensuite été licencié et Dárdai a été nommé remplaçant temporaire pour trois matches. Il a refusé une offre de diriger l'équipe de manière permanente, mais a été retenu. Par la suite, Pál Dardai était au Hertha BSC, où il était entraîneur des jeunes, et a été promu manager de l'équipe première, mais il est resté entraîneur. À l'été 2015, il a démissionné de son poste d'entraîneur de l'équipe nationale hongroise pour se consacrer à son travail de manager du Hertha BSC. Il a finalement été remplacé par le directeur sportif allemand de la Fédération hongroise de football, Storck, en juillet 2015. Storck a exercé accessoirement le poste de directeur sportif de la Fédération. Le 15 novembre 2015, la Hongrie dirigée par Storck s'est qualifiée pour l'UEFA Euro 2016 après 44 ans de qualification pour l'UEFA Euro 1972. La Hongrie a battu la Norvège lors du match aller des barrages de qualification de l'UEFA Euro 2016 1-0. Le seul but a été marqué par Kleinheisler. Lors du match retour, la Hongrie a battu la Norvège 2-1 et s'est qualifiée pour la finale de l'UEFA Euro 2016. Après avoir battu l'Autriche 2-0 et fait match nul contre l'Islande, la Hongrie a disputé un match nul passionnant 3-3 contre le Portugal, futur champion de l'Euro. Sur ce, la Hongrie a réussi à se qualifier pour les huitièmes de finale avec un match à jouer, marquant sa meilleure performance à l'Euro ou à la Coupe du Monde depuis plus de 40 ans. Rivalité La Hongrie entretient une rivalité de longue date avec son voisin, la Roumanie. La rivalité entre les deux nations remonte au traité de Trianon, par lequel la Hongrie a perdu la Transylvanie au profit de la Roumanie, après la Première Guerre mondiale. Chaque fois que les deux camps se rencontraient, ils lançaient des fusées éclairantes et les matchs entre les deux camps se terminaient généralement par un combat entre les deux pays. Cependant, des conflits ont éclaté à l'extérieur du stade entre supporters hongrois et roumains, également récemment avant les matches. Cela a été vu car ils partageaient le même groupe lors des qualifications pour la Coupe du monde 2014 et pour l'UEFA Euro 2016. Le match entre l'Autriche et la Hongrie est le deuxième match international le plus joué dans le football (seul l'Argentine contre l'Uruguay s'est rencontré dans plus de matches), bien que les deux équipes ne se soient rencontrées que 3 fois depuis 2000. Stade à domicile Le stade de l'équipe nationale hongroise est le stade Ferenc Puskás (également appelé Népstadion). Le stade a été construit entre 1948 et 1953 grâce à un grand nombre de bénévoles, dont des militaires. Le stade a été inauguré en 1953. Le 23 mai 1954, l'Angleterre a perdu 7-1 contre l'équipe nationale hongroise. La capacité du stade est de 35 100 places (approuvée par l'UEFA), bien que sa capacité initiale dépassait les 100 000 places. Le stade a également accueilli l'un des Derbies de Budapest, dont Ferencváros, Újpest, MTK, Honvéd ou Vasas. Le stade va être démoli après le match de qualification de l'UEFA Euro 2012 contre la Finlande afin de remplacer l'ancien stade Ferenc Puskás par un nouveau stade polyvalent. Le 29 mai 1974, la Hongrie accueille la Yougoslavie au Stadion Sóstói de Székesfehérvár devant 16 000 spectateurs. Le résultat final était de 3-2 pour la Hongrie. Le 25 avril 2004, la Hongrie accueille le Japon à la ZTE Arena devant 7 000 spectateurs. C'était le premier match de l'équipe nationale à Zalaegerszeg. Le résultat final était de 3-2 pour la Hongrie. À la 53e minute, Kuttor a marqué pour la Hongrie. À la 67e minute, Juhász a marqué et la Hongrie gagnait par 2-0, mais aux 75e et 77e minutes, le Japon a égalisé. Dans la dernière minute, Huszti a marqué un penalty et la Hongrie a remporté le match par 3-2. Le 1er mai 2014, le Nagyerdei Stadion de Debrecen a été inauguré. Le 22 mai 2014, le premier match de l'équipe nationale hongroise de football s'est joué au stade devant 20 000 spectateurs et s'est terminé par un match nul 2–2 contre l'équipe nationale de football du Danemark. Le premier but a été marqué par l'ancienne légende de Debrecen, Dzsudzsák. Eriksen a égalisé le score à la 56e minute. Le débutant Varga a de nouveau pris l'avantage à la 69e minute, mais le score a été égalisé par Schöne à la 72e minute. Le 10 août 2014, la Groupama Arena de Ferencváros a été inaugurée et accueillera les matches de qualification de l'UEFA Euro 2016. PuskasFerencStadium-field2.JPG|Stade Ferenc Puskás Stade Budapest 08667.jpg|Groupama Arena Stade Nagyerdei.jpg|Stade Nagyerdei Parc ETO, Hongrie-Bulgarie.jpg|Parc ETO Couleurs et kits Les couleurs traditionnelles de la Hongrie sont les chemises rouges, les shorts blancs et les chaussettes vertes. La combinaison des couleurs représente le drapeau hongrois. Cependant, l'équipe porte parfois une tenue entièrement blanche, même à la maison. Les armoiries sont portées sur le côté gauche de la chemise, là où se trouve le cœur humain. Lorsque les joueurs hongrois écoutent l’hymne national hongrois, Himnusz, ils mettent leurs bras sur leur poitrine. L'hymne national est considéré comme beau par les Hongrois mais de nombreux fans de football le critiquent en raison de sa mélancolie qui peut avoir un effet sur les joueurs. Les armoiries actuelles auraient toujours pu être trouvées sur le maillot de l'équipe nationale, contrairement à de nombreuses autres équipes nationales qui portent le logo de la fédération de football. Adidas est actuellement le principal concepteur des kits hongrois. Evolution des kits Kits actuels (à partir de 2016) Résultats récents et calendriers à venir 2015 2016 2017 Équipe Effectif actuel Les 23 joueurs suivants font partie de l'équipe officielle de l'UEFA Euro 2016 et du match amical contre l'Allemagne le 4 juin 2016. Sélections et buts jusqu'au 26 juin 2016 après le match contre la Belgique. Appels récents Les joueurs suivants ont été sélectionnés par la Hongrie au cours des 12 derniers mois. Le joueur INJ s'est retiré de l'équipe en raison d'une blessure. Équipe préliminaire PRE. RET Retraité du football international. Personnel d'entraîneur Bilan compétitif Coupe du monde Fifa Champions   Finalistes   Troisième place   Quatrième place Championnat d'Europe de l'UEFA Champions   Finalistes   Troisième place   Quatrième place Jeux olympiques d'été Les trois premières épreuves olympiques de football n'étaient que des tournois non officiels, avec quelques nations représentées par une équipe de club. À partir de 1908, le tournoi olympique de football devient un événement officiel, avec représentation des équipes nationales officielles de football. Après les Jeux olympiques de 1988, l'événement de football a été transformé en tournoi, auquel participent uniquement les équipes nationales des moins de 23 ans. Médaille d'or   Médaille d'argent   Médaille de bronze Honneurs Titres internationaux ; Coupe du monde Fifa * Finaliste (2) : 1938, 1954 ; Championnat d'Europe de l'UEFA * Troisième place (1) : 1964 * Quatrième place(1) : 1972 ; Tournoi olympique de football * Médaille d'or (3) : 1952, 1964, 1968 * Médaille d'argent (1) : 1972 * Médaille de bronze (1) : 1960 * Coupe internationale d'Europe centrale * Gagnant (1) : 1948-1953 * Finaliste (1) : 1955 – 60 * Troisième place (2) : 1931 – 32, 1933 – 35 *Le bâton de Nasazzi : ** Gagnants (6) : 1941, 1943, 1983, 1984, 2007 et 2008 ** Finaliste (5) : 1940, 1941, 1943, 1983, 2007 Titres amicaux * Copa Kirin : ** Gagnants (1) : 1993 *Tournois internationaux en Algérie : ** Gagnants (1) : 1967 * Coupe Nehru : ** Gagnants (2) : 1983, 1989 ** Finaliste (1) : 1991 *Triangulaire d'Or 1980 : ** Gagnants (1) : *Coupe des Balkans : ** Gagnants (2) : 1947, 1948 Enregistrements Le match entre l'Autriche et la Hongrie à Vienne en 1902 fut le premier match international disputé entre deux pays européens non britanniques. La Hongrie a été la première équipe extérieure au Royaume-Uni et à l'Irlande à battre l'Angleterre à domicile, remportant une victoire 6-3 à Wembley le 25 novembre 1953. Six mois plus tard, elle a battu l'Angleterre 7-1 en 1954, cette fois à Budapest. Cela constitue toujours la défaite record de l’Angleterre. Entraîneur chargé de fédérer les éléments de l'équipe hongroise dans les années 1950, Gusztáv Sebes détient le plus haut ratio de victoires par match sur 30 matches avec 72,06% (49 victoires, 12, nuls, 7 défaites). Le grand Brésilien Vicente Feola (1955-1966) occupe la deuxième place avec 71,88 % (46 victoires, 12 nuls, 6 défaites). La Hongrie détient les records de qualité en termes de débit offensif dans une seule compétition de la Coupe du monde. Les historiens du football considèrent souvent les 27 buts (5,4 gls/match) et un différentiel de buts de +17 comme des records susceptibles de ne jamais être dépassés dans le jeu moderne, plus préventif. Sándor Kocsis, avec son record de 7 tours du chapeau dans le jeu international, possède le record de la finale de la Coupe du monde avec 2,2 buts/match. En 1953, ils deviennent également champions d'Europe centrale. La Hongrie a eu la particularité d'avoir établi le classement Elo le plus élevé de l'époque, soit 2 166, en 1954, un record qui a duré 60 ans jusqu'à ce qu'il soit battu par l'Allemagne lors de la Coupe du monde 2014. Il a été fixé après la victoire 4-2 de la Hongrie sur l'Uruguay en demi-finale de la Coupe du monde 1954 le 30 juin 1954, dernier match de leur séquence de 31 matchs sans défaite (voir ci-dessous). Ils possèdent également la troisième plus haute note avec 2156, établie en 1956. Le Brésil possède la quatrième place avec 2153 et l'Espagne avec 2142 est la cinquième. Ferenc Puskás a été reconnu comme le meilleur buteur du XXe siècle par l'IFFHS. Meilleurs buteurs internationaux du 20e siècle Deux des six meilleurs buteurs internationaux du XXe siècle étaient hongrois, tous deux issus de l'équipe dorée des années 1950. Course invaincue La Hongrie, avec son histoire maîtresse d'être invaincue dans les années 1950, a également battu l'un des repères intemporels du football en étant la première à éclipser le record de l'équipe nationale de football d'Écosse de 1888, qui était d'être invaincu lors de 22 matches consécutifs. Ils ont amélioré l'ancienne marque de neuf matchs supplémentaires, à 31 (ou 32 en comptant le match contre l'Allemagne de l'Est, qui n'est pas considérée comme un international officiel pour cette équipe). La Hongrie détient la troisième plus longue série consécutive de matches sans défaite avec 31 matches internationaux entre le 14 mai 1950 et le 4 juillet 1954, date à laquelle elle a perdu la finale de la Coupe du monde contre l'Allemagne. L'Espagne et le Brésil détiennent la plus longue série de 35 matches sans défaite. * = non officiel Historique des joueurs Meilleures apparitions Le gras indique les joueurs toujours actifs. Au 26 juin 2016. Meilleurs buteurs Entraîneurs principaux Record d'équipe de tous les temps Le tableau suivant présente le record international de tous les temps de la Hongrie, correct au 26 juin 2016. Classement FIFA Dernière mise à jour le 14 juillet 2016 ;Remarques *Remarque 1 : à partir de janvier 1999, la FIFA a modifié le système de calcul du classement *Remarque 2 : à partir de juillet 2006, la FIFA a modifié le système de calcul du classement

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Qui joue Daphné dans le film « Scooby-Doo » de 2002 ?

Sarah Michelle Gellar

Scooby-Doo est une franchise américaine de dessins animés, comprenant plusieurs séries télévisées d'animation produites de 1969 à nos jours. La série originale, Scooby-Doo, où es-tu !, a été créée pour Hanna-Barbera Productions par les scénaristes Joe Ruby et Ken Spears en 1969. Cette série de dessins animés du samedi matin mettait en vedette quatre adolescents : Fred Jones, Daphne Blake, Velma Dinkley et Norville "Shaggy" Rogers - et leur dogue allemand parlant nommé Scooby-Doo, qui résolvent des mystères impliquant des créatures soi-disant surnaturelles à travers une série de pitreries et de faux pas. Suite au succès de la série originale, Hanna-Barbera et son successeur Warner Bros. Animation ont produit de nombreuses séries animées de suivi et dérivées et plusieurs œuvres connexes, y compris des émissions spéciales télévisées et des films conçus pour la télévision, une ligne de direct -des films en vidéo et deux longs métrages de cinéma produits par Warner Bros. Certaines versions de Scooby-Doo présentent différentes variations sur le thème surnaturel de la série et incluent des personnages tels que le cousin de Scooby, Scooby-Dum, et son neveu Scrappy-Doo en plus ou à la place de certains des personnages originaux. Scooby-Doo a été initialement diffusé sur CBS de 1969 à 1976, date à laquelle il a été transféré sur ABC. ABC a diffusé l'émission jusqu'à son annulation en 1986 et a présenté un spin-off mettant en vedette les personnages enfants, A Pup Named Scooby-Doo, de 1988 à 1991. La nouvelle série Scooby-Doo a été diffusée dans le cadre de Kids WB sur The WB Network et son successeur, The CW Network, de 2002 à 2008. Scooby-Doo ! Mystery Incorporated a été diffusé sur Cartoon Network de 2010 à 2013, et Be Cool, Scooby-Doo ! a fait ses débuts sur Cartoon Network en 2015. Des rediffusions des différentes séries Scooby-Doo sont fréquemment diffusées sur Cartoon Network et sa chaîne sœur Boomerang aux États-Unis ainsi que dans d'autres pays. En 2013, TV Guide a classé Scooby-Doo au cinquième rang des meilleurs dessins animés télévisés de tous les temps. Développement En 1968, des organisations dirigées par des parents, notamment Action for Children's Television (ACT), ont commencé à protester contre ce qu'elles considéraient comme une violence excessive dans les dessins animés du samedi matin. La plupart de ces émissions étaient des dessins animés d'action de Hanna-Barbera comme Space Ghost, The Herculoids et Birdman and the Galaxy Trio, et pratiquement toutes ont été annulées en 1969 en raison de la pression des groupes de parents. Les membres de ces groupes de surveillance ont servi de conseillers à Hanna-Barbera et à d'autres studios d'animation pour garantir que leurs nouveaux programmes seraient sans danger pour les enfants. Fred Silverman, directeur en charge de la programmation de jour du réseau CBS à l'époque, cherchait une émission qui redynamiserait sa ligne du samedi matin et plairait en même temps aux groupes de surveillance. Le résultat fut The Archie Show, basé sur la bande dessinée humoristique pour adolescents Archie de Bob Montana. Les numéros musicaux interprétés par The Archies au cours de chaque programme ont également été un succès (dont l'un, "Sugar, Sugar", était le hit numéro un du Billboard le plus réussi de 1969). Silverman était impatient de s'appuyer sur ce succès et a contacté les producteurs William Hanna et Joseph Barbera pour éventuellement créer un autre spectacle basé sur un groupe de rock adolescent, celui-ci mettant en vedette des adolescents qui ont résolu des mystères entre les concerts. Silverman a envisagé l'émission comme un croisement entre les séries radiophoniques populaires I Love a Mystery des années 1940 et soit les personnages d'Archie, soit la série télévisée populaire du début des années 1960, The Many Loves of Dobie Gillis. Après avoir tenté de développer sa propre version du spectacle proposé appelé House of Mystery, Joseph Barbera, qui s'occupait du développement et de la vente des spectacles Hanna-Barbera tandis que William Hanna s'occupait de la production, a confié la tâche aux scénaristes Joe Ruby et Ken Spears et à l'artiste. /Créateur de personnages Iwao Takamoto. Leur traitement original, basé en partie sur The Archie Show, s'intitulait Mysteries Five et mettait en vedette cinq adolescents : Geoff, Mike, Kelly, Linda, le frère de Linda, W.W. et leur chien joueur de bongo, Too Much, qui étaient tous membres du groupe Mysteries Five. Lorsque les Mysteries Five ne se produisaient pas en concert, ils résolvaient des mystères effrayants impliquant des fantômes, des zombies et d'autres créatures surnaturelles. Ruby et Spears étaient incapables de décider si Too Much serait un gros chien lâche ou un petit chien fougueux. Lorsque le premier a été choisi, Ruby et Spears ont écrit Too Much as a Great Dane mais ont révisé le personnage du chien en un grand chien de berger (semblable au chien de berger des Archies, Hot Dog) juste avant leur présentation à Silverman, car Ruby craignait que le personnage ne soit. trop similaire au personnage de bande dessinée Marmaduke. Silverman a rejeté leur argumentaire initial et, après avoir consulté Barbera sur les prochaines étapes, a obtenu la permission de Barbera d'aller de l'avant avec Too Much étant un grand danois au lieu d'un chien de berger. Le concepteur principal des personnages, Takamoto, lors de la conception des personnages, a consulté un collègue du studio qui se trouvait être un éleveur de grands danois. Après avoir appris auprès d'elle les caractéristiques d'un dogue allemand primé, Takamoto a enfreint la plupart des règles et a conçu Too Much avec des jambes trop courbées, un double menton et un dos incliné, entre autres anomalies. Le deuxième passage de Ruby et Spears à l'émission a utilisé Dobie Gillis comme modèle pour les adolescents plutôt qu'Archie. Le traitement a retenu le chien Too Much, tout en réduisant le nombre d'adolescents à quatre, en supprimant le personnage de Mike et en conservant Geoff, Kelly, Linda et W.W. Au fur et à mesure que leurs personnalités ont été modifiées, les noms des personnages ont également changé : Geoff est devenu « Ronnie » – rebaptisé plus tard « Fred » (à la demande de Silverman), Kelly est devenue « Daphné », Linda « Velma » et W.W. "Hirsute". Les adolescents étaient désormais basés sur quatre personnages adolescents de Les nombreuses amours de Dobie Gillis : Dobie Gillis, Thalia Menninger, Zelda Gilroy et Maynard G. Krebs, respectivement. L'émission révisée a été relancée à Silverman, qui a aimé le matériel mais, n'aimant pas le titre Mysteries Five, a décidé d'appeler l'émission Who's S-S-Scared ? Silverman a présenté Who's S-S-Scared ? aux dirigeants de CBS comme pièce maîtresse du bloc de dessins animés du samedi matin de la prochaine saison 1969-1970. Le président de CBS, Frank Stanton, a estimé que les illustrations de présentation étaient trop effrayantes pour les jeunes téléspectateurs et, pensant que l'émission serait la même, a décidé de les transmettre. Désormais sans pièce maîtresse pour la programmation de la saison à venir, Silverman a demandé à Ruby, Spears et au personnel de Hanna-Barbera de réviser les traitements et le matériel de présentation pour atténuer le spectacle et mieux refléter ses éléments comiques. L'élément groupe de rock a été abandonné et davantage d'attention s'est concentrée sur Shaggy et Too Much. Selon Ruby et Spears, Silverman s'est inspiré du scat "doo-be-doo-be-doo" de Frank Sinatra à la fin de son enregistrement de "Strangers in the Night" lors d'un vol vers l'une des réunions de développement, et a décidé de renommez le chien « Scooby-Doo » et rebaptisez la série Scooby-Doo, où es-tu ! L'émission révisée a été présentée à nouveau aux dirigeants de CBS, qui ont approuvé sa production. Série télévisée originale diffusée Les années CBS (1969-1975) Scooby-Doo, où es-tu ! Scooby-Doo, où es-tu ! a fait ses débuts sur le réseau CBS le samedi 13 septembre 1969 avec son premier épisode, "Quelle nuit pour un chevalier". La distribution originale comprenait le doubleur vétéran Don Messick dans le rôle de Scooby-Doo, le DJ radio Casey Kasem (plus tard animateur de l'émission de radio American Top 40) dans le rôle de Shaggy, l'acteur Frank Welker (plus tard un doubleur vétéran à part entière) dans le rôle de Fred, actrice. Nicole Jaffe dans le rôle de Velma et la musicienne Indira Stefanianna Christopherson dans le rôle de Daphné. Les modèles de discours de Scooby ressemblaient beaucoup à un chien de dessin animé antérieur, Astro de The Jetsons (1962-1963), également exprimé par Messick. Dix-sept épisodes de Scooby-Doo Où es-tu ! ont été produits en 1969-70. La chanson thème de la série a été écrite par David Mook et Ben Raleigh et interprétée par Larry Marks. Chacun de ces épisodes présente Scooby et les quatre membres adolescents de Mystery, Inc., Fred, Shaggy, Daphné et Velma, arrivant à un endroit dans la "Mystery Machine", une camionnette peinte de couleurs psychédéliques et d'images flower power. Rencontrant un fantôme, un monstre ou une autre créature surnaturelle qui terrorise la population locale, ils décident d'enquêter. Les enfants se séparent pour chercher des indices et des suspects tout en étant pourchassés tour à tour par le monstre. Finalement, les enfants réalisent que le fantôme et les autres activités paranormales sont en réalité un canular élaboré et, souvent avec l'aide d'un piège de type Rube Goldberg conçu par Fred, ils capturent le méchant et le démasquent. Révélé comme un escroc en chair et en os essayant de dissimuler des crimes en utilisant l'histoire et le costume de fantômes, le criminel est arrêté et emmené en prison, répétant souvent quelque chose de presque identique à "... et je m'en serais bien sorti aussi, s'il n'y avait pas eu votre ingérence, les enfants !" Programmé en face d'une autre émission de résolution de mystères pour adolescents, The Hardy Boys d'ABC, Scooby-Doo est devenu un succès d'audience, les audiences de Nielsen rapportant que jusqu'à 65 % des téléspectateurs du samedi matin étaient à l'écoute de CBS lorsque Scooby-Doo était diffusé. La série a été renouvelée pour une deuxième saison en 1970, pour laquelle huit épisodes ont été produits. Sept des épisodes de la deuxième saison présentaient des séquences de poursuite sur des chansons pop bubblegum enregistrées par Austin Roberts, qui a également réenregistré la chanson thème de cette saison. Stefanianna Christopherson étant mariée et retraitée du doublage, Heather North assume le rôle de Daphné et continuera à interpréter le personnage jusqu'en 1997. Les influences de I Love a Mystery et Dobie Gillis étaient particulièrement évidentes dans ces premiers épisodes. Parmi les similitudes entre les adolescents Scooby-Doo et les adolescents Dobie Gillis, les similitudes entre Shaggy et Maynard sont les plus remarquables ; les deux personnages partagent la même barbichette de style beatnik, des coiffures et des comportements similaires. Le principe de base de Scooby-Doo, Où es-tu ! était également similaire aux livres Famous Five d'Enid Blyton. Les deux séries mettaient en vedette quatre jeunes avec un chien, et les histoires de Famous Five tournaient souvent autour d'un mystère qui se révélait invariablement non pas surnaturel, mais simplement une ruse pour dissimuler la véritable intention du méchant. Les rôles de chaque personnage sont fortement définis dans la série : Fred est le leader et le détective déterminé, Velma est l'analyste intelligente, Daphné est sujette au danger, Shaggy est un lâche plus motivé par la faim que par le désir de résoudre des mystères, et Scooby est similaire à Shaggy, à l'exception d'une tendance inspirée par Bob Hope vers une bravoure temporaire. Les versions ultérieures de la série apporteraient de légers changements aux rôles établis des personnages, notamment dans le personnage de Daphné, montré dans les productions Scooby-Doo des années 1990 et 2000 comme connaissant de nombreuses formes de karaté et ayant la capacité de se défendre, et moins de une tendance à se faire kidnapper. Scooby-Doo lui-même aura une influence sur de nombreux autres dessins animés du samedi matin des années 1970. Au cours de cette décennie, Hanna-Barbera et ses concurrents ont produit plusieurs programmes d'animation mettant également en vedette des détectives adolescents résolvant des mystères avec un animal de compagnie ou une mascotte quelconque, notamment Josie et les Pussycats (1970-1971), The Funky Phantom (1971-1972), The Amazing Chan et le Chan Clan (1972-1973), Speed ​​Buggy (1973-1974), Goober et les Ghost Chasers (1973-1974), Jabberjaw (1976-1978), Captain Caveman et les Teen Angels (1977-1980), entre autres. Les nouveaux films de Scooby-Doo En 1972, de nouveaux épisodes d'une heure sous le titre Les nouveaux films Scooby-Doo ont été créés ; chaque épisode met en vedette une star invitée réelle ou fictive aidant le gang à résoudre des mystères, y compris des personnages d'autres séries Hanna-Barbera telles que Harlem Globetrotters, Josie et les Pussycats et Speed ​​Buggy, les personnages de bandes dessinées Batman et Robin (adaptés plus tard dans leur propre Hanna -Série Barbera, Super Friends, un an plus tard), et des célébrités telles que Sandy Duncan, La Famille Addams, Cass Elliot, Phyllis Diller, Don Knotts et Les Trois Stooges. Le directeur musical de Hanna-Barbera, Hoyt Curtin, a composé une nouvelle chanson thème pour cette série, et le thème de Curtin restera utilisé pour une grande partie de la diffusion originale de Scooby-Doo. Après deux saisons et 24 épisodes du format New Movies de 1972 à 1974, CBS a commencé à diffuser des rediffusions de l'original Scooby-Doo, Où es-tu ! série jusqu'à ce que son option sur la série expire en 1976. Les années ABC (1976-1991) Le spectacle Scooby-Doo et les All-Star Laff-A-Lympics de Scooby Aujourd'hui président d'ABC, Fred Silverman a conclu un accord avec Hanna-Barbera pour apporter de nouveaux épisodes de Scooby-Doo à la programmation du samedi matin d'ABC, où la série a subi des changements de programmation presque chaque année. Pour leur saison 1976-1977, 16 nouveaux épisodes de Scooby-Doo ont été rejoints par une nouvelle émission de Hanna-Barbera, Dynomutt, Dog Wonder, pour créer The Scooby-Doo/Dynomutt Hour (la série est devenue The Scooby-Doo/Dynomutt Show lorsque une rediffusion bonus de Scooby-Doo, Where Are You! a été ajoutée au package en novembre 1976). Joe Ruby et Ken Spears, qui travaillent maintenant pour Silverman en tant que superviseurs des programmes ABC du samedi matin, ont ramené le programme à son original Scooby-Doo, Où es-tu ! format, avec l'ajout du cousin country idiot de Scooby, Scooby-Dum, exprimé par Daws Butler, en tant que personnage récurrent. Le casting de voix a été conservé de Les nouveaux films de Scooby-Doo, à l'exception de Nicole Jaffe, qui a pris sa retraite d'acteur en 1973. Pat Stevens a repris son rôle de voix de Velma. Pour la saison 1977-1978, The Scooby-Doo/Dynomutt Show est devenu le bloc de programmation de deux heures Scooby's All-Star Laff-A-Lympics (1977-1978) avec l'ajout de Laff-a-Lympics et Captain Caveman and the Teen. Anges. En plus de huit nouveaux épisodes de Scooby-Doo et des rediffusions de la série de 1969, Scooby-Doo est également apparu lors de la série Laff-a-Lympics du bloc All-Star, qui mettait en vedette 45 personnages d'Hanna-Barbera en compétition dans Battle of the Network Stars. des parodies esques d'événements sportifs olympiques. Scooby était considéré comme le capitaine de l'équipe Laff-a-Lympics "Scooby Doobies", qui comprenait également Shaggy et Scooby-Dum parmi ses membres. Scooby's All-Star Laff-a-Lympics a été rebaptisé Scooby's All Stars pour la saison 1978-1979, réduit à 90 minutes lorsque Dynomutt a été divisé en sa propre demi-heure et les rediffusions de 1969 ont été abandonnées. Scooby's All-Stars a continué à diffuser des rediffusions de Scooby-Doo de 1976 et 1977, tandis que de nouveaux épisodes de Scooby-Doo ont été diffusés pendant une demi-heure séparée sous le titre Scooby-Doo, où es-tu ! bannière. Après neuf semaines, le séparé Where are You! la diffusion a été annulée et le reste des 16 nouveaux épisodes de 1978 ont fait leurs débuts pendant le bloc Scooby's All-Stars. Les 40 épisodes de Scooby-Doo produits au total entre 1976 et 1978 ont ensuite été regroupés pour être syndiqués sous le nom de The Scooby-Doo Show, sous quel titre ils continuent d'être diffusés. Scooby-Doo et Scrappy-Doo Les personnages de Scooby-Doo sont apparus pour la première fois en dehors de leur format habituel du samedi matin dans Scooby Goes Hollywood, une émission spéciale d'une heure sur ABC diffusée aux heures de grande écoute le 13 décembre 1979. L'émission spéciale tournait autour de Shaggy et Scooby tentant de convaincre le réseau de déménager. Scooby est sorti du samedi matin et est entré dans une série aux heures de grande écoute, et a présenté des parodies de séries télévisées et de films alors en cours tels que Happy Days, Superman: The Movie, Laverne & Shirley et Charlie's Angels. En 1979, le petit neveu de Scooby, Scrappy-Doo, a été ajouté à la fois à la série et à la facturation, dans le but d'augmenter les notes en baisse de Scooby-Doos. Les épisodes de 1979 à 1980, diffusés sous le nouveau titre Scooby-Doo et Scrappy-Doo sous la forme d'une émission indépendante d'une demi-heure, ont réussi à régénérer l'intérêt pour la série. Lennie Weinrib a exprimé Scrappy dans les épisodes de 1979 à 1980, Don Messick assumant le rôle par la suite. Marla Frumkin a remplacé Pat Stevens comme voix de Velma à la mi-saison. Short Scooby-Doo et Scrappy-Doo À la suite du succès de Scooby-Doo et Scrappy-Doo, l'ensemble de la série a été remanié en 1980 pour se concentrer davantage sur Scrappy-Doo. À cette époque, Scooby-Doo a commencé à marcher et à courir de manière anthropomorphe sur deux pieds plus souvent, plutôt que sur quatre comme un chien normal comme il le faisait auparavant. Fred, Daphné et Velma ont été retirés de la série, et le nouveau format Scooby-Doo et Scrappy-Doo était désormais composé de trois aventures comiques de sept minutes mettant en vedette Scooby, Scrappy et Shaggy au lieu d'un mystère d'une demi-heure. La plupart des méchants surnaturels des dessins animés de sept minutes de Scooby et Scrappy, qui dans les séries précédentes de Scooby s'étaient révélés être des criminels humains en costume, étaient désormais réels dans le contexte de la série. Cette version de Scooby-Doo et Scrappy-Doo a été diffusée pour la première fois de 1980 à 1982 dans le cadre de The Richie Rich/Scooby-Doo Show, un programme d'une heure présentant également des épisodes du nouveau dessin animé Richie Rich de Hanna-Barbera, adapté des Harvey Comics. personnage. De 1982 à 1983, Scooby-Doo et Scrappy-Doo faisaient partie de The Scooby-Doo/Scrappy-Doo/Puppy Hour, une coproduction avec Ruby-Spears Productions qui présentait deux courts métrages Scooby et Scrappy, un Scrappy et Yabba-Doo. court métrage mettant en vedette Scrappy-Doo et son oncle adjoint occidental Yabba-Doo, et The Puppy's New Adventures, basé sur les personnages d'une émission spéciale Ruby-Spears de 1977. À partir de 1980, une demi-heure de rediffusions des incarnations précédentes de Scooby-Doo ont été diffusées sur ABC le samedi matin en plus des épisodes de première diffusion. Diffusé sous les titres Scooby-Doo Classics, The Scary Scooby Funnies, The Best of Scooby-Doo et Scooby's Mystery Funhouse, le package de rediffusion est resté en ondes jusqu'à la fin de la saison 1986. Le nouveau spectacle de Scooby et Scrappy-Doo Scooby-Doo a été restauré en une demi-heure autonome en 1983 avec The New Scooby and Scrappy-Doo Show en 1983, qui comprenait deux mystères de 11 minutes par épisode dans un format rappelant l'original Scooby-Doo, où es-tu ! mystères. Heather North est revenue à la voix de Daphné, qui, dans cette incarnation, a résolu des mystères avec Shaggy, Scooby et Scrappy tout en travaillant sous couverture en tant que journaliste pour un magazine pour adolescents. Cette version de l'émission a duré deux saisons, la deuxième saison étant diffusée sous le titre Les nouveaux mystères de Scooby-Doo. Les épisodes de la saison 1984-1985 présentaient des apparitions semi-régulières de Fred et Velma, Frank Welker et Marla Frumkin reprenant leurs rôles respectifs pour ces épisodes. Les 13 fantômes de Scooby-Doo 1985 a vu les débuts des 13 fantômes de Scooby-Doo, qui mettaient en vedette Daphné, Shaggy, Scooby, Scrappy et de nouveaux personnages Flim-Flam (exprimé par Susan Blu) et Vincent Van Ghoul (basé sur et exprimé par Vincent Price) voyageant à travers le monde. globe pour capturer « treize des fantômes les plus terrifiants de la surface de la terre ». Le dernier épisode de première diffusion des 13 fantômes de Scooby-Doo a été diffusé en décembre 1985, et après que ses rediffusions ont été supprimées de la programmation ABC en mars suivant, aucune nouvelle série Scooby n'a été diffusée sur le réseau pendant les deux années suivantes. Un chiot nommé Scooby-Doo Hanna-Barbera a réincarné le Scooby-Doo original, Où es-tu ! Incarnés comme lycéens pour une nouvelle série intitulée A Pup Named Scooby-Doo, qui a fait ses débuts sur ABC en 1988. A Pup Named Scooby-Doo était une réimagination irrévérencieuse de la série, fortement inspirée des dessins animés classiques de Tex Avery. et Bob Clampett, et a évité la quasi-réalité de la série originale Scooby pour un style plus proche des Looney Tunes, y compris un épisode dans lequel les parents de Scooby-Doo se présentent et révèlent que son vrai nom est "Scoobert". La série a également établi « Coolsville » comme nom de la ville natale du gang ; ce paramètre a été retenu pour plusieurs des productions ultérieures de Scooby. L'émission réorganisée a été un succès, restant en production pendant quatre saisons et sur la programmation d'ABC jusqu'en 1991. Un chiot nommé Scooby-Doo a été développé et produit par Tom Ruegger, qui était le rédacteur en chef de l'histoire de Scooby-Doo depuis 1983. Après la première saison d'Un chiot nommé Scooby-Doo, Ruegger et une grande partie de son unité ont quitté Hanna-Doo. Barbera à Warner Bros. Animation pour développer Steven Spielberg présente Tiny Toon Adventures et plus tard Animaniacs, Pinky and the Brain et Freakazoid !. Rediffusions et reprises (depuis 1987) Téléfilms, rediffusions et films directement en vidéo De 1987 à 1988, Hanna-Barbera Productions a produit Hanna-Barbera Superstars 10, une série de téléfilms souscrits mettant en vedette leurs personnages les plus populaires, dont Yogi Bear, Huckleberry Hound, The Flintstones et The Jetsons. Scooby-Doo, Scrappy-Doo et Shaggy ont joué dans trois de ces films : Scooby-Doo rencontre les Boo Brothers (1987), Scooby-Doo et l'école des goules (1988) et Scooby-Doo et le loup-garou réticent (1988). Ces trois films ont pris le ton des entrées Scooby-Doo et Scrappy-Doo du début des années 1980 et mettaient en scène les personnages rencontrant de vrais monstres et fantômes plutôt que des personnes masquées. Scooby-Doo et Shaggy sont apparus plus tard en tant que narrateurs du téléfilm Arabian Nights, diffusé à l'origine par TBS en 1994, la dernière sortie de Don Messick en tant que voix originale de Scooby-Doo. Les rediffusions de Scooby-Doo sont en syndication depuis 1980 et ont également été diffusées sur des réseaux de télévision par câble tels que TBS Superstation (jusqu'en 1989) et USA Network (dans le cadre de USA Cartoon Express de 1990 à 1994). En 1993, A Pup Named Scooby-Doo, qui venait tout juste de mettre fin à sa diffusion sur ABC, a commencé à être rediffusé sur Cartoon Network. Avec l'achat de Hanna-Barbera par Turner Broadcasting en 1991, en 1994, la franchise Scooby-Doo est devenue exclusive aux réseaux Turner : Cartoon Network, TBS Superstation et TNT. La chaîne canadienne Teletoon a commencé à diffuser Scooby-Doo, où es-tu ! en 1997, suivi bientôt par l'autre série Scooby. Lorsque TBS et TNT ont mis fin à la diffusion des dessins animés HB en 1998, Scooby-Doo est devenu la propriété exclusive de Cartoon Network et de la station sœur Boomerang. Avec la popularité restaurée de Scooby-Doo dans les rediffusions sur Cartoon Network, Warner Bros. Animation et Hanna-Barbera (alors filiale de Warner Bros. suite à la fusion de Time Warner et Turner Entertainment en 1996) ont commencé à produire un nouveau film direct de Scooby-Doo. film en vidéo par an à partir de 1998. Ces films présentaient une version légèrement plus ancienne du casting original de cinq personnages de Scooby-Doo, Où es-tu ! jours. Les quatre premières entrées DTV étaient Scooby-Doo sur Zombie Island (1998), Scooby-Doo ! et le fantôme de la sorcière (1999), Scooby-Doo et les envahisseurs extraterrestres (2000) et Scooby-Doo et la Cyber ​​Chase (2001). Frank Welker était le seul acteur original à revenir pour ces productions. Don Messick était décédé en 1997 et Casey Kasem, un végétarien strict, avait abandonné le rôle de Shaggy après avoir dû prêter sa voix à une publicité de Burger King en 1995. Par conséquent, Scott Innes a succédé à la fois à Scooby-Doo et à Shaggy (Billy West a exprimé Shaggy dans Scooby-Doo sur Zombie Island). B.J. Ward a succédé à Velma et Mary Kay Bergman a exprimé Daphné jusqu'à sa mort en novembre 1999 et a été remplacée par Gray DeLisle. Ces quatre premiers films directement en vidéo différaient du format de la série originale en plaçant les personnages dans des intrigues au ton plus sombre et en les opposant à de véritables forces surnaturelles. Scooby-Doo sur Zombie Island, mettait en vedette le gang original de 1969, réuni après des années de séparation, combattant des créatures félines adoratrices du vaudou dans le bayou de Louisiane. Scooby Doo! et The Witch's Ghost mettait en vedette un auteur (voix de Tim Curry) retournant dans sa ville natale avec le gang, pour découvrir qu'un événement est hanté par la grande tante Sarah décédée de l'auteur, qui était une véritable sorcière. The Witch's Ghost a présenté un groupe de rock gothique connu sous le nom de The Hex Girls, qui sont devenus des personnages récurrents de la franchise Scooby-Doo. Scooby-Doo and the Cyber ​​Chase était la dernière production réalisée par le studio Hanna-Barbera, qui a été absorbé par la société mère Warner Bros. Animation après la mort de William Hanna en 2001. Warner Animation poursuivrait la production de la série directe en vidéo tout en produit également une nouvelle série Scooby-Doo pour la télévision. Les productions directement en vidéo ont continué d'être produites simultanément avec au moins une entrée par an. Deux de ces entrées, Scooby-Doo ! et la Légende du Vampire et Scooby-Doo ! et le Monstre du Mexique (tous deux en 2003) ont été produits dans un style rétro rappelant la série originale, et mettaient en vedette Heather North et Nicole Jaffe comme voix de Daphné et Velma, respectivement. Les entrées ultérieures produites entre 2004 et 2009 ont été réalisées dans le style de Quoi de neuf, Scooby-Doo, en utilisant la distribution vocale de cette émission. Les entrées de 2010 utilisent les designs originaux de 1969 et présentent Matthew Lillard dans le rôle de Shaggy, le personnage représenté par Lillard dans les films théâtraux d'action réelle de Scooby-Doo. Il y aura d'autres films Scooby jusqu'en 2018. De plus, un téléfilm en direct, Scooby-Doo ! The Mystery Begins est sorti sur DVD et diffusé simultanément sur Cartoon Network le 13 septembre 2009, à l'occasion du quarantième anniversaire des débuts de la série. Le film mettait en vedette Nick Palatas dans le rôle de Shaggy, Robbie Amell dans le rôle de Fred, Kate Melton dans le rôle de Daphné, Hayley Kiyoko dans le rôle de Velma et Frank Welker dans le rôle de Scooby-Doo. Un deuxième téléfilm en live-action, Scooby-Doo ! Curse of the Lake Monster, a retenu le même réalisateur et le même casting et a été diffusé le 16 octobre 2010. Films de théâtre Une version long métrage d'action réelle de Scooby-Doo a été publiée par Warner Bros. le 14 juin 2002. Réalisé par Raja Gosnell, le film mettait en vedette Freddie Prinze, Jr., dans le rôle de Fred, Sarah Michelle Gellar dans le rôle de Daphné, Matthew Lillard. comme Shaggy et Linda Cardellini comme Velma. Scooby-Doo, exprimé par Neil Fanning, a été créé à l'écran grâce à des effets spéciaux générés par ordinateur. Scooby-Doo a été une sortie financièrement réussie, avec un box-office national brut de plus de 130 millions de dollars américains. Une suite, Scooby-Doo 2 : Monsters Unleashed, a suivi en mars 2004 avec le même casting et le même réalisateur. Scooby-Doo 2 a rapporté 84 millions de dollars (55,98 euros) au box-office américain. Une deuxième suite était prévue, mais abandonnée plus tard après Warner Bros. déception aux retours de Scooby-Doo 2. Le 26 août 2013, il a été annoncé que Warner Bros. développait un long métrage d'animation Scooby-Doo avec Atlas Entertainment. Charles Roven et Richard Suckle, qui ont produit les deux premiers films d'action réelle, produiront le film d'animation et Matt Lieberman écrira le film. Le 17 juin 2014, le studio Warner Brothers a annoncé qu'il redémarrerait la série de films avec Randall Green écrivant un nouveau film. Le 17 août 2015, Warner Bros a annoncé que Tony Cervone réaliserait le film d'animation, avec Allison Abbate comme producteur et Dan Povenmire comme producteur exécutif. La sortie du film est prévue pour le 21 septembre 2018. Le 13 avril 2016, il a été annoncé qu'il s'intitulerait S.C.O.O.B. et serait le premier film d'un univers cinématographique Hanna-Barbera. Les années WB des enfants (2002-08) Quoi de neuf, Scooby-Doo ? En 2002, suite au succès des rediffusions de Cartoon Network, de la franchise directe en vidéo et du premier long métrage, Scooby-Doo revient au samedi matin pour la première fois en 17 ans avec Quoi de neuf, Scooby-Doo ?, diffusé sur Kids' WB de 2002 à 2006. Produite par Warner Bros. Animation, la série suit le format de la série originale mais la place dans le 21e siècle, avec une forte promotion de la technologie moderne (ordinateurs, DVD, Internet, téléphones portables) et culturelle. À partir de cette série, Frank Welker a pris la relève en tant que doubleur de Scooby, tout en continuant à fournir également la voix de Fred. Casey Kasem est revenu sous le nom de Shaggy, à condition que le personnage soit représenté comme un végétarien comme Kasem lui-même. Gray DeLisle a continué à exprimer Daphné, et l'ancienne star de Facts of Life Mindy Cohn a exprimé Velma. La série a été produite par Chuck Sheetz, qui avait travaillé sur Les Simpsons. Shaggy et Scooby-Doo obtiennent un indice ! Après trois saisons, Quoi de neuf, Scooby-Doo a été remplacé en septembre 2006 par Shaggy & Scooby-Doo Get a Clue !, une refonte majeure de la série qui a fait ses débuts sur le bloc de programmation du samedi matin de The CW's Kids' WB. Dans le nouveau lieu, Shaggy hérite de l'argent et d'un manoir d'un oncle, un inventeur qui s'est caché des méchants essayant de voler son invention secrète. Les méchants, dirigés par le "Dr Phibes" (basé principalement sur le Dr Evil de la série Austin Powers et nommé d'après le personnage de Vincent Price dans L'Abominable Dr Phibes), utilisent ensuite différents stratagèmes pour tenter d'obtenir l'invention de Shaggy et Scooby, qui gère seul les intrigues. Fred, Daphné et Velma sont normalement absents, mais font parfois des apparitions pour aider. Les personnages ont été repensés et le style artistique révisé pour la nouvelle série. Scott Menville a exprimé Shaggy dans la série, avec Casey Kasem apparaissant comme la voix de l'oncle Albert de Shaggy. Shaggy et Scooby-Doo obtiennent un indice ! a couru pendant deux saisons sur The CW. Les années Cartoon Network (2010-présent) Scooby Doo! Mystère incorporé La prochaine série Scooby, Scooby-Doo ! Mystery Incorporated, créée sur Cartoon Network le 5 avril 2010. Première série Scooby produite pour la télévision par câble, Mystery Incorporated est un redémarrage de la franchise, rétablissant les relations, les personnalités et les lieux des personnages, et élargissant leur monde pour présenter leurs parents, leur lycée et leurs voisins. La série a également emprunté des morceaux de nombreuses parties de la longue histoire de Scooby-Doo, ainsi que des personnages et des éléments d'autres émissions de Hanna-Barbera pour former son histoire et les bases de certains de ses épisodes. Matthew Lillard a été ramené de la série directe en vidéo en tant que nouvelle voix de Shaggy, tandis que Welker, Cohn et DeLisle ont continué dans leurs rôles respectifs. Patrick Warburton, Linda Cardellini, Lewis Black, Vivica A. Fox, Gary Cole, Udo Kier, Tim Matheson, Tia Carrere et Kate Higgins ont été ajoutés en tant que nouveaux membres semi-réguliers. Casey Kasem est apparu dans un rôle récurrent en tant que père de Shaggy, l'un de ses derniers rôles avant de prendre sa retraite en raison de sa santé déclinante. La série, tout en suivant le format de base de résolution de mystères de ses prédécesseurs, a été diffusée sous la forme d'une telenovela animée de 52 chapitres et comprenait des éléments similaires aux émissions de mystère/aventure en direct telles que Buffy contre les vampires et Lost. Un mystère global entourant la ville natale du gang, Crystal Cove, en Californie, est devenu l'arc narratif principal de la série, avec des éléments du mystère se déroulant épisode par épisode. Des enchevêtrements romantiques et des conflits interpersonnels entre les personnages principaux étaient également présentés. La série a duré 52 épisodes répartis sur deux saisons, avec une finale en trois parties diffusée les 4 et 5 avril 2013, soit exactement trois ans après les débuts. Sois cool, Scooby-Doo ! Le 10 mars 2014, Cartoon Network a annoncé plusieurs nouvelles séries basées sur des dessins animés classiques, dont une nouvelle série animée Scooby-Doo intitulée Be Cool, Scooby-Doo !. L'émission présente le gang « en train de vivre » l'été après la dernière année de lycée du gang. En chemin, ils rencontrent des monstres et du chaos. www.bcdb.com, 13 mars 2014 La série a été créée le 5 octobre 2015 sur Cartoon Network. Scooby Doo! épisodes directement en vidéo À partir de 2012, Warner Bros. Animation a commencé à produire des épisodes spéciaux directement en vidéo dans le style des films produits simultanément pour les inclure sur les coffrets DVD de compilation Scooby-Doo, comprenant autrement des épisodes des séries Scooby précédentes. Ceux-ci incluent Scooby-Doo ! Spooky Games, inclus dans la version de juillet 2012 Scooby-Doo ! Laff-A-Lympics : Jeux effrayants, Scooby-Doo ! Vacances hantées, de la sortie d'octobre 2012 Scooby-Doo ! 13 contes effrayants : frissons et sensations fortes des fêtes, et Scooby-Doo ! et l'épouvantail effrayant et Scooby-Doo ! Mecha Mutt Menace, tiré du DVD de septembre 2013 Scooby-Doo ! 13 Contes effrayants : Courez pour votre 'Rife ! et Scooby-Doo ! 13 Contes effrayants : Robot Ruh-Roh !. Le 13 mai 2014, un autre épisode, Scooby-Doo ! Ghastly Goals est sorti sur Scooby-Doo ! 13 Contes effrayants : DVD du champ des cris. Le 5 mai 2015, Scooby-Doo ! et Beach Beastie, le sixième spécial directement en vidéo, est sorti sur Scooby-Doo ! 13 Contes effrayants : DVD Surf's Up Scooby-Doo. Casting *Scooby-Doo : Don Messick était la voix originale de Scooby-Doo de 1969 à 1997. Hadley Kay a interprété la voix de l'épisode de Johnny Bravo "Bravo Dooby Doo" en 1997. Scott Innes était la voix de Scooby-Doo de 1998 à 2001. Neil Fanning a exprimé Scooby-Doo dans les films théâtraux en direct de Warner Bros. produits en 2002 et 2004. Frank Welker est la voix actuelle de Scooby-Doo, ayant repris le rôle d'Innes en 2002, bien qu'Innes ait exprimé le personnage. dans les projets de jeux vidéo Scooby-Doo jusqu'en 2007. *Norville "Shaggy" Rogers : Casey Kasem était la voix originale de Shaggy de 1969 à 1997. Billy West a exprimé Shaggy dans le long métrage direct en vidéo de 1998 Scooby-Doo sur Zombie Island, tandis que Scott Innes a exprimé le personnage de 1999 à 2001. et il continuera à exprimer Shaggy dans les jeux vidéo jusqu'en 2009. Casey Kasem est revenu au rôle de voix en 2002 et a continué comme Shaggy jusqu'en 2009. En 2006, Kasem a continué à exprimer Shaggy sur

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L'euro est divisé en combien de centimes ?

100

L'euro (signe : € ; code : EUR) est la monnaie officielle de la zone euro, qui comprend 19 des États membres de l'Union européenne : Autriche, Belgique, Chypre, Estonie, Finlande, France, Allemagne, Grèce, Irlande, Italie, Lettonie, Lituanie, Luxembourg, Malte, Pays-Bas, Portugal, Slovaquie, Slovénie et Espagne. La monnaie est également utilisée officiellement par les institutions de l'Union européenne et de quatre autres pays européens, ainsi que de manière unilatérale par deux autres, et est donc utilisée quotidiennement par quelque 337 millions d'Européens. En dehors de l’Europe, un certain nombre de territoires d’outre-mer des membres de l’UE utilisent également l’euro comme monnaie. De plus, 210 millions de personnes dans le monde utilisent des devises liées à l'euro. L'euro est la deuxième monnaie de réserve et la deuxième monnaie la plus échangée au monde après le dollar américain. , avec plus de 995 000 000 000 € en circulation, l’euro possède la valeur combinée des billets et des pièces en circulation la plus élevée au monde, après avoir dépassé le dollar américain. : Total des devises EUR (pièces et billets) en circulation 771,5 (billets) + 21,032 (pièces) 792,53 milliards EUR * 1,48 (taux de change) 1 080 milliards de dollars USD Total des devises en dollars américains (pièces et billets) en circulation 859 milliards de dollars américains * * * * Selon les estimations du Fonds monétaire international concernant le PIB de 2008 et la parité de pouvoir d'achat entre les différentes monnaies, la zone euro est la deuxième économie mondiale. Le nom euro a été officiellement adopté le 16 décembre 1995. L'euro a été introduit sur les marchés financiers mondiaux comme monnaie de comptabilité le 1er janvier 1999, remplaçant l'ancienne unité monétaire européenne (ECU) selon un ratio de 1:1 (1,1743 USD). Les pièces et billets physiques en euros sont entrés en circulation le 1er janvier 2002, ce qui en fait la monnaie de fonctionnement quotidienne de ses membres d'origine et, en mai 2002, ils ont complètement remplacé les anciennes monnaies. Alors que l'euro est ensuite tombé à 0,8252 $ US en deux ans (le 26 octobre 2000), il s'échange au-dessus du dollar américain depuis la fin 2002, culminant à 1,6038 $ US le 18 juillet 2008. Depuis fin 2009, l'euro a été plongé dans la tendance. Crise de la dette souveraine européenne qui a conduit à la création du Fonds européen de stabilité financière ainsi qu'à d'autres réformes visant à stabiliser la monnaie. En juillet 2012, l'euro est tombé en dessous de 1,21 $ US pour la première fois en deux ans, suite aux inquiétudes suscitées par la dette grecque et les difficultés du secteur bancaire espagnol. , le taux de change euro-dollar s'élève à ~ 1,1137 $ US. Administration L'euro est géré et administré par la Banque centrale européenne (BCE) basée à Francfort et par l'Eurosystème (composé des banques centrales des pays de la zone euro). En tant que banque centrale indépendante, la BCE est seule habilitée à définir la politique monétaire. L'Eurosystème participe à l'impression, à la frappe et à la distribution des billets et des pièces dans tous les États membres, ainsi qu'au fonctionnement des systèmes de paiement de la zone euro. Le Traité de Maastricht de 1992 oblige la plupart des États membres de l’UE à adopter l’euro s’ils satisfont à certains critères de convergence monétaire et budgétaire, même si tous les États ne l’ont pas fait. Le Royaume-Uni et le Danemark ont ​​négocié des exemptions, tandis que la Suède (qui a rejoint l'UE en 1995, après la signature du Traité de Maastricht) a refusé l'euro lors d'un référendum en 2003 et a contourné l'obligation d'adopter l'euro en ne respectant pas les exigences monétaires et budgétaires. exigences. Tous les pays qui ont rejoint l'UE depuis 1993 se sont engagés à adopter l'euro le moment venu. Modalités d'émission des billets Depuis le 5 janvier 2002, les banques centrales nationales (BCN) et la BCE émettent conjointement des billets en euros. Les billets en euros n’indiquent pas quelle banque centrale les a émis. Les BCN de l'Eurosystème sont tenues d'accepter les billets en euros mis en circulation par d'autres membres de l'Eurosystème et ces billets ne sont pas rapatriés. La BCE émet 8 % de la valeur totale des billets émis par l'Eurosystème. En pratique, les billets de la BCE sont mis en circulation par les BCN, ce qui entraîne des obligations correspondantes à l'égard de la BCE. Ces passifs portent intérêts au taux principal de refinancement de la BCE. Les 92 % restants des billets en euros sont émis par les BCN proportionnellement à leurs parts respectives dans la clé de répartition du capital de la BCE, calculées à partir de la part nationale de la population de l'Union européenne et de la part nationale du PIB de l'Union européenne, équipondérées. Caractéristiques Pièces et billets L'euro est divisé en 100 centimes (parfois appelés centimes d'euro, notamment pour les distinguer des autres monnaies, et désignés ainsi sur la face commune de toutes les pièces en centimes). Dans les actes législatifs communautaires, les formes plurielles de l'euro et du cent sont orthographiées sans le s, malgré l'usage normal de l'anglais. Sinon, des pluriels anglais normaux sont parfois utilisés, avec de nombreuses variantes locales comme centime en France. Toutes les pièces en circulation ont une face commune indiquant la dénomination ou la valeur, et une carte en arrière-plan. En raison de la pluralité linguistique de l'Europe, la version latine de l'euro est utilisée (par opposition aux moins courants grecs ou cyrilliques) et des chiffres arabes (un autre texte est utilisé sur les faces nationales dans les langues nationales, mais un autre texte sur la face commune est utilisé). évité). Pour les coupures, à l'exception des pièces de 1, 2 et 5 centimes, la carte ne montre que les 15 États membres qui en étaient membres au moment de l'introduction de l'euro. Depuis 2007 ou 2008 (selon les pays), l'ancienne carte est remplacée par une carte de l'Europe montrant également des pays extérieurs à l'Union comme la Norvège. Les pièces de 1, 2 et 5 centimes conservent cependant leur ancien dessin, représentant une carte géographique de l'Europe avec les 15 États membres de 2002 surélevés légèrement au-dessus du reste de la carte. Toutes les faces communes ont été conçues par Luc Luycx. Les pièces ont également une face nationale montrant une image spécifiquement choisie par le pays qui a émis la pièce. Les pièces en euros de n’importe quel État membre peuvent être librement utilisées dans tout pays ayant adopté l’euro. Les pièces sont émises en coupures de 2 €, 1 €, 50c, 20c, 10c, 5c, 2c et 1c. Afin d'éviter l'utilisation des deux plus petites pièces, certaines transactions en espèces sont arrondies aux cinq cents les plus proches aux Pays-Bas et en Irlande (par accord volontaire) et en Finlande (par la loi). Cette pratique est découragée par la Commission, tout comme celle de certains magasins qui refusent d'accepter des billets en euros de grande valeur. Des pièces commémoratives d'une valeur nominale de 2 € ont été émises avec des modifications dans le dessin de la face nationale de la pièce. Il s'agit à la fois de pièces émises couramment, comme la pièce commémorative de 2 € pour le cinquantième anniversaire de la signature du Traité de Rome, et de pièces émises au niveau national, comme la pièce commémorative des Jeux olympiques d'été de 2004 émise par la Grèce. Ces pièces ont cours légal dans toute la zone euro. Des pièces de collection de diverses autres valeurs ont également été émises, mais elles ne sont pas destinées à une circulation générale et elles n'ont cours légal que dans l'État membre qui les a émises. Le dessin des billets en euros présente des motifs communs sur les deux faces. Le design a été créé par le designer autrichien Robert Kalina. Les billets sont émis en 500 €, 200 €, 100 €, 50 €, 20 €, 10 €, 5 €. Chaque billet a sa propre couleur et est dédié à une période artistique de l'architecture européenne. Le recto du billet présente des fenêtres ou des passerelles tandis que le verso présente des ponts, symbolisant les liens entre les pays et avec l'avenir. Alors que les conceptions sont censées être dépourvues de toute caractéristique identifiable, les conceptions initiales de Robert Kalina concernaient des ponts spécifiques, dont le Rialto et le Pont de Neuilly, et ont ensuite été rendues plus génériques ; les conceptions finales présentent encore des similitudes très étroites avec leurs prototypes spécifiques ; ils ne sont donc pas vraiment génériques. Les monuments ressemblaient suffisamment à différents monuments nationaux pour plaire à tout le monde. Compensation des paiements, transfert électronique de fonds Les capitaux au sein de l’UE peuvent être transférés de n’importe quel montant d’un pays à un autre. Tous les transferts intra-UE en euros sont traités comme des transactions nationales et supportent les frais de transfert nationaux correspondants. Cela inclut tous les États membres de l’UE, même ceux qui ne font pas partie de la zone euro, à condition que les transactions soient effectuées en euros. Les prélèvements par carte de crédit/débit et les retraits aux distributeurs automatiques au sein de la zone euro sont également traités comme des transactions nationales ; cependant, les ordres de paiement sur papier, comme les chèques, n’ont pas été standardisés et sont donc toujours émis en interne. La BCE a également mis en place un système de compensation, TARGET, pour les grandes transactions en euros. Signe de devise Un signe spécial de l'euro (€) a été conçu après qu'une enquête publique ait réduit les dix propositions initiales à deux. La Commission européenne a alors choisi le design créé par le Belge Alain Billiet. La Commission européenne a également spécifié un logo de l'euro avec des proportions exactes et des tons de couleur de premier plan et d'arrière-plan. Alors que la Commission souhaitait que le logo soit une forme de glyphe prescrite, les concepteurs de polices ont clairement indiqué qu'ils avaient plutôt l'intention de concevoir leurs propres variantes. Les machines à écrire dépourvues du signe euro peuvent le créer en tapant un « C » majuscule, en le faisant reculer et en le frappant avec le signe égal ('='). L'emplacement du signe monétaire par rapport au montant numérique varie d'un pays à l'autre, mais pour les textes en anglais, le symbole (ou la norme ISO « EUR ») doit précéder le montant. Il n'y a pas de symbole officiel pour le centime. Histoire Introduction L'euro a été créé par les dispositions du traité de Maastricht de 1992. Pour participer à la monnaie, les États membres sont censés répondre à des critères stricts, tels qu'un déficit budgétaire inférieur à trois pour cent de leur PIB, un taux d'endettement inférieur à soixante pour cent du PIB (tous deux ayant finalement été largement bafoués après l'introduction) , une faible inflation et des taux d’intérêt proches de la moyenne de l’UE. Dans le traité de Maastricht, le Royaume-Uni et le Danemark ont ​​obtenu, à leur demande, des exemptions pour passer à l'étape de l'union monétaire qui aboutirait à l'introduction de l'euro. Parmi les économistes qui ont contribué à la création ou contribué à la création de l'euro figurent Fred Arditti, Neil Dowling, Wim Duisenberg, Robert Mundell, Tommaso Padoa-Schioppa et Robert Tollison. (Pour la théorie macroéconomique, voir ci-dessous.) Le nom « euro » a été officiellement adopté à Madrid le 16 décembre 1995. On attribue à l'espérantiste belge Germain Pirlot, ancien professeur de français et d'histoire, le nom de la nouvelle monnaie en envoyant une lettre au président de la Commission européenne de l'époque, Jacques Santer, suggérant le nom « euro » le 4 août 1995. En raison des différences dans les conventions nationales en matière d'arrondi et de chiffres significatifs, toutes les conversions entre les monnaies nationales ont dû être effectuées selon le processus de triangulation via l'euro. Les valeurs définitives d'un euro en fonction des taux de change auxquels la monnaie est entrée dans l'euro sont indiquées à droite. Les taux ont été déterminés par le Conseil de l'Union européenne, par le biais du règlement du Conseil 2866/98 (CE) du 31 décembre 1998, sur la base d'une recommandation de la Commission européenne basée sur les taux du marché au 31 décembre 1998. Ils ont été fixés de manière à qu'une unité monétaire européenne (ECU) équivaudrait à un euro. L'unité monétaire européenne était une unité comptable utilisée par l'UE, basée sur les monnaies des États membres ; ce n’était pas une monnaie à part entière. Ils n'ont pas pu être fixés plus tôt, car l'ECU dépendait du taux de change de clôture des monnaies autres que l'euro (principalement la livre sterling) ce jour-là. La procédure utilisée pour fixer le taux de conversion entre la drachme grecque et l'euro était différente, puisque l'euro avait alors déjà deux ans. Alors que les taux de conversion des onze monnaies initiales ont été déterminés quelques heures seulement avant l'introduction de l'euro, le taux de conversion de la drachme grecque a été fixé plusieurs mois à l'avance. par le règlement 1478/2000 (CE) du Conseil du 19 juin 2000. La monnaie a été introduite sous une forme non physique (chèques de voyage, virements électroniques, opérations bancaires, etc.) le 1er janvier 1999 à minuit, lorsque les monnaies nationales des pays participants (la zone euro) ont cessé d'exister de manière indépendante. Leurs taux de change étaient bloqués à taux fixes les uns par rapport aux autres. L'euro est ainsi devenu le successeur de l'unité monétaire européenne (ECU). Les billets et pièces des anciennes monnaies ont cependant continué à avoir cours légal jusqu'à l'introduction de nouveaux billets et pièces en euros le 1er janvier 2002. La période de transition au cours de laquelle les billets et pièces des anciennes monnaies ont été échangés contre ceux de l'euro a duré environ deux mois, jusqu'au 28 février 2002. La date officielle à laquelle les monnaies nationales ont cessé d'avoir cours légal variait d'un État membre à l'autre. La première date a eu lieu en Allemagne, où la marque a officiellement cessé d'avoir cours légal le 31 décembre 2001, bien que la période d'échange ait duré encore deux mois. Même après que les anciennes monnaies ont cessé d'avoir cours légal, elles ont continué à être acceptées par les banques centrales nationales pendant des périodes allant de plusieurs années à une durée indéterminée (ces dernières en Autriche, en Allemagne, en Irlande, en Estonie et en Lettonie pour les billets et les pièces ; ainsi qu'en Belgique, Le Luxembourg, la Slovénie et la Slovaquie accepteront pour toujours les billets de banque, mais pas les pièces de monnaie). Les premières pièces non convertibles ont été les escudos portugais, qui ont cessé d'avoir une valeur monétaire après le 31 décembre 2002, bien que les billets restent échangeables jusqu'en 2022. Crise de la zone euro À la suite de la crise financière américaine de 2008, les craintes d'une crise de la dette souveraine se sont développées en 2009 parmi les investisseurs budgétairement conservateurs concernant certains États européens, la situation étant devenue particulièrement tendue début 2010. Cela comprenait la Grèce, l'Irlande et le Portugal, membres de la zone euro, ainsi que certains pays de l'UE. en dehors de la zone. L'Islande, pays qui a connu la plus grande crise en 2008 avec l'effondrement de l'ensemble de son système bancaire international, est sortie moins touchée par la crise de la dette souveraine, le gouvernement étant incapable de renflouer les banques. Dans l’UE, en particulier dans les pays où les dettes souveraines ont fortement augmenté en raison du sauvetage des banques, une crise de confiance est apparue avec l’élargissement des écarts de rendement obligataire et l’assurance des risques sur les swaps sur défaut de crédit entre ces pays et d’autres membres de l’UE, en particulier l’Allemagne. Pour faire partie de la zone euro, les pays devaient remplir certains critères de convergence, mais la signification de ces critères était diminuée par le fait qu'ils n'étaient pas appliqués avec le même degré de rigueur d'un pays à l'autre. Selon l'Economist Intelligence Unit en 2011, « si la [zone euro] est traitée comme une entité unique, sa situation [économique et budgétaire] ne semble pas pire et, à certains égards, plutôt meilleure que celle des États-Unis ou des États-Unis. Royaume-Uni » et le déficit budgétaire de la zone euro dans son ensemble est bien inférieur et le ratio dette publique/PIB de la zone euro de 86 % en 2010 était à peu près le même niveau que celui des États-Unis. "En outre", écrivent-ils, "l'endettement du secteur privé dans l'ensemble de la zone euro est nettement inférieur à celui des économies anglo-saxonnes fortement endettées". Les auteurs concluent que la crise « est autant politique qu'économique » et résulte du fait que la zone euro manque du soutien « de l'attirail institutionnel (et des liens de solidarité mutuelle) d'un État ». La crise s'est poursuivie avec la dégradation par S&P de la note de neuf pays de la zone euro, dont la France, puis de l'ensemble du fonds du Fonds européen de stabilité financière (FESF). En mai 2012, le socialiste François Hollande a été élu président de la France et, un mois plus tard, la position législative socialiste française a été renforcée, tandis que la dirigeante allemande Angela Merkel « semble en difficulté et a été gravement déçue par ses conseillers ces derniers mois », selon un dit le commentateur. Ainsi, « de graves discordes entre les décideurs monétaires français et allemands étaient [comparables à celles de]… 1992-1993, au plus fort de la crise du système monétaire européen, précurseur de l’UEM » (Union monétaire européenne) . « [L]es signes jusqu'ici relativement latents d'un euroscepticisme dans l'opinion publique allemande et dans l'ensemble de l'industrie se sont multipliés ces derniers mois, rendant les propositions de Hollande de plus en plus désagréables pour une large partie de l'opinion allemande. Même si une controverse considérable continuera de tourbillonner sur la Grèce et l'Espagne, les véritables lignes de bataille sur l'avenir de l'euro seront tracées entre l'Allemagne et la France", conclut le commentaire. Un autre parallèle historique – celui de 1931, lorsque l’Allemagne était accablée par la dette, le chômage et l’austérité alors que la France et les États-Unis étaient des créanciers relativement importants – a retenu l’attention à l’été 2012, alors même que l’Allemagne recevait elle-même un avertissement concernant sa dette. Utilisation directe et indirecte Utilisation directe L'euro est la monnaie unique de 19 États membres de l'UE : Allemagne, Autriche, Belgique, Chypre, Estonie, Finlande, France, Grèce, Irlande, Italie, Lettonie, Lituanie, Luxembourg, Malte, Pays-Bas, Portugal, Slovaquie, Slovénie et Espagne. Ces pays constituent la « zone euro », soit quelque 332 millions d'habitants au total. Avec tous les membres restants de l’UE, sauf deux, obligés d’y adhérer, ainsi que les futurs membres de l’UE, l’élargissement de la zone euro devrait se poursuivre. En dehors de l'UE, l'euro est également la monnaie unique du Monténégro et du Kosovo et de plusieurs micro-États européens (Andorre, Monaco, Saint-Marin et Cité du Vatican) ainsi que dans quatre territoires d'outre-mer de membres de l'UE qui ne font pas eux-mêmes partie de l'UE ( Saint Barthélemy, Saint Pierre et Miquelon, Terres australes et antarctiques françaises et Akrotiri et Dhekelia). Au total, cette utilisation directe de l’euro en dehors de l’UE touche près de 3 millions de personnes. L'euro est utilisé comme monnaie commerciale à Cuba depuis 1998 et en Syrie depuis 2006. Il existe également diverses devises liées à l'euro (voir ci-dessous). En 2009, le Zimbabwe a abandonné sa monnaie locale et a utilisé à la place les principales monnaies, notamment l'euro et le dollar américain. Utiliser comme monnaie de réserve Depuis son introduction, l’euro est la deuxième monnaie de réserve internationale la plus largement détenue après le dollar américain. La part de l'euro comme monnaie de réserve est passée de 18 % en 1999 à 27 % en 2008. Au cours de cette période, la part du dollar américain a chuté de 71 % à 64 % et celle du yen de 6,4 % à 3,3 %. L’euro a hérité et s’est construit sur le statut du Deutsche Mark en tant que deuxième monnaie de réserve. L'euro reste sous-pondéré en tant que monnaie de réserve dans les économies avancées, tandis qu'il est surpondéré dans les économies émergentes et en développement : selon le Fonds monétaire international, le total des euros détenus comme monnaie de réserve dans le monde à la fin 2008 était égal à 1 1 000 milliards de dollars, soit 850 milliards d'euros. , avec une part de 22 % de toutes les réserves de change dans les économies avancées, mais un total de 31 % de toutes les réserves de change dans les économies émergentes et en développement. La possibilité que l’euro devienne la première monnaie de réserve internationale fait désormais l’objet de nombreux débats parmi les économistes. L'ancien président de la Réserve fédérale américaine, Alan Greenspan, a déclaré en septembre 2007 qu'il était « tout à fait concevable que l'euro remplace le dollar américain comme monnaie de réserve, ou soit négocié comme monnaie de réserve tout aussi importante ». Contrairement à l'évaluation de Greenspan de 2007, l'augmentation de la part de l'euro dans le panier de réserves de change mondial a considérablement ralenti depuis 2007 et depuis le début de la récession mondiale liée au resserrement du crédit et à la crise de la dette souveraine européenne. Devises rattachées à l'euro En dehors de la zone euro, au total 22 pays et territoires n'appartenant pas à l'UE ont des monnaies directement rattachées à l'euro, dont 13 pays d'Afrique continentale (franc CFA), deux pays insulaires africains (franc comorien et escudo capverdien). , trois territoires français du Pacifique (franc CFP) et trois pays des Balkans, la Bosnie-Herzégovine (mark convertible de Bosnie-Herzégovine), la Bulgarie (lev bulgare) et la Macédoine (denar macédonien). Le 28 juillet 2009, São Tomé et Príncipe ont signé un accord avec le Portugal qui liera à terme sa monnaie à l'euro. De plus, le dirham marocain est lié à un panier de devises, dont l'euro et le dollar américain, l'euro ayant la pondération la plus élevée. À l'exception de la Bosnie, de la Bulgarie, de la Macédoine (qui avaient arrimé leur monnaie au Deutsche Mark) et du Cap-Vert (anciennement arrimé à l'escudo portugais), tous ces pays tiers avaient une monnaie arrimée au franc français avant d'arrimer leur monnaie. devises vers l’euro. Le rattachement de la monnaie d'un pays à une monnaie majeure est considéré comme une mesure de sécurité, en particulier pour les monnaies des zones à économie faible, car l'euro est considéré comme une monnaie stable, empêche une inflation galopante et encourage les investissements étrangers en raison de sa stabilité. Au sein de l’UE, plusieurs monnaies sont rattachées à l’euro, dans la plupart des cas comme condition préalable à l’adhésion à la zone euro. Le lev bulgare était autrefois rattaché au Deutsche Mark ; un autre État membre de l’UE a un arrimage direct grâce au MCE II : la couronne danoise. Au total, 182 millions de personnes en Afrique utilisent une monnaie liée à l'euro, 27 millions de personnes en dehors de la zone euro en Europe et 545 000 autres personnes dans les îles du Pacifique. Depuis 2005, les timbres émis par l'Ordre Souverain Militaire de Malte sont libellés en euros, bien que la monnaie officielle de l'Ordre reste le scudo maltais.http://www.orderofmalta.int/catalogue/stamps/35675/associate-countries/?lang fr Récupéré le 3 octobre 2011. Le scudo maltais lui-même est rattaché à l'euro et n'est reconnu comme monnaie légale qu'au sein de l'Ordre. Économie Zone monétaire optimale En économie, une zone monétaire optimale, ou région (OCA ou OCR), est une région géographique dans laquelle il serait possible de maximiser l'efficacité économique si l'ensemble de la région partageait une monnaie unique. Il existe deux modèles, tous deux proposés par Robert Mundell : le modèle des attentes stationnaires et le modèle international de partage des risques. Mundell lui-même prône le modèle international de partage des risques et conclut ainsi en faveur de l'euro. Cependant, même avant la création de la monnaie unique, la divergence des économies suscitait des inquiétudes. Avant la récession de la fin des années 2000, les chances qu’un État quitte l’euro, ou que l’ensemble de la zone euro s’effondre, étaient considérées comme extrêmement minces. Cependant, la crise de la dette publique grecque a conduit l'ancien ministre britannique des Affaires étrangères, Jack Straw, à affirmer que la zone euro ne pourrait pas durer sous sa forme actuelle. Une partie du problème semble provenir des règles qui ont été créées lors de la création de l’euro. John Lanchester, écrivant pour The New Yorker, l'explique ainsi : Le principe directeur de la monnaie, introduite en 1999, était censé être un ensemble de règles visant à limiter le déficit annuel d'un pays à trois pour cent du produit intérieur brut et la dette totale accumulée à soixante pour cent du PIB. C'était une bonne idée, mais en 2004, les deux plus grandes économies de la zone euro, l'Allemagne et la France, avaient enfreint les règles pendant trois années consécutives. Coûts et risques des transactions L’avantage le plus évident de l’adoption d’une monnaie unique est de supprimer les coûts de change, ce qui permet théoriquement aux entreprises et aux particuliers de réaliser des transactions auparavant non rentables. Pour les consommateurs, les banques de la zone euro doivent facturer les mêmes frais pour les transactions transfrontalières intra-membres que pour les transactions purement nationales de paiements électroniques (par exemple, cartes de crédit, cartes de débit et retraits aux distributeurs automatiques). L’absence de monnaies distinctes élimine également en théorie les risques de change, même si l’imposition de restrictions de transfert lors de la crise financière chypriote de 2012-2013 signifie que la situation n’est pas aussi simple. Le risque de mouvement imprévu des taux de change a toujours ajouté un risque ou une incertitude supplémentaire pour les entreprises ou les particuliers qui investissent ou négocient en dehors de leur propre zone monétaire. Les entreprises qui se couvrent contre ce risque n’auront plus à supporter ce coût supplémentaire. Ceci est particulièrement important pour les pays dont les monnaies ont traditionnellement beaucoup fluctué, notamment les pays méditerranéens. Les marchés financiers du continent devraient être bien plus liquides et flexibles que par le passé. La réduction des coûts des transactions transfrontalières permettra aux grandes sociétés bancaires de proposer une gamme plus large de services bancaires, capables de rivaliser au sein de la zone euro et au-delà. Cependant, même si les coûts de transaction ont diminué, certaines études ont montré que l'aversion au risque a augmenté au cours des 40 dernières années dans la zone euro. Parité des prix Un autre effet de la monnaie européenne commune est que les différences de prix, en particulier de niveaux de prix, devraient diminuer en raison de la loi du prix unique. Les différences de prix peuvent déclencher un arbitrage, c’est-à-dire un commerce spéculatif d’un produit à travers les frontières dans le seul but d’exploiter l’écart de prix. Par conséquent, les prix des biens couramment échangés vont probablement converger, provoquant une inflation dans certaines régions et une déflation dans d’autres pendant la transition. Certaines preuves de ce phénomène ont été observées sur certains marchés spécifiques de la zone euro. Stabilité macroéconomique De faibles niveaux d’inflation sont la marque d’économies stables et modernes. Parce qu’un niveau élevé d’inflation agit comme un impôt (seigniorage) et décourage théoriquement l’investissement, il est généralement considéré comme indésirable. Malgré ces inconvénients, de nombreux pays n’ont pas été en mesure ou n’ont pas voulu faire face à de graves pressions inflationnistes. Certains pays ont réussi à les contenir en créant des banques centrales largement indépendantes. L’une de ces banques était la Bundesbank en Allemagne ; Comme la Banque centrale européenne est calquée sur la Bundesbank, elle est indépendante des pressions des gouvernements nationaux et a pour mandat de maintenir l’inflation à un niveau bas. Les pays membres qui rejoignent l’euro espèrent bénéficier de la stabilité macroéconomique associée à de faibles niveaux d’inflation. La BCE (contrairement à la Réserve fédérale des États-Unis) n’a pas pour deuxième objectif de soutenir la croissance et l’emploi. De nombreuses obligations nationales et d’entreprises libellées en euros sont nettement plus liquides et comportent des taux d’intérêt plus bas que ce n’était historiquement le cas lorsqu’elles étaient libellées en monnaies nationales. Même si une liquidité accrue peut faire baisser le taux d’intérêt nominal de l’obligation, la dénomination de l’obligation dans une monnaie avec de faibles niveaux d’inflation joue sans doute un rôle beaucoup plus important. Un engagement crédible en faveur de faibles niveaux d’inflation et d’une dette stable réduit le risque que la valeur de la dette soit érodée par des niveaux d’inflation plus élevés ou un défaut de paiement à l’avenir, permettant ainsi d’émettre la dette à un taux d’intérêt nominal inférieur. Malheureusement, il y a aussi un coût à maintenir structurellement l’inflation à un niveau inférieur à celui des États-Unis, du Royaume-Uni et de la Chine. Le résultat est que, vu de ces pays, l’euro est devenu cher, rendant les produits européens de plus en plus chers pour ses plus gros importateurs. Les exportations depuis la zone euro deviennent donc plus difficiles. C’est l’une des principales raisons pour lesquelles la croissance économique au sein de la zone euro est désormais à la traîne par rapport à celle des autres grandes économies. Cet effet est plus fort dans les pays européens dont l’économie est faible. En général, les Européens qui possèdent de grandes sommes d’euros bénéficient d’une grande stabilité et d’une faible inflation. Ceux qui ont désormais besoin de gagner des euros, y compris les pays qui doivent payer des intérêts sur des dettes importantes, seront probablement mieux servis par un euro légèrement moins fort, ce qui entraînera davantage d’exportations. Car avec un euro plus faible, les investisseurs verraient de meilleures chances pour les (entreprises) des pays du sud de l’Europe de sortir de la crise par croissance. En conséquence, investir dans ces pays deviendrait moins risqué, ce qui rapprocherait les taux d’intérêt des pays du Sud de la moyenne européenne. La contradiction ici est qu’une stabilité macroéconomique élevée sous la forme d’une inflation historiquement basse au fil du temps conduit à des problèmes économiques, créant des taux d’intérêt plus élevés et une instabilité politique et économique pour les partenaires les plus faibles. Commerce Un consensus de 2009 issu des études sur l'introduction de l'euro a conclu que celui-ci a augmenté les échanges commerciaux au sein de la zone euro de 5 à 10 %, bien qu'une étude suggère une augmentation de seulement 3 % tandis qu'une autre l'estimait entre 9 et 14 %. Cependant, une méta-analyse de toutes les études disponibles suggère que la prévalence des estimations positives est due à un biais de publication et que l'effet sous-jacent pourrait être négligeable. En outre, les études prenant en compte les tendances temporelles reflétant les politiques générales de cohésion en Europe qui ont commencé avant et se poursuivent après la mise en œuvre de la monnaie commune ne constatent aucun effet sur le commerce. Ces résultats suggèrent que d’autres politiques visant l’intégration européenne pourraient être à l’origine de l’augmentation observée des échanges commerciaux. Investissement L'investissement physique semble avoir augmenté de 5% dans la zone euro en raison de l'introduction. Concernant les investissements directs étrangers, une étude a révélé que les stocks d'IDE intra-zone euro ont augmenté d'environ 20 % au cours des quatre premières années de l'UEM. Concernant l'effet sur l'investissement des entreprises, il est prouvé que l'introduction de l'euro a entraîné une augmentation des taux d'investissement et qu'elle a facilité l'accès des entreprises au financement en Europe. L’euro a particulièrement stimulé les investissements dans des entreprises originaires de pays dont la monnaie était auparavant faible. Une étude a révélé que l'introduction de l'euro représente 22 % du taux d'investissement après 1998 dans les pays dont la monnaie était auparavant faible. Inflation L'introduction de l'euro a donné lieu à de nombreux débats sur son effet possible sur l'inflation. À court terme, la population de la zone euro avait l’impression largement répandue que l’introduction de l’euro avait entraîné une hausse des prix, mais cette impression n’a pas été confirmée par les indices généraux d’inflation et d’autres études. Une étude de ce paradoxe a montré que cela était dû à un effet asymétrique de l'introduction de l'euro sur les prix : s'il n'avait aucun effet sur la plupart des biens, il avait un effet sur les biens bon marché qui ont vu leur prix arrondir après l'introduction de l'euro. l'euro. L'étude a révélé que les consommateurs fondaient leurs convictions sur l'inflation des produits bon marché fréquemment achetés. Il a également été suggéré que la hausse des petits prix pourrait être due au fait qu'avant l'introduction de l'euro, les détaillants effectuaient moins d'ajustements à la hausse et attendaient l'introduction de l'euro pour le faire. Risque de change L’un des avantages de l’adoption d’une monnaie commune est la réduction du risque associé aux variations des taux de change. Il a été constaté que l'introduction de l'euro a entraîné « des réductions significatives de l'exposition au risque de marché pour les entreprises non financières tant en Europe qu'en dehors ». Ces réductions du risque de marché « étaient concentrées dans les entreprises domiciliées dans la zone euro et dans les entreprises non-européennes ayant une part élevée de ventes à l'étranger ou d'actifs en Europe ». Intégration financière L'introduction de l'euro semble avoir eu un impact important sur l'intégration financière européenne. Selon une étude sur cette question, elle a « considérablement remodelé le système financier européen, notamment en ce qui concerne les marchés de valeurs mobilières [...] Cependant, les obstacles réels et politiques à l'intégration dans les secteurs de la banque de détail et des entreprises restent importants, même si le secteur bancaire de gros avait été largement intégré." Plus précisément, l’euro a considérablement réduit le coût des échanges d’obligations, d’actions et d’actifs bancaires au sein de la zone euro. Au niveau mondial, il est évident que l’introduction de l’euro a conduit à une intégration en termes d’investissement dans les portefeuilles obligataires, les pays de la zone euro prêtant et empruntant davantage entre eux qu’avec les autres pays. Effet sur les taux d'intérêt Depuis janvier 2014 et depuis l’introduction de l’euro, les taux d’intérêt de la plupart des pays membres (en particulier ceux dont la monnaie est faible) ont diminué. Les pays dont les taux d’intérêt ont le plus baissé suite à l’adoption de l’euro sont la Grèce, l’Irlande, le Portugal, l’Espagne et l’Italie. Ces mêmes pays ont connu les plus graves problèmes de financement souverain. L'effet de la baisse des taux d'intérêt, combiné à l'excès de liquidité fourni en permanence par la BCE, a permis aux banques des pays dans lesquels les taux d'intérêt ont le plus baissé, ainsi qu'à leurs souverains liés, d'emprunter des montants importants (supérieurs aux 3 % du budget du PIB). déficit initialement imposé à la zone euro) et gonflent significativement leurs niveaux d'endettement public et privé. À la suite de la crise financière de la fin des années 2000, les gouvernements de ces pays ont jugé nécessaire de renflouer ou de nationaliser leurs banques privées pour éviter une défaillance systémique du système bancaire lorsque la valeur sous-jacente des actifs matériels ou financiers s'est avérée grossièrement gonflée et parfois si proche de sans valeur. il n'y avait pas de marché liquide

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Dans l’alphabet phonétique de l’OTAN, quel mot représente la lettre « C » ?

Charlie

L'alphabet orthographique radiotéléphonique international, communément appelé alphabet phonétique de l'OTAN et également connu sous le nom d'alphabet radiotéléphonique, phonétique ou orthographique de l'OACI et d'alphabet radiotéléphonique ou phonétique de l'UIT, est l'alphabet orthographique radiotéléphonique le plus largement utilisé. Bien que souvent appelés « alphabets phonétiques », les alphabets orthographiques ne sont pas associés aux systèmes de transcription phonétique tels que l'alphabet phonétique international. Au lieu de cela, l'alphabet de l'Organisation de l'aviation civile internationale (OACI) a attribué des mots de passe de manière acrophonique aux lettres de l'alphabet anglais, de sorte que les combinaisons critiques de lettres et de chiffres puissent être prononcées et comprises par ceux qui échangent des messages vocaux par radio ou par téléphone, quelles que soient les barrières linguistiques ou la qualité du canal de communication. Les 26 mots de code de l'alphabet phonétique OTAN sont attribués aux 26 lettres de l'alphabet anglais par ordre alphabétique comme suit : Alfa, Bravo, Charlie, Delta, Echo, Foxtrot, Golf, Hotel, India, Juliett, Kilo, Lima, Mike. , novembre, Oscar, Papa, Québec, Roméo, Sierra, Tango, Uniforme, Victor, Whiskey, X-ray, Yankee, Zulu. Adoption internationale Après que l'alphabet phonétique ait été développé par l'Organisation de l'aviation civile internationale (OACI) (voir historique ci-dessous), il a été adopté par de nombreuses autres organisations internationales et nationales, notamment l'Organisation du Traité de l'Atlantique Nord (OTAN), l'Union internationale des télécommunications (UIT), l'Union internationale des télécommunications (UIT). L'Organisation maritime internationale (OMI), la Federal Aviation Administration (FAA) américaine, l'Alliance for Telecommunications Industry Solutions (ATIS) et l'Union internationale des radioamateurs (IARU). Il s'agit d'un sous-ensemble du Code international de signaux (INTERCO), beaucoup plus ancien, qui comprenait à l'origine des signaux visuels par des drapeaux ou des feux clignotants, des signaux sonores par un sifflet, une sirène, une corne de brume ou une cloche, ainsi que des codes à une, deux ou trois lettres. pour de nombreuses phrases. Les mêmes mots de code alphabétiques sont utilisés par toutes les agences, mais chaque agence choisit l'un des deux ensembles différents de mots de code numériques. L'OTAN utilise les mots numériques anglais habituels (Zero, One, avec quelques prononciations alternatives), tandis que l'OMI prévoit des mots numériques composés (Nadazero, Unaone, Bissotwo...). Dans la pratique, ceux-ci sont très rarement utilisés, car ils entraînent fréquemment des confusions entre les locuteurs de langues différentes. OTAN Un nom commun pour cet alphabet orthographique, « alphabet phonétique de l'OTAN », existe car il apparaît dans la publication tactique alliée ATP-1, volume II : Allied Maritime Signal and Maneuvering Book utilisée par toutes les marines alliées de l'OTAN, qui a adopté une forme modifiée de l'alphabet orthographique. Code international des signaux. Parce que ce dernier permet d'épeler les messages via des drapeaux ou du code Morse, il a naturellement nommé les mots de code utilisés pour épeler les messages par la voix son « alphabet phonétique ». Le nom d'alphabet phonétique de l'OTAN s'est répandu parce que les signaux utilisés pour faciliter les communications navales et les tactiques de l'OTAN sont devenus mondiaux. Cependant, l'ATP-1 porte la mention OTAN Confidentiel (ou le niveau inférieur OTAN Restreint), il n'est donc pas accessible au public. Néanmoins, une version OTAN non classifiée du document est fournie aux armées étrangères, même hostiles, même si elles ne sont pas autorisées à la rendre publique. L'alphabet orthographique est désormais également défini dans d'autres documents militaires internationaux non classifiés. L'alphabet de l'OTAN est apparu dans certaines publications de l'US Air Force Europe pendant la guerre froide. Un exemple particulier est l'annuaire téléphonique de la base aérienne de Ramstein, publié entre 1969 et 1973 (actuellement épuisé). Les versions américaine et OTAN présentaient des différences et la traduction a été fournie à titre de commodité. Les différences incluaient Alfa, Bravo et Able, Baker pour les deux premières lettres. Histoire L'OACI a développé ce système dans les années 1950 afin de tenir compte des divergences qui pourraient survenir dans les communications en raison de la coexistence de plusieurs systèmes de dénomination alphabétiques dans différents lieux et organisations. Dans la version officielle de l'alphabet, les orthographes non anglaises Alfa et Juliett sont utilisées. Alfa s'écrit avec un f comme c'est le cas dans la plupart des langues européennes, car l'orthographe anglaise et française alpha ne serait pas prononcée correctement par les locuteurs natifs de certaines autres langues – qui ne savent peut-être pas que ph doit être prononcé comme f. Juliett s'écrit avec un tt pour les francophones, car ils pourraient autrement traiter un seul t final comme muet. Dans certaines versions anglaises de l’alphabet, l’un ou les deux peuvent avoir leur orthographe anglaise standard. Mots de code Le choix final des mots de code pour les lettres de l'alphabet et pour les chiffres a été effectué après des centaines de milliers de tests de compréhension impliquant 31 nationalités. La caractéristique qualificative était la probabilité qu'un mot de code soit compris dans le contexte des autres. Par exemple, le football a plus de chances d’être compris que le foxtrot isolé, mais le foxtrot est supérieur en communication étendue. La prononciation des mots de code varie selon les habitudes linguistiques du locuteur. Pour éliminer les grandes variations de prononciation, des enregistrements et des affiches illustrant la prononciation souhaitée par l'OACI sont disponibles. Cependant, il existe encore des différences de prononciation entre l'OACI et d'autres agences, et l'OACI a des transcriptions contradictoires en alphabet romain et IPA. De plus, bien que tous les codes des lettres de l’alphabet soient des mots anglais, ils ne sont généralement pas prononcés en anglais. En supposant que les transcriptions ne sont pas censées être précises, seuls 11 des 26 (Bravo, Echo, Hotel, Juliet(t), Kilo, Mike, Papa, Quebec, Romeo, Whiskey et Zulu) reçoivent des prononciations anglaises de la part de tous ces transcriptions. agences, mais pas toujours les mêmes prononciations anglaises. Des lettres Chiffres Prononciation Les prononciations sont quelque peu incertaines car les agences, tout en utilisant ostensiblement les mêmes prononciations, donnent des transcriptions différentes, souvent incohérentes d'une lettre à l'autre. L'OACI donne des prononciations différentes en transcription IPA qu'en réorthographe, et la FAA donne également des prononciations différentes selon la publication consultée, le FAA Aeronautical Information Manual (§ 4-2-7), le FAA Flight Services manual (§ 14.1.5) , ou le manuel ATC (§ 2-4-16). ATIS donne l'orthographe anglaise, mais ne donne pas de prononciations ni de chiffres. L'OACI, l'OTAN et la FAA utilisent des modifications de chiffres anglais, avec un accent sur une syllabe, tandis que l'ITU et l'OMI composent des chiffres pseudo-latins avec un ensemble légèrement différent de chiffres anglais modifiés et avec un accent sur chaque syllabe. Les nombres 10 à 99 sont épelés (c'est-à-dire que 17 est « 1 à 7 » et 60 est « 6 à 0 »), tandis que pour les centaines et les milliers, les mots anglais cent et mille sont utilisés. Organisation de l'aviation civile internationale, Télécommunications aéronautiques : Annexe 10 à la Convention relative à l'aviation civile internationale, volume II (cinquième édition, 1995), chapitre 5, 38-40. La prononciation des chiffres 3, 4, 5 et 9 diffère de l'anglais standard : ils sont prononcés tree, fower, fife et niner. Le chiffre 3 est spécifié comme arbre afin qu'il ne se prononce pas sri ; la longue prononciation de 4 (que l'on trouve encore dans certains dialectes anglais) le distingue quelque peu de for ; 5 se prononce avec un deuxième « f » car la prononciation normale avec un « v » se confond facilement avec « fire » (un ordre de tirer) ; et 9 a une syllabe supplémentaire pour le distinguer du « non » allemand nein. Seule l'OACI prescrit la prononciation avec l'IPA, et encore uniquement pour les lettres. Plusieurs des prononciations indiquées sont légèrement modifiées par rapport à leurs prononciations anglaises normales :, en partie à cause de la substitution du schwas final par la voyelle ah ; de plus, la distinction voulue entre les voyelles courtes et les voyelles longues est obscure et a été ignorée dans la transcription consolidée ci-dessus. L'IPA et les prononciations réécrites ont été développées par l'OACI avant 1956 avec les conseils des gouvernements des États-Unis et du Royaume-Uni, L.J. Rose, « L'ABC de l'aviation : le développement de l'alphabet orthographique de l'OACI », Bulletin de l'OACI 11/2 (1956) 12-14. ainsi, les prononciations de l'anglais général américain et de la prononciation britannique reçue sont évidentes, en particulier dans les accents rhotiques et non rhotiques. La version réécrite est généralement au moins cohérente avec un accent rhotique ('r' prononcé), comme dans , , , , et , tandis que la version IPA spécifie généralement un accent non rhotique ('r' prononcé uniquement avant une voyelle), comme dans et. Les exceptions sont , et. La forme IPA de Golf implique qu'il est prononcé Gulf, ce qui n'est ni l'anglais général américain ni la prononciation britannique reçue. Différentes agences attribuent différents modèles de stress à Bravo, Hotel, Juliett, November, Papa, X-ray ; l'OACI a des accents différents pour Bravo, Juliett, X-ray dans ses transcriptions réécrites et IPA. La voyelle médiane du dos transcrite dans Oscar et Foxtrot est en fait une voyelle grave à la fois dans le Reçu britannique et dans le Général américain, et a été interprétée comme telle ci-dessus. De plus, la prononciation prescrite pour « whisky » n'a pas d'initiale [h], bien que certains locuteurs du General American et du RP prononcent ici un h, et une initiale [h] est catégorique en Écosse et en Irlande. Alphabets antérieurs Le premier alphabet orthographique internationalement reconnu a été adopté par l'UIT en 1927. L'expérience acquise avec cet alphabet a abouti à plusieurs modifications apportées en 1932 par l'UIT. L'alphabet qui en résulte a été adopté par la Commission internationale de navigation aérienne, le prédécesseur de l'OACI, et a été utilisé pour l'aviation civile jusqu'à la Seconde Guerre mondiale. Il a continué à être utilisé par l'OMI jusqu'en 1965 : Les forces armées britanniques et américaines avaient chacune développé leur alphabet orthographique avant que les deux forces n'adoptent l'alphabet de l'OACI en 1956. Les forces britanniques ont adopté l'alphabet phonétique de la RAF, qui est similaire à l'alphabet phonétique utilisé par la Royal Navy pendant la Première Guerre mondiale. les termes sont parfois encore utilisés par les civils britanniques pour épeler des mots au téléphone, à savoir « F pour Freddie » et « S pour Sugar ». Les États-Unis ont adopté l’alphabet phonétique conjoint armée/marine en 1941 pour normaliser les systèmes entre toutes les branches de leurs forces armées. L'alphabet américain est devenu connu sous le nom d'Able Baker d'après les mots A et B. Le Royaume-Uni a adapté son alphabet de la RAF en 1943 pour qu'il soit presque identique à celui de l'American Joint-Army-Navy (JAN). Après la Seconde Guerre mondiale, avec de nombreux avions et personnels au sol des forces armées alliées, « Able Baker » a continué à être utilisé pour l'aviation civile. Mais de nombreux sons étaient uniques à l’anglais, c’est pourquoi un alphabet alternatif « Ana Brazil » a été utilisé en Amérique latine. Mais l'Association du transport aérien international (IATA), reconnaissant la nécessité d'un alphabet universel unique, a présenté à l'OACI en 1947 un projet d'alphabet comportant des sons communs à l'anglais, au français, à l'espagnol et au portugais. Après une étude plus approfondie et des modifications par chaque organisme d'approbation, l'alphabet révisé a été mis en œuvre pour l'aviation civile (mais il se peut qu'il n'ait été adopté par aucun militaire) : Des problèmes ont été rapidement découverts avec cette liste. Certains utilisateurs pensaient qu'ils étaient si sévères qu'ils revenaient à l'ancien alphabet « Able Baker ». Pour identifier les lacunes du nouvel alphabet, des tests ont été menés auprès de locuteurs de 31 pays, principalement par les gouvernements du Royaume-Uni et des États-Unis. La confusion entre des mots comme Delta, Nectar, Victor et Extra, ou l'inintelligibilité d'autres mots dans de mauvaises conditions de réception constituaient les principaux problèmes. Après de nombreuses études, seuls les cinq mots représentant les lettres C, M, N, U et X ont été remplacés. L'OACI a envoyé un enregistrement du nouvel alphabet orthographique radiotéléphonique à tous les États membres en novembre 1955. La version finale donnée dans le tableau ci-dessus a été mise en œuvre par l'OACI le , et l'UIT l'a adoptée au plus tard en 1959 lorsqu'elle a rendu obligatoire son utilisation via son publication officielle, Règlement des radiocommunications. Parce que l'UIT régit toutes les communications radio internationales, elle a également été adoptée par tous les opérateurs radio, qu'ils soient militaires, civils ou amateurs. Il a finalement été adopté par l'OMI en 1965. En 1947, l'UIT a adopté les mots numériques composés (Nadazero Unaone, etc.), adoptés plus tard par l'OMI en 1965. Usage Un alphabet orthographique est utilisé pour épeler des parties d'un message contenant des lettres et des chiffres afin d'éviter toute confusion, car de nombreuses lettres se ressemblent, par exemple « n » et « m » ou « f » et « s » ; le risque de confusion augmente en cas de présence d'interférences statiques ou autres. Par exemple, le message "passer à la grille cartographique DH98" pourrait être transmis comme "passer à la grille cartographique Delta-Hôtel-Niner-Ait". L'utilisation de « Delta » au lieu de « D » évite toute confusion entre « DH98 » et « BH98 » ou « TH98 ». La prononciation inhabituelle de certains nombres a été conçue pour réduire la confusion. En plus de l'usage militaire traditionnel, l'industrie civile utilise l'alphabet pour éviter des problèmes similaires lors de la transmission de messages par les systèmes téléphoniques. Par exemple, il est souvent utilisé dans le secteur de la vente au détail, où les détails du client ou du site sont communiqués par téléphone (pour autoriser un accord de crédit ou confirmer les codes de stock), bien qu'un codage ad hoc soit souvent utilisé dans ce cas. Il a souvent été utilisé par les travailleurs des technologies de l'information pour communiquer vocalement des codes de série/de référence (qui sont souvent très longs) ou d'autres informations spécialisées. La plupart des grandes compagnies aériennes utilisent l'alphabet pour communiquer les dossiers passagers (PNR) en interne et, dans certains cas, avec les clients. Il est également souvent utilisé dans un contexte médical, pour éviter toute confusion lors de la transmission d’informations. Plusieurs codes de lettres et abréviations utilisant l'alphabet orthographique sont devenus bien connus, tels que Bravo Zulu (code de lettre BZ) pour « bien joué », Checkpoint Charlie (Checkpoint C) à Berlin et Zulu Time pour le temps moyen de Greenwich ou le temps universel coordonné. . Pendant la guerre du Vietnam, les guérilleros du Viet Cong et le groupe lui-même étaient appelés VC, ou Victor Charlie ; le nom « Charlie » est devenu synonyme de cette force. Variantes Aviation * « Delta » est remplacé par « Data », « Dixie » ou « David » dans les aéroports qui accueillent la majorité des vols de Delta Air Lines, comme l'aéroport international Hartsfield-Jackson d'Atlanta, afin d'éviter toute confusion car « Delta » est également L'indicatif de Delta. Télégrammes * Dès 1928, le public américain apprenait à utiliser la liste suivante lors de la rédaction de télégrammes : Autre De nombreux alphabets orthographiques non officiels utilisés ne sont pas basés sur une norme, mais sont basés sur des mots dont l'émetteur peut se souvenir facilement, notamment les prénoms, les États ou les villes. L’alphabet phonétique LAPD comporte de nombreux prénoms. L'alphabet orthographique allemand ("Deutsches Funkalphabet" (littéralement "Alphabet radio allemand")) utilise également des prénoms. De plus, pendant la guerre du Vietnam, les soldats utilisaient « Caïn » au lieu de « Charlie » parce que « Charlie » signifiait Viet Cong (Charlie étant l'abréviation de Victor Charlie, l'orthographe de l'alphabet VC des initiales VC). Ajouts dans d'autres langues Les alphabets standard de certaines langues comportent des lettres, ou des lettres avec des signes diacritiques (par exemple, des trémas), qui n'existent pas dans l'alphabet anglais. Si ces lettres sont remplacées par deux lettres ASCII, les mots de code OACI/OTAN pour les deux lettres sont utilisés. Espagnol En espagnol, le mot « Ñoño » est utilisé pour ñ. Allemand et suédois En allemand et en suédois, Alfa-Alfa (aa) est utilisé pour "å", Alfa-Echo (ae) pour "ä", Oscar-Echo (oe) pour "ö", Sierra-Sierra (ss) pour "ß" , et Uniform-Echo (ue) pour "ü". Danois et norvégien En danois et en norvégien, les lettres « æ », « ø » et « å » ont leurs propres mots de code. En danois Ægir, Ødis et Åse représentent les trois lettres, tandis qu'en norvégien les trois mots de code sont Ægir, Ørnulf et Ågot pour les civils et Ærlig, Østen et Åse pour le personnel militaire. tchèque Le "ů" tchèque, historiquement uo, est Uniform-Oscar (uo). finlandais En finnois, il existe des mots de code spéciaux pour les lettres å, ä et ö. Åke est utilisé pour représenter å, Äiti est utilisé pour ä et Öljy pour ö. Ces mots de code ne sont utilisés que dans les opérations nationales, derniers vestiges de l'alphabet radio finlandais. estonien L'estonien a 4 lettres spéciales, õ, ä, ö et ü. Ènne représente õ, Ärni pour ä, Ööbik pour ö et Ülle pour ü.

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Dans la série télévisée britannique « Mr Bean », quel modèle de voiture conduit M. Bean ?

Mini 1000

Mr. Bean est une sitcom britannique créée par Rowan Atkinson et Richard Curtis et mettant en vedette Atkinson dans le rôle titre. Atkinson a co-écrit les quinze épisodes avec Curtis, Robin Driscoll ou les deux, avec Ben Elton co-écrit le pilote. Treize des épisodes ont été diffusés sur ITV, depuis le pilote du 1er janvier 1990 jusqu'à "Goodnight Mr. Bean" le 31 octobre 1995. Une émission de clip, "The Best Bits of Mr. Bean", a été diffusée le 15 décembre 1995, et un épisode, "Hair by Mr. Bean of London", n'a été diffusé qu'en 2006 sur Nickelodeon. Basée sur un personnage initialement développé par Atkinson alors qu'il étudiait pour sa maîtrise à l'Université d'Oxford, la série suit les exploits de M. Bean, décrit par Atkinson comme "un enfant dans le corps d'un homme adulte", pour résoudre divers problèmes présentés par tâches quotidiennes et provoquant souvent des perturbations dans le processus.[http://web.archive.org/web/20061018071947/http://living.scotsman.com/index.cfm?id 2323922005 "Atkinson a Bean là-bas et il en a fini avec ça"], interview de Lucy Cavendish dans The Scotsman (30 novembre 2005). Récupéré le 3 août 2006. Bean parle rarement et l'humour largement physique de la série dérive de ses interactions avec d'autres personnes et de ses solutions inhabituelles à des situations. La série a été influencée par des artistes physiques tels que Jacques Tati et des acteurs comiques du cinéma muet. Au cours de ses cinq années d'existence, la série a gagné d'importants chiffres d'audience au Royaume-Uni, dont 18,74 millions pour l'épisode de 1991 "The Trouble with Mr. Bean". La série a reçu de nombreux prix internationaux, dont la Rose d'Or. La série a été vendue dans 245 territoires à travers le monde et a inspiré un spin-off de dessin animé, deux longs métrages et une apparition à la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'été de 2012 à Londres. Contexte et influences Le personnage de M. Bean s'est développé alors qu'Atkinson étudiait pour sa maîtrise en génie électrique au Queen's College d'Oxford. Un sketch mettant en vedette le personnage a été réalisé au Edinburgh Fringe au début des années 1980. Un personnage similaire appelé Robert Box, joué par Atkinson, est apparu dans la sitcom ITV unique de 1979, Canned Laughter, qui présentait également des routines utilisées dans le film Bean (1997). L'une des premières apparitions de Bean a eu lieu au festival d'humour « Juste pour rire » à Montréal, Québec, Canada, en 1987. Lorsque les coordinateurs du programme inscrivaient Atkinson au programme du festival, Atkinson a insisté pour qu'il se produise plutôt sur l'affiche francophone. que le programme anglophone. N'ayant aucun dialogue en français dans son numéro, les coordonnateurs du programme ne pouvaient pas comprendre pourquoi Atkinson voulait jouer sur l'affiche en français. Il s'est avéré que le numéro d'Atkinson au festival était une plate-forme de test pour le personnage de M. Bean, et Atkinson voulait voir comment la comédie physique du personnage muet se comporterait sur une scène internationale avec un public non anglophone. Le nom du personnage n'a été décidé qu'après la production du premier programme; un certain nombre d'autres noms influencés par les légumes, tels que « M. Chou-fleur », ont été explorés. Atkinson a cité le personnage de comédie antérieur Monsieur Hulot, créé par le comédien et réalisateur français Jacques Tati, comme une influence sur le personnage. Stylistiquement, M. Bean est également très similaire aux premiers films muets, s'appuyant uniquement sur la comédie physique, M. Bean parlant très peu de dialogues (bien que, comme d'autres séries télévisées d'action en direct de l'époque, il comporte une piste de rire). Cela a permis à la série d'être vendue dans le monde entier sans aucun changement significatif dans les dialogues. En novembre 2012, Atkinson a déclaré au Daily Telegraph son intention de retirer le personnage, déclarant que "quelqu'un dans la cinquantaine étant enfantin devient un peu triste". Personnages et accessoires récurrents Mister Bean Le personnage principal, joué par Rowan Atkinson, est un bouffon enfantin qui apporte divers stratagèmes et artifices inhabituels aux tâches quotidiennes. Il vit seul à l'adresse Flat 2, 12 Arbour Road, Highbury, et est presque toujours vu dans sa veste en tweed de marque et une fine cravate rouge. Il porte aussi habituellement une montre calculatrice numérique. M. Bean parle rarement, et quand il le fait, ce ne sont généralement que quelques mots marmonnés d'une voix comiquement grave. Son prénom (il se nomme "Bean" pour les autres) et sa profession, le cas échéant, ne sont jamais mentionnés. Dans la première adaptation cinématographique, "Mr." apparaît sur son passeport dans le champ « prénom » et il est montré employé comme garde à la National Gallery de Londres. M. Bean semble souvent ignorer les aspects fondamentaux du fonctionnement du monde, et le programme présente généralement ses tentatives d'accomplir des tâches qui seraient normalement considérées comme simples, comme aller nager, utiliser un téléviseur, redécorer ou aller à l'église. L'humour vient en grande partie de ses solutions originales (et souvent absurdes) aux problèmes et de son mépris total pour les autres lorsqu'il les résout, de sa mesquinerie et de sa malveillance occasionnelle. Au début du deuxième épisode, M. Bean tombe du ciel dans un faisceau de lumière, accompagné d'un chœur chantant Ecce homo qui est faba ("Voici l'homme qui est un haricot"), enregistré par le Southwark Cathedral Choir en 1990. Ces séquences d'ouverture étaient initialement en noir et blanc dans les épisodes deux et trois, et étaient destinées par les producteurs à montrer son statut d'« homme ordinaire mis sous les projecteurs ». Cependant, des épisodes ultérieurs montraient M. Bean tombant du ciel nocturne dans une rue déserte de Londres avec en toile de fond la cathédrale Saint-Paul. À la fin des épisodes trois et six, il est également montré en train d'être aspiré vers le ciel dans les scènes d'arrière-plan respectives (scène noire dans l'épisode 3 et scène de rue dans l'épisode 6). Atkinson a reconnu que Bean "a un aspect légèrement étranger". Dans la série animée (épisode "Double Trouble"), il est emmené à l'intérieur d'un vaisseau spatial avec des "extraterrestres" qui lui ressemblent exactement et possèdent même leurs propres jouets en peluche. Dans un hommage évident, les extraterrestres le renvoient chez lui dans un faisceau de lumière et de musique similaire à l'ouverture de la série originale Mr. Bean. Il n’est pas clair si Bean est un extraterrestre. Irma Gobb La petite amie de M. Bean, Irma Gobb (jouée par Matilda Ziegler), apparaît dans trois épisodes. Dans "La Malédiction de M. Bean" et "Mr. Bean Goes to Town", le personnage est simplement crédité comme "la petite amie". Elle est traitée de manière relativement inconsidérée par Bean, qui semble la considérer davantage comme une amie et une compagne que comme une amoureuse. Cependant, il devient jaloux quand elle danse avec un autre homme dans une discothèque dans « Mr. Bean Goes to Town », et elle s'attend certainement à ce qu'il lui propose le jour de Noël dans « Joyeux Noël, Mr. Bean » ; son échec à le faire l'amène à le quitter définitivement. Le personnage n'apparaît dans aucun épisode ultérieur ; cependant, elle apparaît plus tard dans la série animée. Le livre dérivé Mr. Bean's Diary (1993) indique que M. Bean a rencontré Irma Gobb dans une bibliothèque locale. Ziegler a également joué une serveuse, une mère et une policière. Dans l'extra Comic Relief "Torvill and Bean", Bean est accompagné d'une compagne interprétée par Sophie Thompson, dont l'apparence générale ressemble à celle de Gobb. Nounours Teddy est l'ours en peluche de M. Bean et peut-être le meilleur ami de M. Bean. Le petit ours brun est une bizarrerie tricotée avec des yeux en bouton et des membres en forme de saucisse, qui finissent invariablement par être brisés en deux ou dans divers autres états de destruction et de défiguration. Bien que Teddy soit inanimé, M. Bean prétend souvent qu'il est vivant. Par exemple, lorsque M. Bean hypnotise Teddy, il claque des doigts et la tête de l'ours tombe en arrière comme s'il s'était endormi instantanément (Bean a utilisé son doigt pour relever la tête de Teddy). M. Bean se comporte comme si l'ours était réel, lui achetant un cadeau de Noël ou essayant de ne pas le réveiller le matin. L'ours est souvent au courant des différents projets de M. Bean et sert également d'outil ou d'autres objets en cas d'urgence ; il a été décapité ("M. Bean in Room 426"), utilisé comme pinceau ("Do-It-Yourself Mr. Bean") et rétréci au lavage ("Tee Off, Mr. Bean"). Teddy est également « l'animal de compagnie » de M. Bean dans « Hair by Mr. Bean of London » et est utilisé pour gagner une exposition d'animaux de compagnie. Le Teddy utilisé lors du tournage se trouve dans le pare-brise de la réplique de la mini de M. Bean exposée au National Motor Museum. Au fil des années, Teddy a subi plusieurs changements. Lorsqu'il a fait ses débuts dans "The Trouble with Mr. Bean", il avait une tête plus petite. Deux épisodes plus tard, sa tête a atteint sa taille actuelle, mais ses « yeux » n'étaient pas présents jusqu'à ce que Bean place des punaises dorées sur son visage. Les « yeux » ont depuis été remplacés par deux petits boutons blancs cousus sur le visage de Teddy, lui donnant une image distincte. La voiture de M. Bean La voiture de M. Bean, une British Leyland Mini 1000 de 1976, a développé son propre caractère au fil de la série et a été au cœur de plusieurs bouffonneries, comme M. Bean s'habillant avec, conduisant assis dans un fauteuil attaché au toit, commençant avec un certain nombre de serrures et de clés, ou en essayant d'éviter des frais de stationnement en sortant par l'entrée. Au début, il s'agissait d'un BMC Mini MK II orange de 1969 (immatriculation RNT 996H), mais celui-ci a été détruit dans un crash hors écran à la fin du premier épisode. Dès lors, la voiture est un modèle de 1976 (immatriculation SLW 287R), de couleur Austin Citron Green avec un capot noir mat. La Mini disposait également d'un certain nombre de mesures de sécurité innovantes. Par exemple, Bean utilise un verrou et un cadenas, plutôt que le verrou installé sur la voiture, et retire le volant au lieu de la clé. Ceux-ci ont constitué une blague courante dans plusieurs épisodes et ont dissuadé à un moment donné un voleur de voiture. Cependant, après avoir changé de place de parking avec une mini identique (immatriculation ACW 497V) dans "Back to School Mr. Bean", sa voiture est écrasée par un char. Heureusement pour Bean, son cadenas survit et il se dépêche de « détourner » une autre automobile avec la même palette de couleurs. La Mini est réapparue comme personnage dans les dessins animés de M. Bean (immatriculation STE 952R) et dans le film Mr. Bean's Holiday, avec l'immatriculation YGL 572T. On voit également une version avec conduite à gauche de sa Mini, appartenant au personnage Sabine. Pour le long métrage Bean (1997), une séquence impliquant la Mini traversant le grand magasin Harrod's a été tournée, mais elle n'a pas été incluse dans le montage final. Une fois le tournage terminé, l'une des Minis originales a été vendue à Kariker Kars pour être louée pour divers événements. Il a ensuite été temporairement exposé comme une attraction majeure du musée du groupe Rover. En 1997, elle a été achetée par le Cars of the Stars Motor Museum et a été exposée pendant un certain temps, mais n'est plus là, après avoir été vendue, elle est partie en Amérique. BMW Allemagne a construit une réplique, et une autre réplique, celle utilisée pour promouvoir la série animée, est exposée au National Motor Museum de Beaulieu. Le Reliant À partir du premier épisode, M. Bean a une querelle de longue date avec le conducteur invisible d'un Reliant Regal Supervan III bleu clair (immatriculation GRA 26K), qui sera généralement retourné, s'écrasera hors de son espace de stationnement, et ainsi de suite. par M. Bean dans sa Mini, qui ignore généralement les résultats. Ces incidents sont devenus une blague courante tout au long de la série. Dans "Tee Off, Mr. Bean", Bean fait de l'auto-stop et le Reliant s'arrête pour lui, mais Bean, qui reconnaît la voiture, fait semblant de ne pas la voir, jusqu'à ce qu'elle parte. Le Reliant réapparaît dans la série animée, encore une fois victime de Mr Bean dans sa Mini. Dans l'épisode de la série animée "Young Bean", l'identité du conducteur de Reliant est révélée pour la première fois (bien que montrée dans un flash-back lorsqu'il était enfant). Autres personnages Bien que M. Bean soit le seul personnage important du programme, d'autres apparaissent, généralement pour faire oublier ses diverses pitreries. Outre sa petite amie, il y a plus de personnages dans chaque épisode. Cependant, plusieurs acteurs et comédiens britanniques notables apparaissent aux côtés d'Atkinson dans des sketchs en tant que personnages secondaires uniques, notamment Owen Brenman, Richard Briers, Angus Deayton, Stephen Frost, Nick Hancock, Christopher Ryan, Paul Bown, Caroline Quentin, Danny La Rue, Roger Lloyd-Pack, David Schneider et Richard Wilson. Épisodes Les 14 épisodes de Mr. Bean ont été produits par Tiger Aspect Productions. De plus, le personnage a été utilisé dans des croquis ponctuels, des apparitions et des publicités télévisées au Royaume-Uni. Musique M. Bean présente un thème choral dans la tonalité de do majeur écrit par Howard Goodall et interprété par le chœur de la cathédrale de Southwark (plus tard la cathédrale Christ Church d'Oxford). Les paroles chantées lors des séquences de titres sont en latin : * Ecce homo qui est faba – "Voici l'homme qui est un haricot" (chanté au début) * Finis parte ille – "Fin de la première partie" (chanté avant la pause publicitaire) * Pars secunda – "Deuxième partie" (chantée après la pause publicitaire) * Vale homo qui est faba – "Adieu, homme qui est un haricot" (chanté à la fin) Le thème a ensuite été publié sur l'album Choral Works de Goodall. Goodall a également écrit une piste musicale d'accompagnement pour de nombreux épisodes. Le premier épisode de Mr. Bean ne présentait pas le thème musical de la chorale, mais plutôt un morceau instrumental optimiste, également composé par Howard Goodall, qui était plus un air accessoire qu'un thème. Il a été utilisé pendant que Bean conduisait entre des endroits intimidant le Reliant bleu et, en tant que tel, a parfois été entendu dans les épisodes ultérieurs chaque fois que l'ennemi juré de Bean est vu. L'instrumental de la mélodie thème a été utilisé dans l'animation Mr. Bean dans la finale de la série "Double Trouble". Dans l'épisode "Tee Off, Mr. Bean", le thème choral de Howard Goodall pour une autre comédie de Richard Curtis, The Vicar of Dibley, est entendu jouer sur un autoradio. Dans Joyeux Noël, M. Bean, tout en jouant avec les figurines des Queen's Royal Guards et la crèche, il fredonne "The British Grenadiers", qui a été cité dans le thème de Blackadder Goes Forth. M. Bean apparaît dans un clip vidéo réalisé pour le single de collecte de fonds Comic Relief de 1991 de Hale et Pace intitulé The Stonk. M. Bean est également apparu dans le clip du single Picture of You de Boyzone en 1997. La chanson figurait sur la bande originale du premier film Bean. M. Bean a également réalisé un disque Comic Relief en 1992. Celui-ci a été (I Want To Be) Elected et a été crédité à "Mr. Bean and Smear Campaign mettant en vedette Bruce Dickinson". Il s'agissait d'une reprise d'une chanson d'Alice Cooper et a atteint la 9e place du classement des singles britanniques. Prix Le premier épisode a remporté la Rose d'Or, ainsi que deux autres prix majeurs au Festival de divertissement Rose d'Or 1991 à Montreux. Au Royaume-Uni, l'épisode « La Malédiction de M. Bean » a été nominé pour un certain nombre de prix BAFTA ; "Meilleur programme de divertissement léger" en 1991, "Meilleure comédie" (programme ou série) en 1991, et Atkinson a été nominé trois fois pour la "Meilleure performance de divertissement léger" en 1991 et 1994. Retombées La série animée Bean a été relancé dans une série de dessins animés de 2002 à 2004, comportant encore une fois peu de dialogues, la plupart étant soit de petites extraits sonores, soit des marmonnements. La série, composée de 63 épisodes (avec 2 segments chacun), a augmenté le nombre de personnages supplémentaires, mettant en vedette la désagréable propriétaire de Bean, Mme Wicket, et son méchant chat borgne, Scrapper. Atkinson a repris son rôle de Bean, et toutes les actions animées de Bean sont tirées d'Atkinson lui-même. Les voix des autres personnages sont fournies par Jon Glover, Rupert Degas, Gary Martin et Lorelei King. En octobre 2000, il a été rapporté que M. Bean deviendrait animé, ce qui devait initialement s'adresser aux adultes. En février 2001, la série a été officiellement annoncée et a été diffusée peu de temps après. Mr. Bean's Wacky World, un jeu vidéo basé sur la série animée, est sorti le 14 décembre 2007 et était un jeu de plateforme à la troisième personne. Les jeux sont sortis sur PAL uniquement pour Playstation 2, Nintendo DS et Nintendo Wii. Plusieurs jeux officiels Mr Bean ont été publiés, notamment Mr Bean - Around the World et Mr Bean - Flying Teddy. Les deux sont disponibles sur l'Apple App Store, Google Play et Amazon Marketplace. Adaptations cinématographiques Deux films mettant en vedette Bean sont sortis. Le premier, Bean: The Ultimate Disaster Movie, a été réalisé par Mel Smith et sorti en 1997, avec Atkinson reprenant son rôle titre. Cela rompait avec la tradition du programme en utilisant une intrigue secondaire avec des personnages plus développés - au lieu d'être le seul centre d'attention, Bean a interagi ici avec une famille de banlieue californienne avec laquelle il est resté tout en supervisant le transfert de la mère de Whistler dans une galerie d'art de Los Angeles. Le film a rapporté plus de 250 millions de dollars dans le monde (45 millions de dollars aux États-Unis) sur un budget estimé à 22 millions de dollars. En février 2001, une esquisse de scénario non produite pour un film de Mr. Bean se déroulant en Australie aurait été développée par le scénariste Richard Curtis. En mars 2005, la nouvelle a éclaté qu'un deuxième film de Bean, Mr. Bean's Holiday, était en développement, avec Atkinson reprenant son rôle titre. Le film a connu plusieurs changements de nom au cours de son développement, notamment Bean 2 et French Bean. Le tournage a débuté le 15 mai 2006 et la post-production a commencé en octobre 2006. Il est sorti au Royaume-Uni le 30 mars 2007. Le 17 juillet 2007, la première nord-américaine a eu lieu à Montréal, Québec, Canada, au festival Juste pour rire ; la rampe de lancement du personnage de M. Bean 20 ans plus tôt. Le film est ensuite sorti dans toute l'Amérique du Nord le 24 août 2007. Le film suit Bean dans un voyage mouvementé à travers la France pour des vacances sur la Côte d'Azur, qui, après de nombreux malheurs, culmine avec une projection imprévue de son journal vidéo à Cannes. Festival du film. Le film a été à un moment donné considéré comme étant la dernière apparition en direct du personnage, mais Rowan Atkinson a ensuite joué M. Bean lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques de Londres en 2012 et a déclaré en 2016 qu'il ne retirerait jamais le personnage. Il a été réalisé par Steve Bendelack et a rapporté près de 230 millions de dollars dans le monde (33 millions de dollars aux États-Unis). La cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques de Londres 2012 Le personnage (représenté par Atkinson) joue une seule note sur un synthétiseur lors de l'interprétation de "Chariots of Fire", lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'été de 2012. Au lieu de son habituelle veste de sport en tweed marron, il porte une cravate et une queue-de-pie blanches comme les autres musiciens qui l'entourent. Au cours de sa performance, il s'ennuie de jouer la même note à plusieurs reprises sur le synthétiseur et devient jaloux de la partie la plus intéressante jouée au piano à queue. Toujours ennuyé, il sort son téléphone portable et se prend en photo, l'air ravi. Il éternue alors de façon comique et essaie de récupérer son mouchoir dans son sac derrière lui. Il découvre qu'il ne peut pas l'atteindre et doit continuer à jouer la note avec son parapluie pour le récupérer. Lorsqu'il se mouche enfin, il jette son mouchoir dans le piano à queue. Il s'endort ensuite en continuant à jouer la note. Une séquence de rêve de la scène d'ouverture du film Chariots of Fire montre les personnages courant sur une plage, sauf que M. Bean court avec eux. Il commence à prendre du retard, jusqu'à ce qu'il héle une voiture pour dépasser toutes les autres. Bean court maintenant devant et un autre coureur tente de dépasser Bean mais se fait trébucher par lui. Bean franchit la ligne avec exaltation, puis il se réveille. Le reste de l'orchestre avait arrêté de jouer tandis qu'il continuait sa seule note récurrente. Conscient de cela, et avec les encouragements du chef d'orchestre Simon Rattle, il joue une longue fioriture et touche enfin une note qui produit un son flatulent, puis s'arrête. Livres Deux livres liés à la série originale ont été publiés : Mr. Bean's Diary en 1992 et Mr. Bean's Pocket Diary en 1994. Les deux livres ont un contenu identique et ne diffèrent que par le format dans lequel ils sont imprimés. Le contenu des deux est un modèle de journal intime avec un contenu manuscrit griffonné par M. Bean. Ils fournissent des informations supplémentaires sur le contexte : par exemple, ils établissent que M. Bean vit à Highbury et loue son appartement à une logeuse nommée Mme Wicket. Ils confirment le nom de la petite amie de M. Bean comme "Irma Gobb", et donnent également le nom de l'autre homme avec qui elle danse réellement dans M. Bean Goes to Town (Giles Gummer). Un livre supplémentaire intitulé Mr. Bean's Diary est sorti en 2002 pour accompagner la série animée ; ce livre a également été classé comme lecteur pour enfants. Autres apparitions Rowan Atkinson est apparu dans le personnage de Bean dans de nombreuses émissions télévisées normalement factuelles, parfois comme coup publicitaire pour promouvoir un nouvel épisode, DVD ou film. Vidéos musicales Publicités Médias domestiques La série était disponible sur un certain nombre de compilations VHS de Thames Television. Au Royaume-Uni (Région 2), des épisodes de Mr. Bean sont diffusés chaque année par Universal Pictures UK à partir de 2004. La collection complète est désormais disponible, comprenant les deux longs métrages et d'autres extras. Les épisodes ont été diffusés en VHS par A&E Home Video aux États-Unis dans les années 1990. Aux États-Unis (Région 1), la série complète est disponible depuis 2003 sur A&E Home Video sous le nom de « The Whole Bean ». Le documentaire « L'histoire de M. Bean » est édité sur les plateaux de DVD du Royaume-Uni et des États-Unis : il durait initialement 52 minutes lors de sa diffusion à la télévision. Cependant, il dure 48 minutes sur le DVD britannique alors que seulement 40 sur le DVD américain. Plus particulièrement, dans la version britannique, la section détaillant « The Tall Guy » contient des extraits humoristiques du film supprimés. Le DVD américain présente les mêmes montages que le DVD britannique mais il manque également les commentaires de Burt Reynolds sur le tournage de Bean, les commentaires de Jeff Goldblum, quelques extraits de la série Mr. Bean et bien d'autres. Les vidéos britanniques les plus vendues ont été retirées peu de temps avant la sortie de Bean, et des DVD ont été publiés sur une base annuelle à partir de 2004. En août 2009, une chaîne YouTube officielle a été lancée avec du contenu de la série d'action en direct et d'animation. La série a été rééditée par Shout Factory en Amérique du Nord le 24 mars 2015 sur DVD, pour coïncider avec son 25e anniversaire. Cet ensemble contient des épisodes remastérisés numériquement (similaires à la version britannique de 2010), les 40 minutes "L'histoire de M. Bean", des scènes supplémentaires : "Poids de la dinde", "Vente de fauteuils", "Marche" et "Jouer avec des allumettes", Des croquis "Bus Stop" et "Library", une bande-annonce de "Mr. Bean: The Animated Series" et "The Best Bits of Mr. Bean", un clip de 72 minutes. Format VHS Format DVD ;Volumes ;Le meilleur de M. Bean Réédition DVD Mr. Bean: The Whole Bean a été réédité le 24 mars 2015 sur DVD remasterisé numériquement pour coïncider avec le 25e anniversaire de la série. La culture populaire * La vente de Mr Bean dans le monde entier a permis à son personnage de se faire une place dans la culture populaire de plusieurs pays. Notamment, un certain nombre de personnalités publiques ont été comparées au personnage, généralement comme une insulte. Tony Blair, alors Premier ministre du Royaume-Uni, a été identifié par Homer Simpson comme « M. Bean » lorsque sa forme de dessin animé a accueilli les Simpson au Royaume-Uni dans un épisode du programme éponyme, démontrant prétendument la vision stéréotypée des Britanniques. par les Américains. * Arthur Batchelor, l'un des captifs de la Royal Navy détenus par l'Iran lors de la saisie iranienne du personnel de la Royal Navy en 2007, a déclaré que certains de ses ravisseurs s'étaient moqués de lui en l'appelant « M. Bean ». *L'arbitre de la LNR Sean Hampstead est régulièrement surnommé « M. Bean » dans les commentaires diffusés à l'échelle nationale par la personnalité de la télévision et de la radio australienne Ray Warren en raison de son apparence similaire. * En 2007, Vincent Cable, leader par intérim des Libéraux-Démocrates, a décrit le récent déclin de la fortune du Premier ministre Gordon Brown comme sa « transformation remarquable au cours des dernières semaines de Staline à M. Bean ». * L'ancien Premier ministre espagnol José Luis Rodríguez Zapatero est souvent moqué dans son propre pays à cause de sa ressemblance faciale avec M. Bean, et un pirate informatique s'est introduit dans le site officiel espagnol de la présidence de l'Union européenne, insérant le personnage en première page. du site Internet. Les satiristes ont également comparé Zapatero à M. Bean lorsqu'ils discutent de politiques gouvernementales jugées infructueuses. * Plusieurs des blagues visuelles de la série ont été utilisées comme expériences dans la série MythBusters de Discovery Channel. Dans l'épisode 52 – "Mind Control", l'idée de peindre une pièce avec un bâton d'explosifs (Feu d'artifice, ou autre) placé dans un pot de peinture, comme dans l'épisode "Do-It-Yourself Mr. Bean", a été testée et jugé impossible, car une couverture adéquate n’a pas été obtenue. * Une image de M. Bean a également été utilisée comme mème Internet, généralement accompagnée de la déclaration « si vous voyez ce que je veux dire ». * Bien que Rowan Atkinson ne soit pas typé à des personnages comme M. Bean, il a joué des personnages similaires dans d'autres œuvres, comme Enrico dans le film Rat Race de 2001. *Dans le manga Souten no Ken de Tetsuo Hara et Buronson, une parodie de M. Bean peut être trouvée dans un personnage mineur apparaissant au chapitre 45, contenu dans le vol. 5. Dans ce document, un barman identique à M. Bean s'occupe du personnage principal Kenshiro Kasumi, pour un soulagement comique. * Dans le jeu vidéo Resident Evil 2, lors de la séquence d'ouverture dans les rues de Raccoon City, on peut voir le British Leyland Mini 1000 de M. Bean garé contre une barricade. *M. Bean a également eu une influence sur des séries ultérieures, telles que The World of Lee Evans. *Le magazine Private Eye présente une bande dessinée, Les Aventures de M. Milibean, dans laquelle le chef du parti travailliste britannique, Ed Miliband, est représenté comme Bean. *Rowan Atkinson a interprété ce personnage lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques de 2012 lors de "Chariots of Fire" avec le London Symphony Orchestra. * L'image de M. Bean est utilisée sur le site Web de cybercriminalité "Mr. Bin".

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Rodolfo et Mimi sont les personnages principaux de quel opéra de Giacomo Puccini ?

La Boheme

La bohème (,) est un opéra en quatre actes, Puccini appelle les divisions quadro, un tableau ou « image », plutôt qu'atto (acte). composé par Giacomo Puccini sur un livret italien de Luigi Illica et Giuseppe Giacosa, d'après Scènes de la vie de bohème d'Henri Murger. La première mondiale de La bohème eut lieu à Turin le 1er février 1896 au Teatro Regio, sous la direction du jeune Arturo Toscanini ; sa première aux États-Unis eut lieu l'année suivante, en 1897, à Los Angeles. Depuis lors, La bohème fait désormais partie du répertoire standard de l’opéra italien et est l’un des opéras les plus joués dans le monde. En 1946, cinquante ans après la première de l'opéra, Toscanini en dirigea une représentation à la radio avec le NBC Symphony Orchestra. Cette performance a finalement été publiée sur disques et sur disque compact. Il s'agit du seul enregistrement d'un opéra de Puccini par son chef d'orchestre original (voir Enregistrements ci-dessous). Origine de l'histoire Selon sa page de titre, le livret de La bohème est basé sur le roman d'Henri Murger, Scènes de la vie de bohème, un recueil de vignettes représentant de jeunes bohèmes vivant dans le Quartier Latin de Paris dans les années 1840. Bien qu’on l’appelle généralement roman, il n’a pas d’intrigue unifiée. Comme la pièce de Murger et Théodore Barrière de 1849, le livret de l'opéra se concentre sur la relation entre Rodolfo et Mimì, se terminant par sa mort. Tout comme la pièce, le livret combine deux personnages du roman, Mimì et Francine, en un seul personnage Mimì. Au début de la phase de composition, Puccini était en conflit avec le compositeur Leoncavallo, qui a déclaré qu'il avait offert à Puccini un livret complet et estimait que Puccini devrait s'en remettre à lui. Puccini a répondu qu'il n'avait aucune idée de l'intérêt de Leoncavallo et qu'ayant travaillé sur sa propre version depuis un certain temps, il estimait qu'il ne pouvait pas l'obliger en abandonnant l'opéra. Leoncavallo a complété sa propre version dans laquelle Marcello était chanté par un ténor et Rodolfo par un baryton. Elle n’a pas abouti et est désormais rarement pratiquée. Une grande partie du livret est originale. Les principales intrigues des actes deux et trois sont l'invention des librettistes, avec seulement quelques références passagères aux incidents et aux personnages de Murger. La plupart des actes un et quatre suivent le roman, rassemblant des épisodes de différents chapitres. Les scènes finales des actes un et quatre – les scènes avec Rodolfo et Mimì – ressemblent à la fois à la pièce et au roman. L'histoire de leur rencontre suit de près le chapitre 18 du roman, dans lequel les deux amants vivant dans la mansarde ne sont pas du tout Rodolphe et Mimì, mais plutôt Jacques et Francine. L'histoire de la mort de Mimì dans l'opéra s'inspire de deux chapitres différents du roman, l'un relatant la mort de Francine et l'autre celle de Mimì. Le livret publié comprend une note des librettistes discutant brièvement de leur adaptation. Sans évoquer directement la pièce, ils défendent leur amalgame de Francine et Mimì en un seul personnage : « Chi può non confondere nel delicato profilo di una sola donna quelli di Mimì e di Francine ? ("Qui ne peut confondre dans le profil délicat d'une femme la personnalité à la fois de Mimì et de Francine?"). A l'époque, le roman était dans le domaine public, Murger étant décédé sans héritiers, mais les droits de la pièce étaient toujours contrôlés par les héritiers de Barrière. Historique des performances et réception Succès initial La première mondiale de La Bohème eut lieu à Turin le 1er février 1896 au Teatro Regio et fut dirigée par le jeune Arturo Toscanini. La réaction initiale du public lors de la première représentation a été modérée et les réponses critiques ont été polarisées. Malgré cette réponse d'introduction variée, l'opéra devint rapidement populaire dans toute l'Italie et des productions furent bientôt montées par les compagnies suivantes : Le Teatro di San Carlo (14 mars 1896, avec Elisa Petri dans le rôle de Musetta et Antonio Magini-Coletti dans le rôle de Marcello) ; Le Teatro Comunale di Bologna (4 novembre 1896, avec Amelia Sedelmayer dans le rôle de Musetta et Umberto Beduschi dans le rôle de Rodolfo) ; Le Teatro Costanzi (17 novembre 1896, avec Maria Stuarda Savelli dans le rôle de Mimì, Enrico Giannini-Grifoni dans le rôle de Rodolfo et Maurizio Bensaude dans le rôle de Marcello) ; La Scala (15 mars 1897, avec Angelica Pandolfini comme Mimì, Camilla Pasini comme Musetta, Fernando De Lucia comme Rodolfo et Edoardo Camera comme Marcello) ; La Fenice (26 décembre 1897, avec Emilia Merolla comme Mimì, Maria Martelli comme Musetta, Giovanni Apostolu et Franco Mannucci comme Rodolfo et Ferruccio Corradetti comme Marcello) ; Teatro Regio di Parma (29 janvier 1898, avec Solomiya Krushelnytska dans le rôle de Mimì, Lina Cassandro dans le rôle de Musetta, Pietro Ferrari dans le rôle de Rodolfo et Pietro Giacomello dans le rôle de Marcello) ; Opéra de Paris (13 juin 1898) ; et le Teatro Donizetti di Bergamo (21 août 1898, avec Emilia Corsi comme Mimì, Annita Barone comme Musetta, Giovanni Apostolu comme Rodolfo et Giovanni Roussel comme Marcello). La première représentation de La bohème hors d'Italie eut lieu au Teatro Colón de Buenos Aires, en Argentine, le 16 juin 1896. L'opéra fut donné à Alexandrie, Lisbonne et Moscou au début de 1897. La première au Royaume-Uni eut lieu au Théâtre Royal de Manchester, le 22 avril 1897, dans une présentation de la Carl Rosa Opera Company supervisée par Puccini. The Manchester Guardian, 23 avril 1897, p. 6 Ce spectacle a été donné en anglais et mettait en vedette Alice Esty dans le rôle de Mimì, Bessie McDonald dans le rôle de Musetta, Robert Cunningham dans le rôle de Rodolfo et William Paull dans le rôle de Marcello. Le 2 octobre 1897, la même compagnie donna la première mise en scène de l'opéra au Royal Opera House de Londres et le 14 octobre 1897 à Los Angeles pour la première de l'opéra aux États-Unis. L'opéra arriva à New York le 16 mai 1898 lorsqu'il fut joué au Wallack's Theatre avec Giuseppe Agostini dans le rôle de Rodolfo. La première production de l'opéra réellement produite par le Royal Opera House lui-même a été créée le 1er juillet 1899 avec Nellie Melba dans le rôle de Mimì, Zélie de Lussan dans le rôle de Musetta, Fernando De Lucia dans le rôle de Rodolfo et Mario Ancona dans le rôle de Marcello. La bohème a été créée en Allemagne à l'Opéra Kroll de Berlin le 22 juin 1897. La première française de l'opéra a été présentée par l'Opéra-Comique le 13 juin 1898 au Théâtre des Nations. La production a utilisé une traduction française de Paul Ferrier et mettait en vedette Julia Guiraudon dans le rôle de Mimì, Jeanne Tiphaine dans le rôle de Musetta, Adolphe Maréchal dans le rôle de Rodolfo et Lucien Fugère dans le rôle de Marcello. La première tchèque de l'opéra fut présentée au Théâtre national le 27 février 1898. 20e et 21e siècles La première belge eut lieu à La Monnaie le 25 octobre 1900 dans la traduction française de Ferrier avec Marie Thiérry dans le rôle de Mimì, Léon David dans le rôle de Rodolfo, Eugène-Charles Badiali dans le rôle de Marcello, dans des décors de Pierre Devis, Armand Lynen et Albert Dubosq, sous la direction de Philippe Flon. . Le Metropolitan Opera a mis l'œuvre pour la première fois le 26 décembre 1900 avec Nellie Melba dans le rôle de Mimi, Annita Occhiolini-Rizzini dans le rôle de Musetta, Albert Saleza dans le rôle de Rodolfo, Giuseppe Campanari dans le rôle de Marcello et Luigi Mancinelli à la direction. L'opéra a été joué pour la première fois au Brésil au Theatro da Paz de Belém le 21 avril 1900 avec les sopranos brésiliennes Tilde Maragliano dans le rôle de Mimi, Maria Cavallini dans le rôle de Musetta, Giuseppe Agostini dans le rôle de Rodolfo et Alessandro Modesti dans le rôle de Marcello. Le chef d'orchestre était Giorgio Polacco L'année suivante, The Bohemian est présenté au Teatro Amazonas de Manaus, au Brésil, le 2 juillet 1901, avec Elvira Miotti dans le rôle de Mimi, Mabel Nelma dans le rôle de Musetta, Michele Sigaldi dans le rôle de Rodolfo et Enrico De Franceschi dans le rôle de Marcello. D'autres premières suivront bientôt : * Melbourne : 13 juillet 1901 (Her Majesty's Theatre ; première représentation en Australie) * Monaco : 1er février 1902, Opéra de Monte-Carlo à Monte-Carlo avec Nellie Melba dans le rôle de Mimì, Enrico Caruso dans le rôle de Rodolfo, Alexis Boyer dans le rôle de Marcello et sous la direction de Léon Jehin. * Prato : 25 décembre 1902, Regio Teatro Metastasio avec Ulderica Persichini dans le rôle de Mimì, Norma Sella dans le rôle de Musetta, Ariodante Quarti dans le rôle de Rodolfo et Amleto Pollastri dans le rôle de Marcello. * Catane : 9 juillet 1903, Polyteama Pacini avec Isabella Costa Orbellini comme Mimi, Lina Gismondi comme Musetta, Elvino Ventura comme Rodolfo et Alfredo Costa comme Marcello. * Autriche : 25 novembre 1903, Opéra national de Vienne avec Selma Kurz dans le rôle de Mimi, Marie Gutheil-Schoder dans le rôle de Musetta, Fritz Schrödter dans le rôle de Rodolfo, Gerhard Stehmann dans le rôle de Marcello et Gustav Mahler sous la direction. * Suède : 19 mai 1905, Théâtre dramatique royal de Stockholm, présenté par l'Opéra royal de Suède avec Maria Labia dans le rôle de Mimì. La première production de La Bohème au Festival de Salzbourg n'a eu lieu qu'en juillet 2012. Cependant, ce festival n'a pas montré beaucoup d'intérêt pour les opéras de Puccini, n'ayant jamais produit qu'une seule production de Tosca et Turandot dans toute son histoire. Réception critique Malgré la popularité de l'opéra auprès du public, Puccini a été la cible de condescendance de la part de certains critiques musicaux qui trouvent sa musique insuffisamment sophistiquée ou difficile. Le compositeur Benjamin Britten écrivait en 1951 : « [A]près quatre ou cinq représentations, je n'ai plus jamais voulu entendre Bohème. Malgré sa propreté, je suis devenu écoeuré par le bas prix et le vide de la musique. » Les rôles Synopsis Lieu : Paris Époque : Vers 1830. acte 1 Dans le grenier des quatre bohèmes Marcello peint tandis que Rodolfo regarde par la fenêtre. Ils se plaignent du froid. Pour se réchauffer, ils brûlent le manuscrit du drame de Rodolfo. Colline, le philosophe, entre grelottant et mécontent de n'avoir pas pu mettre en gage quelques livres. Schaunard, le musicien du groupe, arrive avec de la nourriture, du vin et des cigares. Il explique la source de sa richesse : un travail chez un gentleman anglais excentrique, qui lui a ordonné de jouer du violon avec un perroquet jusqu'à sa mort. Les autres écoutent à peine son histoire tandis qu'ils dressent la table pour manger et boire. Schaunard les interrompt en leur disant qu'ils doivent garder la nourriture pour les jours à venir : ce soir, ils fêteront tous sa bonne fortune en dînant au Café Momus, et il paiera. Les amis sont interrompus par Benoît, le propriétaire, qui arrive pour récupérer le loyer. Ils le flattent et lui donnent du vin. Dans son ivresse, il commence à se vanter de ses aventures amoureuses, mais lorsqu'il révèle en plus qu'il est marié, on le jette hors de la chambre - sans payer le loyer - dans une indignation morale comique. L'argent du loyer est partagé pour leur soirée dans le Quartier Latin. Marcello, Schaunard et Colline sortent, mais Rodolfo reste seul un moment pour terminer un article qu'il est en train d'écrire, en promettant de rejoindre bientôt ses amis. On frappe à la porte. Il s'agit d'une fille qui habite dans une autre pièce de l'immeuble. Sa bougie est éteinte et elle n'a pas d'allumettes ; elle demande à Rodolfo de l'allumer. Elle est brièvement prise de malaise, et Rodolfo l'aide à s'asseoir et lui offre un verre de vin. Elle le remercie. Après quelques minutes, elle dit qu'elle va mieux et qu'elle doit partir. Mais alors qu'elle se tourne pour partir, elle se rend compte qu'elle a perdu sa clé. Sa bougie s'éteint dans le courant d'air et celle de Rodolfo s'éteint aussi ; le couple trébuche dans le noir. Rodolfo, désireux de passer du temps avec la jeune fille, qui l'attire déjà, trouve la clé et l'empoche, feignant l'innocence. Il lui prend la main froide (Che gelida manina – « Quelle petite main froide ») et lui raconte sa vie de poète, puis lui demande de lui en dire plus sur sa vie. La jeune fille dit qu'elle s'appelle Mimì (Sì, mi chiamano Mimì – "Oui, on m'appelle Mimì") et décrit sa vie simple de brodeuse. Impatients, les amis qui attendent appellent Rodolfo. Il répond et se tourne pour voir Mimì baignée de clair de lune (duo, Rodolfo et Mimì : O soave fanciulla – "Oh charmante fille"). Ils se rendent compte qu'ils sont tombés amoureux. Rodolfo propose de rester à la maison avec Mimì, mais elle décide de l'accompagner au Café Momus. En partant, ils chantent leur nouvel amour. Acte 2 Quartier Latin Une foule nombreuse, y compris des enfants, s'est rassemblée avec des vendeurs ambulants annonçant leurs produits (refrain : Aranci, datteri ! Caldi i marroni ! – « Oranges, dattes ! Marrons chauds ! »). Les amis arrivent ; Rodolfo achète à Mimì un bonnet chez un vendeur, tandis que Colline achète un manteau et Schaunard une corne. Les Parisiens bavardent entre amis et négocient avec les vendeurs ; les enfants des rues réclament à grands cris les marchandises de Parpignol, le vendeur de jouets. Les amis entrent au Café Momus. Alors que les hommes et Mimì dînent au café, Musetta, ancienne chérie de Marcello, arrive avec son riche (et âgé) ministre admirateur du gouvernement, Alcindoro, qu'elle tourmente. Il est clair qu'elle en a marre de lui. Pour le plus grand plaisir des Parisiens et l'embarras de son mécène, elle chante une chanson risquée (la valse de Musetta : Quando me'n vo' – « Quand j'avance »), dans l'espoir de reconquérir l'attention de Marcello. Le stratagème fonctionne ; en même temps, Mimì reconnaît que Musetta aime vraiment Marcello. Pour se débarrasser un peu d'Alcindoro, Musetta fait semblant d'avoir une chaussure serrée et l'envoie chez le cordonnier pour faire réparer sa chaussure. Alcindoro s'en va et Musetta et Marcello tombent ravis dans les bras l'un de l'autre. Les amis reçoivent leur facture. Le sac à main de Schaunard a disparu et personne d'autre n'a assez d'argent pour payer. La rusée Musetta fait imputer la totalité de la facture à Alcindoro. Le son d'une fanfare militaire se fait entendre et les amis s'en vont. Alcindoro revient avec la chaussure réparée à la recherche de Musetta. Le serveur lui tend l'addition et, médusé, Alcindoro se laisse tomber sur une chaise. Acte 3 Au péage de la Barrière d'Enfer (fin février) Les colporteurs franchissent les barrières et entrent dans la ville. Mimì apparaît en toussant violemment. Elle essaie de retrouver Marcello, qui vit actuellement dans une petite taverne où il peint des enseignes pour l'aubergiste. Elle lui raconte sa dure vie avec Rodolfo, qui l'a abandonnée la veille, et la terrible jalousie de Rodolfo (O buon Marcello, aiuto ! – « Oh, bon Marcello, aide-moi ! »). Marcello lui dit que Rodolfo dort à l'intérieur et s'inquiète de la toux de Mimì. Rodolfo se réveille et sort à la recherche de Marcello. Mimì se cache et entend Rodolfo dire d'abord à Marcello qu'il a quitté Mimì à cause de sa coquetterie, mais finalement avouer que sa jalousie est une imposture: il craint qu'elle ne soit lentement consumée par une maladie mortelle (très probablement la tuberculose, connue sous le nom fourre-tout de "consommation". " au XIXe siècle). Rodolfo, dans sa pauvreté, ne peut pas faire grand-chose pour aider Mimì et espère que sa prétendue méchanceté l'inspirera à chercher un autre prétendant plus riche (Marcello, finalmente – "Marcello, enfin"). Par gentillesse envers Mimì, Marcello essaie de le faire taire, mais elle a déjà tout entendu. Ses pleurs et sa toux révèlent sa présence et Rodolfo se précipite vers elle. Le rire de Musetta se fait entendre et Marcello va découvrir ce qui s'est passé. Mimì dit à Rodolfo qu'elle le quitte et demande qu'ils se séparent à l'amiable (Mimì : Donde lieta uscì – « D'ici, elle est partie avec joie ») ; mais leur amour l'un pour l'autre est trop fort pour que le couple se sépare. En guise de compromis, ils acceptent de rester ensemble jusqu'au printemps, lorsque le monde reprendra vie et que personne ne se sentira vraiment seul. Pendant ce temps, Marcello a retrouvé Musetta, et le couple se dispute violemment au sujet du flirt de Musetta : un contrepoint antithétique à la réconciliation de l'autre couple (quatuor : Mimì, Rodolfo, Musetta, Marcello : Addio dolce svegliare alla mattina ! – « Au revoir, doux réveil du matin ! »). Acte 4 De retour au grenier (quelques mois plus tard) Marcello et Rodolfo essaient de travailler, même s'ils parlent avant tout de leurs amies, qui les ont quittés et ont trouvé de riches amants. Rodolfo a vu Musetta dans une belle voiture et Marcello a vu Mimì habillée comme une reine. Les hommes expriment tous deux leur nostalgie (duo : O Mimì, tu più non torni – « O Mimì, tu ne reviendras pas ? »). Schaunard et Colline arrivent avec un dîner très frugal et tous parodient un banquet copieux, dansent ensemble et chantent, avant que Schaunard et Colline ne s'engagent dans un simulacre de duel. Musetta apparaît soudain ; Mimì, qui s'est liée avec un riche vicomte après avoir quitté Rodolfo au printemps, a quitté son patron. Musetta la trouva ce jour-là dans la rue, gravement affaiblie par sa maladie, et Mimì supplia Musetta de l'amener à Rodolfo. Mimì, hagarde et pâle, est assistée sur un lit. En bref, elle a l’impression de se rétablir. Musetta et Marcello partent vendre les boucles d'oreilles de Musetta afin d'acheter des médicaments, et Colline part mettre en gage son pardessus (Vecchia zimarra – "Vieux manteau"). Schaunard part avec Colline pour donner du temps ensemble à Mimì et Rodolfo. Mimì dit à Rodolfo que son amour pour lui est toute sa vie (air/duo, Mimì et Rodolfo : Sono andati ? – « Sont-ils partis ? »). Pour le plus grand plaisir de Mimì, Rodolfo lui offre le bonnet rose qu'il lui a acheté et qu'il a gardé en souvenir de leur amour. Ils se souviennent du bonheur passé et de leur première rencontre : les bougies, la clé perdue. Soudain, Mimi est prise d'une quinte de toux. Les autres reviennent, avec en cadeau un manchon pour réchauffer les mains de Mimì et des médicaments. Mimì remercie doucement Rodolfo pour le manchon, qu'elle croit être un cadeau de sa part, le rassure qu'elle va mieux et s'endort. Pendant que Musetta prie, Mimì meurt. Schaunard se rend compte que Mimì est morte. Rodolfo se rend compte que quelque chose ne va pas. Il se précipite vers le lit, crie le nom de Mimi avec angoisse et pleure, impuissant. Instrumentation La bohème est notée pour : * bois : 2 flûtes, piccolo, 2 hautbois, cor anglais, 2 clarinettes en la et si bémol, clarinette basse en la et si bémol, 2 bassons * cuivres : 4 cors en fa, 3 trompettes en fa, 3 trombones, trombone basse * percussions : timbales, caisse claire, triangle, cymbales, grosse caisse, xylophone, glockenspiel, carillons * cordes : harpe, violons I, II, alto, violoncelle, contrebasse Historique d'enregistrement La discographie de La bohème est longue avec de nombreux enregistrements distingués, dont l'enregistrement Decca de 1972 dirigé par Herbert von Karajan avec Luciano Pavarotti dans le rôle de Rodolfo et Mirella Freni dans le rôle de Mimì (réalisé avant que Pavarotti ne devienne une superstar internationale de l'opéra), March et al. (2009) p. 806 et l'enregistrement RCA Victor de 1973 dirigé par Sir Georg Solti avec Montserrat Caballé dans le rôle de Mimì et Plácido Domingo dans le rôle de Rodolfo qui a remporté le Grammy Award 1974 du meilleur enregistrement d'opéra. Le premier enregistrement complet commercialisé était probablement celui enregistré en février 1917 et sorti sur le label italien de HMV La Voce del Padrone. Carlo Sabajno a dirigé l'orchestre et le chœur de La Scala avec Gemma Bosini et Reno Andreini dans le rôle de Mimì et Rodolfo. L'un des plus récents est celui de Deutsche Grammophon en 2008 dirigé par Bertrand de Billy avec Anna Netrebko et Rolando Villazón dans le rôle de Mimì et Rodolfo. Il existe plusieurs enregistrements avec des chefs d'orchestre étroitement associés à Puccini. Dans l'enregistrement RCA Victor de 1946, Arturo Toscanini, qui a dirigé la première mondiale de l'opéra, dirige le NBC Symphony Orchestra avec Jan Peerce dans le rôle de Rodolfo et Licia Albanese dans le rôle de Mimì. C'est le seul enregistrement d'un opéra de Puccini par son chef d'orchestre original. Thomas Beecham, qui a travaillé en étroite collaboration avec Puccini lors de la préparation d'une production de La bohème en 1920 à Londres, a dirigé une représentation de l'opéra en anglais publié par Columbia Records en 1936 avec Lisa Perli dans le rôle de Mimì et Heddle Nash dans le rôle de Rodolfo. Beecham dirige également sur l'enregistrement RCA Victor de 1956 avec Victoria de los Ángeles et Jussi Björling dans le rôle de Mimì et Rodolfo. Bien que la grande majorité des enregistrements soient en italien original, l'opéra a été enregistré dans plusieurs autres langues. Il s'agit notamment : d'un enregistrement en français dirigé par Erasmo Ghiglia avec Renée Doria et Alain Vanzo dans le rôle de Mimì et Rodolfo (1960) ; un enregistrement en allemand avec Richard Kraus à la direction de l'Orchestre et du Chœur du Deutsche Oper de Berlin avec Trude Eipperle et Fritz Wunderlich dans le rôle de Mimì et Rodolfo (1956) ; et la sortie en 1998 sur le label Chandos Opera en anglais avec David Parry à la direction de l'Orchestre Philharmonia et Cynthia Haymon et Dennis O'Neill dans le rôle de Mimì et Rodolfo. Enrico Caruso, étroitement associé au rôle de Rodolfo, a enregistré le célèbre air "Che gelida manina" en 1906. Cet air a été enregistré par près de 500 ténors dans au moins sept langues différentes entre 1900 et 1980. En 1981, l'A.N.N.A. Record Company a sorti un set de six LP avec 101 ténors différents chantant l'air. L'acte manquant En 1957, la veuve d'Illica décède et ses papiers sont confiés au Musée de Parme. Parmi eux se trouvait le livret complet de La Bohème. On découvrit que les librettistes avaient préparé un acte que Puccini décida de ne pas utiliser dans sa composition. Il est remarquable pour expliquer les remarques jalouses de Rodolfo à Marcello dans l’acte 3. L'« acte manquant » se situe dans la chronologie entre la scène du Café Momus et l'acte 3 et décrit une fête en plein air chez Musetta. Son protecteur a refusé de payer un loyer supplémentaire par jalousie, et les meubles de Musetta sont déplacés dans la cour pour être vendus aux enchères le lendemain matin. Les quatre bohémiens y trouvent un prétexte pour une fête et organisent du vin et un orchestre. Musetta donne à Mimì une belle robe à porter et lui présente un vicomte. Le couple danse un quadrille dans la cour, ce qui rend Rodolfo jaloux. Ceci explique sa référence à l'acte 3 au "moscardino di Viscontino" (jeune dandy d'un vicomte). À mesure que l'aube approche, les marchands de meubles retirent progressivement les pièces pour la vente aux enchères du matin. Travaux dérivés En 1959, "Musetta's Waltz" a été adapté par l'auteur-compositeur Bobby Worth pour la chanson pop "Don't You Know?", un succès pour Della Reese. Auparavant, il avait été utilisé pour une autre chanson, "One Night of Love". En 1969 à Paris, le pianiste américain de free-jazz Dave Burrell enregistre sa La Vie de Bohème avec un groupe de sept musiciens européens et américains. La musique du double LP est improvisée et expérimentale, mais l'auditeur peut toujours discerner les thèmes de Puccini, ainsi que l'arc narratif de l'opéra complet. L'opéra a également été adapté sous forme de nouvelle en 1983 par le romancier V. S. Pritchett pour publication par la Metropolitan Opera Association. La Bohème : Una piccola storia sull'immortalità dell'amore e dell'amicizia de Carollina Fabinger est une version illustrée en italien pour les jeunes lecteurs publiée par Nuages, Milan, 2009. Une courte parodie, The One-Minute, Non-Musical La Boheme pour One or More Actors, de Meron Langsner a été publié par McSweeney's Internet Tendency en 2012. Modernisations Baz Luhrmann a produit l'opéra pour Opera Australia en 1990 avec des traductions de sous-titres modernisées et un budget de seulement 60 000 dollars australiens. Un DVD du spectacle sur scène a été publié. Selon Luhrmann, cette version s'est déroulée en 1957 (plutôt que dans la période originale de 1830) parce que "...[ils] ont découvert que 1957 correspondait très, très précisément aux réalités sociales et économiques de Paris dans les années 1840". En 2002, Luhrmann a remonté sa version à Broadway. La production a remporté deux Tony Awards sur six nominations ; pour la meilleure conception scénique et la meilleure conception d'éclairage ainsi qu'un prix spécial, le Tony Honor pour l'excellence en théâtre. Pour jouer les huit représentations par semaine à Broadway, trois distributions de Mimìs et Rodolfos, et deux Musettas et Marcellos, ont été utilisées en rotation. Rent, une comédie musicale de 1996 de Jonathan Larson, est basée sur La bohème. Ici, les amoureux, Roger et Mimi, sont confrontés au SIDA et progressent dans l'action avec des chansons comme "Light My Candle", qui font directement référence à La bohème. De nombreux noms de personnages sont conservés ou sont similaires (par exemple, le personnage Angel reçoit le nom de famille "Schunard"), et à un autre moment de la pièce, le colocataire et meilleur ami de Roger, Mark, fait une référence ironique à "La Valse de Musetta", qui est un thème récurrent tout au long du premier acte et joué à la fin du deuxième acte. Robin Norton-Hale a réalisé une nouvelle production produite par Adam Spreadbury-Maher au Cock Tavern Theatre de Kilburn pour OperaUpClose en décembre 2009. Initialement prévue pour une saison de six semaines, elle a été prolongée de cinq mois. La production s'est déroulée dans le nord de Londres actuel, plus précisément dans la région de Kilburn, qui est décrite comme une région « de magasins de livre et de paris, de main d'œuvre occasionnelle et de sous-locations bon marché. Une belle touche de vérisme, ceci – il a également le taux de production le plus élevé. infection tuberculeuse dans le Grand Londres. Bien que les actes 1, 3 et 4 de cette production se soient déroulés dans le petit théâtre à l'étage du pub, pour l'acte 2, l'ensemble du public et des acteurs est descendu au pub lui-même, les clients du pub servant de figurants dans la scène du Café Momus en 2010. transféré au Soho Theatre du West End pendant deux saisons à guichets fermés et a remporté un Laurence Olivier Award. La production a été reprise au Soho Theatre en 2011 et au Charing Cross Theatre en 2012.

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En quelle année est-il devenu obligatoire de porter la ceinture de sécurité sur les sièges avant des voitures au Royaume-Uni ?

1983

Une ceinture de sécurité, également appelée ceinture de sécurité, est un dispositif de sécurité pour véhicule conçu pour protéger l'occupant d'un véhicule contre les mouvements nuisibles pouvant survenir lors d'une collision ou d'un arrêt brusque. Une ceinture de sécurité a pour fonction de réduire le risque de décès ou de blessures graves lors d'une collision routière en réduisant la force des impacts secondaires avec des risques de collision intérieure, en maintenant les occupants correctement positionnés pour une efficacité maximale de l'airbag (le cas échéant) et en empêchant les occupants d'être éjectés. du véhicule en cas d'accident ou si le véhicule se renverse. En conduisant, le conducteur et les passagers roulent à la même vitesse que la voiture. Si la voiture s'arrête ou s'écrase soudainement, le conducteur et les passagers continuent à la même vitesse qu'avant l'arrêt de la voiture. Une ceinture de sécurité applique une force opposée au conducteur et aux passagers pour les empêcher de tomber ou d'entrer en contact avec l'intérieur de la voiture. Les ceintures de sécurité sont considérées comme des systèmes de retenue primaires (PRS) car elles jouent un rôle essentiel dans la sécurité des occupants. Efficacité Une analyse menée aux États-Unis en 1984 a comparé divers types de ceintures de sécurité seules ou en combinaison avec des coussins gonflables. La fourchette de réduction des décès pour les passagers avant était large, de 20 % à 55 %, tout comme celle des blessures graves, de 25 % à 60 %. Plus récemment, le CDC a résumé ces données en déclarant que « les ceintures de sécurité réduisent de moitié environ les blessures graves et les décès liés aux accidents ». Histoire Les ceintures de sécurité ont été inventées par l'ingénieur anglais George Cayley au milieu du XIXe siècle, bien que Edward J. Claghorn de New York ait obtenu le premier brevet (le 10 février 1885 pour une ceinture de sécurité). Claghorn a obtenu le brevet américain n° 312 085 pour une ceinture de sécurité destinée aux touristes, peintres, pompiers, etc. qui sont élevés ou abaissés, décrite dans le brevet comme « conçue pour être appliquée à la personne et équipée de crochets et d'autres attaches. pour attacher la personne à un objet fixe. En 1911, Benjamin Foulois fit confectionner par l'atelier de selle de cavalerie une ceinture pour le siège du Wright Flyer Signal Corps 1. Il voulait qu'elle le maintienne fermement dans son siège afin qu'il puisse mieux contrôler son avion alors qu'il bondissait le long du terrain accidenté utilisé pour le décollage. et atterrissage. Il a fallu attendre la Seconde Guerre mondiale pour que les ceintures de sécurité soient pleinement adoptées dans les avions militaires, et même à cette époque, c'était principalement pour des raisons de sécurité et non pour améliorer le contrôle de l'avion. En 1946, le Dr C. Hunter Shelden avait ouvert un cabinet neurologique au Huntington Memorial Hospital de Pasadena, en Californie. Au début des années 1950, le Dr Shelden avait apporté une contribution majeure à l'industrie automobile avec son idée de ceintures de sécurité rétractables. Cela s’explique en grande partie par le nombre élevé de blessures à la tête dans les salles d’urgence. Il a étudié les premières ceintures de sécurité dont la conception primitive était impliquée dans ces blessures et ces décès. Ses conclusions ont été publiées le 5 novembre 1955 dans le Journal of the American Medical Association (JAMA) dans lequel il proposait non seulement la ceinture de sécurité rétractable, mais également des volants encastrés, des toits renforcés, des arceaux de sécurité, des serrures de porte et des dispositifs de retenue passifs tels que le airbag. Par la suite, en 1959, le Congrès a adopté une loi exigeant que toutes les automobiles respectent certaines normes de sécurité. Les constructeurs automobiles américains Nash (en 1949) et Ford (en 1955) proposaient des ceintures de sécurité en option, tandis que le suédois Saab a introduit pour la première fois les ceintures de sécurité en standard en 1958. Après l'introduction de la Saab GT 750 au Salon automobile de New York en 1958 avec des ceintures de sécurité. montés de série, la pratique est devenue monnaie courante. Glenn Sheren de Mason, Michigan a déposé une demande de brevet le 31 mars 1955 pour une ceinture de sécurité automobile et a obtenu le brevet américain 2 855 215 en 1958. Il s'agissait d'une continuation d'une demande de brevet antérieure que M. Sheren avait déposée le 22 septembre 1952. Cependant, la première ceinture de sécurité moderne à trois points (appelée système de retenue CIR-Griswold) utilisée aujourd'hui dans la plupart des véhicules grand public a été brevetée en 1955 par les Américains Roger W. Griswold et Hugh DeHaven. Les accidents mortels de la route ont augmenté rapidement en Suède dans les années 1950. Lorsqu'une étude menée chez Vattenfall sur les accidents parmi les employés a révélé que la majorité des victimes étaient dues à des accidents de voiture, deux ingénieurs de Vattenfall (Bengt Odelgard et Per-Olof Weman) ont commencé à développer la ceinture de sécurité. Leurs travaux ont établi la norme en matière de ceintures de sécurité dans les voitures suédoises et ont été présentés au constructeur suédois Volvo à la fin des années 1950. La ceinture de sécurité à 3 points a été développée dans sa forme moderne par l'inventeur suédois Nils Bohlin pour Volvo, qui l'a introduite en 1959 comme équipement standard. En plus de concevoir une ceinture à trois points efficace, Bohlin a démontré son efficacité dans une étude portant sur 28 000 accidents en Suède. Les occupants non attachés ont subi des blessures mortelles sur toute l'échelle de vitesse, alors qu'aucun des occupants non attachés n'a été mortellement blessé à des vitesses d'accident inférieures à 60 mph. Aucun occupant ceinturé n'a été mortellement blessé si l'habitacle est resté intact. Bohlin a été accordé pour l'appareil. La première loi au monde sur le port de la ceinture de sécurité a été mise en place en 1970, dans l'État de Victoria, en Australie, rendant le port de la ceinture de sécurité obligatoire pour les conducteurs et les passagers avant. Cette législation a été adoptée après avoir testé les ceintures de sécurité Hemco, conçues par Desmond Hemphill (1926-2001), sur les sièges avant des véhicules de police, réduisant ainsi l'incidence des blessures et des décès des policiers. Les types Deux points Une ceinture à 2 points s'attache à ses deux extrémités et a été inventée au début des années 1900 par Jack Swearingen de Louisville, Kentucky. Genoux Une ceinture abdominale est une sangle qui passe autour de la taille. Il s'agissait du type de ceinture le plus couramment installé avant l'adoption de la législation exigeant les ceintures à 3 points, et on la trouve principalement dans les voitures plus anciennes. Les autocars sont équipés de ceintures sous-abdominales (bien que de nombreux autocars plus récents soient équipés de ceintures à trois points), tout comme les sièges des avions de passagers. Le professeur James J. (Crash) Ryan de l'Université du Minnesota était l'inventeur et détenait le brevet de la ceinture de sécurité abdominale à enroulement automatique. Ralph Nader a cité le travail de Ryan dans Unsafe at Any Speed ​​et, en 1966, le président Lyndon Johnson a signé deux projets de loi exigeant le port de la ceinture de sécurité dans tous les véhicules de tourisme à partir de 1968. Jusque dans les années 1980, les ceintures à trois points n'étaient généralement disponibles que sur les sièges extérieurs avant des voitures ; les sièges arrière n'étaient que souvent équipés de ceintures abdominales. La preuve du potentiel des ceintures sous-abdominales à provoquer une séparation des vertèbres lombaires et la paralysie parfois associée, ou « syndrome de la ceinture de sécurité », a conduit à une révision progressive des réglementations en matière de sécurité des passagers dans presque tous les pays développés pour exiger d'abord les ceintures à 3 points sur tous les moteurs hors-bord. places assises et éventuellement à toutes les places assises des véhicules de tourisme. Depuis le 1er septembre 2007, toutes les voitures neuves vendues aux États-Unis nécessitent une ceinture sous-abdominale et un baudrier sur le siège arrière central. Outre les changements réglementaires, le « syndrome de la ceinture de sécurité » a entraîné d'énormes responsabilités pour les constructeurs automobiles. Une affaire à Los Angeles a abouti à un verdict du jury de 45 millions de dollars contre la Ford Motor Company ; le jugement qui en a résulté, d'une valeur de 30 millions de dollars (après déductions pour un autre accusé réglé avant le procès), a été confirmé en appel en 2006. Ceinture Une « ceinture » ​​ou un harnais d'épaule est une sangle qui passe en diagonale sur l'épaule extérieure de l'occupant du véhicule et qui est bouclée à l'intérieur de ses genoux. Le harnais d'épaule peut être fixé à la languette de la ceinture sous-abdominale, ou il peut avoir une languette et une boucle complètement séparées de celles de la ceinture sous-abdominale. Des harnais d'épaule de ce type séparé ou semi-séparé ont été installés conjointement avec des ceintures sous-abdominales sur les sièges extérieurs avant de nombreux véhicules sur le marché nord-américain, depuis le début de l'exigence relative à la ceinture d'épaule de la Federal Motor de la National Highway Traffic Safety Administration des États-Unis. Norme de sécurité des véhicules 208 du 1er janvier 1968. Cependant, si la bandoulière est utilisée sans la ceinture sous-abdominale, l'occupant du véhicule est susceptible de « sous-mariner », ou de glisser vers l'avant dans le siège et de sortir de sous la ceinture, lors d'une collision frontale. Au milieu des années 1970, les systèmes de ceinture à 3 points tels que « Uni-Belt » de Chrysler ont commencé à supplanter les ceintures sous-abdominales et épaulière séparées dans les voitures fabriquées aux États-Unis, bien que de telles ceintures à 3 points aient déjà été fournies dans des véhicules européens tels que les Volvo. , Mercedes et Saabs depuis quelques années. Trois points Une ceinture à 3 points est un agencement en forme de Y, similaire aux ceintures abdominales et à ceinture séparées, mais unifiée. Comme la ceinture abdominale séparée, en cas de collision, la ceinture à 3 points répartit l'énergie du corps en mouvement sur la poitrine, le bassin et les épaules. Volvo a introduit la première ceinture à trois points de série en 1959. La première voiture équipée d'une ceinture à trois points était une Volvo PV 544 qui a été livrée à un concessionnaire à Kristianstad le 13 août 1959. Cependant, le premier modèle de voiture doté des trois points La ceinture de sécurité à deux points était un élément standard de la Volvo 122 de 1959, équipée pour la première fois d'une ceinture à deux points lors de la livraison initiale en 1958, remplacée par la ceinture de sécurité à trois points l'année suivante. La ceinture à trois points a été développée par Nils Bohlin, qui avait également travaillé auparavant sur les sièges éjectables chez Saab. Volvo a ensuite rendu public le nouveau brevet de conception de ceinture de sécurité dans l'intérêt de la sécurité et l'a mis gratuitement à la disposition d'autres constructeurs automobiles. Ceinture dans le siège (BIS) Le BIS est un harnais à trois points dont la ceinture diagonale est fixée au siège lui-même plutôt qu'à la structure du véhicule. La première voiture utilisant ce système fut la Range Rover Classic. L'équipement était standard sur les sièges avant à partir de 1970. Certaines voitures comme la Renault Vel Satis utilisent ce système pour les sièges avant. Une évaluation de General Motors a conclu que les ceintures de sécurité à 3 points montées sur les sièges offrent une meilleure protection, en particulier pour les petits occupants du véhicule, bien que GM n'ait pas constaté d'amélioration des performances de sécurité dans les véhicules équipés de ceintures de sécurité par rapport aux ceintures montées sur la carrosserie. Les courroies de type BIS ont été utilisées par les constructeurs automobiles dans les cabriolets et les toits rigides sans montant, où il n'y a pas de montant « B » pour fixer le support supérieur de la courroie. Chrysler et Cadillac sont bien connus pour utiliser cette conception. Les passionnés d'automobiles anciennes remplacent parfois les sièges d'origine de leurs voitures par des sièges avant équipés du BIS, offrant ainsi un degré de sécurité qui n'était pas disponible lorsque ces voitures étaient neuves. Cependant, les systèmes BIS modernes utilisent généralement des composants électroniques qui doivent être installés et connectés aux sièges et au système électrique du véhicule pour fonctionner correctement. 4, 5 et 6 points Les harnais à cinq points se trouvent généralement dans les sièges de sécurité pour enfants et dans les voitures de course. La partie abdominale est reliée à une ceinture entre les jambes et il y a deux ceintures d'épaule, soit un total de cinq points de fixation au siège. Un harnais 4 points est similaire, mais sans la sangle entre les jambes, tandis qu'un harnais 6 points possède deux ceintures entre les jambes. En NASCAR, le harnais à 6 points est devenu populaire après le décès de Dale Earnhardt, qui portait un harnais à cinq points lorsqu'il a subi son accident mortel ; comme on a d'abord pensé que sa ceinture s'était cassée et qu'il lui avait cassé le cou à l'impact, certaines équipes ont commandé un harnais à six points en réponse. Sept points Les avions de voltige utilisent fréquemment un harnais combiné composé d'un harnais à cinq points avec une ceinture sous-abdominale redondante attachée à une autre partie de l'avion. Tout en offrant une redondance pour les manœuvres à g négatif (qui soulèvent le pilote hors du siège) ; ils exigent également que le pilote déverrouille deux harnais s'il est nécessaire de sauter en parachute depuis un avion en panne. Technologie Écarteurs verrouillables Le but des enrouleurs verrouillables est de fournir à l'occupant assis la commodité d'un certain mouvement libre du haut du torse à l'intérieur du compartiment, tout en fournissant une méthode pour limiter ce mouvement en cas d'accident. La plupart des ceintures de sécurité modernes sont rangées sur des enrouleurs à ressort appelés « enrouleurs » équipés de mécanismes de verrouillage inertiel qui empêchent la ceinture de s'étendre hors de l'enrouleur lors d'une décélération importante. Il existe deux principaux types de verrous de ceinture de sécurité inertiels. Un verrou sensible à la sangle est basé sur un embrayage centrifuge activé par une accélération rapide de la sangle (sangle) depuis la bobine. La ceinture ne peut être retirée de l'enrouleur que lentement et progressivement, par exemple lorsque l'occupant étend la ceinture pour la boucler. Une traction soudaine et rapide sur la ceinture, comme lors d'un freinage brusque ou d'une collision, provoque le verrouillage de l'enrouleur, retenant ainsi l'occupant en position. Un verrou sensible au véhicule est basé sur un pendule qui s'écarte de sa position d'aplomb par une décélération rapide ou un retournement du véhicule. En l'absence de décélération rapide ou de retournement, l'enrouleur est déverrouillé et la sangle de ceinture peut être tirée de l'enrouleur contre la tension du ressort de l'enrouleur. L'occupant du véhicule peut se déplacer avec une relative liberté tandis que la tension du ressort de l'enrouleur maintient la ceinture tendue contre l'occupant. Lorsque le pendule s'écarte de sa position d'aplomb normale en raison d'une décélération soudaine ou d'un retournement, un cliquet s'enclenche, l'enrouleur se verrouille et la sangle retient l'occupant attaché en position. Les enrouleurs de verrouillage à double détection utilisent à la fois la charge G du véhicule et le taux de déploiement de la sangle pour lancer le mécanisme de verrouillage. Prétensionneurs et webclamps Les ceintures de sécurité de nombreux véhicules plus récents sont également équipées de « prétensionneurs » ou de « pinces à sangle », ou les deux. Les prétensionneurs resserrent la ceinture de manière préventive pour empêcher l'occupant de se projeter en avant en cas de collision. Mercedes-Benz a introduit pour la première fois les prétensionneurs sur la Classe S de 1981. En cas de collision, un prétensionneur resserrera la ceinture presque instantanément. Cela réduit le mouvement de l'occupant en cas de collision violente. Comme les airbags, les prétensionneurs sont déclenchés par des capteurs situés dans la carrosserie de la voiture, et de nombreux prétensionneurs utilisent un gaz en expansion explosive pour entraîner un piston qui rétracte la ceinture. Les prétensionneurs réduisent également le risque de « sous-marinage », qui se produit lorsqu'un passager glisse vers l'avant sous une ceinture de sécurité mal ajustée. Certains systèmes tendent également la ceinture de manière préventive lors d'accélérations rapides et de fortes décélérations, même si aucun accident ne s'est produit. Cela présente l'avantage d'empêcher le conducteur de glisser hors de sa position lors de manœuvres d'évitement violentes, ce qui pourrait entraîner une perte de contrôle du véhicule. Ces systèmes de sécurité préventifs peuvent empêcher certaines collisions et réduire les blessures en cas de collision réelle. Les systèmes préemptifs utilisent généralement des prétensionneurs électriques pouvant fonctionner de manière répétée et prolongée, plutôt que des prétensionneurs pyrotechniques qui ne peuvent fonctionner qu'une seule fois. Les serre-sangles maintiennent la sangle en cas d'accident et limitent la distance sur laquelle la sangle peut s'enrouler (causée par le serrage de la sangle inutilisée sur le tambour central du mécanisme). Ces ceintures intègrent également souvent une boucle de gestion de l'énergie (« couture rip ») dans laquelle une section de la sangle est bouclée et cousue avec une couture spéciale. La fonction de celui-ci est de « déchirer » une charge prédéterminée, ce qui réduit la force maximale transmise par la ceinture à l'occupant lors d'une violente collision, réduisant ainsi les blessures de l'occupant. Une étude a démontré que les systèmes de retenue à 3 points standards pour automobiles, équipés de prétensionneurs pyrotechniques ou électriques, n'étaient pas en mesure d'éliminer tous les coups de tête à l'intérieur de l'habitacle lors d'essais de retournement. Les prétensionneurs électriques sont souvent intégrés aux véhicules équipés de systèmes de pré-collision ; ils sont conçus pour réduire le jeu de la ceinture de sécurité en cas de collision potentielle et aider à placer les occupants dans une position assise plus optimale. Les prétensionneurs électriques peuvent également fonctionner de manière répétée ou soutenue, offrant ainsi une meilleure protection en cas de retournement prolongé ou de collision multiple. Gonflable La ceinture de sécurité gonflable a été inventée par Donald Lewis et testée à la division des produits automobiles d'Allied Chemical Corporation. Les ceintures de sécurité gonflables comportent des vessies gonflables tubulaires contenues dans une enveloppe extérieure. Lorsqu'un accident se produit, la vessie se gonfle avec un gaz pour augmenter la zone de retenue en contact avec l'occupant et raccourcir également la longueur de la retenue pour resserrer la ceinture autour de l'occupant, améliorant ainsi la protection. Les sections gonflables peuvent être réservées aux épaules ou aux genoux et aux épaules. Le système soutient mieux la tête pendant l'accident qu'une ceinture uniquement en toile. Il offre également une protection contre les chocs latéraux. En 2013, Ford a commencé à proposer des ceintures de sécurité gonflables pour les sièges arrière sur un ensemble limité de modèles, tels que l'Explorer et le Flex. Automatique Les ceintures de sécurité qui se mettent automatiquement en place autour d'un occupant du véhicule une fois la porte adjacente fermée et/ou le moteur démarré ont été développées comme contre-mesure contre le faible taux d'utilisation des ceintures de sécurité manuelles, en particulier aux États-Unis. La première voiture équipée de ceintures d'épaule automatiques en équipement standard fut la Toyota Cressida de 1981, mais l'histoire de ces ceintures remonte plus loin. Le véhicule de sécurité expérimental Volkswagen ESVW1 de 1972 présentait des ceintures de sécurité passives. Volvo a tenté de développer une ceinture de sécurité passive à trois points. En 1973, Volkswagen a annoncé qu'elle disposait d'une ceinture de sécurité passive fonctionnelle. La première voiture commerciale à utiliser des ceintures de sécurité automatiques fut la Volkswagen Rabbit de 1975. Les ceintures de sécurité automatiques ont reçu un coup de pouce aux États-Unis en 1977 lorsque Brock Adams, secrétaire américain aux Transports dans l'administration Carter, a exigé que d'ici 1983, chaque nouvelle voiture soit équipée soit d'airbags, soit de ceintures de sécurité automatiques, malgré le fort lobbying de l'industrie automobile. Adams a été attaqué par Ralph Nader, qui a déclaré que l'échéance de 1983 était trop tard. Peu de temps après, General Motors a commencé à proposer des ceintures de sécurité automatiques, d'abord sur la Chevrolet Chevette, mais au début de 1979, la VW Rabbit et la Chevette étaient les seules voitures à offrir cette fonction de sécurité, et GM faisait état de ventes décevantes. Début 1978, Volkswagen avait signalé 90 000 lapins vendus avec des ceintures de sécurité automatiques. Une étude publiée en 1978 par le ministère des Transports des États-Unis affirmait que les voitures équipées de ceintures de sécurité automatiques avaient un taux de mortalité de 0,78 par 100 millions de miles, contre 2,34 pour les voitures équipées de ceintures de sécurité manuelles ordinaires. En 1981, Drew Lewis, le premier secrétaire aux Transports de l'administration Reagan, influencé par des études réalisées par l'industrie automobile, a « tué » le mandat de l'administration précédente ; la décision a été annulée par une cour d'appel fédérale l'année suivante, puis par la Cour suprême. En 1984, l’administration Reagan a changé de cap, même si entre-temps le délai initial avait été prolongé ; Elizabeth Dole, alors secrétaire aux Transports, a proposé que les deux systèmes de retenue de sécurité passive soient progressivement introduits dans les véhicules, de l'année modèle 1987 à l'année modèle 1990, lorsque tous les véhicules devraient être équipés soit de ceintures de sécurité automatiques, soit de coussins gonflables latéraux côté conducteur. Bien que cela soit plus gênant pour les occupants du véhicule, la plupart des constructeurs ont choisi d'utiliser des ceintures automatiques moins coûteuses plutôt que des airbags pendant cette période. Lorsque les airbags latéraux du conducteur sont devenus obligatoires sur tous les véhicules de tourisme au cours de l'année modèle 1995, la plupart des constructeurs ont cessé d'équiper les voitures de ceintures de sécurité automatiques. Les exceptions incluent la Ford Escort/Mercury Tracer 1995-1996 et l'Eagle Summit Wagon qui étaient équipés de ceintures de sécurité automatiques ainsi que de doubles airbags. Systèmes * Ceinture abdominale manuelle avec ceinture épaulière motorisée automatique — Lorsque la porte est ouverte, la ceinture épaulière se déplace d'un point fixe près du dossier du siège sur un rail monté dans le cadre de porte de la voiture jusqu'à un point à l'autre extrémité du rail près du dossier. le pare-brise. Une fois la porte fermée et la voiture démarrée, la ceinture recule le long du rail jusqu'à sa position d'origine, sécurisant ainsi le passager. La ceinture abdominale doit être bouclée manuellement. * Ceinture abdominale manuelle avec ceinture épaulière automatique non motorisée — Ce système était utilisé dans les véhicules du marché américain tels que la Hyundai Excel et la Volkswagen Jetta. La ceinture diagonale est fixée au coin supérieur arrière de la porte du véhicule et n'est pas motorisée. La ceinture abdominale doit être bouclée manuellement. * Ceintures d'épaule et abdominales automatiques — Ce système était principalement utilisé dans les véhicules General Motors, bien qu'il ait également été utilisé sur certaines berlines Honda Civic et coupés Nissan Sentra. Lorsque la porte est ouverte, les ceintures partent d'un point fixe au milieu de la voiture près du plancher jusqu'aux enrouleurs sur la porte. Les passagers doivent se glisser dans la voiture sous les ceintures. Lorsque la porte se ferme, la ceinture de sécurité se rétracte dans la porte. Les ceintures sont dotées de boutons de déverrouillage normaux qui sont censés être utilisés uniquement en cas d'urgence, mais qui, en pratique, sont couramment utilisés de la même manière que les fermoirs manuels des ceintures de sécurité. Désavantages Les systèmes de ceintures automatiques offrent généralement une protection inférieure aux occupants en cas de collision. Dans les systèmes avec des ceintures attachées à la porte plutôt qu'à une partie fixe plus solide de la carrosserie du véhicule, un accident provoquant l'ouverture de la porte du véhicule laisse l'occupant sans protection de ceinture. Dans un tel scénario, l'occupant pourrait être éjecté du véhicule et subir des blessures encore plus graves, voire la mort. Étant donné que de nombreux modèles de systèmes de ceintures automatiques conformes au mandat américain de retenue passive ne répondaient pas aux exigences de performance en matière de sécurité du Canada – qui n'étaient pas affaiblies pour accueillir les ceintures automatiques – les modèles de véhicules qui avaient été admissibles à une importation facile dans les deux sens à travers les États-Unis et le Canada La frontière, lorsqu'elle était équipée de courroies manuelles, est devenue inadmissible à l'importation dans les deux sens une fois que les variantes américaines ont reçu des courroies automatiques et que les versions canadiennes ont conservé des courroies manuelles. Deux de ces modèles étaient la Dodge Spirit et la Plymouth Acclaim. Les systèmes à courroies automatiques présentent également plusieurs inconvénients opérationnels. Les automobilistes qui porteraient normalement la ceinture de sécurité doivent néanmoins boucler la ceinture abdominale manuelle, rendant ainsi superflue l'automatisation de la ceinture diagonale. Ceux qui n’attachent pas la ceinture sous-abdominale se retrouvent insuffisamment protégés par la seule ceinture épaulière ; lors d'un accident sans ceinture abdominale, un tel occupant du véhicule risque de « sous-mariner » (être projeté en avant sous la ceinture épaulière) et d'être grièvement blessé. Les ceintures d'épaule motorisées ou fixées aux portes gênent l'accès au véhicule, ce qui rend difficile l'entrée et la sortie, en particulier si l'occupant transporte des objets tels qu'une boîte ou un sac à main. Les propriétaires de véhicules ont tendance à déconnecter la ceinture diagonale motorisée ou fixée à la porte pour atténuer les nuisances liées à l'entrée et à la sortie du véhicule, ne laissant qu'une ceinture abdominale pour la protection en cas de collision. De plus, de nombreux systèmes de ceinture de sécurité automatiques sont incompatibles avec les sièges de sécurité pour enfants ou compatibles uniquement avec des modifications spéciales. Homologation et tests Entre 1971 et 1972, les États-Unis ont mené un projet de recherche sur l'efficacité des ceintures de sécurité auprès d'un total de 40 000 occupants de véhicules, à l'aide des rapports d'accidents de voiture recueillis au cours de cette période. Sur ces 40 000 occupants, 18 % portaient une ceinture sous-abdominale ou une ceinture de sécurité à deux points, 2 % portaient une ceinture de sécurité à trois points et les 80 % restants ne portaient aucune ceinture de sécurité. Les résultats ont conclu que les utilisateurs de la ceinture sous-abdominale à deux points avaient un taux de mortalité inférieur de 73 %, un taux de blessures graves inférieur de 53 % et un taux de blessures inférieur de 38 %, par rapport aux occupants signalés sans retenue. De même, les utilisateurs de la ceinture de sécurité à trois points présentaient un taux de blessures graves inférieur de 60 % et un taux inférieur de 41 % pour toutes les autres blessures. Sur les 2 % décrits comme portant une ceinture de sécurité à trois points, aucun décès n'a été signalé. Cette étude et d'autres ont conduit au programme d'évaluation des systèmes de retenue (RSEP), lancé par la National Highway Transport Safety Authority en 1975 pour accroître la fiabilité et l'authenticité des études antérieures. Une étude menée dans le cadre de ce programme a utilisé les données de 15 000 accidents de remorquage impliquant uniquement des modèles de voitures fabriqués entre 1973 et 1975. L'étude a révélé que pour les blessures considérées comme « modérées » ou pires, les personnes portant une ceinture de sécurité à trois points avaient un Taux de blessures 56,5 % inférieur à celui des personnes ne portant pas de ceinture de sécurité. L'étude a également conclu que l'efficacité de la ceinture de sécurité ne différait pas selon la taille de la voiture. Il a été déterminé que la variation entre les résultats des nombreuses études menées dans les années 1960 et 1970 était due à l'utilisation de méthodologies différentes et ne pouvait être attribuée à une variation significative de l'efficacité des ceintures de sécurité. Contribuant à améliorer les appareils de sécurité dans les véhicules, les tests de blessures et l'efficacité des ceintures de sécurité sont testés aujourd'hui par le groupe de recherche sur la sécurité automobile de la Wayne State University, ainsi que par d'autres chercheurs. Le centre de bioingénierie de Wayne State utilise des cadavres humains dans ses recherches sur les crash tests. Albert King, directeur du Centre, a écrit dans son article de 1995 intitulé « Humanitarian Benefits of Cadaver Research on Injury Prevention » que l'utilisation de cadavres dans ce type de recherche depuis 1987 a sauvé et continuera de sauver près de 8 500 vies chaque année, en raison de les améliorations de la sécurité des véhicules rendues possibles par les tests sur des cadavres humains. Il indique également que grâce aux améliorations apportées aux ceintures de sécurité à trois points, 61 vies en moyenne sont sauvées par an. Le New Car Assessment Program (NCAP) a été mis en place par la National Highway Traffic Safety Administration des États-Unis en 1979. Le NCAP est un programme gouvernemental qui évalue la conception de la sécurité des véhicules et établit des normes pour les constructeurs automobiles étrangers et nationaux. L'agence a mis en place un système de notation et exige l'accès aux résultats des tests de sécurité. , les constructeurs sont tenus d'apposer une note NCAP sur l'autocollant du prix de l'automobile. Expérimental Des efforts de recherche et de développement sont en cours pour améliorer les performances de sécurité des ceintures de sécurité des véhicules. Certaines conceptions expérimentales comprennent : *Ceinture de sécurité expérimentale croisée présentée dans le Volvo SCC. Il forme une traverse sur la poitrine. * Ceinture de sécurité 3+2 points : Ceinture de sécurité expérimentale d'Autoliv similaire au sillonné. Le 3+2 améliore la protection contre les renversements et les impacts latéraux. * Ceinture et bretelles à quatre points : une conception expérimentale de Ford où les "bretelles" sont fixées au dossier et non au châssis de la voiture. * Ceinture de sécurité réglable 3 points : ceinture de sécurité expérimentale de [http://gwrco.com/ GWR Safety Systems] qui permettait à la voiture Hiriko, conçue par le MIT, de se replier sans compromettre la sécurité et le confort des occupants. Sur les sièges arrière En 1955 (en tant qu'ensemble de 1956), Ford proposait des ceintures de sécurité sous-abdominales uniquement sur les sièges arrière en option dans l'ensemble de sécurité Lifeguard. En 1967, Volvo a commencé à installer des ceintures abdominales sur les sièges arrière. En 1972, Volvo a remplacé les ceintures de sécurité arrière par des ceintures à trois points. En cas d'accident, le fait que les passagers arrière ne portent pas leur ceinture augmente de près de cinq fois le risque de décès des occupants des sièges avant portant leur ceinture. Enfants occupants Comme pour les conducteurs et passagers adultes, l'avènement des ceintures de sécurité s'est accompagnée d'appels à leur utilisation par les enfants occupants, y compris une législation exigeant un tel usage. En général, les enfants utilisant des ceintures de sécurité pour adultes présentent un risque de blessure nettement inférieur à celui des enfants qui ne les bouclent pas. Le Royaume-Uni a étendu le port obligatoire de la ceinture de sécurité aux enfants de moins de 14 ans en 1989. Il a été observé que cette mesure s'accompagnait d'une augmentation de 10 % des décès et de 12 % des blessures parmi la population cible. Lors d'accidents, les jeunes enfants qui portent des ceintures de sécurité pour adultes peuvent subir des blessures du « syndrome de la ceinture de sécurité », notamment des intestins sectionnés, des diaphragmes rompus et des lésions de la colonne vertébrale. Il existe également des recherches suggérant que les enfants placés dans des dispositifs de retenue inappropriés courent un risque considérablement accru de traumatisme crânien. L'un des auteurs de cette recherche aurait déclaré que : "Le passage précoce des enfants aux ceintures sous-abdominales et épaulière pour adultes est l'une des principales causes de blessures et décès d'enfants occupants. À la suite de ces constatations, de nombreuses juridictions préconisent ou exigent désormais que les enfants passagers utilisent des dispositifs de retenue pour enfants spécialement conçus. Ces systèmes comprennent des sièges séparés pour enfants dotés de leurs propres dispositifs de retenue et des coussins rehausseurs pour les enfants utilisant des dispositifs de retenue pour adultes. Dans certaines juridictions, il est interdit aux enfants d'une taille inférieure à une certaine taille de voyager dans les sièges avant de la voiture. » Carillon et lumière de rappel En Europe et dans certaines autres régions du monde, la plupart des voitures modernes incluent un voyant de rappel de ceinture de sécurité pour le conducteur et certaines incluent également un rappel pour le passager, le cas échéant, activé par un capteur de pression sous le siège passager. Certaines voitures feront clignoter le témoin de rappel par intermittence et feront retentir le carillon jusqu'à ce que le conducteur (et parfois le passager avant, le cas échéant) attache sa ceinture de sécurité. En Amérique du Nord, les voitures vendues depuis le début des années 1970 sont équipées d'un système de rappel audiovisuel composé d'un témoin lumineux sur le tableau de bord et d'un avertisseur sonore ou d'un carillon rappelant au conducteur et aux passagers d'attacher leur ceinture. À l'origine, ces feux étaient accompagnés d'un avertisseur sonore chaque fois que la transmission était dans n'importe quelle position sauf stationnement si le conducteur n'était pas attaché ou, comme déterminé par un capteur de pression dans le siège du passager, s'il y avait un passager non attaché. Cependant, cela a été considéré par beaucoup comme un désagrément majeur, car la lumière serait allumée et le buzzer sonnerait en continu si les passagers avant n'étaient pas attachés. Par conséquent, les personnes qui ne souhaitaient pas boucler leur ceinture de sécurité contourneraient ce système en bouclant leur ceinture de sécurité avec le siège vide et en les laissant ainsi. Pour lutter contre cette habitude dangereuse, en 1971, la NHTSA a modifié la norme fédérale de sécurité des véhicules automobiles № 208 (FMVSS 208) pour exiger un système de verrouillage de ceinture de sécurité/démarreur pour empêcher le démarrage des voitures particulières avec un occupant du siège avant non attaché. Ce mandat s'appliquait aux voitures particulières construites après août 1973, c'est-à-dire à partir de l'année modèle 1974. Les spécifications exigeaient que le système permette de démarrer la voiture uniquement si la ceinture d'un siège occupé était bouclée après que l'occupant s'est assis, de sorte que le pré-bouclage des ceintures ne mettrait pas en échec le système. Les systèmes de verrouillage utilisaient des modules logiques suffisamment complexes pour nécessiter des ordinateurs de diagnostic spéciaux et n'étaient pas entièrement fiables : un bouton de neutralisation était prévu sous le capot des voitures équipées, permettant une (mais une seule) tentative de démarrage « libre » à chaque fois qu'il était enfoncé. Cependant, le système de verrouillage a suscité de vives réactions de la part du public américain, qui a largement rejeté les ceintures de sécurité. En 1974, le Congrès a interdit à la NHTSA d'exiger ou d'autoriser un système qui empêche un véhicule de démarrer ou de fonctionner avec un occupant non attaché, ou qui émet un avertissement sonore en cas de ceinture non attachée pendant plus de 8 secondes après la mise du contact. Cette interdiction est entrée en vigueur le 27 octobre 1974, peu après le début de l'année modèle 1975. En réponse à l'action du Congrès, la NHTSA a de nouveau modifié la FMVSS 208, exigeant que les véhicules soient équipés d'un système de rappel de ceinture de sécurité qui émet un signal sonore pendant 4 à 8 secondes et un voyant d'avertissement pendant au moins 60 secondes après la mise du contact si le contact est mis. la ceinture de sécurité du conducteur n'est pas bouclée. C'est ce qu'on appelle un système de rappel de ceinture de sécurité (SBR). Au milieu des années 1990, une compagnie d'assurance suédoise appelée Folksam a travaillé avec Saab et Ford pour déterminer les exigences relatives au rappel de ceinture de sécurité le plus efficace. Selon l'étude, l'une des caractéristiques du SBR optimal est que l'avertissement sonore devient de plus en plus pénétrant à mesure que la ceinture de sécurité reste débouclée longtemps. En 2003, le comité du Transportation Research Board, présidé par deux psychologues, a rapporté que les ESBR pourraient sauver 1 000 vies supplémentaires par an. Une recherche menée par l'Insurance Institute for Highway Safety a révélé que l'ESBR de Ford, qui émet un carillon intermittent jusqu'à cinq minutes si le conducteur n'a pas bouclé sa ceinture, sonnant pendant 6 secondes puis s'arrêtant pendant 30, augmentait l'utilisation de la ceinture de sécurité de 5 pour cent. Farmer et Wells ont constaté que les taux de mortalité des conducteurs étaient 6 % inférieurs pour les véhicules équipés de l'ESBR par rapport aux véhicules identiques sans. Efficacité En 2001, le Congrès a demandé à la NHSTA d'étudier les avantages de la technologie destinée à accroître l'utilisation des ceintures de sécurité. La NHSTA a constaté que l'utilisation de la ceinture de sécurité avait augmenté de 73 % depuis l'introduction initiale du système SBR. En 2002, Ford a démontré que les ceintures de sécurité étaient davantage utilisées dans les Ford équipées de rappels de ceinture de sécurité que dans celles qui n'en étaient pas dotées : 76 % et 71 % respectivement. En 2007, Honda a mené une étude similaire et a constaté que 90 % des personnes qui conduisaient une Honda avec un rappel de ceinture de sécurité utilisaient une ceinture de sécurité, tandis que 84 % des personnes qui conduisaient une Honda sans rappel de ceinture de sécurité utilisaient une ceinture de sécurité. Législation Des études observationnelles sur la morbidité et la mortalité dans les accidents de voiture, des expériences utilisant à la fois des mannequins de crash-test et des cadavres humains indiquent que le port de la ceinture de sécurité réduit considérablement le risque de décès et de blessures dans la majorité des accidents de voiture. Cela a conduit de nombreux pays à adopter des lois sur le port obligatoire de la ceinture de sécurité. Il est généralement admis que, en comparant des accidents comparables, un occupant d'un véhicule qui ne porte pas une ceinture de sécurité correctement ajustée a un risque de décès et de décès significativement plus élevé.

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Dans quel État américain se trouve le barrage d'Oroville ?

Californie

Le barrage d'Oroville est un barrage en remblai en terre situé sur la rivière Feather, à l'est de la ville d'Oroville, en Californie, aux États-Unis. À 770 pieds de haut, c'est le plus haut barrage des États-Unis et sert principalement à l'approvisionnement en eau, à la production d'hydroélectricité et au contrôle des inondations. Le barrage retient le lac Oroville, le deuxième plus grand lac artificiel de l'État de Californie, capable de stocker plus de 3,5 millions d'acres-pieds (4,4 km3), et est situé dans les contreforts de la Sierra Nevada à l'est de la vallée de Sacramento. Construit par le Département des ressources en eau de Californie (DWR), le barrage d'Oroville est l'un des éléments clés du California State Water Project (SWP), l'un des deux projets majeurs adoptés qui ont mis en place le système d'approvisionnement en eau de l'État de Californie. La construction a commencé en 1961, et malgré de nombreuses difficultés rencontrées lors de sa construction, notamment de multiples inondations et un accident de train majeur sur la voie ferrée utilisée pour transporter les matériaux jusqu'au site du barrage, le remblai a été complété en 1967 et l'ensemble du projet était prêt à démarrer. utilisation en 1968. Le barrage a commencé à produire de l'électricité après l'achèvement de la centrale électrique à pompe Edward Hyatt, alors la plus grande centrale électrique souterraine du pays. Depuis son achèvement en 1968, le barrage d'Oroville a réparti le débit de la rivière Feather depuis le delta de Sacramento-San Joaquin vers l'aqueduc de Californie du State Water Project, qui fournit un approvisionnement important en eau pour l'irrigation de la vallée de San Joaquin ainsi que pour les municipalités. et l'approvisionnement en eau industrielle de la côte sud de la Californie, et a évité d'importants dégâts causés par les inondations dans la région - plus de 1,3 milliard de dollars entre les années 1987 et 1999. Le barrage a limité la migration des poissons vers le haut de la rivière Feather et le débit contrôlé de la rivière. car le barrage d'Oroville a affecté l'habitat riverain. Plusieurs objectifs pour tenter de contrer les impacts du barrage sur les poissons anadromes ont inclus la construction d'un incubateur de saumons/truites arc-en-ciel sur la rivière qui a commencé peu de temps après l'achèvement du barrage. Histoire En 1935, les travaux ont commencé sur le Central Valley Project (CVP), un projet fédéral d'approvisionnement en eau qui développerait les systèmes fluviaux Sacramento et San Joaquin pour l'irrigation de la très fertile vallée centrale. Cependant, après la fin de la Seconde Guerre mondiale en 1945, l'État a connu un boom économique qui a conduit à une croissance urbaine et commerciale rapide dans les parties centrale et méridionale de l'État, et il est devenu clair que l'économie californienne ne pouvait pas dépendre uniquement d'un État. système d'eau orienté principalement vers l'agriculture. Une nouvelle étude des approvisionnements en eau de Californie par la Division des ressources en eau (aujourd'hui Département des ressources en eau de Californie, DWR) a été réalisée en vertu d'une loi de la législature de l'État de Californie en 1945. En 1951, l'ingénieur de l'État de Californie, A.D. Edmonston, a proposé le projet Feather River, le prédécesseur direct du SWP, qui comprenait un barrage majeur sur la rivière Feather à Oroville, ainsi que des aqueducs et des usines de pompage pour transférer l'eau stockée vers des destinations du centre et du sud de la Californie. Le projet proposé a été fortement opposé par les électeurs de Californie du Nord et de certaines parties de la Californie du Sud qui recevaient de l'eau du fleuve Colorado, mais a été soutenu par d'autres Californiens du Sud et par les agriculteurs de la vallée de San Joaquin. Cependant, d'importantes inondations dans les années 1950 ont conduit à l'adoption en 1957 d'un projet de loi d'urgence sur le contrôle des crues qui prévoyait un financement suffisant pour la construction d'un barrage à Oroville, qu'il fasse ou non partie du SWP. L'inauguration des travaux du site du barrage a eu lieu en mai 1957 avec le déplacement des voies ferrées du Western Pacific Railroad qui traversaient le canyon de la rivière Feather. La loi Burns-Porter, qui autorisait le SWP, n’a été adoptée que le 8 novembre 1960 – et seulement avec une faible marge. L'ingénieur Donald Thayer du DWR a été chargé de concevoir et de diriger la construction du barrage d'Oroville, et le contrat de travail principal a été attribué à Oro Dam Constructors Inc., une coentreprise dirigée par Oman Construction Co. Deux tunnels de dérivation revêtus de béton, mesurant chacun 4 400 pieds de long et 35 pieds de diamètre, ont été creusés pour canaliser la rivière Feather autour du site du barrage. L'un des tunnels était situé au niveau de la rivière et transporterait les débits d'eau normaux, tandis que le second ne serait utilisé qu'en cas de crue. En mai 1963, les ouvriers ont coulé le dernier des 252 000 m3 de béton qui constituaient le batardeau de 128 pieds de haut, qui protégerait le chantier de construction des inondations. Cette structure servira plus tard de noyau imperméable pour le barrage achevé. Une fois le batardeau en place, une voie ferrée de 18 km a été construite pour déplacer la terre et les roches jusqu'au site du barrage. En moyenne, 120 wagons circulaient sur la ligne chaque heure, transportant des remblai qui provenaient principalement d'énormes tas de débris miniers hydrauliques qui ont été emportés par la rivière Feather après la ruée vers l'or en Californie. Le 22 décembre 1964, la catastrophe a failli se produire lorsque la rivière Feather, après des jours de fortes pluies, a atteint un débit de pointe de 250 000 pieds cubes/s au-dessus du site du barrage d'Oroville. L'eau est montée derrière le barrage en remblai partiellement achevé et l'a presque dépassé, tandis qu'un maximum de 157 000 pieds cubes/s s'échappait des tunnels de dérivation. Cette crue de Noël de 1964 a été l'une des inondations les plus désastreuses jamais enregistrées dans le nord de la Californie, mais le barrage incomplet a réussi à réduire le débit de pointe de la rivière Feather de près de 40 %, évitant ainsi des dégâts massifs dans la région. Dix mois plus tard, quatre hommes sont morts dans un tragique accident survenu sur la voie ferrée en construction. Le 7 octobre 1965, deux trains de travaux de 40 wagons, l'un entièrement chargé et l'autre vide, sont entrés en collision frontale à l'entrée d'un tunnel, enflammant 10 000 gallons de carburant diesel, détruisant complètement les deux locomotives. Le carburant en combustion provenant de la collision a déclenché un incendie de forêt qui a brûlé 100 acres avant de pouvoir être éteint. L'accident a retardé la construction du barrage d'une semaine le temps de nettoyer l'épave du train. Le barrage d'Oroville a été conçu pour résister au tremblement de terre le plus puissant possible dans la région et a été équipé de centaines d'instruments servant à mesurer la pression de l'eau et le tassement du remblai de terre utilisé dans sa construction, ce qui lui a valu le surnom de « barrage qui répond ». (On pense qu'un tremblement de terre de MW 5,7 dans la région d'Oroville en 1975 a été causé par la sismicité induite par le poids du barrage d'Oroville et du réservoir lui-même sur une ligne de faille locale.) Le remblai a finalement été complété le 6 octobre 1967, avec le dernier des 155 millions de tonnes (140,6 millions de t) de matériaux qui ont nécessité plus de 40 000 voyages en train pour être transportés. Le 4 mai 1968, le barrage d'Oroville a été officiellement inauguré par l'État de Californie. Parmi les personnalités notables présentes figuraient le juge en chef (ancien gouverneur de Californie) Earl Warren, le sénateur Thomas Kuchel et le représentant de Californie Harold T. « Bizz » Johnson. L'inauguration a été accompagnée d'une semaine de festivités dans la ville voisine d'Oroville, en présence de près de 50 000 personnes. Opérations La construction de la centrale hydroélectrique souterraine Edward Hyatt s'est achevée peu de temps après l'achèvement du barrage d'Oroville. À l'époque, il s'agissait de la plus grande centrale électrique souterraine des États-Unis, avec trois turbines conventionnelles de 132 mégawatts (MW) et trois générateurs-pompes de 141 MW pour une capacité installée totale de 819 MW. La centrale électrique Hyatt est capable de pomper de l'eau dans le lac Oroville lorsque l'énergie excédentaire est disponible. Les pompes-générateurs de Hyatt peuvent élever jusqu'à 5 610 pieds cubes/s dans le lac Oroville (avec une consommation nette de 519 MW), tandis que les six turbines combinées utilisent un débit de 16 950 pieds cubes/s à la production maximale. Depuis 1969, l'usine Hyatt travaille en tandem avec une vaste opération de stockage par pompage comprenant deux réservoirs hors cours d'eau à l'ouest d'Oroville. Ces deux installations sont collectivement connues sous le nom de Complexe Oroville-Thermalito. L'eau est détournée vers le réservoir supérieur de Thermalito (Thermalito Forebay) via le barrage de dérivation de Thermalito sur la rivière Feather. Pendant les périodes de consommation d'énergie hors pointe, l'énergie excédentaire générée à Hyatt est utilisée pour évacuer l'eau du réservoir inférieur de Thermalito (le bassin arrière de Thermalito) vers le bassin amont, qui libère l'eau dans le bassin arrière pour générer jusqu'à 114 MW d'électricité aux heures de pointe. forte demande. Les centrales Hyatt et Thermalito produisent en moyenne 2,2 milliards de kilowattheures (KWh) d'électricité chaque année, soit environ la moitié de l'énergie totale produite par les huit centrales hydroélectriques du SWP. L'eau libérée du barrage d'Oroville descend la rivière Feather avant de rejoindre la rivière Sacramento, pour finalement atteindre le delta Sacramento-San Joaquin, où l'aqueduc de Californie du SWP détourne l'eau douce pour le transport vers la vallée aride de San Joaquin et la Californie du Sud. Les installations hydroélectriques d'Oroville-Thermalito fournissent environ un tiers de l'énergie nécessaire pour entraîner les pompes qui élèvent l'eau de l'aqueduc du delta vers la vallée, puis de la vallée au-dessus des montagnes de Tehachapi jusqu'à la côte sud de la Californie. L'eau et l'électricité du barrage contribuent à l'irrigation de 755 000 acres dans la partie aride de la vallée de San Joaquin et à l'approvisionnement municipal de quelque 25 millions de personnes. Pendant l'hiver et au début du printemps, le lac Oroville doit disposer d'au moins 750 000 acres (750 000 acres), soit un cinquième de la capacité de stockage du réservoir, disponible pour le contrôle des crues. Le barrage est exploité pour maintenir un débit objectif de contrôle des crues de 150 000 pieds cubes/s, qui peut être encore réduit lors de grandes tempêtes lorsque les débits en dessous du confluent de la Plume avec la rivière Yuba dépassent 300 000 pieds cubes/s. Lors de l'inondation particulièrement dévastatrice de 1997, les débits entrants dans le réservoir ont atteint plus de 331 000 pieds cubes/s, mais les exploitants du barrage ont réussi à limiter le débit sortant à 160 000 pieds cubes/s, épargnant ainsi les inondations de grandes régions de la vallée de Sacramento. Le barrage d'Oroville bloque complètement les migrations du saumon quinnat et de la truite arc-en-ciel dans la rivière Feather. En 1967, dans le but de compenser la perte d'habitat, le DWR et le Département californien de la pêche et de la chasse ont achevé l'écloserie de poissons de Feather River. Le barrage barrière à poissons, construit en 1962, intercepte les poissons avant qu'ils n'atteignent la base de l'infranchissable barrage de dérivation Thermalito et les oblige à remonter une échelle à poissons jusqu'à l'écloserie, située sur la rive nord de la rivière Feather. L'écloserie produit 10 millions de saumoneaux à stocker dans la rivière chaque année, dont 20 % pour la montaison printanière et 80 % pour la montaison automnale. Cette installation a connu suffisamment de succès pour que l'on craigne que le saumon des stocks d'écloserie ne concurrence le saumon sauvage restant dans le système de la rivière Feather.

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Quel était le nom du Premier ministre égyptien assassiné en 1910 ?

Boutros Ghali

Événements Janvier * 10 janvier – 20 janvier – La première réunion aéronautique à se tenir aux États-Unis, la rencontre aérienne internationale de Los Angeles de 1910 à Dominguez Field, se tient près de Los Angeles. Février * 8 février – William D. Boyce fonde les Boy Scouts of America. * 10 février – Old Trafford ouvre ses portes au public. * 20 février – Boutros Ghali, le premier Premier ministre égyptien né en Égypte, est assassiné. Mars * Mars – Un soulèvement contre la domination ottomane éclate en Albanie. * 8 mars – En France, Raymonde de Laroche obtient la licence de pilote n°36 de la Fédération Aéronautique Internationale, devenant ainsi la première femme autorisée à piloter un avion. * 10 mars – L'esclavage en Chine, qui existe depuis la dynastie Shang, est désormais rendu illégal. * 18 mars – Sortie de la première version filmée de Frankenstein de Mary Shelley. Considéré comme le premier film d’horreur, il met en vedette l’acteur Charles Ogle dans le rôle du monstre. * 27 mars – Un incendie lors d'une danse dans une grange à Ököritófülpös, en Hongrie, fait 312 morts. Avril * 20 avril – La comète Halley est visible depuis la Terre. Sa prochaine visite eut lieu en 1986. Peut * 6 mai – George V devient roi du Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d'Irlande à la mort de son père, Édouard VII. * 12 mai – La deuxième réunion de la NAACP se tient à New York, New York. * 18 mai – La Terre passe par la queue de la comète de Halley. * 31 mai – L'Union sud-africaine est créée. Juin * 15 juin – Le navire britannique Terra Nova quitte Londres en route vers une expédition en Antarctique. * 22 juin – Le dirigeable DELAG Zeppelin, Deutschland, effectue le premier vol commercial de passagers de Friedrichshafen à Düsseldorf en Allemagne. Le vol dure neuf heures. * 25 juin – Le ballet L'Oiseau de feu, première œuvre majeure du compositeur russe Igor Stravinsky, commandé par les Ballets Russes de Diaghilev, est créé à Paris, apportant au compositeur une renommée internationale. Juillet * 4 juillet – Le boxeur afro-américain Jack Johnson bat le boxeur américain blanc James J. Jeffries dans un match de boxe poids lourd, déclenchant des émeutes raciales à travers les États-Unis. * 22 juillet – Un télégraphe sans fil envoyé à partir des résultats de l'identification, de l'arrestation et de l'exécution du meurtrier Dr Hawley Crippen. * 24 juillet – Les forces ottomanes capturent la ville de Shkodër pour réprimer la révolte albanaise de 1910. Août * Août – Union Panaméricaine * 14 août – Un incendie à l'International de Bruxelles 1910 détruit les expositions de Grande-Bretagne et de France. * 22 août – Le Traité d'annexion Japon-Corée est signé. Elle devient caduque en 1965. * 28 août – Le Monténégro est proclamé royaume indépendant sous Nicolas Ier. * 29 août – L'empereur Sunjong de Corée abdique et la monarchie du pays est abolie. Septembre * 1er septembre – Le Vatican introduit un serment obligatoire contre le modernisme, que doivent prêter tous les prêtres lors de leur ordination. * 1er septembre – Au Brésil, le Sport Club Corinthians Paulista, le premier championnat du monde des clubs de la Fifa, est fondé. Octobre * Octobre – Première publication de photographies infrarouges, par le professeur Robert Williams Wood dans le journal de la Royal Photographic Society. * 5 octobre – 5 octobre 1910, révolution au Portugal conduisant à la fuite du roi Manuel II du Portugal vers l'Angleterre et à la proclamation de la Première République portugaise. * 20 octobre – La coque du est lancée aux chantiers navals Harland and Wolff à Belfast. *23 octobre ** Vajiravudh (Rama VI) est couronné roi du Siam, après la mort de son père, le roi Chulalongkorn (Rama V). ** Les Athletics de Philadelphie battent les Cubs de Chicago, 7-2, pour remporter la Série mondiale 1910 lors du cinquième match. Jack Coombs avait été le lanceur gagnant dans trois des quatre victoires des Athletics. Novembre * 7 novembre – Le premier vol aérien destiné à livrer du fret commercial a lieu aux États-Unis. Le vol, effectué par le pilote des frères Wright Philip Parmalee, se déroule entre Dayton et Columbus, Ohio. * 14 novembre – Lors du premier décollage d'un navire par un avion à voilure fixe, Eugene Ely décolle d'une plate-forme temporaire érigée sur la proue du croiseur léger USS Birmingham à Hampton Roads, en Virginie. * 20 novembre – Révolution mexicaine : commence lorsque Francisco I. Madero proclame nulles et non avenues les élections de 1910, et appelle à une révolution armée à 18 heures. contre la présidence/dictature illégitime de Porfirio Díaz. Décembre * Fin décembre – Une forme de peste pneumonique se propage dans le nord-est de la Chine, tuant plus de 40 000 personnes. Date inconnue * Les tramways électriques d'Autriche-Hongrie, de France, d'Allemagne et de Grande-Bretagne transportent 6,7 millions de passagers par an. * Henry Ford vend 10 000 automobiles. * Les États-Unis introduisent les billets étoiles, à commencer par le certificat d'argent de 1 $ de la série 1899. Naissances Janvier février * 1er janvier ** Frank Bogert, acteur américain, annonceur professionnel de rodéo et homme politique (décédé en 2009) ** Koesbini, compositeur indonésien (décédé en 1991) * 4 janvier – Josephine McKim, nageuse olympique américaine (décédée en 1992) * 5 janvier – Jack Lovelock, athlète néo-zélandais (décédé en 1949) * 8 janvier – Galina Ulanova, danseuse russe (décédée en 1998) * 12 janvier – Luise Rainer, actrice d'origine allemande (décédée en 2014) * 16 janvier – Mario Tobino, poète, écrivain et psychiatre italien (décédé en 1991) * 23 janvier – Django Reinhardt, guitariste et compositeur belge (décédé en 1953) * 25 janvier – Edgar V. Saks, homme d'État et historien estonien (décédé en 1984) * 27 janvier – Edvard Kardelj, leader politique et partisan yougoslave (décédé en 1979) * 28 janvier – John Banner, acteur autrichien de cinéma et de télévision (décédé en 1973) * 5 février – Francisco Varallo, footballeur argentin (décédé en 2010) * 6 février – Irmgard Keun, auteure allemande (décédée en 1982) * 9 février – Jacques Monod, biologiste français, prix Nobel (décédé en 1976) * 10 février ** Georges Pire, moine belge, prix Nobel (décédé en 1969) ** Sofia Vembo, chanteuse et actrice grecque (décédée en 1978) * 13 février – William Shockley, physicien américain, lauréat du prix Nobel (décédé en 1989) * 15 février – Irena Sendler, humanitaire polonaise (décédée en 2008) * 17 février – Arthur Hunnicutt, acteur américain (décédé en 1979) * 21 février – Douglas Bader, pilote de chasse britannique (décédé en 1982) * 27 février ** Joan Bennett, actrice américaine (décédée en 1990) ** Genrikh Kasparyan, joueur d'échecs et compositeur arménien (décédé en 1995) Mars avril * 1er Mars ** Archer John Porter Martin, chimiste anglais, lauréat du prix Nobel (décédé en 2002) ** David Niven, acteur anglais (décédé en 1983) * 5 Mars ** Momofuku Ando, ​​inventeur et homme d'affaires japonais (décédé en 2007) ** Ennio Flaiano, scénariste, dramaturge, romancier, journaliste et critique dramatique italien (décédé en 1972) * 8 mars – Claire Trevor, actrice américaine (décédée en 2000) * 9 mars – Samuel Barber, compositeur américain (décédé en 1981) * Mars ** Robert Havemann, chimiste allemand (né en 1982) ** Jacinta Hammer, portugaise, béatifiée (née en 1920) * 13 mars – Karl Gustav Ahlefeldt, acteur danois (décédé en 1985) * 23 mars – Akira Kurosawa, scénariste, producteur et réalisateur japonais (décédé en 1998) * 25 mars – Magda Olivero, soprano italienne (décédée en 2014) * 28 mars – Ingrid de Suède, reine du Danemark (décédée en 2000) * 1er avril – Harry Carney, musicien de jazz américain (décédé en 1974) * 2 avril – Chico Xavier, médium brésilien (décédé en 2002) * 9 avril – Nouhak Phoumsavanh, président du Laos (décédé en 2008) * 10 avril – Paul Sweezy, économiste et éditeur américain (décédé en 2004) * 20 avril – Brigitte Mira, actrice allemande (décédée en 2005) * 23 avril – Simone Simon, actrice française (née en 2005) * 24 avril – Pupella Maggio, actrice italienne (née en 1999) * 26 avril – Tomoyuki Tanaka, producteur de films japonais (né en 1997) Mai juin * 1er mai – J. Allen Hynek, astronome et ufologue américain (décédé en 1986) * 6 mai – June Gittelson, actrice américaine (décédée en 1993) * 12 mai ** Johan Ferrier, président du Suriname (décédé en 2010) ** Dorothy Crowfoot Hodgkin, chimiste britannique, lauréate du prix Nobel (décédée en 1994) ** Giulietta Simionato, mezzo-soprano italienne (décédée en 2010) * 14 mai – Ne Win, président de la Birmanie (décédé en 2002) *23 mai ** Scatman Crothers, acteur et musicien américain (décédé en 1986) ** Artie Shaw, clarinettiste et chef d'orchestre américain (décédé en 2004) * 25 mai – Edward Harrison, joueur de cricket et de squash anglais (décédé en 2002) * 28 mai – T-Bone Walker, chanteur américain (décédé en 1975) * 29 mai – Ralph Metcalfe, athlète américain (décédé en 1978) * 30 mai – Inge Meysel, actrice allemande (décédée en 2004) * 4 juin – Christopher Cockerell, ingénieur britannique et inventeur de l'aéroglisseur (décédé en 1999) * 9 juin – Robert Cummings, acteur américain (décédé en 1990) * 10 juin ** Armen Takhtajan, botaniste soviéto-arménien (décédé en 2009) ** Howlin' Wolf, musicien de blues afro-américain (décédé en 1976) * 11 juin – Jacques-Yves Cousteau, officier de marine français, explorateur, écologiste, cinéaste, scientifique, photographe et chercheur (décédé en 1997) * 13 juin – Mary Wickes, actrice américaine (décédée en 1995) * 14 juin – Rudolf Kempe, chef d'orchestre allemand (décédé en 1976) * 19 juin – Paul Flory, chimiste américain, prix Nobel (décédé en 1985) * 22 juin ** Peter Pears, ténor anglais (décédé en 1986) ** Konrad Zuse, ingénieur allemand (décédé en 1995) * 23 juin ** Jean Anouilh, dramaturge français (décédé en 1987) ** Gordon B. Hinckley, chef religieux américain (décédé en 2008) * 26 juin **Margaret Dunning, philanthrope américaine (décédée en 2015) **Roy J. Plunkett, chimiste américain connu pour avoir découvert le téflon (décédé en 1994) Juillet août * 4 juillet – Gloria Stuart, actrice américaine (décédée en 2010) * 5 juillet – S. Poniman, chanteur et acteur indonésien (décédé en 1978) * July 6 ** René Le Grèves, French cyclist (d. 1946) ** John Knott, Australian public servant (d. 1999) * 10 juillet – Nguyen Huu Tho, homme politique vietnamien (décédé en 1996) *14 juillet – William Hanna, animateur américain (décédé en 2001) * 18 juillet – Mamadou Dia, Premier ministre du Sénégal (décédé en 2009) * 27 juillet ** Julien Gracq, auteur français (décédé en 2007) ** Lupita Tovar, actrice mexicaine * 4 août ** Anita Page, actrice américaine (décédée en 2008) ** William Schuman, compositeur américain (décédé en 1992) * 7 août – Lucien Hervé, photographe français d'origine hongroise (décédé en 2007) * 10 août – Aldo Buzzi, architecte, réalisateur et scénariste italien (décédé en 2009) * 12 août ** Yusof bin Ishak, premier président de Singapour (décédé en 1970) ** Jane Wyatt, actrice américaine (décédée en 2006) * 14 août – Pierre Schaeffer, compositeur français (décédé en 1995) * 22 août – Lucille Ricksen, actrice américaine du cinéma muet (décédée en 1925) * 25 août ** George Cisar, joueur de baseball américain (décédé en 2010) ** Ruby Keeler, actrice et danseuse américaine (décédée en 1993) ** Dorothea Tanning, artiste américaine (décédée en 2012) * 26 août – Mère Teresa, religieuse albanaise, lauréate du prix Nobel (décédée en 1997) * 28 août – Tjalling Koopmans, économiste néerlandais, prix Nobel (décédé en 1985) Septembre octobre * 1er septembre – Edda Mussolini, aînée de Benito Mussolini (décédée en 1995) * 3 septembre – Maurice Papon, fonctionnaire et collaborateur français (décédé en 2007) * 11 septembre – Gerhard Schröder, homme politique allemand (décédé en 1989) * 14 septembre – Jack Hawkins, acteur britannique (décédé en 1973) * 16 septembre ** Erich Kempka, chauffeur allemand et garde du corps d'Adolf Hitler (décédé en 1975) ** Karl Kling, pilote automobile allemand (décédé en 2003) * 19 septembre – Margaret Lindsay, actrice américaine (décédée en 1981) * 24 septembre – Ignatius J. « Pete » Galantin, amiral de la marine américaine (décédé en 2004) * 28 septembre ** Diosdado Macapagal, 9e président des Philippines (décédé en 1997) ** Wenceslao Vinzons, homme politique philippin et chef de la résistance (né en 1942) * 29 septembre – Virginia Bruce, actrice et chanteuse américaine (née en 1982) * 30 septembre – Jussi Kekkonen, major finlandais (décédé en 1962) * 1er octobre – Bonnie Parker, hors-la-loi américaine (décédée en 1934) *8 octobre ** Paulette Dubost, actrice française (décédée en 2011) ** Gus Hall, leader communiste américain (décédé en 2000) *10 octobre ** Sir Albert Margai, deuxième Premier ministre de la Sierra Leone (décédé en 1980) ** Julius Shulman, photographe d'architecture américain (décédé en 2009) *19 octobre ** Farid al-Atrash, compositeur, chanteur et acteur arabe (décédé en 1974) ** Subrahmanyan Chandrasekhar, physicien américain d'origine indienne, lauréat du prix Nobel (décédé en 1995) *23 octobre ** Richard Mortensen, peintre danois (décédé en 1993) ** Hayden Rorke, acteur américain (décédé en 1987) * 31 octobre – Trevor Housley, fonctionnaire australien (décédé en 1968) Novembre Décembre * 6 novembre – Erik Ode, acteur de télévision allemand (décédé en 1983) * 10 novembre – Tomás Blanco, acteur de cinéma espagnol (décédé en 1990) * 21 novembre – Abd al-Aziz ibn Baz, Grand Mufti d'Arabie Saoudite (décédé en 1999) * 26 novembre – Cyril Cusack, acteur né en Afrique du Sud (décédé en 1993) * 30 novembre – Harry Bauler, homme politique américain (décédé en 1962) * 1er décembre – Alicia Markova, ballerine anglaise (décédée en 2004) * 2 décembre – Russell Lynes, historien de l'art, photographe et auteur américain (décédé en 1991) * 4 décembre – R. Venkataraman, président indien (décédé en 2009) * 7 décembre – Edmund Ros, musicien trinidadien (né en 2011) * 11 décembre – Noel Rosa, auteur-compositeur brésilien (né en 1937) * 15 décembre – John Hammond, producteur de disques américain (décédé en 1987) * 19 décembre – Jean Genet, écrivain français (décédé en 1986) * 23 décembre – Kurt « Panzermeyer » Meyer, général-major allemand de la Waffen-SS et criminel de guerre (décédé en 1961) * 29 décembre ** Michel Aflaq, théoricien politique syrien, fondateur du Baasisme (décédé en 1989) ** Ronald Coase, économiste d'origine anglaise, lauréat du prix Nobel (décédé en 2013) * 30 décembre ** Paul Bowles, auteur américain (décédé en 1999) ** Howard W. Jones, chirurgien américain et spécialiste de la fécondation in vitro (décédé en 2015) Décès Janvier * 4 janvier – Léon Delagrange, aviateur pionnier français (né en 1873) * 5 janvier – Léon Walras, économiste français (né en 1834) * 13 janvier – Andrew Jackson Davis, spiritualiste américain (né en 1826) * 27 janvier – Thomas Crapper, plombier britannique (né en 1836) Février * 14 février – Giovanni Passannante, anarchiste italien (né en 1849) * 20 février – Boutros Ghali, Premier ministre égyptien (assassiné) (né en 1846) * 23 février – Vera Komissarzhevskaya, actrice russe (née en 1864) Mars * 4 mars – Knut Ångström, physicien suédois (né en 1857) * 10 mars – Karl Lueger, maire autrichien (né en 1844) * 18 mars – Julio Herrera y Reissig, poète et écrivain uruguayen (né en 1875) * 26 mars – An Jung-geun, assassin coréen (né en 1879) * 27 mars – Alexander Emanuel Agassiz, scientifique américain (né en 1835) Avril * 21 avril – Mark Twain, écrivain américain (né en 1835) * 26 avril – Bjørnstjerne Bjørnson, écrivain norvégien, lauréat du prix Nobel (né en 1832) Peut * 1er mai – Pierre Nord Alexis, président d'Haïti (né en 1820) * 3 mai – Howard Taylor Ricketts, pathologiste américain (né en 1871) * 6 mai – Roi Édouard VII du Royaume-Uni (né en 1841) * 10 mai – Stanislaus Cannizzaro, chimiste italien (né en 1826) * 12 mai – Sir William Huggins, astronome britannique (né en 1824) * 18 mai – Pauline Viardot, mezzo-soprano et compositrice française (née en 1821) * 27 mai – Robert Koch, médecin allemand, lauréat du prix Nobel (né en 1843) * 28 mai – Kálmán Mikszáth, romancier hongrois (né en 1847) * 29 mai – Mily Balakirev, compositrice russe (née en 1837) * 31 mai – Elizabeth Blackwell, médecin américaine d'origine britannique (née en 1821) Juin * 5 juin – O. Henry, romancier américain (né en 1862) Juillet * 4 juillet ** Melville Fuller, juge en chef américain (né en 1833) ** Giovanni Schiaparelli, astronome italien (né en 1835) * 10 juillet – Johann Gottfried Galle, astronome allemand (né en 1812) * 12 juillet – Charles Stewart Rolls, aviateur et constructeur automobile britannique (né en 1877) Août * 13 août – Florence Nightingale, infirmière anglaise (née en 1820) * 14 août – Frank Podmore, chercheur psychique britannique (né en 1856) * 26 août – William James, psychologue et philosophe américain (né en 1842) Septembre * 2 septembre – Henri Rousseau, peintre français (né en 1844) * 7 septembre – William Holman Hunt, peintre anglais (né en 1827) * 16 septembre – Hormuzd Rassam, archéologue irakien (né en 1826) * 27 septembre – Jorge Chávez, aviateur péruvien (né en 1887) * 29 septembre – Winslow Homer, peintre américain (né en 1836) Octobre * 17 octobre – Julia Ward Howe, abolitionniste et poète américaine (née en 1819) * 21 octobre – Charles van der Stappen, sculpteur belge (né en 1843) * 23 octobre – Roi Chulalongkorn de Siam (né en 1853) * 30 octobre – Jean Henri Dunant, fondateur suisse de la Croix-Rouge, prix Nobel (né en 1828) Novembre * 6 novembre – Giuseppe Cesare Abba, patriote et écrivain italien (né en 1838) * 15 novembre – Wilhelm Raabe, écrivain allemand (né en 1831) * 19 novembre – Wilhelm Rudolph Fittig, chimiste allemand (né en 1835) * 20 novembre (Nouvelle-Écosse) – Léon Tolstoï, écrivain russe (né en 1828) * 23 novembre ** Hawley Harvey Crippen, meurtrier américain (exécuté) (né en 1862) ** Octave Chanute, ingénieur franco-américain et pionnier de l'aviation (né en 1832) Décembre * 3 décembre **Mary Baker Eddy, chef religieuse américaine (née en 1821) **Wesley Merritt, général américain (né en 1836) * 29 décembre – Reggie Doherty, joueur de tennis britannique (né en 1872) prix Nobel * Chimie – Otto Wallach * Littérature – Paul Heyse * Médecine – Albrecht Kossel * Paix – Bureau Permanent International de la Paix * Physique – Johannes Diderik van der Waals

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Dans la mythologie grecque, Amphitrite, reine de la mer, était l'épouse de quel dieu ?

Poséidon

Dans la mythologie grecque antique, Amphitrite (; ) était une déesse de la mer et épouse de Poséidon. Sous l'influence du panthéon olympien, elle devint simplement l'épouse de Poséidon et fut encore réduite par les poètes à une représentation symbolique de la mer. Dans la mythologie romaine, l'épouse de Neptune, figure relativement mineure, était Salacia, la déesse de l'eau salée. Mythographie Amphitrite était une fille de Nérée et Doris (et donc d'une Néréide), selon la Théogonie d'Hésiode, mais d'Océanus et de Téthys (et donc d'une Océanide), selon la Bibliotheca, qui la classe en fait parmi les Néréides et les Océanides. D'autres l'appelaient la personnification de la mer elle-même (eau salée). L'une des sœurs océanides d'Amphitrite est Perse, épouse du dieu solaire Hélios. La progéniture d'Amphitrite comprenait des phoques et des dauphins. Poséidon et Amphitrite ont eu un fils, Triton qui était un triton, et une fille, Rhode (si ce Rhode n'a pas réellement été engendré par Poséidon sur Halia ou n'était pas la fille d'Asopus comme d'autres le prétendent). Bibliotheca (3.15.4) mentionne également une fille de Poséidon et d'Amphitrite nommée Benthesikyme. Amphitrite n'est pas pleinement personnifiée dans les épopées homériques : « en pleine mer, dans les brisants d'Amphitrite » (Odyssée iii.101), « Amphitrite gémissante » nourrit des poissons « en nombre incalculable » (Odyssée XII. 119). Elle partage son épithète homérique Halosydne (« nourrie par la mer ») avec Thétis dans un certain sens, les nymphes de la mer sont des pourpoints. Représentation et culte Bien qu'Amphitrite ne figure pas dans le culte grec, à un stade archaïque, elle était d'une importance exceptionnelle, car dans l'hymne homérique à Délien Apollon, elle apparaît à la naissance d'Apollon parmi « toutes les principales déesses, Dioné, Rhéa et Ichnée et Thémis et Amphitrite qui gémit bruyamment. Thésée, dans les salles sous-marines de son père Poséidon, vit les filles de Nérée danser avec les pieds liquides, et « l'auguste Amphitrite aux yeux de bœuf », qui l'entoura de sa couronne de mariage, selon un fragment de Bacchylide. Jane Ellen Harrison a reconnu dans le traitement poétique un écho authentique de l'importance précoce d'Amphitrite : « Il aurait été beaucoup plus simple pour Poséidon de reconnaître son propre fils... le mythe appartient à cette première strate de la mythologie lorsque Poséidon n'était pas encore le dieu de l'humanité. mer, ou, du moins, non suprême là-bas - Amphitrite et les Néréides y régnaient, avec leurs serviteurs les Tritons, même aussi tard que l'Iliade Amphitrite n'est pas encore « Neptuni uxor » « [l'épouse de Neptune] ». Amphitrite, « la troisième qui entoure [la mer] », était si entièrement confinée dans son autorité à la mer et à ses créatures qu'elle n'était presque jamais associée à son mari, ni à des fins de culte, ni dans des œuvres d'art. sauf lorsqu’il devait être clairement considéré comme le dieu qui contrôlait la mer. Une exception peut être l'image culte d'Amphitrite que Pausanias a vue dans le temple de Poséidon sur l'isthme de Corinthe (ii.1.7). Pindare, dans sa sixième Ode olympienne, reconnaît le rôle de Poséidon comme « grand dieu de la mer, époux d'Amphitrite, déesse au fuseau d'or ». Pour les poètes ultérieurs, Amphitrite devint simplement une métaphore de la mer : Euripide, dans Cyclope (702) et Ovide, Métamorphoses, (i.14). Eustathe dit que Poséidon l'a vue pour la première fois danser à Naxos parmi les autres Néréides et l'a emportée. Mais dans une autre version du mythe, elle a fui ses avances vers Atlas, aux extrémités de la mer ; Là, le dauphin de Poséidon la chercha à travers les îles de la mer et, la trouvant, parla de manière persuasive au nom de Poséidon, si l'on peut en croire Hyginus, et fut récompensé en étant placé parmi les étoiles comme la constellation de Delphinus. Dans les arts de la peinture sur vase et de la mosaïque, Amphitrite ne se distinguait des autres Néréides que par ses attributs de reine. Dans les œuvres d'art, tant anciennes que post-Renaissance, Amphitrite est représentée soit trônant à côté de Poséidon, soit conduisant avec lui dans un char tiré par des hippocampes ou d'autres créatures fabuleuses des profondeurs, et accompagné de tritons et de Néréides. . Elle est vêtue de robes royales et a des filets dans les cheveux. Les pinces d'un crabe sont parfois représentées attachées à ses tempes. Fichier : Thésée Athéna Amphitrite Louvre G104.jpg | Thésée et Amphitrite se serrent la main, sous les yeux d'Athéna (coupe à figures rouges d'Euphronios et Onésimos, 500-490 av. J.-C.) Image : JacobdeGheynII-NeptuneandAmphitrite.jpg|Neptune et Amphitrite par Jacob de Gheyn II (fin du XVIe siècle) Fichier:Nicolas Poussin, français - La naissance de Vénus - Google Art Project.jpg|Le triomphe de Neptune de Nicolas Poussin, montrant Amphitrite velificans (1634) Fichier:Amphitrite Devaulx cour Carree Louvre.jpg|Amphitrite au trident renversé, par François Théodore Devaulx (1866) L'héritage d'Amphitrite * Amphitrite est le nom d'un genre de la famille des vers Terebellidae. * En poésie, le nom d'Amphitrite est souvent utilisé pour désigner la mer, comme synonyme de Thalassa. * Sept navires de la Royal Navy furent nommés HMS Amphitrite, dont Amphitrite (1804). * Au moins un navire de la Marine royale néerlandaise s'appelait HM Amphitrite (corvette, en service dans les années 1830). * Trois navires de la marine américaine ont été nommés USS Amphitrite. * Un astéroïde, 29 Amphitrite, porte son nom. * En 1936, l'Australie a utilisé une image d'Amphitrite sur un timbre-poste comme allusion classique au câble de communication sous-marin traversant le détroit de Bass, depuis Apollo Bay, Victoria, jusqu'à Stanley, Tasmanie. * Le nom de l'ancien yacht royal grec. * Amphitrite Pool, un bassin cérémonial peu profond situé sur le terrain de l'Académie de la marine marchande des États-Unis à Kings Point, New York, contient une statue d'Amphitrite. Lorsque les élèves de première classe passent leurs examens de licence de troisième officier ou de troisième assistant ingénieur, cela est considéré comme une bonne chance s'ils font rebondir une pièce de monnaie sur Amphitrite dans un coquillage à ses pieds. Remarques

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Dans quelle ville anglaise se trouve le stade de football et de cricket de Sandygate Road ?

Sheffield

Sandygate Road est un stade de football et de cricket situé dans la banlieue de Sheffield, à Crosspool, dans le Yorkshire du Sud, en Angleterre. Il abrite le Hallam F.C. et Hallam C.C. Ouvert pour la première fois en 1804, le Hallam F.C. jouent sur ce terrain depuis 1860. Sandygate a été reconnu par le Livre Guinness des records comme le « terrain le plus ancien du monde ». Le 26 décembre 1860, le premier match de football interclubs au monde fut joué sur le terrain, Hallam affrontant le Sheffield F.C.

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Combien y a-t-il de quintaux dans une tonne britannique ?

20

Le quintal (abréviation : cwt), anciennement également connu sous le nom de centum de poids ou quintal, est une unité de poids ou de masse coutumière anglaise, impériale et américaine de diverses valeurs. Sa valeur actuelle continue de différer entre les systèmes américain et impérial. Les deux valeurs se distinguent en anglais américain par les quintaux « courts » et « longs » et en anglais britannique par les noms de « central » et de « cent poids ». * Le quintal court ou central de 100 lb (45,359237 kg) est utilisé aux États-Unis et au Canada. * Le quintal long ou impérial de 8 pierres (112 lb ou 50,802345 kg) est utilisé de manière informelle dans le système impérial, mais selon l'annexe 1, partie VI de la loi sur les poids et mesures de 1985, il ne doit plus être utilisé à des fins commerciales après l'entrée en vigueur de la loi. en vigueur. Selon les deux conventions, il y a 20 quintaux dans une tonne, produisant une « tonne courte » de 2 000 lb et une « tonne longue » de 2 240 lb. Histoire Le quintal a eu de nombreuses valeurs différentes. En Angleterre, vers 1300, diverses « centaines » (centem en latin médiéval) ont été définies. La loi sur les poids et mesures de 1835 a officiellement établi le quintal impérial actuel de 112 lb. L'utilisation dans le commerce de mesures par « cental », « cent poids » ou « quintal » est désormais interdite au Royaume-Uni en vertu de la loi sur les poids et mesures. de 1985. Les États-Unis et le Canada en sont venus à utiliser le terme « cent-poids » pour désigner une unité de 100 lb. Cette mesure a été spécifiquement interdite d'utilisation en Grande-Bretagne - au risque d'être poursuivie pour fraude - par la loi sur les poids et mesures de 1824, mais, en En 1879, la mesure est légalisée sous le nom de « central » en réponse à la pression législative des marchands britanniques important du blé et du tabac des États-Unis. Utiliser Le quintal court est couramment utilisé aux États-Unis dans la vente de bétail et de certaines céréales et graines oléagineuses, de papier et d'additifs pour béton, ainsi que sur certains produits sur les marchés à terme. Il y a quelques décennies, les produits pesés en quintaux longs comprenaient le bétail, le fourrage pour le bétail, les engrais, le charbon, certains produits chimiques industriels, d'autres matériaux industriels, etc. Cependant, depuis l’essor de la métrique dans la plupart des pays anglophones, elle est désormais moins utilisée. Les sonneurs de cloches d'église utilisent couramment cette unité, bien que les fabricants de cloches d'église se tournent de plus en plus vers le système métrique. Les enclumes des forgerons plus âgés sont souvent estampillées d'un numéro à trois chiffres indiquant leur poids total en quintaux, quarts de centièmes (28 lb) et en livres. Ainsi, une enclume estampillée « 1.1.8 » pèsera 148 lb (112 lb + 28 lb + 8 lb).

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De quelle espèce de créature sont Smoky, Leaf-nosed et Vesper ?

Un

Les chauves-souris sont des mammifères de l'ordre des Chiroptères (du grec χείρ - cheir, "main" et πτερόν - pteron, "aile") dont les membres antérieurs forment des ailes palmées, ce qui en fait les seuls mammifères naturellement capables d'un vol véritable et soutenu. En revanche, d’autres mammifères censés voler, comme les écureuils volants, les opossums planeurs et les colugos, ne peuvent planer que sur de courtes distances. Les chauves-souris ne battent pas tous leurs membres antérieurs, comme le font les oiseaux, mais battent plutôt leurs doigts étalés, très longs et recouverts d'une fine membrane ou patagium. Les chauves-souris constituent le deuxième plus grand ordre de mammifères (après les rongeurs), représentant environ 20 % de toutes les espèces de mammifères classées dans le monde, avec environ 1 240 espèces de chauves-souris divisées en deux sous-ordres : les mégabats, moins spécialisés et largement frugivores, ou renards volants, et les microchauves-souris hautement spécialisées et écholocalisantes. Environ 70 % des espèces de chauves-souris sont insectivores. La plupart des autres sont des frugivores ou des mangeurs de fruits. Quelques espèces, comme la chauve-souris piscivore, se nourrissent d'animaux autres que les insectes, les chauves-souris vampires étant hématophages ou se nourrissant de sang. Les chauves-souris sont présentes dans la majeure partie du monde, à l’exception des régions extrêmement froides. Ils remplissent les rôles écologiques vitaux de pollinisation des fleurs et de dispersion des graines de fruits ; de nombreuses espèces de plantes tropicales dépendent entièrement des chauves-souris pour la distribution de leurs graines. Les chauves-souris sont économiquement importantes, car elles consomment des insectes nuisibles, réduisant ainsi le besoin de pesticides. La plus petite chauve-souris est la chauve-souris à nez plat de Kitti, mesurant 29 cm de longueur, 15 cm de diamètre et 2 cm de masse. C'est aussi sans doute la plus petite espèce de mammifère existante, la musaraigne étrusque étant l'autre concurrente. Les plus grandes espèces de chauves-souris sont quelques espèces de Pteropus (chauves-souris frugivores ou roussettes) et la roussette géante à couronne dorée, dont le poids et l'envergure peuvent atteindre .Nowak, R. M., éditeur (1999). Les mammifères du monde de Walker. Vol. 1. 6e édition. Pp. 264-271. ISBN0-8018-5789-9 Étymologie Dans de nombreuses langues, le mot pour « chauve-souris » est apparenté au mot pour « souris » : par exemple, chauve-souris ("souris chauve") en français, murciélago ("souris aveugle") en espagnol, saguzahar ("vieille souris") souris") en basque, летучая мышь ("souris volante") en russe, slijepi miš ("souris aveugle") en bosniaque, nahkhiir ("souris en cuir") en estonien, vlermuis (souris ailée) en afrikaans, du mot néerlandais vleermuis (du moyen néerlandais "souris ailée"). Un nom anglais plus ancien pour les chauves-souris est flittermouse, qui correspond à leur nom dans d'autres langues germaniques (par exemple l'allemand Fledermaus et le suédois fladdermus), lié au battement d'ailes, comme pour le latin bakke, un « papillon de nuit, insecte nocturne ». Classement et évolution Les chauves-souris sont des mammifères placentaires. On pensait autrefois que les chauves-souris étaient plus étroitement liées aux lémuriens volants, aux musaraignes et aux primates, mais des recherches récentes en cladistique moléculaire indiquent qu'elles appartiennent en réalité à Laurasiatheria, un groupe diversifié contenant également des Carnivores et des Artiodactyles. Les deux sous-ordres de chauves-souris traditionnellement reconnus sont : * Mégachiroptères (mégabats) * Microchiroptères (microchauves-souris/chauves-souris écholocatrices) Toutes les méga-chauves-souris ne sont pas plus grosses que les micro-chauves-souris. Les principales distinctions entre les deux sous-ordres sont : * Les microbats utilisent l'écholocation ; à l'exception du genre Rousettus, ce n'est pas le cas des mégabats. * Les microchauves-souris n'ont pas de griffe au niveau du deuxième doigt du membre antérieur. * Les oreilles des microchauves-souris ne se ferment pas pour former un anneau ; les bords sont séparés les uns des autres à la base de l'oreille. * Les microchauves-souris manquent de sous-poil ; soit ils sont nus, soit ils ont des poils de garde. Les mégabats mangent des fruits, du nectar ou du pollen. La plupart des microchauves-souris mangent des insectes ; d'autres peuvent se nourrir de fruits, de nectar, de pollen, de poissons, de grenouilles, de petits mammifères ou du sang d'animaux. Les mégachauves-souris ont un cortex visuel bien développé et font preuve d'une bonne acuité visuelle, tandis que les microchauves-souris dépendent de l'écholocation pour naviguer et trouver des proies. Les relations phylogénétiques entre les différents groupes de chauves-souris ont fait l'objet de nombreux débats. La subdivision traditionnelle entre Mégachiroptères et Microchiroptères reflète l’idée selon laquelle ces groupes de chauves-souris ont évolué indépendamment les uns des autres depuis longtemps, à partir d’un ancêtre commun déjà capable de voler. Cette hypothèse reconnaissait les différences entre les microbats et les mégabats et reconnaissait que le vol n'avait évolué qu'une seule fois chez les mammifères. La plupart des preuves de biologie moléculaire soutiennent l'idée selon laquelle les chauves-souris forment un groupe unique ou monophylétique. Les chercheurs ont proposé des points de vue alternatifs sur la phylogénie et la classification des chiroptères, mais des recherches supplémentaires sont nécessaires. Dans les années 1980, une hypothèse basée sur des preuves morphologiques a été proposée, selon laquelle les mégachiroptères avaient évolué séparément des microchiroptères. L'hypothèse dite des primates volants propose que, lorsque les adaptations au vol sont supprimées, les mégachiroptères sont alliés aux primates par des caractéristiques anatomiques non partagées avec les microchiroptères. Un exemple est que le cerveau des mégabats présente un certain nombre de caractéristiques avancées qui les lient aux primates. Bien que des études génétiques récentes soutiennent fortement la monophylie des chauves-souris, le débat se poursuit quant à la signification des preuves génétiques et morphologiques disponibles. Les preuves génétiques indiquent que les méga-chauves-souris sont originaires du début de l’Éocène et devraient être placées dans les quatre principales lignées de micro-chauves-souris. Par conséquent, deux nouveaux sous-ordres basés sur des données moléculaires ont été proposés. Le nouveau sous-ordre des Yinpterochiroptera comprend les Pteropodidae, ou famille des mégabats, ainsi que les familles des Rhinolophidae, des Hipposideridae, des Craseonycteridae, des Megadermatidae et des Rhinopomatidae. L'autre nouveau sous-ordre, les Yangochiroptera, comprend toutes les autres familles de chauves-souris (qui utilisent toutes l'écholocation laryngée). ). Ces deux nouveaux sous-ordres sont fortement étayés par des tests statistiques. Teeling (2005) a trouvé un support bootstrap de 100 % dans toutes les analyses du maximum de vraisemblance pour la division des chiroptères en ces deux sous-ordres modifiés. Cette conclusion est en outre étayée par une délétion de 15 paires de bases dans BRCA1 et une délétion de sept paires de bases dans PLCB4 présentes chez tous les Yangochiroptera et absentes chez tous les Yinpterochiroptera. De manière peut-être la plus convaincante, une étude phylogénomique réalisée par Tsagkogeorga et al (2013) a montré que les deux nouveaux sous-ordres proposés étaient étayés par des analyses de milliers de gènes. La phylogénie des chiroptères basée sur des preuves moléculaires est controversée car la paraphylie des microbats implique que l'une des deux hypothèses apparemment improbables s'est produite. La première suggère que l'écholocation laryngée a évolué deux fois chez les chiroptères, une fois chez les Yangochiroptera et une fois chez les rhinolophoïdes. La seconde propose que l'écholocation laryngée ait une origine unique chez les chiroptères, ait ensuite été perdue dans la famille des Pteropodidae (tous des mégabats) et ait ensuite évolué comme un système de clics de langue dans le genre Rousettus. Les analyses de la séquence du gène de « vocalisation », FoxP2, n'ont pas été concluantes quant à savoir si l'écholocation laryngée était secondairement perdue chez les ptéropodides ou si elle était acquise indépendamment dans les lignées écholocalisantes. Cependant, les analyses du gène « auditif », Prestin, semblent favoriser le gain indépendant chez les espèces écholocalisantes plutôt qu'une perte secondaire chez les ptéropodidés. En plus des Yinpterochiroptera et des Yangochiroptera, les noms Pteropodiformes et Vespertilioniformes ont également été proposés pour ces sous-ordres. Selon cette nouvelle nomenclature proposée, le sous-ordre des Pteropodiformes comprend toutes les familles de chauves-souris existantes plus étroitement liées au genre Pteropus qu'au genre Vespertilio, tandis que le sous-ordre Vespertilioniformes comprend toutes les familles de chauves-souris existantes plus étroitement liées au genre Vespertilio qu'au genre Pteropus. Peu de preuves fossiles sont disponibles pour aider à cartographier l’évolution des chauves-souris, car leurs petits squelettes délicats ne se fossilisent pas très bien. Cependant, une dent du Crétacé supérieur d’Amérique du Sud ressemble à celle d’une chauve-souris microchiroptère précoce. La plupart des fossiles de chauves-souris les plus anciens connus et définitivement identifiés ressemblaient déjà beaucoup aux microbats modernes. Ces fossiles, Icaronycteris, Archaeonycteris, Palaeochiropteryx et Hassianycteris, datent du début de la période Éocène. Archaeopteropus, autrefois classé comme le premier mégachiroptère connu, est désormais classé comme microchiroptère. Les chauves-souris étaient autrefois regroupées dans le super-ordre Archonta, avec les musaraignes (Scandentia), les colugos (Dermoptera) et les primates, en raison des similitudes apparentes entre les mégachiroptères et ces mammifères. Des études génétiques ont désormais placé les chauves-souris dans le super-ordre Laurasiatheria, aux côtés des carnivores, des pangolins, des ongulés à doigts impairs, des ongulés à doigts pairs et des cétacés. Une étude récente de Zhang et al. place les Chiroptères comme taxon frère du clade Perissodactyla (qui comprend les chevaux et autres ongulés aux doigts impairs). Cependant, la première analyse phylogénomique des chauves-souris montre qu’elles ne sont pas les sœurs des Perissodactyla, mais plutôt les sœurs d’un groupe plus large comprenant des ongulés et des carnivores. La classification traditionnelle des chauves-souris est la suivante : * Commander des chiroptères ** Sous-ordre des mégachiroptères (mégabats) *** Pteropodidae ** Suborder Microchiroptera (microbats) *** Superfamily Emballonuroidea **** Emballonuridae (chauves-souris à ailes sac ou à queue gainée) *** Superfamille des Molossoidea **** Molossidés (chauves-souris à queue libre) *** Superfamille Nataloidea **** Furipteridae (chauves-souris fumées) **** Myzopodidae (chauves-souris à pattes ventouses) **** Natalidae (chauves-souris à oreilles en entonnoir) **** Thyropteridae (chauves-souris à ailes discales) *** Superfamille Noctilionoidea **** Mormoopidae (chauves-souris à visage fantôme ou moustachu) **** Mystacinidae (chauves-souris à queue courte de Nouvelle-Zélande) **** Noctilionidae (chauves-souris bouledogues ou chauves-souris pêcheurs) **** Phyllostomidae (chauves-souris à nez feuille) *** Superfamille des Rhinolophoidea **** Megadermatidae (Faux vampires) **** Nycteridae (Chauves-souris à face creuse ou à face fendue) **** Rhinolophidae (chauves-souris fer à cheval) **** Hipposideridae (chauves-souris à nez feuille de l'Ancien Monde) *** Superfamille des Rhinopomatoidea **** Craseonycteridae (Chauve-souris bourdon ou chauve-souris à nez plat de Kitti) **** Rhinopomatidae (chauves-souris à queue de souris) *** Superfamille des Vespertilionoidea **** Vespertilionidae (chauves-souris vespérales ou chauves-souris du soir) **** Antrozoidae (chauve-souris pâle et chauve-souris de Van Gelder) Les mégabats mangent principalement des fruits ou du nectar. En Nouvelle-Guinée, ils ont probablement évolué pendant un certain temps en l'absence de microbats, ce qui a conduit certains mégabats plus petits du genre Nyctimene à devenir (en partie) insectivores pour remplir la niche écologique vacante des microbats. En outre, certaines preuves indiquent que le genre de chauve-souris frugivore Pteralopex des Îles Salomon et son proche parent Mirimiri des Fidji ont évolué pour remplir certaines niches qui étaient ouvertes parce qu'il n'y avait pas de mammifères non volants ou non volants sur ces îles. Chauve-souris fossiles Les restes fossilisés de chauves-souris sont peu nombreux, car ils sont terrestres et ont une ossature légère. On estime que seulement 12 % des archives fossiles de chauves-souris sont complètes au niveau du genre. Les restes fossiles d'une chauve-souris de l'Éocène, Icaronycteris, ont été découverts en 1960. Une autre chauve-souris de l'Éocène, Onychonycteris finneyi, a été trouvée dans la formation de Green River, vieille de 52 millions d'années, dans le Wyoming, aux États-Unis, en 2003. Ce fossile intermédiaire a contribué à résoudre un désaccord de longue date quant à savoir si le vol ou l'écholocation s'est développé en premier chez les chauves-souris. La forme de la cage thoracique, la fosse infraspieuse facettée de l'omoplate, la morphologie du manus, la clavicule robuste et le sternum caréné, tous indiquaient qu'Onychonycteris était capable de voler propulsé. Cependant, le squelette bien conservé a montré que la petite cochlée de l’oreille interne n’avait pas la morphologie nécessaire pour effectuer une écholocalisation. O. finneyi manquait d'une apophyse orbique élargie sur le marteau et d'un élément stylohyal avec une pointe crânienne élargie en forme de pagaie, deux caractéristiques liées à l'écholocation chez d'autres espèces de chauves-souris préhistoriques et existantes. En raison de ces absences et de la présence de caractéristiques nécessaires au vol, Onychonycteris apporte un soutien solide à l'hypothèse du « vol d'abord » dans l'évolution du vol et de l'écholocation chez les chauves-souris. Il y a 52,5 millions d’années, l’apparence et les mouvements de vol des chauves-souris étaient différents de ceux d’aujourd’hui. L'Onychonycteris avait des griffes sur ses cinq doigts, alors que les chauves-souris modernes ont au plus deux griffes apparaissant sur deux doigts de chaque main. Il avait également des pattes postérieures plus longues et des avant-bras plus courts, semblables aux mammifères grimpeurs suspendus sous les branches, comme les paresseux et les gibbons. Cette chauve-souris de la taille d'une paume avait des ailes courtes et larges, ce qui suggère qu'elle ne pouvait pas voler aussi vite ni aussi loin que les espèces de chauves-souris ultérieures. Au lieu de battre des ailes continuellement pendant le vol, Onychonycteris alternait probablement entre les battements et les glissés lorsqu'il était dans les airs. De telles caractéristiques physiques suggèrent que cette chauve-souris ne volait pas autant que les chauves-souris modernes, volant plutôt d'arbre en arbre et passant la majeure partie de sa journée à grimper ou à s'accrocher aux branches des arbres. Les caractéristiques distinctives notées sur le fossile d'Onychonycteris soutiennent également l'affirmation selon laquelle le vol des mammifères a très probablement évolué chez des planeurs arboricoles plutôt que chez des coureurs terrestres. Ce modèle de développement du vol, communément connu sous le nom de théorie des « arbres abattus », implique que les chauves-souris ont atteint le vol propulsé en tirant parti de la hauteur et de la gravité, plutôt que de compter sur des vitesses de course suffisamment rapides pour décoller au niveau du sol. Le genre Necromantis du milieu de l'Éocène est l'un des premiers exemples de chauves-souris spécialisées dans la chasse aux proies vertébrées, ainsi que l'une des plus grandes chauves-souris de son époque. La Witwatia de la fin de l'Éocène est une autre chauve-souris prédatrice de même taille, tandis qu'Aegyptonycteris fait partie des premières et des plus grandes espèces de chauves-souris omnivores. Les chauves-souris disparues Palaeochiropteryx tupaiodon et Hassianycteris kumari sont les premiers mammifères fossiles dont la coloration a été découverte, toutes deux brun rougeâtre. Habitats Le vol a permis aux chauves-souris de devenir l’un des groupes de mammifères les plus répandus. Hormis l’Arctique, l’Antarctique et quelques îles océaniques isolées, les chauves-souris existent partout dans le monde. Les chauves-souris se trouvent dans presque tous les habitats disponibles sur Terre. Différentes espèces sélectionnent différents habitats selon les saisons, allant des bords de mer aux montagnes et même aux déserts, mais les habitats des chauves-souris ont deux exigences fondamentales : des dortoirs, où elles passent la journée ou hibernent, et des endroits pour se nourrir. La plupart des espèces tempérées ont en outre besoin d’un abri d’hibernation relativement chaud. Les gîtes des chauves-souris peuvent être trouvés dans les creux, les crevasses, le feuillage et même les structures artificielles, et comprennent des « tentes » que les chauves-souris construisent en mordant les feuilles. Les États-Unis abritent environ 45 à 48 espèces de chauves-souris. Les trois espèces les plus communes sont Myotis lucifugus (petite chauve-souris brune), Eptesicus fuscus (grosse chauve-souris brune) et Tadarida brasiliensis (chauve-souris mexicaine à queue libre). Les petites et grandes chauves-souris brunes sont communes dans les deux tiers nord du pays, tandis que la chauve-souris mexicaine à queue libre est l'espèce la plus commune dans le sud-ouest, apparaissant même parfois dans certaines parties du sud-est. Anatomie Ailes Les os des doigts des chauves-souris sont beaucoup plus flexibles que ceux des autres mammifères, en raison de leur section transversale aplatie et des faibles niveaux de minéraux, comme le calcium, près de leurs extrémités. En 2006, Sears et coll. a publié une étude qui retrace l'allongement des doigts manuels des chauves-souris, une caractéristique clé requise pour le développement des ailes, à la régulation positive des protéines morphogénétiques osseuses (Bmps). Au cours du développement embryonnaire, le gène contrôlant la signalisation Bmp, Bmp2, est soumis à une expression accrue dans les membres antérieurs des chauves-souris, ce qui entraîne l'extension des doigts manuels de la progéniture. Cette altération génétique cruciale contribue à créer les membres spécialisés nécessaires à la locomotion volante. Sears et coll. (2006) ont également étudié la proportion relative des doigts antérieurs des chauves-souris de plusieurs espèces existantes et les ont comparés avec un fossile de Lcaronycteris index, une espèce éteinte il y a environ 50 millions d'années. L’étude n’a trouvé aucune différence significative dans la proportion relative des chiffres, ce qui suggère que la morphologie des ailes des chauves-souris est conservée depuis plus de 50 millions d’années. Les ailes des chauves-souris sont beaucoup plus fines et constituées de plus d'os que celles des oiseaux, ce qui leur permet de manœuvrer avec plus de précision que ces derniers et de voler avec plus de portance et moins de traînée. En repliant les ailes vers leur corps lors de la montée, ils économisent 35 % d'énergie pendant le vol. Les membranes sont également délicates et se déchirent facilement ; cependant, le tissu de la membrane de la chauve-souris est capable de repousser, de sorte que les petites déchirures peuvent guérir rapidement. La surface de leurs ailes est équipée de récepteurs tactiles situés sur de petites bosses appelées cellules de Merkel, également présentes sur le bout des doigts humains. Ces zones sensibles sont différentes chez les chauves-souris, car chaque bosse a un petit poil au centre, ce qui la rend encore plus sensible et permet à la chauve-souris de détecter et de collecter des informations sur l'air circulant sur ses ailes, et de voler plus efficacement en changeant la forme. de ses ailes en réponse. Un autre type de cellule réceptrice se trouve dans la membrane alaire des espèces qui utilisent leurs ailes pour attraper des proies. Cette cellule réceptrice est sensible à l'étirement de la membrane. Les cellules sont concentrées dans les zones de la membrane où les insectes frappent les ailes lorsque les chauves-souris les capturent. Autre Les dents des microchauves-souris ressemblent à celles des insectivores. Ils sont très tranchants pour mordre à travers l’armure durcie des insectes ou la peau des fruits. Les mammifères ont des valves unidirectionnelles dans leurs veines pour empêcher le sang de refluer, mais les chauves-souris ont également des valves unidirectionnelles dans leurs artères. La chauve-souris nectarifère à lèvres tubulaires (Anoura fistulata) possède la langue la plus longue de tous les mammifères par rapport à la taille de son corps. Cela leur est bénéfique en termes de pollinisation et d’alimentation. Leurs langues longues et étroites peuvent pénétrer profondément dans la longue forme de coupe de certaines fleurs. Lorsque la langue se rétracte, elle s’enroule dans sa cage thoracique. Les chauves-souris possèdent des systèmes pulmonaires hautement adaptés pour faire face aux pressions du vol motorisé. Le vol est une activité aérobie exigeante en énergie et nécessite de grandes quantités d’oxygène pour être soutenu. Chez les chauves-souris, la surface alvéolaire relative et le volume sanguin capillaire pulmonaire sont nettement plus grands que chez la plupart des autres petits mammifères quadrupèdes. Écholocation L'écholocation des chauves-souris est un système de perception dans lequel des sons ultrasoniques sont émis spécifiquement pour produire des échos. En comparant l'impulsion sortante avec les échos renvoyés, le cerveau et le système nerveux auditif peuvent produire des images détaillées de l'environnement de la chauve-souris. Cela permet aux chauves-souris de détecter, localiser et même classer leurs proies dans l’obscurité totale. Avec une intensité de 130 décibels, les cris de chauve-souris comptent parmi les sons d'animaux aériens les plus intenses. Pour distinguer clairement les informations renvoyées, les chauves-souris doivent être capables de séparer leurs appels des échos qu'elles reçoivent. Les microbats utilisent deux approches distinctes. # Écholocation à faible rapport cyclique : les chauves-souris peuvent séparer leurs appels et leurs échos renvoyés par le temps. Les chauves-souris qui utilisent cette approche chronométrent leurs courts appels pour terminer avant le retour des échos. Ceci est important car ces chauves-souris contractent les muscles de leur oreille moyenne lorsqu’elles émettent un appel, afin d’éviter de devenir assourdissantes. L'intervalle de temps entre l'appel et l'écho leur permet de détendre ces muscles, afin qu'ils puissent entendre clairement l'écho qui revient. Le retard des échos renvoyés permet à la chauve-souris d'estimer la distance jusqu'à sa proie. # Écholocation à cycle de service élevé : les chauves-souris émettent un appel continu et séparent l'impulsion et l'écho en fréquence. Les oreilles de ces chauves-souris sont parfaitement adaptées à une gamme de fréquences spécifique. Ils émettent des appels en dehors de cette plage pour éviter de s'auto-assourdir. Ils reçoivent ensuite des échos dans une gamme de fréquences finement réglée en tirant parti du décalage Doppler de leur mouvement en vol. Le décalage Doppler des échos renvoyés fournit des informations relatives au mouvement et à l'emplacement de la proie de la chauve-souris. Ces chauves-souris doivent faire face aux changements du décalage Doppler dus aux changements de leur vitesse de vol. Ils se sont adaptés pour modifier la fréquence d'émission de leurs impulsions en fonction de leur vitesse de vol afin que les échos reviennent toujours dans la plage d'audition optimale. La nouvelle classification des chauves-souris Yinpterochiroptera et Yangochiroptera, étayée par des preuves moléculaires, suggère deux possibilités pour l'évolution de l'écholocation. Il peut avoir été acquis une fois chez un ancêtre commun de toutes les chauves-souris, puis perdu chez les chauves-souris frugivores de l'Ancien Monde, pour être retrouvé chez les chauves-souris fer à cheval, ou l'écholocation a évolué indépendamment dans les lignées Yinpterochiroptera et Yangochiroptera. Deux groupes de papillons exploitent le sens des chauves-souris pour effectuer l'écholocalisation : les papillons tigrés produisent des signaux ultrasoniques pour avertir les chauves-souris qu'ils (les papillons) sont chimiquement protégés ou aposématiques, d'autres espèces de papillons produisent des signaux pour bloquer l'écholocation des chauves-souris. De nombreuses espèces de papillons nocturnes possèdent un organe auditif appelé tympan, qui répond à un signal entrant de chauve-souris en provoquant des contractions erratiques des muscles de vol du papillon nocturne, ce qui l'envoie dans des manœuvres d'évasion aléatoires. En plus d'écholocaliser les proies, les oreilles des chauves-souris sont sensibles au battement d'ailes des papillons de nuit, aux sons produits par les insectes tymbalés et au mouvement des proies terrestres, telles que les mille-pattes, les perce-oreilles, etc. La géométrie complexe des crêtes sur la surface interne des oreilles de chauve-souris permet de focaliser avec précision non seulement les signaux d'écholocation, mais aussi d'écouter passivement tout autre son produit par la proie. Ces crêtes peuvent être considérées comme l'équivalent acoustique d'une lentille de Fresnel et peuvent être observées chez une grande variété d'animaux non apparentés, tels que le aye-aye, le petit galago, le renard à oreilles de chauve-souris, le lémurien souris et d'autres. Grâce à des balayages répétés, les chauves-souris peuvent construire mentalement une image précise de l'environnement dans lequel elles se déplacent et de leur proie. Autres sens Bien que les yeux de la plupart des espèces de microbats soient petits et peu développés, ce qui entraîne une mauvaise acuité visuelle, aucune espèce n’est aveugle. Les microchauves-souris utilisent la vision pour naviguer, en particulier sur de longues distances lorsqu'elles sont hors de portée de l'écholocation, et les espèces qui sont des glaneuses, c'est-à-dire celles qui tentent de descendre d'en haut pour tendre une embuscade aux insectes, comme les grillons au sol ou les papillons de nuit dans un arbre, souvent avoir une vue aussi bonne que celle d'un rat. Il a été démontré que certaines espèces sont capables de détecter la lumière ultraviolette et la plupart des espèces troglodytes ont développé la capacité d’utiliser une lumière très faible. Ils ont également un odorat et une ouïe de grande qualité. Les chauves-souris chassent la nuit, réduisant ainsi la compétition avec les oiseaux, minimisant les contacts avec certains prédateurs, et parcourent de grandes distances (jusqu'à 800 km) à la recherche de nourriture. Les espèces de mégabats ont souvent une excellente vue aussi bonne, sinon meilleure, que la vision humaine. Cette vision est, contrairement à ses relations avec les micro-chauves-souris, adaptée à la vision nocturne et diurne et permet à la chauve-souris d'avoir une certaine vision des couleurs alors que la micro-chauve-souris voit dans des nuances de gris floues. Comportement La plupart des microchauves-souris sont nocturnes et actives au crépuscule. Une grande partie des chauves-souris migrent sur des centaines de kilomètres vers des tanières d'hibernation, tandis que certaines entrent en torpeur par temps froid, se réveillant et se nourrissant lorsque le temps chaud permet aux insectes d'être actifs. D'autres se retirent dans des grottes pour l'hiver et hibernent pendant six mois. Les chauves-souris volent rarement sous la pluie, car la pluie interfère avec leur écholocation et elles sont incapables de localiser leur nourriture. La structure sociale des chauves-souris varie, certaines menant une vie solitaire et d'autres vivant dans des grottes colonisées par plus d'un million de chauves-souris. La structure sociale de fission-fusion est observée chez plusieurs espèces de chauves-souris. Le terme « fusion » fait référence à un grand nombre de chauves-souris qui se rassemblent dans une zone de repos, et « fission » fait référence à la rupture et au mélange de sous-groupes, des chauves-souris individuelles changeant de gîte avec d'autres et se retrouvant souvent dans des arbres différents et avec des habitats différents. camarades de perchoir. Des études montrent également que les chauves-souris émettent divers sons pour communiquer entre elles. Les scientifiques sur le terrain ont écouté les chauves-souris et ont pu associer certains sons à certains comportements que les chauves-souris adoptent après l'émission des sons. Les insectivores représentent 70 % des espèces de chauves-souris et localisent leurs proies par écholocation. Parmi les autres, la plupart se nourrissent de fruits. Seules trois espèces se nourrissent de sang. Certaines espèces se nourrissent même de vertébrés. Les chauves-souris à nez feuille (Phyllostomidae) d'Amérique centrale et d'Amérique du Sud, ainsi que les deux espèces de chauves-souris bouledogues (Noctilionidae) se nourrissent de poisson. On sait qu'au moins deux espèces de chauves-souris se nourrissent d'autres chauves-souris : la chauve-souris spectrale, également connue sous le nom de fausse chauve-souris vampire américaine, et la chauve-souris fantôme d'Australie. Une espèce, la grande chauve-souris noctule, attrape et mange de petits oiseaux dans les airs. Les prédateurs des chauves-souris comprennent les faucons chauves-souris, les faucons chauves-souris et même les araignées. la reproduction La plupart des chauves-souris ont une saison de reproduction, qui se situe au printemps pour les espèces vivant dans un climat tempéré. Les chauves-souris peuvent avoir une à trois portées par saison, selon l'espèce et les conditions environnementales, telles que la disponibilité de nourriture et de sites de repos. Les femelles ont généralement une progéniture à la fois, ce qui pourrait être dû au besoin de la mère de voler pour se nourrir pendant la grossesse. Les femelles allaitent leurs petits jusqu'à ce qu'ils atteignent presque la taille adulte, car une jeune chauve-souris ne peut pas se nourrir seule tant que ses ailes ne sont pas complètement développées. Les chauves-souris femelles utilisent diverses stratégies pour contrôler le moment de la grossesse et de la naissance des petits, afin que l'accouchement coïncide avec une capacité alimentaire maximale et d'autres facteurs écologiques. Les femelles de certaines espèces ont une fécondation retardée, au cours de laquelle les spermatozoïdes sont stockés dans l'appareil reproducteur pendant plusieurs mois après l'accouplement. Dans de nombreux cas, l’accouplement a lieu à l’automne et la fécondation n’a lieu qu’au printemps suivant. D'autres espèces présentent une implantation retardée, dans laquelle l'œuf est fécondé après l'accouplement, mais reste libre dans l'appareil reproducteur jusqu'à ce que les conditions extérieures deviennent favorables à la mise bas et aux soins de la progéniture. Dans une autre stratégie encore, la fécondation et l'implantation se produisent toutes deux, mais le développement du fœtus est retardé jusqu'à ce que des conditions favorables prévalent. Pendant le retard de développement, la mère donne toujours à l'œuf fécondé des nutriments et du sang oxygéné pour le maintenir en vie. Cependant, ce processus peut durer longtemps, en raison du système avancé d’échange de gaz. Toutes ces adaptations font que le chiot naît à une période de forte production locale de fruits ou d'insectes. À la naissance, les ailes sont trop petites pour être utilisées pour voler. Les jeunes microbats deviennent indépendants entre six et huit semaines, tandis que les mégabats ne le deviennent qu’à l’âge de quatre mois. Espérance de vie Une seule chauve-souris peut vivre plus de 20 ans, mais la croissance de sa population est limitée par la lenteur du taux de natalité. Cinq espèces ont été enregistrés vivant plus de 30 ans à l'état sauvage : la chauve-souris brune à longues oreilles (Plecotus auritus), la petite chauve-souris brune (Myotis lucifugus), la chauve-souris de Brandt (Myotis brandti), la petite chauve-souris à oreilles de souris (Myotis blythii) et le grand rhinolophe (Rhinolophus ferrumequinum). Chasser, se nourrir et boire Les chauves-souris nouveau-nées se nourrissent uniquement du lait de leur mère. Lorsqu’elles atteignent l’âge de quelques semaines, les chauves-souris sont censées voler et chasser d’elles-mêmes. C'est à eux de trouver et d'attraper leurs proies, tout en satisfaisant leur soif. Chasse La plupart des chauves-souris sont des créatures nocturnes. Leurs heures de clarté sont consacrées à leur toilette et à leur sommeil ; ils chassent pendant la nuit. Les moyens par lesquels les chauves-souris naviguent tout en trouvant et attrapant leurs proies dans l'obscurité étaient inconnus jusqu'aux années 1790, lorsque Lazzaro Spallanzani a mené une série d'expériences sur un groupe de chauves-souris cagoulées et aveuglées chirurgicalement. Ces chauves-souris ont été placées dans une pièce dans l’obscurité totale, avec des fils de soie tendus à travers la pièce. Même alors, les chauves-souris étaient capables de se frayer un chemin à travers la pièce. Spallanzani a conclu que les chauves-souris n'utilisaient pas leurs yeux pour voler dans l'obscurité totale, mais pour autre chose. Spallanzani a décidé que les chauves-souris étaient capables d'attraper et de trouver leurs proies grâce à leurs oreilles. Pour prouver cette théorie, Spallanzani a bouché les oreilles des chauves-souris lors de son expérience. Pour son plus grand plaisir, il a découvert que les chauves-souris aux oreilles bouchées n'étaient pas capables de voler avec autant d'habileté et de précision que sans les oreilles bouchées. Malheureusement pour Spallanzani, les concepts jumeaux d'ondes sonores et d'acoustique ne seraient pas compris avant un autre siècle et il ne pouvait pas expliquer pourquoi spécifiquement les chauves-souris s'écrasaient contre les murs et les fils qu'il avait tendus autour de la pièce, et à cause de la méthodologie Spallanzani a utilisé, beaucoup de ses sujets de test sont morts. Il était donc bien connu au XIXe siècle que la capacité des chiroptères à naviguer avait quelque chose à voir avec l'audition, mais la manière dont ils y parviennent n'a été prouvée de manière concluante que dans les années 1930, par Donald R. Griffin, étudiant en biologie à l'Université Harvard. En utilisant une espèce indigène locale, la petite chauve-souris brune, il a découvert que les chauves-souris utilisent l'écholocation pour localiser et attraper leurs proies. Lorsque les chauves-souris volent, elles produisent un flux constant de sons aigus. Lorsque les ondes sonores produites par ces sons frappent un insecte ou un autre animal, les échos rebondissent sur la chauve-souris et la guident vers la source. Alimentation et régime La majorité de la nourriture consommée par les chauves-souris comprend des insectes, des fruits et du nectar de fleurs, des vertébrés et du sang. Près des trois quarts des chauves-souris dans le monde sont des mangeurs d'insectes. Les chauves-souris consomment des insectes aériens et terrestres. Chaque chauve-souris est généralement capable de consommer un tiers de son poids corporel en insectes chaque nuit, et plusieurs centaines d'insectes en quelques heures. Cela signifie qu’un groupe d’un millier de chauves-souris pourrait manger quatre tonnes d’insectes chaque année. Si les chauves-souris devaient disparaître, on a calculé que la population d’insectes atteindrait un nombre alarmant. Vitamine C Dans un test portant sur 34 espèces de chauves-souris appartenant à six grandes familles de chauves-souris, y compris les principales familles de chauves-souris insectes et frugivores, il a été constaté que toutes avaient perdu la capacité de synthétiser la vitamine C, et cette perte pourrait provenir d'un ancêtre commun des chauves-souris, comme une seule mutation. Cependant, des résultats récents montrent qu'il existe au moins deux espèces de chauves-souris, la chauve-souris frugivore (Rousettus leschenaultii) et la chauve-souris insectivore (Hipposideros armiger), qui ont conservé leur capacité à produire de la vitamine C. En fait, ce sont tous les Chiroptères qui sont en train de le faire. de perdre la capacité de synthétiser Vc que la plupart d'entre eux ont déjà perdue. Insectivores aériens Regarder une chauve-souris attraper et manger un insecte est difficile. L'action est si rapide que tout ce que l'on voit, c'est une chauve-souris qui change rapidement de direction et continue son chemin. Le scientifique Frederick A. Webster a découvert comment les chauves-souris capturent leurs proies. En 1960, Webster a développé un appareil photo haute vitesse capable de prendre mille photos par seconde. Ces photos ont révélé la manière rapide et précise avec laquelle les chauves-souris capturent les insectes. Parfois, une chauve-souris attrape un insecte dans les airs avec sa bouche et le mange dans les airs. Cependant, le plus souvent, une chauve-souris utilise sa queue ou ses ailes pour attraper l'insecte et le piéger dans une sorte de « filet anti-insectes ». Ensuite, la chauve-souris ramènera l’insecte à son perchoir. Là, la chauve-souris va manger ledit insecte, en utilisant souvent sa membrane caudale comme une sorte de serviette, pour éviter que son repas ne tombe au sol. L’une des proies courantes des insectes est Helicoverpa zea, un papillon qui cause d’importants dégâts agricoles. Glaneuses de fourrage Ces chauves-souris volent généralement vers le bas, saisissent leurs proies du sol avec leurs dents et les emmènent sur un perchoir à proximité pour les manger. Généralement, ces chauves-souris n'utilisent pas l'écholocation pour localiser leurs proies. Au lieu de cela, ils s’appuient sur les sons produits par les insectes. Certains émettent des sons uniques et presque tous émettent du bruit lorsqu’ils se déplacent dans l’environnement. Nectar de fruits et de fleurs La consommation de fruits, ou frugivorie, est une habitude spécifique que l'on retrouve chez deux familles de chauves-souris. Les mégachiroptères et les microchiroptères comprennent tous deux des espèces de chauves-souris qui se nourrissent de fruits. Ces chauves-souris se nourrissent du jus de fruits sucrés et répondent aux besoins de dispersion de certaines graines. Les fruits préférés par la plupart des chauves-souris frugivores sont charnus et sucrés, mais pas particulièrement odorants ni colorés. Pour obtenir le jus de ces fruits, les chauves-souris arrachent les fruits des arbres avec leurs dents et retournent vers leurs perchoirs avec les fruits dans la bouche. Là, les chauves-souris vont consommer les fruits d’une manière spécifique. Pour ce faire, les chauves-souris écrasent les fruits et mangent les parties qui satisfont leur faim. Le reste des fruits, les graines et la pulpe, sont crachés au sol. Ces graines prennent racine et commencent à donner de nouveaux arbres fruitiers. Plus de 150 types de plantes dépendent des chauves-souris pour se reproduire. Certaines chauves-souris préfèrent le nectar des fleurs aux insectes ou autres animaux. Ces chauves-souris ont évolué spécifiquement dans ce but. Par exemple, ces chauves-souris possèdent de longs museaux et de longues langues extensibles couvertes de fines soies qui les aident à se nourrir de fleurs et de plantes particulières. Lorsqu'elles sirotent le nectar de ces fleurs, le pollen reste collé à leur fourrure et est dépoussiéré lorsque les chauves-souris prennent leur envol, pollinisant ainsi les plantes situées en dessous d'elles. On dit que la forêt tropicale est celle qui bénéficie le plus de tous les biomes où vivent les chauves-souris, car o

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Quelle est la capitale de l'État américain de l'Idaho ?

Boise

Boise ( ) est la capitale et la ville la plus peuplée de l'État américain de l'Idaho, ainsi que le siège du comté d'Ada. Située sur la rivière Boise, dans le sud-ouest de l'Idaho, la population de Boise lors du recensement de 2010 était de 205 671 habitants, la 99e plus grande du pays. Sa population estimée en 2013 était de 214 237 habitants. La zone métropolitaine de Boise-Nampa, également connue sous le nom de Treasure Valley, comprend cinq comtés avec une population combinée de 664 422 habitants, la zone métropolitaine la plus peuplée de l'Idaho. Il contient les trois plus grandes villes de l'État ; Boise, Nampa et Méridien. Boise est la troisième zone métropolitaine la plus peuplée de la région du nord-ouest du Pacifique des États-Unis, derrière Seattle et Portland. Histoire Étymologie Les récits diffèrent sur l'origine du nom. Un compte crédite le capitaine B.L.E. Bonneville de l'armée américaine comme source. Après avoir parcouru des semaines de randonnée sur un terrain sec et accidenté, son groupe d'exploration a atteint un point de vue offrant une vue sur la vallée de la rivière Boise. L'endroit où ils se trouvaient s'appelle Bonneville Point, situé sur l'Oregon Trail à l'est de la ville. Selon l'histoire, un guide francophone, bouleversé par la vue de la rivière verdoyante, aurait crié « » (« Le bois ! Le bois ! ») – et le nom est resté. Le nom pourrait plutôt provenir des anciens montagnards, qui donnaient le nom à la rivière qui la traverse. Dans les années 1820, des trappeurs de fourrures canadiens-français installèrent des lignes de piégeage à proximité. Située dans une zone désertique élevée, la vallée bordée d'arbres de la rivière Boise est devenue un point de repère distinctif, une oasis dominée par des peupliers. Ils appelaient cela « La rivière boisée », ce qui signifie « la rivière boisée ». La zone s'appelait Boise bien avant la création de Fort Boise par le gouvernement fédéral. Le fort Boise d'origine se trouvait à 40 milles à l'ouest, près de Parme, en aval de la rivière Boise, près de son confluent avec la rivière Snake, à la frontière de l'Oregon. Cette défense du secteur privé a été érigée par la Compagnie de la Baie d'Hudson dans les années 1830. Il a été abandonné dans les années 1850, mais les massacres le long de la piste de l'Oregon ont incité l'armée américaine à rétablir un fort dans la région en 1863, pendant la guerre civile américaine. Le nouvel emplacement a été choisi parce qu'il se trouvait à proximité de l'intersection de l'Oregon Trail avec une route principale reliant les zones minières de Boise Basin (Idaho City) et d'Owyhee (Silver City), toutes deux en plein essor. Au milieu des années 1860, Idaho City était la plus grande ville du Nord-Ouest et, en tant que zone de transit, Fort Boise se développa rapidement ; Boise a été constituée en ville en 1863. La première capitale du territoire de l'Idaho était Lewiston, dans le centre-nord de l'Idaho, qui en 1863 était la plus grande communauté, dépassant les populations d'Olympia et de Seattle, dans le territoire de Washington et de Portland, dans l'Oregon réunies. Le territoire d'origine était plus grand que le Texas. Mais après la création du territoire du Montana, Boise est devenue la capitale territoriale d'un Idaho très réduit dans une décision controversée qui a annulé une décision d'un tribunal de district par une majorité d'une voix à la Cour suprême territoriale selon des critères géographiques en 1866. Conçu par Alfred B. Mullett, le bureau d'analyse des États-Unis situé au 210 Main Street a été construit en 1871 et est aujourd'hui un monument historique national. Prononciation Les autochtones et les résidents de longue date utilisent la prononciation (BOY-see), telle qu'elle est indiquée sur le site Internet de la ville. La prononciation est parfois utilisée comme un shibboleth, car les étrangers (et les nouveaux arrivants) ont tendance à prononcer le nom de la ville comme (BOY-zee). Géographie Boise est située dans le sud-ouest de l'Idaho, à environ 65 km à l'est de la frontière de l'Oregon et à 180 km au nord de la frontière du Nevada. L'altitude du centre-ville est de 2 704 pieds au-dessus du niveau de la mer. La majeure partie de la zone métropolitaine s'étend sur une large plaine plate descendant vers l'ouest. Les montagnes s'élèvent au nord-est, s'étendant de l'extrémité sud-est des limites de la ville de Boise jusqu'à Eagle, à proximité. Ces montagnes sont connues des habitants sous le nom de contreforts de Boise et sont parfois décrites comme les contreforts des montagnes Rocheuses. À environ 34 km au sud-ouest de Boise et à environ 26 km au sud-ouest de Nampa, les montagnes Owyhee se trouvent entièrement dans le comté voisin d'Owyhee. Selon le Bureau du recensement des États-Unis, la ville a une superficie totale de , dont la terre et l'eau. La ville est drainée par la rivière Boise. La ville de Boise est considérée comme faisant partie de la Treasure Valley. Certaines parties de la ville Boise occupe une vaste superficie : 64 km² selon le Bureau du recensement des États-Unis. Comme toutes les grandes villes, elle est composée de plusieurs quartiers. Ceux-ci incluent le Bench, le North End, West Boise et Downtown, entre autres. En janvier 2014, le service de police de Boise s'est associé au site de blogs folkloriques de quartier Nextdoor, la première ville du Nord-Ouest et la 137e ville des États-Unis à le faire. Depuis que l'application, qui permet aux services de police, d'incendie et des parcs de la ville d'afficher des messages dans des zones hautement localisées et sélectionnées par eux-mêmes, est devenue disponible en octobre 2011, 101 quartiers et sections de quartiers l'ont rejoint. Centre-ville de Boise Le centre-ville de Boise est le centre culturel de Boise et abrite de nombreuses petites entreprises et quelques immeubles de taille moyenne. Bien que le centre-ville de Boise ne dispose pas d'un centre commercial/restaurant majeur comme Seattle, Portland et Spokane, le quartier dispose d'une variété de magasins et d'options de restauration croissantes. Au centre, la 8ème rue contient une zone piétonne avec des cafés-terrasses et des restaurants. Le quartier compte un certain nombre de restaurants, de bars et de boutiques locaux et abrite une vie nocturne animée. La zone contient le Basque Block, qui donne aux visiteurs l'occasion de découvrir et d'apprécier le patrimoine basque de Boise. Les principales attractions du centre-ville de Boise comprennent le Capitole de l'État de l'Idaho, le théâtre égyptien classique au coin de Capitol Boulevard et de Main Street, le Boise Art Museum sur Capitol en face du parc Julia Davis et le zoo de Boise situé sur le terrain du parc Julia Davis. L'économie de Boise a été menacée à la fin des années 1990 par le développement commercial dans des endroits éloignés du centre-ville, comme le centre commercial Boise Towne Square et dans les centres commerciaux situés à proximité de nouveaux lotissements. Les événements culturels du centre-ville de Boise incluent Alive after Five et First Thursday. Université d'État de Boise Au sud du centre-ville de Boise se trouve la Boise State University et ses environs. Le quartier est dominé par des quartiers résidentiels et des entreprises destinées à la population étudiante. Le terrain de jeu bleu unique du stade Albertsons de 37 000 places sur le campus de BSU, domicile de l'équipe de football des Boise State Broncos, est un monument majeur de la ville. Les autres centres culturels et sportifs de la région comprennent le Velma V. Morrison Center for the Performing Arts et la Taco Bell Arena. Broadway Avenue, à l'est et au sud du campus BSU, abrite de nombreux bars et restaurants sur le thème des universités. L'extrémité nord Le North End, généralement défini comme la partie de Boise au nord de State Street, contient de nombreuses maisons parmi les plus anciennes de la ville. Il est connu pour ses allées bordées d'arbres comme Harrison Boulevard et pour ses quartiers calmes à proximité du centre-ville. Le centre-ville de Boise est visible depuis Camel's Back Park. Sur la 13e rue, Hyde Park abrite des restaurants et d'autres commerces. Le North End accueille également des événements tels que la foire annuelle de Hyde Park Street. En 2008, l'American Planning Association (APA) a désigné le North End de Boise comme l'un des 10 grands quartiers. Boise Highlands Les Boise Highlands sont situés juste au nord de The North End. Son emplacement est généralement défini comme étant au nord de Hill Road, à l'est de Bogus Basin Road. Son quartier est principalement rempli de maisons construites dans les années 1970, ainsi que d'un parcours de golf/country club connu sous le nom de Crane Creek. Sud-ouest de Boise Le sud-ouest de Boise contient des quartiers peu peuplés construits entre les années 1960 et le début des années 1980. Beaucoup comprennent des parcelles d’un acre et, occasionnellement, une ferme et des pâturages. Dans les années 1980, la croissance de la région a été freinée pour empêcher l’étalement urbain. Depuis que cette mesure a été levée, on a assisté à une croissance généralisée de nouveaux logements et de nouveaux quartiers. Le quartier se trouve à proximité de l'Interstate 84, des théâtres, des magasins, de l'aéroport, du golf et du quartier de Boise Bench. Nord-ouest de Boise Northwest Boise se trouve contre les contreforts de Boise au nord, State Street au sud, la ville d'Eagle à l'ouest et le centre-ville de Boise à l'est. Il contient un mélange d'anciens et de nouveaux quartiers, dont Lakeharbor, qui abrite le privé Silver Lake, une carrière récupérée. Northwest Boise possède quelques poches de maisons plus anciennes avec une esthétique similaire à celle du North End. Le centre-ville est à quelques minutes, tout comme le Veteran's Memorial Park et un accès facile à la ceinture de verdure de Boise. De l'autre côté de la rivière se trouve le Boise Bench et à l'ouest se trouvent les communautés dortoirs d'Eagle, Star et Middleton. Warm Springs et East End Warm Springs est centré sur l'avenue Warm Springs bordée d'arbres et abrite certaines des maisons les plus grandes et les plus chères de Boise (dont beaucoup ont été érigées par de riches mineurs et hommes d'affaires au tournant du 20e siècle ; les styles victoriens occupent une place importante). La région tire son nom des sources chaudes naturelles qui jaillissent de la ligne de faille de Boise et réchauffent de nombreuses maisons de la région. Le centre de natation public Natotorium se trouve ici. East Boise et Harris Ranch L'extrémité est de Warm Springs était autrefois connue sous le nom de Barber Town, avec un hôtel doté de sources chaudes niché dans les contreforts. Il compte désormais de nouveaux développements résidentiels, avec un accès facile à l'autoroute 21, qui mène aux montagnes du centre-sud de l'Idaho, à la rivière Boise, aux contreforts de Boise, au département des parcs et des loisirs de l'Idaho et au festival Shakespeare de l'Idaho. Sud-Est de Boise Le sud-est de Boise s'étend de la Boise State University à Micron Technology – toutes les zones situées entre Federal Way et la rivière Boise. La zone la plus ancienne juste au sud de l'université peut être décrite comme un croisement entre le North End et le banc de Boise. Le reste du sud-est de Boise a été développé au cours des trente dernières années avec des maisons de style suburbain. Le lotissement Columbia Village et l'ancien Oregon Trail Heights ont été les premières grandes communautés planifiées du sud-est de Boise avec une école primaire et intermédiaire, toutes accessibles à pied depuis toutes les maisons. Le lotissement est situé aux intersections de l'Interstate 84, de l'Idaho 21 et de la Federal Way (ancienne autoroute américaine), qui sont toutes des artères principales pour se rendre n'importe où à Boise. Le lotissement, un complexe de baseball et des piscines ont été aménagés autour du complexe sportif Simplot. Les champs sont construits sur une ancienne décharge, et les champs et le parking en gravier permettent aux gaz radon de s'échapper à travers le sol. Le 25 août 2008, vers 19 h 00, un incendie s'est déclaré près d'Amity et de Holcomb lors d'une importante tempête de vent. Il a détruit 10 maisons et en a endommagé 9. Une personne est morte dans l'incendie. Banc Boise Le banc, généralement délimité par Federal Way à l'est, Cole Road à l'ouest et Garden City au nord, se trouve à une altitude d'environ 60 pieds plus haute que le centre-ville de Boise au nord-est. Orchard Street est une artère nord-sud majeure du quartier. Le Banc est ainsi nommé en raison de cette élévation soudaine, donnant l'apparence d'une marche, ou d'un banc. Le banc (ou les bancs, il y a trois bancs réels dans la vallée de Boise) a été créé comme un ancien rivage de l'ancien chenal de la rivière. Le Bench abrite le Boise Union Pacific Depot. Semblable à North End, le Bench comprend également des zones résidentielles plus anciennes telles que les quartiers Central Rim, Morris Hill et Depot Bench. Au sud du banc se trouve l'aéroport de Boise. Boise Ouest West Boise abrite le centre commercial Boise Towne Square, le plus grand de l'État, ainsi que de nombreux restaurants, centres commerciaux et développements résidentiels allant des nouveaux lotissements aux complexes d'appartements. La prison du comté d'Ada et la division d'impression de Hewlett Packard se trouvent également ici. Il s'agit de la section relativement la plus plate de Boise, avec une vue imprenable sur le front de Boise. West Boise borde également la ville de Meridian, Idaho. Paysage urbain Climat Boise a un climat continental semi-aride (classification climatique de Köppen BSk), avec quatre saisons distinctes. Boise connaît des étés chauds et secs avec des températures maximales atteignant 100 °F huit jours dans une année typique et 90 °F pendant 51 jours. Pourtant, en raison de l’aridité, la variation diurne moyenne de la température dépasse 30 F en été. Les hivers sont modérément froids, avec une moyenne de décembre de , et des températures minimales tombant à 0 °F ou moins environ trois nuits par an. Les chutes de neige sont en moyenne de 19 pouces, mais tombent généralement par épisodes de 3 pouces ou moins. Le printemps et l'automne sont doux. L'automne est bref ; le printemps est progressif. Les extrêmes ont varié du 16 janvier 1888 à 111 °F, jusqu'au 19 juillet 1960 ; les températures ont atteint 110 °F aussi récemment que le 22 décembre 1990 et le 28 juin 2015, respectivement. Les précipitations sont généralement peu fréquentes et légères, surtout pendant les mois d'été. Il mesure en moyenne environ 11 pouces par an. Les tornades sont rares dans le comté d'Ada et dans la région de Boise. Depuis 1950, seules douze (12) tornades ont été documentées dans le comté, et quatre d'entre elles ont eu lieu lors de la même tempête le 3 août 2000, date la plus récente à laquelle une tornade a été documentée dans la région. Aucune des tornades n'a été classée au-dessus d'un « F1 » sur l'échelle Fujita, et aucun blessé ni décès n'a jamais été documenté. Données démographiques Recensement de 2010 Au recensement de 2010, 205 671 personnes, 85 704 ménages et 50 647 familles résidaient dans la ville. La densité de population était de . Il y avait 92 700 logements avec une densité moyenne de . La composition raciale de la ville était de 89,0 % de Blancs, 1,5 % d'Afro-Américains, 0,7 % d'Amérindiens, 3,2 % d'Asiatiques, 0,2 % d'Insulaires du Pacifique, 2,5 % d'autres races et 3,0 % de deux races ou plus. Les Hispaniques ou Latinos de toute race représentaient 7,1% de la population. Il y avait 85 704 ménages dont 29,6 % avaient des enfants de moins de 18 ans vivant avec eux, 44 % étaient des couples mariés vivant ensemble, 10 % avaient une femme au foyer sans la présence de son mari, 4,5 % avaient un homme au foyer sans la présence de sa femme et 41% n'étaient pas des familles. 31 % de tous les ménages étaient composés de particuliers et 8,5 % comptaient une personne vivant seule âgée de 65 ans ou plus. La taille moyenne des ménages était de 2,36 personnes et la taille moyenne des familles de 3 personnes. L'âge médian de la ville était de 35 ans. 23 % des habitants avaient moins de 18 ans ; 11 % avaient entre 18 et 24 ans ; 29 % avaient entre 25 et 44 ans ; 26 % avaient entre 45 et 64 ans ; et 11 % étaient âgés de 65 ans ou plus. La composition par sexe de la ville était de 49 % d’hommes et 51 % de femmes. Économie Boise est le siège de plusieurs grandes entreprises, telles que Boise Cascade LLC, Albertsons, J.R. Simplot Company, Idaho Pacific Lumber Company, Idaho Timber, WinCo Foods, Bodybuilding.com et Clearwater Analytics. D'autres industries majeures ont leur siège à Boise ou disposent de grandes installations de fabrication. Le gouvernement de l'État est également l'un des plus gros employeurs de la ville. Le plus grand employeur privé, local et coté en bourse de la région est Micron Technology. D'autres incluent IDACORP, Inc., la société mère d'Idaho Power, Idaho Bancorp, Boise, Inc., American Ecology Corp. et PCS Edventures.com Inc. Les investissements technologiques et l'industrie de haute technologie sont devenus de plus en plus importants pour la ville, avec des entreprises telles que Hewlett Packard, Healthwise, Bodybuilding.com, CradlePoint, Crucial.com, ClickBank, MetaGeek, MobileDataForce, MarkMonitor, Sybase, Balihoo, Intracon NA, Wire. -stone.com et Microsoft. L'industrie des centres d'appels est également une source importante d'emplois ; il existe plus de 20 centres d'appels dans la ville employant plus de 7 000 personnes, dont WDSGlobal (une société Xerox), EDS, Teleperformance, DIRECTV, Taos et T-Mobile. Varney Air Service, fondé par Walter Varney, a été créé à Boise, bien que son siège soit à Pasco, Washington. Le contrat initial de courrier aérien allait de Pasco à Elko, dans le Nevada, avec des escales à Boise dans les deux sens. La société est à l'origine de l'actuelle United Airlines, qui dessert toujours la ville à l'aéroport de Boise récemment rénové et modernisé. Inc.com a classé Boise au 9e rang sur sa liste des villes de taille moyenne les plus prisées pour les entrepreneurs en 2007. Meilleurs employeurs Selon le rapport financier annuel complet 2011 de Boise, les principaux employeurs de la ville sont : Culture Boise est une plaque tournante régionale du jazz, du théâtre et de la musique indépendante. Le Gene Harris Jazz Festival a lieu à Boise chaque printemps. Plusieurs troupes de théâtre opèrent dans la ville, notamment l'Idaho Shakespeare Festival, le Boise Little Theatre, le Boise Contemporary Theatre et Prairie Dog Productions, entre autres. Le Treefort Music Fest, début mars, présente des groupes émergents. Le théâtre égyptien rénové accueille des artistes musicaux nationaux et régionaux, des comédiens et des projections de films spéciales. La communauté basque de l'Idaho est l'une des plus importantes des États-Unis, de l'ordre de près de 7 000 personnes en 2000, dont beaucoup vivent à Boise. Un grand festival basque connu sous le nom de Jaialdi a lieu une fois tous les cinq ans (la prochaine en 2020). Le centre-ville de Boise présente une section animée connue sous le nom de « Basque Block ». Le maire de Boise, David H. Bieter, est d'origine basque. Boise est également une région sœur des communautés basques. Boise abrite plusieurs musées, dont le Boise Art Museum, l'Idaho Historical Museum, le Basque Museum and Cultural Center, l'Idaho Black History Museum, Boise WaterShed et le Discovery Center of Idaho. Le premier jeudi de chaque mois, une promenade dans les galeries connue sous le nom de First Thursday est organisée dans le principal quartier des affaires de la ville par la Downtown Boise Association. Boise possède également une communauté des arts du spectacle florissante. Le Boise Philharmonic, qui en est maintenant à sa 49e saison, sous la direction du directeur musical et chef d'orchestre Robert Franz, continue de croître musicalement et présente d'excellents artistes et compositeurs invités année après année. La communauté de la danse est représentée par le renaissant Ballet Idaho sous la direction artistique de Peter Anastos, et le Trey McIntyre Project, connu à l'échelle nationale et acclamé par la critique, a également élu domicile à Boise. Tous se produisent au Velma V. Morrison Center for the Performing Arts, sur le campus de la Boise State University. Le Morrison Center accueille également des spectacles de beaux-arts locaux et nationaux. Pour compléter les arts du spectacle classiques, Opera Idaho, sous la direction de Mark Junkert, présente le grand opéra dans divers lieux de la Treasure Valley. Le Département des arts et de l'histoire de la ville de Boise a été créé en 2008 dans le but de promouvoir les arts, la culture et l'histoire de la ville auprès de ses résidents et visiteurs. Depuis 1978, Boise City avait une commission des arts publics, comme de nombreuses villes, pour promouvoir l'art public et l'éducation. La Commission des arts a fourni des conseils d'experts sur les installations d'art public à la ville et à des groupes privés, ainsi que pour développer de nombreux programmes éducatifs au sein de la ville pour promouvoir les arts. En 2008, la Commission de la ville et des arts a pris la décision d'introduire l'histoire dans le cadre de la commission artistique et de renommer cette nouvelle commission le Département des arts et de l'histoire de la ville de Boise. Le Département des arts et de l'histoire de la ville de Boise supervise plusieurs projets et programmes en cours liés à l'art, à la culture et à l'histoire, ainsi qu'un certain nombre de projets à court terme à tout moment. Certains projets en cours comprennent : l'entretien d'une collection d'art public évaluée à plus de 3 millions de dollars, la création et l'entretien de promenades et de visites historiques et artistiques de la ville, l'entretien d'une collection de recherche historique de la ville, les artistes en résidence et le forum Fettuccine. En 2013, Boise a célébré son cent cinquantenaire, la commémoration était également connue sous le nom de Boise 150. La commémoration était dirigée par le département des arts et de l'histoire de la ville de Boise. Le Département des arts et de l'histoire a axé la commémoration autour des thèmes de l'entreprise, de la communauté et de l'environnement. Pour l'année du cent cinquantenaire, le Département des arts et de l'histoire a habité une devanture de magasin au 1008 Main St. Ce siège social de Boise 150, également connu sous le nom de Sesqui-Shop, fonctionnait comme magasin, espace d'exposition et lieu d'événement. Les commerçants locaux produisaient des produits locaux authentiques dans le cadre du cent cinquantenaire. Les événements du cent cinquantenaire comprenaient Thinking 150, Anniversary Weekend, Re-Art Children's Program, Sesqui-Speaks et Walk 150. Les éléments hérités du cent cinquantenaire comprenaient le programme Share Your Story, un livre commémoratif mettant en vedette des écrivains locaux et un CD commémoratif mettant en vedette des musiciens locaux. . Dans le cadre du sesquicentenaire, le Département des arts et de l'histoire a également accordé une subvention au comité culturel de Shoshone-Bannock, ainsi que 36 subventions communautaires plus modestes. Selon une étude réalisée en 2012 par Americans for the Arts, les arts, publics et privés, représentent à Boise une industrie de quarante-huit millions de dollars par an. La même étude cite également les arts à Boise et dans ses environs comme fournisseur d'emplois pour environ 1 600 personnes et producteur d'environ 4,4 millions de dollars de revenus pour l'État et les gouvernements locaux. Le Boise Center on the Grove est un centre de congrès de 85 000 pieds carrés qui accueille une variété d'événements, notamment des congrès internationaux, nationaux et régionaux, des conférences, des banquets et des salons grand public. Il est situé au cœur du centre-ville de Boise et borde le Grove Plaza, qui accueille de nombreuses réceptions en plein air tout au long de l'année, notamment la célébration du Nouvel An, le [http://www.idahonewyearscommission.com Idaho Potato Drop] organisé par l'Idaho New Commission de l'année. Le centre naturel Morrison-Knudsen propose des jeux d'eau et des expériences avec la faune juste à l'est du centre-ville. Il est situé à côté du parc municipal. Il propose des expositions de poissons et d'animaux vivants, des zones d'observation dans l'eau, des jardins d'oiseaux et de papillons, des cascades et un centre d'accueil gratuit. Boise compte des communautés religieuses diverses et dynamiques. Le temple Ahavath Beth Israel de la communauté juive, achevé en 1896, est le temple le plus ancien du pays continuellement utilisé à l'ouest du Mississippi. L'Église de Jésus-Christ des Saints des Derniers Jours y a consacré un temple en 1984 et le temple de Boise Hare Krishna a ouvert ses portes en août 1999. Boise (avec les comtés de Valley et Boise) a accueilli les Jeux olympiques spéciaux mondiaux d'hiver de 2009. Plus de 2 500 athlètes de plus de 85 pays y ont participé. En 1972, John Waters a mis en scène la scène finale de son film à petit budget Pink Flamingos à Boise. Attractions majeures Un certain nombre de possibilités de loisirs sont disponibles à Boise, notamment de nombreuses randonnées pédestres et cyclistes dans les contreforts situés immédiatement au nord du centre-ville. Une grande partie de ce réseau de sentiers fait partie de Hull's Gulch et est accessible par la 8e rue. Un vaste réseau de sentiers urbains appelé Ceinture de verdure de la rivière Boise longe la rivière et traverse le parc Pierce. La rivière Boise elle-même est une destination courante pour la pêche, la baignade et le rafting. Dans le parc Julia Davis se trouve le zoo Boise, qui compte plus de 200 animaux représentant plus de 80 espèces du monde entier. Une exposition sur l'Afrique, achevée en 2008, est l'ajout le plus récent. Boise abrite également l'Aquarium de l'Idaho. Le domaine skiable de Bogus Basin a ouvert ses portes en 1942 et accueille de multiples activités hivernales, principalement le ski alpin et le snowboard, mais aussi le ski de fond et le snowtubing. "Bogus" se trouve à 25 km des limites de la ville (à moins d'une heure de route du centre-ville) sur une route pavée sinueuse qui grimpe à 3 400 pieds verticaux (1 036 m) à travers l'armoise et la forêt. Les équipes sportives professionnelles de Boise comprennent les Boise Hawks de la Ligue du Nord-Ouest de classe A de courte saison (baseball de ligue mineure), les Steelheads de l'Idaho de l'ECHL (hockey de ligue mineure), l'Idaho Stampede de la NBA Development League (basketball de ligue mineure), et les Treasure Valley Spartans (football semi-professionnel) de la (Rocky Mountain Football League). Une franchise Arenafootball2, Boise Burn, a commencé à jouer en 2007 mais est aujourd'hui disparue. Sur le plan du divertissement sportif, Boise abrite une ligue de roller derby sur piste plate entièrement féminine, DIY, les Treasure Valley Rollergirls, qui, à partir du week-end de la fête du Travail 2010, a accueilli un tournoi international de deux jours à double élimination, le premier Spudtown. Knockdown, mettant en vedette huit équipes de tout l'Ouest américain et du Canada. Le campus de la Boise State University abrite l'Albertsons Stadium, le stade de football de 36 800 places connu pour son terrain bleu Field Turf ; et Taco Bell Arena, une salle de basket-ball et de divertissement de 12 000 places qui a ouvert ses portes en 1982 sous le nom de Pavillon BSU. La Boise State University est principalement connue pour les récents succès de son équipe de football. Le célèbre match de football Idaho Potato Bowl (anciennement connu sous le nom de Humanitarian Bowl et MPC Computers Bowl) a lieu chaque année fin décembre et associe une équipe de la Mountain West Conference à une équipe de la Mid-American Conference. Le Centre mondial pour les oiseaux de proie est situé juste à l'extérieur des limites de la ville et joue un rôle clé dans le rétablissement du faucon pèlerin et son retrait ultérieur de la liste des espèces menacées. Le centre élève actuellement le très rare condor de Californie, parmi de nombreuses autres espèces rares et menacées. La ville a été citée par des publications comme Forbes, Fortune et Sunset pour sa qualité de vie. Le centre commercial principal de Boise, Boise Towne Square Mall, est également une attraction commerciale majeure pour Boise, Nampa, Caldwell et ses environs. Le centre commercial a été modernisé et a ajouté plusieurs nouveaux détaillants en 1998 et 2006. Le plus grand séquoia géant de l'État se trouve près de l'hôpital St. Luke. Boise abrite de nombreuses grandes communautés de café et de nombreux cafés, notamment des chaînes et des établissements locaux. Sport professionnel Gouvernement Boise reçoit fréquemment une reconnaissance nationale pour sa qualité de vie et son climat des affaires. Quelques classements nationaux récents : * Les meilleures et les pires villes pour hommes 2013 : #1 (Santé des hommes) * Meilleurs conducteurs d'Amérique : #2 (Allstate Insurance, 2011) * Meilleures villes 2010 : #1 dans l'ensemble des villes de l'ouest des États-Unis (Outside Magazine) * Les dix meilleures villes où vivre : #10 * L'un des 10 meilleurs endroits où vivre : (U.S. News & World Report, 2009) * Meilleurs endroits pour les affaires et la carrière : #2 (Forbes Magazine, 2008) Crime Dans l’ensemble, Boise est considérée comme une ville sûre. Les crimes violents ont chuté de 775 en 2006 à 586 en 2007, mais les meurtres sont passés d'un en 2004 à neuf en 2007. En 2007, il y a eu 3 211 crimes pour 100 000 habitants. En 2006, Boise était classée n°1 sur la liste Farmer's Insurance des endroits les plus sûrs où vivre. Malgré la croissance démographique, les crimes violents sont restés sensiblement les mêmes qu'en 2013, avec 600 incidents de crimes violents et trois meurtres cette année-là. Éducation Le district scolaire de Boise comprend 31 écoles élémentaires, 8 collèges, 5 lycées et 2 écoles spécialisées. Une partie du district scolaire de West Ada (maintenant le plus grand de l'Idaho) se trouve dans les limites de la ville de Boise, et la ville abrite donc six lycées publics : Boise, Borah, Capital, Timberline, l'alternative Frank Church et le district de Meridian. Centenaire. Les écoles privées de Boise comprennent la catholique Bishop Kelly, la Foothills School of Arts and Sciences et la Riverstone International School, accréditée au baccalauréat international. Les options d'enseignement postsecondaire à Boise comprennent la Boise State University (BSU) et un large éventail d'écoles techniques. L'Université de l'Idaho (UI) et l'Idaho State University (ISU) disposent chacune d'un campus satellite à Boise. Depuis 2014, la ville propose deux programmes de faculté de droit. La faculté de droit de l'Université Concordia a ouvert ses portes en 2012 et le Collège de droit de l'Université de l'Idaho accueille désormais des étudiants de deuxième et troisième années sur son campus de Boise. Boise abrite le Boise Bible College, un collège délivrant des diplômes de premier cycle qui existe pour former des dirigeants d'églises ainsi que des missionnaires pour le monde. Boiseko Ikastola est la seule école maternelle basque en dehors du Pays Basque. Médias La région du Grand Boise est desservie par deux quotidiens, The Idaho Statesman et Idaho Press-Tribune ; un hebdomadaire d'information alternatif gratuit, Boise Weekly ; une publication hebdomadaire d'actualité économique, Idaho Business Review, et un magazine de style de vie trimestriel, Boise Magazine. En plus de nombreuses stations de radio, Boise compte cinq grandes chaînes de télévision commerciales qui desservent la grande région de Boise. Il existe quatre principaux médias, KTVB (NBC), KBOI-TV (CBS), KIVI-TV (American Broadcasting Company ; la station sœur Fox KNIN-TV diffuse des bulletins d'information supplémentaires sur KIVI) et Idaho Public Television. Transport La principale autoroute desservant Boise est la I-84, qui relie Boise à Portland, dans l'Oregon, et à Salt Lake City, dans l'Utah. De plus, les résidents de la région de Boise sont desservis par l'Interstate 184 (connue localement sous le nom de « The Connector »), un tronçon d'autoroute de près de 8 km reliant la I-84 au centre-ville de Boise. L'autoroute 55 bifurque vers le nord-est. Il existe un réseau de pistes cyclables, comme la ceinture de verdure de la rivière Boise, dans toute la ville et ses environs. Parmi les villes américaines, Boise compte le septième plus grand nombre de navetteurs à vélo par habitant, avec 3,9 % de navetteurs se rendant au travail. Les transports publics comprennent une série de lignes de bus exploitées par ValleyRide. De plus, le Downtown Circulator, un système de tramway proposé, est en cours de planification. La construction du centre de transport public souterrain (UPT Hub) à Boise sur le parking près de l'intersection de W Main Street et N 8th Street devrait être achevée d'ici la mi-2016. Un service aérien commercial est fourni à l'aéroport de Boise. Le terminal a été récemment rénové pour accueillir le nombre croissant de passagers entrant et sortant de Boise. Elle est desservie par Allegiant Air, Alaska Airlines, American Airlines, Delta Air Lines, Southwest Airlines et United Airlines. L'extrémité est de l'aéroport abrite le National Interagency Fire Center. La base de la Garde nationale aérienne de Gowen Field occupe le côté sud du terrain. Le service de train de voyageurs Amtrak était auparavant disponible à Boise jusqu'au 10 mai 1997, date à laquelle Amtrak a interrompu le service. Auparavant, depuis 1977, le Pioneer effectuait un service deux fois par jour à travers Boise alors que le train faisait son chemin entre Seattle et Salt Lake City. Des personnes remarquables * Robert Adler, inventeur * William Agee, ancien dirigeant d'entreprise * Joe Albertson, fondateur de la chaîne d'épiceries Albertsons et * Kathryn Albertson, épouse de Joe Albertson et philanthrope notable ; né à Boise. * Cecil Andrus, seul gouverneur de l'Idaho à 4 mandats, secrétaire de l'Intérieur * James Jesus Angleton, ancien chef d'état-major du contre-espionnage de la CIA * Steve Appleton, homme d'affaires et passionné d'aviation * Kristin Armstrong, médaillée d'or en cyclisme *Matthew Barney, artiste *Phyllis Brooks, actrice * Bill Buckner, ancien joueur de la Ligue majeure de baseball * Maggie Carey, réalisatrice, scénariste * John P. Cassidy, membre du conseil municipal de Los Angeles, 1962-1967, né à Boise * James Charles Castle, artiste sourd * Frank Church, sénateur américain, président de la commission sénatoriale des relations étrangères * Heather Cox, animatrice sportive *Anthony Doerr, romancier * Stephen Fife, lanceur de la Ligue majeure de baseball * John M. Haines, maire et gouverneur * Mark Gregory Hambley, ambassadeur * Gene Harris, musicien de jazz *Michael Hoffman, réalisateur *Ernie Hughes, joueur de la NFL * Howard W. Hunter, chef religieux * Morgan James, chanteuse, compositrice et actrice * Eilen Jewell, auteur-compositeur-interprète et chef de groupe. * Scott Jorgensen, artiste martial mixte * Dirk Kempthorne, maire, gouverneur, sénateur et secrétaire de l'Intérieur * George Kennedy, acteur oscarisé * Youth Lagoon, groupe indépendant, Trevor Powers * Mark Levine, musicien de jazz et éducateur * Doug Martsch, musicien et auteur-compositeur * Bonnie McCarroll, artiste de rodéo * Brett Nelson, musicien et auteur-compositeur * Maureen O'Hara, actrice * Reginald Owen, acteur de personnage * Thom Pace, musicien et auteur-compositeur *Aaron Paul, acteur * Jeret Peterson, médaillé d'argent olympique, Jeux olympiques d'hiver de 2010, ski acrobatique *William Petersen, acteur * Jake Plummer, quart-arrière du football *Bridget Powers, actrice *Paul Revere, musicien * Brian Scott, pilote automobile * Johnny Sequoyah, enfant actrice, surtout connue pour avoir joué dans Believe, née à Boise * Jeremy Shada, doubleur (Adventure Time) * Brandi Sherwood, Miss Teen USA 1989 et Miss USA 1997 * Frank Shrontz, homme d'affaires * J.R. Simplot, homme d'affaires * Robert Smylie, gouverneur * Michael J. Squier, général de brigade de l'armée américaine et directeur adjoint de la Garde nationale de l'armée * Gary Stevens, jockey et acteur du Temple de la renommée * Curtis Stigers, musicien et auteur-compositeur * Kristine Sutherland, actrice de télévision * Billy Uhl, compétiteur d'enduro moto cinq fois médaillé d'or et fondateur du programme Trail Ranger des parcs d'État de l'Idaho, qui prône une utilisation responsable des véhicules tout-terrain. * Wayne Walker, secondeur de football et diffuseur * Viola S. Wendt, poète * Torrie Wilson, mannequin, artiste et lutteuse professionnelle galerie de photos Fichier : Zions Bank Building Before Dawn.JPG | Le Zions Bank Building, achevé début 2014, est le plus haut bâtiment de Boise. Fichier : Downtown Boise 2013.jpg|Vue des contreforts de Boise, automne 2013 Fichier : Vue nord depuis BODO.jpg | Vue vers le nord depuis l'intersection de la 8e rue et de la rue Broad en août 2013 Fi

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De quel pays Nguyen Tan Dung est devenu Premier ministre en juin 2006 ?

Vietnam

Nguyễn Tấn Dũng (/ŋwiʔən˧˥ tən˧˥ zuʔŋ˧˥/) (né le 17 novembre 1949) fut Premier ministre du Vietnam de 2006 à 2016. Il a été confirmé par l'Assemblée nationale le 27 juin 2006, après avoir été nommé par son prédécesseur, Phan Văn Khải, qui a pris sa retraite. Depuis un congrès du parti en janvier 2011, Dung est classé troisième dans la hiérarchie du Parti communiste du Vietnam, après le président de l'État Trương Tấn Sang et le ministre de la Défense Phùng Quang Thanh. Nguyen-Phu-Trong-elected-Party-Chief/20111/15529.vnplus Nguyen Phu Trong élu chef du Parti]", Vietnam+, 19 janvier 2011."[http://www.nhandan.com.vn/cmlink/nhandan- en ligne/page d'accueil/politique/11e-congrès-du-parti/couverture-du-congrès-du-parti/nguyen-phu-trong-elect-party-general-secretary-1.282671?mode imprimer Nguyen Phu Trong élu secrétaire général du Parti]", Nhan Dan, 19 janvier 2011. Après le 12e congrès du parti, il n'a pas pu conserver son poste au sein du parti et a également décidé de démissionner de son poste gouvernemental en mai 2016. . Début de la vie Dung est né à Cà Mau, dans le sud du Vietnam. Il se serait porté volontaire le jour de son 12e anniversaire pour rejoindre le Vietcong, effectuant des tâches de premiers secours et de communication ; il a également travaillé comme infirmier et médecin. Il a été blessé quatre fois pendant la guerre du Vietnam et a ensuite été classé vétéran blessé de niveau 2/4. En tant que lieutenant supérieur, il était commissaire politique en chef du bataillon d'infanterie 207 ; en tant que capitaine, il était chef politique du régiment d'infanterie 152, défendant la frontière sud-ouest. En tant que major, Dung a dirigé le Conseil du personnel du commandement militaire de la province de Kien Giang. Il a fréquenté l'école du parti de haut niveau Nguyen Ai Quoc. Il fut admis au Parti communiste du Vietnam le 10 juin 1967. Forces armées Dung aurait rejoint les Forces armées populaires en 1961, où il a servi jusqu'en 1984. Il a combattu dans le sud et l'ouest pendant la guerre du Vietnam. Il a cité son désir d'« indépendance nationale » comme raison de combattre sur le champ de bataille. Pendant ce temps, Dung a servi dans la guerre cambodgienne-vietnamienne, qui a abouti à l'occupation vietnamienne du Cambodge. Durant son service, il fut blessé quatre fois. Carrière politique Dung a été admis au Parti communiste du Vietnam le 10 juin 1967. Il était un protégé du conservateur Lê Đức Anh et du réformateur Võ Văn Kiệt, dirigeants des deux principales factions du parti, ce qui lui a permis de devenir le plus jeune membre du Politburo en 1996. Dung était auparavant premier vice-Premier ministre depuis le 29 septembre 1997. Il a également été gouverneur de la Banque d'État du Vietnam entre 1998 et 1999. Premier mandat Dung est le premier haut dirigeant communiste vietnamien né après la Révolution d'août 1945 et le plus jeune Premier ministre vietnamien (56 ans lorsqu'il a pris ses fonctions). Il est également originaire du sud et est resté dans la région sud tout au long de la guerre du Vietnam (il n'avait que 5 ans lorsque le pays a été divisé en 1954). Il a été réélu au poste de Premier ministre le 25 juillet 2007. En août 2007, il a été rapporté que Dũng avait fait preuve d'un « enthousiasme remarquable pour Internet ». Le gouvernement avait mis en place un formulaire grâce auquel les fonctionnaires corrompus pouvaient être signalés en ligne. Il a tenu un chat en ligne qui a été vu par plus de 1 000 000 de personnes au cours duquel il a répondu à quelques questions sélectionnées concernant des sujets allant du contrôle gouvernemental des médias aux conseils de carrière personnels. Un jeune a demandé comment il pourrait devenir Premier ministre un jour, ce à quoi Dung a répondu : « Tout au long de ma période à suivre le Parti et la Révolution, j'ai toujours obéi aux missions de l'organisation. » Il a été rapporté que la génération vietnamienne d'après-guerre « est de plus en plus branchée, alors que le Parti communiste tente de favoriser la croissance économique et les compétences en haute technologie ». Le gouvernement bloque les sites à caractère politique et la pornographie. On a également parlé de censure des blogs ; il a été noté qu'il existe un faux blog Dung sur lequel le langage « imite le jargon officiel, mais est subtilement parsemé de piques anticommunistes ». Deuxième mandat Le 26 juillet 2011, Dung a été officiellement réélu Premier ministre par la 13e Assemblée nationale, remportant 470 voix sur 500. Il a perdu face à Truong Tan Sang dans la compétition pour diriger le Politburo, ou comité exécutif du parti. En octobre 2011, il a été signalé que les dissidents politiques au Vietnam étaient « confrontés à une répression croissante de leurs activités… [d]epuis le congrès du Parti communiste en janvier, les autorités ont progressivement accru la pression sur les dissidents ». Depuis le 30 juillet, 15 militants religieux ont été emprisonnés. Un avocat ayant de profonds liens familiaux avec le Parti communiste a été condamné à sept ans d'emprisonnement « au grand choc et à l'indignation d'une grande partie de l'opinion publique vietnamienne ». Un rapport de Human Rights Watch a également détaillé le travail forcé et la torture dans les centres de désintoxication du pays. L'expert australien du Vietnam, Carlyle Thayer, a déclaré que "Nguyen Tan Dung... n'est décidément pas un réformateur". Bien que les États-Unis et l’Inde développent des liens plus étroits avec le Vietnam, ni l’un ni l’autre « n’a jugé bon de faire pression sur le Vietnam sur son bilan en matière de droits avec conviction et cohérence ». En août 2012, l'arrestation de Nguyen Duc Kien, un magnat local considéré comme proche de Dung, a déclenché des discussions sur la bataille politique en cours entre Dung et le président Trương Tấn Sang. Suite à ces discussions, une grande partie de la colère suscitée par le népotisme et la mauvaise gestion économique s’est dirigée contre Dung. Lors de la réunion du Comité central en octobre 2012, le secrétaire général Nguyễn Phú Trọng, chef du Parti communiste, a annoncé que le Politburo avait accepté de proposer au comité de lui imposer une forme de discipline et d'envisager la discipline d'un membre du Politburo (on pense que Nguyễn Tấn Dũng), mais le Comité central a décidé de ne prendre aucune mesure disciplinaire contre le Politburo et l'un de ses membres – des erreurs du Premier ministre dans les questions de gestion économique, de lutte contre la corruption… Auparavant, le Comité central avait décidé de supprimer le Comité directeur central pour la lutte contre la corruption. du contrôle de Dung, et le comité est désormais contrôlé par le Politburo et le secrétaire général est le chef du comité. Le 14 novembre 2012, un député, Duong Trung Quoc, a demandé à Dung de démissionner pour ses erreurs dans la gestion de l'économie. Il a déclaré qu’il était temps pour le Premier ministre d’assumer ses responsabilités, et non de se contenter de s’excuser. L'attaque était inhabituelle car elle a eu lieu devant les caméras de télévision du Parlement. Relations étrangères En 2009, Dung a effectué une visite de deux jours en Russie, où il a signé un contrat d'armement de plusieurs milliards de dollars. En 2010, un député a appelé à une motion de censure contre Dũng en réponse à un scandale majeur de gestion et financier au sein du groupe de construction navale public Vinashin. Lors d'un congrès du parti en janvier 2011, il a été nommé pour un nouveau mandat de Premier ministre. Le 12 avril 2010, Dung a assisté à un déjeuner avec le vice-président américain Joe Biden et d'autres dirigeants mondiaux à l'Observatoire naval de Washington, D.C. Le même jour, il a rencontré Obama au Sommet sur la sécurité mondiale où il « s'est adressé avec enthousiasme aux chefs d'entreprise américains du Vietnam ». croissance économique – 7,2 % par an au cours de la dernière décennie – et a approuvé les préoccupations d'Obama concernant la sécurité nucléaire. En avril 2012, Dung a rencontré le vice-Premier ministre japonais Okada Katsuya. Il a exprimé son approbation du niveau croissant de coopération entre le Vietnam et le Japon et ils ont discuté d'aller de l'avant. Ils ont discuté des moyens d'accélérer les visites et de simplifier les procédures d'entrée et les programmes d'échange. Dung a déclaré que le Vietnam souhaitait coopérer davantage, tirer les leçons de l'expérience japonaise en matière d'assurance sociale et continuer d'augmenter l'aide publique au développement du Japon. Vie privée Dũng est marié à Trần Thanh Kiệm et a trois enfants : *Nguyễn Thanh Nghị (né en 1976) est un ancien élève de l'Université George Washington. Nghị est actuellement secrétaire du Parti de la province de Kiên Giang. *Nguyễn Thanh Phượng (née en 1980) est présidente du Ban Viet Investment Fund. Phượng est marié à Nguyễn Bảo Hoàng, qui possède la citoyenneté américaine. Hoàng est à la tête d'IDG Ventures, un important fonds providentiel de technologie, de vente au détail et de médias au Vietnam. Il est également président de la Vietnam Basketball Association, propriétaire de Saigon Heat et des franchises McDonald's au Vietnam. *Nguyễn Minh Triết (né en 1990) est diplômé de Londres. Queen Mary est actuellement secrétaire de la Ligue de la jeunesse de la province de Binh Dinh.

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Le charançon de la capsule cause des dégâts à quelle culture ?

Cotton

Le charançon de la capsule (Anthonomus grandis) est un coléoptère qui se nourrit de cotons-tiges et de fleurs. On pense qu'il est originaire d'Amérique centrale, mais il a migré du Mexique vers les États-Unis à la fin du XIXe siècle et a infesté toutes les régions productrices de coton des États-Unis dans les années 1920, dévastant l'industrie et les personnes travaillant dans le sud des États-Unis. À la fin du XXe siècle, il est également devenu un ravageur important en Amérique du Sud. Depuis 1978, le programme d’éradication du charançon de la capsule aux États-Unis a permis la reprise de la culture à grande échelle dans de nombreuses régions. Cycle de vie Les charançons adultes hivernent dans des zones bien drainées dans ou à proximité des champs de coton après la diapause. Ils émergent et pénètrent dans les champs de coton du début du printemps jusqu'au milieu de l'été, avec un pic d'émergence à la fin du printemps, et se nourrissent de capsules de coton immatures. La femelle pond environ 200 œufs sur une période de 10 à 12 jours. La ponte laisse des blessures à l’extérieur du bouton floral. Les œufs éclosent en 3 à 5 jours dans les carrés de coton (bourgeons plus gros avant la floraison), se nourrissent pendant 8 à 10 jours et enfin se nymphosent. Le stade nymphal dure encore 5 à 7 jours. Le cycle de vie de l'œuf à l'adulte s'étend sur environ trois semaines au cours de l'été. Dans des conditions optimales, 8 à 10 générations par saison peuvent se produire. Les charançons de la capsule commencent à mourir à des températures égales ou inférieures à −5 °C (23 °F). Des recherches menées à l'Université du Missouri indiquent qu'ils ne peuvent pas survivre plus d'une heure à −15 °C (5 °F). L'isolation offerte par la litière de feuilles, les résidus de récolte et la neige peut permettre au dendroctone de survivre lorsque la température de l'air chute à ces niveaux. Le charançon de la capsule pond ses œufs à l’intérieur des bourgeons et des capsules (fruits) en cours de maturation des plants de coton. L'insecte adulte a un long museau, est de couleur grisâtre et mesure généralement moins de 6 mm de long. Parmi les autres limitations imposées aux populations de charançons de la capsule figurent la chaleur extrême et la sécheresse. Ses prédateurs naturels comprennent des fourmis de feu, des insectes, des araignées, des oiseaux et une guêpe parasite, Catolaccus grandis. Les insectes sortent parfois de la diapause avant que les cotons-tiges ne soient disponibles. Infestation L'insecte a traversé le Rio Grande près de Brownsville, au Texas, pour entrer aux États-Unis depuis le Mexique en 1892 et a atteint le sud-est de l'Alabama en 1909. Au milieu des années 1920, il était entré dans toutes les régions productrices de coton des États-Unis, parcourant 40 à 160 milles. par an. Il demeure le ravageur du coton le plus destructeur en Amérique du Nord. Depuis que le charançon de la capsule est entré aux États-Unis, il a coûté aux producteurs de coton américains environ 13 milliards de dollars, et récemment environ 300 millions de dollars par an. Le charançon de la capsule a contribué aux difficultés économiques des agriculteurs du Sud dans les années 1920, une situation exacerbée par la Grande Dépression des années 1930. Le charançon de la capsule est apparu au Venezuela en 1949 et en Colombie en 1950. On pensait que la forêt amazonienne constituait un obstacle à sa propagation ultérieure, mais il a été détecté au Brésil en 1983, et on estime que 90 % des plantations de coton du Brésil sont désormais infesté. Au cours des années 1990, le charançon s'est propagé au Paraguay et en Argentine. Le Comité consultatif international du coton a proposé un programme de contrôle similaire à celui utilisé aux États-Unis. Contrôle Après la Seconde Guerre mondiale, le développement de nouveaux pesticides tels que le DDT a permis aux agriculteurs américains de cultiver à nouveau du coton comme culture économique. Le DDT était initialement extrêmement efficace, mais les populations de charançons américaines ont développé une résistance au milieu des années 1950. Le méthylparathion, le malathion et les pyréthrinoïdes ont ensuite été utilisés, mais des problèmes environnementaux et de résistance sont apparus, comme pour le DDT, et les stratégies de contrôle ont changé. Bien que de nombreuses méthodes de lutte aient été étudiées depuis l'arrivée du charançon de la capsule aux États-Unis, les insecticides sont toujours restés les principales méthodes de lutte. Dans les années 1980, des entomologistes de l'Université A&M du Texas ont souligné la propagation d'un autre ravageur envahissant, la fourmi de feu rouge importée, comme facteur du déclin de la population de charançons dans certaines régions. D'autres voies de contrôle qui ont été explorées comprennent les souches de coton résistantes aux charançons, la guêpe parasite Catolaccus grandis, le champignon Beauveria bassiana et le virus irisé de Chilo. Le coton Bt génétiquement modifié n’est pas protégé contre le charançon de la capsule. Même s’il était possible de lutter contre le charançon de la capsule, cela était coûteux en termes de coûts d’insecticides. L’objectif de nombreux entomologistes du coton était d’éradiquer ce ravageur du coton américain. En 1978, un test à grande échelle a été lancé dans l’est de la Caroline du Nord et dans le comté de Southampton, en Virginie, pour déterminer la faisabilité de l’éradication. Forts du succès de ce test, des programmes à l'échelle de la zone ont été lancés dans les années 1980 pour éradiquer l'insecte de régions entières. Celles-ci sont basées sur les efforts de coopération de tous les producteurs avec l'aide du Service d'inspection zoosanitaire et phytosanitaire du Département de l'agriculture des États-Unis (USDA). Le programme a réussi à éradiquer les charançons de la capsule de tous les États producteurs de coton, à l'exception du Texas, et la majeure partie de cet État est exempte de charançons de la capsule. Les problèmes le long de la frontière sud avec le Mexique ont retardé l'éradication dans l'extrême sud de cet État. Des programmes de suivi sont en place dans tous les États producteurs de coton pour empêcher la réintroduction du ravageur. Ces programmes de surveillance s'appuient sur des pièges appâtés aux phéromones pour la détection. Le programme d'éradication du charançon de la capsule, bien que lent et coûteux, s'est avéré payant pour les producteurs de coton en réduisant les coûts des pesticides. Ce programme et le programme de lutte contre les insectes des années 1950 comptent parmi les programmes de lutte contre les insectes les plus importants et les plus réussis de l'histoire. Impact L'American Memory Project de la Bibliothèque du Congrès contient un certain nombre de documents d'histoire orale sur l'impact du charançon de la capsule. L'infestation par le charançon de la capsule a été reconnue pour avoir entraîné une diversification économique dans le sud des États-Unis, notamment l'expansion de la culture de l'arachide. Les citoyens d'Enterprise, en Alabama, ont érigé le Boll Weevil Monument en 1919, se rendant compte que leur économie était trop dépendante du coton et que l'agriculture et la fabrication mixtes étaient de meilleures alternatives. Le charançon de la capsule est la mascotte de l'Université de l'Arkansas à Monticello et figure sur plusieurs mascottes « les plus stupides » ou « les plus étranges » de tous les temps. C'était aussi la mascotte d'une équipe de baseball de ligue mineure de courte durée, les Temple Boll Weevils, également appelés «Cotton Bugs».

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Quelle ville a accueilli les Jeux Olympiques d'été de 1992 ?

Barcelone

Les Jeux olympiques d'été de 1992 (espagnol : Juegos Olímpicos de Verano de 1992 ; catalan : Jocs Olímpics d'estiu de 1992), officiellement connus sous le nom de Jeux de la XXVe Olympiade, étaient un événement multisports international disputé à Barcelone, en Catalogne, en Espagne. en 1992. À partir de 1994, le Comité International Olympique a décidé d'organiser les jeux en alternance les années paires ; en conséquence, les Jeux olympiques d'été de 1992 furent la dernière compétition organisée la même année que les Jeux olympiques d'hiver. Ces jeux ont été les premiers à ne pas être concernés par le boycott depuis 1972. Sélection de la ville hôte Barcelone est la deuxième plus grande ville d'Espagne et le lieu de naissance du président du CIO de l'époque, Juan Antonio Samaranch. La ville a également accueilli la Coupe du monde de football de 1982. Le 17 octobre 1986, Barcelone a été sélectionnée pour accueillir les Jeux d'été de 1992 contre Amsterdam, Belgrade, Birmingham, Brisbane et Paris, lors de la 91e Session du CIO à Lausanne, en Suisse. Barcelone avait déjà postulé pour les Jeux olympiques d'été de 1936, mais elle a finalement perdu contre Berlin. Points forts * Lors de la cérémonie d'ouverture, la mezzo-soprano grecque Agnès Baltsa a chanté "Romiossini" alors que le drapeau olympique faisait le tour du stade. Alfredo Kraus a ensuite chanté l'hymne olympique en catalan et en espagnol lors du lever du drapeau. * La vasque de la flamme olympique a été allumée par une flèche enflammée, tirée par l'archer paralympique Antonio Rebollo. La flèche avait été allumée par la flamme de la flamme olympique. Rebollo a dépassé le chaudron car c'était la conception originale du système d'éclairage. * L'Afrique du Sud a été autorisée à participer aux Jeux olympiques pour la première fois depuis les Jeux olympiques d'été de 1960, après une longue suspension en raison de sa politique d'apartheid. Après une course serrée dans l'épreuve féminine du 10 000 mètres, la sud-africaine blanche Elana Meyer et la coureuse éthiopienne noire Derartu Tulu (vainqueuse) ont couru ensemble un tour de victoire, main dans la main. * Après sa réunification en 1990, l'Allemagne a envoyé une équipe olympique unique et unifiée pour la première fois depuis les Jeux olympiques d'été de 1964. * L'Union soviétique ayant été dissoute en 1991, les pays baltes d'Estonie, de Lettonie et de Lituanie ont envoyé leurs propres équipes pour la première fois depuis 1936. Les autres républiques soviétiques ont concouru sous le nom d'équipe unifiée. Ces nations comprenaient aujourd'hui l'Arménie, l'Azerbaïdjan, la Biélorussie, la Géorgie, le Kazakhstan, le Kirghizistan, la Moldavie, la Russie, le Tadjikistan, le Turkménistan, l'Ukraine et l'Ouzbékistan. * La séparation de la République fédérative socialiste de Yougoslavie a conduit aux débuts olympiques de la Croatie, de la Slovénie et de la Bosnie-Herzégovine. En raison des sanctions des Nations Unies, les athlètes de la République fédérale yougoslave n'ont pas été autorisés à participer avec leur propre équipe. Cependant, certains athlètes individuels ont concouru sous le drapeau olympique en tant que participants olympiques indépendants. * Fermín Cacho a remporté le 1 500 mètres dans son pays d'origine, remportant ainsi la toute première médaille d'or olympique de l'Espagne dans une épreuve de course à pied. * Le plongeur chinois Fu Mingxia, âgé de 13 ans, est devenu le plus jeune médaillé d'or olympique de tous les temps. * En gymnastique artistique masculine, Vitaly Scherbo de Biélorussie (représentant l'équipe unifiée) a remporté six médailles d'or, dont quatre en une seule journée. Scherbo a égalé le record d'Eric Heiden pour les médailles d'or individuelles lors d'une seule édition des Jeux olympiques, remportant cinq médailles dans une épreuve individuelle. (Michael Phelps battra plus tard ce record en 2008). * En gymnastique artistique féminine, Tatiana Gutsu a remporté l'or au concours multiple, devançant l'Américaine Shannon Miller. * Les nageurs russes ont dominé les épreuves de style libre, Alexander Popov et Yevgeny Sadovyi remportant chacun deux épreuves. Sadovyi a également gagné dans les relais. * Evelyn Ashford a remporté sa quatrième médaille d'or olympique au relais 4 × 100 mètres, faisant d'elle l'une des quatre seules athlètes féminines à avoir réussi cet exploit dans l'histoire. * La jeune Krisztina Egerszegi, de Hongrie, a remporté trois médailles d'or individuelles en natation. * Au 200 mètres brasse féminin, la Japonaise Kyoko Iwasaki a remporté une médaille d'or à l'âge de 14 ans et six jours, faisant d'elle la plus jeune médaillée d'or de l'histoire des compétitions de natation aux Jeux olympiques. * L'athlète algérienne Hassiba Boulmerka, fréquemment critiquée par les groupes musulmans en Algérie qui pensaient qu'elle montrait trop son corps lors des courses, a reçu des menaces de mort[http://www.bbc.co.uk/news/magazine-16962799 Hassiba Boulmerka : Défier les menaces de mort pour remporter l'or], BBC, 11/02/2012. Récupéré le 11/02/2012. et a été contrainte de déménager en Europe pour s'entraîner, a remporté le 1 500 mètres, détenant également le record d'Afrique féminin sur cette distance. * Après avoir été démontré lors de six Jeux olympiques d'été précédents, le baseball est officiellement devenu un sport olympique. Le badminton et le judo féminin sont également devenus partie intégrante du programme olympique, tandis que le slalom en canoë est revenu aux Jeux après 20 ans d'absence. * Le roller hockey, la pelote basque et le taekwondo ont tous été présentés aux Jeux olympiques d'été de 1992. * Plusieurs membres de l'équipe américaine de volleyball masculin médaillée d'or aux Jeux olympiques de 1988 sont revenus pour se battre pour une autre médaille. Au premier tour, ils ont perdu un match controversé contre le Japon, ce qui les a incités à se raser la tête en signe de protestation. Cela incluait notamment le joueur Steve Timmons, sacrifiant son flattop rouge pour la protestation. * Mike Stulce, des États-Unis, a remporté le lancer du poids masculin, battant le très favori Werner Günthör, de Suisse. * À l'occasion du 20e anniversaire du massacre de Munich et du 500e anniversaire du décret de l'Alhambra, Yael Arad est devenue la première Israélienne à remporter une médaille olympique, remportant une médaille d'argent en judo. Le lendemain, Oren Smadja est devenu le premier médaillé masculin d'Israël, remportant une médaille de bronze dans le même sport. * Derek Redmond, de Grande-Bretagne, s'est déchiré un ischio-jambier lors d'une demi-finale de 400 mètres. Alors qu'il avait du mal à terminer la course, son père est entré sur la piste sans autorisation et l'a aidé à terminer la course, sous une ovation debout de la foule. * Gail Devers a remporté le 100 mètres dans l'une des courses les plus serrées de l'histoire. Cinq femmes ont terminé à 0,06 seconde d'intervalle. Au 100 mètres haies, Devers était clairement la favorite pour gagner, même si elle a terminé à la cinquième place lorsqu'elle a franchi le dernier obstacle et trébuché sur la ligne d'arrivée. Voula Patoulidou de Grèce a remporté l'épreuve. * Dans le basket-ball, l'admission de joueurs professionnels a conduit à la formation de la « Dream Team » des États-Unis, avec Michael Jordan, Magic Johnson, Larry Bird et d'autres stars de la NBA. La Dream Team, qui a facilement remporté la médaille d'or, sera intronisée en tant qu'unité au Basketball Hall of Fame en 2010. * Jennifer Capriati a remporté la compétition de tennis en simple à l'âge de 16 ans. Elle avait déjà obtenu une place en demi-finale de deux tournois du Grand Chelem à l'âge de 14 ans. * Deux médailles d'or ont été décernées en nage synchronisée solo après qu'un juge ait inscrit par inadvertance la note de « 8,7 » au lieu du « 9,7 » prévu dans le système de notation informatisé pour l'une des figures de Sylvie Fréchette. Cette erreur a finalement placé Fréchette au deuxième rang, laissant Kristen Babb-Sprague pour la médaille d'or. Bien que les protestations immédiates auprès de la FINA aient échoué, la FINA a décerné à Fréchette une médaille d'or en décembre 1993, remplaçant sa médaille d'argent et laissant les deux nageuses avec l'or. * L'Indonésie a remporté sa toute première médaille d'or, après avoir remporté une médaille d'argent aux Jeux olympiques de 1988. Susi Susanti a remporté la médaille d'or en simple féminin après avoir battu Bang Soo-hyun au tour final. Alan Budikusuma a remporté la compétition de badminton en simple masculin, remportant une deuxième médaille d'or pour l'Indonésie. Plusieurs années plus tard, Susanti et Budikusuma se sont mariés et elle a reçu le surnom de mariée dorée ou de mariée olympique. Cordialement ventes *Région de Montjuïc : **Cours de cross-country – pentathlon moderne (course à pied) **Estadi Olímpic de Montjuïc – cérémonies d'ouverture/clôture, athlétisme **Palau Sant Jordi – gymnastique (artistique), volley-ball (finale) et handball (finale) **Piscines Bernat Picornell – pentathlon moderne (natation), natation, nage synchronisée et water-polo (finale) **Piscine municipale de Montjuïc – plongée et water-polo **Institut National d'Éducation Physique de Catalogne – lutte **Mataró – athlétisme (départ du marathon) **Palau dels Esports de Barcelona – gymnastique (rythmique) et volley-ball **Palais de la Métallurgie – escrime, pentathlon moderne (escrime) **Pavelló de l'Espanya Industrial – haltérophilie **Cours de marche – athlétisme (promenades) *Zone diagonale : **Camp Nou – football (final) **Palau Blaugrana – judo, roller hockey (demonstration final), and taekwondo (demonstration) **Estadi de Sarrià – football **Real Club de Polo de Barcelona – équitation (dressage, saut d'obstacles, finale du concours complet), pentathlon moderne (équitation) *Zone de la Vallée d'Hébron : **Terrain de tir à l'arc – tir à l'arc **Pavillon Vall d'Hebron – Pelote basque (démonstration) et volley-ball **Tennis de la Vall d'Hébron – tennis **Vélodrome – cyclisme (piste) *Parc de la zone Mar **Salle de sport de la Station Nord – tennis de table **Port olympique – voile **Pavelló de la Mar Bella – badminton *Sous-sites **Autoroute A-17 – cyclisme (contre-la-montre par équipes sur route) **Lac Banyoles – aviron **Terrain de baseball municipal de Viladecans – baseball **Canal Olímpic de Catalunya – canoë (sprint) **Circuit de Catalunya – cyclisme (départ/arrivée du contre-la-montre par équipes sur route) **Club Hípic El Montayá – équitation (dressage, concours complet d'endurance) **Estadio de la Nova Creu Alta – football **Stade Olympique de Terrassa – hockey sur gazon **Estadio Luís Casanova – football **La Romareda – football **Stade de baseball de L'Hospitalet de Llobregat – baseball (finale) **Stand de tir Mollet del Vallès – pentathlon moderne (tir), tir **Palais des Sports de Granollers – handball **Parc olympique de Ségre – canoë (slalom) **Pavillon du Club des Jeunes de Badalona – boxe **Pavillon Ateneu de Sant Sadurní – roller hockey (démonstration) **Pavillon du Club Patí Vic – roller hockey (démonstration) **Salle des Sports de Reus – roller hockey (démonstration) **Pavillon Olympique de Badalona – basket-ball **Circuit cycliste de Sant Sadurní – cyclisme (course individuelle sur route) *Certains événements, dont la plongée, ont eu lieu en vue de la construction de la Sagrada Família Médailles décernées Le programme des Jeux olympiques d'été de 1992 comprenait 257 épreuves dans les 25 sports suivants : *Aquatiques ** ** ** ** * * * * * * * **Sprint (12) **Slalom (4) * **Route (3) **Piste (7) * **Dressage (2) **Eventing (2) **Saut d'obstacles (2) * * * * **Artistique (14) **Rythmique (1) * * * * * * * * * * * **Style libre (10) **Gréco-romain (10) Sports de démonstration * * Roller hockey (quad) (1) * Calendrier Toutes les heures sont exprimées en heure d’été d’Europe centrale (UTC+2) Comités Nationaux Olympiques participants Au total, 169 nations ont envoyé des athlètes participer aux Jeux d’été de 1992. Avec la dissolution de l'Union soviétique, douze des quinze nouveaux États formèrent une équipe unifiée, tandis que les États baltes d'Estonie, de Lettonie et de Lituanie possédaient chacun leur propre équipe pour la première fois depuis 1936. Pour la première fois, la Croatie, la Slovénie et La Bosnie-Herzégovine a concouru en tant que nation indépendante après sa séparation de la Yougoslavie socialiste, et la Namibie et l'équipe unifiée du Yémen (anciennement Yémen du Nord et du Sud) ont également fait leurs débuts olympiques. Les Jeux olympiques d'été de 1992 ont notamment permis à l'Allemagne de concourir en équipe unifiée pour la première fois depuis 1964, tandis que l'Afrique du Sud revenait aux Jeux pour la première fois en 32 ans. La République fédérale de Yougoslavie a été interdite en raison des sanctions de l'ONU, mais les athlètes yougoslaves individuels ont été autorisés à participer en tant que participants olympiques indépendants. Quatre Comités Nationaux Olympiques n'ont envoyé aucun athlète concourir : l'Afghanistan, Brunei, le Libéria et la Somalie. * a participé à la cérémonie d'ouverture, mais sa délégation était composée d'un seul officiel. Cela s'est également produit lors des Jeux de 1988. * L'Afghanistan n'a pas envoyé ses athlètes concourir, mais le pays a participé au défilé des nations. * et a également participé à la cérémonie d'ouverture, mais ses athlètes accrédités (respectivement cinq et deux) ne sont pas entrés pour concourir. Nombre de médailles Le tableau suivant reflète les dix premières nations en termes de nombre total de médailles remportées aux Jeux de 1992 (le pays hôte est mis en évidence). Droits de diffusion Les Jeux olympiques d'été de 1992 ont été couverts dans de nombreux pays par les chaînes de télévision et de radio suivantes : Effet sur la ville La célébration des Jeux Olympiques de 1992 a eu un impact énorme sur la culture urbaine et la projection extérieure de Barcelone. Les Jeux ont fourni des milliards de dollars pour des investissements dans les infrastructures, qui sont considérés comme ayant amélioré la qualité de vie et l'attrait de la ville pour les investissements et le tourisme. Barcelone est devenue l'une des villes les plus visitées d'Europe après Paris, Londres et Rome. La candidature de Barcelone aux Jeux d'été de 1992 a déclenché l'application d'un plan urbain ambitieux préalablement élaboré. Barcelone s'est ouverte sur la mer avec la construction du village olympique et du port olympique de Poblenou. De nouveaux centres furent créés et des installations sportives modernes furent construites dans les zones olympiques de Montjuïc, Diagonal et Vall d'Hebron. Des hôtels ont également été construits ou rénovés. La construction de rocades autour de la ville a contribué à réduire la densité du trafic et l'aéroport d'El Prat a été modernisé et agrandi avec l'ouverture de deux nouveaux terminaux. Coût et dépassement de coûts Les Jeux olympiques d'été de 1992 ont coûté à Barcelone un total de 11,4 milliards de dollars (en dollars de 2009), avec un dépassement de coût de 417 % en termes réels. Cela se compare à un coût moyen de 5,7 milliards de dollars (en dollars de 2009) pour d'autres Jeux olympiques d'été au cours des 50 dernières années, avec un dépassement de coût moyen de 252 pour cent. Les coûts incluent ici uniquement les coûts liés au sport et n'incluent pas les autres coûts publics, notamment les infrastructures routières, ferroviaires ou aéroportuaires ; et les coûts privés, tels que les rénovations d'hôtels ou d'autres investissements commerciaux engagés pendant la préparation des Jeux. Bien que les coûts non liés au sport soient généralement importants, leur nécessité varie considérablement d'une ville à l'autre. Il est donc difficile de les comparer de manière cohérente. Chansons et thèmes Les Jeux de 1992 comportaient deux thèmes musicaux principaux. L'un d'eux était "Barcelona", composé cinq ans plus tôt par Freddie Mercury et chanté en duo avec Montserrat Caballé. En raison de la mort de Mercury huit mois plus tôt, le duo n'a pas pu interpréter la chanson lors de la cérémonie d'ouverture. Un enregistrement de la chanson a été diffusé sur un récit de voyage de la ville au début de la cérémonie d'ouverture. "Amigos Para Siempre" (Amis pour la vie) était l'autre thème musical. Il a été écrit par Andrew Lloyd Webber et Don Black, et chanté par Sarah Brightman et José Carreras lors des cérémonies de clôture. Ryuichi Sakamoto a composé et dirigé la partition musicale de la cérémonie d'ouverture. La fanfare olympique d'ouverture a été composée par Angelo Badalamenti et orchestrée par Joseph Turrin. Mascotte La mascotte officielle était Cobi, un chien de berger catalan de style cubiste conçu par Javier Mariscal. Image et identité de l'entreprise Un renouveau de l'image et de l'identité corporative de Barcelone s'est manifesté dans la publication d'affiches, de pièces commémoratives, de timbres frappés par la FNMT à Madrid et des médailles commémoratives officielles olympiques de Barcelone 1992, conçues et frappées à Barcelone.

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Steve Martin et quel autre acteur a accueilli les Oscars 2010 ?

Alec Baldwin

Stephen Glenn « Steve » Martin (né le 14 août 1945) est un acteur, comédien, écrivain, producteur et musicien américain. Martin s'est fait connaître du public dans les années 1960 en tant qu'écrivain pour le Smothers Brothers Comedy Hour, et plus tard en tant qu'invité fréquent du Tonight Show. Dans les années 1970, Martin a interprété ses numéros de comédie décalés et absurdes devant des salles combles lors de tournées nationales. Depuis les années 1980, après s'être éloigné du stand-up, Martin est devenu un acteur à succès, ainsi qu'un auteur, un dramaturge, un pianiste et un joueur de banjo, ce qui lui a valu, entre autres, un Emmy, un Grammy et un American Comedy Awards. En 2004, Comedy Central a classé Martin à la sixième place dans une liste des 100 plus grandes bandes dessinées de stand-up. Il a reçu un Oscar d'honneur lors de la 5e édition des Governors Awards de l'Académie en 2013. Bien qu'il joue du banjo depuis son plus jeune âge et qu'il ait inclus la musique dans ses routines comiques dès le début de sa carrière professionnelle, il consacre de plus en plus sa carrière à la musique depuis les années 2000, agissant moins et passant une grande partie de sa vie professionnelle à jouer du banjo, à enregistrer , et en tournée avec divers groupes de bluegrass, dont Earl Scruggs, avec qui il a remporté un Grammy pour la meilleure performance instrumentale country en 2002. Il a sorti son premier album de musique solo, The Crow: New Songs for the 5-String Banjo, en 2009, pour pour lequel il a remporté le Grammy Award du meilleur album Bluegrass. Début de la vie Martin est né le 14 août 1945 à Waco, Texas, fils de Mary Lee (née Stewart; 1913-2002) et de Glenn Vernon Martin (1914-1997), vendeur immobilier et acteur en herbe. Martin a grandi à Inglewood, en Californie, puis plus tard à Garden Grove, en Californie, dans une famille baptiste. Martin était une pom-pom girl du lycée Garden Grove. L'un de ses premiers souvenirs est de voir son père, en tant que figurant, servir des boissons sur scène au Call Board Theatre de Melrose Place. Pendant la Seconde Guerre mondiale, en Angleterre, le père de Martin était apparu dans une production de Our Town avec Raymond Massey. Exprimant son affection par des cadeaux de voitures, de vélos, etc., le père de Martin était sévère et peu ouvert émotionnellement envers son fils. Il était fier mais critique, Martin rappelant plus tard qu'à l'adolescence, ses sentiments pour son père étaient principalement de la haine. Le premier emploi de Martin était à Disneyland, où il vendait des guides le week-end et à temps plein pendant les vacances d'été de l'école. Cela a duré trois ans (1955-1958). Pendant son temps libre, il fréquentait le magasin Main Street Magic, où des astuces étaient présentées à des clients potentiels. En 1960, il maîtrisait plusieurs tours et illusions et accepta un emploi rémunéré au magasin Magic de Fantasyland en août. Là, il a perfectionné ses talents pour la magie, la jonglerie et la création d'animaux en ballon à la manière du mentor Wally Boag, Martin (2007) p18-19, se produisant fréquemment pour obtenir des conseils. Dans sa biographie autorisée, un ami proche Morris Walker suggère que Martin pourrait « être décrit le plus précisément comme un agnostique [...] il allait rarement à l'église et n'était jamais impliqué dans une religion organisée de son propre gré ». Comédie Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, Martin a fréquenté le Santa Ana College, où il a suivi des cours d'art dramatique et de poésie anglaise. Pendant son temps libre, il a fait équipe avec Kathy Westmoreland, amie et camarade de classe de Garden Grove High School, pour participer à des comédies et à d'autres productions au Bird Cage Theatre. Il a rejoint une troupe de comédiens à Knott's Berry Farm. Plus tard, il a rencontré l'actrice en herbe Stormie Sherk, et ils ont développé des routines comiques et sont devenus amoureux. L'influence de Sherk a amené Martin à postuler à la California State University, Long Beach, pour s'inscrire avec une spécialisation en philosophie. Stormie s'est inscrite à l'UCLA, à environ une heure de route au nord, et la distance les a finalement amenés à mener des vies séparées. Inspiré par ses cours de philosophie, Martin envisage de devenir professeur plutôt que comédien-comédien. Son passage à l'université a changé sa vie. "Cela a changé ce que je crois et ce que je pense de tout. Je me suis spécialisé en philosophie. Quelque chose à propos des non-séquences m'a attiré. En philosophie, j'ai commencé à étudier la logique, et ils parlaient de cause à effet, et vous commencez à réaliser, « Hé, il n'y a pas de cause à effet ! Il n'y a pas de logique ! » Ensuite, ça devient vraiment facile d'écrire ce genre de choses, parce que tout ce que vous avez à faire est de tout tordre fort - vous tordez la punchline, vous éloignez si fort la non-séquence des choses qui l'ont mis en place". Fong-Torres, Ben ( 1982) "Steve Martin chante : l'interview de Rolling Stone". Rolling Stone, 18 février 1982. Numéro 363. Martin se souvient avoir lu un traité sur la comédie qui l'a amené à réfléchir : "Et s'il n'y avait pas de punchlines ? Et s'il n'y avait pas d'indicateurs ? Et si je créais une tension et ne la relâchais jamais ? Et si je se dirigeait vers un point culminant, mais tout ce que j'ai livré était un anticlimax ? Que ferait le public avec toute cette tension ? Théoriquement, cela devrait sortir un jour. Mais si je continuais à leur refuser la formalité d'une punchline, le public finirait par le faire. choisir leur propre endroit pour rire, essentiellement par désespoir. » Martin a périodiquement usurpé ses études de philosophie dans son numéro de stand-up des années 1970, comparant la philosophie à l'étude de la géologie. "Si vous étudiez la géologie, ce qui est tout à fait vrai, dès que vous sortez de l'école, vous oubliez tout, mais la philosophie, vous vous en souvenez juste assez pour vous foutre en l'air pour le reste de votre vie." En 1967, Martin a été transféré à l'UCLA et s'est spécialisé dans le théâtre. Alors qu'il étudiait à l'université, il est apparu dans un épisode de The Dating Game. Martin a commencé à travailler dans des clubs locaux la nuit, avec des avis mitigés, et à vingt et un ans, il a abandonné ses études. Carrière Début de carrière : stand-up En 1967, son ancienne petite amie Nina Goldblatt, danseuse dans The Smothers Brothers Comedy Hour, a aidé Martin à décrocher un travail d'écrivain pour la série en soumettant son travail au scénariste en chef Mason Williams. Williams a initialement payé Martin de sa propre poche. Avec les autres scénaristes de la série, Martin a remporté un Emmy Award en 1969, à l'âge de 23 ans. Il a également écrit pour John Denver (un de ses voisins à Aspen, Colorado, à un moment donné), The Glen Campbell Goodtime Hour et The Sonny. et Cher Comedy Hour. La première apparition télévisée de Martin a eu lieu au Steve Allen Show en 1969. Il dit : « [Je] suis apparu au Virginia Graham Show, vers 1970. J'avais l'air grotesque. bouffant, pour des raisons que je ne comprends plus. Je portais une redingote et une chemise en soie, et mon accouchement était maniéré, lent et conscient de moi-même. Après avoir revu le spectacle, j'ai été déprimé pendant une semaine. Au cours de ces années, ses colocataires comprenaient le comédien Gary Mule Deer et le chanteur/guitariste Michael Johnson. Martin a ouvert pour des groupes tels que The Nitty Gritty Dirt Band, The Carpenters et Toto. Il est apparu au Boarding House de San Francisco, entre autres. Il a continué à écrire et a obtenu une nomination aux Emmy Awards pour son travail sur Van Dyke and Company en 1976. Au milieu des années 1970, Martin a fait de fréquentes apparitions en tant que comédien de stand-up dans The Tonight Show Starring Johnny Carson., et dans The Gong Show, HBO's On Location, The Muppet Show et Saturday Night Live (SNL) de NBC. L'audience de SNL a bondi d'un million de téléspectateurs lorsqu'il a fait des apparitions, et il a été l'un des animateurs de SNL les plus réussis. Martin est apparu dans 27 émissions Saturday Night Live et il a été invité 15 fois, battu seulement en nombre de présentations par l'animateur Alec Baldwin (qui a animé 16 fois). Dans l'émission, Martin a popularisé le geste des guillemets aériens, qui utilise quatre doigts pour faire des guillemets doubles dans les airs. Pendant l'émission, Martin s'est rapproché de plusieurs membres de la distribution, dont Gilda Radner. Radner est décédé d'un cancer de l'ovaire le samedi 20 mai 1989 ; un Martin visiblement secoué a animé SNL ce soir-là et a présenté des images de lui-même et de Radner ensemble dans un sketch de 1978. Dans les années 1970, ses apparitions à la télévision ont conduit à la sortie d’albums comiques qui sont devenus platine. Le morceau "Excuse Me" de son premier album, Let's Get Small, a contribué à établir un slogan national. Son album suivant, A Wild and Crazy Guy (1978), connaît un succès encore plus grand, atteignant la deuxième place du classement des ventes aux États-Unis, se vendant à plus d'un million d'exemplaires. "Juste un gars sauvage et fou" est devenu un autre slogan connu de Martin. L'album présentait un personnage basé sur une série de sketchs de Saturday Night Live dans lesquels Martin et Dan Aykroyd jouaient les Festrunk Brothers ; Georgi et Yortuk (respectivement) étaient des playboys tchécoslovaques maladroits. L'album se termine par la chanson "King Tut", chantée et écrite par Martin et soutenue par les "Toot Uncommons", membres du Nitty Gritty Dirt Band. Il est ensuite sorti en single, atteignant la 17e place des charts américains en 1978 et se vendant à plus d'un million d'exemplaires. La chanson est sortie pendant l'engouement pour le roi Tut qui accompagnait l'exposition itinérante populaire des artefacts de la tombe du roi égyptien. Les deux albums ont remporté les Grammys du meilleur enregistrement comique en 1977 et 1978, respectivement. Martin a interprété "King Tut" dans l'édition du 22 avril 1978 de SNL. Des décennies plus tard, en 2012, l'A.V. Club a décrit le style unique de Martin et son impact sur le public : Sur ses albums comiques, le stand-up de Martin est autoréférentiel et parfois auto-dérision. Il mélange des riffs philosophiques avec des poussées soudaines de « pieds heureux », du banjo jouant avec des représentations en ballon de concepts comme les maladies vénériennes et la jonglerie « controversée » de chatons (il est un maître jongleur) (les « chatons » étaient des animaux en peluche). Son style est décalé et ironique, et se moque parfois des traditions du stand-up, comme Martin ouvrant son numéro (de A Wild and Crazy Guy) en disant : « Je pense qu'il n'y a rien de mieux pour qu'une personne vienne et faire la même chose encore et encore pendant deux semaines. C'est ce que j'aime, alors je vais faire la même chose encore et encore et encore [...] je vais faire la même blague encore et encore pendant deux semaines. le même spectacle, ce sera comme quelque chose de nouveau. » Ou : "Bonjour, je m'appelle Steve Martin et je serai là dans une minute." Dans une routine comique, utilisée dans Comedy Is Not Pretty! album, Martin a affirmé que son vrai nom était "Gern Blanston". Le riff a pris sa propre vie. Il existe un site Web de Gern Blanston et, pendant un certain temps, un groupe de rock a pris ce surnom comme nom. Martin a soudainement arrêté de faire du stand-up en 1981 pour se concentrer sur le cinéma et n'est pas revenu avant 35 ans. A propos de cette décision, il déclare : « Mon acte était conceptuel. Une fois le concept énoncé et que tout le monde l'avait compris, c'était fait. [...] Il s'agissait d'arriver au bout du chemin. Il n'y avait aucun moyen de vivre. dans ce personnage. J'ai dû prendre cette chance fabuleuse de ne pas être rappelé exclusivement comme ça, vous savez, je n'ai pas annoncé que j'arrêtais. En 2016, Martin a fait un rare retour dans la comédie, en première partie de Jerry Seinfeld. Il a joué un set de 10 minutes avant de céder la scène à Seinfeld. Plus tard en 2016, il est revenu au stand up comédie, organisant une tournée nationale avec Martin Short et les Steep Canyon Rangers. Carrière d'acteur À la fin des années 1970, Martin avait acquis le genre de public normalement réservé aux rock stars, ses apparitions en tournée se déroulant généralement dans des arènes à guichets fermés remplies de dizaines de milliers de fans hurlants. Mais à l'insu de son public, le stand-up comédie n'était pour lui « qu'un accident » ; son véritable objectif était de se lancer dans le cinéma. Martin a joué un petit rôle dans le film Another Nice Mess de 1972. Sa première apparition importante au cinéma fut dans un court métrage intitulé The Absent-Minded Waiter (1977). Le film de sept minutes, mettant également en vedette Buck Henry et Teri Garr, a été écrit par et mettait en vedette Martin. Le film a été nominé pour l’Oscar du meilleur court métrage en direct. Il a fait sa première apparition importante dans un long métrage dans la comédie musicale Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, où il a chanté "Maxwell's Silver Hammer" des Beatles. En 1979, Martin a co-écrit et joué dans The Jerk, réalisé par Carl Reiner. Le film a été un énorme succès, rapportant plus de 100 millions de dollars sur un budget d'environ 4 millions de dollars. Stanley Kubrick l'a rencontré pour discuter de la possibilité que Martin joue dans une version comique loufoque de Traumnovelle (Kubrick a ensuite modifié son approche du matériau, ce qui a donné lieu à Eyes Wide Shut en 1999). Martin a été producteur exécutif de Domestic Life, une série télévisée diffusée aux heures de grande écoute mettant en vedette son ami Martin Mull, ainsi qu'une série de fin de soirée intitulée Twilight Theatre. Cela a encouragé Martin à s'essayer à son premier film sérieux, Pennies from Heaven, basé sur la série BBC de 1978 de Dennis Potter. Il avait hâte de jouer dans le film en raison de son désir d'éviter d'être catalogué. Pour préparer ce film, Martin a suivi des cours de théâtre auprès du réalisateur Herbert Ross et a passé des mois à apprendre les claquettes. Le film fut un échec financier ; Le commentaire de Martin à l'époque était "Je ne sais pas quoi blâmer, à part que c'est moi et pas une comédie." Martin était dans trois autres comédies réalisées par Reiner après The Jerk : Dead Men Don't Wear Plaid en 1982, The Man with Two Brains en 1983 et All of Me en 1984, sa performance la plus acclamée par la critique jusqu'à présent. En 1986, Martin rejoint les vétérans de Saturday Night Live, Martin Short et Chevy Chase, dans ¡Three Amigos !, réalisé par John Landis et écrit par Martin, Lorne Michaels et l'auteur-compositeur-interprète Randy Newman. Il s'intitulait à l'origine Les Trois Caballeros et Martin devait faire équipe avec Dan Aykroyd et John Belushi. En 1986, Martin était dans la version cinématographique musicale de la pièce à succès Off-Broadway Little Shop of Horrors (basée sur un célèbre film B), dans le rôle du dentiste sadique, Orin Scrivello. Le film était le premier des trois films associant Martin et Rick Moranis. En 1987, Martin rejoint le comédien John Candy dans le film de John Hughes Planes, Trains and Automobiles. La même année, Roxanne, l'adaptation cinématographique de Cyrano de Bergerac que Martin a co-écrit, lui vaut un Writers Guild of America Award. Cela a également permis à Hollywood et au public de reconnaître qu'il était plus qu'un comédien. En 1988, il joue dans le film de Frank Oz Dirty Rotten Scoundrels, un remake de Bedtime Story, aux côtés de Michael Caine. Également en 1988, il apparaît au Mitzi E. Newhouse Theatre du Lincoln Center dans une reprise de Waiting for Godot réalisé par Mike Nichols. Il a joué Vladimir, avec Robin Williams comme Estragon et Bill Irwin comme Lucky. Martin a joué dans le film de Ron Howard Parenthood, avec Moranis en 1989. Il a ensuite fait équipe avec Moranis dans la comédie mafieuse My Blue Heaven (1990). En 1991, Martin a joué et écrit L.A. Story, une comédie romantique dans laquelle le rôle principal féminin était joué par son épouse d'alors, Victoria Tennant. Martin est également apparu dans Grand Canyon de Lawrence Kasdan, dans lequel il incarnait le producteur de films hollywoodien profondément blessé, Davis, qui se remettait d'un vol traumatisant qui l'avait blessé, ce qui était un rôle plus sérieux pour lui. Martin a également joué dans un remake de la comédie Father of the Bride en 1991 (suivi d'une suite en 1995) et dans la comédie Housesitter de 1992, avec Goldie Hawn et Dana Delany. En 1994, il a joué dans A Simple Twist of Fate ; une adaptation cinématographique de Silas Marner. Dans le thriller de David Mamet de 1997, Le prisonnier espagnol, Martin a joué un rôle plus sombre en tant que riche étranger qui s'intéresse de manière suspecte au travail d'un jeune homme d'affaires (Campbell Scott). Il a ensuite joué aux côtés d'Eddie Murphy dans la comédie Bowfinger de 1999, que Martin a également écrite. En 1998, Martin a joué avec U2 dans le 200ème épisode des Simpsons intitulé "Trash of the Titans", fournissant la voix du commissaire à l'assainissement Ray Patterson. En 1999, Martin et Hawn ont joué dans un remake de la comédie de Neil Simon de 1970, The Out-of-Towners. En 2003, Martin s'est classé quatrième sur la liste des stars du box-office, après avoir joué dans Bringing Down The House et Moins cher à la douzaine, dont chacun a rapporté plus de 130 millions de dollars dans les cinémas américains. La même année, il incarne également le méchant M. Chairman dans le mélange d'animation et d'action réelle, Looney Tunes : Back in Action. En 2005, Martin a écrit et joué dans Shopgirl, basé sur sa propre nouvelle (2000), et a joué dans Moins cher à la douzaine 2. En 2006, il a joué dans le succès du box-office La Panthère Rose, dans le rôle de l'inspecteur Clouseau. Il a repris le rôle dans The Pink Panther 2 en 2009. Ensemble, les deux films ont rapporté plus de 230 millions de dollars au box-office. Dans Baby Mama (2008), Martin a joué le fondateur d'une entreprise d'aliments naturels, et dans It's Complicated (2009), il a joué aux côtés de Meryl Streep et Alec Baldwin. En 2009, un article du Guardian classait Martin comme l'un des meilleurs acteurs à n'avoir jamais reçu de nomination aux Oscars. En 2011, il est apparu avec Jack Black, Owen Wilson et JoBeth Williams dans la comédie d'observation des oiseaux The Big Year. Après une interruption de trois ans, Martin est revenu en 2015 lorsqu'il a interprété un rôle dans le film d'animation Home. En écrivant En 1993, Martin écrit sa première pièce Picasso au Lapin Agile. La première lecture de la pièce a eu lieu à Beverly Hills, en Californie, chez Steve Martin, avec Tom Hanks lisant le rôle de Pablo Picasso et Chris Sarandon lisant le rôle d'Albert Einstein. Suite à cela, la pièce a été créée à la Steppenwolf Theatre Company à Chicago, dans l'Illinois, et a été jouée d'octobre 1993 à mai 1994, puis a été jouée avec succès à Los Angeles, à New York et dans plusieurs autres villes américaines. En 2009, le conseil scolaire de La Grande, dans l'Oregon, a refusé d'autoriser la représentation de la pièce après que plusieurs parents se soient plaints du contenu. Dans une lettre ouverte publiée dans le journal local Observer, Martin a écrit : « J'ai entendu dire que certains membres de votre communauté ont caractérisé la pièce comme « des gens buvant dans les bars et traitant les femmes comme des objets sexuels ». Avec mes excuses à William Shakespeare, c'est comme appeler Hamlet une pièce de théâtre sur un château [...] Je financerai une production à but non lucratif hors campus du lycée [...] afin que les individus, en dehors de la juridiction de l'école Le conseil d'administration, mais dans le cadre des garanties de liberté d'expression prévues par la Constitution des États-Unis, peut déterminer s'il verra ou non la pièce". Tout au long des années 1990, Martin a écrit diverses pièces pour le New Yorker. En 2002, il a adapté la pièce de Carl Sternheim, The Underpants, qui a été diffusée à Off Broadway à la Classic Stage Company, et en 2008, il a co-écrit et produit Traitor, avec Don Cheadle. Il a également écrit les nouvelles Shopgirl (2000) et The Pleasure of My Company (2003), toutes deux plus ironiques que rauques. L'histoire d'une femme de 28 ans derrière le comptoir à gants du grand magasin Saks Fifth Avenue à Beverly Hills, Shopgirl a été adaptée en un film mettant en vedette Martin et Claire Danes. magazine/article/0,9171,998225,00.html Mais sérieusement, les amis. Article de temps. 16 octobre 2000]. Récupéré le 14 août 2010 Le film a été présenté en première au Festival du film de Toronto en septembre 2005 et a été présenté au Festival international du film de Chicago et au Festival du film d'Austin avant de sortir en sortie limitée aux États-Unis. En 2007, il a publié un mémoire, Born Standing Up, que le magazine Time a nommé comme l'un des 10 meilleurs livres de non-fiction de 2007, le classant au 6e rang et le qualifiant de « mémoire drôle, émouvant et étonnamment franc ». En 2010, il publie le roman Un objet de beauté. Hébergement Martin a accueilli les Oscars en solo en 2001 et 2003, et avec Alec Baldwin en 2010. En 2005, Martin a co-animé Disneyland : les 50 premières années magiques, marquant l'anniversaire du parc. Disney a continué à diriger le spectacle jusqu'en mars 2009, qui joue désormais dans le hall de Great Moments avec M. Lincoln. Musique Martin a commencé à jouer du banjo vers l'âge de 17 ans. Martin a affirmé dans plusieurs interviews et dans ses mémoires, Born Standing Up, qu'il avait l'habitude de prendre des disques bluegrass 33 tours et de les ralentir à 16 tours et de régler son banjo pour que les notes sonnent de la même manière. Martin était capable de repérer chaque note et de perfectionner son jeu. Martin a appris à jouer du banjo avec l'aide de John McEuen, qui a ensuite rejoint le Nitty Gritty Dirt Band. Le frère de McEuen a ensuite dirigé Martin ainsi que le Nitty Gritty Dirt Band. Martin a fait sa première partie de stand-up pour le groupe au début des années 1970. Il a fait jouer le groupe sur sa chanson à succès, "King Tut", crédité comme "The Toot Uncommons" (un péché Toutankhamon). Le banjo était un incontournable de la carrière de stand-up de Martin dans les années 1970, et il se moquait périodiquement de son amour pour cet instrument. Sur la comédie n'est pas jolie ! Dans cet album, il a inclus un jam entièrement instrumental, intitulé "Drop Thumb Medley", et a joué le morceau lors de sa tournée de concerts en 1979. Son dernier album de comédie, The Steve Martin Brothers (1981), présentait une face du matériel de stand-up typique de Martin, l'autre face présentant des performances live de Steve jouant du banjo avec un groupe de bluegrass. En 2001, il joue du banjo dans le remake de "Foggy Mountain Breakdown" d'Earl Scruggs. L'enregistrement a remporté la catégorie Meilleure performance instrumentale country aux Grammy Awards de 2002. En 2008, Martin est apparu avec le groupe In the Minds of the Living, lors d'un spectacle à Myrtle Beach, en Caroline du Sud. En 2009, Martin a sorti son premier album entièrement musical, The Crow: New Songs for the 5-String Banjo avec des apparitions de stars telles que Dolly Parton. L'album a remporté le Grammy Award du meilleur album Bluegrass en 2010. John McEuen, membre du Nitty Gritty Dirt Band, a produit l'album. Martin a fait sa première apparition au Grand Ole Opry le 30 mai 2009. Lors de la finale de la saison huit d'American Idol, il a joué aux côtés de Michael Sarver et Megan Joy dans la chanson "Pretty Flowers". En juin, Martin a joué du banjo avec les Steep Canyon Rangers sur A Prairie Home Companion et a commencé une tournée de deux mois aux États-Unis avec les Rangers en septembre, y compris des apparitions au festival Hardly Strictly Bluegrass, au Carnegie Hall et au Benaroya Hall à Seattle. En novembre, ils ont continué à jouer au Royal Festival Hall de Londres avec le soutien de Mary Black. En 2010, Steve Martin et les Steep Canyon Rangers sont apparus au New Orleans Jazzfest, au Merlefest Bluegrass Festival à Wilkesboro, en Caroline du Nord, au Bonnaroo Music Festival, au ROMP Bluegrass festival à Owensboro, Kentucky, à la série de concerts Red Butte Garden et sur la BBC's Later... avec Jools Holland. Martin a interprété "Jubilation Day" avec les Steep Canyon Rangers sur The Colbert Report le 21 mars 2011, sur Conan le 3 mai 2011 et sur The One Show de la BBC le 6 juillet 2011. Martin a interprété une chanson qu'il a écrite intitulée "Me et Paul Revere" en plus de deux autres chansons sur la pelouse du Capitole à Washington, DC, lors de la "Capitol Fourth Celebration" le 4 juillet 2011. En 2011, Martin a également raconté et est apparu dans le documentaire PBS "Give me le Banjo" relatant l'histoire du banjo en Amérique. Love Has Come For You, un album de collaboration avec Edie Brickell, est sorti en avril 2013. Les deux ont fait des apparitions musicales dans des talk-shows, tels que The View et Late Show avec David Letterman, pour promouvoir l'album. La chanson titre a remporté le Grammy Award de la meilleure chanson American Roots. À partir de mai 2013, il part en tournée avec les Steep Canyon Rangers et Edie Brickell à travers les États-Unis. En 2015, Brickell et Martin ont sorti So Familiar comme deuxième volet de leur partenariat. Inspirés par Love has Come for You, Martin et Brickell ont collaboré sur sa première comédie musicale, Bright Star. Il se déroule dans les Blue Ridge Mountains de Caroline du Nord en 1945-46, avec des flashbacks jusqu'en 1923. La comédie musicale a fait ses débuts à Broadway le 24 mars 2016. Prix ​​d'excellence Steve Martin En 2010, Martin a créé le Prix Steve Martin pour l'excellence en banjo et bluegrass, un prix créé pour récompenser le talent artistique et apporter une plus grande visibilité aux artistes bluegrass. Le prix comprend une récompense en espèces de 50 000 USD, une sculpture en bronze créée par l'artiste Eric Fischl et une chance de se produire avec Martin lors du Late Show avec David Letterman. Les récipiendaires incluent Noam Pikelny du groupe Punch Brothers (2010), Sammy Shelor du Lonesome River Band (2011), Mark Johnson (2012), Jens Kruger (2013), Eddie Adcock (2014) et Danny Barnes (2015). Vie privée Martin a eu une relation amoureuse avec l'actrice et chanteuse Bernadette Peters, sa co-vedette dans les films The Jerk et Pennies from Heaven, dans les années 1970 et au début des années 1980. Il a épousé l'actrice Victoria Tennant le 20 novembre 1986 ; ils ont divorcé en 1994. Le 28 juillet 2007, après trois ans de vie commune, Martin a épousé Anne Stringfield, écrivain et ancienne employée du magazine The New Yorker. L'ancien sénateur du Nebraska, Bob Kerrey, a présidé la cérémonie au domicile de Martin à Los Angeles. Lorne Michaels, créateur de Saturday Night Live, était le témoin. Plusieurs des invités, dont des amis proches Tom Hanks, Eugene Levy, le comédien Carl Reiner et le magicien/acteur Ricky Jay, n'ont pas été informés qu'une cérémonie de mariage aurait lieu. Au lieu de cela, on leur a dit qu'ils étaient invités à une fête et qu'ils ont été surpris par les noces. À 67 ans, Martin est devenu père pour la première fois lorsque Stringfield a donné naissance à une fille en décembre 2012. Martin est un passionné d'art depuis 1968, lorsqu'il a acheté une estampe de l'artiste de Los Angeles Ed Ruscha. Lors de la première exposition publique de sa collection, la Bellagio Gallery of Fine Art a présenté une exposition de cinq mois de 28 œuvres de Roy Lichtenstein, Pablo Picasso, David Hockney et Edward Hopper, entre autres, en 2001. En 2006, il a vendu l'œuvre de Hopper. Hotel Window (1955) chez Sotheby's pour 26,8 millions de dollars. En 2015, en collaboration avec deux autres conservateurs, il a organisé une exposition intitulée « The Idea of ​​North : The Paintings of Lawren Harris », pour présenter aux Américains le peintre canadien et cofondateur du Groupe des Sept, Lawren Harris. Les enquêteurs de la police criminelle du Land de Berlin (LKA) pensent que Martin a été l'une des victimes du maître faussaire allemand Wolfgang Beltracchi. En juillet 2004, Martin a acheté ce qu'il croyait être une œuvre du peintre germano-néerlandais Heinrich Campendonk datant de 1915, Landschaft mit Pferden (Paysage avec des chevaux), dans une galerie parisienne, pour ce qui aurait dû être un prix avantageux d'environ 700 000 € (environ 850 000 $). à l'époque). Avant l'achat un expert a authentifié l'œuvre et identifié la signature du peintre sur une étiquette apposée au dos. Quinze mois plus tard, Martin a mis le tableau en vente et la maison de ventes Christie's l'a cédé en février 2006 à une femme d'affaires suisse pour 500 000 €, soit une perte de 200 000 €. La police pense que le faux Campendonk provient d'une collection d'art inventée par un groupe d'escrocs allemands arrêtés en 2010. Des peintures habilement contrefaites de ce groupe ont été vendues à des galeries françaises comme celle où Martin a acheté le faux. Martin souffre d’acouphènes (bourdonnements d’oreilles), qui sont un symptôme de perte auditive. Il l'a obtenu lors du tournage d'une scène de tir au pistolet pour le film Three Amigos en 1986. Il aurait déclaré: "Il suffit de s'y habituer, ou de devenir fou." Récompenses et nominations Filmographie Discographie Albums Simple Vidéos musicales Spectacles de stand-up sortis * Steve Martin-Live! (1986, VHS) * Saturday Night Live : Le meilleur de Steve Martin (1998, DVD) * Steve Martin : The Television Stuff (2012, DVD ; comprend le contenu de Steve Martin-Live ! ainsi que ses émissions spéciales NBC et d'autres apparitions à la télévision) Œuvres écrites de Martin *The Jerk (1979) (scénario écrit avec Carl Gottlieb) *Cruel Shoes (1979) (Essais) *Picasso au Lapin Agile et autres pièces : Picasso au Lapin Agile, la femme Zig-Zag, Patter for the Floating Lady, WASP (1993) (Play) *LA. Story et Roxanne : Deux scénarios (publiés ensemble en 1987) (Scénarios) *Pure Drivel (1998) (Essais) *Bowfinger (1999) (scénario) *Eric Fischl : 1970-2000 (2000) (Postface) *Modern Library Humour and Wit Series (2000) (éditeur d'introduction et de série) *Shopgirl (2000) (Roman) *Gentiment prêté à leur propriétaire : La collection privée de Steve Martin (2001) (Art) *Les caleçons : une pièce de théâtre (2002) (Jouer) *Le plaisir de ma compagnie (2003) (roman) *L'alphabet de A à Y avec la lettre bonus Z (2007) (Livres pour enfants illustrés par Roz Chast) *Né debout (2007) (Mémoires) *Un objet de beauté (2010) (Roman) *En retard pour l'école (2010) (Livre pour enfants) *Les dix, font que neuf, habitudes des personnes très organisées. Make That Ten.: Les tweets de Steve Martin (21 février 2012) (Collection)

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Quel monarque britannique a fondé les Yeomen of the Guard, à l'origine comme garde du corps royal ?

Henri VII

Victoria (Alexandrina Victoria ; 24 mai 1819 - 22 janvier 1901) fut reine du Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d'Irlande du 20 juin 1837 jusqu'à sa mort. À partir du 1er mai 1876, elle reçut le titre supplémentaire d'Impératrice des Indes. Victoria était la fille du prince Edward, duc de Kent et de Strathearn, le quatrième fils du roi George III. Le duc de Kent et le roi George III moururent en 1820 et Victoria fut élevée sous la surveillance étroite de sa mère, d'origine allemande, la princesse Victoria de Saxe-Coburg-Saalfeld. Elle a hérité du trône à l'âge de 18 ans, après la mort des trois frères aînés de son père, ne laissant aucun enfant légitime survivant. Le Royaume-Uni était déjà une monarchie constitutionnelle établie, dans laquelle le souverain détenait relativement peu de pouvoir politique direct. En privé, Victoria a tenté d'influencer la politique gouvernementale et les nominations ministérielles ; publiquement, elle est devenue une icône nationale identifiée à des normes strictes de moralité personnelle. Victoria épousa son cousin germain, le prince Albert de Saxe-Cobourg et Gotha, en 1840. Leurs neuf enfants se marièrent dans des familles royales et nobles à travers le continent, les liant ensemble et lui valant le surnom de « grand-mère de l'Europe ». Après la mort d'Albert en 1861, Victoria plongea dans un profond deuil et évita les apparitions publiques. En raison de son isolement, le républicanisme a temporairement gagné en force, mais dans la seconde moitié de son règne, sa popularité s'est rétablie. Ses jubilés d'or et de diamant étaient des moments de célébration publique. Son règne de 63 ans et sept mois est connu sous le nom d’ère victorienne. Ce fut une période de changements industriels, culturels, politiques, scientifiques et militaires au Royaume-Uni et fut marquée par une grande expansion de l’Empire britannique. Elle fut la dernière monarque britannique de la maison de Hanovre. Son fils et successeur, Édouard VII, appartenait à la maison de Saxe-Cobourg et Gotha, la lignée de son père. Naissance et famille Le père de Victoria était le prince Edward, duc de Kent et Strathearn, le quatrième fils du roi régnant du Royaume-Uni, George III. Jusqu'en 1817, la nièce d'Edward, la princesse Charlotte de Galles, était la seule petite-fille légitime de George III. Sa mort en 1817 précipita une crise de succession qui fit pression sur le duc de Kent et ses frères célibataires pour qu'ils se marient et aient des enfants. En 1818, il épousa la princesse Victoria de Saxe-Cobourg-Saalfeld, une princesse allemande veuve et mère de deux enfants — Carl (1804-1856) et Feodora (1807-1872) — par son premier mariage avec le prince de Leiningen. Son frère Léopold était le veuf de la princesse Charlotte. Victoria, la fille unique du duc et de la duchesse de Kent, est née à 4 h 15 le 24 mai 1819 au palais de Kensington à Londres. Victoria a été baptisée en privé par l'archevêque de Cantorbéry, Charles Manners-Sutton, le 24 juin 1819 dans la salle Cupola du palais de Kensington. Elle a été baptisée Alexandrina, du nom de l'un de ses parrains, l'empereur Alexandre Ier de Russie, et Victoria, du nom de sa mère. Des noms supplémentaires proposés par ses parents – Georgina (ou Georgiana), Charlotte et Augusta – furent abandonnés sur les instructions du frère aîné du duc, le prince régent (plus tard George IV). À sa naissance, Victoria était cinquième dans l'ordre de succession après son père et ses trois frères aînés : le prince régent, le duc d'York et le duc de Clarence (plus tard Guillaume IV). Le prince régent et le duc d'York étaient séparés de leurs épouses, qui étaient toutes deux en âge de procréer, de sorte qu'il était peu probable que les deux frères aînés aient d'autres enfants. Les ducs de Kent et Clarence se sont mariés le même jour, 12 mois avant la naissance de Victoria, mais les deux filles de Clarence (nées respectivement en 1819 et 1820) sont décédées en bas âge. Le grand-père et le père de Victoria moururent en 1820, à moins d'une semaine d'intervalle, et le duc d'York mourut en 1827. À la mort de son oncle George IV en 1830, Victoria devint l'héritière présomptive de son prochain oncle survivant, Guillaume IV. Le Regency Act 1830 prévoyait des dispositions spéciales permettant à la duchesse de Kent d'agir en tant que régente au cas où William décèderait alors que Victoria était encore mineure. Le roi Guillaume se méfiait de la capacité de la duchesse à être régente et déclara en 1836 en sa présence qu'il voulait vivre jusqu'au 18e anniversaire de Victoria, afin d'éviter une régence. Héritier présomptif Victoria a décrit plus tard son enfance comme « plutôt mélancolique ». Sa mère était extrêmement protectrice et Victoria a été élevée en grande partie isolée des autres enfants sous le soi-disant « système Kensington », un ensemble élaboré de règles et de protocoles conçus par la duchesse et son contrôleur ambitieux et dominateur, Sir John Conroy, qui, selon la rumeur. être l'amant de la duchesse. Le système empêchait la princesse de rencontrer des personnes que sa mère et Conroy jugeaient indésirables (y compris la plupart des membres de la famille de son père) et visait à la rendre faible et dépendante d'eux. La duchesse a évité la cour parce qu'elle était scandalisée par la présence des enfants bâtards du roi William et a peut-être provoqué l'émergence de la moralité victorienne en insistant pour que sa fille évite toute apparence d'inconvenance sexuelle. Victoria partageait une chambre avec sa mère tous les soirs, étudiait avec des tuteurs privés selon un horaire régulier et passait ses heures de jeu avec ses poupées et son épagneul King Charles, Dash. Ses cours comprenaient le français, l'allemand, l'italien et le latin, mais elle ne parlait que l'anglais à la maison. En 1830, la duchesse de Kent et Conroy emmenèrent Victoria à travers le centre de l'Angleterre pour visiter les collines de Malvern, en s'arrêtant dans des villes et de grandes maisons de campagne en cours de route. Des voyages similaires vers d'autres régions de l'Angleterre et du Pays de Galles furent effectués en 1832, 1833, 1834 et 1835. Au grand dam du roi, Victoria fut accueillie avec enthousiasme à chacune des escales. William compara les voyages aux progrès royaux et craignait qu'ils ne présentent Victoria comme sa rivale plutôt que comme son héritière présomptive. Victoria n'aimait pas les voyages ; la série constante d'apparitions publiques la rendait fatiguée et malade, et elle avait peu de temps pour se reposer. Elle s'y opposa en raison de la désapprobation du roi, mais sa mère rejeta ses plaintes comme étant motivées par la jalousie et força Victoria à continuer les tournées. À Ramsgate en octobre 1835, Victoria contracta une forte fièvre, que Conroy considéra initialement comme un prétexte enfantin. Alors que Victoria était malade, Conroy et la duchesse l'ont harcelée en vain pour qu'elle fasse de Conroy son secrétaire particulier. Adolescente, Victoria a résisté aux tentatives persistantes de sa mère et de Conroy de le nommer dans son équipe. Une fois reine, elle lui bannit sa présence, mais il resta dans la maison de sa mère. En 1836, le frère de la duchesse, Léopold, roi des Belges depuis 1831, espérait marier sa nièce à son neveu, le prince Albert de Saxe-Cobourg et Gotha. Léopold, la mère de Victoria, et le père d'Albert (Ernest Ier, duc de Saxe-Cobourg et Gotha) étaient frères et sœurs. Léopold s'arrangea pour que la mère de Victoria invite ses proches de Cobourg à lui rendre visite en mai 1836, dans le but de présenter Victoria à Albert. Guillaume IV, cependant, désapprouvait tout match avec les Cobourg et favorisa plutôt la poursuite du prince Alexandre des Pays-Bas, deuxième fils du prince d'Orange. Victoria était au courant des différents projets matrimoniaux et évaluait d'un œil critique un défilé de princes éligibles. D'après son journal, elle a apprécié la compagnie d'Albert dès le début. Après la visite, elle écrivit : « [Albert] est extrêmement beau ; ses cheveux sont à peu près de la même couleur que les miens ; ses yeux sont grands et bleus, et il a un beau nez et une bouche très douce avec des dents fines ; mais le charme de son visage est son expression la plus délicieuse. Alexandre, en revanche, était « très clair ». Victoria a écrit à son oncle Léopold, que Victoria considérait comme son "meilleur et plus aimable conseiller", pour le remercier "pour la perspective d'un grand bonheur que vous avez contribué à me donner, en la personne du cher Albert ... Il possède toutes les qualités qui pourraient être désiré pour me rendre parfaitement heureux. Il est si sensé, si gentil et si bon, et si aimable aussi, il a en outre l'extérieur et l'apparence les plus agréables et les plus délicieux que vous puissiez voir. Cependant, à 17 ans, Victoria, bien qu'intéressée par Albert, n'était pas encore prête à se marier. Les parties ne se sont pas engagées formellement, mais ont supposé que le match aurait lieu en temps voulu. Début du règne Victoria eut 18 ans le 24 mai 1837 et une régence fut évitée. Le 20 juin 1837, Guillaume IV décède à l'âge de 71 ans et Victoria devient reine du Royaume-Uni. Dans son journal, elle écrit : « J'ai été réveillée à 6 heures par maman, qui m'a dit que l'archevêque de Cantorbéry et Lord Conyngham étaient ici et souhaitaient me voir. Je me suis levé du lit et suis allé dans mon salon (seulement dans ma robe de chambre) et seul, et je les ai vus Lord Conyngham m'a alors informé que mon pauvre oncle, le roi, n'était plus et qu'il avait expiré à 2 heures 12 ce matin, et par conséquent que je suis reine. Les documents officiels préparés le premier jour de son règne la décrivaient comme Alexandrina Victoria, mais le prénom a été retiré à sa demande et n'a plus été utilisé. Depuis 1714, la Grande-Bretagne partageait un monarque avec Hanovre en Allemagne, mais en vertu de la loi salique, les femmes étaient exclues de la succession hanovrienne. Alors que Victoria héritait de tous les dominions britanniques, Hanovre passa au frère cadet de son père, son oncle impopulaire le duc de Cumberland et Teviotdale, qui devint le roi Ernest Auguste Ier de Hanovre. Il était son héritier présomptif jusqu'à ce qu'elle se marie et ait un enfant. Au moment de son accession, le gouvernement était dirigé par le premier ministre whig, Lord Melbourne, qui devint aussitôt une puissante influence sur la reine politiquement inexpérimentée, qui comptait sur lui pour obtenir des conseils. Charles Greville supposait que Melbourne, veuve et sans enfant, « l'aimait passionnément comme il pourrait l'être de sa fille s'il en avait une », et Victoria le considérait probablement comme une figure paternelle. Son couronnement eut lieu le 28 juin 1838 à l'abbaye de Westminster. Plus de 400 000 visiteurs sont venus à Londres pour les célébrations. Elle est devenue la première souveraine à s'installer au palais de Buckingham et a hérité des revenus des duchés de Lancaster et de Cornwall et a bénéficié d'une allocation de liste civile de 385 000 £ par an. Financièrement prudente, elle a remboursé les dettes de son père. Au début de son règne, Victoria était populaire, mais sa réputation a souffert lors d'une intrigue judiciaire en 1839, lorsque l'une des dames d'honneur de sa mère, Lady Flora Hastings, a développé une excroissance abdominale qui, selon la rumeur, était une tumeur hors mariage. grossesse par Sir John Conroy. Victoria a cru aux rumeurs. Elle détestait Conroy et méprisait « cette odieuse Lady Flora », parce qu'elle avait conspiré avec Conroy et la duchesse de Kent dans le système de Kensington. Au début, Lady Flora a refusé de se soumettre à un examen médical nu, jusqu'à ce qu'à la mi-février elle finisse par accepter et se révèle vierge. Conroy, la famille Hastings et les conservateurs de l'opposition ont organisé une campagne de presse impliquant la reine dans la propagation de fausses rumeurs sur Lady Flora. Lorsque Lady Flora est décédée en juillet, l'autopsie a révélé une grosse tumeur sur son foie qui avait distendu son abdomen. Lors des apparitions publiques, Victoria a été sifflée et raillée sous le nom de « Mme Melbourne ». En 1839, Melbourne démissionna après que les radicaux et les conservateurs (tous deux détestés par Victoria) eurent voté contre un projet de loi visant à suspendre la constitution de la Jamaïque. Le projet de loi supprimait le pouvoir politique des propriétaires de plantations qui résistaient aux mesures liées à l'abolition de l'esclavage. La reine chargea un conservateur, Sir Robert Peel, de former un nouveau ministère. À l’époque, il était d’usage que le Premier ministre nomme les membres de la Maison royale, qui étaient généralement ses alliés politiques et leurs épouses. Beaucoup des dames de la chambre de la reine étaient des épouses de Whigs, et Peel espérait les remplacer par des épouses de conservateurs. Dans ce qui est devenu connu sous le nom de crise des chambres à coucher, Victoria, conseillée par Melbourne, s'est opposée à leur renvoi. Peel refusa de gouverner sous les restrictions imposées par la reine et démissionna par conséquent de sa commission, permettant à Melbourne de reprendre ses fonctions. Mariage Bien que reine, en tant que jeune femme célibataire, Victoria était tenue par les conventions sociales de vivre avec sa mère, malgré leurs différences sur le système de Kensington et la dépendance continue de sa mère à l'égard de Conroy. Sa mère était confinée dans un appartement isolé du palais de Buckingham et Victoria refusait souvent de la voir. Lorsque Victoria s'est plainte à Melbourne que la proximité de sa mère lui promettait "des tourments pendant de nombreuses années", Melbourne a sympathisé mais a déclaré que cela pourrait être évité par le mariage, que Victoria a qualifié d'"alternative choquante". Elle a montré de l'intérêt pour l'éducation d'Albert en vue du futur rôle qu'il devrait jouer en tant que mari, mais elle a résisté aux tentatives de la précipiter dans le mariage. Victoria a continué à féliciter Albert après sa deuxième visite en octobre 1839. Albert et Victoria ont ressenti une affection mutuelle et la reine lui a proposé le 15 octobre 1839, cinq jours seulement après son arrivée à Windsor. Ils se sont mariés le 10 février 1840, dans la chapelle royale du palais St James, à Londres. Victoria était fascinée. Elle a passé la soirée après leur mariage allongée avec un mal de tête, mais a écrit avec extase dans son journal : Albert est devenu un conseiller politique important ainsi que le compagnon de la reine, remplaçant Lord Melbourne comme figure dominante et influente dans la première moitié de sa vie. La mère de Victoria a été expulsée du palais vers Ingestre House à Belgrave Square. Après la mort de la princesse Augusta en 1840, la mère de Victoria reçut les maisons Clarence et Frogmore. Grâce à la médiation d'Albert, les relations entre la mère et la fille se sont lentement améliorées. Lors de la première grossesse de Victoria en 1840, au cours des premiers mois de son mariage, Edward Oxford, 18 ans, tenta de l'assassiner alors qu'elle se trouvait dans une calèche avec le prince Albert pour rendre visite à sa mère. Oxford a tiré deux fois, mais soit les deux balles ont raté, soit, comme il l'a affirmé plus tard, les armes n'ont pas tiré. Il a été jugé pour haute trahison et reconnu coupable, mais a été acquitté pour cause d'aliénation mentale. Immédiatement après l'attaque, la popularité de Victoria a grimpé en flèche, atténuant le mécontentement résiduel concernant l'affaire Hastings et la crise des chambres à coucher. Sa fille, également nommée Victoria, est née le 21 novembre 1840. La reine détestait être enceinte, considérait l'allaitement avec dégoût et pensait que les nouveau-nés étaient laids. Néanmoins, au cours des dix-sept années suivantes, elle et Albert eurent huit autres enfants : Albert Edward, prince de Galles (né en 1841), Alice (née en 1843), Alfred (né en 1844), Helena (née en 1846), Louise (née en 1848), Arthur (née en 1850), Léopold (née en 1853) et Béatrice (née en 1857). La maison de Victoria était en grande partie dirigée par sa gouvernante d'enfance, la baronne Louise Lehzen de Hanovre. Lehzen avait eu une influence formatrice sur Victoria et l'avait soutenue contre le système Kensington. Albert pensait cependant que Lehzen était incompétente et que sa mauvaise gestion menaçait la santé de sa fille. Après une violente dispute entre Victoria et Albert à ce sujet, Lehzen a été mis à la retraite et la relation étroite de Victoria avec elle a pris fin. 1842-1860 Le 29 mai 1842, Victoria se trouvait dans une calèche le long du Mall, à Londres, lorsque John Francis a pointé un pistolet sur elle, mais le pistolet n'a pas tiré ; Il s'est échappé. Le lendemain, Victoria a emprunté le même itinéraire, mais plus rapidement et avec une plus grande escorte, dans une tentative délibérée d'inciter Francis à viser un deuxième but et à le surprendre en flagrant délit. Comme prévu, Francis lui a tiré dessus, mais il a été arrêté par des policiers en civil et reconnu coupable de haute trahison. Le 3 juillet, deux jours après que la condamnation à mort de Francis ait été commuée en déportation à perpétuité, John William Bean a également tenté de tirer avec un pistolet sur la reine, mais il n'était chargé que de papier et de tabac et avait trop peu de charge. Edward Oxford estimait que ces tentatives étaient encouragées par son acquittement en 1840. Bean fut condamné à 18 mois de prison. Lors d'une attaque similaire en 1849, l'Irlandais au chômage William Hamilton a tiré avec un pistolet à poudre sur la voiture de Victoria alors qu'elle passait le long de Constitution Hill, à Londres. En 1850, la reine a été blessée lorsqu'elle a été agressée par un ancien officier de l'armée peut-être fou, Robert Pate. Alors que Victoria montait dans une calèche, Pate la frappa avec sa canne, écrasant son bonnet et lui blessant le front. Hamilton et Pate ont été condamnés à sept ans de déportation. Le soutien de Melbourne à la Chambre des communes s'affaiblit au cours des premières années du règne de Victoria et lors des élections générales de 1841, les Whigs furent vaincus. Peel devint Premier ministre et les dames de la chambre les plus associées aux Whigs furent remplacées. En 1845, l’Irlande fut frappée par le mildiou de la pomme de terre. Au cours des quatre années suivantes, plus d'un million d'Irlandais sont morts et un million d'autres ont émigré dans ce qui est devenu connu sous le nom de Grande Famine. En Irlande, Victoria était surnommée « la reine de la famine ». Elle a personnellement fait un don de 2 000 £ à la British Relief Association, plus que tout autre donateur individuel de secours contre la famine, et a également soutenu la subvention Maynooth à un séminaire catholique romain en Irlande, malgré l'opposition protestante. L'histoire selon laquelle elle n'aurait fait don que de 5 £ d'aide aux Irlandais et aurait donné le même jour le même montant à Battersea Dogs Home était un mythe généré vers la fin du 19e siècle. En 1846, le ministère de Peel était confronté à une crise impliquant l'abrogation des Corn Laws. De nombreux conservateurs – alors connus également sous le nom de conservateurs – étaient opposés à l'abrogation, mais Peel, certains conservateurs (les « Peelites »), la plupart des Whigs et Victoria l'ont soutenu. Peel démissionna en 1846, après que l'abrogation fut adoptée de peu, et fut remplacé par Lord John Russell. Sur le plan international, Victoria s'intéressait vivement à l'amélioration des relations entre la France et la Grande-Bretagne. Elle a effectué et accueilli plusieurs visites entre la famille royale britannique et la maison d'Orléans, liées par mariage par l'intermédiaire des Cobourg. En 1843 et 1845, elle et Albert séjournent auprès du roi Louis Philippe Ier au château d'Eu en Normandie ; elle fut le premier monarque britannique ou anglais à visiter un monarque français depuis la rencontre d'Henri VIII d'Angleterre et de François Ier de France sur le Champ du Drap d'Or en 1520. Lorsque Louis Philippe fit un voyage réciproque en 1844, il devint le premier roi de France à rendre visite à un souverain britannique. Louis Philippe fut déposé lors des révolutions de 1848 et s'enfuit en exil en Angleterre. Au plus fort de la peur révolutionnaire au Royaume-Uni en avril 1848, Victoria et sa famille quittèrent Londres pour se rendre plus en sécurité à Osborne House, un domaine privé sur l'île de Wight qu'ils avaient acheté en 1845 et réaménagé. Les manifestations des chartistes et des nationalistes irlandais n’ont pas réussi à attirer un large soutien et la peur s’est apaisée sans perturbations majeures. La première visite de Victoria en Irlande en 1849 fut un succès en matière de relations publiques, mais elle n'eut aucun impact ni effet durable sur la croissance du nationalisme irlandais. Le ministère de Russell, bien que whig, n'était pas favorisé par la reine. Elle a trouvé particulièrement offensant le ministre des Affaires étrangères, Lord Palmerston, qui agissait souvent sans consulter le Cabinet, le Premier ministre ou la Reine. Victoria se plaignit à Russell que Palmerston envoyait des dépêches officielles aux dirigeants étrangers à son insu, mais Palmerston resta en fonction et continua d'agir de sa propre initiative, malgré ses remontrances répétées. Ce n'est qu'en 1851 que Palmerston fut démis de ses fonctions après avoir annoncé l'approbation par le gouvernement britannique du coup d'État du président Louis-Napoléon Bonaparte en France sans consulter le Premier ministre. L'année suivante, le président Bonaparte fut déclaré empereur Napoléon III, date à laquelle l'administration de Russell avait été remplacée par un gouvernement minoritaire de courte durée dirigé par Lord Derby. En 1853, Victoria donne naissance à son huitième enfant, Léopold, grâce au nouvel anesthésique qu'est le chloroforme. Victoria fut tellement impressionnée par le soulagement qu'elle apportait aux douleurs de l'accouchement qu'elle l'utilisa à nouveau en 1857 lors de la naissance de son neuvième et dernier enfant, Béatrice, malgré l'opposition des membres du clergé, qui le considéraient comme contraire à l'enseignement biblique, et des membres du clergé. du corps médical, qui pensait que c'était dangereux. Victoria a peut-être souffert de dépression postnatale après plusieurs de ses grossesses. Les lettres d'Albert à Victoria se plaignent par intermittence de sa perte de maîtrise de soi. Par exemple, environ un mois après la naissance de Léopold, Albert s'est plaint dans une lettre à Victoria de sa « persistance de l'hystérie » à cause d'une « misérable bagatelle ». Au début de 1855, le gouvernement de Lord Aberdeen, qui avait remplacé Derby, tomba au milieu des récriminations concernant la mauvaise gestion des troupes britanniques pendant la guerre de Crimée. Victoria a contacté Derby et Russell pour former un ministère, mais aucun d'eux n'a eu suffisamment de soutien et Victoria a été forcée de nommer Palmerston comme Premier ministre. Napoléon III, le plus proche allié de la Grande-Bretagne depuis la guerre de Crimée, visita Londres en avril 1855 et, du 17 au 28 août de la même année, Victoria et Albert leur rendirent visite. Napoléon III rencontre le couple à Dunkerque et les accompagne à Paris. Ils ont visité l'Exposition Universelle (successeur de l'idée originale d'Albert de 1851, la Grande Exposition) et le tombeau de Napoléon Ier aux Invalides (où sa dépouille n'avait été restituée qu'en 1840), et ont été invités d'honneur à un bal de 1 200 invités au Palais. de Versailles. Le 14 janvier 1858, un réfugié italien du nom d'Orsini tente d'assassiner Napoléon III avec une bombe fabriquée en Angleterre. La crise diplomatique qui s'ensuit déstabilise le gouvernement et Palmerston démissionne. Derby a été réintégré au poste de Premier ministre. Victoria et Albert assistèrent à l'ouverture d'un nouveau bassin au port militaire français de Cherbourg le 5 août 1858, dans une tentative de Napoléon III de rassurer la Grande-Bretagne sur le fait que ses préparatifs militaires étaient dirigés ailleurs. À son retour, Victoria écrivit à Derby pour le réprimander pour le mauvais état de la Royal Navy par rapport à celui de la France. Le ministère de Derby ne dura pas longtemps et, en juin 1859, Victoria rappela Palmerston à ses fonctions. Onze jours après la tentative d'assassinat d'Orsini en France, la fille aînée de Victoria épousa le prince Frédéric-Guillaume de Prusse à Londres. Ils étaient fiancés depuis septembre 1855, alors que la princesse Victoria avait 14 ans ; le mariage a été retardé par la reine et le prince Albert jusqu'à ce que la mariée ait 17 ans. La reine et Albert espéraient que leur fille et leur gendre exerceraient une influence libérale dans l'État prussien en pleine expansion. Victoria se sentit « malade au cœur » de voir sa fille quitter l'Angleterre pour l'Allemagne ; "Cela me fait vraiment frissonner", écrit-elle à la princesse Victoria dans l'une de ses fréquentes lettres, "quand je regarde toutes vos douces, heureuses et inconscientes sœurs et que je pense que je dois les abandonner aussi – une par une." Presque exactement un an plus tard, la princesse Victoria donnait naissance au premier petit-enfant de la reine, Wilhelm, qui allait devenir le dernier Kaiser allemand. Veuvage En mars 1861, la mère de Victoria mourut, avec Victoria à ses côtés. En lisant les papiers de sa mère, Victoria a découvert que sa mère l'aimait profondément ; elle avait le cœur brisé et reprochait à Conroy et Lehzen de l'avoir « méchamment » éloignée de sa mère. Pour soulager sa femme dans son chagrin intense et profond, Albert a assumé la plupart de ses tâches, bien qu'il souffrait lui-même de maux d'estomac chroniques. En août, Victoria et Albert rendirent visite à leur fils, le prince de Galles, qui assistait à des manœuvres militaires près de Dublin, et passèrent quelques jours de vacances à Killarney. En novembre, Albert a appris que son fils avait couché avec une actrice en Irlande. Consterné, Albert s'est rendu à Cambridge, où son fils étudiait, pour le confronter. Début décembre, Albert était très malade. William Jenner lui diagnostiqua la fièvre typhoïde et mourut le 14 décembre 1861. Victoria fut dévastée. Elle a imputé la mort de son mari à l'inquiétude suscitée par les flirts du prince de Galles. Il avait été "tué par cette épouvantable affaire", a-t-elle déclaré. Elle est entrée dans un état de deuil et a porté du noir pour le reste de sa vie. Elle évite les apparitions publiques et met rarement les pieds à Londres dans les années suivantes. Son isolement lui a valu le surnom de « veuve de Windsor ». L'isolement auto-imposé du public par Victoria a diminué la popularité de la monarchie et a encouragé la croissance du mouvement républicain. Elle a effectivement assumé ses fonctions gouvernementales officielles, mais a choisi de rester isolée dans ses résidences royales : le château de Windsor, Osborne House et le domaine privé en Écosse qu'elle et Albert avaient acquis en 1847, le château de Balmoral. En mars 1864, un manifestant a collé un avis sur les grilles du palais de Buckingham annonçant que « ces locaux imposants seraient loués ou vendus en raison du déclin des affaires du défunt occupant ». Son oncle Léopold lui a écrit pour lui conseiller de paraître en public. Elle a accepté de visiter les jardins de la Royal Horticultural Society à Kensington et de traverser Londres en calèche découverte. Au cours des années 1860, Victoria comptait de plus en plus sur un domestique écossais, John Brown. Des rumeurs calomnieuses sur une relation amoureuse et même un mariage secret sont apparues dans la presse, et la reine a été appelée « Mme Brown ». L'histoire de leur relation a fait l'objet du film de 1997, Mme Brown. Un tableau de Sir Edwin Henry Landseer représentant la reine avec Brown a été exposé à la Royal Academy et Victoria a publié un livre, Feuilles du journal de notre vie dans les Highlands, qui mettait en vedette Brown et dans lequel la reine l'a hautement félicité. Palmerston mourut en 1865 et après un bref ministère dirigé par Russell, Derby revint au pouvoir. En 1866, Victoria assista à l'ouverture officielle du Parlement pour la première fois depuis la mort d'Albert. L'année suivante, elle soutient l'adoption de la loi de réforme de 1867 qui double l'électorat en étendant le droit de vote à de nombreux travailleurs urbains, même si elle n'est pas favorable au vote des femmes. Derby démissionna en 1868, pour être remplacé par Benjamin Disraeli, qui charma Victoria. "Tout le monde aime la flatterie", a-t-il déclaré, "et quand vous entrez dans la royauté, vous devriez l'appliquer à la truelle." Avec la phrase « nous, les auteurs, Madame », il la complimenta. Le ministère de Disraeli n'a duré que quelques mois et, à la fin de l'année, son rival libéral, William Ewart Gladstone, a été nommé Premier ministre. Victoria trouvait l'attitude de Gladstone beaucoup moins attrayante ; lorsqu'il lui a parlé, elle se serait plainte, comme si elle était "une réunion publique plutôt qu'une femme". En 1870, le sentiment républicain en Grande-Bretagne, alimenté par l'isolement de la reine, fut stimulé après l'établissement de la Troisième République française. Un rassemblement républicain à Trafalgar Square a exigé la destitution de Victoria et les députés radicaux se sont prononcés contre elle. En août et septembre 1871, elle tomba gravement malade avec un abcès au bras, que Joseph Lister réussit à percer et à traiter avec son nouveau spray antiseptique à l'acide phénique. Fin novembre 1871, au plus fort du mouvement républicain, le prince de Galles contracta la fièvre typhoïde, la maladie qui aurait tué son père, et Victoria craignait que son fils ne meure. À l'approche du dixième anniversaire de la mort de son mari, l'état de son fils ne s'est pas amélioré et la détresse de Victoria a continué. À la joie générale, il s’en est sorti. La mère et le fils assistèrent à un défilé public à travers Londres et à un grand service d'action de grâce dans la cathédrale Saint-Paul le 27 février 1872, et le sentiment républicain s'apaisa. Le dernier jour de février 1872, deux jours après le service d'action de grâce, Arthur O'Connor, 17 ans (petit-neveu du député irlandais Feargus O'Connor), brandit un pistolet déchargé vers la voiture ouverte de Victoria juste après son arrivée à Le palais de Buckingham. Brown, qui s'occupait de la reine, l'a attrapé et O'Connor a ensuite été condamné à 12 mois d'emprisonnement. À la suite de l'incident, la popularité de Victoria s'est encore rétablie. Impératrice des Indes Après la rébellion indienne de 1857, la Compagnie britannique des Indes orientales, qui dirigeait une grande partie de l'Inde, fut dissoute et les possessions et protectorats britanniques sur le sous-continent indien furent officiellement incorporés à l'Empire britannique. La reine avait une vision relativement équilibrée du conflit et condamnait les atrocités des deux côtés. Elle a écrit sur "ses sentiments d'horreur et de regret face au résultat de cette sanglante guerre civile", et a insisté, insisté par Albert, sur le fait qu'une proclamation officielle annonçant le transfert du pouvoir de l'entreprise à l'État "devrait respirer des sentiments de générosité, bienveillance et tolérance religieuse ». Hibbert, p. 251 ; Woodham-Smith, p. 386 À sa demande, une référence menaçant de « porter atteinte aux religions et coutumes autochtones » a été remplacée par un passage garantissant la liberté religieuse. Aux élections générales de 1874, Disraeli revient au pouvoir. Il a adopté la loi de 1874 sur la réglementation du culte public, qui supprimait les rituels catholiques de la liturgie anglicane et que Victoria soutenait fermement. Elle préférait les services courts et simples et se considérait personnellement plus alignée sur l'Église presbytérienne d'Écosse que sur l'Église épiscopale d'Angleterre. Il a également fait adopter le Royal Titles Act 1876 au Parlement, de sorte que Victoria a pris le titre d'« Impératrice de l'Inde » à partir du 1er mai 1876. Le nouveau titre a été proclamé au Delhi Durbar du 1er janvier 1877. Le 14 décembre 1878, jour anniversaire de la mort d'Albert, la deuxième fille de Victoria, Alice, qui avait épousé Louis de Hesse, mourut de la diphtérie à Darmstadt. Victoria a noté la coïncidence des dates comme « presque incroyable et très mystérieuse ». En mai 1879, elle devient arrière-grand-mère (à la naissance de la princesse Feodora de Saxe-Meiningen) et fête son « pauvre vieux 60e anniversaire ». Elle se sentait « vieillie » par « la perte de mon enfant bien-aimé ». Entre avril 1877 et février 1878, elle menaça à cinq reprises d'abdiquer tout en faisant pression sur Disraeli pour qu'il agisse contre la Russie pendant la guerre russo-turque, mais ses menaces n'eurent aucun impact sur les événements ni sur leur conclusion au Congrès de Berlin. La politique étrangère expansionniste de Disraeli, que Victoria a approuvée, a conduit à des conflits tels que la guerre anglo-zoulou et la deuxième guerre anglo-afghane. "Si nous voulons maintenir notre position de puissance de premier ordre", a-t-elle écrit, "nous devons ... être préparés aux attaques et aux guerres, quelque part ou ailleurs, CONTINUELLEMENT." Victoria considérait l'expansion de l'Empire britannique comme civilisatrice et bénigne, protégeant les peuples autochtones des puissances plus agressives ou des dirigeants cruels : « Il n'est pas dans notre habitude d'annexer des pays », a-t-elle déclaré, « à moins que nous soyons obligés et forcés de le faire. " Au grand désarroi de Victoria, Disraeli perdit les élections générales de 1880 et Gladstone revint au poste de premier ministre. Lorsque Disraeli mourut l'année suivante, elle fut aveuglée par « des larmes qui coulaient rapidement » et érigea une plaque commémorative « placée par sa souveraine et amie reconnaissante, Victoria R.I. » Des années plus tard Le 2 mars 1882, Roderick Maclean, un poète mécontent apparemment offensé par le refus de Victoria d'accepter l'un de ses poèmes, tira sur la reine alors que sa voiture quittait la gare de Windsor. Deux écoliers d'Eton College l'ont frappé avec leurs parapluies, jusqu'à ce qu'il soit chassé par un policier. Victoria a été indignée lorsqu'il a été déclaré non coupable pour cause de folie, mais a été si heureuse des nombreuses expressions de loyauté après l'attaque qu'elle a déclaré que "ça valait la peine de se faire tirer dessus - pour voir à quel point on est aimé". Le 17 mars 1883, elle tomba dans des escaliers à Windsor, ce qui la laissa boiteuse jusqu'en juillet ; elle ne s'est jamais complètement rétablie et a ensuite souffert de rhumatismes. Brown est décédée 10 jours après son accident et, à la consternation de son secrétaire particulier, Sir Henry Ponsonby, Victoria a commencé à travailler sur une biographie élogieuse de Brown. Ponsonby et Randall Davidson, doyen de Windsor, qui avaient tous deux vu les premières ébauches, ont déconseillé à Victoria de les publier, au motif que cela alimenterait les rumeurs d'une histoire d'amour. Le manuscrit a été détruit. Au début de 1884, Victoria publia More Leaves from a Journal of a Life in the Highlands, une suite de son livre précédent, qu'elle dédia à son « assistant personnel dévoué et fidèle ami John Brown ». Le lendemain du premier anniversaire de la mort de Brown, Victoria fut informée par télégramme que son plus jeune fils, Léopold, était décédé à Cannes. Il était « le plus cher de mes chers fils », déplorait-elle. Le mois suivant, la plus jeune enfant de Victoria, Béatrice, rencontra et tomba amoureuse du prince Henri de Battenberg lors du mariage de la petite-fille de Victoria, la princesse Victoria de Hesse et de Rhin, avec le frère de Henry, le prince Louis de Battenberg. Béatrice et Henry envisageaient de se marier, mais Victoria s'est d'abord opposée au mariage.

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Dans la mythologie grecque, qui était la première épouse d'Égée ?

Méta

La mythologie grecque est l'ensemble des mythes et des enseignements appartenant aux Grecs de l'Antiquité, concernant leurs dieux et héros, la nature du monde, ainsi que les origines et la signification de leurs propres cultes et pratiques rituelles. Cela faisait partie de la religion de la Grèce antique. Les érudits modernes se réfèrent et étudient les mythes dans le but de faire la lumière sur les institutions religieuses et politiques de la Grèce antique et de sa civilisation, et de comprendre la nature même de la création des mythes. La mythologie grecque est explicitement incarnée dans une vaste collection de récits et implicitement dans les arts figuratifs grecs, tels que les peintures sur vases et les cadeaux votifs. Le mythe grec tente d'expliquer les origines du monde et détaille la vie et les aventures d'une grande variété de dieux, déesses, héros, héroïnes et créatures mythologiques. Ces récits furent initialement diffusés dans une tradition orale-poétique ; aujourd'hui, les mythes grecs sont principalement connus de la littérature grecque. Les sources littéraires grecques les plus anciennes connues, les poèmes épiques d'Homère, l'Iliade et l'Odyssée, se concentrent sur la guerre de Troie et ses conséquences. Deux poèmes d'Hésiode, proche contemporain d'Homère, la Théogonie et les Travaux et Jours, contiennent des récits sur la genèse du monde, la succession des dirigeants divins, la succession des âges humains, l'origine des malheurs humains et l'origine des pratiques sacrificielles. Les mythes sont également préservés dans les hymnes homériques, dans des fragments de poèmes épiques du cycle épique, dans des poèmes lyriques, dans les œuvres des tragédiens et des comédiens du Ve siècle avant JC, dans les écrits des savants et des poètes de l'époque hellénistique, et dans des textes de l'époque de l'Empire romain d'écrivains tels que Plutarque et Pausanias. Les découvertes archéologiques constituent une source principale de détails sur la mythologie grecque, les dieux et les héros figurant en bonne place dans la décoration de nombreux artefacts. Les dessins géométriques sur les poteries du VIIIe siècle avant JC représentent des scènes du cycle troyen ainsi que les aventures d'Héraclès. Dans les périodes archaïque, classique et hellénistique suivantes, des scènes homériques et diverses autres scènes mythologiques apparaissent, complétant les preuves littéraires existantes. La mythologie grecque a eu une grande influence sur la culture, les arts et la littérature de la civilisation occidentale et fait toujours partie du patrimoine et de la langue occidentale. Les poètes et les artistes de l’Antiquité jusqu’à nos jours se sont inspirés de la mythologie grecque et ont découvert l’importance et la pertinence contemporaines des thèmes. Sources La mythologie grecque est connue aujourd'hui principalement à partir de la littérature grecque et des représentations sur supports visuels datant de la période géométrique de c. 900-800 avant JC. En fait, les sources littéraires et archéologiques s'intègrent, parfois se soutiennent mutuellement et parfois s'opposent ; cependant, dans de nombreux cas, l’existence de ce corpus de données indique clairement que de nombreux éléments de la mythologie grecque ont de fortes racines factuelles et historiques. Sources littéraires La narration mythique joue un rôle important dans presque tous les genres de la littérature grecque. Néanmoins, le seul manuel mythographique général à avoir survécu de l'Antiquité grecque était la Bibliothèque du Pseudo-Apollodore. Cet ouvrage tente de réconcilier les récits contradictoires des poètes et fournit un grand résumé de la mythologie grecque traditionnelle et des légendes héroïques. Apollodore d'Athènes a vécu de c. 180-125 avant JC et a écrit sur plusieurs de ces sujets. Ses écrits ont peut-être constitué la base de la collection ; cependant la « Bibliothèque » discute des événements survenus longtemps après sa mort, d'où le nom de Pseudo-Apollodorus. Parmi les premières sources littéraires figurent les deux poèmes épiques d'Homère, l'Iliade et l'Odyssée. D'autres poètes ont complété le « cycle épique », mais ces poèmes plus récents et de moindre importance sont maintenant presque entièrement perdus. Malgré leur nom traditionnel, les « Hymnes homériques » n'ont aucun lien direct avec Homère. Ce sont des hymnes choraux du début de l’ère dite lyrique. Hésiode, un contemporain possible d'Homère, offre dans sa Théogonie (Origine des Dieux) le récit le plus complet des premiers mythes grecs traitant de la création du monde ; l'origine des dieux, des Titans et des Géants ; ainsi que des généalogies élaborées, des contes populaires et des mythes étiologiques. Les Œuvres et les Jours d'Hésiode, un poème didactique sur la vie agricole, comprend également les mythes de Prométhée, de Pandore et des Cinq Âges. Le poète donne des conseils sur la meilleure façon de réussir dans un monde dangereux, rendu encore plus dangereux par ses dieux. Les poètes lyriques tiraient souvent leurs sujets du mythe, mais leur traitement devenait progressivement moins narratif et plus allusif. Les poètes lyriques grecs, dont Pindare, Bacchylides et Simonides, et les poètes bucoliques tels que Théocrite et Bion, racontent des incidents mythologiques individuels. De plus, le mythe était au cœur du drame athénien classique. Les dramaturges tragiques Eschyle, Sophocle et Euripide ont tiré la plupart de leurs intrigues des mythes de l'âge des héros et de la guerre de Troie. Beaucoup de grandes histoires tragiques (par exemple Agamemnon et ses enfants, Œdipe, Jason, Médée, etc.) ont pris dans ces tragédies leur forme classique. Le dramaturge comique Aristophane a également utilisé des mythes, dans Les Oiseaux et Les Grenouilles. Les historiens Hérodote et Diodore de Sicile, ainsi que les géographes Pausanias et Strabon, qui ont voyagé à travers le monde grec et noté les histoires qu'ils ont entendues, ont fourni de nombreux mythes et légendes locales, donnant souvent des versions alternatives peu connues. Hérodote en particulier, a fouillé les différentes traditions qui lui étaient présentées et a trouvé les racines historiques ou mythologiques de la confrontation entre la Grèce et l'Orient. Hérodote a tenté de concilier les origines et le mélange de concepts culturels différents. La poésie des époques hellénistique et romaine était avant tout composée comme un exercice littéraire plutôt que cultuel. Néanmoins, il contient de nombreux détails importants qui autrement seraient perdus. Cette catégorie comprend les œuvres de : # Les poètes romains Ovide, Statius, Valerius Flaccus, Sénèque et Virgile avec le commentaire de Servius. # Les poètes grecs de l'Antiquité tardive : Nonnus, Antoninus Liberalis et Quintus Smyrnaeus. # Les poètes grecs de la période hellénistique : Apollonius de Rhodes, Callimaque, Pseudo-Eratosthène et Parthénius. Les prosateurs des mêmes périodes qui font référence aux mythes incluent Apulée, Pétrone, Lollianus et Héliodore. Deux autres sources non poétiques importantes sont les Fabulae et Astronomica de l'écrivain romain intitulées Pseudo-Hyginus, les Imagines de Philostrate l'Ancien et de Philostrate le Jeune, et les Descriptions de Callistrate. Enfin, un certain nombre d’écrivains grecs byzantins fournissent des détails importants sur le mythe, largement dérivés d’œuvres grecques antérieures aujourd’hui perdues. Ces conservateurs du mythe comprennent Arnobius, Hesychius, l'auteur de la Suda, John Tzetzes et Eustathius. Ils traitent souvent la mythologie dans une perspective moralisatrice chrétienne. Sources archéologiques La découverte de la civilisation mycénienne par l'archéologue amateur allemand Heinrich Schliemann au XIXe siècle, et la découverte de la civilisation minoenne en Crète par l'archéologue britannique Sir Arthur Evans au XXe siècle, ont contribué à expliquer de nombreuses questions existantes sur les épopées d'Homère et ont fourni des preuves archéologiques de nombreux détails mythologiques sur les dieux et les héros. Malheureusement, les preuves des mythes et des rituels sur les sites mycéniens et minoens sont entièrement monumentales, car l'écriture linéaire B (une forme ancienne du grec trouvée en Crète et en Grèce continentale) était principalement utilisée pour enregistrer des inventaires, bien que certains noms de dieux et de héros ont été provisoirement identifiés. Les dessins géométriques sur les poteries du VIIIe siècle avant JC représentent des scènes du cycle troyen, ainsi que les aventures d'Héraclès. Ces représentations visuelles des mythes sont importantes pour deux raisons. Premièrement, de nombreux mythes grecs sont attestés sur des vases plus tôt que dans les sources littéraires : parmi les douze travaux d'Héraclès, par exemple, seule l'aventure de Cerbère apparaît dans un texte littéraire contemporain. Deuxièmement, les sources visuelles représentent parfois des mythes ou des scènes mythiques qui ne sont attestées dans aucune source littéraire existante. Dans certains cas, la première représentation connue d'un mythe dans l'art géométrique est antérieure de plusieurs siècles à sa première représentation connue dans la poésie archaïque tardive. Dans les périodes archaïque (vers 750-vers 500 avant JC), classique (vers 480-323 avant JC) et hellénistique (323-146 avant JC), des scènes homériques et diverses autres scènes mythologiques apparaissent, complétant les preuves littéraires existantes. Enquête sur l'histoire mythique La mythologie grecque a changé au fil du temps pour s'adapter à l'évolution de leur culture, dont la mythologie, tant ouvertement que dans ses hypothèses tacites, est un indice des changements. Dans les formes littéraires survivantes de la mythologie grecque, que l'on retrouve principalement à la fin des changements progressifs, elle est intrinsèquement politique, comme l'a soutenu Gilbert Cuthbertson. Les premiers habitants de la péninsule balkanique étaient un peuple agricole qui, utilisant l'animisme, attribuait un esprit à chaque aspect de la nature. Finalement, ces esprits vagues ont pris des formes humaines et sont entrés dans la mythologie locale en tant que dieux. Lorsque les tribus du nord de la péninsule balkanique ont envahi le pays, elles ont amené avec elles un nouveau panthéon de dieux, basé sur la conquête, la force, les prouesses au combat et l'héroïsme violent. D’autres dieux plus anciens du monde agricole ont fusionné avec ceux des envahisseurs plus puissants ou sont devenus insignifiants. Après le milieu de la période archaïque, les mythes sur les relations entre les dieux masculins et les héros masculins sont devenus de plus en plus fréquents, indiquant le développement parallèle de la pédérastie pédagogique (erospaidikos, ), qui aurait été introduite vers 630 avant JC. À la fin du Ve siècle avant JC, les poètes avaient attribué au moins un éromène, un adolescent qui était leur compagnon sexuel, à tous les dieux importants à l'exception d'Arès et à de nombreuses figures légendaires. Les mythes antérieurs, comme ceux d'Achille et de Patrocle, étaient également présentés sous un jour pédérastique. Les poètes alexandrins d’abord, puis plus généralement les mythographes littéraires du début de l’Empire romain, réadaptèrent souvent ainsi les histoires de personnages mythologiques grecs. L’accomplissement de la poésie épique a été de créer des cycles d’histoires et, par conséquent, de développer un nouveau sens de la chronologie mythologique. Ainsi, la mythologie grecque se déroule comme une phase du développement du monde et des humains. Bien que les contradictions de ces histoires rendent impossible une chronologie absolue, une chronologie approximative peut être discernée. L'« histoire du monde » mythologique qui en résulte peut être divisée en trois ou quatre périodes plus larges : # Les mythes d'origine ou d'âge des dieux (Théogonies, « naissances des dieux ») : mythes sur les origines du monde, des dieux et du genre humain. # L'époque où les dieux et les mortels se mêlaient librement : histoires des premières interactions entre dieux, demi-dieux et mortels. # L'âge des héros (âge héroïque), où l'activité divine était plus limitée. La dernière et la plus grande des légendes héroïques est l’histoire de la guerre de Troie et après (qui est considérée par certains chercheurs comme une quatrième période distincte). Alors que l'âge des dieux a souvent été d'un plus grand intérêt pour les étudiants contemporains des mythes, les auteurs grecs des époques archaïque et classique avaient une nette préférence pour l'âge des héros, établissant une chronologie et un enregistrement des réalisations humaines après s'être demandé comment le monde est né ont été expliqués. Par exemple, l’Iliade et l’Odyssée héroïques ont éclipsé la Théogonie et les Hymnes homériques à caractère divin en termes de taille et de popularité. Sous l'influence d'Homère, le « culte des héros » conduit à une restructuration de la vie spirituelle, qui s'exprime dans la séparation du royaume des dieux et du royaume des morts (héros), du chthonien de l'Olympien. Dans les Travaux et les Jours, Hésiode utilise un schéma de quatre âges de l'homme (ou races) : l'or, l'argent, le bronze et le fer. Ces races ou âges sont des créations distinctes des dieux, l'âge d'or appartenant au règne de Cronos, les races ultérieures à la création de Zeus. La présence du mal était expliquée par le mythe de Pandore, lorsque tout le meilleur des capacités humaines, à l'exception de l'espoir, s'était répandu de son pot renversé. Dans Métamorphoses, Ovide suit le concept des quatre âges d'Hésiode. Origines du monde et des dieux Les « mythes d'origine » ou « mythes de création » représentent une tentative d'expliquer les débuts de l'univers en langage humain. La version la plus largement acceptée à l'époque, bien qu'il s'agisse d'un récit philosophique du début des choses, est rapportée par Hésiode, dans sa Théogonie. Il commence par le Chaos, un néant béant. Du vide ont émergé Gaia (la Terre) et quelques autres êtres divins primaires : Eros (l'Amour), les Abysses (le Tartare) et l'Erebus. Sans l'aide des hommes, Gaia a donné naissance à Uranus (le Ciel) qui l'a ensuite fécondée. De cette union naquirent d'abord les Titans, six mâles : Coeus, Crius, Cronus, Hyperion, Iapetus et Oceanus ; et six femelles : Mnemosyne, Phoebe, Rhea, Theia, Themis et Tethys. Après la naissance de Cronos, Gaia et Uranus ont décrété qu'aucun Titan ne devait plus naître. Ils furent suivis par les Cyclopes borgnes et les Hécatonchires ou Cent-Mains, qui furent tous deux jetés dans le Tartare par Uranus. Cela rendit Gaia furieuse. Cronos (« le rusé, le plus jeune et le plus terrible des enfants de Gaia ») fut convaincu par Gaia de castrer son père. Il fit cela et devint le dirigeant des Titans avec sa sœur-épouse Rhéa comme épouse, et les autres Titans devinrent sa cour. Un motif de conflit père contre fils s'est répété lorsque Cronos a été confronté à son fils, Zeus. Parce que Cronos avait trahi son père, il craignait que sa progéniture fasse de même, et donc chaque fois que Rhéa accoucheait, il s'emparait de l'enfant et le mangeait. Rhéa détestait cela et le trompa en cachant Zeus et en enveloppant une pierre dans une couverture de bébé, que Cronos mangea. Quand Zeus fut adulte, il donna à Cronos une boisson droguée qui le fit vomir, vomissant les autres enfants de Rhéa et la pierre qui était restée dans l'estomac de Cronos depuis le début. Zeus défia alors Cronos de faire la guerre pour la royauté des dieux. Finalement, avec l'aide des Cyclopes (que Zeus libéra du Tartare), Zeus et ses frères et sœurs furent victorieux, tandis que Cronos et les Titans furent jetés en prison dans le Tartare. Zeus était tourmenté par la même inquiétude et, après une prophétie selon laquelle la progéniture de sa première épouse, Métis, donnerait naissance à un dieu « plus grand que lui », Zeus l'avala. Mais elle était déjà enceinte d'Athéna, et elle sortit de sa tête, adulte et habillée pour la guerre. La première pensée grecque sur la poésie considérait les théogonies comme le genre poétique prototypique – le mythe prototypique – et lui imputait des pouvoirs presque magiques. Orphée, le poète archétype, était également l'archétype du chanteur des théogonies, qu'il utilise pour calmer les mers et les tempêtes dans l'Argonautique d'Apollonios, et pour émouvoir les cœurs de pierre des dieux du monde souterrain lors de sa descente vers l'Hadès. Lorsqu’Hermès invente la lyre dans l’Hymne homérique à Hermès, la première chose qu’il fait est de chanter la naissance des dieux. La Théogonie d'Hésiode est non seulement le récit le plus complet des dieux, mais aussi le récit le plus complet de la fonction du poète archaïque, avec sa longue invocation préliminaire aux Muses. La théogonie a également fait l'objet de nombreux poèmes perdus, y compris ceux attribués à Orphée, Musée, Épiménide, Abaris et d'autres voyants légendaires, qui étaient utilisés dans des purifications rituelles privées et des rites mystérieux. Certains éléments indiquent que Platon connaissait une certaine version de la théogonie orphique. Cependant, on aurait pu s'attendre à un silence sur les rites et croyances religieuses, et cette nature de la culture n'aurait pas été signalée par les membres de la société pendant que ces croyances étaient pratiquées. Une fois qu’ils ont cessé de devenir des croyances religieuses, peu de gens auraient connu ces rites et rituels. Il y avait cependant souvent des allusions à des aspects qui étaient tout à fait publics. Des images existaient sur des poteries et des œuvres d’art religieuses qui étaient interprétées et, plus probablement, mal interprétées dans de nombreux mythes et contes divers. Quelques fragments de ces œuvres survivent dans des citations de philosophes néoplatoniciens et des restes de papyrus récemment découverts. L'un de ces fragments, le Papyrus Derveni, prouve maintenant qu'au moins au cinquième siècle avant JC, un poème théogonique-cosmogonique d'Orphée existait.W. Burkert, Religion grecque, 236* G. Betegh, Le Papyrus Derveni, 147 Les premiers cosmologistes philosophiques ont réagi contre, ou parfois se sont appuyés sur, des conceptions mythiques populaires qui existaient depuis un certain temps dans le monde grec. Certaines de ces conceptions populaires peuvent être tirées de la poésie d’Homère et d’Hésiode. Chez Homère, la Terre était considérée comme un disque plat flottant sur le fleuve Océan et surplombé par un ciel hémisphérique avec le soleil, la lune et les étoiles. Le Soleil (Hélios) traversait les cieux comme un conducteur de char et naviguait autour de la Terre dans un bol doré la nuit. Le soleil, la terre, le ciel, les rivières et les vents pouvaient être abordés dans des prières et appelés à témoigner sous serment. Les fissures naturelles étaient généralement considérées comme les entrées de la maison souterraine d'Hadès et de ses prédécesseurs, la demeure des morts.* K. Algra, The Beginnings of Cosmology, 45. Les influences d'autres cultures ont toujours offert de nouveaux thèmes. Panthéon grec Selon la mythologie de l’époque classique, après le renversement des Titans, le nouveau panthéon des dieux et des déesses fut confirmé. Parmi les principaux dieux grecs figuraient les Olympiens, résidant sur le mont Olympe sous l'œil de Zeus. (La limitation de leur nombre à douze semble avoir été une idée relativement moderne.) Outre les Olympiens, les Grecs adoraient divers dieux de la campagne, le dieu satyre Pan, les Nymphes (esprits des rivières), les Naïades (qui habitaient les sources). ), les Dryades (qui étaient les esprits des arbres), les Néréides (qui habitaient la mer), les dieux des rivières, les Satyres et d'autres. À cela s’ajoutaient les puissances obscures du monde souterrain, comme les Erinyes (ou Furies), censées poursuivre les coupables de crimes contre les membres de la famille. Afin d’honorer le panthéon de la Grèce antique, les poètes ont composé les Hymnes homériques (un groupe de trente-trois chants). Gregory Nagy considère « les plus grands hymnes homériques comme de simples préludes (par rapport à la théogonie), dont chacun invoque un dieu ». Les dieux de la mythologie grecque sont décrits comme ayant des corps essentiellement corporels mais idéaux. Selon Walter Burkert, la caractéristique déterminante de l'anthropomorphisme grec est que « les dieux grecs sont des personnes, et non des abstractions, des idées ou des concepts ». Quelle que soit leur forme sous-jacente, les dieux de la Grèce antique possèdent de nombreuses capacités fantastiques ; Plus important encore, les dieux ne sont pas affectés par la maladie et ne peuvent être blessés que dans des circonstances très inhabituelles. Les Grecs considéraient l’immortalité comme le caractère distinctif de leurs dieux ; cette immortalité, ainsi que cette jeunesse indéfectible, était assurée par l'usage constant du nectar et de l'ambroisie, par lesquels le sang divin se renouvelait dans leurs veines. Chaque dieu descend de sa propre généalogie, poursuit des intérêts différents, possède un certain domaine d'expertise et est gouverné par une personnalité unique ; cependant, ces descriptions résultent d'une multiplicité de variantes locales archaïques, qui ne concordent pas toujours entre elles. Lorsque ces dieux sont invoqués dans la poésie, la prière ou le culte, ils sont désignés par une combinaison de leur nom et d'épithètes, qui les identifient par ces distinctions par rapport à d'autres manifestations d'eux-mêmes (par exemple, Apollon Musagetes est « Apollon, [en tant que] chef des Muses"). Alternativement, l'épithète peut identifier un aspect particulier et localisé du dieu, parfois considéré comme déjà ancien à l'époque classique de la Grèce. La plupart des dieux étaient associés à des aspects spécifiques de la vie. Par exemple, Aphrodite était la déesse de l’amour et de la beauté, Ares était le dieu de la guerre, Hadès le souverain des enfers et Athéna la déesse de la sagesse et du courage. Certains dieux, comme Apollon et Dionysos, révélaient des personnalités complexes et des mélanges de fonctions, tandis que d'autres, comme Hestia (littéralement « foyer ») et Hélios (littéralement « soleil »), n'étaient guère plus que des personnifications. Les temples les plus impressionnants étaient généralement dédiés à un nombre limité de dieux, qui faisaient l'objet de grands cultes panhelléniques. Il était cependant courant que des régions et des villages individuels vouent leurs propres cultes à des dieux mineurs. De nombreuses villes honoraient également les dieux les plus connus avec des rites locaux inhabituels et leur associaient d'étranges mythes inconnus ailleurs. A l'époque héroïque, le culte des héros (ou demi-dieux) complétait celui des dieux. L'ère des dieux et des mortels Entre l’époque où les dieux vivaient seuls et l’époque où l’ingérence divine dans les affaires humaines était limitée, il y avait une époque de transition au cours de laquelle les dieux et les mortels évoluaient ensemble. C’étaient les premiers jours du monde où les groupes se mélangeaient plus librement qu’ils ne le furent plus tard. La plupart de ces contes ont été racontés plus tard par les Métamorphoses d'Ovide et sont souvent divisés en deux groupes thématiques : les contes d'amour et les contes de punition. Les histoires d'amour impliquent souvent l'inceste, ou la séduction ou le viol d'une femme mortelle par un dieu mâle, donnant naissance à une progéniture héroïque. Les histoires suggèrent généralement que les relations entre les dieux et les mortels sont quelque chose à éviter ; même les relations consentantes ont rarement une fin heureuse. Dans quelques cas, une divinité féminine s'accouple avec un homme mortel, comme dans l'hymne homérique à Aphrodite, où la déesse couche avec Anchise pour produire Enée. Le deuxième type (les récits de punition) implique l'appropriation ou l'invention d'un artefact culturel important, comme lorsque Prométhée vole le feu aux dieux, lorsque Tantale vole le nectar et l'ambroisie de la table de Zeus et les donne à ses propres sujets, leur révélant ainsi le secrets des dieux, quand Prométhée ou Lycaon inventent le sacrifice, quand Déméter enseigne l'agriculture et les Mystères à Triptolème, ou quand Marsyas invente l'aulos et se livre à un concours musical avec Apollon. Ian Morris considère les aventures de Prométhée comme « un lieu entre l'histoire des dieux et celle des hommes ». Un fragment de papyrus anonyme, daté du troisième siècle, décrit de manière vivante le châtiment infligé par Dionysos au roi de Thrace, Lycurgue, dont la reconnaissance du nouveau dieu est arrivée trop tard, entraînant d'horribles sanctions qui se sont prolongées jusque dans l'au-delà. L'histoire de l'arrivée de Dionysos pour établir son culte en Thrace a également fait l'objet d'une trilogie eschyléenne. Dans une autre tragédie, Les Bacchantes d'Euripide, le roi de Thèbes, Penthée, est puni par Dionysos, parce qu'il a manqué de respect au dieu et a espionné ses Ménades, les adoratrices du dieu. Dans une autre histoire, basée sur un vieux motif de conte populaire et faisant écho à un thème similaire, Déméter cherchait sa fille, Perséphone, ayant pris la forme d'une vieille femme appelée Doso, et reçut un accueil hospitalier de Celeus, le roi d'Eleusis. en Attique. En cadeau à Celeus, en raison de son hospitalité, Déméter avait prévu de faire de son fils Démophon un dieu, mais elle n'a pas pu terminer le rituel car sa mère Metanira est entrée et a vu son fils dans le feu et a crié de peur, ce qui a irrité Déméter. , qui déplorait que les mortels insensés ne comprennent pas le concept et le rituel. Âge héroïque L’époque dans laquelle vivaient les héros est connue sous le nom d’époque héroïque. La poésie épique et généalogique créait des cycles d'histoires regroupées autour de héros ou d'événements particuliers et établissait les relations familiales entre les héros de différentes histoires ; ils arrangeaient ainsi les histoires en séquence. Selon Ken Dowden, « il y a même un effet de saga : on peut suivre le destin de certaines familles au fil des générations successives ». Après l'essor du culte des héros, dieux et héros constituent la sphère sacrée et sont invoqués ensemble dans les serments et les prières qui leur sont adressées. Burkert note que « la liste des héros, encore une fois contrairement aux dieux, ne reçoit jamais de forme fixe et définitive. Les grands dieux ne naissent plus, mais de nouveaux héros peuvent toujours surgir de l'armée des morts ». Une autre différence importante entre le culte du héros et le culte des dieux est que le héros devient le centre de l’identité du groupe local. Les événements monumentaux d’Héraclès sont considérés comme l’aube de l’ère des héros. À l'âge héroïque sont également attribués trois grands événements : l'expédition argonautique, le cycle thébain et la guerre de Troie. Héraclès et les Héraclides Certains érudits pensent que derrière la mythologie complexe d'Héraclès se cachait probablement un homme réel, peut-être un chef vassal du royaume d'Argos. Certains érudits suggèrent que l'histoire d'Héraclès est une allégorie du passage annuel du soleil à travers les douze constellations du zodiaque. D'autres évoquent des mythes antérieurs provenant d'autres cultures, montrant l'histoire d'Héraclès comme une adaptation locale de mythes de héros déjà bien établis. Traditionnellement, Héraclès était le fils de Zeus et d'Alcmène, petite-fille de Persée. Ses fantastiques exploits solitaires, avec leurs nombreux thèmes de contes populaires, ont fourni beaucoup de matière à la légende populaire. Selon Burkert, « il est dépeint comme un sacrificateur, mentionné comme fondateur d'autels, et imaginé lui-même comme un mangeur vorace ; c'est dans ce rôle qu'il apparaît dans la comédie, tandis que sa fin tragique a fourni beaucoup de matière à la tragédie — Héraclès est considéré par Thalia Papadopoulou comme « une pièce de grande importance dans l'examen d'autres drames euripidiens ». Dans l'art et la littérature, Héraclès était représenté comme un homme extrêmement fort de taille modérée ; son arme caractéristique était l'arc mais souvent aussi la massue. la popularité sans précédent d'Héraclès, son combat avec le lion étant représenté plusieurs centaines de fois. Héraclès est également entré dans la mythologie et le culte étrusques et romains, et l'exclamation « mehercule » est devenue aussi familière aux Romains que « Hérakleis » l'était aux Grecs. En Italie, il était vénéré comme le dieu des marchands et des commerçants, bien que d'autres le priaient également pour ses dons caractéristiques de bonne chance ou de sauvetage du danger. Héraclès a atteint le plus haut prestige social grâce à sa nomination comme ancêtre officiel des rois doriens. Cela a probablement servi de légitimation aux migrations doriennes vers le Péloponnèse. Hyllus, le héros éponyme d'un phyle dorien, devint le fils d'Héraclès et l'un des Héraclès ou Héraclides (les nombreux descendants d'Héraclès, en particulier les descendants d'Hyllus - d'autres Héraclés comprenaient Macaria, Lamos, Manto, Bianor, Tlepolemus et Telephus. ). Ces Héraclides ont conquis les royaumes du Péloponnèse de Mycènes, Sparte et Argos, revendiquant, selon la légende, le droit de les gouverner par l'intermédiaire de leur ancêtre. Leur ascension vers la domination est souvent appelée « l'invasion dorienne ». Les rois lydiens et plus tard macédoniens, en tant que dirigeants du même rang, devinrent également des Heracleidae. D'autres membres de cette première génération de héros, tels que Persée, Deucalion, Thésée et Bellérophon, ont de nombreux traits communs avec Héraclès. Comme lui, leurs exploits sont solitaires, fantastiques et confinent au conte de fées, puisqu'ils tuent des monstres comme la Chimère et la Méduse. Les aventures de Bellérophon sont de type banal, semblables aux aventures d'Héraclès et de Thésée. Envoyer un héros à sa mort présumée est également un thème récurrent de cette première tradition héroïque, utilisée dans les cas de Persée et de Bellérophon. Argonautes La seule épopée hellénistique survivante, l'Argonautique d'Apollonios de Rhodes (poète épique, érudit et directeur de la Bibliothèque d'Alexandrie) raconte le mythe du voyage de Jason et des Argonautes pour récupérer la Toison d'or du pays mythique de Colchide. Dans l'Argonautica, Jason est poussé dans sa quête par le roi Pélias, qui reçoit une prophétie selon laquelle un homme avec une seule sandale serait son ennemi juré. Jason perd une sandale dans une rivière, arrive à la cour de Pélias, et l'épopée se déclenche. Presque tous les membres de la génération suivante de héros, ainsi qu'Héraclès, accompagnèrent Jason à bord du navire Argo pour récupérer la Toison d'Or. Cette génération comprenait également Thésée, qui se rendit en Crète pour tuer le Minotaure ; Atalante, l'héroïne féminine, et Méléagre, qui avait autrefois son propre cycle épique pour rivaliser avec l'Iliade et l'Odyssée. Pindare, Apollonius et la Bibliotheca s'efforcent de donner des listes complètes des Argonautes. Bien qu'Apollonius ait écrit son poème au IIIe siècle avant JC, la composition de l'histoire des Argonautes est antérieure à l'Odyssée, ce qui montre une familiarité avec les exploits de Jason (l'errance d'Ulysse peut en avoir été en partie fondée). Dans les temps anciens, l’expédition était considérée comme un fait historique, un incident dans l’ouverture de la mer Noire au commerce et à la colonisation grecque. Il était également extrêmement populaire, formant un cycle auquel se rattachaient de nombreuses légendes locales. L’histoire de Médée, en particulier, a captivé l’imagination des poètes tragiques. Maison d'Atrée et cycle thébain Entre l’Argo et la guerre de Troie, il y avait une génération connue principalement pour ses crimes horribles. Cela inclut les actions d'Atreus et de Thyeste à Argos. Derrière le mythe de la maison d'Atrée (une des deux principales dynasties héroïques avec la maison de Labdacus) se cache le problème de la dévolution du pouvoir et du mode d'accession à la souveraineté. Les jumeaux Atrée et Thyeste et leurs descendants ont joué le rôle principal dans la tragédie de la passation du pouvoir à Mycènes. Le cycle thébain traite des événements associés notamment à Cadmus, le fondateur de la ville, et plus tard aux actions de Laïos et d'Œdipe à Thèbes ; une série d'histoires qui mènent au pillage éventuel de cette ville par les Sept contre Thèbes et Epigoni. (On ne sait pas si les Sept contre Thèbes figuraient dans les premières épopées.) En ce qui concerne Œdipe, les premiers récits épiques semblent le faire continuer à régner à Thèbes après la révélation que Iokaste était sa mère, et épouser par la suite une seconde épouse. qui devient la mère de ses enfants - ce qui est très différent du conte que nous connaissons à travers la tragédie (par exemple Œdipe le roi de Sophocle) et les récits mythologiques ultérieurs. Guerre de Troie et conséquences La mythologie grecque culmine avec la guerre de Troie, menée entre la Grèce et Troie, et ses conséquences. Dans les œuvres d'Homère, comme l'Iliade, les récits principaux ont déjà pris forme et substance, et des thèmes individuels ont été élaborés plus tard, notamment dans le drame grec. La guerre de Troie a également suscité un grand intérêt dans la culture romaine en raison de l'histoire d'Énée, un héros troyen dont le voyage depuis Troie a conduit à la fondation de la ville qui allait devenir un jour Rome, comme le raconte l'Énéide de Virgile (Livre II de l'Énéide de Virgile). contient le récit le plus connu du sac de Troie). Il existe enfin deux pseudo-chroniques écrites en latin qui passaient sous les noms de Dictys Cretensis et Dares Phrygius. Le cycle de la guerre de Troie, recueil de poèmes épiques, commence par les événements qui ont précédé la guerre : Éris et la pomme d'or de Kallisti, le jugement de Pâris, l'enlèvement d'Hélène, le sacrifice d'Iphigénie à Aulis. Pour récupérer Hélène, les Grecs lancèrent une grande expédition sous le commandement général du frère de Ménélas, Agamemnon, roi d'Argos ou Mycènes, mais les Troyens refusèrent de restituer Hélène. L'Iliade, qui se déroule la dixième année de la guerre, raconte la querelle entre Agamemnon et Achille, qui était le meilleur guerrier grec, et la mort qui en résulta au combat du camarade bien-aimé d'Achille, Patrocle, et du fils aîné de Priam, Hector. Après la mort d'Hector, les Troyens furent rejoints par deux alliés exotiques, Penthésilée, reine des Amazones, et Memnon, roi des Éthiopiens et fils de la déesse de l'aube Eos. Achille les tua tous les deux, mais Pâris réussit ensuite à tuer Achille d'une flèche dans le talon. Le talon d'Achille était la seule partie de son corps qui n'était pas invulnérable aux dommages causés par les armes humaines. Avant de pouvoir prendre Troie, les Grecs durent voler dans la citadelle l'image en bois de Pallas Athéna (le Palladium). Finalement, avec l'aide d'Athéna, ils construisirent le cheval de Troie. Malgré les avertissements de Cassandra, la fille de Priam, les Troyens furent persuadés par Sinon, un Grec qui feignait la désertion, d'emmener le cheval à l'intérieur des murs de Troie en offrande à Athéna ; le prêtre Laocoon, qui tentait de faire détruire le cheval, fut tué par des serpents de mer. La nuit, la flotte grecque revint et les Grecs à cheval ouvrirent les portes de Troie. Dans le pillage total qui suivit, Priam et ses fils restants furent massacrés ; les femmes troyennes passèrent en esclavage dans diverses villes de Grèce. Les voyages aventureux des dirigeants grecs (y compris les pérégrinations d'Ulysse et d'Énée (l'Énéide) et le meurtre d'Agamemnon) ont été racontés dans deux épopées, les Retours (le Nostoi perdu) et l'Odyssée d'Homère. Le cycle troyen comprend également les aventures des enfants de la génération troyenne (par exemple Oreste et Télémaque). La guerre de Troie a fourni une variété de thèmes et est devenue une source d'inspiration principale pour

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De quelle race de chien est Marley dans le film « Marley and Me » de 2008 ?

Labrador Retriever

Les races de chiens sont des chiens qui possèdent des caractéristiques physiques relativement uniformes développées dans des conditions contrôlées par l'homme, avec des animaux reproducteurs sélectionnés pour des traits phénotypiques tels que la taille, la couleur du pelage, la structure et le comportement. La Fédération Cynologique Internationale reconnaît plus de 400 races de chiens pures. D'autres utilisations du terme race en référence aux chiens peuvent inclure les races pures, les races croisées, les races mixtes et les races naturelles. Histoire L'archéologie a révélé des restes de chiens de différentes tailles, mais il ne semble pas y avoir eu de races distinctes jusqu'à il y a 3 000 à 4 000 ans, lorsque des chiens de type lévrier étaient représentés sur des poteries et des peintures en Égypte et en Asie occidentale. Des chiens de type Mastiff étaient élevés pour la garde et la chasse, et des chiens à pattes courtes étaient également élevés. À l’époque romaine, la plupart des types de races connus aujourd’hui étaient bien définis et leurs qualités et fonctions enregistrées. Les races de chiens ont proliféré en Europe au Moyen Âge il y a 700 ans. La plupart des races de chiens modernes sont le produit des pratiques d'élevage contrôlées de l'époque victorienne (1830-1900) et de la documentation précise des pedigrees avec la création de l'English Kennel Club en 1873, à l'imitation d'autres registres de livres généalogiques pour les bovins et les chevaux. Pour les premières représentations de chiens dans l'art, voir l'histoire ancienne. Preuve génétique des races Races de chiens anciennes L'ancienne race de chiens était un terme autrefois utilisé pour un groupe de races de chiens par l'American Kennel Club, mais ce n'est plus le cas. Ces races étaient appelées « races anciennes », par opposition aux races modernes, car historiquement, on pensait qu'elles avaient des origines remontant à plus de 500 ans. En 2004, une étude a examiné les microsatellites de 414 chiens de race pure représentant 85 races. L'étude a révélé que les races de chiens étaient si distinctes génétiquement que 99 % des chiens individuels pouvaient être correctement attribués à leur race en fonction de leur génotype, ce qui indique que les barrières de reproduction (élevage de race pure) ont conduit à des unités génétiques distinctes. L'étude a identifié 9 races qui pourraient être représentées sur les branches d'un arbre phylogénétique, regroupées avec un fort support statistique et pouvant être séparées des autres races d'origine européenne moderne. Ces 9 races étaient qualifiées de « races anciennes », par opposition aux races modernes. L'étude a révélé que le Chien du Pharaon et le Chien d'Ibiza n'étaient pas aussi vieux qu'on le croyait mais avaient été recréés à partir de combinaisons d'autres races, et que le Chien d'élan norvégien regroupait les autres chiens européens malgré les rapports d'origines scandinaves directes remontant à 5 000 ans. Types de chiens Voir plus loin : Type de chien La propagation des races de chiens modernes a été difficile à résoudre car nombre d’entre elles sont le produit des pratiques d’élevage contrôlées de l’ère victorienne (1830-1900). En 2010, une étude a examiné 48 000 polymorphismes mononucléotidiques couvrant l'ensemble du génome de 912 chiens représentant 85 races. L’étude a révélé des groupes génétiques distincts chez les chiens modernes qui correspondaient largement au phénotype ou à la fonction. Ceux-ci comprenaient des races de spitz, des chiens jouets, des épagneuls, des races ressemblant à des Mastiffs, des petits terriers, des retrievers, des chiens de berger, des chiens odorants et des chiens de chasse. Il y avait 17 races en conflit avec le phénotype ou la fonction et on pensait que ceux-ci étaient le résultat du croisement avec certains des autres phénotypes. Comme dans une étude de 2004 qui a révélé que 9 « races anciennes » étaient génétiquement divergentes, l'étude a trouvé 13 races génétiquement divergentes des races modernes : le Basenji, le Saluki, le lévrier afghan, le Samoyède, le chien de Canaan, le chien chanteur de Nouvelle-Guinée, le dingo. , Chow Chow, Shar Pei chinois, Akita, malamute d'Alaska, husky sibérien et chien esquimau américain. Les résultats ont également indiqué que les Basenji avaient récemment été mélangés avec des loups du Moyen-Orient. L’étude a révélé qu’il existait trois groupes bien soutenus, très divergents et distincts des chiens domestiques modernes. Les trois groupes étaient *un groupe asiatique (Dingo, chien chanteur de Nouvelle-Guinée, chow chow, Akita et Shar Pei) qui a montré un mélange passé avec les loups chinois, *un groupe du Moyen-Orient (chien afghan et Saluki), et *un groupe nordique (Malamute d'Alaska et Husky de Sibérie). Races basales En 2012, une étude a examiné 49 000 polymorphismes mononucléotidiques couvrant l'ensemble du génome de 1 375 chiens représentant 35 races, 19 loups et des signatures génétiques publiées précédemment d'autres races, soit un total de 121 races couvertes. L'étude a révélé une profonde fracture génétique entre les loups de l'ancien monde et du nouveau monde et a confirmé la divergence génétique de 13 races d'une étude de 2010 plus 3 autres : l'Eurasier, le Spitz finlandais et le Shiba Inu. L'étude a qualifié ces 16 races de races basales, par opposition aux races anciennes, car elles présentaient une divergence génétique, mais toutes n'étaient pas historiquement considérées comme des « races anciennes ». L’étude a révélé que les races modernes n’ont émergé qu’au 19ème siècle et que les affirmations quant à leur antiquité reposent sur peu ou pas de preuves historiques ou empiriques. L'étude a indiqué qu'au cours de l'histoire, les populations canines mondiales ont connu de nombreux épisodes de diversification et d'homogénéisation, chaque cycle réduisant encore davantage la puissance des données génétiques dérivées des races modernes pour aider à déduire leur histoire ancienne. Parmi les races basales, l'Esquimau américain et l'Eurasier étaient le produit très récent d'un croisement avec d'autres races basales. La plupart des races basales se sont hybridées avec d'autres lignées dans le passé, et si ces autres lignées étaient d'autres races basales, une signature génétique basale demeure. La combinaison de l'introgression et des goulots d'étranglement des populations passées suggère que les races basales ont peu ou pas de liens génétiques avec leurs populations ancestrales et que leur particularité génétique ne signifie pas un héritage ancien. Elles se distinguent des races modernes car le patrimoine génétique des races modernes est devenu flou en raison du mélange, et les races basales ont pour la plupart évité le mélange avec elles en raison de barrières géographiques ou culturelles. Recherche médicale Comme les chiens sont une sous-espèce mais que leurs races sont des unités génétiques distinctes, et comme seules certaines races partagent le même type de cancer que les humains, les différences entre les gènes des différentes races peuvent être utiles dans la recherche médicale humaine. Races Races pures Clubs canins Les groupes de propriétaires qui possèdent des chiens de la même race et qui s'intéressent à l'élevage de chiens peuvent former des clubs canins nationaux. Les clubs canins maintiennent les normes de race, enregistrent les pedigrees dans un registre des races (ou stud-book) et publient les règles pour les expositions et les essais canins de conformation et l'accréditation des juges. Ils servent souvent de registres, qui sont des listes de chiens adultes de race pure et des listes de portées de chiots nés de parents de race pure. Une race de chien est représentée par un nombre suffisant d’individus pour transmettre de manière stable ses caractéristiques spécifiques au fil des générations. Les chiens de la même race ont des caractéristiques d’apparence et de comportement similaires, principalement parce qu’ils proviennent d’un ensemble sélectionné d’ancêtres qui avaient les mêmes caractéristiques. Les chiens d'une race spécifique se reproduisent fidèlement, produisant des petits très semblables à leurs parents. Un chien individuel est identifié comme membre d'une race grâce à une preuve d'ascendance, à l'aide d'une analyse génétique ou de documents écrits d'ascendance. Sans une telle preuve, l’identification d’une race spécifique n’est pas fiable. Ces registres, appelés livres généalogiques, peuvent être tenus par des individus, des clubs ou d'autres organisations. Les clubs canins assurent la reconnaissance de races de chiens distinctes, mais il existe de nombreux clubs indépendants avec des normes différentes, parfois incohérentes, et ils n'ont pas besoin d'appliquer de normes scientifiques. Quatre variétés de Berger Belge sont reconnues comme quatre races distinctes par le New Zealand Kennel Club. En outre, certains groupes de chiens qui partagent clairement un ensemble persistant de caractéristiques et une descendance documentée à partir d'un stock de base connu peuvent toujours ne pas être reconnus comme des races par certains clubs. Par exemple, le feist est un chien de chasse élevé dans le sud des États-Unis pour chasser le petit gibier. Les Feists ont un ensemble cohérent de caractéristiques qui les différencient de manière fiable des autres types et races de chiens. Cependant, le United Kennel Club reconnaît une race de feist, le Treeing Feist, tandis que l'American Kennel Club ne reconnaît aucune race de feist. Un chien est dit de race pure si ses parents étaient de race pure et si le chien répond aux standards de la race. Les éleveurs de chiens de race pure d'aujourd'hui « ont hérité d'un paradigme d'élevage qui est, à tout le moins, un peu anachronique à la lumière des connaissances génétiques modernes, et qui est né d'une interprétation erronée assez flagrante de Darwin et d'un enthousiasme pour les théories sociales qui ont longtemps existé ». été discrédité comme étant scientifiquement insupportable et moralement discutable. » Les politiques moralement discutables concernant la pureté de la race incluent des procédures chirurgicales obligatoires pour stériliser ou stériliser les animaux dans de nombreux contextes. L'American Kennel Club, par exemple, autorise la présentation de chiens de race mixte, mais exige que ces animaux soient modifiés. Il n'impose pas de telles exigences pour les chiens de race pure. La California Assembly Act AB 1634 était un projet de loi introduit en 2007 qui exigerait que tous les chiens de race mixte qui ne travaillent pas et âgés de plus de 6 mois soient castrés ou stérilisés. Le projet de loi était moralement controversé, ce qui a conduit l'American Kennel Club à le combattre. Le ministère canadien de l'Agriculture a des normes strictes pour la documentation de ce qu'il appelle les « races émergentes ». Normes de race Le standard de race pour chaque race de chien est distinct, donnant une « image verbale » détaillée de l’apparence et du comportement d’un chien idéalisé de cette race. La description du standard de race comprend des aspects d'apparence et de comportement observables de l'extérieur qui sont considérés par le club de race comme étant les plus importants pour la race, ainsi que des détails d'apparence ou de tempérament observables de l'extérieur qui sont considérés par le club de race comme inacceptables (appelés défauts). De plus, la plupart des standards de race comprennent une section historique décrivant le lieu d'origine et le travail original effectué par la race ou ses types d'ancêtres. Registres majeurs Les chiens avec un standard de race peuvent être acceptés dans un ou plusieurs des principaux registres (clubs canins) de races de chiens, notamment la Fédération Cynologique Internationale (couvrant 84 pays), le Kennel Club (Royaume-Uni), le Canadian Kennel Club, l'American Kennel Club. , le United Kennel Clubs International, l'Australian National Kennel Council, le New Zealand Kennel Club et d'autres registres nationaux. Le registre place la race dans la catégorie appropriée, appelée groupe. Certains groupes peuvent être subdivisés par certains registres. Problèmes de santé Les chiens de race pure ont plus de problèmes de santé que les chiens bâtards, nécessitent plus de visites chez le vétérinaire et ont tendance à avoir une longévité plus faible. En effet, des études ont fait état d’une durée de vie plus courte, comprise entre 1,2 et presque deux ans. Liste des races pures La Fédération Cynologique Internationale reconnaît plus de 400 races de chiens. Référez-vous : Liste des races de chiens Croisements Un croisement de chiens est le résultat de l’accouplement de deux races différentes. Races mixtes Une race mixte est le résultat de l’accouplement de différentes races. Un métis, un cabot ou un bâtard est un chien qui n'est pas le résultat d'une sélection artificielle. Races naturelles Les races naturelles sont apparues au fil du temps en réponse à un environnement particulier et en isolement des autres populations de l'espèce. Cet environnement comprenait des humains mais avec peu ou pas de reproduction sélective par les humains. Voir plus loin : Races locales Groupes de chiens confondus avec des races Les types de chiens sont de grandes catégories de chiens basées sur leur forme, leur fonction ou leur style de travail, leur lignée ou leur apparence. En revanche, les races de chiens modernes sont des standards de race particuliers, partageant un ensemble commun de caractéristiques héréditaires, déterminées par le club canin qui reconnaît la race. Les exemples incluent les chiens de chasse et autres chiens d'élevage de Nouvelle-Zélande, les chiens fougueux du sud des États-Unis et les chiens de berger de Patagonie d'Argentine, qui sont des colleys mélangés à d'autres chiens de travail. Liste Images Fichier:Kangal2ausschnitt.jpg|Chien de berger d'Anatolie Fichier:Ch-Catahoula_002.jpg|Chien léopard Catahoula Fichier:CH Chesapeake.jpg|Chesapeake Bay Retriever Fichier : Pomeranian.jpg|Poméranie (variété inconnue) Fichier:Curly Coated Retriever.jpg|Curly-Coated Retriever Fichier:Flat Coated Retriever - black.jpg|Flat-coated Retriever Fichier:Berger allemand en montagne.jpg|Berger allemand Fichier:Golden Retriever debout Tucker.jpg|Golden Retriever Fichier:YellowLabradorLooking new.jpg|Labrador Retriever Fichier : Trois Retrievers à poil bouclé de Murray River.jpg | Retriever à poil bouclé de Murray River Fichier : Chien de race locale vu en Inde. Celui-ci est probablement une race mixte. JPG | Race de chien locale vue en Inde. Ils ont une apparence similaire à la race paria indienne. Fichier:Tollers.jpg|Retriever de la Nouvelle-Écosse Duck Tolling Fichier:Vieux chien de berger anglais Ch Bobbyclown's Dare for More.jpg|Vieux chien de berger anglais Fichier:Berger-des-Pyrénées Ellea 800x600.jpg|Berger des Pyrénées Fichier:Rafeiro male.jpg|Rafeiro Do Alentejo Fichier:Stbernardinsnow.jpg|Saint Bernard Fichier:Grand Bouvier Suisse - Femelle Adulte.jpg|Grand Bouvier Suisse Fichier : Blackroll mit Labrador (22717564364).jpg|thumb|Black Labrador

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La Paz est la capitale administrative de quel pays d'Amérique du Sud ?

Bolivie

Nuestra Señora de La Paz (; ), communément connue sous le nom de La Paz (; ), nommée Chuqi Yapu (Chuquiago) en Aymara, est la troisième ville la plus peuplée de Bolivie et la capitale du Département de la paix. Il est situé à l’ouest de la Bolivie, à une altitude d’environ 3 650 m au-dessus du niveau de la mer. La Paz a un climat subtropical d'altitude en raison de sa haute altitude. C'est de facto la plus haute capitale administrative du monde. Alors que la capitale officielle de la Bolivie (et son siège de la justice) est Sucre, La Paz compte davantage de départements gouvernementaux. En mai 2015, La Paz a été officiellement reconnue comme l'une des New7Wonders Cities avec Vigan, Doha, Durban, La Havane, Beyrouth et Kuala Lumpur. La ville est située dans un bol entouré des hautes montagnes de l'altiplano. Au fur et à mesure de sa croissance, la ville de La Paz a gravi les collines, ce qui a donné lieu à des altitudes variables de 3 200 à 3 000 m. Surplombant la ville se trouve l'Illimani, un imposant triple sommet, toujours couvert de neige et visible depuis de nombreuses parties de la ville, y compris depuis la ville voisine d'El Alto. Au recensement de 2008, la ville comptait 877 363 habitants. La zone métropolitaine de La Paz, formée par les villes de La Paz, El Alto et Viacha, constitue la zone urbaine la plus peuplée de Bolivie, avec une population de 2,3 millions d'habitants et dépassant la zone métropolitaine de Santa Cruz de la Sierra. Histoire Bien que les conquistadors espagnols soient entrés dans la région en 1535, La Paz n'a été fondée qu'en 1548. À l'origine, elle devait se situer sur le site de la colonie amérindienne de Laja, le nom complet de la ville étant Nuestra Señora de La Paz (qui signifie Notre Dame de la Paix). Le nom commémorait le rétablissement de la paix après l'insurrection de Gonzalo Pizarro et de ses conquistadors quatre ans plus tôt contre Blasco Núñez Vela, premier vice-roi du Pérou. Le site urbain a été déplacé quelques jours plus tard vers son emplacement actuel, dans la vallée de Chuquiago, plus clémente. Le contrôle des anciennes terres incas avait été confié à Pedro de la Gasca par le roi espagnol (et empereur du Saint-Empire) Charles Quint. Gasca ordonna à Alonso de Mendoza de fonder une nouvelle ville commémorant la fin des guerres civiles au Pérou ; la ville de La Paz a été fondée le 20 octobre 1548 par Alonzo de Mendoza avec Juan de Vargas comme premier maire. En 1549, Juan Gutierrez Paniagua reçut l'ordre de concevoir un plan urbain qui désignerait des sites pour des espaces publics, des places, des bâtiments officiels et une cathédrale. La Plaza de los Españoles, connue aujourd'hui sous le nom de Plaza Murillo, a été choisie pour accueillir les bâtiments gouvernementaux ainsi que la cathédrale métropolitaine. L'Espagne contrôlait La Paz avec une emprise ferme et le roi espagnol avait le dernier mot dans toutes les questions politiques. En 1781, pendant six mois au total, un groupe d’Aymaras assiégea La Paz. Sous la direction de Tupac Katari, ils ont détruit des églises et des biens gouvernementaux. Trente ans plus tard, les Indiens assiègent La Paz pendant deux mois – où et quand se déroule la légende des Ekeko. En 1809, la lutte pour l'indépendance face à la domination espagnole provoqua des soulèvements contre les forces royalistes. Le 16 juillet 1809, Pedro Domingo Murillo a déclaré que la révolution bolivienne allumait une lampe que personne ne pourrait éteindre. Cela marqua officiellement le début de la libération de l’Amérique du Sud de l’Espagne. À La Paz, en même temps que dans la ville de Sucre, eut lieu la première révolution contre la couronne espagnole le 16 juillet 1809. Cet événement est connu sous le nom de Primer Grito Libertario de América. Pedro Domingo Murillo a été pendu sur la Plaza de los Españoles cette nuit-là, mais son nom restera éternellement gravé dans le nom de la place, et il restera dans les mémoires comme la voix de la révolution à travers l'Amérique du Sud. En 1825, après la victoire décisive des républicains à Ayacucho sur l'armée espagnole au cours des guerres d'indépendance hispano-américaines, le nom complet de la ville fut changé en La Paz de Ayacucho (qui signifie La Paix d'Ayacucho). En 1898, La Paz est devenue le siège de facto du gouvernement national, Sucre restant la capitale nominale historique et judiciaire. Ce changement reflète le déplacement de l'économie bolivienne des mines d'argent largement épuisées de Potosí vers l'exploitation de l'étain près d'Oruro, et les changements qui en résultent dans la répartition du pouvoir économique et politique entre les diverses élites nationales. Géographie Située à (−16,5, −68,1333), La Paz est construite dans un canyon créé par la rivière Choqueyapu (maintenant en grande partie construite), qui s'étend du nord-ouest au sud-est. L'artère principale de la ville, qui suit à peu près le fleuve, change de nom sur toute sa longueur, mais la section centrale bordée d'arbres qui traverse le centre-ville s'appelle le Prado. La géographie de La Paz (en particulier l'altitude) reflète la société : les quartiers bas de la ville sont plus riches. Alors que de nombreux résidents de la classe moyenne vivent dans des immeubles de grande hauteur à proximité du centre, les maisons des plus riches sont situées dans les quartiers inférieurs au sud-ouest du Prado. Et en regardant depuis le centre, les collines environnantes sont recouvertes de maisons en briques de fortune construites par les moins fortunés économiquement. La ville satellite d'El Alto, dans laquelle se trouve l'aéroport, s'étend sur une vaste zone à l'ouest du canyon, sur l'Altiplano. La Paz est réputée pour ses marchés uniques, sa topographie très inhabituelle et sa culture traditionnelle. La Paz est située dans les vallées des Andes et est plus proche de la partie orientale de la région de l'Altiplano. Par conséquent, il est plus proche des montagnes célèbres telles que l'Illimani (gardien de La Paz), Huayna Potosi, Mururata et Illampu. Sur le côté ouest de la ligne de partage de l'Altiplano, à environ une heure à l'ouest de La Paz, se trouve le site de la plus haute montagne de Bolivie et la 9ème plus haute montagne des Andes, le volcan Sajama. En juillet 1994, un tremblement de terre d'une magnitude de 8,2 a frappé à seulement 320 km au nord de La Paz. Climat À plus de 4 000 m d'altitude, les parties les plus élevées de La Paz ont un climat subtropical inhabituel (Cwc, selon la classification climatique de Köppen), avec des caractéristiques océaniques subpolaires (moins de 4 mois ont une température moyenne supérieure à 10 °C). La ville entière connaît des étés pluvieux et des hivers secs. Les températures nocturnes varient de froides à très froides. Des averses de neige peuvent survenir en hiver, surtout à l'aube et fondent généralement avant midi. À ces hautes altitudes, bien qu'elle soit située à seulement 16 degrés de l'équateur, la température moyenne de la ville est similaire à celle de villes comme Bergen, en Norvège ou Tórshavn, dans les îles Féroé, situées respectivement à 60 et 62 degrés de l'équateur. Les températures dans le centre de La Paz, à 3 600 m, et dans la Zona Sur (zone sud), à 3 250 m au-dessus du niveau de la mer, sont plus chaudes (climat subtropical d'altitude Cwb, selon la classification de Köppen). En raison de l'altitude de la ville, les températures sont constamment fraîches à douces tout au long de l'année, bien que la variation diurne de la température soit généralement importante. La ville a un climat relativement sec, avec des précipitations se produisant principalement pendant les mois légèrement plus chauds de novembre à mars. À 4 012 mètres, février et mars, les deux mois les plus nuageux de l'année, tous deux à la fin de l'été, bénéficient d'une faible moyenne quotidienne d'environ 5 heures d'ensoleillement. A l'inverse, juin et juillet, les deux mois les plus ensoleillés de l'année, tous deux en hiver, bénéficient d'une moyenne quotidienne abondante d'environ 8 heures d'ensoleillement. La répartition saisonnière inégale des précipitations annuelles entraîne souvent des glissements de terrain destructeurs en été, en raison de la quantité excessive de précipitations généralement observée tout au long de la saison. A 3 250 mètres, le mois le plus humide est janvier avec une moyenne mensuelle de 114 mm et le plus sec est juillet avec 8 mm. La température la plus chaude enregistrée était et la plus froide était . Quartiers et quartiers Principaux quartiers et zones ; San Jorge : Situé dans le quartier connu sous le nom de Cotahuma et près de Sopocachi, c'est l'un des principaux quartiers résidentiels et diplomatiques de la ville. San Jorge est l'un des quartiers les plus exclusifs de La Paz et le centre financier de la métropole, abritant des sociétés internationales comme Deloitte, Bank of America, Ernst & Young, BBVA et le célèbre hôtel Ritz. Elle abrite aujourd'hui le plus haut bâtiment de Bolivie, connu sous le nom de Torre Girasoles, et le seul bâtiment intelligent du pays, connu sous le nom de Torre Azul. Le quartier regorge également de bureaux coûteux, de restaurants renommés, de musées et de librairies. Son Avenue Arce, l'une des rues principales de la ville, est la rue la plus chère du pays et celle qui compte les boutiques les plus huppées de Bolivie. San Jorge abrite les ambassades des États-Unis, du Royaume-Uni, du Brésil, du Japon, de l'Allemagne et de l'Espagne. Les bureaux de la Banque mondiale, de la Banque interaméricaine de développement, de la CAF – Banque de développement d'Amérique latine, du Goethe Institut, de l'Alliance française et de la Société Dante Alighieri sont également situés dans ce quartier moderne. ; Sopocachi : Situé dans le 1er arrondissement (Cotahuma), Sopocachi est probablement l'un des quartiers résidentiels les plus anciens, à 10 minutes du centre de la ville. Malgré l'expansion et le développement du quartier, ce quartier a conservé sa propriété résidentielle. Ces dernières années, il y a eu une importante expansion commerciale, principalement aux alentours de la Place Abaroa, l'une des nombreuses places et parcs de la zone. ; San Pedro : Situé dans le 1er Arrondissement (Cotahuma), sur la rive droite de la rivière Choqueyapu et construit autour de la "Plaza de San Pedro" (nom officiel : Plaza Sucre, Sucre Square), abrite de nombreux commerces, commerces et petites entreprises, en particulier les ateliers d'imprimerie, de pièces de rechange et d'entretien et de réparation automobiles. Le « marché Rodriguez » de San Pedro reste l'un des marchés bourgeois les plus populaires et les plus anciens de la ville. La prison de San Pedro est ici. ; Centro : Le centre-ville de la ville, dans le 7ème arrondissement, comprenant le centre de La Paz et les principales artères de la ville, comme l'avenue Arce, l'avenue du 16 juillet (également connue sous le nom d'« avenue Prado »), l'avenue Mariscal Santa Cruz et l'avenue Camacho — cette dernière étant le siège des principales banques et entreprises du pays. ; Casco Viejo : Situé dans le 7ème arrondissement, est le centre historique et ancien de La Paz. Il abrite aujourd'hui des musées, des hôtels, des magasins et des bâtiments comme celui du maire de La Paz et de la Banque centrale de Bolivie. Dans le vieux quartier se trouve la Plaza Murillo, qui abrite le Palais du Gouvernement et le Congrès National. ; Miraflores : Dans le 7ème Arrondissement, le quartier de Miraflores est séparé du centre-ville par un long tonneau (Parque Urbano Central, « Parc Urbain Central ») et relié par le Pont des Amériques et deux avenues. À l'origine zone résidentielle, sa croissance l'a amenée à devenir un centre de loisirs majeur. Il abrite des universités (dont la faculté de médecine de l'Universidad Mayor de San Andrés), des hôpitaux et l'Estadio Hernando Siles (capacité de 45 000 personnes). ; District Nord : Situé dans les 2ème et 3ème arrondissements, il a une activité industrielle importante (principalement alimentaire), la Cervecería Boliviana Nacional (Brasserie nationale bolivienne) étant la plus importante industrie fondée par les Allemands, et l'une des plus grandes entreprises de la ville du pays. . Il relie La Paz à la ville d'El Alto par l'autoroute. ; Quartier Sud : Dans le 5ème arrondissement ; a moins d'altitude que le reste de La Paz (3 200 à 2 800 mètres). Cette zone abrite certains des quartiers les plus riches et exclusifs de la ville, comme Obrajes, Irpavi, Calacoto, La Florida et Achumani, entre autres. Elle a bénéficié d'une croissance économique régulière et constitue aujourd'hui le deuxième centre commercial et financier de la ville, abritant des entreprises internationales telles que Moody's, Citibank, Aon Corporation, Huawei, Millicom International Cellular, Nissan Motor Corporation représentée par Taiyo Motors, Pan American Silver Corporation. , une succursale de Sumitomo Corporation, Ernst & Young, et le "MegaCenter", le plus grand centre commercial de Bolivie (52 000 m²), Samsung Electronics. Paysage urbain Architecture coloniale La ville de La Paz compte un volume de bâtiments coloniaux en constante diminution, principalement centrés autour de la Plaza Murillo. En raison du manque de fonds et de l’incapacité des propriétaires à financer la restauration des bâtiments coloniaux, nombre d’entre eux ont été démolis ou sont dans un état de délabrement. Comme les bâtiments historiques coûtent plus cher à entretenir, les propriétaires fonciers trouvent moins difficile de construire des bâtiments plus modernes que de conserver les anciens. Même si les projets et les propositions visant à restaurer certains bâtiments coloniaux de la ville se multiplient, l'avenir de ces édifices historiques reste incertain. Économie L'économie de La Paz s'est considérablement améliorée ces dernières années, principalement grâce à l'amélioration de la stabilité politique. En raison de la longue période de forte inflation et de difficultés économiques auxquelles les Boliviens ont été confrontés dans les années 1980 et au début des années 1990, une vaste économie informelle s'est développée. Les marchés qui parsèment la ville en sont la preuve. Bien qu'il existe des marchés stables, presque toutes les rues du centre-ville et des quartiers environnants comptent au moins un vendeur. La Paz reste le principal centre d'entreprises manufacturières qui produisent des produits finis pour le pays, avec environ les deux tiers de l'industrie manufacturière bolivienne située à proximité. Historiquement, l'industrie bolivienne a été dominée par la transformation des minéraux et la préparation des produits agricoles. Cependant, dans le centre urbain de La Paz, de petites usines réalisent une grande partie de l'industrie. De la nourriture, des produits du tabac, des vêtements, divers biens de consommation, des matériaux de construction et des outils agricoles sont produits. « Les cours de l'étain de Londres sont surveillés de près à La Paz comme un indice de la prospérité du pays ; un tiers du revenu national et plus de la moitié du total des douanes en 1925 provenaient de l'étain ; en bref, cet humble mais indispensable Le métal est la plaque tournante autour de laquelle tourne la vie économique de la Bolivie. Les gisements d'étain de la Bolivie, le deuxième au monde, invitent au développement. Des sports La Paz abrite certaines des plus grandes équipes de football de Bolivie. *Le plus fort : Fondé en 1908, le club accueille certains de ses matchs et s'entraîne dans son stade. C'est l'équipe la plus ancienne de Bolivie et celle qui a remporté le plus de tournois au cours du XXe siècle. Il possède son propre stade nommé Rafael Mendoza en hommage à Don Rafael Mendoza, l'un des présidents les plus importants du club. En 1968, un accident d'avion a coûté la vie à presque tous les joueurs, mais Rafael Mendoza a déployé de nombreux efforts qui ont permis à l'équipe de redevenir l'une des plus importantes du pays. *Club Bolivar : Fondé en 1925, nommé en l'honneur du Libertador Simón Bolívar, l'équipe a remporté la plupart des tournois nationaux et internationaux au cours des 20 dernières années. L'année 1964 a été une mauvaise année, et elle a perdu la catégorie, en jouant l'année suivante dans la deuxième catégorie. *La Paz F.C. : Fondé en 1989, le club a rapidement gravi les échelons pour devenir le troisième club majeur de la capitale, juste derrière en popularité par rapport aux deux rivaux bien établis de la ville. La ville accueille plusieurs autres équipes évoluant en première et deuxième division telles que : *Académie de Balompié Boliviano *Toujours prêt *Huile de Chaco *Club du 31 octobre *Deportivo Municipal de La Paz *Fraternité des Tigres *Maréchal Braun *Université de La Paz *Union Maestranza À l'exception du Deportivo Municipal et de l'Unión Maestranza, toutes les autres équipes jouent la majorité de leurs matchs dans le stade de la ville, l'Estadio Hernando Siles, qui accueille également l'équipe nationale de football et des matchs internationaux. Always Ready joue fréquemment à l'Estadio Rafael Mendoza qui appartient à The Strongest, qui utilise rarement le stade en raison de sa capacité relativement petite. Éducation La ville abrite certaines des universités les plus importantes du pays : Tourisme La Paz est un centre culturel important de la Bolivie. La ville abrite plusieurs cathédrales appartenant à l'époque coloniale, comme la cathédrale de San Francisco et la cathédrale métropolitaine, cette dernière située sur la place Murillo, qui abrite également le pouvoir politique et administratif du pays. Des centaines de musées différents se trouvent à travers la ville, les plus remarquables étant la rue Jaén, dont le design des rues a été préservé de l'époque espagnole et abrite 10 musées différents. Le siège du gouvernement bolivien est situé sur la place Murillo et est connu sous le nom de « Palacio Quemado » (Palais brûlé) car il a été incendié à plusieurs reprises. Le palais a été restauré à plusieurs reprises depuis, mais son nom est resté intact. Principales attractions Musées et centres culturels *L'ancienne maison de Pedro Domingo Murillo, martyr de la révolution indépendantiste de 1809, a été conservée et est aujourd'hui un musée. La maison présente une collection de meubles, de textiles et d'art de l'époque coloniale. *Museo Costumbrista : expose des poupées en céramique portant des coutumes traditionnelles qui montrent comment était la vie au début du 19e siècle. Des photos du vieux La Paz sont également exposées. *Museo Nacional de Arqueología (Musée national d'archéologie) : représente une collection d'objets de la culture Tiawanaku. *Museo del Litoral (Musée de la région côtière du Litoral) : expose des objets de la guerre de 1879 au cours de laquelle la Bolivie a perdu sa côte maritime au profit du Chili. *Museo del Oro (Musée de l'or) : représente des œuvres d'avant la Conquête en or, argent et cuivre. *Museo de Etnografía y Folklore (Musée d'Ethnographie et de Folklore) : Situé dans une maison construite à la fin du XVIIIe siècle, il expose les coutumes et l'art de deux groupes ethniques : les Chipayas et les Ayoreos. *Museo del Charango (Musée du Charango) : Situé dans la Calle Linares, le musée présente une importante variété de charangos. D'autres instruments natifs sont également affichés. *Museo de Historia Natural (Musée d'histoire naturelle) : expositions sur la paléontologie, la géologie, la zoologie et les éléments botaniques d'intérêt boliviens. *Casa Museo Marina Nuñez del Prado (Maison-musée Marina Nuñez del Prado) : expose des sculptures sur le thème quechua et aymara de l'artiste bolivienne Marina Nuñez del Prado. *Museo Nacional de Arte (Musée National d'Art) : situé dans la Calle Comercio, dans un ancien palais construit en 1775, expose des œuvres de Melchor Pérez de Holguín et de Marina Nuñez del Prado, entre autres. *Mercado de Brujas (marché des sorcières) : les marchandises vendues ici comprennent des herbes, des remèdes ainsi que d'autres ingrédients utilisés dans les traditions aymara. *Feria de Alasitas : Cette foire est célébrée pendant deux semaines chaque année, à partir du 24 janvier. Le personnage central est un petit dieu de l'abondance connu sous le nom d'Ekeko, qui signifie nain en Aymara. *Centre culturel Musée San Francisco Églises et cathédrales *Cathédrale métropolitaine, construite en 1835 et située à côté du palais présidentiel, sur la place Murillo ; *Église San Francisco, fondée en 1548 et reconstruite en 1784. Autres attractions *Palais présidentiel bolivien, également connu sous le nom de « Palais brûlé ». *Parque Urbano Central (Parc Urbain Central) Fêtes locales * 24 janvier : Alasitas est une foire annuelle où les gens achètent des cadeaux miniatures et louent le dieu de la prospérité, Ekeko. La foire commence chaque 24 janvier et dure un mois. * 2 février : Vierge de Copacabana, (Village de Copacabana) * 1er mai : San José Obrero (V. Nouveau Potosí) * 3 mai : Seigneur de la Sainte Croix (Calvaire, Tacagua, Calacoto) * 13 mai : Vierge de Fatima (Villa Fatima) * 14 mai : San Isidro, Labrador (San Isidro) *17 mai : Seigneur de la Sentence (Villa Harmony) * Mai : Jésus, Seigneur de Grande Puissance (mobile, Grande Puissance) * 13 juin : Saint Antoine de Padoue (St. Anthony) * 24 juin : Saint Jean-Baptiste (Beautiful Valley, Saint-Jean) * 29 juin : Saint Pierre Apôtre (Saint Pierre) * 16 juillet : Virgen del Carmen, patronne des forces armées de Bolivie * 25 juillet : Apôtre Jacques (Munaypata, Pampahasi, Pasankeri, Périphérie, High Delights) * 15 août : Vierge des Montagnes (Urbaine) * 15 août : Vierge de l'Assomption (Villa Victoire) * 8 septembre : Vierge des Neiges (V. Copacabana, M. Murs, La Couverture, Achachicala, Haut Irpavi, Cotahuma, Les Neiges) * 8 septembre : Vierge des Remèdes (Miraflores) * 14 septembre : Seigneur de l'Exaltation (Obrajes, G. de Lima, Bajo Tejar, Vino Tinto) * 24 septembre : Vierge de Miséricorde (Cota Cota) * 7 octobre : Vierge du Rosaire (Le Rosaire) * Novembre : Christ Roi (Pura Pure) * 4 décembre : Santa Barbara (Santa Barbara, Llojeta) * 8 décembre : Virgen de la Concepción (Kupini, Sopocachi, Achumani) Transport Les automobiles et les transports en commun restent les principaux moyens de transport pour se rendre en ville. En mars 2012, plus de 1,5 million de véhicules étaient immatriculés. La circulation est dense dans le centre-ville et les embouteillages se produisent aux heures de pointe. Autoroutes L'autoroute La Paz-El Alto est une route à péage qui relie la ville de La Paz à la ville voisine d'El Alto. C'est l'autoroute principale de la ville. Il permet un accès facile à l'aéroport international d'El Alto. L'autoroute s'étend sur 11,7 km et traverse la ville d'El Alto : * Autopista La Paz-El Alto/RN-3 (autoroute La Paz-El Alto) - Relie La Paz à El Alto. * Autoroute La Paz Oruro/A-1 (autoroute La Paz-Oruro) - Relie La Paz à Oruro, Patacamaya et Caracollo. Elle rejoint ensuite la Route Nacional 1/RN-1 (route nationale 1) en direction du sud vers les villes de Potosí, Camargo et Tarija. Le District Sud est l'un des quartiers les plus riches et les plus commerçants de La Paz. La zone métropolitaine est reliée au reste de la zone métropolitaine. Air L'aéroport international d'El Alto (code IATA : LPB) est l'aéroport national et international de La Paz et une plaque tournante principale pour la Línea Aérea Amaszonas et le Transporte Aéreo Militar. Elle sert également de ville phare pour Boliviana de Aviación, la compagnie aérienne nationale et la plus grande compagnie aérienne de Bolivie. L'aéroport est situé dans la ville d'El Alto et à 13 km au sud-ouest du centre-ville de La Paz. À une altitude de 4 061 m, c'est l'aéroport international le plus haut et le cinquième aéroport commercial le plus haut du monde. La piste a une longueur de 4000 m. C'est l'une des trois principales portes d'entrée internationales de la Bolivie, avec l'aéroport international Jorge Wilstermann et l'aéroport international Viru Viru. Les transporteurs internationaux desservant l'aéroport international d'El Alto comprennent American Airlines, Avianca, Avianca Equateur, LAN Airlines, LAN Perú, Peruvian Airlines et Sky Airline, qui proposent des vols directs de La Paz vers des villes comme Miami, Bogotá, Lima, Iquique, Santiago et Cusco. . Cependant, la plupart du trafic international, y compris les vols vers l'Europe, s'effectue à partir de l'aéroport international Viru Viru de Santa Cruz de la Sierra, situé à une altitude beaucoup plus basse et capable d'accueillir des avions plus gros. Les installations de l'aéroport comprennent des distributeurs automatiques de billets, des cafés et des restaurants, des locations de voitures, des boutiques hors taxes et une connexion Wi-Fi gratuite. De plus, l'aéroport fournit aux voyageurs de l'oxygène pour ceux qui souffrent du mal de l'altitude. Bus La gare routière de La Paz, à l'origine une gare routière et ferroviaire, a été construite par l'architecte français Gustave Eiffel. C'est la principale porte d'entrée des bus interurbains avec plusieurs départs quotidiens vers toutes les principales villes boliviennes et des lignes vers le Chili et le Pérou. La ville est reliée par la route à la ville d'Oruro, d'où partent des routes vers Sucre, Potosí et le sud du pays. Une autre autoroute bifurque avant Oruro pour rejoindre Cochabamba et Santa Cruz. Les routes vers l'ouest mènent à Copacabana et Tiwanaku, près du lac Titicaca, et continuent jusqu'à Cuzco, au Pérou, via la ville frontalière de Desaguadero. Il existe également des routes vers le nord pour se rendre aux Yungas en traversant la cordillère des Andes. Les départs vers les petites villes et villages du département utilisent des gares informelles situées à Villa Fátima (départs vers Los Yungas, Beni et Pando), dans le Haut San Pedro (pour Apolo) et à proximité du Cimetière Général (pour Copacabana, Lac Titicaca ou via Tiwanaku pour Desaguadero à la frontière péruvienne). Système de téléphérique Un système de téléphériques de transport urbain appelé Mi Teleférico (« Mon téléphérique ») a été ouvert en 2014. Actuellement, trois lignes sont en service et six autres lignes sont en phase de planification. Les trois premières lignes ont été construites par la société autrichienne Doppelmayr. Les deux premières lignes (rouge et jaune) relient La Paz à El Alto. Communication et médias * Le service postal est géré par ECOBOL (Entreprise Nationale) dont le siège est à La Paz. Il existe d'autres sociétés proposant des services de messagerie et de logistique de transport au niveau national et international. * La société de télécommunications privée Entel est située dans la ville et fournit des services de téléphonie, Internet, téléphonie mobile, données et voix. La coopérative téléphonique Cotel est responsable de la gestion d'une grande partie de leurs téléphones et propose désormais entre autres des services Internet et la télévision par câble. * Indicatif régional : 2 * Indicatif du pays : 591 * Les principaux quotidiens en circulation sont : Página Siete, La Razon, El Diario, La Prensa, Jornada et El Alteño. D'autres journaux d'importance locale sont : Extra et Gente. Il existe également plusieurs autres publications et magazines hebdomadaires. * Il existe 18 chaînes de télévision ayant des bureaux à La Paz. Channel 7 est la propriété de l'État. Les principaux sont : Unitel, ATB Bolivia, Red Uno, Bolivision, Red PAT. La chaîne 13 est gérée par l'Université Mayor de San Andres. Deux sociétés locales proposent des services de télévision par câble : Multivision et Cotel TV. Approvisionnement en eau L'approvisionnement en eau de La Paz est menacé par l'impact du changement climatique à travers la fonte des glaciers. La ville reçoit son eau potable de trois réseaux d'eau : El Alto, Achachiucala et Pampahasi. La Paz partage le premier et le plus grand de ces systèmes avec sa ville sœur El Alto. Les trois systèmes sont alimentés par les glaciers et les rivières de la chaîne de montagnes de la Cordillère. 20 à 28 % de son eau est alimentée par les glaciers, le reste provenant des précipitations et de la fonte des neiges. Les glaciers reculent en raison du changement climatique, augmentant dans un premier temps la disponibilité de l'eau pendant la saison sèche, mais menaçant finalement une diminution substantielle du ruissellement en saison sèche lorsqu'ils disparaîtront complètement. Un petit glacier, le Chacaltaya, près d'El Alto, a déjà disparu en 2008. Le système d'El Alto reçoit son eau du barrage de Tuni et de deux canaux d'eau. Ces canaux détournent l'eau qui s'écoule du glacier Zongo sur les pentes du Huayna Potosi et du Condoriri au nord d'El Alto. Le glacier Zongo, long de 2,9 km, recule à un rythme d'environ 18 mètres par an. Les glaciers Tuni et Condoriri ont perdu 39 % de leur superficie entre 1983 et 2006. Selon une étude du Stockholm Environment Institute (SEI), le système El Alto est le moins résistant aux impacts du changement climatique parmi les trois systèmes. L’étude indique que la réduction des pertes dans la distribution d’eau est la stratégie à court terme la plus efficace pour faire face à la pénurie d’eau. Les nouvelles sources d'eau plus au nord de la Cordillère comprennent le Khara Kota et le Taypicacha, mais leur développement est coûteux et leur approvisionnement en eau est également affecté par la fonte des glaciers. Relations internationales Villes jumelles et villes sœurs La Paz fait partie de l'Union des capitales ibéro-américaines depuis le 12 octobre 1982, établissant des relations fraternelles avec les villes suivantes : De plus, Twin Cities a conclu un accord avec : La Paz est également membre des Villes du Mercosur, un groupe de 180 villes du Mercosur. Galerie d'images Fichier:La Paz Plaza Pedro Di Murillo 10.2004.jpg|La Paz Plaza Pedro Di Murillo Fichier:Lac Titicaca sur les Andes de Bolivie.jpg|Lac Titicaca près de La Paz avec les Andes en arrière-plan Fichier:La Paz-Calle Jaen.jpg|Calle Jaén. Fichier:La Paz-center.jpg|Vue du centre-ville de La Paz. Curiosités * La Paz possède la plus haute altitude de toutes les villes gouvernementales au monde. * L'aéroport international d'El Alto est l'aéroport international le plus haut du monde (13 325 pieds ou 4 061 mètres au-dessus du niveau moyen de la mer). Les passagers peuvent remarquer une baisse de pression lorsque les portes de l'avion sont ouvertes. * L'eau bout à La Paz à 88 °C. * La Paz possède le stade olympique certifié le plus élevé. La FIFA a publié une règle interdisant l'organisation de matches officiels dans des stades situés à plus de 2 500 mètres d'altitude, car les joueurs peuvent courir un plus grand risque pour leur santé en raison de la diminution de la pression d'oxygène, mais a exclu le stade Hernando Siles de La Paz de cette réglementation après un intense lobbying des autorités boliviennes. . * La gare routière centrale de La Paz a été conçue par Gustave Eiffel, le concepteur de la Tour Eiffel.

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Dans le jeu de Bingo, « Lève-toi et cours » représente quel nombre ?

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Le bingo est un jeu de hasard joué avec différents numéros tirés au hasard que les joueurs associent à des numéros pré-imprimés sur des cartes 5 × 5. Les cartes peuvent être imprimées sur du papier ou du papier cartonné, ou représentées électroniquement, et sont appelées cartes. . De nombreuses versions concluent le jeu lorsque la première personne réalise un modèle spécifié à partir des numéros tirés. Le gagnant doit généralement crier le mot « Bingo ! », qui alerte les autres joueurs et l'appelant d'une éventuelle victoire. Tous les gains sont vérifiés pour s'assurer que la personne n'a pas commis d'erreur avant que le gain ne soit officiellement confirmé, moment auquel le prix est sécurisé et un nouveau jeu commence. Dans cette version du bingo, les joueurs s'affrontent pour remporter le prix ou le jackpot. Les méthodes de jeu alternatives tentent d’augmenter la participation en créant de l’enthousiasme. Depuis son invention en 1929, le bingo moderne a évolué vers de multiples variantes, les lois sur les jeux de hasard de chaque juridiction réglementant la manière dont le jeu est joué. Il existe également des modèles presque illimités qui peuvent être spécifiés pour le jeu. Certains jeux ne nécessitent qu'un seul numéro pour correspondre, tandis que les jeux de couverture totale attribuent le jackpot pour avoir couvert une carte entière. Il existe même des jeux qui attribuent des prix aux joueurs qui ne correspondent à aucun numéro ou qui ne réalisent aucun modèle. Voir « Variations » pour plus de détails. Cartes de bingo Les cartes de bingo les plus courantes sont des morceaux plats de carton ou de papier jetable contenant 25 carrés disposés en cinq colonnes verticales et cinq rangées côte à côte. Chaque espace de la grille contient un numéro. Un jeu de bingo typique utilise les chiffres de 1 à 75. Les cinq colonnes de la carte sont étiquetées « B », « I », « N », « G » et « O » de gauche à droite. L'espace central est généralement marqué « Libre » ou « Espace libre » et est considéré comme automatiquement rempli. La plage de nombres imprimés pouvant apparaître sur la carte est normalement limitée par colonne, la colonne « B » ne contenant que des nombres compris entre 1 et 15 inclus, la colonne « I » ne contenant que 16 à 30, et « N » contenant 31 à 45. , 'G' contenant 46 à 60 et 'O' contenant 61 à 75. Le nombre de toutes les cartes de Bingo possibles avec ces fonctionnalités standard est P(15,5) × P(15,5) × P(15,5) × P(15,5) × P(15,4) = 552 446 474 061 128 648 601 600 000 ou environ 5,52 × 1026. Dans le bingo U-Pick 'Em et d'autres variantes du bingo, les joueurs reçoivent trois cartes de 25 numéros contenant les 75 numéros pouvant être tirés. Les joueurs marquent ensuite les numéros qu'ils souhaitent jouer, puis barbouillent ces numéros en fonction des numéros tirés. De plus, les cartes à double action comportent deux chiffres dans chaque case. Un joueur gagne en complétant une ligne, une colonne ou une diagonale. Le maximum de jetons que l'on peut placer sur un plateau de Bingo sans avoir de Bingo est de 19, sans compter l'espace libre. Pour que cela se produise, une seule cellule vide peut résider dans chaque ligne et chaque colonne, et au moins une cellule vide doit se trouver dans chaque diagonale, par exemple : B I N G O ● ●   ● ● ●   ● ● ● ● ● □ ●   ● ● ●   ● ● ● ● ● En plus d'une ligne droite, d'autres modèles peuvent être considérés comme un bingo valide dans les jeux spéciaux. Par exemple, dans l'illustration ci-dessus, le carré 2x2 de carrés marqués dans le coin supérieur droit serait considéré comme un « timbre-poste ». Un autre jeu spécial courant oblige les joueurs à couvrir les quatre coins. Il existe plusieurs autres modèles, comme un « L » itinérant, qui oblige les joueurs à couvrir tous les B et la rangée supérieure ou inférieure ou tous les O et la rangée supérieure ou inférieure. Un autre modèle courant est une panne d’électricité couvrant les 24 numéros et l’espace libre. Équipement Les numéros appelés dans une partie de bingo peuvent être tirés au sort en utilisant diverses méthodes pour générer aléatoirement l'appel de la boule. Avec le développement de la technologie informatique dans le domaine du bingo, les générateurs électroniques de nombres aléatoires sont désormais monnaie courante dans la plupart des juridictions. Cependant, certaines juridictions exigent des tirages de boules mécaniques qui peuvent utiliser un jeu de cartes de visite de bingo mélangé au hasard, un souffleur de boules mécanique qui mélange des balles de ping-pong avec de l'air soufflé ou une cage qui est tournée pour mélanger de petites boules de bois. Toutes les méthodes génèrent essentiellement une chaîne aléatoire de nombres que les joueurs associent à leurs cartes de bingo. Culture Les jeux simples comportent souvent plusieurs bingos ; par exemple, les joueurs jouent d'abord pour une seule ligne ; après cela, le jeu continue jusqu'à ce qu'une carte pleine soit appelée ; Ensuite, le jeu continue pour une carte pleine de consolation. Les joueurs jouent souvent plusieurs cartes pour chaque partie ; 30 n’est pas un nombre inhabituel. En raison du grand nombre de cartes jouées par chaque joueur, la plupart des salles font asseoir les joueurs à des tables auxquelles ils attachent souvent leurs cartes avec du ruban adhésif. Pour marquer les cartes plus rapidement, les joueurs utilisent généralement des marqueurs spéciaux appelés barbouilleurs. Dans les halls commerciaux, après avoir appelé le numéro, l'appelant affiche ensuite le numéro suivant sur un écran de télévision ; Cependant, le bingo ne peut pas être appelé tant que ce numéro n'est pas annoncé à haute voix. Le bingo est souvent utilisé comme outil pédagogique dans les écoles américaines et dans l’enseignement de l’anglais comme langue étrangère dans de nombreux pays. En règle générale, les nombres sont remplacés par des mots, des images ou des problèmes mathématiques non résolus pour les lecteurs débutants. Terminologie Prêt/En attente/Cased/Set/Down/Chance – Un joueur qui n'a besoin que d'un seul numéro pour terminer le modèle de bingo est considéré comme étant prêt, en attente, dans un cas, Set ou Down, ou comme « ayant une chance ». Briser la bulle ou « Possible » – La bulle est le nombre minimum de boules requis pour compléter le modèle de Bingo. C'est le premier moment où un joueur peut avoir un bingo valide. Exemple : Le modèle gagnant est un bingo à la dure, une ligne droite sans l'espace libre. Le nombre minimum de numéros appelés est de cinq (quatre si chaque numéro est sous « N »), bien que cela ne soit pas considéré comme « briser la bulle » ou possible jusqu'à ce qu'un numéro dans chaque colonne ou quatre/cinq numéros dans une seule colonne aient été appelés. Jumping the Gun – Celui qui appelle au bingo avant d’avoir un bingo valide. La situation la plus courante est celle d'une personne qui appelle au bingo en utilisant le numéro suivant affiché à l'écran avant qu'il ne soit appelé. Numéros sauvages – De nombreuses salles de bingo proposent certains jeux avec un numéro sauvage. Les numéros sauvages permettent aux joueurs de bingo de commencer avec plusieurs numéros appelés. Généralement, la première boule tirée est le facteur déterminant. Standard – Tous les nombres se terminant par le deuxième chiffre du premier nombre. Exemple : La première boule est le 22. Tous les nombres se terminant par 2, y compris B2, sont considérés comme un numéro appelé. Avant/arrière – Tous les nombres commençant ou se terminant par le nombre sauvage. Exemple : La première boule est le 22. Tous les nombres commençant ou se terminant par un 2 sont considérés comme un nombre appelé. Si le premier numéro se termine par un 8, un 9 ou un 0, un autre numéro pourra être tiré au sort car il n'y a pas de numéro commençant par un 8 ou un 9 et seulement 9 numéros commençant par un 0. Certaines salles redessineront également un numéro se terminant par un 7. car il n'y a que six nombres commençant par un 7. Fausse alarme ou juste entraînement – ​​Terme utilisé lorsqu’on appelle au bingo mais qu’on se trompe. Cela peut être dû au fait que l'appelant a mal entendu ou qu'il a tapé un mauvais numéro par erreur. Celui qui appelle un « falsie » croit sincèrement qu'il a un bingo. Ceci est également connu sous le nom d’« erreur sociale ». Un autre terme utilisé pour cela est « bongo ». Hard Way Bingo – Un bingo à la dure est un modèle de bingo en ligne droite sans utiliser l’espace libre. Reach - Au Japon, un joueur crie « Reach » lorsqu'il se trouve à une case d'un bingo. Histoire Un jeu de loterie appelé "Il Giuoco del Lotto d'Italia" était joué en Italie vers 1530. Dans la France du XVIIIe siècle, les cartes à jouer, les jetons et l'appel de numéros ont été ajoutés. Au XIXe siècle, un jeu comme celui-ci était largement pratiqué en Allemagne pour apprendre aux enfants l'orthographe, les noms d'animaux et les tables de multiplication. Le jeu français Le Loto est apparu en 1778, comportant 27 cases disposées en trois lignes et neuf colonnes. Cinq carrés dans chaque rangée portaient des numéros allant de 1 à 90, ce qui a conduit à un design moderne. Au début des années 1920, Hugh J. Ward a standardisé le jeu lors des carnavals de Pittsburgh et de ses environs et de la région occidentale de la Pennsylvanie. Il en a protégé les droits d'auteur et a publié un livre de règles en 1933. Le jeu a été popularisé par Edwin Lowe. Lors d'un carnaval itinérant près d'Atlanta en décembre 1929, le marchand de jouets a vu des gens jouer avec enthousiasme à un jeu appelé "Beano" suivant les règles de Ward, avec des haricots secs, un tampon en caoutchouc et des feuilles de carton. Lowe a emmené le jeu à New York où des amis aimaient y jouer. Le jeu de bingo produit par Lowe avait deux versions, un jeu de 12 cartes pour 1,00 $ et un jeu de 2,00 $ avec 24 cartes. Dans les années 1940, il y avait des jeux de bingo partout aux États-Unis. L'origine du nom Bingo est inconnue mais pourrait remonter au milieu des années 1920. On prétend que l'une des amies de Lowe était si excitée d'avoir gagné qu'elle a crié « Bingo » au lieu de « Beano », ou que le mot fait écho au son d'une cloche. Le business du bingo Aux États-Unis, le jeu est principalement organisé par des églises ou des organisations caritatives. Leur légalité et leurs enjeux varient selon la réglementation étatique. Dans certains États, les salles de bingo sont louées à des organisations sponsors et ces salles organisent souvent des jeux presque tous les jours. Cependant, les jeux organisés par l'Église sont normalement des événements hebdomadaires organisés dans les locaux de l'Église. Ces jeux sont généralement joués pour des mises modestes, bien que le jeu final d'une session soit souvent un jeu global qui offre un jackpot plus important pour gagner dans un certain nombre de numéros appelés, et un jackpot progressif est un jeu qui peut augmenter par session jusqu'à ce qu'il soit atteint. est gagné. Aux États-Unis, les jeux de bingo commerciaux sont principalement proposés par les casinos (et seulement dans l'État du Nevada) et par les salles de bingo amérindiennes, qui sont souvent situées au même endroit que les casinos gérés par les Amérindiens. Au Nevada, le bingo est proposé principalement par les casinos qui s'adressent aux joueurs locaux, et non par les célèbres stations touristiques. Ils proposent généralement des sessions d'une heure, à des heures impaires, c'est-à-dire à 9h, 11h, 13h, etc., tous les jours, généralement de 9h à 23h, avec des mises relativement modestes, à l'exception des jackpots globaux. Station Casinos, une chaîne de casinos locaux à Las Vegas, propose un jeu spécial à chaque session, appelé "Jumbo", qui relie toutes ses propriétés avec un gros jackpot progressif. La plupart des salons de bingo de Las Vegas utilisent des machines portatives sur lesquelles les jeux sont joués, à l'exception du Station Casino et du Fiesta Casino qui ont des cartes de bingo en papier et aucune machine. Les jeux amérindiens ne sont généralement proposés que pour une ou deux sessions par jour et sont souvent joués à des enjeux plus élevés que les jeux caritatifs afin d'attirer des joueurs de pays éloignés. Certains proposent également un jeu spécial à jackpot progressif qui peut réunir des joueurs de plusieurs salles de bingo. En plus du bingo joué en interne, les grands opérateurs commerciaux jouent à certains jeux reliés par téléphone dans plusieurs, voire des dizaines, de leurs clubs. Cela augmente le prix en argent, mais réduit les chances de gagner ; les deux en raison du plus grand nombre de joueurs. Les salles de bingo sont parfois reliées entre elles (comme par Loto Québec au Canada) dans un réseau pour offrir des structures gagnantes alternatives et des prix plus importants. Le bingo constitue également la base des jeux en ligne vendus par le biais de loteries sous licence. Les billets sont vendus comme pour les autres jeux de numéros, et les joueurs reçoivent des reçus avec leurs numéros disposés comme sur une carte de bingo ordinaire. Le tirage quotidien ou hebdomadaire est normalement diffusé à la télévision. Ces jeux offrent des prix plus élevés et sont plus difficiles à gagner. La logique du bingo est fréquemment utilisée sur les jeux de cartes à gratter. Les numéros sont pré-tirés pour chaque carte et cachés jusqu'à ce que la carte soit grattée. Dans les loteries dotées de réseaux en ligne, le prix est confirmé électroniquement afin d'éviter toute fraude basée sur une fixation physique. Ces dernières années, les salles de bingo ont connu une baisse de fréquentation et de revenus. En Ontario, les revenus des bingos caritatifs ont diminué, passant de 250 millions de dollars à 50 millions de dollars au cours des dix dernières années seulement. Les raisons de ce déclin incluent l'expansion de formes de divertissement concurrentes, telles que les casinos caritatifs, les hippodromes avec machines à sous, les grands casinos commerciaux et même les salles de cinéma. Afin d'être compétitives sur ce marché concurrentiel, les salles de bingo se sont tournées vers la technologie pour endiguer le déclin. À lui seul, l'Ontario a ouvert cinq centres de bingo électronique qui offrent aux joueurs la possibilité de jouer au bingo sur un ordinateur, leur permettant ainsi de jouer à leur propre rythme. De plus, le bingo électronique a réussi à attirer un public masculin plus large. L'industrie du bingo fait maintenant pression sur le gouvernement de l'Ontario pour qu'il augmente le nombre de centres de bingo électronique dans l'espoir de constater une augmentation des revenus et de la fréquentation des salles de bingo. Certains bars gays et autres organisations LGBT au Canada et aux États-Unis organisent également des événements de bingo, généralement fusionnés avec un spectacle de dragsters et présentés sous le nom de « Drag Bingo » ou « Drag Queen Bingo ». Les événements « Drag Bingo » ont été lancés pour la première fois à Seattle au début des années 1990 en tant que collecte de fonds pour les associations caritatives locales liées au VIH/SIDA. Depuis, ils se sont étendus à de nombreuses autres villes d’Amérique du Nord, soutenant un large éventail d’organismes caritatifs. Le bingo est allé au-delà d'un rôle de collecte de fonds et est souvent présenté dans les bars et les discothèques en tant qu'événement social et de divertissement, attirant une clientèle fidèle de joueurs réguliers. De nombreux sites font la promotion d'un événement de bingo pour attirer les clients aux heures creuses, comme les soirs de semaine et le dimanche, qui sont traditionnellement plus lents pour ces entreprises. Les jeux sont organisés par des animateurs drag et non drag et comprennent souvent des activités auxiliaires telles que des spectacles de cabaret, des concours et d'autres activités thématiques qui ajoutent de l'intérêt et encouragent la participation du public. Les clients sont invités à jouer pour avoir une chance de gagner de l'argent et d'autres prix. Variantes Bingo à votre cueillette Une forme courante de bingo qui permet aux joueurs de marquer les numéros qu'ils souhaitent surveiller pour gagner. Bien que ce jeu ressemble beaucoup au Keno, un jeu inventé par les Chinois avant la dynastie Han, il est reconnu comme une variante du bingo et est autorisé dans presque toutes les juridictions. Bingo à tir rapide Un jeu dans lequel les numéros sont pré-tirés et les joueurs achètent des cartes de bingo scellées qui sont ensuite comparées aux numéros pré-tirés. Si un modèle spécifié est atteint, le joueur gagne généralement un prix selon un tableau des prix. Certaines versions sont jouées jusqu'à ce qu'un joueur atteigne un prix de haut niveau, puis de nouveaux numéros sont tirés et le jeu recommence. Ce type de bingo peut être joué sur des jours, des semaines ou des mois selon la difficulté d'obtenir un prix de premier niveau. Bingo aubaine Généralement, 43 à 48 numéros sont pré-tirés au début d'une session de bingo. Les numéros pré-tirés peuvent être impairs, pairs ou les 43 premiers numéros qui sortent de la machine. Les joueurs achètent des cartes et marquent tous les numéros pairs, impairs ou pré-tirés. À une heure désignée, l'appelant demande si quelqu'un a participé au bingo. Si personne ne le fait, l'appelant tire une boule à la fois jusqu'à ce que quelqu'un crie bingo. Ce jeu est parfois joué comme un jeu « progressif », dans lequel le jackpot augmente si personne ne touche au bingo avant que le nombre souhaité de boules ne soit appelé. Si personne n'a atteint le bingo auparavant ou avec le nombre de boules souhaité, le jeu est rejoué lors d'une autre session au cours de laquelle le nombre de boules souhaité augmente de un et le jackpot est également augmenté. Le joueur qui atteint le bingo après le nombre de boules souhaité ne remporte pas le jackpot mais gagne un prix de consolation. Si un joueur atteint le bingo avec le bon nombre de numéros, il gagne tout l'argent du jackpot. Le nombre de boules revient à 43 une fois le jackpot remporté et le nombre de boules augmente de un jusqu'à ce que le jackpot soit à nouveau gagné. Bingo sur Facebook Le bingo sur Facebook diffère des jeux de bingo traditionnels en ligne ou terrestres. La plupart des jeux comportent des « power-ups » qui donnent aux joueurs individuels un avantage pour gagner la partie lorsqu'ils utilisent de tels power-ups. Les joueurs peuvent également collecter, acheter et partager des objets virtuels avec des amis sur la plateforme Facebook. Cela ajoute à l'élément communautaire qui n'est pas autrement présent dans d'autres formes de bingo en ligne et terrestre. Bingo des courses de chevaux Jusqu'à 15 joueurs reçoivent au hasard un numéro de 1 à 15 qui correspond à la rangée supérieure du tableau de bingo. Des numéros sont ensuite tirés au sort et la première personne à avoir tiré au sort les cinq numéros de sa colonne gagne. Il s’agit d’une forme de bingo rapide et passionnante, généralement jouée dans les organisations fraternelles. Bingo sur table Avec l'expansion des jeux tribaux aux États-Unis, il existe de nombreuses versions de bingo qui imitent désormais l'action rapide des jeux de table de casino, mais utilisent les principes du bingo où les joueurs marquent et surveillent les cartes matricielles avec des jetons. Les jeux de casino comme la Roulette, Acey Duecy et Money Wheel ont des équivalents de bingo qui peuvent être joués sous licence de bingo dans de nombreuses régions du pays. Bingo électronique L'avènement de la technologie informatique dans le bingo a brouillé les frontières entre les machines à sous traditionnelles et les machines à sous de bingo. Pour le citoyen moyen, les machines à sous basées sur le bingo sont physiquement impossibles à distinguer des machines à sous basées sur RNG que l'on voit généralement à Atlantic City ou à Las Vegas. Ces appareils sont communément appelés machines de classe II, car la loi fédérale indienne sur la réglementation des jeux sépare le bingo, y compris les aides électroniques et mécaniques, où les joueurs jouent les uns contre les autres, des machines à sous de classe III, où les joueurs jouent contre la maison. Bingo à mort Un jeu inversé dans lequel un joueur qui obtient un bingo est éliminé et éliminé du jeu. Le gagnant est le joueur qui remplit le plus de cases sur son plateau avant de lancer un bingo. Autres formes *Buzzword bingo (également appelé bullshit bingo) *Bingo en ligne * Bingo sur la route *Lingo, un jeu télévisé intégrant des mécanismes et des mots de Bingo *Slingo, un jeu en ligne qui mélange machines à sous et bingo *Pinoy Bingo Night, un jeu télévisé aux Philippines avec Kris Aquino sur ABS-CBN. *Bingo America, un jeu télévisé basé sur le bingo et la participation des téléspectateurs sur GSN * National Bingo Night, un jeu télévisé de participation des téléspectateurs basé sur le bingo sur ABC qui s'est terminé en 2007. Les variantes thématiques du jeu traditionnel incluent le bingo drag queen, le bingo punk rock et le bingo sur couverture de plage.

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En février 1938, Roberto M. Ortiz est devenu président de quel pays d'Amérique du Sud ?

Argentine

Jaime Gerardo Roberto Marcelino María Ortiz Lizardi (24 septembre 1886 – 15 juillet 1942) fut président de l'Argentine du 20 février 1938 au 27 juin 1942. Ortiz est né à Buenos Aires. En tant qu'étudiant à l'Université de Buenos Aires, il participe à une révolution infructueuse en 1905. En 1909, il obtient son diplôme universitaire et devient avocat. Il est devenu actif au sein de l'Union civique radicale et a été élu au Congrès national argentin en 1920. Il a été ministre des Travaux publics de 1925 à 1928. Il a soutenu la révolution de 1930 et a été ministre du Trésor de 1935 à 1937. Aux élections présidentielles de 1937, il fut le candidat officiel du gouvernement et remporta la victoire, même si l'opposition l'accusa de participation à des fraudes, les irrégularités étant répandues. Ortiz n'a jamais nié ces accusations, mais une fois qu'il a pris ses fonctions, il a essayé de rendre la politique argentine plus ouverte et véritablement démocratique. Peu de temps après être devenu président, Ortiz tomba gravement malade du diabète et le 3 juillet 1940, il délégua ses pouvoirs au vice-président Ramón Castillo. Il était pro-Allié mais en raison de l'opposition au sein de l'armée, il n'a pas rompu les relations avec l'Axe. Il a démissionné quelques semaines avant sa mort.

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En septembre 2006, dans quel pays asiatique le gouvernement du Premier ministre Thaksin Shinawatra a-t-il été renversé ?

Thaïlande

Un premier ministre est le plus haut ministre du cabinet du pouvoir exécutif du gouvernement, souvent dans un système parlementaire ou semi-présidentiel. Dans de nombreux systèmes, le Premier ministre sélectionne et peut révoquer d'autres membres du cabinet, et attribue des postes aux membres du gouvernement. Dans la plupart des systèmes, le Premier ministre est le président et le président du cabinet. Dans une minorité de systèmes, notamment dans les systèmes de gouvernement semi-présidentiels, un Premier ministre est le fonctionnaire nommé pour gérer la fonction publique et exécuter les directives du chef de l'État. Dans les systèmes parlementaires inspirés du système de Westminster, le Premier ministre est le président et le véritable chef du gouvernement et le chef du pouvoir exécutif. Dans de tels systèmes, le chef de l'État ou son représentant officiel (c'est-à-dire le monarque, le président ou le gouverneur général) occupe généralement un poste largement cérémonial, bien que souvent avec des pouvoirs de réserve. Le Premier ministre est souvent, mais pas toujours, membre du Parlement et est censé, avec les autres ministres, assurer l'adoption des projets de loi par l'Assemblée législative. Dans certaines monarchies, le monarque peut également exercer des pouvoirs exécutifs (connus sous le nom de prérogative royale) qui sont constitutionnellement dévolus à la couronne et peuvent être exercés sans l'approbation du Parlement. En plus d'être chef du gouvernement, un Premier ministre peut avoir d'autres rôles ou titres : le Premier ministre du Royaume-Uni, par exemple, est également Premier Lord du Trésor et ministre de la Fonction publique. Les premiers ministres peuvent occuper d'autres postes ministériels : par exemple, pendant la Seconde Guerre mondiale, Winston Churchill était également ministre de la Défense (bien qu'il n'y ait pas encore de ministère de la Défense), et dans le cabinet israélien actuel, Benjamin Netanyahu est également ministre de la Défense. Communications, Affaires étrangères, Coopération régionale, Économie et Intérieur Étymologie La première utilisation réelle du terme premier ministre ou Premier Ministre a été utilisée par le cardinal Richelieu lorsqu'en 1625 il fut nommé à la tête du conseil royal en tant que premier ministre de France. Louis XIV et ses descendants s'efforçaient généralement d'éviter de donner ce titre à leurs principaux ministres. Le terme Premier ministre dans le sens où nous le connaissons est né au XVIIIe siècle au Royaume-Uni, lorsque des parlementaires ont utilisé ce titre de manière désobligeante en référence à Sir Robert Walpole. Au fil du temps, le titre est devenu honorifique et le reste au XXIe siècle. Histoire Origines Les monarques d'Angleterre et du Royaume-Uni avaient des ministres en qui ils accordaient une confiance particulière et qui étaient considérés comme le chef du gouvernement. Les exemples étaient Thomas Cromwell sous Henri VIII ; William Cecil, Lord Burghley sous Elizabeth I ; Clarendon sous Charles II et Godolphin sous la reine Anne. Ces ministres occupaient divers postes officiels, mais étaient communément appelés « le ministre », le « ministre en chef », le « premier ministre » et enfin le « premier ministre ». Le pouvoir de ces ministres dépendait entièrement de la faveur personnelle du monarque. Même si la gestion du Parlement faisait partie des compétences nécessaires pour exercer de hautes fonctions, leur pouvoir ne dépendait pas d'une majorité parlementaire. Même s'il existait un cabinet, celui-ci était entièrement nommé par le monarque, et celui-ci présidait généralement ses réunions. Lorsque le monarque se lassait d'un premier ministre, celui-ci pouvait être démis de ses fonctions, ou pire : Cromwell était exécuté et Clarendon poussé à l'exil lorsqu'ils perdaient leur faveur. Les rois divisaient parfois le pouvoir à parts égales entre deux ou plusieurs ministres pour éviter qu'un ministre ne devienne trop puissant. Par exemple, à la fin du règne d'Anne, les ministres conservateurs Harley et St John partageaient le pouvoir. Développement Au milieu du XVIIe siècle, après la guerre civile anglaise (1642-1651), le Parlement renforça sa position par rapport au monarque, puis gagna plus de pouvoir grâce à la Glorieuse Révolution de 1688 et à l'adoption de la Déclaration des droits en 1689. Le monarque ne pouvait plus établir une loi ou imposer un impôt sans sa permission et ainsi la Chambre des communes est devenue une partie du gouvernement. C’est à ce stade qu’un style moderne de Premier ministre commence à émerger. La mort d'Anne en 1714 et l'accession de George Ier au trône marquèrent un tournant dans l'évolution du poste de Premier ministre. George ne parlait pas anglais, passait une grande partie de son temps chez lui à Hanovre et n'avait ni connaissance ni intérêt pour les détails du gouvernement anglais. Dans ces circonstances, il était inévitable que le premier ministre du roi devienne de facto le chef du gouvernement. À partir de 1721, il s'agissait du politicien whig Robert Walpole, qui exerça ses fonctions pendant vingt et un ans. Walpole présidait les réunions du cabinet, nommait tous les autres ministres, dispensait le patronage royal et remplissait la Chambre des communes de ses partisans. Sous Walpole, la doctrine de la solidarité ministérielle s'est développée. Walpole exigeait qu'aucun ministre autre que lui-même n'ait des relations privées avec le roi, et également que lorsque le cabinet s'était mis d'accord sur une politique, tous les ministres devaient la défendre en public, sous peine de démissionner. Comme l'a déclaré un futur Premier ministre, Lord Melbourne : « Ce que nous disons n'a pas d'importance, messieurs, tant que nous disons tous la même chose. » Walpole a toujours nié qu'il était « premier ministre », et tout au long du XVIIIe siècle, les parlementaires et les juristes ont continué à nier qu'une telle position soit reconnue par la Constitution. George II et George III ont déployé des efforts acharnés pour récupérer le pouvoir personnel du monarque, mais la complexité et les coûts croissants du gouvernement signifiaient qu'un ministre capable de gagner la loyauté des Communes était de plus en plus nécessaire. Le long mandat du premier ministre en temps de guerre William Pitt le Jeune (1783-1801), combiné à la maladie mentale de George III, consolida le pouvoir du poste. Le titre a été mentionné pour la première fois sur des documents gouvernementaux sous l'administration de Benjamin Disraeli, mais n'est apparu dans l'ordre de préséance britannique formel qu'en 1905. Le prestige des institutions britanniques au XIXe siècle et la croissance de l’Empire britannique ont vu le modèle britannique de gouvernement de cabinet, dirigé par un premier ministre, largement copié, à la fois dans d’autres pays européens et dans les territoires coloniaux britanniques à mesure qu’ils développaient l’autonomie gouvernementale. Dans certains endroits, des titres alternatifs tels que « premier ministre », « ministre en chef », « premier ministre d'État », « président du conseil » ou « chancelier » ont été adoptés, mais l'essentiel de la fonction était le même. Utilisation moderne À la fin du XXe siècle, la majorité des pays du monde avaient un premier ministre ou un ministre équivalent, exerçant ses fonctions sous une monarchie constitutionnelle ou sous un président de cérémonie. Les principales exceptions à ce système sont les États-Unis et les républiques présidentielles d’Amérique latine, calquées sur le système américain, dans lequel le président exerce directement le pouvoir exécutif. Le Premier ministre de Bahreïn, Cheikh Khalifah bin Sulman Al Khalifah, occupe ce poste depuis 1970, ce qui en fait le Premier ministre non élu le plus ancien. Dans les républiques et dans les monarchies Le poste de Premier ministre peut être rencontré à la fois dans les monarchies constitutionnelles (telles que la Belgique, le Danemark, le Japon, le Luxembourg, les Pays-Bas, la Norvège, la Malaisie, le Maroc, l'Espagne, la Suède, la Thaïlande, le Canada, l'Australie, la Nouvelle-Zélande et le Royaume-Uni) , et dans les républiques parlementaires dans lesquelles le chef de l'État est un élu (telles que la Finlande, la République tchèque, la France, la Grèce, la Hongrie, l'Inde, l'Indonésie (1945-1959), l'Irlande, le Pakistan, le Portugal, le Monténégro, la Croatie, la Bulgarie). , Roumanie, Serbie et Turquie). Voir également « Premier ministre », « Premier ministre », « Ministre en chef », « Chancelier », « Taoiseach », « Ministre des statistiques » et « Secrétaire d'État » : titres alternatifs généralement équivalents dans le sens de, ou traduits par, « premier ministre » . Cela contraste avec le système présidentiel, dans lequel le président (ou son équivalent) est à la fois chef de l'État et chef du gouvernement. Dans certains systèmes présidentiels ou semi-présidentiels, comme ceux de la France, de la Russie ou de la Corée du Sud, le premier ministre est un fonctionnaire généralement nommé par le président mais généralement approuvé par le pouvoir législatif et chargé d'exécuter les directives du président et de gérer le service civil. Le chef du gouvernement de la République populaire de Chine est appelé Premier ministre du Conseil d'État et le premier ministre de la République de Chine (Taiwan) est également nommé par le président, mais ne nécessite aucune approbation de la législature. La nomination du Premier ministre français ne nécessite pas non plus l'approbation du Parlement, mais celui-ci peut forcer la démission du gouvernement. Dans ces systèmes, il est possible que le président et le Premier ministre appartiennent à des partis politiques différents si le corps législatif est contrôlé par un parti différent de celui du président. Lorsqu’une telle situation se présente, on parle généralement de cohabitation (politique). Entrée en fonction Dans les systèmes parlementaires, un Premier ministre peut entrer en fonction de plusieurs manières. * Le chef de l'Etat nomme un Premier ministre, de son choix personnel : Exemple : France, où le Président a le pouvoir de nommer le Premier ministre de son choix, bien que l'Assemblée nationale puisse forcer un gouvernement à démissionner, il ne peut pas nommer ni nommer. un nouveau candidat. *Bien qu'en pratique, la plupart des premiers ministres du système de Westminster (y compris l'Australie, le Canada, la Nouvelle-Zélande, la Malaisie, l'Inde et le Royaume-Uni) soient les dirigeants du plus grand parti au Parlement, techniquement, la nomination du Premier ministre est une prérogative exercée par le chef de l'Etat. En Inde, le candidat au poste de Premier ministre doit être membre du parlement du Lok Sabha (Chambre basse) ou du Rajya Sabha (Chambre haute). Aucun vote parlementaire n'a lieu pour déterminer qui formera le gouvernement. Cependant, comme le gouvernement devra présenter son programme législatif au Parlement dans le discours du Trône, par exemple, celui-ci est parfois utilisé pour tester le soutien parlementaire. Un rejet du discours est considéré comme signifiant une perte de confiance et nécessite donc soit un nouveau projet, soit une démission, soit une demande de dissolution du Parlement. Jusqu'au début du XXe siècle, les gouvernements défaits lors d'élections générales restaient au pouvoir jusqu'à ce que leur discours du Trône soit rejeté, puis démissionnent. Aucun gouvernement ne l'a fait depuis cent ans, même si Edward Heath a retardé sa démission en 1974 alors qu'il cherchait à former un gouvernement avec le soutien du Parti libéral. Dans de tels systèmes, des conventions constitutionnelles non écrites (et inapplicables) définissent souvent l’ordre dans lequel les citoyens sont invités à former un gouvernement. Si le Premier ministre démissionne après des élections générales, le monarque demande généralement au chef de l'opposition de former un gouvernement. Toutefois, en cas de démission au cours d'une session parlementaire (à moins que le gouvernement ne se soit lui-même effondré), le monarque demandera à un autre membre du gouvernement de former un gouvernement. Alors qu'auparavant le monarque disposait d'une certaine latitude à qui demander, tous les partis politiques britanniques élisent désormais leurs dirigeants (jusqu'en 1965, les conservateurs choisissaient leur chef par voie de consultations informelles). La dernière fois que le monarque a eu le choix en matière de nomination s'est produite en 1963, lorsqu'il a été demandé au comte de Home de devenir Premier ministre avant Rab Butler. Durant la période entre le moment où il est clair que le gouvernement en place a été défait lors d'élections générales et l'assermentation effective du nouveau premier ministre par le monarque ou le gouverneur général, cette personne est appelée le « premier ministre ». -élire" ou "premier ministre désigné". Aucun de ces termes n’est strictement correct d’un point de vue constitutionnel, mais ils sont largement acceptés. Dans une situation dans laquelle un parti au pouvoir élit ou nomme un nouveau chef, le nouveau chef sera généralement appelé « premier ministre en attente ». Un exemple de cette situation s'est produit en 2003 au Canada lorsque Paul Martin a été élu chef du Parti libéral du Canada alors que Jean Chrétien était encore premier ministre. * Le chef de l'Etat nomme un Premier ministre qui dispose d'un délai fixe dans lequel il doit obtenir un vote de confiance : (Exemple : Italie, Israël, Roumanie, Thaïlande) * Le chef de l'Etat nomme le chef du parti politique ayant la majorité des sièges au Parlement comme Premier ministre. Si aucun parti n'a la majorité, le chef du parti ayant la majorité des sièges reçoit un mandat exploratoire pour recevoir le confiance du parlement dans un délai de trois jours, si cela n'est pas possible, le chef du parti ayant le deuxième plus grand nombre de sièges se voit attribuer le mandat exploratoire, si cela échoue, le chef du troisième parti le reçoit et ainsi de suite : ( Exemple : Grèce, voir Premier ministre de Grèce) * Le chef de l'État nomme un candidat au poste de Premier ministre qui est ensuite soumis au Parlement pour approbation avant d'être nommé Premier ministre : Exemple : Espagne, où le roi envoie une nomination au Parlement pour approbation. Également en Allemagne où, en vertu de la Loi fondamentale allemande (constitution), le Bundestag vote sur un candidat nommé par le président fédéral. Dans ces cas-là, le parlement peut choisir un autre candidat qui sera alors nommé par le chef de l'Etat. * Le Parlement nomme un candidat que le chef de l'État est ensuite constitutionnellement obligé de nommer comme Premier ministre : Exemple : l'Irlande, où le président nomme le Taoiseach sur proposition du Dáil Éireann. Le Japon aussi. * Élection directe par vote populaire : (Exemple : Israël, 1996-2001, où le Premier ministre a été élu lors d'élections générales, sans égard à son affiliation politique.) * Nomination par un titulaire d'une charge publique autre que le chef de l'État ou son représentant : (Exemple : en vertu de l'instrument de gouvernement suédois moderne, le pouvoir de nommer quelqu'un pour former un gouvernement a été transféré du monarque au président du Parlement. et le parlement lui-même. Le président nomme un candidat, qui est ensuite élu premier ministre (ministre des statistiques) par le parlement si une majorité absolue des députés ne vote pas non (c'est-à-dire qu'il peut être élu même si davantage de députés votent). non que oui). Constitutions La position, le pouvoir et le statut des premiers ministres diffèrent selon l'âge de la constitution. La constitution australienne ne fait aucune mention d'un Premier ministre australien. La constitution du Bangladesh définit clairement les fonctions et les pouvoirs du Premier ministre et détaille également le processus de nomination et de révocation. La constitution de la République populaire de Chine fixe le poste de Premier ministre à une place juste en dessous de l'Assemblée populaire nationale de Chine. Premier se lit comme (Chinois simplifié : 总理; pinyin : Zŏnglĭ) en chinois. La Constitution du Canada, étant une constitution « mixte » ou hybride (une constitution en partie formellement codifiée et en partie non codifiée), ne faisait à l'origine aucune référence au premier ministre, ses fonctions spécifiques et son mode de nomination étant plutôt dictés par « la convention ». ". Dans la Loi constitutionnelle de 1982, une référence passagère au « premier ministre du Canada » est ajoutée, mais uniquement en ce qui concerne la composition des conférences des premiers ministres fédéraux et provinciaux. La constitution de la République tchèque définit clairement les fonctions et pouvoirs du Premier ministre de la République tchèque et détaille également le processus de nomination et de révocation. La Loi fondamentale allemande (1949) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du chancelier fédéral. La constitution grecque (1975) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du Premier ministre grec. La constitution indienne (1950) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du Premier ministre indien. La constitution irlandaise (1937) prévoit le poste de Taoiseach en détail, énumérant les pouvoirs, fonctions et devoirs. La constitution italienne (1948) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du président du Conseil des ministres. La constitution japonaise (1946) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du Premier ministre du Japon. Les articles 86 et 87 de la Constitution de la République de Corée (1987) énumèrent les pouvoirs, fonctions et devoirs du Premier ministre de la République de Corée. La constitution de Malte (1964) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du Premier ministre de Malte. La constitution malaisienne (1957) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du Premier ministre de la Malaisie. La constitution norvégienne (1814) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du Premier ministre norvégien La constitution du Pakistan (1973) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du Premier ministre du Pakistan. La Constitution espagnole (1978) régit la nomination, la révocation, les pouvoirs, les fonctions et les devoirs du président du gouvernement. La constitution thaïlandaise (1932) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du Premier ministre thaïlandais. La constitution du Royaume-Uni, non codifiée et en grande partie non écrite, ne fait aucune mention d'un Premier ministre. Bien qu’elle existait de facto depuis des siècles, sa première mention dans les documents officiels de l’État n’a eu lieu que dans la première décennie du XXe siècle. C’est pourquoi on dit souvent qu’elle « n’existe pas », et plusieurs parlements ont d’ailleurs déclaré que tel était le cas. Le Premier ministre siège au cabinet uniquement en vertu de l'occupation d'une autre fonction, soit celle de Premier Lord du Trésor (fonction en commission), soit plus rarement celle de Chancelier de l'Échiquier (dont le dernier fut Balfour en 1905). La constitution ukrainienne (1996) énumère les pouvoirs, fonctions et devoirs du Premier ministre ukrainien. Sortie du bureau La plupart des premiers ministres des systèmes parlementaires ne sont pas nommés pour un mandat spécifique et peuvent en fait rester au pouvoir au cours d'un certain nombre d'élections et de parlements. Par exemple, Margaret Thatcher n’a été nommée Premier ministre qu’une seule fois, en 1979. Elle est restée continuellement au pouvoir jusqu’en 1990, même si elle a utilisé l’assemblée de chaque Chambre des communes après des élections générales pour remanier son cabinet. Certains États ont cependant un mandat de Premier ministre lié à la période au pouvoir du Parlement. C'est pourquoi le Taoiseach irlandais est officiellement « renommé » après chaque élection générale. (Certains constitutionnalistes se demandent si ce processus est réellement conforme aux dispositions de la constitution irlandaise, qui semblent suggérer qu'un taoiseach devrait rester en fonction, sans avoir besoin d'une nouvelle nomination, à moins qu'il n'ait clairement perdu les élections générales. .) Le poste de Premier ministre est normalement choisi parmi le parti politique qui détient la majorité des sièges à la chambre basse du Parlement. Dans les systèmes parlementaires, les gouvernements sont généralement tenus d'avoir la confiance de la chambre basse du parlement (même si une petite minorité de parlements, en accordant le droit de bloquer les crédits aux chambres hautes, rend en fait le cabinet responsable devant les deux chambres, bien qu'en réalité les chambres hautes, même lorsqu'elles détiennent le pouvoir, l'exercent rarement). Lorsqu'ils perdent un vote de confiance, qu'une motion de censure soit adoptée contre eux ou lorsqu'ils perdent des crédits, la plupart des systèmes constitutionnels exigent soit : Cette dernière permet en effet au gouvernement de faire appel à l'opposition du Parlement auprès de l'électorat. Cependant, dans de nombreux pays, un chef d'État peut refuser une dissolution parlementaire, exigeant ainsi la démission du Premier ministre et de son gouvernement. Dans la plupart des systèmes parlementaires modernes, le Premier ministre est la personne qui décide quand demander la dissolution du Parlement. Les constitutions plus anciennes confèrent souvent ce pouvoir au cabinet. Au Royaume-Uni, par exemple, la tradition selon laquelle c'est le Premier ministre qui demande la dissolution du Parlement remonte à 1918. Avant cette date, c'était l'ensemble du gouvernement qui en faisait la demande. De même, bien que la constitution irlandaise moderne de 1937 accorde au Taoiseach le droit de présenter une demande, la Constitution de l’État libre d’Irlande de 1922 accordait le pouvoir au Conseil exécutif (le nom alors du cabinet irlandais). En Australie, le Premier ministre devrait démissionner s'il perd le soutien majoritaire de son parti à la suite d'une motion de déversement, comme l'ont fait de nombreux ministres tels que Tony Abbott, Julia Gillard et Kevin Rudd. Titres Dans la constitution russe, le premier ministre est en fait intitulé Président du gouvernement, tandis que le premier ministre irlandais s'appelle le (ce qui se traduit en anglais par premier ministre), et en Israël, il s'appelle Rosh HaMemshalah, ce qui signifie « chef du gouvernement ». Dans de nombreux cas, bien que couramment utilisé, « premier ministre » n'est pas le titre officiel du titulaire de la charge ; le premier ministre espagnol est le président du gouvernement (). D'autres formes courantes incluent le président du conseil des ministres (par exemple en Italie, ), le président du Conseil exécutif ou le ministre-président. Dans les pays nordiques, le premier ministre est appelé Statsminister, ce qui signifie « ministre d'État ». Dans les fédérations, le chef du gouvernement des entités infranationales telles que les provinces est plus communément appelé premier ministre, ministre en chef, gouverneur ou ministre-président. La convention en langue anglaise est d'appeler presque tous les chefs de gouvernement nationaux « premier ministre » (parfois modifié par le terme équivalent de « premier »), quel que soit le titre correct du chef de gouvernement tel qu'appliqué dans son pays respectif. . Les rares exceptions à la règle sont l’Allemagne et l’Autriche, dont les titres de chef de gouvernement sont presque toujours traduits par Chancelier ; Monaco, dont le chef du gouvernement est appelé Ministre d'État ; et la Cité du Vatican, dont le chef du gouvernement porte le titre de secrétaire d'État. Dans le cas de l'Irlande, le chef du gouvernement est parfois appelé le Taoiseach par les anglophones. Un cas remarquable est celui du président iranien, qui n’est pas réellement un chef d’État, mais le chef du gouvernement iranien. Il est appelé « président » en persan et en anglais. Dans les pays non membres du Commonwealth, le Premier ministre peut avoir droit au style d'excellence comme un président. Dans certains pays du Commonwealth, les premiers ministres et anciens premiers ministres sont appelés très honorables en raison de leur position, par exemple au sein du Premier ministre du Canada. Au Royaume-Uni, le premier ministre et les anciens premiers ministres peuvent également sembler être appelés très honorables, mais cela n'est pas dû à leur position de chef du gouvernement mais au privilège d'être membres actuels du Conseil privé très honorable de Sa Majesté. Au Royaume-Uni, où un gouvernement décentralisé est en place, les dirigeants des gouvernements écossais, nord-irlandais et gallois sont appelés Premier ministre. En Inde, le Premier ministre est appelé Pradhan Mantri, ce qui signifie « premier ministre ». Au Pakistan, le Premier ministre est appelé Wazir-e-Azam, ce qui signifie « Grand Vizir ». Structure organisationnelle Le bureau exécutif du Premier ministre est généralement appelé Bureau du Premier ministre dans le cas du Canada et d'autres pays du Commonwealth, et au Royaume-Uni, il est appelé Cabinet Office. Certains cabinets de premiers ministres incluent le rôle du Cabinet. Dans d'autres pays, on l'appelle Département du Premier Ministre ou Département du Premier Ministre et du Cabinet, comme en Australie. Description du rôle Wilfried Martens, ancien Premier ministre belge, a décrit son rôle comme suit : Tout d’abord, [le Premier ministre doit écouter beaucoup, et lorsque des désaccords profonds surviennent, il doit proposer une solution au problème. Cela peut se faire de différentes façons. Parfois au cours de la discussion, je note les éléments du problème et je pense à une proposition que je peux formuler au Conseil (cabinet), le Secrétaire prenant des notes. Les ministres insistent alors pour changer les âges du jeu. Le Premier ministre peut également faire une proposition laissant suffisamment de place aux amendements afin de maintenir le débat en cours sur la bonne voie. Lorsqu'une solution doit être trouvée pour parvenir à un consensus, il peut forcer un ou deux ministres à adhérer ou à démissionner. Listes des premiers ministres Le tableau suivant regroupe la liste des premiers ministres passés et présents et détaille les informations disponibles dans ces listes.

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Qui a écrit le roman des années 1930 « Tendre est la nuit » ?

F. Scott Fitzgerald

Tendre est la nuit est un roman de l'écrivain américain F. Scott Fitzgerald. Il s'agissait de son quatrième et dernier roman achevé, et fut publié pour la première fois dans Scribner's Magazine entre janvier et avril 1934 en quatre numéros. Le titre est tiré du poème « Ode to a Nightingale » de John Keats. En 1932, l'épouse de Fitzgerald, Zelda Sayre Fitzgerald, fut hospitalisée pour schizophrénie à Baltimore, Maryland. L'auteur a loué le domaine de La Paix, dans la banlieue de Towson, pour travailler sur ce livre, qui raconte l'ascension et la chute de Dick Diver, un jeune psychanalyste prometteur, et de sa femme, Nicole, qui est également une de ses patientes. C'était le premier roman de Fitzgerald en neuf ans et le dernier qu'il achèverait. Le début des années 1930, lorsque Fitzgerald a conçu et travaillé sur le livre, a été les années les plus sombres de sa vie, et la tristesse du roman reflète ses propres expériences. Le roman reflète presque les événements de la vie de Fitzgerald et Zelda, alors que les personnages sont retirés et remis en soins psychiatriques, et que la figure masculine, Dick Diver, commence sa descente dans l'alcoolisme. Alors qu'il travaillait sur le livre, Fitzgerald était aux prises avec des difficultés financières. Il a emprunté de l'argent à son éditeur et à son agent et a écrit des nouvelles pour des magazines commerciaux. Deux versions du roman sont imprimées. La première version, publiée en 1934, utilise des flashbacks ; la deuxième version révisée, préparée par l'ami et critique réputé de Fitzgerald, Malcolm Cowley, sur la base de notes pour une révision laissées par Fitzgerald, est classée par ordre chronologique et a été publiée pour la première fois à titre posthume en 1948. Les critiques ont suggéré que la révision de Cowley a été entreprise en raison de critiques négatives. de la structure temporelle de la première version du livre. Fitzgerald considérait Tender Is the Night comme sa plus grande œuvre. Bien qu'il ait reçu une réponse tiède lors de sa sortie, il a gagné en popularité au fil des ans et est largement considéré comme l'un des meilleurs livres de Fitzgerald. En 1998, la Modern Library a classé le roman au 28e rang de sa liste des 100 meilleurs romans de langue anglaise du 20e siècle. Résumé de l'intrigue Dick et Nicole Diver forment un couple glamour qui prend une villa dans le sud de la France et s'entoure d'un cercle d'amis, principalement américains. Rosemary Hoyt, une jeune actrice, et sa mère séjournent également au complexe. Rosemary est aspirée dans le cercle des Plongeurs ; elle devient amoureuse de Dick et est également adoptée comme amie proche par Nicole. Dick joue avec l'idée d'une liaison avec Rosemary et agit plus tard en conséquence. Rosemary sent que quelque chose ne va pas dans le couple, ce qui est mis en lumière lorsqu'un des invités à une fête rapporte avoir vu quelque chose d'étrange dans la salle de bain. Tommy Barban, autre invité, vient fidèlement à la défense des Divers. L'action implique divers autres amis, y compris les Nord, où le comportement ivre d'Abe North est fréquent. L'histoire se complique lorsque Jules Peterson, un homme noir, est assassiné et se retrouve dans le lit de Rosemary, dans une situation qui pourrait détruire la carrière de Rosemary. Dick déplace le corps imbibé de sang pour dissimuler toute relation implicite entre Rosemary et Peterson. Un flash-back révèle qu'en tant que jeune médecin et psychanalyste prometteur, Dick a pris en charge un patient présentant un cas de névrose particulièrement complexe. Cette patiente était Nicole, dont la relation compliquée et incestueuse avec son père serait la cause de sa dépression. Au fur et à mesure que ses traitements progressent, elle devient amoureuse de Dick, qui développe à son tour le syndrome de Florence Nightingale. Il décide finalement d'épouser Nicole, en partie, pour lui offrir une stabilité émotionnelle durable. De fortes objections sont soulevées par la sœur de Nicole qui pense que Dick l'épousera en raison de son statut d'héritière. En tant que jeunes mariés, ils voyagent en Europe où Nicole paie le partenariat de Dick dans une clinique suisse et leur style de vie extravagant. Dick développe progressivement un problème d'alcool. Il a une altercation avec la police et est racheté de la clinique par son partenaire. Le récit revient au présent et raconte le mariage en ruine de Dick et Nicole alors qu'il devient de plus en plus amoureux de Rosemary, qui est maintenant une star hollywoodienne à succès. Rosemary et Nicole deviennent de plus en plus conscientes de leur indépendance et s'éloignent de Dick alors que sa façade de confiance cède la place à ses insécurités intérieures. Il devient de plus en plus embarrassant dans les situations sociales et familiales et Nicole noue une liaison avec Tommy Barban. Rosemary coupe finalement tous les liens avec Dick, et Nicole divorce et épouse Barban. Le roman se termine avec Dick dérivant dans des circonstances de plus en plus décroissantes. Composition Fitzgerald commença à travailler sur un nouveau roman presque immédiatement après la publication de The Great Gatsby en avril 1925. Son projet initial était de raconter l'histoire de Francis Melarkey, un jeune technicien hollywoodien voyageant sur la Côte d'Azur avec sa mère dominatrice. Francis devait se joindre à un groupe de riches expatriés américains brillants et charmants (basés sur Gerald et Sara Murphy et certains de leurs amis) et se désintégrer progressivement, tuant finalement sa mère. Fitzgerald avait initialement prévu d'appeler le roman « L'Exposition universelle », mais considérait également « Notre type » et « Le garçon qui a tué sa mère ». Les personnages basés sur les Murphy s'appelaient à l'origine Seth et Dinah Piper, et Francis était censé tomber amoureux de Dinah – un événement qui contribuerait à précipiter sa désintégration. Fitzgerald a écrit plusieurs chapitres pour cette version du roman en 1925 et 1926, mais n'a pas pu le terminer. Presque tout ce qu’il a écrit a finalement été intégré dans l’œuvre finie sous une forme modifiée. L'arrivée de Francis sur la Riviera avec sa mère et son introduction au monde des Pipers se sont finalement transposées dans l'arrivée de Rosemary Hoyt avec sa mère et son introduction au monde de Dick et Nicole Diver. Les personnages créés dans cette première version ont survécu dans le roman final, en particulier Abe et Mary North (à l'origine Grant) et les McKiscos. Plusieurs incidents tels que l'arrivée de Rosemary et les premières scènes sur la plage, sa visite au studio de cinéma Riviera et le dîner à la villa des Divers sont tous apparus dans cette version originale, mais avec Francis dans le rôle de l'étranger aux yeux écarquillés qui sera plus tard rempli par Rosemary. De plus, la séquence dans laquelle un Dick ivre est battu par la police à Rome a également été écrite dans cette première version (avec Francis comme victime battue) ; ceci était basé sur un incident réel survenu à Fitzgerald à Rome en 1924. Après un certain point, Fitzgerald s’est retrouvé bloqué dans le roman. Lui et Zelda (et Scottie) retournèrent aux États-Unis après plusieurs années passées en Europe et, en 1927, Scott se rendit à Hollywood pour écrire pour des films. Là, il rencontre Lois Moran, une belle actrice à la fin de son adolescence, avec qui il entretient une relation intense. Moran est devenu l'inspiration du personnage de Rosemary Hoyt. Fitzgerald subvenait à ses besoins et à ceux de sa famille à la fin des années 1920 grâce à sa production très lucrative de nouvelles (en particulier pour le Saturday Evening Post), mais était hanté par son incapacité à progresser dans le roman. Vers 1929, il essaya un nouvel angle avec le sujet, en recommençant avec une histoire à bord d'un navire sur un réalisateur hollywoodien et sa femme (Lew et Nicole Kelly) et une jeune actrice nommée Rosemary. Mais Fitzgerald n’a apparemment terminé que deux chapitres de cette version. En 1930, les Fitzgerald vivaient à nouveau en Europe. Zelda a eu sa première dépression nerveuse au début des années 1930 et a été internée en Suisse. Il est vite devenu évident qu’elle ne s’en remettrait jamais complètement. Le père de Fitzgerald est décédé en 1931, un événement qui a été écrit dans le dernier roman sous le nom de mort du père de Dick. Dévasté par ces coups (et par son propre alcoolisme implacable), Fitzgerald s'était installé dans la banlieue de Baltimore en 1932 et avait finalement décidé de quoi il allait écrire son roman – un homme au potentiel presque illimité qui prend la décision fatale d'épouser une belle femme. mais une femme malade mentale, et qui finit par sombrer dans le désespoir et l'alcoolisme lorsque leur mariage voué à l'échec échoue. Fitzgerald a écrit la version finale de Tender Is the Night en 1932 et 1933, tout en louant le domaine de La Paix à l'architecte de Baltimore Bayard Turnbull. Il a récupéré presque tout ce qu'il avait écrit pour la version préliminaire du roman de Melarkey sous une forme ou une autre et a également emprunté des idées, des images et des phrases à de nombreuses nouvelles qu'il avait écrites au cours des années qui ont suivi la fin de The Great Gatsby. En fin de compte, il a mis tout ce qu'il avait dans Tender – ses sentiments sur son propre talent gaspillé et son échec et sa stagnation professionnels (auto-perçus); ses sentiments à l'égard de ses parents (qui, sur le plan symbolique, ont largement inspiré Dick et Nicole Diver) ; sur son mariage, la maladie de Zelda et la psychiatrie (sur laquelle il avait beaucoup appris pendant son traitement) ; à propos de sa liaison avec Lois Moran et de celle de Zelda avec l'aviateur français Edouard Jozan (en parallèle dans la relation entre Nicole Diver et Tommy Barban). Le livre fut achevé à l'automne 1933 et publié en quatre épisodes dans Scribner's Magazine avant sa publication le 12 avril 1934. Apparitions dans d'autres œuvres Références au cinéma Tender is the Night est apparu dans plusieurs films. Il est apparu pour la première fois dans le film L'avventura de Michelangelo Antonioni en 1960, comme le livre qu'Anna lisait avant de disparaître. On le voit également dans le film Alice in den Städten de Wim Wenders (1973 — en anglais, Alice in the Cities) sur la table basse de la petite amie déprimée de Vogel. L'utilisation du livre dans ce dernier film a peut-être été inspirée par l'actrice Lois Moran, qui a servi de base au personnage de Rosemary Hoyt dans le roman de Fitzgerald et a joué une "hôtesse d'aéroport" dans le film de Wenders. Adaptations cinématographiques, télévisées et scéniques Le film de 1962 Tender Is the Night, basé sur le roman, mettait en vedette Jason Robards et Jennifer Jones dans le rôle des Divers. La chanson "Tender Is the Night", tirée de la bande originale du film, a été nominée pour l'Oscar de la meilleure chanson en 1962. Une mini-série télévisée du livre, avec un scénario de Dennis Potter, une musique de Richard Rodney Bennett et avec Mary Steenburgen et Peter Strauss dans le rôle de Nicole et Dick, a été réalisée par la BBC et diffusée en 1985 par la BBC au Royaume-Uni. la CBC au Canada et sur Showtime aux États-Unis. Une adaptation scénique, avec la permission du Fitzgerald Estate, par Simon Levy, a été produite au Fountain Theatre de Los Angeles en 1995. Elle a remporté le PEN Literary Award in Drama et plusieurs autres prix. Le ballet Up and Down de Boris Eifman, sorti en 2015, est vaguement basé sur le roman. Réception Fitzgerald considérait le roman comme son chef-d'œuvre et s'attendait à ce qu'il éclipse la popularité et le succès de ses romans précédents, en particulier The Great Gatsby. Cependant, il a plutôt rencontré des critiques mitigées et des ventes tièdes. Cela a grandement affligé Fitzgerald et a continué à le laisser perplexe tout au long de sa vie. Au cours de ses trois premiers mois de sortie, Tender is the Night s'est vendu à 12 000 exemplaires, contre This Side of Paradise, qui en a vendu plus de 50 000 au cours d'une période similaire. Bien qu'il ait reçu une poignée de critiques extrêmement positives, le consensus dominant était que son style et son sujet typiquement des années 1920 n'étaient plus modernes ou n'intéressaient plus suffisamment les lecteurs. Analyse héritée et moderne Depuis sa sortie initiale, la réputation critique de Tender is the Nights n'a cessé de croître. Les critiques modernes l'ont décrit comme « une œuvre de fiction superbement conçue » et « l'un des plus grands romans américains ». Il est désormais largement considéré comme l'une des œuvres les plus accomplies de Fitzgerald, certains, en particulier des critiques en dehors des États-Unis, étant d'accord avec la propre évaluation de l'auteur selon laquelle il surpasse The Great Gatsby. De nombreuses théories ont surgi quant aux raisons pour lesquelles le roman n'a pas reçu un accueil plus chaleureux lors de sa sortie. Ernest Hemingway a fait remarquer que, rétrospectivement, "Tender is the Night s'améliore de plus en plus" et a estimé que lui et les critiques s'étaient initialement intéressés uniquement à disséquer ses faiblesses, plutôt qu'à accorder le crédit qui lui était dû à ses mérites. Hemingway et d'autres ont fait valoir que ces critiques trop dures provenaient de lectures superficielles du matériel et de la réaction de l'Amérique de l'époque de la Grande Dépression face au statut de Fitzgerald en tant qu'enfant emblématique des excès de l'ère du jazz. Certains critiques ont fait valoir que le roman était une œuvre fortement féministe et estiment que les attitudes patriarcales conservatrices des années 1930 étaient en grande partie responsables du rejet initial. Les universitaires ont noté les forts parallèles entre Dick Diver et Jay Gatsby, beaucoup considérant le roman, et en particulier le personnage de Diver, comme l'œuvre la plus complexe sur le plan émotionnel et psychologique de Fitzgerald. Anne Daniel, écrivant pour The Huffington Post, a déploré le statut oublié du livre dans la culture dominante et a commenté que les lecteurs qui aimaient The Great Gatsby en viendraient inévitablement à aimer encore plus Tender is the Night. Honneurs En 1998, la Bibliothèque moderne a inclus le roman au 28e rang de sa liste des 100 meilleurs romans de langue anglaise du 20e siècle. Radcliffe l'a ensuite inclus au 62e rang de sa liste de rivaux. NPR l'a inclus au 69e rang de sa liste 2009 100 ans, 100 romans. En 2012, il figurait parmi les 1001 livres à lire avant de mourir.

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Maria Fitzherbert était « mariée » avec quel monarque britannique ?

George IV

Maria Anne Fitzherbert (anciennement Weld, née Smythe ; 26 juillet 1756 – 27 mars 1837) fut une compagne de longue date du futur roi George IV du Royaume-Uni avec qui elle contracta secrètement un mariage invalide selon le droit civil anglais avant son accession à Le trône. Bien que Fitzherbert ait été déshéritée par son premier mari, son neveu (le cardinal Weld) a persuadé le pape Pie VII de déclarer le mariage sacramentellement valide. Début de la vie Fitzherbert est né à Tong, Shropshire. Elle était l'aîné des enfants de Walter Smythe de Brambridge, Hampshire, fils cadet de Sir John Smythe, 3e baronnet, d'Acton Burnell, Shropshire. Sa mère était Mary Ann Errington de Beaufront, Northumberland, demi-sœur maternelle de Charles William Molyneux (1er comte de Sefton). Elle a fait ses études à Paris dans un couvent français. Mariages Fitzherbert épousa Edward Weld, de 16 ans son aîné, riche propriétaire foncier catholique du château de Lulworth en juillet 1775. Weld mourut trois mois plus tard après une chute de cheval et n'ayant pas signé son nouveau testament. Sa succession revient à son jeune frère Thomas, père du cardinal Weld. Sa veuve s'est retrouvée dans un véritable dénuement, n'a eu que peu ou pas de soutien financier de la famille Weld et a été obligée de se remarier dès qu'elle le pouvait. Elle s'est mariée une seconde fois, trois ans plus tard, avec Thomas Fitzherbert de Swynnerton, Staffordshire. Elle avait dix ans de moins que lui. Ils ont eu un fils décédé jeune. Elle devint de nouveau veuve le 7 mai 1781. Il lui laissa une rente de 1 000 £ et une maison de ville à Park Street, Mayfair. Relation avec Georges Fitzherbert, deux fois veuf, entra bientôt dans la haute société londonienne. Au printemps 1784, elle fut présentée à un jeune admirateur : George, prince de Galles, de six ans son cadet. Le prince s'éprit d'elle et la poursuivit sans cesse jusqu'à ce qu'elle accepte de l'épouser. En secret et – comme les deux parties le savaient bien – contre la loi, ils se marièrent le 15 décembre 1785, dans le salon de sa maison de Park Street, à Londres. Son oncle, Henry Errington, et son frère, Jack Smythe, en étaient les témoins. Cette cérémonie de mariage invalide a été célébrée par l'un des aumôniers ordinaires du prince, le révérend Robert Burt, dont les dettes (de 500 £) ont été payées par le prince pour le libérer de la prison de la flotte. Le mariage n'était pas valide car il n'avait pas reçu l'approbation préalable du roi George III et du Conseil privé comme l'exige le Royal Marriages Act de 1772. Si l'approbation avait été demandée, elle n'aurait peut-être pas été accordée pour de nombreuses raisons, y compris, par exemple, l'accord de Fitzherbert. Allégeance catholique romaine. Si le consentement avait été donné et que le mariage avait été légal, le prince de Galles aurait été automatiquement retiré de la succession au trône britannique en vertu des dispositions de la Déclaration des droits et de l'Act of Settlement de 1701. Son frère, le prince Augustus Frederick, a contracté un contrat de mariage. mariage invalide avec Lady Augusta Murray en 1793 sans le consentement du roi et eut deux enfants avec elle. Le 23 juin 1794, Fitzherbert fut informée par lettre que sa relation avec le prince était terminée. George a dit à son jeune frère, le prince Frederick, duc d'York et d'Albany, que lui et Fitzherbert étaient "séparés, mais à l'amiable", transmettant son intention d'épouser leur cousine germaine, la duchesse Caroline de Brunswick. Selon le roi George III, c'était le seul moyen de sortir du trou : les dettes de 600 000 £ de son héritier présomptif seraient payées le jour de son mariage. Le prince épousa donc Caroline le 8 avril 1795. En 1796, trois jours après que Caroline eut donné naissance à leur fille, la princesse Charlotte de Galles, le 10 janvier, le prince de Galles rédigea son dernier testament, léguant tous ses « biens matériels ». . à ma Maria Fitzherbert, ma femme, la femme de mon cœur et de mon âme". Bien que, selon les lois du pays, elle « ne pouvait pas se prévaloir publiquement de ce nom, elle est néanmoins telle aux yeux du Ciel, elle était, est et sera toujours telle aux miens… ». Cependant, cela n’a pas conduit à des retrouvailles. Le prince chercha finalement à se réconcilier avec son « second moi » au cours de l'été 1798. Il s'était alors définitivement séparé de Caroline et s'ennuyait avec sa maîtresse, Frances Villiers, comtesse de Jersey. Ils se sont à nouveau réconciliés après que le pape Pie VII ait jugé leur mariage légitime. Au cours des premières années de son règne en tant que roi George IV, il se retourna violemment contre Fitzherbert et plusieurs de ses anciens associés. Chaque fois qu'il prononçait son nom, c'était « avec des sentiments de dégoût et d'horreur », affirmant que leur union « était un mariage artificiel… juste pour la satisfaire ; que ce n'était pas un mariage – car il ne pouvait y en avoir sans licence ou sans document écrit. " Fitzherbert était en possession de documents et après leur rupture finale, ses demandes de paiement de sa rente étaient souvent accompagnées de menaces voilées de rendre publiques ses papiers si elle ne recevait pas les fonds. En juin 1830, alors que le roi était mourant, il s'empara avec empressement de sa lettre « guérissez-vous bientôt » et, après l'avoir lue, la plaça sous son oreiller. Fitzherbert – qui n'avait aucune idée à quel point il était malade – était profondément blessé de n'avoir jamais répondu à sa dernière lettre. Cependant, avant de mourir, le roi demanda à être enterré avec l'œil miniature de Fitzherbert autour du cou, ce qui fut fait. La mort Après la mort de George IV le 26 juin 1830, on découvrit qu'il avait conservé toutes les lettres de Fitzherbert et des mesures furent prises pour les détruire. Fitzherbert a parlé de leur mariage au frère de George IV, le roi Guillaume IV, et lui a montré le document en sa possession. Il demanda à Fitzherbert d'accepter un duché, mais elle refusa, demandant seulement la permission de porter des vêtements de veuve et d'habiller ses serviteurs en livrée royale. L'architecte William Porden a conçu Steine ​​House, du côté ouest du vieux Steine ​​à Brighton, pour Fitzherbert. Elle y vécut de 1804 jusqu'à sa mort en 1837. Elle fut enterrée à l'église Saint-Jean-Baptiste dans le quartier de Kemp Town à Brighton. Enfants possibles du Prince Certains chercheurs ont suggéré que Maria Fitzherbert a eu un, peut-être deux enfants de son mariage avec le futur roi. "En 1833, après la mort du roi, l'un de [ses] exécuteurs testamentaires, Lord Stourton, lui demanda de signer une déclaration qu'il avait écrite au dos de son acte de mariage. Elle disait : 'Moi, Mary Fitzherbert... témoigne que mon Union avec George P. du Pays de Galles était sans problème. Selon Stourton, elle, souriante, s'y est opposée, pour cause de délicatesse. En effet, lors de ses débuts à Brighton avec le prince de Galles, son oncle le duc de Gloucester et d'autres amis pensaient que Mme Fitzherbert était enceinte. Les membres de la famille Wyatt prétendent être les descendants de George IV par elle. À la mort de Fitzherbert, il est déclaré que ses enfants furent adoptés par une famille écossaise, nommée Wyatt, dont ils prirent le nom. Ensuite, ils sont venus vers le sud pour s'installer à Erith, dans le Kent. La famille Wyatt, en la personne de J.G. Wyatt, un ancien homme d'Erith qui a ensuite déménagé à Moose Jaw, en Saskatchewan, au Canada, et Isabella Annie Wyatt ont revendiqué le titre d'une partie du domaine Fitzherbert en 1937. L'un des enfants suggérés par le prince et son amant de longue date était James Ord (né en 1786), dont la curieuse histoire de réinstallations assistées et d'encouragements a été relatée ; Ord a finalement déménagé aux États-Unis et est devenu prêtre jésuite (mais semble s'être marié plus tard, voir l'article sur le général Edward Ord de la guerre civile américaine). Outre James Ord, la relation à long terme entre Fitzherbert et George, en tant que prince et roi, semble avoir conduit à plus d'une douzaine de réclamations concernant des enfants conçus hors mariage. Ceux-ci rejoignent les nombreux autres cas catalogués de liaisons de George, dont certains ont fait l'objet de discussions plus approfondies concernant des soins financiers largement inexplicables étant donné le prétendu descendant immédiat du roi George IV ou de ses pairs. Ces lignées comprennent les Hervey (de liaison de 1786 avec Lady Anne Lindsay, puis Barnard), les Crole (de 1798 liaison Eliza Crole, que A.J. Camp, généralement sceptique, considère comme un « fait ») et les Hampshires (de 15 ans de maîtresse Sarah Brown ). Le deuxième codicille du testament de Maria Fitzherbert décrit ses deux principaux bénéficiaires et comprend une note personnelle : "... ce papier est adressé à mes deux chers enfants... Je les ai aimés tous les deux avec l'affection [peu claire] que n'importe quelle mère pourrait leur apporter. , et j'ai fait tout ce qui était en mon pouvoir pour leurs intérêts et leur confort..." Leurs noms mariés étaient Mary Ann Stafford-Jerningham et Mary Georgina Emma Dawson-Damer. Stafford-Jerningham était nominalement la « nièce » de Fitzherbert et a été élevée sous le nom de Mary Ann Smythe. Dawson-Damer était nominalement la fille de l'amiral Lord Hugh Seymour et de Lady Anna Horatia Waldegrave. Seymour était un proche associé de George IV depuis leur jeunesse, et le fils de Seymour, George, était un exécuteur testamentaire et un bénéficiaire mineur du testament de Fitzherbert. Il n'y a aucune preuve que l'une ou l'autre de ces femmes étaient les enfants naturels de Maria Fitzherbert – en effet, la référence à « l'affection que toute mère pouvait leur apporter » (en insistant sur la mère) pourrait indiquer qu'elle ne se considérait que comme une figure maternelle pour elles, et pas plus. Le testament ne fait référence à aucun fils, même si cette observation doit être replacée dans son contexte historique ; des dix enfants illégitimes de Dorothea Jordan, actrice irlandaise et maîtresse de 20 ans du duc de Clarence, la garde des cinq garçons était initialement assumée par leur père et ses ménages, et la garde et les soins des filles étaient confiés à Jordan. Notamment, une telle revendication historique de filiation est accompagnée de controverses, et bon nombre des précédentes ont été contestées. Compte tenu de la mort de la princesse Charlotte sans enfants survivants, si le lien avec Ord était confirmé, la lignée qui les traverse rejoindrait un grand nombre de descendants survivants revendiqués du roi George IV. Nature et apparence Fitzherbert a été décrit comme ayant un nez aquilin et des dents desserrées. Elle avait les yeux noisette, des cheveux blonds soyeux et un teint impeccable. Au cinéma *Dans le film de 1943, L'Homme en gris, Maria est interprétée par Nora Swinburne. *Dans le film de 1947, Mme Fitzherbert, Maria est interprétée par Joyce Howard *Dans le film Beau Brummell de 1954, Maria est interprétée par Rosemary Harris *Dans le film de 1994, La folie du roi George, Maria est interprétée par Caroline Harker.

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Dans quel pays d'Amérique du Sud se trouve le mont Chimborazo ?

Équateur

Le Chimborazo est un stratovolcan actuellement inactif situé dans la chaîne de la Cordillère occidentale des Andes. On pense que sa dernière éruption connue s'est produite vers 550 après JC. Avec une altitude maximale de , le Chimborazo est la plus haute montagne de l'Équateur. C'est le plus haut sommet proche de l'équateur. Le Chimborazo n'est pas la montagne la plus haute en termes d'altitude au-dessus du niveau de la mer, mais sa situation le long du renflement équatorial fait de son sommet le point le plus éloigné du centre de la Terre. Géographie Emplacement Chimborazo se trouve dans la cordillère occidentale des Andes, au centre de l'Équateur, à 150 km (93 mi) au sud-sud-ouest de la capitale Quito. C'est un voisin du Carihuairazo, culminant à 5 018 m. Le sommet du Chimborazo s'élève à 2 500 m au-dessus des hauts plateaux environnants (~3 500 à 4 000 m) avec une base large d'environ 20 km. Par temps clair, le sommet du Chimborazo est visible depuis la ville côtière de Guayaquil, située à près de 140 km. Les villes les plus proches sont Riobamba (~ 30 km au sud-est), Ambato (~ 30 km au nord-est) et Guaranda (~ 25 km au sud-ouest). Chimborazo est entouré par la Reserva de Produccion Faunistica Chimborazo, qui forme un écosystème protégé pour préserver l'habitat des camélidés indigènes des Andes comme la vigogne, le lama et l'alpaga. Chimborazo se trouve à l'extrémité principale de l'arc volcanique équatorien, au nord-ouest de la ville de Riobamba. Chimborazo se trouve sur l'Avenida de los Volcanes (l'Avenue des Volcans) à l'ouest de la chaîne de montagnes de Sanancajas. Carihuairazo, Tungurahua, Tulabug et El Altar sont toutes des montagnes voisines du Chimborazo. Le sommet le plus proche, Carihuairazo, se trouve au Chimborazo. Il existe de nombreux microclimats près du Chimborazo, allant du désert de l'Arenal aux montagnes humides de la vallée de l'Abraspungo. Glacier Le sommet du Chimborazo est entièrement recouvert de glaciers, avec quelques bras glaciaires au nord-est descendant jusqu'à 4 600 m. Son glacier est la source d'eau pour la population des provinces de Bolivar et Chimborazo en Équateur. La masse de glace du glacier Chimborazo a diminué au cours des dernières décennies, ce que certains pensent être dû aux influences combinées du réchauffement climatique, des couvertures de cendres résultant de l'activité volcanique récente du Tungurahua et du phénomène El Niño. Comme sur d'autres montagnes glaciaires équatoriennes, la glace glaciaire du Chimborazo est extraite par les locaux (les soi-disant Hieleros de l'espagnol Hielo for Ice) pour être vendue sur les marchés de Guaranda et de Riobamba. Autrefois, les gens transportaient de la glace pour se rafraîchir jusqu'aux villes côtières telles que Babahoyo ou Vinces. Élévation Avec une altitude de , le Chimborazo est la plus haute montagne de l'Équateur et des Andes au nord du Pérou ; il est plus élevé que n’importe quel sommet situé plus au nord des Amériques. Point le plus éloigné du centre de la Terre Le sommet du mont Everest atteint une altitude plus élevée au-dessus du niveau de la mer, mais le sommet du Chimborazo est largement considéré comme le point de la surface le plus éloigné du centre de la Terre, avec Huascarán en deuxième position. Le sommet du Chimborazo est le point fixe sur Terre qui est le plus éloigné du centre – en raison de la forme sphéroïde aplatie de la planète Terre, qui est « plus épaisse » autour de l'équateur que mesurée autour des pôles. résoudre ce problème définitivement en raison des marges d'erreur dans les élévations des sommets et les données du géoïde. L'application de la formule au rayon terrestre # Rayon à une latitude géodésique donnée montre que le rayon terrestre est 520 m plus grand à Chimborazo qu'à Huascaran, les données les plus récentes montrant 5 m supplémentaires en raison des variations locales de la gravité, pour un total de 525 m. . Deux hauteurs sont données pour Huascarán - à partir de la carte de l'Institut géographique national péruvien (IGN) et à partir de la carte d'enquête du Club alpin autrichien (OeAV). Chimbaro est maintenant . Ainsi, le sommet du Chimborazo est environ 20 ou 40 m plus éloigné du centre de la Terre que celui du Huascaran. Le Chimborazo se trouve à un degré au sud de l'équateur et le diamètre de la Terre à l'équateur est plus grand qu'à la latitude de l'Everest (au-dessus du niveau de la mer), près de 27,6° nord, le niveau de la mer étant également élevé. Bien qu'il soit plus bas en altitude au-dessus du niveau de la mer, il est plus éloigné du centre de la Terre que le sommet de l'Everest (du centre de la Terre). Dans ce classement, plusieurs autres sommets andins ainsi que la plus haute montagne d'Afrique, le Kilimandjaro, dépassent l'Everest. Cependant, selon le critère d'élévation au-dessus du niveau de la mer, le Chimborazo n'est même pas le plus haut sommet des Andes. Géologie Le Chimborazo est un volcan inactif couvert de glace en Équateur. Le Chimborazo est un double volcan composé d'édifices volcaniques superposés. Le Chimborazo présente quatre sommets ; Veintimilla, Whymper, Politecnica et Nicolas Martínez. Le sommet Veintimilla culmine à environ 6230 m d'altitude. Le pic Whymper est le point culminant de la montagne avec 6 263 mètres. Le sommet Politecnica culmine à 5820 m. Le dernier sommet, Nicolas Martínez, culmine à 5 570 m. Ce sommet doit son nom au père de l'alpinisme équatorien. Le volcan est classé comme stratovolcan. Ce type de volcan se caractérise par de faibles pentes au pied qui deviennent progressivement plus raides à mesure que l'on monte dans la montagne. Chimborazo a une circonférence de 78 milles et un diamètre de 30 milles. Les altitudes supérieures du Chimborazo sont couvertes de glaciers dont la taille diminue en raison du changement climatique et des chutes de cendres du volcan voisin, le Tungurahua. En plus des glaciers, le volcan est couvert de cratères. Le volcan est à dominante andésitique à dactique. Cela signifie que la lave est en blocs, ou coule sur les côtés du volcan, ou quelque part entre les deux. Le point culminant du Chimborazo est le point le plus éloigné du centre de la terre, c'est donc aussi le point de la surface de la terre qui est à un moment donné plus proche du soleil que tout autre point de la surface de la terre à tout moment de l'année. Le Chimborazo est le point le plus éloigné du centre de la Terre car la Terre fait saillie au niveau de l'équateur et le Chimborazo est situé à seulement un degré au sud de l'équateur. Le mont Everest se trouve à 28° au nord de l'équateur. C'est pourquoi le Chimborazo est 2,1 kilomètres plus éloigné du centre de la Terre que l'Everest. Le Chimborazo est 73,5 mètres plus haut que la plus haute montagne d'Amérique du Nord. Le Chimborazo est souvent associé au volcan voisin Cotopaxi, bien que les deux volcans aient des structures complètement différentes. Volcanisme Le Chimborazo est un stratovolcan à dominante andésitique-dacitique. Il y a environ 35 000 ans, un effondrement du Chimborazo a provoqué une avalanche de débris d'une épaisseur moyenne de quarante mètres. qui sous-tend la ville de Riobamba. Il a temporairement endigué le Rio Chambe, provoquant un lac éphémère. Le Chimborazo est ensuite entré en éruption à plusieurs reprises au cours de l'Holocène, la dernière fois vers 550 après JC ± 150 ans. Les éruptions qui ont suivi l'effondrement étaient principalement des coulées de lave andésitiques ou coagulées en blocs. Ces éruptions ont produit des déferlements pyroclastiques qui descendaient jusqu'à 3 800 mètres d'altitude. Il y a eu au moins 7 éruptions au cours des 10 000 dernières années. Le Chimborazo est officiellement considéré comme inactif, mais des études montrent qu'il pourrait y avoir une éruption dans le futur. Le temps moyen entre les éruptions du Chimborazo est de 1 000 ans et la dernière éruption remonte à 1 400 ans. Histoire Jusqu'au début du XIXe siècle, on pensait que le Chimborazo était la plus haute montagne de la planète (mesurée à partir du niveau de la mer), et cette réputation a conduit à de nombreuses tentatives pour atteindre son sommet au cours des XVIIe et XVIIIe siècles. En 1746, le volcan fut exploré par des académiciens français de la Mission géodésique française. Leur mission était de déterminer la sphéricité de la Terre. Leur travail avec une autre équipe en Laponie a établi que la Terre était un sphéroïde aplati plutôt qu'une véritable sphère. Ils n'atteignirent pas le sommet du Chimborazo. En 1802, lors de son expédition en Amérique du Sud, le baron Alexander von Humboldt, accompagné d'Aimé Bonpland et de l'Équatorien Carlos Montúfar, tenta d'atteindre le sommet. D'après sa description de la montagne, il semble qu'avant que lui et ses compagnons ne reviennent, souffrant du mal de l'altitude, ils ont atteint un point de 5 875 m, plus haut que jamais atteint par aucun Européen dans l'histoire enregistrée. (Les Incas avaient déjà atteint des altitudes beaucoup plus élevées ; voir Llullaillaco). En 1831, Jean Baptiste Boussingault et le Colonel Hall atteignent un nouveau « point culminant », estimé à 6 006 m. D’autres tentatives infructueuses pour atteindre le sommet ont suivi. Le 4 janvier 1880, l'alpiniste anglais Edward Whymper atteint le sommet du Chimborazo. La route que Whymper a empruntée à Chimborazo est maintenant connue sous le nom de route Whymper. Edward Whymper et ses guides italiens Louis Carrel et Jean-Antoine Carrel ont été les premiers Européens à gravir une montagne de plus de 20 000 pieds. Comme de nombreux critiques doutaient que Whymper ait atteint le sommet, plus tard dans la même année, il remonta au sommet, choisissant un itinéraire différent (Pogyos) avec les Équatoriens David Beltrán et Francisco Campaña. Étymologie Il existe plusieurs théories concernant l’origine du nom Chimborazo. Dans de nombreux dialectes du quichua ou du quechua, « chimba » signifie « de l'autre côté » comme dans « de l'autre côté de la rivière » ou « sur la rive opposée ». D'autres dialectes prononcent ce mot « chimpa ». De plus, « razu » signifie « glace » ou « neige ». Les locuteurs locaux du quichua diront que Chimborazo est une prononciation hispanique de « chimbarazu », qui signifie « la neige de l'autre côté ». Une autre théorie suggère qu'il s'agit d'une combinaison du Cayapa Schingbu pour les femmes et du Colorado/Quichua Razo pour la glace/neige, ce qui donne naissance aux femmes de glace. Selon un autre, Chimbo est Jivaro pour Trône du Maître/Dieu, ce qui donne le Trône de Glace de Dieu. Les habitants appelaient également la montagne Urcurazu, le Quichua Urcu signifiant Montagne résultant en Montagne de Glace. Dans le mysticisme indigène local, Chimborazo représente Taita (Père) tandis que le Tungurahua voisin est considéré comme Mama, d'où Taita Chimborazo et Mama Tungurahua. Vol SAETA 232 En août 1976, le vol SAETA 232 transportant 55 passagers et quatre membres d'équipage à bord d'un Vickers Viscount reliant Quito à Cuenca a disparu en cours de route. En février 2003, après 27 ans, l'avion a été retrouvé avec les corps de ses 59 occupants à 5 400 m d'altitude sur le Chimborazo par des alpinistes équatoriens sur la route orientale rarement utilisée, Integral. Autre * Le chimborazo figure sur les armoiries équatoriennes, pour représenter la beauté et la richesse de la Sierra (hautes terres) équatorienne. * Le poème de Simón Bolívar, "Mi delirio sobre el Chimborazo", s'inspire de la montagne. * Le poème de Walter J. Turner, "Romance" contient le couplet "Chimborazo, Cotopaxi/Ils m'avaient volé mon âme !" * Poème de Luis Alberto Costales, "Canto al Chimborazo" (Chanter du Chimborazo). Alpinisme En tant que plus haute montagne de l'Équateur, le Chimborazo est une ascension très populaire et peut être gravie toute l'année, les meilleures saisons étant décembre-janvier et juillet-août. Itinéraires Les voies les plus faciles (Note : PD) et les plus grimpées sont la voie Normale et la voie Whymper. Les deux sont des itinéraires de crête ouest commençant au refuge Whymper et menant via le sommet de Ventemilla jusqu'au sommet principal (Whymper). Il existe plusieurs autres itinéraires moins fréquentés et plus difficiles sur les autres faces et crêtes des montagnes menant à l'un des sommets du Chimborazo : Main (Pourquoimper, Équateur), Politecnico (Centre), N. Martinez (Est). La montagne est contenue sur la carte IGM (Instituto Geografico Militar) 1:50000 Chimborazo (CT-ÑIV-C1). Cabanes Il y a deux refuges fonctionnels, le refuge Carrel (4 850 m) et le refuge Whymper voisin (5 000 m). Le refuge Carrel est accessible en voiture depuis Riobamba, Ambato ou Guaranda. Du côté nord-ouest se trouve le refuge Zurita (4 900 m), aujourd'hui disparu, qui servait de base à la route Pogyos. Escalade El Castillo est la route la plus populaire pour monter sur le volcan. Cet itinéraire est généralement parcouru de décembre à février et de juin à septembre. Cet itinéraire consiste à gravir le côté ouest du volcan. L'itinéraire commence au refuge Whymper jusqu'à une selle au-dessus d'El Castillo. Depuis la selle, on passe par une crête glaciaire puis on monte jusqu'au sommet de Veintemilla. Le sommet de Veintemilla est souvent le point de retournement des grimpeurs. Il y a un bassin enneigé de 30 minutes entre le sommet Veintemilla et le sommet Whymper. Le sommet Whymper est le point culminant de la montagne. La route El Castillo prend environ huit à douze heures pour monter et environ trois à cinq heures pour descendre. L'ascension du Chimborazo est dangereuse en raison du risque d'avalanches, des conditions météorologiques extrêmes et du fait qu'il est recouvert de glaciers. L'escalade doit commencer la nuit afin d'atteindre le sommet avant le lever du soleil, lorsque la neige fond, ce qui augmente les risques d'avalanches et de chutes de pierres. La montée elle-même exige du savoir-faire. L'ascension se fait souvent sur de la glace noire et nécessite des crampons et d'autres équipements d'escalade de haute technologie. Le 10 novembre 1993, trois groupes d'alpinistes, un à l'ascension et deux à la descente, ont été pris dans une avalanche sur les pentes abruptes situées au-dessous du sommet de Veintimilla. Cette avalanche a enseveli dix alpinistes dans une crevasse à . Ces grimpeurs étaient : six Français, deux Équatoriens, un Suisse et un Chilien. Après que les dix alpinistes aient été ensevelis sous la neige, il a fallu vingt personnes et dix jours pour retrouver leurs corps. Il s'agit du pire accident d'escalade survenu à ce jour en Équateur.

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Qui a écrit le poème « La Dame du Lac » ?

Sir Walter Scott

La Dame du Lac est un poème narratif de Sir Walter Scott, publié pour la première fois en 1810. Situé dans la région des Trossachs en Écosse, il est composé de six chants, chacun concernant l'action d'un seul jour. Le poème comporte trois intrigues principales : le concours entre trois hommes, Roderick Dhu, James Fitz-James et Malcolm Graeme, pour gagner l'amour d'Ellen Douglas ; la querelle et la réconciliation du roi Jacques V d'Écosse et de James Douglas ; et une guerre entre les Écossais des basses terres (dirigés par James V) et les clans des hautes terres (dirigés par Roderick Dhu du Clan Alpine). Le poème a eu une énorme influence au XIXe siècle et a inspiré le Highland Revival. Cependant, à la fin du XIXe siècle, le poème était beaucoup moins populaire. (Il est cependant resté une lecture standard dans les écoles primaires jusqu'au début du XXe siècle.) Son influence est indirecte : Ellens Dritter Gesang de Schubert (adapté plus tard pour utiliser les paroles complètes de l'Ave Maria latine), La Donna del Lago de Rossini. (1819), la coutume du Ku Klux Klan consistant à brûler des croix, le nom de famille de l'abolitionniste américain Frederick Douglass et la chanson « Hail to the Chief » ont tous été inspirés par le poème. Il partage son nom avec le personnage arthurien, la Dame du Lac. Les autres allusions à la légende sont rares. Personnages *Le roi Jacques V d'Écosse voyageant incognito sous le nom de James Fitz-James, le chevalier de Snowdoun *Ellen Douglas, fille de James Douglas *James Douglas, autrefois comte de Bothwell, mentor du jeune roi Jacques, maintenant exilé en tant qu'ennemi *Allan Bane, un barde *Roderick Dhu, le chef du clan Alpine, interdit après avoir commis un homicide de sang-froid devant un tribunal écossais *Lady Margaret, la mère de Roderick Dhu *Malcolm Graeme, jeune chef des Highlands et ancien courtisan du roi Jacques, aimé d'Ellen *Brian l'Ermite, un prophète païen dans la tradition druidique *Duncan, un membre éminent du Clan Alpine qui vient de décéder *Angus, le fils de Duncan *Norman, marié et membre du Clan Alpine *Mary, l'épouse de Norman *Blanche de Devan, une femme écossaise des basses terres, dont le marié a été assassiné le jour de son mariage par les hommes du clan Alpine, faisant perdre la raison à Blanche. Narratif Chant I : La poursuite Le poème commence par une chasse rapide, poursuivant un cerf dans les forêts des Trossachs. Le cerf dépasse la chasse, épuisant tous ses membres jusqu'à ce qu'un seul chasseur – qui, nous l'apprenons plus tard, est James Fitz-James – le suive jusqu'à ce que son cheval tombe mort d'épuisement. Le chasseur klaxonne pour essayer de contacter quelqu'un et se dirige vers la rive du Loch Katrine où une jeune femme, Ellen Douglas, le traverse et le récupère dans un skiff. Il est ensuite emmené dans une maison qu'il soupçonne d'être la cachette cachée d'un chef des Highlands. Là, Il reçoit un dîner d'Ellen, le barde Allan Bane et Lady Margaret, ainsi qu'un lit pour la nuit. Cette nuit-là, il rêve d'Ellen, seulement pour voir son visage se transformer soudainement en celui de son ennemi exilé, James Douglas – ce qui l'amène à soupçonner qu'Ellen et James Douglas sont liés. Chant II : L'Île Puisque le poème ne fonctionnera que si James Douglas et James Fitz-James ne se rencontrent pas avant le sixième chant, ce chant comporte un certain nombre d'allées et venues. James Fitz-James quitte l'île tôt le matin. Ellen et Allan Bane discutent de Roderick Dhu, Malcolm Graeme et James Fitz-James, convenant que le premier est assoiffé de sang et meurtrier, mais la seule personne qui défendrait James Douglas, et que James Fitz-James est une personne attirante, mais peut-être. un ennemi secret de leurs parents. Roderick Dhu, James Douglas et Malcolm Graeme retournent sur l'île. Alors que le Clan Alpine escorte Roderick Dhu jusqu'à l'île, ils chantent la chanson du bateau « Hail to the Chief ». Roderick Dhu demande à Douglas la main d'Ellen en mariage, pour conclure une alliance entre Douglas et le Clan Alpine, qui peut être la base d'un soulèvement des Highlands contre le roi Jacques. James Douglas refuse, en partie parce qu'il ne forcera pas Ellen à un mariage sans amour, en partie aussi parce qu'il reste, malgré toutes les blessures qu'il a subies, fidèle au roi Jacques. Roderick Dhu et Malcolm Graeme se disputent à propos d'Ellen et sont sur le point de tirer leur épée l'un contre l'autre, mais James Douglas déclare que le premier à tirer sera son ennemi. James Douglas dit aussi que c'est une insulte pour un exilé que sa fille soit le butin d'une bataille entre deux chefs. Roderick Dhu dit à Graeme de quitter son territoire, ce que fait Graeme, refusant même d'emprunter un bateau ; Graeme nage à la place du Loch Katrine jusqu'au rivage. Chant III : Le Rassemblement Malgré le refus de James Douglas de participer au soulèvement, Roderick Dhu décide quand même de déclencher la rébellion. Avec un prophète païen, Brian l'Ermite, Roderick façonne et allume la croix de feu, et la remet à son acolyte, Malise, pour appeler les membres du clan à la guerre. Les membres du clan abandonnent tout ce qu'ils font pour répondre à la convocation de leur chef, qu'il s'agisse d'un enterrement (Angus aux funérailles de son père, Duncan) ou d'un mariage (Norman et Mary). Malise parcourt la campagne, transmettant finalement la croix brûlante à Angus, le fils de Duncan, un membre éminent du clan qui vient de mourir ; et Angus, à son tour, transmet la convocation à Norman, un époux, interrompant le mariage de Norman. James Douglas fuit l'île pour se réfugier dans la grotte d'un ermite afin de ne pas être associé au soulèvement du clan Alpine. Alors que Roderick Dhu s'apprête à quitter l'île, il surprend Ellen priant la Vierge en chantant « Ave Maria ». Roderick Dhu se rend compte tristement que c'est la dernière fois qu'il entendra la voix d'Ellen, puis se prépare à partir au combat. Chant IV : La Prophétie Malise et Norman discutent de la bataille à venir. Roderick Dhu a décidé que les femmes et les vieillards devraient se réfugier sur l'île au milieu du Loch Katrine. Lorsque Norman demande pourquoi Roderick reste à l'écart du corps principal des troupes, Malise répond que c'est le résultat d'une prophétie faite par Brian l'Ermite. Roderick Dhu avait consulté Brian sur l'issue de la bataille. Pour le déterminer, ils sacrifient l'un des plus beaux animaux que le clan avait reçu lors d'un de ses raids de bétail, un taureau blanc laiteux. Brian a prophétisé, "Ce qui fait perdre la vie au plus grand ennemi, c'est ce parti qui triomphe dans le conflit" — lignes 2524-25 Rhoderick Dhu demande si l'un des clans amis locaux combattra aux côtés du clan Alpine ; quand il apprend que personne ne le fera, il verse une larme, mais se maîtrise aussitôt et dit que le clan Alpine combattra dans la vallée des Trossachs. Ellen, quant à elle, s'inquiète du sort de son père, qui a déclaré qu'ils se retrouveraient ensuite au paradis s'ils ne se rencontraient nulle part ailleurs. Allan Bane cherche à la distraire en chantant la ballade d'Alice Brand. À la fin de la ballade, James Fitz-James apparaît. Il a demandé à un guide, Murdoch, de le ramener au Loch Katrine. Là, il supplie Ellen de quitter les hautes terres et de s'enfuir avec lui. Ellen dit qu'elle ne peut pas l'épouser ; premièrement, elle est la fille d’un hors-la-loi ; deuxièmement, son cœur est promis à un autre. James Fitz-James est déçu, mais avant de partir, il lui donne une bague, disant que si elle a besoin de quelque chose du roi d'Écosse, elle n'a qu'à lui présenter la bague et elle lui amènera et il exaucera son souhait. Murdoch guide James Fitz-James plus loin, lorsqu'ils rencontrent Blanche de Devan. Le marié de Blanche a été tué par le clan Alpine le jour de son mariage, après quoi elle a perdu la raison. Blanche chante une chanson de chasse pour avertir James Fitz-James que Murdoch et les autres hommes du clan Alpine envisagent de le piéger et de l'assassiner. James Fitz-James dégaine alors son épée ; Murdoch tire une flèche qui manque James Fitz-James, mais frappe Blanche, la tuant. James Fitz-James poursuit alors Murdoch et le poignarde à mort. Il revient auprès de Blanche, qui le prévient de l'embuscade. Blanche porte une mèche de cheveux de son époux depuis son meurtre. Blanche meurt. James Fitz-James coupe une mèche de cheveux de Blanche, la mélange aux cheveux de son époux et l'imprègne de son sang, promettant d'imprégner la mèche du sang de Roderick Dhu. Il envisage ensuite de sortir du piège des hautes terres en marchant la nuit. Il y parvient jusqu'à ce qu'il tourne un rocher et tombe soudainement sur un alpiniste assis près d'un feu. Le guerrier le défie et James Fitz-James dit qu'il n'est pas un ami de Roderick Dhu. Cependant, les deux hommes se reconnaissent comme de dignes guerriers, le guerrier partage son dîner avec James Fitz-James, et les deux s'endorment côte à côte. Chant V : Le Combat L'aube se lève et les deux hommes se dirigent vers la frontière. Ils commencent à se disputer sur les relations entre les Highlanders et les Lowlanders ; Fitz-James condamne les vols et les querelles entre clans, tandis que son guide répond en faisant référence aux nombreuses appropriations et crimes légalisés des Lowlanders. Enfin, James Fitz-James déclare que s'il rencontrait un jour le chef, il se vengerait pleinement. Là-dessus, le montagnard siffle, et cinq cents hommes sortent de leurs cachettes ; l'alpiniste révèle qu'il s'agit de Roderick Dhu. Désirant avoir ce combat pour lui tout seul, il renvoie les hommes qui attendaient pour lui tendre une embuscade. Arrivés à la frontière, ils commencent à se battre, le chef refusant de régler leurs différends autrement. Bien que Roderick soit plus fort, il est moins habile et est grièvement blessé ; lorsque Fitz-James s'arrête pour s'adresser à lui, le chef le saisit à la gorge avec défi ; mais il a perdu trop de sang, et ses forces lui manquent. Fitz-James gagne après une longue lutte, et avec son clairon convoque l'aide médicale de Roderick Dhu avant de partir pour Stirling, où se déroule un festival. Alors qu'il s'approche du château, il aperçoit Douglas au loin. Douglas est venu se rendre pour sauver Roderick et Malcolm Graeme ; mais avant cela, il s'arrête pour participer aux jeux de la fête. Il remporte tellement d'épreuves qu'il est amené à rencontrer le roi, mais le roi, lui donnant la bourse en argent, ne le reconnaît pas comme une connaissance. Provoqué, Douglas se nomme et est immédiatement saisi. Un messager se précipite pour annoncer que le comte de Mar est sur le point de commencer la bataille contre Roderick Dhu, et il reçoit l'ordre de revenir avec la nouvelle que Roderick et Douglas ont été capturés et qu'aucune bataille n'est nécessaire. Chant VI : La salle des gardes Le lendemain matin, Ellen et Allan Bane entrent dans la salle des gardes du château de Stirling, dans l'espoir de rendre visite à Douglas en prison. Ellen est emmenée dans une chambre meublée à l'étage pour attendre ; Allan Bane est montré dans la cellule de Roderick Dhu, grièvement blessé, qui meurt alors qu'Allan lui chante une dernière chanson. Pendant ce temps, penchée par la fenêtre, Ellen est surprise et navrée d'entendre la voix de Malcolm Graeme, chantant dans l'une des tourelles. Peu de temps après, Fitz-James arrive pour lui dire qu'il est temps de son audience avec le roi. Ellen entre dans la pièce et cherche le roi James. À sa grande surprise, tous les hommes ont enlevé son chapeau à l'exception de James Fitz-James, et elle se rend compte que James Fitz-James est le roi lui-même. Terrifiée, Ellen s'effondre, mais le roi la relève et la rassure sur le fait que son père a été gracié, et lui demande qui d'autre elle aimerait libérer. Sa première pensée généreuse va à Roderick Dhu, mais James lui dit qu'il est mort. Ellen est sur le point de demander Malcolm, mais ne peut pas parler ; devinant son souhait, le roi ordonne en plaisantant que Malcolm soit enchaîné, et après avoir mis une chaîne en or autour du cou de l'homme, donne le fermoir à Ellen. Sources Le poème n'est pas basé sur des événements historiques spécifiques, mais comporte certains éléments qui se sont produits dans l'histoire écossaise : *Dans la mythologie, le roi Jacques V d'Écosse était réputé voyager de manière anonyme parmi ses sujets. *Plusieurs rois d'Écosse se sont disputés avec la dynastie Douglas. *Le clan Alpine est un très ancien clan des Highlands en cours de rétablissement, dont de nombreux clans prétendent être des descendants, par ex. les MacGregor. Ils représentent le peuple des Highlands et sa lutte de pouvoir avec la monarchie écossaise. Influences Les influences du poème La Dame du Lac sont à la fois étendues et diverses, étant donné que le nom de famille pris par le principal abolitionniste afro-américain, Frederick Douglass, et la coutume du Ku Klux Klan consistant à brûler des croix dérivent de l'influence de le poème (à travers le film Birth of a Nation.) Mais la croix ardente ou Crann Tara était un moyen de rallier les gens en Écosse et ne portait pas de connotations racistes. La Donna del Lago de Rossini Gioachino Rossini a composé un opéra, La Donna del Lago, basé sur le poème. L'opéra minimise les autres intrigues au profit de l'histoire d'amour. Dans l'opéra, James Douglas dit à Ellen qu'elle doit épouser Roderick Dhu. Les noms de certains personnages sont légèrement modifiés : Roderick Dhu devient Rodrigo, Ellen devient Elena et James Fitz-James devient Uberto. Sieben Gesänge de Schubert aus Walter Scotts "Fräulein am See" Le poème de Walter Scott, dans la traduction allemande d'Adam Storck, a été mis en musique par Franz Schubert dans son œuvre intitulée Sieben Gesänge aus Walter Scotts "Fräulein am See" (Sept chansons de La Dame du Lac de Walter Scott). Cela inclut les trois « chansons d'Ellen » : « Ellens Gesang I », « Ellens Gesang II » et « Ellens Gesang III ». En raison de ses premiers mots, « Ave Maria », Ellens Gesang III est parfois aussi appelée « Ave Maria de Schubert ». Cependant, la musique est devenue plus célèbre dans une adaptation ultérieure qui a remplacé le texte Scott/Storck par le texte latin de la prière catholique « Ave Maria » (« Je vous salue Marie »). D'autres chansons du poème mis en musique par Schubert sont "The Boat-Song" commençant par les célèbres vers "Hail to the Chief", une chanson de deuil chantée pour Duncan, "Coronach", "Normans Gesang", chantée par Norman à Mary quand il apprend qu'il doit rejoindre le Clan-Alpine Muster, et enfin "Lied des gefangenen Jägers",(Lay du chasseur emprisonné) chanté par Malcolm Graeme, le fiancé d'Ellen Douglas, alors qu'il était captif au château de Stirling. "Boot Gesang" et "Coronach" sont des pièces chorales, et comme les autres chansons du cycle sont pour voix seule, les interprétations complètes du cycle sont donc très rares. Brûlure croisée Dans le troisième chant du poème, une croix brûlée est utilisée pour appeler le clan Alpine à se soulever contre le roi Jacques. Cette méthode de ralliement des partisans et de publicité de leurs attaques a été adaptée par le deuxième Ku Klux Klan en 1915 après le film La Naissance d'une nation. Le Ku Klux Klan a utilisé l'incendie de croix pour créer une terreur dramatique comme tactique raciste. Et tandis que la Croix de Feu regardait autour de lui, tel un météore. Le chef tuait une chèvre, fabriquait une croix en bois clair, allumait le feu aux quatre extrémités et éteignait les flammes en sacrifiant le sang de la chèvre. La croix fut portée au premier village par un messager qui prononça un seul mot ; le lieu de rencontre. Le village enverrait un messager avec la croix au village suivant et transmettrait le même message. Tout homme âgé de 16 à 60 ans, capable de porter les armes, qui ne parvenait pas au rendez-vous fixé en tenue de combat complète, connaissait le même sort que le bouc et la croix : il était lui-même tué et ses biens incendiés. Le nom de famille de Frederick Douglass Frederick Douglass tire son nom de famille du poème. Lorsque Douglass s'est échappé de l'esclavage, il a changé son nom de famille pour se cacher de son ancien maître. Un ami m'en a proposé un nouveau : Ellen Douglas Birdseye Wheaton Ellen Douglas Birdseye Wheaton (1816-1858), auteur du Journal d'Ellen Birdseye Wheaton (1923, imprimé en privé, Boston), épouse de l'abolitionniste Charles Augustus Wheaton (1809-1882), a été nommée en l'honneur de l'héroïne Scott par ses parents. Classiques édition illustrée En septembre 1950, l'éditeur de bandes dessinées Gilberton Company, Inc., de New York, a publié le numéro 75 de Classics Illustrated, "La Dame du Lac". Il a été illustré par Henry C. Kiefer, l'un des meilleurs graphistes de Gilberton pour le genre bande dessinée. La rédactrice en chef était Hélène Lecar, qui a transformé les chants en un récit concis qui intéresserait les enfants d'âge scolaire. Il comporte 44 pages consacrées à l'histoire de Sir Walter Scott, plus une page de biographie de Sir Walter. Le numéro 75 de Classics Illustrated se vendait à l'origine 15 cents et des dizaines de milliers d'exemplaires étaient imprimés sur du papier journal bon marché. Il reste un objet de collection plus de six décennies plus tard et est largement vendu dans les magasins de bandes dessinées d'occasion. Adaptation cinématographique En 1928, le poème servit de base au film muet La Dame du Lac réalisé par James A. FitzPatrick et mettant en vedette Percy Marmont et Benita Hume. Il a été réalisé aux studios Islington par Gainsborough Pictures.

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Henry Blake, Charles Winchester et le Père Mulcahy sont tous des personnages de quelle série télévisée américaine ?

M*A*S*H

Ceci est une liste de personnages de la franchise M*A*S*H, couvrant les différents personnages fictifs apparaissant dans le roman MASH : A Novel About Three Army Doctors et ses suites, l'adaptation cinématographique du roman de 1970 et la série télévisée. M*A*S*H, AfterMASH, W*A*L*T*E*R et Trapper John, MD. M*A*S*H est une franchise médiatique populaire qui tourne autour du personnel du 4077th Mobile Army Surgical Hospital alors qu'il tente de maintenir la raison pendant la dureté de la guerre de Corée. Personnages principaux Pierce Œil-de-Faucon Le capitaine Benjamin Franklin « Hawkeye » Pierce est le principal protagoniste des romans, films et séries télévisées MASH. Le personnage a été joué par Donald Sutherland dans le film et par Alan Alda à la télévision, où il était le seul personnage à apparaître dans les 251 épisodes. Entre de longues et intenses séances de traitement de patients grièvement blessés, il tire le meilleur parti de sa vie dans un camp militaire isolé en faisant des plaisanteries, en buvant beaucoup, en faisant la fête, en faisant des femmes et en faisant des farces aux gens autour de lui, en particulier au Frank désagréablement raide et insensible. Burns et "Hot Lips" Houlihan. Bien qu'au départ il ne s'agisse que d'un ensemble de personnages, Hawkeye est rapidement devenu le centre de l'activité médicale de l'unité M*A*S*H ainsi que le centre dramatique de la série elle-même. Dans la série, il est chirurgien en chef de l'unité. Pierce est né et a grandi en Nouvelle-Angleterre, mentionnant le plus souvent Crabapple Cove, dans le Maine, avec quelques références au Vermont. Le personnage fait référence à une sœur mais à d’autres moments s’identifie comme enfant unique. Sa mère est décédée, et il est proche de ce père (dans les romans homard/pêcheur "Big Benjy" Pierce, dans la série télévisée Dr Daniel Pierce). Dans le film, Hawkeye est marié et père de enfants, mais dans la série télévisée, il est célibataire et plutôt un homme à femmes. Son père lui a donné le surnom de « Hawkeye », d'après le personnage du roman Le Dernier des Mohicans, « le seul livre que mon père ait jamais lu ». Il a fréquenté le Collège Androscoggin. Dans le livre et le film, Hawkeye avait joué au football à l'université ; dans la série, il n'est pas sportif. Après avoir terminé sa résidence en médecine, il a été enrôlé dans le corps médical de l'armée américaine et envoyé au 4077e hôpital chirurgical mobile de l'armée (MASH) pendant la guerre de Corée, une mission qu'il déteste ouvertement. Alda a déclaré à propos de Pierce : "Certaines personnes pensent qu'il était très libéral. Mais il était aussi un conservateur traditionnel. Je veux dire, il ne voulait rien de plus que que les gens le laissent tranquille pour qu'il puisse profiter de son martini, vous savez ? Le gouvernement devrait se retirer. de sa cave à alcool". Pierce a peu de tolérance à l'égard des formalités administratives et des coutumes militaires, estimant qu'elles l'empêchent de faire son travail, et a peu de respect pour la plupart des membres de l'armée régulière. Il ne porte jamais d'insignes de grade sur son treillis, ne cire jamais ses bottes de combat et, dans les rares occasions où il porte son uniforme de classe A, ne porte aucune des décorations auxquelles il a droit (qui comprennent la Médaille du service de la défense nationale, la médaille coréenne Médaille du service de guerre, la Médaille du service des Nations Unies, quelques médailles élogieuses de l'armée et la Citation de l'unité distinguée de l'armée, quatre cœurs violets et l'insigne médical de combat). À l'occasion, il assume temporairement le commandement du 4077th en raison de l'absence ou de l'invalidité du colonel Blake ou du colonel Potter. Même s'il s'en sort bien, il est évident qu'il n'est pas à l'aise avec la responsabilité qui accompagne le fait d'être commandant. En tant que chirurgien, il n’aime pas utiliser les armes à feu. Il refuse de porter une arme de poing comme l'exige la réglementation lorsqu'il est officier du jour. Lorsque le colonel Potter lui ordonne de porter son pistolet lors d'un voyage vers un poste de secours, et qu'ils sont pris en embuscade sur la route, il le tire en l'air plutôt que sur leurs attaquants. Dans la finale de la série, "Au revoir, adieu et Amen", Hawkeye subit une dépression nerveuse lorsqu'une femme coréenne répond à sa demande frénétique de faire taire son bébé de peur que les soldats ennemis ne l'entendent et ne les découvrent, en l'étouffant. Lorsque l'armistice coréen est annoncé, il déclare son intention de retourner à Crabapple Cove, pour devenir un médecin local qui a le temps de connaître ses patients, au lieu de faire face au flot incessant de victimes auquel il a été confronté pendant son séjour en Corée. Dans les deux suites de Hooker de MASH : A Novel About Three Army Doctors (M*A*S*H Goes to Maine et M*A*S*H Mania), Hawkeye retourne vivre à Crabapple Cove. Trappeur John McIntyre Le capitaine John Francis Xavier McIntyre apparaît dans les romans, le film (joué par Elliott Gould), la série télévisée M*A*S*H (Wayne Rogers), la série Trapper John, M.D. (Pernell Roberts). Il est l'un des protagonistes de la série M*A*S*H durant les trois premières saisons, et le personnage central de cette dernière série. Son surnom vient d'un incident au cours duquel il a été surpris en train d'avoir des relations sexuelles avec une femme dans les toilettes à bord d'un train du Boston & Maine Railway ; qui a affirmé pour sa défense qu '"il m'a piégé!" Dans le livre et le film, Trapper John est diplômé du Dartmouth College (après avoir joué le rôle de quarterback dans l'équipe de football de l'école) et est chirurgien thoracique et finalement chirurgien en chef du 4077th. Dans le film, il a un sens de l'humour sec et sardonique, tandis que dans la série télévisée M*A*S*H, il est plutôt un clown de classe. Trapper passe une grande partie de son temps dans la série à se livrer à des méfaits avec Hawkeye Pierce, les deux jouant des farces aux majors Frank Burns et "Hot Lips" Houlihan, buvant et essayant de séduire les femmes. Si Trapper exprime un grand amour pour sa femme et ses filles, il fraternise aussi beaucoup avec les infirmières, sans aucune prétention de fidélité. Dans le film, Hawkeye et Trapper reçoivent une attention à peu près égale, mais dans la série télévisée, le personnage est devenu davantage un acolyte du personnage de Hawkeye, qui a remplacé Trapper en tant que chirurgien en chef et "coupeur de poitrine" de l'unité. Cela a frustré Rogers, et en combinaison avec un différend sur les termes du contrat pour la quatrième saison, il a quitté la série ; le personnage de Trapper a été brusquement transféré aux États-Unis entre les saisons. Le personnage de B.J. Hunnicutt a été créé pour le remplacer. Le personnage de Trapper John est revenu à la télévision en 1979 dans la série Trapper John, M.D.. Maintenant joué par Pernell Roberts, le personnage est représenté aujourd'hui en tant que chef de chirurgie dans un hôpital de San Francisco. Cette version du personnage est en continuité avec le film plutôt qu'avec la série télévisée, mais aucun autre personnage de l'une ou l'autre production n'apparaît dans cette série, faisant de Trapper John le seul personnage de M*A*S*H à être représenté à l'écran dans ( ce qui était alors) aujourd'hui. Duc Forrest Le vrai nom de Duke est Augustus Bedford Forrest. C'est un chirurgien et un personnage important à la fois dans le livre et dans le film, mais il n'apparaît pas dans la série télévisée. Dans le livre comme dans le film, il est un habitant d'une petite ville du sud de son époque. Son nom fait référence à Bedford Forrest, un célèbre général confédéré et un célèbre marchand d'esclaves et criminel de guerre, pour le meurtre massif d'Afro-Américains spécifiquement pour des raisons raciales. Il montre d'abord une certaine animosité raciale envers Spearchucker Jones, mais surmonte cela, avec l'aide de Hawkeye et Trapper. Il est un peu rude comparé aux autres médecins. Duke était un personnage clé dès le début du livre et du film, contrairement à Trapper John qui n'apparaît que plus tard, mais qui a été exclu de la série télévisée, peut-être en partie parce que Tom Skerritt a refusé de reprendre son rôle de Duke au cinéma. Dans un épisode de la deuxième saison de la série télévisée, il est mentionné et décrit de manière oblique comme ayant été renvoyé aux États-Unis (il n'est pas précisé s'il a été libéré de l'armée ou envoyé pour poursuivre ses fonctions dans l'armée dans son pays d'origine). B.J. Hunnicutt Le capitaine B.J. Hunnicutt est joué par Mike Farrell dans l'émission télévisée. Il remplace le personnage sortant de Trapper John, à la fois dans sa position au sein de l'unité et dans son rôle dans la série en tant qu'allié de Hawkeye Pierce et fleuret de Frank Burns, apparaissant dans tous les épisodes sauf un du reste de la série. Bien qu'il réponde avec désinvolture que les initiales "B.J." signifie « tout ce que vous voulez », dit-il à Hawkeye que les initiales sont dérivées des noms de ses parents, Bea et Jay. Cependant, nous nous demandons s’il est sérieux ou s’il plaisante simplement. Hunnicutt résidait à Mill Valley, en Californie, avant d'être enrôlé. Il a fait ses études à l'Université de Stanford et était membre de la fraternité Tau Phi Epsilon. Il est médecin de troisième génération dans sa famille. Il a suivi sa formation militaire à Fort Sam Houston. Il est dévoué à sa femme Peg (née Hayden) qui lui écrit de nombreuses lettres pendant son séjour en Corée. Le couple a une fille Erin, née peu de temps avant le départ de B.J. pour la Corée. Son statut de père de famille fidèle le contraste avec le trappeur John, et il est également plus réservé que son prédécesseur, servant souvent de voix de la raison lorsque Hawkeye prend des risques. Néanmoins, il participe et initie également des farces pratiques, comme modifier secrètement les vêtements du major Winchester pour lui faire croire qu'il prend ou perd du poids, ou qu'il grandit. À d'autres occasions, B.J. encourage les membres du 4077th à se faire des blagues, déclenchant une escalade des guerres de blagues pour son propre amusement, sans qu'aucune des parties ne sache qu'il en était l'instigateur. Bien qu'il assume le même mépris général pour la discipline militaire que celui de Hawkeye et de Trapper, B.J. professe des valeurs morales plus fortes. Par exemple, dans l'épisode « Médecine préventive », il refuse de participer à un projet visant à soulager un officier de commandement trop zélé en lui pratiquant une appendicectomie inutile. C'est un chirurgien talentueux prêt à prendre des mesures extraordinaires pour sauver un patient, comme dans "Heroes", où il entreprend une procédure expérimentale dont il a entendu parler dans une revue médicale, en utilisant un défibrillateur primitif à thorax ouvert et un appareil à thorax ouvert. massage cardiaque. Il évite activement la finalité des adieux, mais lorsque le 4077th est dissous dans la finale de la série, il est vu pour la dernière fois conduisant sa moto indienne loin du camp, tandis que Hawkeye voit depuis un hélicoptère que B.J. a disposé des pierres blanches peintes dans le mot "GOODBYE". . Henri Blake Le lieutenant-colonel Henry Braymore Blake est présenté dans le roman M*A*S*H de 1968 et est également un personnage du film (joué par Roger Bowen) et de la série télévisée (jouée par McLean Stevenson). Il est chirurgien et commandant de la 4077ème unité M*A*S*H. Il est apprécié pour son attitude terre-à-terre et décontractée par beaucoup sous son commandement, en particulier Hawkeye et Trapper John (avec qui il boit, bafoue les règlements et poursuit les femmes), et méprisé pour cela par ceux qui préfèrent une armée stricte. discipline, comme Frank Burns et Margaret "Hot Lips" Houlihan. Dans le film, il est médecin de carrière dans l'armée, ayant été nommé avant la Seconde Guerre mondiale. Dans la série télévisée, il est un réserviste appelé au service actif et retiré de son cabinet privé à Bloomington, dans l'Illinois. Henry a fréquenté l'Université de l'Illinois à Urbana-Champaign, où il était entraîneur sportif de l'équipe de football. Il dit à Hawkeye qu'il a « une excellente pratique chez lui », mais « de routine », et qu'en servant en Corée, il fait plus de médecine qu'il ne serait autrement appelé à faire dans sa vie. Alors qu'Henry commandait le 4077th, sa femme avait un fils à Bloomington, un fils qu'Henry ne rencontrerait jamais. Henry est une bonne personne et un chirurgien compétent, mais pas un commandant énergique ou compétent. Le commis de l'entreprise Radar peut généralement anticiper ses souhaits et les transformer en ordres militaires efficaces, mais Henry est souvent troublé lorsqu'une décision importante doit être prise. Dans l'épisode "Rainbow Bridge", il doit décider s'il doit envoyer ses médecins en territoire ennemi pour un échange de prisonniers blessés, mais Hems and Haws dit alors à ses médecins : "Tout ce que vous décidez me convient." Sa compétence en tant que commandant réside dans sa capacité à maintenir le moral de son unité, ce qu'il fait grâce à des paroles sincères et à l'indulgence pour la folie qui est la marque du 4077th. Ce succès est démontré par le taux de survie des victimes de l'unité de 97 %. Lorsque McLean Stevenson a décidé de quitter la série à la fin de la troisième saison, son personnage a été programmé pour être libéré et renvoyé chez lui, comme une manière douce-amère de l'exclure de la série. Cependant, les producteurs ont ajouté une scène finale à son dernier épisode, dans laquelle il est rapporté que l'avion de Blake a été abattu, tuant tout le monde à bord. Cette scène a été gardée secrète pour la plupart des acteurs jusqu'à juste avant le tournage afin qu'ils puissent réagir de manière plus authentique à la tragique nouvelle. (Le lendemain soir, le Carol Burnett Show a ouvert le spectacle avec une photo de McLean Stevenson sur un radeau fumant, agitant les bras et criant : « Je vais bien ! Je vais bien ! » De plus, le M*A*S *Les romans H écrits par W.E.B. Griffin déclarent que la mort d'Henry est « sauvagement exagérée ».) Sherman T. Potter Le colonel Sherman Tecumseh Potter apparaît dans les séries télévisées M*A*S*H et AfterMASH. Il a été interprété par Harry Morgan et a remplacé le personnage sortant d'Henry Blake en tant que commandant du 4077th M*A*S*H. Le personnage est apparu dans chaque épisode suivant, à seulement trois exceptions près. Potter est originaire d'Hannibal, Missouri, un quart Cherokee et possède une passion et un penchant pour les chevaux. Il a menti sur son âge pour s'enrôler à 15 ans, rejoignant la cavalerie à cheval de l'armée américaine en tant que soldat pendant la Première Guerre mondiale et accédant ensuite au grade de sergent. Lors des combats de la Première Guerre mondiale, dans la forêt hongroise d'Argonne, il fut « perdu pendant 3 jours, fait prisonnier, la tête rasée et réduit en bouillie ». À la bataille de Château-Thierry, il fut gazé à l'ypérite, le laissant aveugle pendant un mois dans un hôpital français. Une autre fois, plusieurs de ses dents ont ensuite été cassées par ses ravisseurs allemands, ce qui lui a valu plus tard une Purple Heart. Après la guerre, il entre à la faculté de médecine et commence son service comme médecin militaire en 1932, servant pendant la Seconde Guerre mondiale. L'un de ses biens les plus précieux est sa médaille de bonne conduite, une récompense "remise uniquement aux hommes enrôlés", explique Potter à Radar en déballant ses bagages. Il est encadré et accroché derrière son bureau pendant son mandat au 4077e. Potter a été créé comme un type de commandant différent de celui de son prédécesseur : un commandant de « l'armée régulière » qui avait fait carrière dans le service et était sur le point de prendre sa retraite. Mais malgré son attitude militaire sévère, Potter est un commandant relativement détendu et décontracté, n'hésitant pas à s'impliquer dans les détours du camp et à comprendre la nécessité de s'amuser et de jouer pour remonter le moral en temps de guerre ; mais contrairement à Blake, il n'a pas peur de mettre le pied à terre lorsque les pitreries du camp deviennent incontrôlables. De plus, Potter, qui s'occupait du travail administratif avant son affectation au 4077th, possède de formidables compétences en tant que chirurgien. Potter est très apprécié de ses subordonnés, en particulier de Radar, qui considère Potter comme un mentor et une figure paternelle. Potter reçoit plus de respect que Blake de la part du major Houlihan, mais le major Burns lui en veut après avoir été écarté du commandement. À son tour, Potter méprise la fausse allure militaire et les compétences médicales médiocres de Burns. Potter est fier de la compétence du reste du personnel médical malgré leurs pitreries. Le remplaçant de Burns, le major Winchester, a un respect réticent pour Potter, même si leurs personnalités respectives sont souvent en contradiction les unes avec les autres. Potter adopte d'abord une ligne dure contre les tentatives de Klinger d'être renvoyé, mais est convaincu de le laisser continuer à se travestir et lui confie finalement le rôle de son nouveau commis d'entreprise. En guise d'indication de leur respect pour lui, dans l'épisode final, Hawkeye et B.J. saluent officiellement Potter alors qu'il quitte le camp, l'une des rares fois où l'un ou l'autre est montré en train de le faire. Le personnage est également apparu comme personnage central dans AfterMASH, un spin-off mettant en vedette les trois acteurs qui avaient voté (sans succès) pour continuer la première série. Potter est devenu chef de cabinet et chef de chirurgie de l'hôpital fictif General Pershing VA à River Bend, Missouri, où il est rejoint par Klinger et sa femme, Soon-Lee et le père Mulcahy. Parmi les patients hospitalisés se trouve l'un des subordonnés de Potter pendant la Première Guerre mondiale, qui l'appelle « Sarge » par opposition à son grade de colonel à la retraite. Franck Brûlures Le major Franklin Delano Marion "Frank" Burns est le principal antagoniste du film (joué par Robert Duvall) et des cinq premières saisons de la série télévisée (Larry Linville). Burns est apparu pour la première fois dans le roman original, où il avait le grade de capitaine. (Il est également connu sous le nom de « Ferret Face », un surnom que lui a attribué son frère.) Dans le roman, Burns est un médecin aisé qui a fréquenté une école de médecine mais dont la formation de chirurgien s'est limitée à un apprentissage auprès de son père à Fort Wayne, Indiana. Néanmoins, il maintient une attitude dédaigneuse envers ses collègues les mieux formés, rejetant la responsabilité de ses propres échecs sur les autres. Il accuse injustement un infirmier débutant d'avoir tué l'un de ses patients et en tue presque un autre, ce qui lui vaut des représailles de la part de Duke et du trappeur John. Son incompétence médicale amène le colonel Blake à désigner Trapper John comme chirurgien en chef. Après que les "Swampmen" apprennent que Burns a une liaison avec le major Margaret Houlihan, Hawkeye se moque de lui, l'incitant à attaquer juste au moment où le colonel Blake entre dans la tente. Le lendemain, Burns est renvoyé définitivement pour une évaluation psychiatrique dans une camisole de force, remplie de tranquillisants. Dans le film et dans la série télévisée qui a suivi, le rang de Frank Burns est celui de Major. La version cinématographique comprend des éléments du major Jonathan Hobson du roman, un homme très religieux qui prie pour que toutes les âmes soient sauvées. Dans la série télévisée, il est très nerveux, avec un penchant pour les malapropismes ; un exemple était tiré de « The Interview » (saison 4, épisode 24), dans lequel Burns décrivait le mariage comme « la pierre tombale de la société américaine ». Dans la série télévisée, Burns croit fermement à la discipline militaire et continue de se considérer comme un chirurgien supérieur, mais ses actions révèlent invariablement son incompétence et exigent que l'un des autres chirurgiens l'empêche de commettre des erreurs fatales. Bien que, par son grade militaire, Burns soit le commandant en second de l'unité, il est devancé en matière médicale par Hawkeye, qui accepte à contrecœur la nomination par le colonel Blake au poste de chirurgien en chef. Burns aspire lui-même au commandement du 4077th et recourt à des moyens sournois pour atteindre cet objectif, comme déposer des plaintes trompeuses contre le colonel Blake et empêcher sans succès Hawkeye et Trapper de témoigner pour sa défense. Lorsque Burns est laissé aux commandes de l'unité (conformément aux règlements militaires), il gère généralement les opérations du camp, juste pour le plaisir d'être aux commandes, mais démontre également un profond manque de compétence militaire. Dans au moins un épisode, Burns est laissé aux commandes temporairement lorsque MASH 4077 est frappé par un déluge de patients grièvement blessés - dans la version de Frank, il était un super médecin ; Cependant, la vérité éclate : Burns devient à la limite de l'hystérie, ce qui entraîne presque la mort de deux patients. (Dans tous les premiers épisodes, cependant, avant que son personnage ne devienne davantage un bouffon, il se révèle être un commandant efficace, bien que, encore une fois, microgérant.) Le seul ami de Burns dans l'unité est l'infirmier en chef, le major Houlihan, avec qui il a une liaison sexuelle en cours qu'ils croient discrète, mais qui est de notoriété publique dans le camp. Ils partagent un mépris pour les médecins « non militaires », contre lesquels ils conspirent sans succès. Sa femme finit par entendre parler de l'affaire et le menace de divorcer ; il le nie, décrivant Houlihan comme un « vieux cheval de guerre » et une « mule de l'armée avec des seins », déclenchant une rupture qui mène à ses fiançailles avec Donald Penobscott, un beau lieutenant-colonel en poste à Tokyo. Après leur mariage, Burns souffre d'une dépression nerveuse et attaque un général et sa femme à Séoul, les prenant pour les Penobscott. Il est envoyé aux États-Unis pour une évaluation psychiatrique, mais dans une amère ironie, il est innocenté des accusations et réintégré, en tant que lieutenant-colonel en poste dans un hôpital pour anciens combattants de sa ville natale. (Le départ de Burns de la série découlait de la frustration de Linville à l'égard du personnage, qui, selon lui, ne lui offrait aucune autre opportunité de se développer.) Marguerite Houlihan Le major Margaret J "Hot Lips" Houlihan apparaît dans le roman, le film (joué par Sally Kellerman) et la série télévisée (Loretta Swit). Elle est l'infirmière en chef de l'armée régulière du 4077th et commence comme antagoniste secondaire alliée au major Frank Burns contre les médecins plus civils de l'unité. Plus tard dans la série, notamment après le départ de Burns, elle devient un personnage plus sympathique, adoucissant son attitude tout en servant de repoussoir à leurs pitreries. Margaret est une enfant de l'armée, née dans un hôpital de la base militaire. Elle entra à l'école d'infirmières en 1938 et obtint son diplôme en 1942 lorsqu'elle rejoignit l'armée. Elle a servi pendant la Seconde Guerre mondiale, mais on ne sait pas si elle a servi aux États-Unis ou à l'étranger. Elle est l'infirmière en chef du 4077th M*A*S*H, le plus haut gradé et l'une des rares femmes officiers de l'unité, et farouchement protectrice envers les femmes sous son commandement. Le personnage a été inspiré par deux infirmières en chef de MASH de la guerre de Corée : "Hotlips" Hammerly, une jolie blonde de caractère similaire, et Janie Hall. Son surnom "Hot Lips" vient d'une scène du film, dans laquelle elle a un rendez-vous avec Burns. À leur insu, un microphone de sonorisation caché diffuse leur conversation à tout le camp, y compris son grognement adressé à Frank, "embrasse mes lèvres chaudes". Au début de la série télévisée, elle est une infirmière en chef sévère, mais elle va volontairement à l'encontre des réglementations pour son propre gain. Elle utilise son sex-appeal à son avantage professionnel ainsi que pour sa satisfaction personnelle, comme le montre sa relation avec Frank Burns. Au début des saisons, elle entretenait plusieurs liaisons avec des colonels ou des généraux en visite qui étaient de « vieux amis ». C'est une infirmière en chirurgie expérimentée, donc bien qu'elle désapprouve totalement les bêtises des chirurgiens en dehors des heures de service, elle est capable de mettre ses sentiments personnels de côté pour apprécier leurs compétences, comme lorsqu'elle a contracté une appendicite et a demandé à Hawkeye, et non à Burns. , effectuez l’opération si nécessaire. Au cours des années suivantes, elle devient un membre de l'unité plus détendu et moins critique, tempérant son autorité avec humanité. Les épisodes clés de ce développement incluent l'épisode de la saison 5 « The Nurses », dans lequel elle joue le rôle d'une disciplinaire sévère, mais s'effondre devant ses infirmières, révélant à quel point elle est blessée par leur mépris pour elle ; et "Comrades In Arms" (saison 6), dans lequel Hawkeye et Margaret font la paix alors qu'ils endurent ensemble un barrage d'artillerie alors qu'ils sont perdus dans la nature. Elle a un gros problème d'alcool, qui semble être un héritage familial. Elle a dit un jour à Frank que la moitié de son salaire servait à subvenir aux besoins de sa mère ; la moitié de cet argent a servi à la sécher, l'autre moitié à la caution (sa mère était kleptomane). Sa liaison de longue date avec Frank se termine par ses fiançailles et son mariage ultérieur avec le lieutenant-colonel Donald Penobscott. Le mariage ne dure pas longtemps ; elle découvre plus tard qu'une infirmière visiteuse a eu une liaison avec lui. Bien qu'il promet d'arranger les choses avec elle, il est lui-même transféré définitivement à San Francisco et elle divorce, reprenant confiance en elle. À la suite de sa séparation avec Burns, elle devient plus à l'aise avec au moins certaines des méthodes les plus peu orthodoxes de l'unité et, au fil du temps, devient une participante volontaire à certains des détours. Malgré leur antagonisme mutuel de longue date, Hawkeye et Margaret en viennent à développer du respect et de l'affection l'un pour l'autre, reflétés dans un long baiser d'adieu passionné dans l'épisode final. Elle retourne aux États-Unis pour occuper un poste dans un hôpital militaire. Dans la série de romans co-écrits avec (ou écrits par) William E. Butterworth, Houlihan réapparaît sous le nom de Margaret Houlihan Wachauf Wilson, deux fois veuve, les deux maris ayant expiré sur le lit nuptial par indulgence excessive envers son état physique encore en suspens. charmes. Sa carrière a pris une nouvelle direction en tant que révérende directrice de « God Is Love In All Forms Christian Church, Incorporated », une secte ou un culte dont la particularité inhabituelle est que l'ensemble de sa congrégation est composée d'hommes homosexuels. La plupart d'entre eux sont extrêmement flamboyants et la Révérende Mère elle-même est visiblement fastueuse et scintillante. Cependant, il semble que Margaret se soucie véritablement de ses ouailles et ne se contente pas de les bousculer à la recherche d'un gain matériel. Charles Winchester Le major Charles Emerson Winchester III est un protagoniste secondaire de la série télévisée, interprété par David Ogden Stiers. Il a été présenté dans la sixième saison de la série en remplacement de Frank Burns, à la fois dans l'équipe chirurgicale de l'unité et comme repoussoir pour Hawkeye et B.J. Bien que Winchester incarnait certaines qualités antagonistes similaires à celles de Burns, il l'a prouvé au cours de son temps. sur la série comme étant un personnage très différent de son prédécesseur, étant beaucoup plus humain et gentil. Charles Emerson Winchester III est né dans la maison de sa grand-mère dans le quartier de Beacon Hill à Boston, dans le Massachusetts, et fait partie d'une famille très riche de brahmanes républicains de Boston. Après avoir terminé ses études secondaires à Choate, il est diplômé summa cum laude de 1943 du Harvard College (où il a étudié en Crew et Polo), a terminé son doctorat en médecine à Harvard Medical à Boston en 1948 et a travaillé au Massachusetts General Hospital. Avant d'être enrôlé dans l'armée américaine pendant la guerre de Corée, il était sur le point de devenir chef du service de chirurgie cardio/thoracique. Le commandant de Winchester l'a affecté au 4077th en représailles à l'attitude sarcastique du major qui l'avait battu au cribbage jusqu'à hauteur d'une dette de 672,17 $. Affecté à des quartiers dans « le marais » avec Hawkeye et B.J., Winchester y trouva les conditions épouvantables, qualifiant le camp de « furoncle enflammé sur les fesses du monde ». Fidèle à la tradition de la série consistant à remplacer des personnages qui sont en quelque sorte l'antithèse de leurs prédécesseurs, Winchester est un chirurgien aussi compétent que Burns était incompétent, et il est aussi cultivé que Burns était sournois. Cependant, Winchester doit encore s’adapter aux réalités de la médecine de campagne. Même si le personnage était initialement destiné à développer une romance avec Houlihan, l'alchimie entre les deux n'était pas là, donc Charles et Margaret entretiennent une amitié professionnelle platonique. Winchester est souvent contradictoire avec Hawkeye et B.J., mais s'associe à eux si cela est justifié. Il a un sens de l'humour vif mais sec et apprécie les farces du poisson d'avril. Derrière son snobisme, il a été élevé dans un sens de noblesse oblige et était capable d’actes de gentillesse profonds – quoique parfois malavisés. Par exemple, dans "Death Takes a Holiday", il offre anonymement à un orphelinat des chocolats coûteux et est d'abord indigné de constater qu'ils ont été vendus afin d'obtenir de l'argent pour acheter des aliments de base. Dans "Morale Victory", il envoie chercher une copie de la partition du Concerto pour piano pour la main gauche de Ravel pour encourager un pianiste qui ne peut plus jouer avec sa main droite blessée. La musique classique est l'une de ses grandes amours, elle l'aide à entretenir son moral. Dans la finale de la série, suite à la mort soudaine des prisonniers de guerre chinois auxquels il enseignait l'œuvre de Mozart, Winchester déclare que la musique s'est transformée en un rappel obsédant des horreurs de la guerre. Après la guerre, il retourne à Boston où l'attend le poste de chef du service de chirurgie thoracique dans un hôpital prestigieux. Radar O'Reilly Le caporal Walter Eugene "Radar" O'Reilly apparaît dans les romans, films et séries télévisées. Il est également apparu dans deux épisodes d'AfterMASH et a joué dans le pilote télévisé W*A*L*T*E*R. Le personnage a été interprété par Gary Burghoff à la fois dans le film et à la télévision, le seul personnage régulier joué par un seul acteur. Son nom complet n'est jamais donné dans le roman ou le film original, mais dans la série télévisée, il s'agit de Walter Eugene O'Reilly. Les romans ultérieurs de Richard Hooker et William Butterworth donnent son nom complet sous le nom de J. Robespierre O'Reilly. Radar est originaire d'Ottumwa, Iowa et a rejoint l'armée dès la sortie du lycée (éventuellement en suivant un cours par correspondance). Il semble avoir une perception extra-sensorielle, apparaissant aux côtés de son commandant avant d'être appelé et de terminer ses phrases. Il a également une audition exceptionnellement bonne, capable d'entendre les hélicoptères avant tout le monde et de dire, grâce aux sons du rotor, s'ils arrivent chargés ou non. Ce sont ces capacités qui lui ont valu le surnom de « Radar ». Le personnage est inspiré par l'employé de l'entreprise Don Shaffer, également né à Ottumwa et surnommé « Radar » par ses compatriotes, et qui a servi aux côtés de Hornberger en Corée. Dans le film, Radar a été décrit comme mondain et sournois, une caractérisation qui s'est poursuivie dans la première partie de la série. Il porte avec lui une poche pleine de laissez-passer pour toute arnaque potentielle qui pourrait survenir, et vend des billets pour espionner à travers un judas dans la douche des infirmières. Une autre fois, il incite presque tous les membres de MASH 4077 à acheter des chaussures par correspondance. Il est connu pour son formidable appétit pour les portions de nourriture abondantes, n'est pas opposé à boire le brandy d'Henry Blake et à fumer ses cigares lorsque le colonel n'est pas en service, et il boit occasionnellement la liqueur de contrebande que Hawkeye et Trapper préparent dans leur alambic. Peu de temps après l'épisode pilote, Burghoff a noté que les autres personnages changeaient par rapport aux représentations du film et a décidé de suivre. Lui et Gelbart ont fait de Radar un garçon de ferme naïf, qui dort toujours avec son ours en peluche et dont la boisson préférée est le soda au raisin de marque Nehi. Il a une maladresse virginale avec les femmes et un penchant pour les bandes dessinées de super-héros. Il dirige la sonorisation du camp et la station de radio, qui sont souvent utilisées dans des gags mineurs ; dans un épisode, il transmet des messages à un transporteur de la Marine par code morse. Il se tourne fréquemment vers les médecins pour obtenir des conseils et considère de plus en plus Henry Blake puis Sherman Potter comme des figures paternelles. Burghoff est apparu dans chaque épisode des trois premières saisons de la série. Après la troisième saison, faire la série était devenu une contrainte pour la vie de famille de l'acteur, et son contrat a été modifié pour limiter ses apparitions à 13 épisodes par saison sur les 24 habituels. Au cours de la septième saison, Burghoff a commencé à souffrir d'épuisement professionnel et a décidé que c'était le cas. il est temps d'arrêter; il a terminé la saison sept, puis est revenu la saison suivante pour un épisode d'adieu en deux parties intitulé "Good-Bye Radar" dans lequel Radar a obtenu une libération pour difficultés après la mort de son oncle Ed pour aider dans la ferme familiale, ce qu'il a accepté après étant convaincu que Klinger pourrait le remplacer. Plusieurs années plus tard, Burghoff est revenu au rôle de Radar pour un épisode en deux parties d'AfterMASH, qui a conduit à la production de W*A*L*T*E*R, le pilote d'une série dérivée proposée qui aurait suivi Radar après son retour aux États-Unis. La production n'a jamais dépassé le pilote, diffusé une fois sur CBS. Père Mulcahy 1er lieutenant (plus tard capitaine) Francis John Patrick Mulcahy S.J. - l'ordre de ses prénoms n'était pas présenté de manière cohérente dans la série - apparaît dans le film (joué par René Auberjonois) et dans la série télévisée (William Christopher). Il est prêtre catholique et sert comme aumônier de l'armée américaine affecté au 4077th. Il a été joué par George Morgan dans l'épisode pilote de la série, mais les producteurs ont décidé qu'il fallait un individu plus excentrique pour le rôle. Dans le roman et le film, Mulcahy est familièrement connu sous le surnom de « Dago Red », une référence désobligeante à son ascendance italo-irlandaise et au vin sacramentel utilisé dans la communion catholique romaine. Même si la plupart des employés ne sont pas religieux, ils traitent Mulcahy avec un certain respect. C'est Mulcahy qui alerte les médecins que le dentiste du camp « Painless » est gravement déprimé. Ensuite, Mulcahy aide à contrecœur les médecins à mettre en scène le fameux faux suicide de la « Cène », pour convaincre Painless qu'il doit continuer à vivre. Il est déconcerté par les farces amorales et le comportement des médecins. Lorsque Radar place un microphone caché dans la tente de Hot Lips pendant qu'elle et Frank Burns font l'amour, les membres du camp écoutent, et Mulcahy prend d'abord leur conversation (et leurs bruits) pour un épisode de The Bickersons, partant brusquement lorsqu'il se rend compte du contraire. . Il est originaire de Philadelphie et est fréquemment vu portant un sweat-shirt Loyola. Il a une sœur Kathy, qui est une religieuse catholique : il l'appelle espièglement « ma sœur la sœur ». C'est un boxeur amateur et fan de boxe ; un vieux prêtre et mentor dans une école jésuite a enseigné à ses élèves que la boxe forgeait le caractère. Il y a une blague courante selon laquelle Mulcahy gagne toujours le titre.

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Dans le jeu « Metal Gear Solid », qui est le frère jumeau de Solid Snake ?

Liquid Snake

Metal Gear Solid est un jeu vidéo d'action-aventure furtif développé par Konami Computer Entertainment Japan et publié pour la première fois par Konami pour PlayStation en 1998. Le jeu a été réalisé, produit et co-écrit par le créateur de la série Hideo Kojima, et sert de suite. aux jeux vidéo MSX2 Metal Gear et Metal Gear 2 : Solid Snake, que Kojima a également écrit et réalisé. Metal Gear Solid suit Solid Snake, un soldat qui infiltre une installation d'armes nucléaires pour neutraliser la menace terroriste de FOXHOUND, une unité renégat des forces spéciales. Snake doit libérer deux otages, le chef de la DARPA et le président d'un important fabricant d'armes, affronter les terroristes et les empêcher de lancer une frappe nucléaire. Les cinématiques cinématiques ont été rendues à l'aide du moteur et des graphiques du jeu, et le doublage a été utilisé tout au long du jeu. Metal Gear Solid a été bien accueilli, expédiant plus de six millions d'exemplaires et obtenant une moyenne de 94/100 sur le site Web global Metacritic. Il est considéré comme l’un des jeux les plus grands et les plus importants de tous les temps, et est souvent considéré comme le jeu qui a contribué à populariser le genre furtif. Le succès commercial du titre a incité à la sortie d'une version étendue pour PlayStation et PC, intitulée Metal Gear Solid: Integral ; et un remake, Metal Gear Solid: The Twin Snakes, est ensuite sorti sur GameCube. Le jeu a également donné naissance à de nombreuses suites, préquelles et spin-offs, dont plusieurs jeux, une série radiophonique, des bandes dessinées et des romans. Gameplay Malgré une transition vers la 3D, le gameplay de Metal Gear Solid reste similaire à son prédécesseur 2D MSX2, Metal Gear 2 : Solid Snake. Le joueur doit guider le protagoniste, Solid Snake, à travers les zones du jeu sans être détecté par les ennemis. La détection est déclenchée lorsque le joueur se déplace dans le champ de vision d'un ennemi et déclenche une alarme qui attire les ennemis armés vers lui. Cela déclenche également le "mode alerte" et le joueur doit alors se cacher et rester indétectable, auquel cas le "mode évasion" commence et une fois que le compteur atteint zéro, le jeu revient au "mode infiltration" où les ennemis ne se méfient pas de la présence de Snake. Le radar ne peut pas être utilisé en mode alerte ou évasion. Pour rester non détecté, le joueur peut exécuter des techniques qui utilisent à la fois les capacités de Solid Snake et l'environnement, comme ramper sous des objets, utiliser des boîtes comme couverture, esquiver ou se cacher autour des murs et faire du bruit pour distraire les ennemis. Celles-ci sont réalisées à l'aide de la caméra à la troisième personne, qui change souvent d'angle pour donner au joueur la meilleure vue possible de la zone, et d'un radar à l'écran, qui affiche les ennemis et leur champ de vision. Snake peut également utiliser de nombreux objets et gadgets, tels que des lunettes infrarouges ou un déguisement en carton. L'accent mis sur la furtivité favorise une forme de jeu moins violente, car les combats contre de grands groupes d'ennemis entraîneront souvent de sérieux dégâts pour le joueur. La progression du jeu est rythmée par des cinématiques et des codecs, ainsi que des rencontres avec des boss. Pour progresser, les joueurs doivent découvrir les faiblesses de chaque boss et les vaincre. Les commandes et stratégies de jeu sont également accessibles via la radio Codec, où les conseils sont fournis par l'équipe d'assistance de Snake ; par exemple, l'équipe d'assistance peut réprimander Snake pour ne pas avoir sauvegardé sa progression assez souvent, ou expliquer ses mouvements de combat en termes de boutons sur lesquels appuyer sur la manette de jeu. Le Codec est également utilisé pour fournir une exposition sur la trame de fond du jeu. L'achèvement du titre fournit au joueur un résumé statistique de ses performances et un « nom de code » basé sur celui-ci, généralement le nom d'un animal commun. Dans une première pour la série Metal Gear, un mode d'entraînement, appelé VR Mode, est disponible dans lequel les joueurs peuvent s'entraîner aux techniques de dissimulation, à l'utilisation des armes et à la furtivité. En plus du gameplay furtif, il existe des séquences prédéfinies qui impliquent des échanges de tirs entre le joueur et les ennemis du point de vue de la troisième et de la première personne. Personnages Le protagoniste de Metal Gear Solid est Solid Snake, un infiltrateur et saboteur légendaire. Pendant la mission, Snake reçoit du soutien et des conseils via une radio codec. Le colonel Roy Campbell, ancien commandant de Solid Snake, soutient Snake avec des conseils et des tactiques. S'il cache au départ un certain nombre de secrets à Snake, il les révèle progressivement. Il est rejoint par Naomi Hunter, qui donne des conseils médicaux ; Nastasha Romanenko, qui fournit des conseils sur les objets et les armes ; Maître Miller, ancien instructeur de forage et entraîneur de survie ; et Mei Ling, qui a inventé le système radar soliton utilisé dans la mission et est également en charge des données de la mission ; le joueur peut l'appeler pour sauvegarder la partie. Le principal antagoniste du jeu est Liquid Snake, chef d'une cellule dissidente désormais terroriste de l'organisation FOXHOUND, et homologue génétique de Solid Snake. Unité d'élite des forces spéciales, FOXHOUND contient des experts spécialisés dans des tâches uniques. Les membres sont Revolver Ocelot, un flingueur de style occidental et interrogateur expert dont l'arme de choix est la Colt Single Action Army ; Sniper Wolf, un tireur d'élite surnaturel ; Vulcan Raven, un imposant chaman d'Alaska armé d'un M61 Vulcan arraché d'un F-16 abattu ; Psycho Mantis, profileur psychique et expert en psychokinèse ; et Decoy Octopus, un maître du déguisement. D'autres personnages incluent Meryl Silverburgh, la nièce du colonel Campbell et un soldat débutant en poste à Shadow Moses qui n'a pas rejoint la révolte ; Dr Hal Emmerich, développeur principal de Metal Gear REX ; et le "Ninja", un mystérieux agent cybernétiquement amélioré qui n'est ni un allié ni un ennemi de Snake mais s'oppose à FOXHOUND. Parcelle Nous sommes en 2005, six ans après la chute du Zanzibarland. Une unité renégat des forces spéciales génétiquement améliorées, FOXHOUND, s'est emparée d'une île isolée de l'archipel Fox en Alaska, nommée "Shadow Moses", le site d'une installation de stockage d'armes nucléaires. FOXHOUND menace d'utiliser le mécha à capacité nucléaire, Metal Gear REX, contre le gouvernement américain s'il ne reçoit pas la dépouille de Big Boss et la rançon d'un milliard de dollars dans les 24 heures. Solid Snake est contraint de sortir de sa retraite par le colonel Roy Campbell pour infiltrer l'île et neutraliser la menace. Snake entre dans l'établissement via une bouche d'aération et localise le premier otage, le chef de la DARPA, Donald Anderson. Anderson révèle que Metal Gear REX peut être désactivé avec un code secret de détonation, mais meurt d'une crise cardiaque. La nièce du colonel Campbell, Meryl Silverburgh, retenue en otage dans une cellule voisine, aide Snake à s'échapper. Snake localise un autre otage, le président d'ArmsTech, Kenneth Baker, mais est confronté à Revolver Ocelot, membre de FOXHOUND. Leur fusillade est interrompue par un mystérieux ninja cyborg qui coupe la main droite d'Ocelot. Baker informe Snake du projet Metal Gear et lui conseille de contacter Meryl, à qui il a donné une carte PAL qui pourrait empêcher le lancement, mais lui aussi meurt d'une crise cardiaque soudaine. Grâce au Codec, Meryl accepte de se rencontrer dans la zone d'élimination des ogives à la condition que Snake contacte le concepteur de Metal Gear, le Dr Hal "Otacon" Emmerich. En route, Snake reçoit un appel codec anonyme l'avertissant d'une embuscade de char. Snake repousse l'attaque de Vulcan Raven et se rend au rendez-vous, où il localise Otacon. Le ninja réapparaît et Snake se rend compte qu'il s'agit de son ancien allié Grey Fox, que l'on croit mort. Otacon accepte d'aider Snake à distance en utilisant un camouflage spécial pour se procurer des informations et des fournitures. Snake rencontre Meryl et reçoit la carte PAL. Alors qu'ils se dirigent vers la base souterraine, Meryl est possédée par le psychique Psycho Mantis et tire son arme sur Snake. Il la désarme et bat Mantis, qui informe Snake qu'il a « une grande place » dans son cœur. Après avoir atteint le passage souterrain, Sniper Wolf leur tend une embuscade, blesse Meryl et capture Snake. Liquid confirme les soupçons de Snake selon lesquels ils sont frères jumeaux. Après avoir été torturé par Ocelot, Snake découvre avec confusion le corps d'Anderson dans sa cellule, apparemment mort depuis des jours. Il s'échappe, gravit la tour de communication et repousse une attaque d'hélicoptère de Liquid. Alors qu'il émerge sur un champ de neige, il est à nouveau confronté à Sniper Wolf. Il la tue, dévastant Otacon, qui était amoureux d'elle. Snake continue vers le hangar de REX et est de nouveau pris en embuscade par Raven. Après que Snake l'ait vaincu, Raven dit à Snake que "Anderson" était en fait l'artiste déguisé FOXHOUND Decoy Octopus Infiltrant le hangar de Metal Gear, Snake surprend Liquid et Ocelot préparant la séquence de lancement de REX et utilise la carte PAL, mais cela active de manière inattendue REX. Liquid révèle qu'il s'est fait passer pour le conseiller de Snake, Maître Miller, et que FOXHOUND a utilisé Snake pour faciliter le lancement de REX. Lui et Snake sont le produit du projet Les Enfants Terribles, un programme gouvernemental des années 1970 visant à cloner Big Boss. Il révèle également à Snake la véritable raison pour laquelle le gouvernement l'a envoyé : Snake est sans le savoir porteur d'un virus « FoxDie » qui provoque un arrêt cardiaque chez les membres de FOXHOUND au contact, permettant au gouvernement de récupérer REX intact. Alors que Liquid, dans REX, combat Snake, Grey Fox apparaît, détruit le radôme de REX et est tué. Snake détruit REX et bat Liquid, puis s'échappe avec Meryl ou Otacon via un tunnel souterrain, poursuivi par Liquid dans une Jeep. Après l'accident de leurs véhicules, Liquid tire une arme sur Snake mais meurt de FoxDie. Le colonel Campbell, brièvement évincé du commandement, annule une frappe nucléaire pour détruire les preuves de l'opération et fait enregistrer Snake comme tué au combat pour empêcher le gouvernement américain de le rechercher. Naomi Hunter, qui a injecté à Snake le virus FoxDie, lui dit qu'il lui reste un délai indéterminé avant que cela ne le tue. Ocelot appelle le président américain ; c'était un agent double dont la mission était de voler le disque de Baker contenant les spécifications de Metal Gear. Développement Kojima avait initialement prévu le troisième jeu Metal Gear en 1994, initialement intitulé Metal Gear 3, et de le sortir pour le multijoueur interactif 3DO en 1994. Illustration conceptuelle, par l'illustrateur Yoji Shinkawa, des personnages de Solid Snake, Meryl Silverburgh, qui était également un personnage du jeu d'aventure Policenauts et l'équipe FOXHOUND ont été inclus dans Policenauts: Pilot Disk avant la sortie de la version complète du jeu 3DO en 1995. Cependant, en raison de l'arrêt du 3DO du marché, le développement du le jeu a été transféré sur PlayStation peu de temps après la sortie de Policenauts. Kojima a renommé le jeu Metal Gear Solid, le choisissant plutôt que le titre provisoire Metal Gear 3. Cela était dû au fait qu'il pensait que les deux premiers jeux MSX2 n'étaient pas très connus à l'époque en raison de leur manque de versions mondiales. Il a utilisé le mot « Solid » qui a été choisi parce que le jeu est le troisième opus de la série et parce qu'il utilise l'infographie 3D, en plus d'être en référence à Solid Snake, le protagoniste du jeu. Les suites de ce jeu utilisent également le titre Metal Gear Solid et suivent généralement une progression numérique. Le développement de Metal Gear Solid a commencé au milieu de l'année 1995 avec l'intention de créer le « meilleur jeu PlayStation de tous les temps ». Les développeurs visaient la précision et le réalisme tout en rendant le jeu agréable et tendu. Dès les premiers stades du développement, l'équipe SWAT de Huntington Beach a formé les créateurs avec une démonstration de véhicules, d'armes et d'explosifs. L'expert en armes Motosada Mori a également été engagé comme conseiller technique dans la recherche, qui comprenait des visites à Fort Irwin et des séances de tir à Stembridge Gun Rentals. Kojima a déclaré que "si le joueur n'est pas amené à croire que le monde est réel, alors cela ne sert à rien de créer le jeu". Pour y parvenir, des ajustements ont été apportés à chaque détail, comme des bureaux conçus individuellement. Hideo Kojima a créé les personnages de Metal Gear Solid. Les modifications et la mécanique ont été réalisées par l'artiste conceptuel Yoji Shinkawa. Selon Shinkawa, le physique de Solid Snake dans cet épisode particulier était basé sur Jean-Claude Van Damme, tandis que son apparence faciale était basée sur Christopher Walken. Les personnages ont été complétés par des artistes polygonaux à l'aide de dessins au pinceau et de modèles en argile de Shinkawa. Kojima souhaitait une plus grande interaction avec les objets et l'environnement, par exemple en permettant au joueur de cacher des corps dans un compartiment de stockage. De plus, il voulait « un orchestre complet juste à côté du musicien » ; un système qui apportait des modifications telles que le tempo et la texture à la piste en cours de lecture, au lieu de passer à une autre piste préenregistrée. Bien que ces fonctionnalités n'aient pas pu être réalisées, elles ont été implémentées dans Metal Gear Solid 2 : Sons of Liberty. Metal Gear Solid a été présenté au public à l'E3 1997 sous la forme d'une courte vidéo. Il a ensuite été jouable pour la première fois au Tokyo Game Show en 1998 et est officiellement sorti la même année au Japon avec une vaste campagne promotionnelle. Les publicités télévisées et dans les magazines, les échantillons en magasin et les cadeaux de démonstration ont contribué à un total de 8 millions de dollars en coûts promotionnels. On estime que 12 millions de démos du jeu ont été distribuées en 1998. Musique La partition musicale de Metal Gear Solid a été composée par les musiciens internes de Konami, dont Kazuki Muraoka, Hiroyuki Togo, Takanari Ishiyama, Lee Jeon Myung et Maki Kirioka. Le compositeur et parolier Rika Muranaka a fourni une chanson intitulée "The Best is Yet To Come" pour la séquence de générique de fin du jeu. La chanson est interprétée en irlandais par Aoife Ní Fhearraigh. Le thème principal a été composé par Tappi Iwase du Konami Kukeiha Club. La musique jouée dans le jeu a une sensation synthétique avec un rythme accru et l'introduction de cordes lors des moments tendus, avec un style de boucle endémique aux jeux vidéo. Une musique ouvertement cinématographique, avec des éléments orchestraux et choraux plus forts, apparaît dans les cinématiques. La bande originale est sortie le 23 septembre 1998 sous le label King Records. Sorties Version originale La version anglaise de Metal Gear Solid, traduite par Jeremy Blaustein, qui a localisé la version CD Sega de Snatcher, contient des améliorations mineures apportées lors de la localisation, comme un choix de trois niveaux de difficulté lors du démarrage d'un nouveau jeu (avec un quatrième paramètre déverrouillable disponible si un fichier terminé est présent), une tenue de smoking alternative pour Snake (que le personnage porte à chaque troisième partie successive sur le même fichier de sauvegarde) et un "théâtre de démonstration" où le joueur visionne toutes les cinématiques et conversations radio pertinentes à l'histoire principale. . Les modifications apportées au script anglais incluent l'ajout de sources et d'auteurs occidentaux aux citations de motivation de Mei-Ling (à l'origine, le personnage ne citait que des proverbes chinois) et les jeux détectés par Psycho Mantis lorsqu'il lit la carte mémoire du joueur (en raison de certains titres tels que Policenauts). et la série Tokimeki Memorial n'est pas commercialisée sur le marché étranger). Des versions du jeu doublées en espagnol, allemand, français et italien ont été diffusées dans toute l'Europe en plus de la version doublée en anglais publiée en Amérique. Un package premium a été publié au Japon et en Asie contenant le jeu, un T-shirt, des plaques d'identité, un CD de musique contenant les bandes sonores des jeux MSX2 et un livret contenant des informations sur la production et l'intrigue du jeu. Une version européenne du package a également été produite, présentant un contenu différent de la version japonaise. La version japonaise PlayStation de Metal Gear Solid, ainsi que Integral, ont été rééditées deux fois : une fois dans la gamme The Best et une deuxième fois en tant que titre PS one Books. De même, les versions américaine et européenne de Metal Gear Solid ont été rééditées respectivement sous les gammes « Greatest Hits » et « Platinum ». Le jeu est inclus dans l'ensemble japonais Metal Gear Solid: 20th Anniversary Collection et dans l'ensemble American Essential Collection. Le Metal Gear Solid original est sorti sur le PlayStation Store en téléchargement sur PlayStation 3 et PlayStation Portable au Japon, en Amérique du Nord et en Europe. Intégral Sorti le 25 juin 1999 sur PlayStation au Japon, il s'agit d'une édition étendue qui présente le contenu supplémentaire des versions américaine et européenne du jeu original. Integral remplace les voix japonaises de la version originale par le doublage anglais, tout en offrant le choix entre des sous-titres japonais et anglais (les descriptions des éléments, les journaux de mission et autres textes sont toujours en japonais). D'autres contenus supplémentaires au jeu principal incluent une tenue alternative de « combinaison furtive » pour Meryl (qu'elle porte après que le joueur a déverrouillé le smoking pour Snake), un niveau de difficulté « Très facile » où le joueur commence la mission armé d'un suppresseur équipé d'un suppresseur. Mitraillette MP5 avec des munitions infinies (qui remplace le fusil FAMAS dans l'inventaire du joueur), une fréquence de huit codecs avec des commentaires écrits du personnel (en japonais uniquement) sur chaque zone et rencontre de boss, des morceaux de musique cachés, un mode de jeu alternatif où le Le joueur contrôle Snake à la première personne, une option pour des itinéraires de patrouille alternatifs pour les ennemis et un mini-jeu PocketStation téléchargeable. L'événement Torture a également été rendu plus facile aux niveaux de difficulté plus élevés, réduisant le nombre de tours à trois par session dans tous les contextes. En plus du jeu principal, Integral comprend un troisième disque de contenu supplémentaire appelé « VR Disc ». Le VR Disc propose 300 missions d'entraînement VR testant les compétences de furtivité et de combat du joueur, ainsi que des tests moins conventionnels, tels que des mystères de meurtre, la lutte contre des soldats génomiques géants et trois missions où le joueur contrôle le Cyborg Ninja. Les autres contenus incluent des bandes-annonces et un mode « séance photo » où le joueur prend des photos de Mei Ling et Naomi. Terminer les 300 missions débloquera une illustration conceptuelle du robot Metal Gear RAY qui apparaîtra plus tard dans Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty. Le magazine Famitsu a attribué à Metal Gear Solid: Integral une note de 34 sur 40. Le troisième disque d'Integral est sorti en tant que jeu autonome en Amérique du Nord sous le titre de Metal Gear Solid : VR Missions le 23 septembre 1999. Bien que le contenu des missions VR soit pratiquement identique à celui du disque VR, les conditions de déverrouillage pour les missions Ninja et le mode photoshoot ont été modifiés en conséquence afin qu'ils ne nécessitent plus de sauvegarder les données de la mission principale de l'histoire. Le disque VR est également sorti dans la région PAL sous la forme d'un pack d'extension intitulé Metal Gear Solid: Special Missions le 29 octobre 1999. Contrairement aux versions japonaise et américaine, Special Missions nécessite une copie PAL du Metal Gear Solid original pour être disponible. joué. Ce changement a été effectué depuis que le Metal Gear Solid original est sorti en plusieurs langues en Europe et que Special Missions détermine la langue qu'il utilise en fonction de la version du jeu original que possède le joueur. Lorsque le disque de missions spéciales est chargé dans la console PlayStation, le jeu demandera au joueur de remplacer le disque par le premier disque de Metal Gear Solid afin de charger les données vocales et linguistiques avant de demander au joueur de revenir au disque de missions spéciales. . Cette exigence rend les missions spéciales incompatibles avec les consoles PlayStation 2 fabriquées avant le modèle SCPH-70000. Version PC La version PC de Metal Gear Solid est sortie en Amérique du Nord, en Europe et en Asie fin 2000. Cette version a été publiée par Microsoft Game Studios et développée par Digital Dialect. Il prend en charge l'utilisation d'un clavier ou d'une manette de jeu USB avec au moins six boutons (le manuel recommandant le Sidewinder Game Pad Pro). La version PC est simplement étiquetée Metal Gear Solid sur l'emballage, mais le jeu actuel utilise le logo Metal Gear Solid: Integral, bien qu'il présente également quelques différences par rapport à la version PlayStation d'Integral et qu'il lui manque une partie de son contenu. Le changement le plus important a été de réduire le nombre de disques de trois à deux, en attribuant à chaque disque deux fichiers exécutables distincts, un pour le jeu principal (mgsi.exe) et l'autre pour la partie d'entraînement VR (mgsvr.exe). éliminant ainsi le besoin d'un troisième disque autonome. Une omission notable a été la suppression de la cinématique précédant la bataille de Psycho Mantis dans laquelle il lit la carte mémoire du joueur et active la fonction de vibration du contrôleur du joueur si un DualShock est utilisé, car cette scène impliquait l'utilisation de périphériques spécifiques à la PlayStation. . La méthode pour vaincre Mantis a également été modifiée, passant de l'utilisation du deuxième contrôleur à la simple utilisation du clavier (que le joueur utilisait ou non un contrôleur de jeu jusque-là). D'autres omissions incluent la suppression de la huitième fréquence du codec (140.07), qui comportait des commentaires écrits par les développeurs, la tenue alternative de Meryl et les journaux de mission lors du chargement d'un fichier de sauvegarde. Cependant, la version PC ajoute la possibilité de basculer entre le déplacement et la prise de vue en mode vue à la première personne à tout moment, quel que soit le niveau de difficulté, et les joueurs peuvent désormais sauvegarder leur progression à tout moment sans contacter Mei-Ling grâce à l'utilisation de sauvegardes rapides. Concernant la partie formation VR, les 300 missions, ainsi que le mode photoshoot, sont disponibles dès le début, bien que les trois bandes-annonces à débloquer de la version PlayStation aient été supprimées. Avec un score de 83 au total de Metacritic, le jeu a été critiqué pour ses "problèmes graphiques", la nature vieillissante du port et son fait qu'il est essentiellement identique à la version PlayStation. Les serpents jumeaux Un remake de Metal Gear Solid, intitulé Metal Gear Solid: The Twin Snakes, a été développé par Silicon Knights sous la supervision de Hideo Kojima et sorti sur GameCube en Amérique du Nord, au Japon et en Europe en mars 2004. Alors que Twin Snakes a été largement développé chez Silicon Knights, ses cinématiques ont été développées en interne chez Konami et réalisées par le réalisateur japonais Ryuhei Kitamura, reflétant son style dynamique, utilisant la photographie bullet time et les tirs chorégraphiés de manière approfondie. Alors que le scénario et les paramètres du jeu sont restés inchangés (bien que quelques lignes de dialogue sélectionnées aient été réécrites pour ressembler davantage à la version japonaise originale), une variété de fonctionnalités de jeu de Sons of Liberty ont été ajoutées, telles que la première personne visant et suspendue. des barreaux sur les murs. Un autre changement dans le doublage anglais a été la réduction des accents de Mei Ling, Naomi et Nastasha, ainsi que la refonte de Grey Fox de Greg Eagles, qui reprend toujours le rôle du chef de la DARPA, à Rob Paulsen. Les graphismes ont également été mis à jour pour correspondre à ceux de Metal Gear Solid 2. Réception et héritage Metal Gear Solid a été un succès commercial, expédiant plus de six millions d'exemplaires dans le monde. Il est devenu l'un des jeux les plus loués et en tête des ventes au Royaume-Uni. Le jeu a été acclamé par la critique, gagnant respectivement 93,24 % et 94/100 sur les sites de notation GameRankings et Metacritic. La critique du PlayStation Magazine l'a déclaré "le meilleur jeu jamais réalisé. Incontestable et inoubliable". La critique d'IGN a estimé que Metal Gear Solid était "plus proche de la perfection que tout autre jeu du genre d'action sur PlayStation" et l'a qualifié de "beau, captivant et innovant... dans toutes les catégories imaginables". NGamer l'a comparé à "jouer un blockbuster d'action à gros budget, mais en mieux". GamePro l'a appelé "le meilleur [jeu] de cette saison et un jeu dont aucun joueur qui se respecte ne devrait se passer", mais a critiqué la fréquence d'images qui "bloque parfois les graphismes accrocheurs". GameSpot a critiqué la facilité avec laquelle le joueur évite d'être vu, ainsi que la courte durée du jeu, le qualifiant de "plus une œuvre d'art que... un jeu réel". Metal Gear Solid a reçu un prix d'excellence pour l'art interactif au Japon Media Arts Festival 1998. Rétrospective Metal Gear Solid est souvent reconnu comme l’un des titres clés impliqués dans la vulgarisation du genre des jeux furtifs. L'idée selon laquelle le joueur n'est pas armé et doit éviter d'être vu par ses ennemis plutôt que de les combattre a été utilisée dans de nombreux jeux depuis. Il est aussi parfois acclamé comme étant autant un film qu'un jeu en raison des longues scènes coupées et du scénario compliqué. GameTrailers a affirmé que Metal Gear Solid "a inventé le jeu furtif" et IGN l'a appelé "le fondateur du genre furtif". Entertainment Weekly a déclaré qu'il "avait innové avec... une production de style cinématographique... et un gameplay furtif". Le jeu est souvent considéré comme l'un des meilleurs jeux pour PlayStation et a été présenté dans les listes des meilleurs jeux vidéo par Computer and Video Games en 2000, par Electronic Gaming Monthly et Game Informer en 2001, par Retro Gamer en 2004, par GameFAQs et GamePro. en 2005, et par Famitsu, et par Entertainment Weekly et GameTrailers en 2006. En 2002, IGN l'a classé comme le meilleur jeu PlayStation de tous les temps, déclarant que seule la démo du jeu contenait « plus de gameplay [dedans] que dans la plupart des titres finis ». IGN lui a également décerné les prix de la « Meilleure fin » et du « Meilleur méchant ». En 2005, en le plaçant au 19ème rang de leur liste des « 100 meilleurs jeux », ils ont déclaré que c'était « un jeu qui ressemblait vraiment à un film ». Guinness World Records a décerné à Metal Gear Solid le record de "l'utilisation la plus innovante d'un contrôleur de jeu vidéo" pour le combat de boss avec Psycho Mantis dans l'édition 2008 du Guinness World Records Gamer's Edition. En 2010, PC Magazine l'a classé septième dans la liste des jeux vidéo les plus influents de tous les temps, citant son influence sur « des titres furtifs comme Assassin's Creed et Splinter Cell ». En 2012, Time l'a nommé l'un des 100 meilleurs jeux vidéo de tous les temps et G4tv l'a classé 45e meilleur jeu vidéo de tous les temps. Selon 1UP.com, le style cinématographique de Metal Gear Solids continue d'influencer les jeux d'action modernes tels que Call of Duty. Metal Gear Solid, ainsi que sa suite, Metal Gear Solid 2, ont été présentés dans l'exposition The Art of Video Games du Smithsonian American Art Museum en 2012. En septembre 2015, Metal Gear Solid a été élu meilleur jeu PlayStation original de tous les temps par les utilisateurs. . Médias associés Une version dramatique radiophonique japonaise de Metal Gear Solid, réalisée par Shuyo Murata et écrite par Motosada Mori, a été produite peu de temps après la sortie du jeu PlayStation original. 12 épisodes ont été diffusés, de 1998 à 1999, sur le programme CLUB db de Konami. La série a ensuite été publiée sur CD en deux volumes. Se déroulant après les événements du jeu PlayStation, Snake, Meryl, Campbell et Mei Ling (tous interprétés par leurs doubleurs japonais d'origine) poursuivent des missions dans des pays hostiles du tiers monde en tant que FOXHOUND. Les nouveaux personnages introduits incluent le Sgt. Allen Iishiba (exprimé par Toshio Furukawa), un agent de la Delta Force qui assiste Snake et Meryl, le colonel Mark Cortez (v.b. Osamu Saka), un vieil ami de Campbell qui commande les forces spéciales fictives de l'armée d'Esteria, et le capitaine Sergei Ivanovich (v.b. Kazuhiro Nakata), un ancien compagnon de guerre de Revolver Ocelot de l'époque SVR. En septembre 2004, IDW Publications a commencé à publier une série de bandes dessinées Metal Gear Solid, écrites par Kris Oprisko et illustrées par Ashley Wood. Depuis 2006, 12 numéros ont été publiés, couvrant entièrement l'histoire de Metal Gear Solid. La bande dessinée a été adaptée en un jeu PlayStation Portable intitulé Metal Gear Solid : Digital Graphic Novel (Metal Gear Solid : Bande Dessinée au Japon). Il présente des améliorations visuelles et deux modes interactifs conçus pour donner un aperçu plus approfondi de la publication. En visualisant les pages, le joueur peut ouvrir une interface de « numérisation » pour rechercher des personnages et des objets dans une vue tridimensionnelle. Les découvertes sont ajoutées à une base de données qui peut être échangée avec d'autres joueurs via Wi-Fi. Le « mode mission » permet au joueur d'ajouter les informations collectées dans une bibliothèque. Ces informations doivent être correctement connectées pour terminer une mission. Metal Gear Solid: Digital Graphic Novel est sorti en Amérique du Nord le 13 juin 2006, au Japon le 21 septembre et dans la région PAL le 22 septembre. En 2006, le jeu a reçu le prix IGN pour la meilleure utilisation du son sur la PSP. Une version DVD-Vidéo est incluse avec sa suite (Metal Gear Solid 2: Bande Dessinée), sortie au Japon le 12 juin 2008. La version DVD propose un doublage complet. Une romanisation basée sur le Metal Gear Solid original a été écrite par Raymond Benson et publiée par Del Rey. L'édition de poche américaine a été publiée le 27 mai 2008 et l'édition britannique le 5 juin 2008. Une deuxième romanisation de Kenji Yano (écrite sous le nom de plume Hitori Nojima), intitulée Metal Gear Solid Substance I, a été publiée par Kadokawa Shoten au Japon le 25 août 2015. Cette romanisation est racontée à travers un fichier texte écrit par un jeune homme vivant à Manhattan en 2009 (l'année en cours du chapitre Plant de Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty). L'histoire reconnaît également certains éléments de l'intrigue de Metal Gear Solid V : The Phantom Pain concernant certains personnages tels que Liquid Snake et Psycho Mantis. Adaptation cinématographique Le réalisateur Hideo Kojima a confirmé en 2006 qu'une adaptation cinématographique de Metal Gear Solid était en cours de développement. Il a également laissé entendre que le film pourrait se dérouler en Alaska, le décor original du jeu. Malgré ses idées concernant le film, la voix de Solid Snake, David Hayter, n'écrira pas le scénario final, n'apparaîtra pas dans le film ni ne réalisera le film. Cependant, une pétition a été lancée par les fans pour impliquer Hayter dans l'écriture du scénario. Les producteurs du film espéraient inviter Kurt Wimmer à écrire le film, mais la décision finale n'a pas encore été annoncée, mais le producteur Michael DeLuca a rejeté cette demande. Selon une interview accordée au magazine Nuts, l'acteur Christian Bale serait intéressé à jouer Solid Snake dans le film. Fin août 2012, Konami a publié un communiqué de presse indiquant qu'un film d'action réelle était en pré-production. Le film est produit par Avi Arad et Ari Arad, avec leur société de production Arad Productions ainsi que Columbia Pictures. La distribution et la production seront assurées par Sony Pictures Entertainment.

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Dans quel comté anglais se trouve la forêt d'Arden ?

Warwickshire

Arden est une région située principalement dans le Warwickshire, en Angleterre, et également une partie du Staffordshire et du Worcestershire traditionnellement considérée comme s'étendant de la rivière Avon à la rivière Tame. Elle était autrefois très boisée, d'où le nom de « Forêt d'Arden ». Il ne semble cependant pas que la zone soit soumise au droit forestier. Histoire On pense qu'elle est dérivée d'un mot brithonique ardu- "haut" (cf. Welsh ardd), par extension "montagne", la région était autrefois densément boisée et connue sous le nom de forêt d'Arden. Située à proximité du centre géographique de l'Angleterre, la forêt d'Arden, à travers laquelle aucune voie romaine n'a été construite, était délimitée par les voies romaines Icknield Street, Watling Street, Fosse Way et une piste de sel préhistorique partant de Droitwich. Il englobait une zone correspondant à la moitié nord-ouest du comté traditionnel de Warwick, s'étendant de Stratford-on-Avon au sud à Tamworth (dans le Staffordshire) au nord, et comprenait ce qui sont aujourd'hui les grandes villes de Birmingham et Coventry. , en plus des zones encore largement rurales avec de nombreuses zones boisées. La colonie la plus importante et la plus grande de la forêt était la ville de Henley-in-Arden (dans une vallée de la rivière Alne, à environ 15 miles au sud-est de Birmingham), site d'une colline de l'âge du fer. Une ancienne pierre de marquage connue sous le nom de « Coughton Cross » est toujours présente à l'angle sud-ouest de la forêt, à la jonction de la rue Icknield (maintenant A435) et de la piste de sel. Il est situé à l'extrémité sud de la façade de Coughton Court et appartient au National Trust. Selon la tradition locale, les voyageurs priaient ici pour traverser la forêt en toute sécurité. Depuis 1162 environ, jusqu'à la suppression de l'ordre en 1312, les Templiers possédaient une commanderie au Temple Balsall, au milieu de la forêt d'Arden. La propriété passe ensuite aux Chevaliers Hospitaliers, qui la conserveront jusqu'à la Réforme au XVIe siècle. Robert Catesby, chef de la conspiration des poudres de 1605, était originaire de Lapworth, un village d'Arden. On pense que de nombreuses familles locales avaient résisté à la Réforme et conservé des sympathies catholiques, y compris peut-être la famille de Shakespeare, dont les ancêtres paternels étaient originaires de Temple Balsall. Thorkell d'Arden, descendant de la famille régnante de Mercie, fut l'un des rares grands propriétaires fonciers anglais à conserver de vastes propriétés après la conquête normande, et sa progéniture, la famille Arden, resta importante dans la région pendant des siècles. Mary Arden, mère de William Shakespeare, en était membre. La pièce de Shakespeare As You Like It se déroule dans la forêt d'Arden, mais il s'agit d'une version imaginaire incorporant des éléments de la forêt ardennaise dans la romance en prose de Thomas Lodge, Rosalynde et la vraie forêt (telle qu'elle était alors, soumise à la déforestation et à l'enclos, et la version romancée de sa jeunesse). Les villes de la région comprennent Hampton-in-Arden, Henley-in-Arden et Tanworth-in-Arden. Proposition pour une nouvelle forêt nationale La Countryside Commission a envisagé de créer une nouvelle forêt nationale dans la région en 1989, mais la proposition n'a pas été retenue. Une forêt nationale a cependant été créée dans les Midlands du Nord. Forêt du cœur de l’Angleterre L'éditeur Felix Dennis a planté d'importantes zones boisées dans la région, connue sous le nom de forêt du cœur de l'Angleterre, et à sa mort en 2014, la majeure partie de sa fortune a été utilisée à cette fin. 3 000 acres ont été plantés à Spernall, Dorsington et Honeybourne.

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Quel vêtement Louis Reard a créé en 1946 ?

Bikini

Louis Réard (1897-16 septembre 1984) était un ingénieur automobile et créateur de vêtements français. Il est surtout connu pour avoir lancé un maillot de bain deux pièces en 1946, qu'il a appelé le bikini. Lancement du bikini Réard était un ingénieur en mécanique qui avait repris l'entreprise de lingerie de sa mère vers 1940 près des Folies Bergères à Paris et est devenu créateur de vêtements. Sur les plages de Saint-Tropez, il a remarqué que des femmes retroussaient les bords de leur maillot de bain pour obtenir un meilleur bronzage, ce qui l'a inspiré à concevoir un maillot de bain avec le ventre exposé. En mai 1946, Jacques Heim produit un maillot de bain deux pièces qu'il baptise « Atome », qu'il présente comme le « plus petit maillot de bain au monde ». Le bas du maillot de bain de Heim était juste assez grand pour couvrir le nombril de celui qui le portait. Pour promouvoir son nouveau design, Heim a embauché des skywriters pour survoler la station balnéaire méditerranéenne en présentant l'Atome comme « le plus petit maillot de bain du monde ». Réard a rapidement produit son propre modèle de maillot de bain, un bikini à cordes composé de quatre triangles fabriqués à partir de seulement 30 pieds carrés de tissu imprimé avec un motif de journal. Lorsque Réard a cherché un modèle pour porter son création lors de sa première présentation, aucun des modèles habituels ne voulait porter le costume, il a donc engagé la danseuse nue de 19 ans Micheline Bernardini du Casino de Paris pour le modeler. Il présente son nouveau maillot de bain, qu'il baptise bikini, aux médias et au public parisien le 5 juillet 1946 à la Piscine Molitor, une piscine publique populaire à Paris à l'époque. jour dans l'histoire.do?actionVideoArticle&id 6949 Bikini Introduced], This Day in History, History Channel Pour ne pas être en reste face à Heim, Réard a embauché ses propres skywriters pour survoler la Côte d'Azur en annonçant son modèle comme "plus petit que le plus petit maillot de bain au monde". Les maillots de bain deux pièces étaient disponibles au moins depuis les années 1930, mais le bikini de Réard était controversé car, pour la première fois, le nombril de celui qui le portait était exposé. Commercialisation du bikini Le bikini a été un succès, surtout chez les hommes, et Bernardini a reçu quelque 50 000 lettres de fans. Le modèle de Heim a été le premier porté sur la plage, mais c'est Réard qui a donné son nom au genre de vêtements. Les affaires de Réard ont explosé et, dans ses publicités, il a entretenu la mystique du bikini en déclarant qu'un costume deux pièces n'était pas un véritable bikini "à moins qu'il ne puisse être passé à travers une alliance". Pour stimuler davantage les ventes, Réard a chargé le célèbre carrossier Chapron de construire un "yacht de route" extravagant en convertissant une voiture Packard V8 en une fausse croisière de luxe avec cockpit, hublots, ancre, mât de signalisation et autres insignes nautiques. La voiture (pas un amphibie) participait à des défilés publicitaires et suivait le Tour de France cycliste au début des années 50, avec un équipage de filles en bikini, faisant sensation dans la France paroissiale de l'époque. La vie plus tard Réard a ensuite ouvert une boutique de bikinis à Paris et vendu des maillots de bain pendant 40 ans. En 1980, Réard a déménagé avec sa femme, Marcelle Réard, de la France à Lausanne, en Suisse. Il décède à Lausanne en 1984 à l'âge de 87 ans. Remarques

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Dans quelle ville britannique se trouve le musée du mur juif ?

Leicester

Le statut de ville au Royaume-Uni est accordé par le monarque du Royaume-Uni à un groupe sélectionné de communautés : il existe 69 villes au Royaume-Uni : 51 en Angleterre, six au Pays de Galles, sept en Écosse et cinq en Irlande du Nord. Le fait de détenir le statut de ville ne confère à une colonie aucun droit spécial autre que celui de se qualifier de « ville ». Néanmoins, cette appellation possède son propre prestige et, par conséquent, les compétitions pour ce statut sont âprement disputées. Ce statut ne s'applique pas automatiquement sur la base de critères particuliers, bien qu'en Angleterre et au Pays de Galles, il soit traditionnellement accordé aux villes dotées de cathédrales diocésaines. Cette association entre avoir une cathédrale et être appelé ville a été établie au début des années 1540 lorsque le roi Henri VIII fonda des diocèses (chacun ayant une cathédrale dans la ville du siège) dans six villes anglaises et leur accorda également le statut de ville en délivrant des lettres patentes. Le statut de ville en Irlande a été accordé à beaucoup moins de communautés qu'en Angleterre et au Pays de Galles, et il n'y a que deux villes d'avant le XIXe siècle dans l'Irlande du Nord actuelle. En Écosse, le statut de ville n’a été explicitement reconnu par l’État qu’au XIXe siècle. À cette époque, on assiste à un renouveau de l'octroi du statut de ville, d'abord en Angleterre, où l'octroi s'accompagne de la création de nouvelles cathédrales, puis plus tard en Écosse et en Irlande. Au XXe siècle, il a été explicitement reconnu que le statut de ville en Angleterre et au Pays de Galles ne serait plus lié à la présence d'une cathédrale, et les subventions accordées depuis ont été accordées aux communautés en fonction de divers critères, notamment la taille de leur population. L'abolition de certaines personnes morales dans le cadre des réformes successives de l'administration locale, à commencer par la loi de 1840 sur les corporations municipales (Irlande), a privé certaines villes anciennes de leur statut. Toutefois, des lettres patentes ont été délivrées pour la plupart des villes concernées afin d'assurer le maintien ou le rétablissement de leur statut. À l'heure actuelle, Rochester et Elgin sont les seules anciennes villes du Royaume-Uni. Le nom « Ville » ne désigne pas, en soi, le statut de ville ; il peut être ajouté aux noms de lieux pour une association historique (par exemple White City) ou à des fins de marketing/homonymie (par exemple Stratford City). Un certain nombre de grandes villes (qui comptent par exemple plus de 200 000 habitants) au Royaume-Uni sont plus grandes que certaines petites villes, mais ne peuvent légitimement se qualifier de « ville » sans la désignation royale. Histoire Angleterre et Pays de Galles Avant le 19e siècle Les premières villes () de Grande-Bretagne étaient les colonies fortifiées organisées par les Romains comme capitales des tribus celtiques sous domination romaine. Les clercs britanniques du début du Moyen Âge conservèrent plus tard une liste traditionnelle des « 28 villes » () mentionnée par Gildas et répertoriée par Nennius.Nennius (). Théodor Mommsen (). Historia Brittonum, VI. Composé après 830. Hébergé sur Latin Wikisource. Au XVIe siècle, une ville était reconnue comme ville par la couronne anglaise si elle possédait une cathédrale diocésaine dans ses limites. Cette association entre avoir une cathédrale et être appelé ville a été établie lorsque Henri VIII fonda des diocèses (chacun ayant une cathédrale dans la ville du siège) dans six villes anglaises et leur accorda également le statut de ville en délivrant des lettres patentes. Certaines villes d'aujourd'hui sont très petites parce qu'elles ont obtenu le statut de ville au 16e siècle ou avant, puis n'ont pas été affectées par la croissance démographique pendant la révolution industrielle, notamment Wells (environ 10 000 habitants) et St David's (environ 2 000 habitants). Après le 16e siècle , aucun nouveau diocèse (ni aucune nouvelle ville) n'a été créé avant le XIXe siècle. 1836-1888 Une reprise tant attendue de la création de diocèses commença en 1836 avec Ripon. Le conseil municipal de Ripon a supposé que cela avait élevé la ville au rang de ville et a commencé à se désigner comme la ville et l'arrondissement de Ripon. Le prochain diocèse formé fut celui de Manchester et son conseil d'arrondissement commença de manière informelle à utiliser le titre de ville. Lorsque la reine Victoria visita Manchester en 1851, de nombreux doutes quant à son statut furent soulevés. Cette prétention prit fin lorsque l'arrondissement demanda le statut de ville, qui fut accordé par lettres patentes en 1854. Cela força finalement Ripon à régulariser sa position ; son statut de ville a été reconnu par une loi du Parlement en 1865. À partir de cette année, Ripon a obtenu le statut de ville, contrairement à l'agglomération en expansion rapide de Leeds – dans le diocèse de Ripon. L'affaire Manchester a établi un précédent selon lequel tout arrondissement municipal dans lequel un siège anglican était établi avait le droit de demander le statut de ville. En conséquence, Truro, St Albans, Liverpool, Newcastle upon Tyne et Wakefield furent toutes officiellement désignées comme villes entre 1877 et 1888. Cela ne s'est pas fait sans opposition de la part du ministère de l'Intérieur, qui a rejeté St Albans comme « un bourg de quatrième ou cinquième ordre » et s'est opposé à l'élévation de Wakefield en raison de sa population. Dans un nouveau diocèse, Southwell, une ville n'a pas été créée, car il s'agissait d'un village sans corporation d'arrondissement et ne pouvait donc pas adresser de pétition à la reine. Le diocèse couvrait les comtés du Derbyshire et du Nottinghamshire, et les arrondissements de Derby et de Nottingham étaient déçus de ne pas pouvoir revendiquer le titre de ville. 1889-1907 Le lien avec les diocèses anglicans fut rompu en 1889 lorsque Birmingham demanda avec succès le statut de ville en raison de sa grande population et de son histoire de bonne gouvernance locale. Au moment de la subvention, Birmingham n'avait pas de cathédrale anglicane, bien que l'église paroissiale devienne plus tard une cathédrale en 1905. Ce nouveau précédent fut suivi par d'autres grandes municipalités : Leeds et Sheffield devinrent des villes en 1893, et Bradford, Kingston upon Hull et Nottingham ont été honorés à l'occasion du jubilé de diamant de la reine Victoria en 1897. Les trois derniers étaient les plus grands arrondissements de comté en dehors de la région de Londres sans statut de ville. Entre 1897 et 1914, des candidatures furent reçues d'un certain nombre d'autres arrondissements, mais un seul fut retenu : en 1905, Cardiff fut désignée ville et obtint le titre de Lord Mayoralty en tant que « métropole du Pays de Galles ». Le statut de Westminster Le London Government Act 1899 a aboli les autorités locales existantes dans le comté de Londres et les a remplacées par 28 arrondissements métropolitains. Parmi les organes à dissoudre figurait la Cour des bourgeois de la ville de Westminster. William Burdett-Coutts, l'un des députés de Westminster, a présenté un amendement visant à renommer l'arrondissement proposé du Grand Westminster en Cité de Westminster. Cela visait à donner "une reconnaissance au titre que la région ... possédait depuis plus de trois siècles et demi". Il estime que si le statut n'est pas conservé pour le nouvel arrondissement, il "doit nécessairement disparaître complètement". L'amendement a cependant été rejeté par le gouvernement, le Premier Lord du Trésor, Arthur Balfour, estimant qu'il s'agirait d'« une anomalie qui, je pense, ne serait pas anormalement ressentie par d'autres districts aussi peuplés que Westminster, bien que sans doute moins riche en associations historiques". Le gouvernement a finalement cédé, Balfour déclarant que « dès que les dispositions nécessaires en vertu de la loi sur le gouvernement de Londres auront été prises, il sera conféré à l'arrondissement de Westminster, tel que constitué en vertu de la loi, le titre de ville, initialement conféré dans le époque d'Henri VIII". Des lettres patentes ont été dûment délivrées accordant le titre de « ville » au nouvel arrondissement métropolitain de Westminster. 1907-1953 En 1907, le ministère de l'Intérieur et le roi Édouard VII se sont mis d'accord sur une politique selon laquelle les futurs candidats devraient répondre à certains critères. Cette politique, non rendue publique à l'époque, a pour effet de freiner les créations de villes. La politique de 1907 contenait trois critères : * Une population minimale de 300 000 habitants. * Un « caractère métropolitain local » : cela impliquait que la ville avait une identité propre et était le centre d'une zone plus vaste. * Un bon bilan du gouvernement local. Cependant, jusqu'au XXe siècle, on pensait souvent que la présence d'une cathédrale suffisait à élever une ville au statut de ville et que, pour les villes cathédrales, les chartes municipales reconnaissaient son statut de ville plutôt que de l'accorder. Sur cette base, l'Encyclopædia Britannica de 1911 disait que Southwell et St Asaph étaient des villes. La politique établie par Édouard VII fut poursuivie par son successeur, George V, qui monta sur le trône en 1910. En 1911, une demande de statut de ville présentée par Portsmouth fut refusée. Expliquant la raison pour laquelle le ministre de l'Intérieur n'a pas recommandé au roi d'approuver la pétition, le Lord Advocate a déclaré : ...sous le règne de feu Sa Majesté, il a été jugé nécessaire, afin de maintenir la valeur de la distinction, d'établir une règle quant à la population minimale qui devrait normalement, en relation avec d'autres considérations, être considérée comme qualifiant un arrondissement pour ce statut plus élevé. Après la Première Guerre mondiale, le roi effectua une visite officielle à Leicester en 1919 pour commémorer sa contribution à la victoire militaire. Le conseil d'arrondissement avait déposé plusieurs demandes de statut de ville depuis 1889 et profitait de la visite pour renouveler sa demande. Leicester comptait environ 230 000 habitants au recensement précédent, mais sa requête a été acceptée à titre d'exception à la politique, car il s'agissait officiellement d'une restauration d'une dignité perdue dans le passé. Lorsque le comté de Stoke-on-Trent demanda le statut de ville en 1925, il fut initialement refusé car il ne comptait que 294 000 habitants. La décision a cependant été annulée, car elle était considérée comme ayant une importance exceptionnelle en tant que centre de l'industrie de la poterie. L'assouplissement effectif de la règle de population a conduit à des candidatures de Portsmouth et de Salford. Les fonctionnaires du ministère de l'Intérieur étaient disposés à refuser les deux demandes. En particulier, Salford était considéré comme "un simple groupe de 240 000 personnes coupées de Manchester par le fleuve". Le cas de Salford a cependant été considéré favorablement par le ministre de l'Intérieur, William Joynson-Hicks, député d'une circonscription voisine de Manchester. Suite aux protestations de Portsmouth, qui estimait avoir de meilleures références en tant que ville plus grande et en tant que « premier port naval du royaume », les deux demandes furent approuvées en 1926. En 1927, une Commission royale sur le gouvernement local examinait les zones et les fonctions des conseils locaux en Angleterre et au Pays de Galles. La question s'est posée de savoir quelles villes avaient le droit d'être appelées villes, et le président, le comte d'Onslow, a écrit au ministère de l'Intérieur pour demander des éclaircissements. Le ministère de l'Intérieur a répondu par un mémorandum qui disait : Le titre de ville qui est porté par certains arrondissements est une distinction purement titulaire. Il n'a aucun lien avec le statut de l'arrondissement en matière de gouvernement local et ne confère aucun pouvoir ni privilège. À l'heure actuelle et depuis plusieurs siècles, le titre n'a été obtenu que par une concession expresse du Souverain effectuée par lettres patentes ; mais un certain nombre de villes possèdent le titre par un droit prescriptif très ancien. Il n'y a pas de lien nécessaire entre le titre d'une ville et le siège d'un évêché, et la création d'un nouveau siège ne constitue pas la ville concernée une ville ni ne lui donne aucun droit à l'octroi de lettres patentes la créant une ville. En 1928, Plymouth a déposé une demande de statut de ville. Comme l'arrondissement comptait plus d'habitants que Portsmouth et avait absorbé Devonport et East Stonehouse, le roi accepta la demande. Cependant, il a indiqué qu'il était « arrivé à la fin de la création de la ville » et la candidature de Southampton l'année suivante a été rejetée. La ville suivante à être créée fut Lancaster dans le cadre des célébrations du couronnement du roi George VI et de la reine Elizabeth. Avec une population d'un peu plus de 50 000 habitants, Lancaster était considérée comme une exception en raison de la « longue association de la ville avec la couronne » et parce qu'elle était « le chef-lieu du duché du roi de Lancastre ». Après la Seconde Guerre mondiale, les membres du conseil d'arrondissement de Cambridge ont pris contact avec les responsables de Lancaster pour obtenir de l'aide dans leur demande. Cambridge est devenue une ville en 1951, encore une fois pour des raisons « exceptionnelles », en tant que seul ancien siège d'enseignement du royaume à ne pas être une ville ou un bourg royal et pour coïncider avec le 750e anniversaire de la première charte d'incorporation de l'arrondissement. Croydon a également postulé en 1951, mais a échoué car on estimait qu'elle n'avait pas une identité suffisante en dehors du Grand Londres et les rapports sur la conduite du gouvernement local dans la ville étaient défavorables. 1953-1974 On prévoyait que le couronnement d'Elizabeth II en 1953 conduirait à la création d'une ville, et Wolverhampton, Preston et Southampton firent des démarches ; le seul honneur civique accordé était celui de maire de Coventry. Derby et Southwark ont ​​déposé des demandes infructueuses en 1955. Les réorganisations prévues par les commissions de gouvernement local pour l'Angleterre et le Pays de Galles à partir de 1958 ont effectivement bloqué les nouvelles subventions municipales. Southampton a déposé une requête en 1958. Initialement refusée en 1959, en attendant la décision de la Commission, elle a finalement été autorisée en 1964. Entre-temps, l'administration de Londres a été réformée en vertu du London Government Act 1963. Alors que la City de Londres était autorisée Pour continuer à exister en grande partie inchangée, Westminster a fusionné avec deux autorités voisines pour former un nouvel arrondissement de Londres à partir du 1er avril 1965. En décembre 1963, il fut annoncé qu'une charte devait être accordée incorporant la nouvelle autorité sous le nom de « Westminster » et que le Queen avait accepté le conseil du ministre de l'Intérieur d'élever l'arrondissement de Londres au titre et à la dignité de ville. Cet exemple, d'une autorité locale successeur d'une entité de gouvernement local fusionnée prenant le statut de ville de cette ancienne entité, devait être reproduit dans de nombreux cas à la suite des réformes de 1972/74 du gouvernement local en Angleterre et au Pays de Galles (voir ci-dessous). Avec la création de la Commission royale sur le gouvernement local en Angleterre en 1966, les subventions municipales étaient de nouveau suspendues en Angleterre. Les tentatives de Derby, Teesside et Wolverhampton pour devenir des villes n'ont pas abouti. Au Pays de Galles, Swansea a fait campagne pour le statut de ville tout au long des années 1960. La campagne s'est terminée avec succès en 1969, à l'occasion de l'investiture de Charles, prince de Galles. Réorganisation de 1974 et nouvelles villes Le Local Government Act 1972 a aboli toutes les autorités locales existantes en dehors de Londres (autres que les conseils paroissiaux) en Angleterre et au Pays de Galles. Cela signifiait que les différentes autorités locales qui détenaient le statut de ville ont cessé d'exister le 1er avril 1974. Pour préserver le statut de ville, de nouvelles lettres patentes ont été délivrées à l'arrondissement métropolitain, au district non métropolitain ou aux conseils paroissiaux successeurs les plus concernés créés par la loi. Certains d’entre eux ont fini par couvrir des districts d’administration locale bien plus vastes que la ville précédente, couvrant même de nombreux kilomètres carrés de terres rurales en dehors des zones urbaines, par exemple les villes de Bradford, Leeds et Winchester. Trois préservations d'autorités non locales sont apparues : ici, des administrateurs de la charte ont été établis pour les villes de Lichfield et Salisbury (ou New Sarum) n'étant ni des districts ni des paroisses civiles, et des lettres patentes spéciales ont préservé pendant un certain temps la ville de Rochester. En 1977, dans le cadre des célébrations du jubilé d'argent d'Elizabeth II, le ministère de l'Intérieur a identifié neuf candidats au statut de ville : Blackburn, Brighton, Croydon, Derby, Dudley, Newport, Sandwell, Sunderland et Wolverhampton. En fin de compte, Derby a reçu le prix du plus grand district non métropolitain non encore désigné ville. En avril 1980, un conseil paroissial a été créé pour Lichfield et les administrateurs de la charte établis six ans plus tôt ont été dissous. Le statut de ville a été temporairement perdu jusqu'à ce que de nouvelles lettres patentes soient délivrées en novembre de la même année. En 1992, à l'occasion du quarantième anniversaire de l'accession du monarque, il a été annoncé qu'une autre ville serait élevée au rang de ville. Une innovation à cette occasion était qu'un concours serait organisé et que les communautés seraient tenues de présenter des candidatures. Sunderland était le candidat retenu. Cela a été suivi en 1994 par la restauration de la dignité de St David's, siège historique d'un évêque. "Les centres religieux retrouvent le statut de ville", The Guardian, 8 juillet 1994. Depuis 2000, le statut de ville a été accordé aux villes ou aux districts d'administration locale. par concours lors d'occasions spéciales. Quatre candidats retenus en Angleterre sont devenus des villes, ainsi que deux au Pays de Galles ; en 2000, pour les célébrations du millénaire, les nouvelles villes étaient Brighton et Hove et Wolverhampton ; en 2002, pour le jubilé d'or de la reine, c'était Preston et Newport, et en 2012, pour le jubilé de diamant de la reine, c'était Chelmsford et St Asaph. Le Grand Londres Hormis les villes de Londres et de Westminster, aucune autorité locale de la région du Grand Londres n’a obtenu le statut de ville. Le ministère de l'Intérieur avait pour politique de résister à toute tentative des arrondissements métropolitains de devenir des villes, même lorsque leur population et d'autres critères proposés comme critères de qualification auraient autrement pu les rendre éligibles. On a estimé qu'une telle subvention porterait atteinte au statut des deux villes existantes dans la capitale. L'arrondissement métropolitain de Southwark a déposé un certain nombre de demandes, mais en 1955, il a été demandé au greffier de l'arrondissement de ne pas poursuivre l'affaire. En dehors des limites du comté, le comté de Croydon a déposé trois demandes, qui ont toutes été rejetées car elles n'étaient pas considérées comme suffisamment distinctes de Londres. Lorsque le successeur de l'arrondissement londonien de Croydon a postulé en 1965, le sous-secrétaire d'État adjoint a résumé le dossier contre Croydon : « ... quelle que soit son histoire passée, elle fait désormais simplement partie de l'agglomération londonienne et est presque impossible à distinguer de la plupart des autres agglomérations du Grand Londres. arrondissements". Les mêmes objections ont été formulées lorsque les arrondissements londoniens de Croydon et de Southwark ont ​​participé sans succès à la compétition pour le statut de ville à l'occasion du millénaire : Croydon n'avait « aucune identité particulière » tandis que Southwark faisait « partie de Londres avec peu d'identité individuelle ». . Lorsque le concours le plus récent a eu lieu pour marquer le jubilé d'or de 2002, Croydon a présenté une sixième candidature, toujours sans succès. Il fut rejoint par le quartier londonien de Greenwich, qui mit l'accent sur ses liens royaux et maritimes, tout en prétendant être « à Londres ce que Versailles est à Paris ». Dans cette optique, Greenwich a rejoint Kingston-upon-Thames et Kensington et Chelsea à Londres pour remporter le titre de Royal Borough en 2012. Rochester Rochester a été reconnue comme ville de 1211 à 1998. Le 1er avril 1974, le conseil municipal a été aboli et est devenu une partie de l'arrondissement de Medway, un district d'administration locale du comté de Kent. Cependant, en vertu de lettres patentes, l'ancienne zone du conseil municipal devait continuer à être appelée « Ville de Rochester » pour « perpétuer l'ancien nom » et rappeler « la longue histoire et le fier héritage de ladite ville ». La ville était unique, car elle n'avait ni conseil ni administrateurs agréés, ni maire ni chef municipal. En 1979, l'arrondissement de Medway a été rebaptisé Rochester-upon-Medway et, en 1982, d'autres lettres patentes ont transféré le statut de ville à l'ensemble de l'arrondissement. Le 1er avril 1998, les districts d'administration locale existants de Rochester-upon-Medway et Gillingham ont été abolis et sont devenus la nouvelle autorité unitaire de Medway. Comme c'était le district d'administration locale qui détenait officiellement le statut de ville en vertu des lettres patentes de 1982, lorsqu'il a été aboli, il a également cessé d'être une ville. Alors que les deux autres districts d'administration locale ayant le statut de ville (Bath et Hereford) qui ont été abolis à cette époque ont décidé de nommer des administrateurs agréés pour maintenir l'existence de la ville et de la mairie, le conseil municipal de Rochester-upon-Medway ne l'a pas fait. Le Conseil de Medway n'en a apparemment pris conscience que lorsque, en 2002, il a découvert que Rochester ne figurait pas sur la liste des villes du bureau du Lord Chancelier. En 2010, elle a commencé à faire référence à la « Ville de Medway » dans son matériel promotionnel, mais elle a été réprimandée et invitée à ne plus le faire à l'avenir par l'Advertising Standards Authority. Écosse L'Écosse n'avait pas de villes par charte royale ou lettres patentes avant 1889. L'équivalent le plus proche dans l'Écosse d'avant l'Union était le bourg royal. Le terme ville n'était pas toujours appliqué de manière cohérente et des doutes existaient quant au nombre de villes officiellement désignées. Les bourgs royaux d'Édimbourg et de Perth utilisaient autrefois le titre civitas, mais le terme ville ne semble pas avoir été utilisé avant le XVe siècle. Contrairement à la situation en Angleterre, en Écosse il n’y avait aucun lien entre la présence d’une cathédrale et le titre de ville. Aberdeen, Glasgow et Édimbourg étaient acceptées comme villes selon l'usage ancien au XVIIIe siècle, tandis que Perth et Elgin utilisaient également ce titre. En 1856, le bourg de Dunfermline décida d'utiliser à l'avenir le titre de ville dans tous les documents officiels, sur la base d'un long usage et de son ancien statut de capitale royale. Ce statut n'a jamais été officiellement reconnu. En 1889, Dundee obtint le statut de ville par lettres patentes. L'octroi par document formel a suscité des doutes quant à l'utilisation du titre de ville par d'autres bourgs. En 1891, le statut de ville d'Aberdeen fut confirmé lorsque le bourg fut agrandi par une loi du Parlement local. Le Burgh Royal d'Inverness a demandé une promotion au rang de ville dans le cadre des honneurs du Jubilé en 1897. La demande n'a pas été accordée, en partie parce qu'elle attirerait l'attention sur l'absence de charte accordant le titre aux villes existantes. Aberdeen, Dundee, Édimbourg et Glasgow ont été constitués en « comtés de villes » par la loi de 1929 sur le gouvernement local (Écosse). La loi ne faisait aucune déclaration sur le titre de ville d'un autre bourg. En 1969, le ministre de l'Intérieur, James Callaghan, a déclaré qu'il y avait six villes en Écosse (sans les nommer) et Aberdeen, Dundee, Édimbourg, Elgin, Glasgow et Perth étaient les seuls bourgs répertoriés comme villes en 1972. La loi de 1973 sur le gouvernement local (Écosse) a complètement réorganisé l'administration locale écossaise en 1975. Tous les bourgs ont été abolis et un système de districts a été créé. Les quatre districts d'Aberdeen, d'Édimbourg, de Dundee et de Glasgow avaient la ville incluse dans leurs titres par la loi. Les districts de 1975 ont été remplacés par les zones de conseil actuelles par la loi de 1994 sur le gouvernement local, etc. (Écosse) en 1996, et les quatre mêmes villes ont été désignées. Depuis la réorganisation de 1996, trois autres villes écossaises ont été désignées : Inverness dans le cadre des célébrations du millénaire, Stirling en 2002 pour commémorer le jubilé d'or de la reine Elizabeth II et Perth en 2012 pour marquer le jubilé de diamant de la reine. Dans le cas de ces trois villes, il n’y a pas de conseils municipaux ni de frontières formelles. En janvier 2008, une demande d'immatriculation des armoiries de la ville d'Inverness a été refusée par Lord Lyon King of Arms au motif qu'il n'existe aucune personne morale ou personne morale à qui des armes peuvent être accordées. Irlande et Irlande du Nord Le statut de ville en Irlande avait historiquement tendance à être accordé par charte royale. Il existe de nombreuses villes en Irlande dotées de cathédrales de l’Église d’Irlande qui n’ont jamais été appelées villes. Malgré cela, Armagh était considérée comme une ville, du fait qu'elle était le siège du Primat de toute l'Irlande, jusqu'à l'abolition de la corporation municipale d'Armagh par la loi de 1840 sur les corporations municipales (Irlande). La seule ville historique avec une charte en L'Irlande du Nord actuelle est Derry. Derry reçut sa première charte de Jacques Ier en 1604, mais la garnison fut attaquée et détruite par Cahir O'Doherty en 1608. La ville actuelle est le résultat d'une seconde charte accordée en 1613 aux membres des guildes de Londres, dans le cadre de la Plantation d'Ulster, prévoyant la construction d'une ville fortifiée, rebaptisée Londonderry. En 1887, le jubilé d'or de la reine Victoria fut célébré et l'arrondissement de Belfast soumit un mémorial au Lord Lieutenant d'Irlande demandant le statut de ville. Belfast a fondé sa revendication sur sa similitude avec deux arrondissements anglais qui avaient reçu cet honneur – le port maritime de Liverpool et le centre textile de Manchester – et sur le fait qu'elle comptait (à l'époque) une population plus importante que la ville de Dublin. Après un débat juridique, le statut de ville fut conféré en 1888. L'octroi de cet honneur au motif qu'il s'agissait d'une grande ville industrielle plutôt que d'un centre diocésain était sans précédent. L'exemple de Belfast fut bientôt suivi par Birmingham en Angleterre et Dundee en Écosse. En 1994, le statut de ville d'Armagh a été rétabli. En 2002, Lisburn et Newry étaient deux des cinq villes du Royaume-Uni auxquelles la reine Elizabeth II a accordé le statut de ville à l'occasion de son jubilé d'or. Dans le cas de Lisburn, le statut s'étend à l'ensemble du district d'administration locale. Newry, comme Inverness et Stirling en Écosse, n'a pas de frontières formelles ni de conseil municipal. Les lettres patentes ont été présentées aux représentants du conseil du district de Newry et Mourne au nom de la ville. Pratique actuelle d'octroi du statut de ville Selon un mémorandum du ministère de l'Intérieur publié en 1927, Si une ville souhaite obtenir le titre de ville, la procédure appropriée consiste à adresser une pétition au roi par l'intermédiaire du ministère de l'Intérieur. Il est du devoir du ministre de l'Intérieur de soumettre ces pétitions à Sa Majesté et d'informer Sa Majesté de la réponse à retourner. C'est un principe bien établi que l'octroi du titre n'est recommandé que dans le cas de villes de premier rang en termes de population, de taille et d'importance, et possédant un caractère distinctif et une identité qui leur sont propres. Aujourd’hui, ce n’est donc que rarement et dans des circonstances exceptionnelles que le titre est décerné. En effet, une ville peut désormais demander le statut de ville en adressant une demande au Lord Chancellor, qui fait des recommandations au souverain. Des concours pour l'attribution du statut de ville ont été organisés à l'occasion d'événements spéciaux, tels que les couronnements, les jubilés royaux ou le millénaire. Lords-maires Certaines villes d'Angleterre, du Pays de Galles et d'Irlande du Nord ont la particularité supplémentaire d'avoir un lord-maire plutôt qu'un simple maire - en Écosse, l'équivalent est le lord-prévôt. Les lord-maires ont le droit d'être appelés « le très vénérable lord-maire ». Les lord-maires et prévôts de Belfast, Cardiff, Édimbourg, Glasgow, la ville de Londres et York ont ​​en outre le droit d'être appelés « le très honorable lord-maire » (ou prévôt), bien qu'ils ne soient pas membres du Conseil privé, car cela le style l’indique généralement. Le style est associé au bureau, et non à la personne qui le tient, donc « The Right Worshipful Joseph Bloggsworthy » serait incorrect. Il existe actuellement 69 villes reconnues (dont 30 Lord Mayoralties ou Lord Provostships) au Royaume-Uni : 51 villes (23 Lord Mayoralties) en Angleterre, six villes (deux Lord Mayoralties) au Pays de Galles, sept villes (quatre Lord Provostships) en Écosse et cinq villes (un Lord Mayoralty) en Irlande du Nord. En République d'Irlande, le chef de cérémonie du gouvernement de la ville de Dublin est le lord-maire de Dublin. Ce titre fut accordé par Charles II en 1665, alors que Dublin faisait partie du Royaume d'Irlande. Alors que les 1665 lettres patentes prévoyaient que le lord-maire détenait le titre officiel de très honorable, celui-ci a été abrogé en 2001. Il existe également un lord-maire de Cork, titre accordé en 1900 alors que Cork faisait encore partie du Royaume-Uni. Dans la pratique moderne, des concours sont organisés pour les villes qui souhaitent obtenir la distinction de lord-maire. Le concours de 2002 a réuni Bath, Cambridge, Carlisle, Chichester, Derby, Exeter, Gloucester, Lancaster, Lincoln, St Albans, St David's, Salford, Southampton, Sunderland, Truro, Wolverhampton et Worcester ; le candidat retenu était Exeter. En 2012, un autre concours a eu lieu, dans le cadre des célébrations du jubilé de diamant, et Armagh a reçu la distinction. Onze autres villes ont participé au concours, à savoir : Cambridge, Derby, Gloucester, Lancaster, Newport, Peterborough, Salford, Southampton, St Albans, Sunderland et Wakefield. Districts de gouvernement local Depuis la réorganisation du gouvernement local en 1974, le statut de ville a été attribué à un certain nombre de districts de gouvernement local qui ne sont pas eux-mêmes des villes. Chacun comprend un certain nombre de villes et villages en dehors de la zone urbaine dont le district tire son nom. Dans certains de ces cas, le statut de ville a été attribué aux districts où la plus grande agglomération avait le statut de ville avant 1974. Dans d'autres cas, un arrondissement a été formé pour gouverner une zone couvrant plusieurs villes, puis le statut de ville a été accordé à l'arrondissement. Le plus grand district « urbain » en termes de superficie est la ville de Carlisle, qui couvre environ 400 milles carrés de paysage essentiellement rural dans le nord de l'Angleterre et est plus grande que des comtés plus petits tels que Merseyside ou Rutland. Ces villes comprennent : * Ville de Bradford, comprenant les villes de Bingley, Ilkley, Keighley et Shipley ainsi que Bradford * Ville de Canterbury, comprenant les villes de Herne Bay et Whitstable ainsi que Canterbury * Ville de Lancaster, comprenant les villes de Carnforth, Heysham et Morecambe ainsi que Lancaster et les zones rurales environnantes. * Ville de Leeds, comprenant les villes d'Otley, Pudsey et Wetherby ainsi que Leeds * Ville de Preston, incluant les zones rurales ainsi que Preston * Ville de St Albans, comprenant la ville de Harpenden ainsi que St Albans * Ville de Salford, comprenant les villes d'Eccles, Pendlebury et Swinton ainsi que Salford * Ville de Sunderland, comprenant les villes de Hetton-le-Hole, Houghton-le-Spring et Washington ainsi que Sunderland * Ville de Wakefield, incluant les villes de Castleford, Ossett et Pontefract ainsi que Wakefield * Ville de Winchester, comprenant les villes de Bishop's Waltham et New Alresford ainsi que Winchester Dans certaines villes, le district administratif local est en fait plus petit que les limites historiques ou naturelles de la ville. Exemples : Manchester, où la zone traditionnelle associée comprend les zones des autorités voisines de Trafford, Tameside, Oldham, Bury et la ville de Salford ; Kingston upon Hull, où les zones environnantes et les villages qui sont en fait des banlieues, comme Cottingham, qui relève du East Riding of Yorkshire Council ; Glasgow, où les zones suburbaines de la ville sont situées dans l'East Dunbartonshire, l'East Renfrewshire, le North Lanarkshire, le Renfrewshire, le South Lanarkshire et le West Dunbartonshire ; Wolverhampton et Londres. Conseils municipaux Le fait de détenir le statut de ville ne confère à une colonie aucun droit spécial autre que celui de se qualifier de « ville ». Néanmoins, cette appellation possède son propre prestige et, par conséquent, les compétitions pour ce statut sont âprement disputées. Historiquement, le statut de ville ne pouvait être accordé qu'aux villes constituées en société. La subvention a été spécifiquement accordée à la zone de gouvernement local concernée, telle qu'une paroisse civile ou un arrondissement. Cependant, les subventions récentes ont utilisé une formulation plus souple, où le statut est attribué à la « ville ». Dans la plupart des cas, la « ville » est considérée comme coïncidant avec la zone d'administration locale concernée, de sorte que le titulaire du statut de ville est la personne morale du conseil. Les exemples incluent les lettres patentes accordées aux « villes de Brighton et Hove », à la « ville de Wolverhampton » et à la « ville de Newport dans le comté de Newport ». Dans chaque cas, le conseil d'arrondissement existant est devenu le conseil municipal. Dans certains cas, comme dans les villes de Stirling et d’Inverness, il n’existait aucune personne morale. La demande de statut de ville du Conseil de Stirling concernait spécifiquement la zone urbaine du (maintenant ancien) Burgh Royal de Stirling et incluait les limites de la ville proposées. Ainsi, toute la zone municipale n'a pas le statut de ville et il n'y a pas de conseil municipal officiel. Cependant, la plupart des villes disposent de conseils municipaux, dont les pouvoirs varient selon le type d'agglomération. Il existe des autorités unitaires (y compris les arrondissements métropolitains et londoniens) qui sont responsables de tous les services gouvernementaux locaux au sein de leur zone. (Le seul arrondissement de Londres ayant le statut de ville est la Cité de Westminster). De nombreuses villes disposent de conseils de district ordinaires, qui partagent le pouvoir avec les conseils de comté. Certaines villes anglaises qui ne sont ni des districts de gouvernement local ni des districts de gouvernement local ayant le statut de ville ont des conseils municipaux qui sont des conseils paroissiaux, avec des pouvoirs limités. Attribution du statut de ville Le statut de ville est conféré par des lettres patentes et non par une charte royale (sauf historiquement en Irlande). Il existe vingt villes en Angleterre et au Pays de Galles qui ont été reconnues comme villes par un « ancien droit prescriptif » ; aucune de ces communautés n'avait été formellement déclarée ville, mais elles utilisaient toutes ce titre depuis « des temps immémoriaux », c'est-à-dire avant le 3 septembre 1189. L'obtention du statut de ville n'apporte aucun avantage particulier autre que le droit d'être appelée ville. Toutes les villes où un gouvernement local

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La thanatologie est l'étude scientifique de quoi ?

La mort

La thanatologie est l'étude scientifique de la mort. Il étudie les mécanismes et les aspects médico-légaux de la mort, tels que les changements corporels qui accompagnent la mort et la période post-mortem, ainsi que les aspects psychologiques et sociaux plus larges liés à la mort. Il s'agit avant tout d'une étude interdisciplinaire proposée sous forme de programme d'études dans de nombreux collèges et universités. Le mot est dérivé de la langue grecque. Dans la mythologie grecque, Thanatos (θάνατος : « mort ») est la personnification de la mort. Le suffixe anglais -ology dérive du suffixe grec -logia (-λογια : « parler »). Histoire En 1903, le scientifique russe Élie Metchnikoff, célèbre pour ses travaux en microbiologie et la découverte de la phagocytose, affirmait que sans une attention systématique à la mort, les sciences de la vie ne seraient pas complètes. Par cet argument, Metchnikoff appelle à la création d’une discipline scientifique consacrée à l’étude de la mort. Il a fait valoir que ceux qui étaient en train de mourir avaient peu ou pas de ressources pour vivre l’expérience de la mort et qu’une étude universitaire aiderait ceux qui sont confrontés à la mort à mieux comprendre le phénomène et à réduire leur peur. Metchnikoff a basé ses idées pour une étude interdisciplinaire sur le fait que même si les étudiants en médecine rencontraient obligatoirement des cadavres à travers des études anatomiques, il n'y avait presque aucune instruction sur la façon de prendre soin des mourants, et aucune recherche sur la mort n'était incluse dans le programme. Comme peu d’universitaires et d’éducateurs étaient d’accord avec Metchnikoff, le soutien dont il avait besoin pour concrétiser sa suggestion ne s’est pas concrétisé avant des décennies. Après la Seconde Guerre mondiale, le monde était hanté par le souvenir des nombreuses victimes. Au cours de cette période de réflexion, de nombreux philosophes existentiels ont commencé à réfléchir aux questions de vie et de mort. L’un d’eux en particulier était Herman Feifel, un psychologue américain considéré comme le pionnier du mouvement de mort moderne. Feifel a brisé le tabou sur les discussions sur la mort et l'agonie avec la publication de son livre The Meaning of Death. Dans ce livre, Feifel dissipe les mythes entretenus par les scientifiques et les praticiens sur la mort et le déni de son importance pour le comportement humain. Il a suscité une grande attention et est devenu un classique dans ce nouveau domaine, notamment grâce aux contributions d'éminents penseurs tels que le psychiatre Carl Jung, le théologien Paul Tillich et le philosophe Herbert Marcuse. Grâce au Sens de la mort, Feifel a pu jeter les bases d'un domaine qui serait finalement connu sous le nom de Thanatologie. Le domaine consistait à améliorer l'éducation à la mort et le conseil en matière de deuil grâce à l'utilisation de données, de méthodologies et de théories valides liées à la mort. Cependant, ce n’est qu’un des nombreux livres importants dans le domaine de la thanatologie. D'autres textes clés incluent L'Expérience de la mort de Paul-Louis Landsberg, les sections sur la temporalité et la mort de Être et temps de Martin Heidegger, ainsi que des œuvres de nature fictionnelle, comme La Mort d'Ivan Ilitch et Alors que je mourais de Léon Tolstoï. par William Faulkner. Objectifs Dans la plupart des cas, la thanatologie n'est pas directement liée aux soins palliatifs, qui visent à soigner les mourants et leurs familles. Selon l'Organisation Mondiale de la Santé, « les soins palliatifs sont une approche qui améliore la qualité de vie des patients et de leurs familles confrontés au problème associé à une maladie potentiellement mortelle, impliquant le « traitement de la douleur et d'autres problèmes physiques, psychosociaux et spirituels ». . La thanatologie n'explore pas directement le sens de la vie et de la mort. De telles questions ne concernent pas ceux qui étudient les aspects médicaux. Cependant, la question est très pertinente pour la santé psychologique des personnes impliquées dans le processus de la mort : individus, familles, communautés et cultures. Domaines d'études En tant qu'étude interdisciplinaire, la thanatologie repose sur la collaboration avec de nombreux domaines d'études différents. La mort est une préoccupation humaine universelle ; il a été examiné et réexaminé dans une grande variété de disciplines, remontant à la préhistoire. Certains de ces domaines d’études sont de nature académique ; d'autres ont évolué au cours de l'histoire en tant que traditions culturelles. Les sciences humaines sont peut-être les disciplines les plus anciennes à explorer la mort. Historiquement, l’humain moyen avait un niveau de vie et une durée de vie nettement inférieurs à ceux d’aujourd’hui. Les guerres, la famine et la maladie gardaient toujours la mort à portée de main. Les artistes, les auteurs et les poètes ont souvent utilisé l'universalité de la mort comme motif dans leurs œuvres ; cette tendance se poursuit aujourd’hui. Les sciences sociales interviennent souvent à la fois sur le plan individuel et sur le plan culturel. Le niveau individuel est principalement couvert par la psychologie, l'étude de l'esprit individuel. Éviter (ou, dans certains cas, rechercher) la mort est une motivation humaine importante ; la peur de la mort affecte les actions de nombreux individus. Plusieurs sciences sociales se concentrent sur une vision globale et se heurtent fréquemment à la question de la mort. La sociologie est l'étude des règles sociales. Les sous-disciplines de la sociologie, comme la sociologie des catastrophes, se concentrent plus étroitement sur la question de la manière dont les sociétés gèrent la mort. De même, l’anthropologie culturelle et l’archéologie s’intéressent respectivement à la manière dont les cultures actuelles et passées traitent la mort. La société et la culture sont des concepts similaires, mais leurs portées sont différentes. Une société est une communauté interdépendante, tandis que la culture est un attribut d’une communauté : le réseau complexe de modèles changeants qui relient les individus entre eux. Quoi qu’il en soit, les cultures et les sociétés doivent faire face à la mort ; les diverses études culturelles (dont beaucoup se chevauchent) examinent cette réponse en utilisant diverses approches. La thanatologie est une section des sciences médico-légales. L'étude biologique de la mort aide à expliquer ce qui arrive physiquement aux individus au moment de la mort et les changements corporels après la mort, afin que les événements qui ont eu lieu au moment de la mort et après la mort puissent être clarifiés. En psychiatrie, l'application médicale des principes psychologiques et des médicaments thérapeutiques est également impliquée ; de nombreux psychiatres agréés doivent suivre des cours de thanatologie pendant leur formation. L'éthique médicale constitue également un domaine d'étude important, notamment sur la question de l'euthanasie (« droit de mourir »). Il existe également une branche de la thanatologie appelée musique-thanatologie qui se concentre sur l'utilisation de « veillées musicales » pour aider l'individu et sa famille. Une veillée se compose d'un ou d'une équipe de musiciens-thanatologues qui visitent la personne mourante. Ils jouent de la harpe et chantent de la musique en fonction des changements qu'ils observent dans la physiologie des patients ainsi que dans la dynamique interpersonnelle et familiale. La musique a tendance à être méditative et peut être très utile au patient et aux autres personnes présentes. Souvent, après une veillée, le mourant est plus détendu, moins agité et souffre moins. La plupart des musico-thanatologues sont certifiés par la Music-Thanatology Association International et utilisent les initiales « CM-Th » pour désigner la certification de cette organisation professionnelle. De nombreux hôpitaux et hospices comptent désormais parmi leur personnel des musicologues professionnels. En 2009, Lakhmir S. Chawla a découvert des poussées d'ondes cérébrales (oscillation neuronale γ) chez des patients mourants. L’oscillation neuronale γ a déjà été trouvée chez les méditants de longue durée. En 2013, Jimo Borjigin a découvert quatre états d'ondes cérébrales, dont l'oscillation neuronale γ, chez des rats mourants.

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De quels types de poissons s'agit-il de poissons bruns, arc-en-ciel américains et fardées ?

Trout

La truite brune (Salmo trutta) est une espèce européenne de salmonidé qui a été largement introduite dans des environnements appropriés à l'échelle mondiale. Il comprend à la fois des populations d'eau douce pures, appelées Salmo trutta morpha fario et S. trutta morpha lacustris, et des formes anadromes connues sous le nom de truite de mer, S. trutta morpha trutta. Cette dernière migre vers les océans pendant une grande partie de sa vie et retourne en eau douce uniquement pour frayer. La truite de mer au Royaume-Uni et en Irlande porte de nombreux noms régionaux, notamment sewin (Pays de Galles), finnock (Écosse), peal (West Country), mort (nord-ouest de l'Angleterre) et truite blanche (Irlande). La forme lacustre de la truite brune est le plus souvent potamodrome, migrant des lacs vers les rivières ou les ruisseaux pour frayer, bien que des preuves indiquent que les stocks frayent sur les rives des lacs balayées par le vent. S. trutta morpha fario forme des populations résidant dans les cours d'eau, généralement dans les cours d'eau alpins, mais parfois dans les rivières plus grandes. Les formes anadromes et non anadromes coexistant dans la même rivière semblent génétiquement identiques. Ce qui détermine leur migration ou non reste inconnu. Taxonomie Le nom scientifique de la truite brune est Salmo trutta. L'épithète spécifique trutta dérive du latin trutta, signifiant littéralement « truite ». Behnke (2007) rapporte que la truite brune a été la première espèce de truite décrite dans l'édition de 1758 du Systema Naturae par le zoologiste suédois Carl Linnaeus. Systema Naturae a établi le système de nomenclature binomiale des animaux. Salmo trutta a été utilisé pour décrire les formes anadromes ou anadromes de truite brune. Linnaeus a également décrit deux autres espèces de truite brune en 1758. Salmo fario était utilisé pour les formes fluviales. Salmo lacustris était utilisé pour les formes lacustres. Gamme L'aire de répartition naturelle de la truite brune s'étend du nord de la Norvège et des affluents de la mer Blanche en Russie dans l'océan Arctique jusqu'aux montagnes de l'Atlas en Afrique du Nord. La limite occidentale de leur aire de répartition d'origine est l'Islande dans l'Atlantique Nord, tandis que la limite orientale se trouve dans les affluents de la mer d'Aral en Afghanistan et au Pakistan. Introduction en dehors de leur aire de répartition naturelle La truite brune a été largement introduite dans des environnements appropriés à travers le monde, notamment en Amérique du Nord et du Sud, en Australasie, en Asie et en Afrique du Sud et de l'Est. La truite brune introduite a établi des populations sauvages autonomes dans de nombreux pays introduits. Les premières introductions ont eu lieu en Australie en 1864, lorsque 300 des 1 500 œufs de truite brune de la rivière Itchen ont survécu à un voyage de quatre mois depuis Falmouth, en Cornouailles, jusqu'à Melbourne sur le voilier Norfolk. En 1866, 171 jeunes truites brunes survivaient dans une écloserie de Plenty River en Tasmanie. Trente-huit jeunes truites ont été relâchées dans la rivière, un affluent de la rivière Derwent, en 1866. En 1868, la rivière Plenty abritait une population autonome de truite brune qui est devenue une source de couvain pour l'introduction continue de la truite brune en Australie et au Nouveau-Brunswick. Rivières de Zélande. Des introductions réussies dans les provinces du Natal et du Cap en Afrique du Sud ont eu lieu respectivement en 1890 et 1892. En 1909, la truite brune était établie dans les montagnes du Kenya. Les premières introductions dans l'Himalaya, dans le nord de l'Inde, ont eu lieu en 1868 et, en 1900, des truites brunes étaient établies au Cachemire et à Madras. Introduction aux Amériques Les premières introductions au Canada ont eu lieu en 1886 à Terre-Neuve et se sont poursuivies jusqu'en 1933. Les seules régions canadiennes sans truite brune sont le Yukon et les Territoires du Nord-Ouest. Les introductions en Amérique du Sud ont commencé en 1904 en Argentine. La truite brune est désormais établie au Chili, au Pérou et aux Malouines. Dans les années 1950 et 1960, Edgar Albert de la Rue, un géologue français, a commencé l'introduction de plusieurs espèces de salmonidés sur les îles isolées de Kerguelen, dans le sud de l'océan Indien. Parmi les sept espèces introduites, seules l'omble de fontaine, Salvelinus fontinalis et la truite brune ont survécu et ont pu établir des populations sauvages. Des formes de truite brune de plus de 20 livres sont régulièrement capturées par les pêcheurs locaux. Les premières introductions aux États-Unis ont commencé en 1883 lorsque Fred Mather, un pisciculteur et pêcheur new-yorkais, sous l'autorité du commissaire américain à la pêche, Spencer Baird, a obtenu des œufs de truite brune auprès du baron Lucius von Behr, président de la Société allemande de pêche. La truite brune de von Behr provenait aussi bien de ruisseaux de montagne que de grands lacs de la région de la Forêt-Noire du Bade-Wurtemberg. L'envoi initial d'œufs de truite brune « von Behr » a été traité par trois écloseries, une à Long Island, la Cold Spring Hatchery exploitée par Mather, une à Caledonia, New York exploitée par le pisciculteur Seth Green, et une autre écloserie à Northville, Michigan. Des expéditions supplémentaires d'œufs de truite brune « von Behr » sont arrivées en 1884. En 1885, des œufs de truite brune du Loch Leven, en Écosse, sont arrivés à New York. Ces truites fario "Loch Leven" ont été distribuées dans les mêmes écloseries. Au cours des années suivantes, des œufs supplémentaires provenant d’Écosse, d’Angleterre et d’Allemagne ont été expédiés vers des couvoirs américains. Behnke (2007) croyait que toutes les formes de vie de la truite brune – anadromes, fluviales et lacustines – avaient été importées aux États-Unis et mélangées génétiquement pour créer ce qu'il appelle la truite brune générique américaine et une seule sous-espèce, la truite brune d'Europe du Nord (S. t. trutta). En avril 1884, la Commission américaine du poisson a relâché 4 900 alevins de truite brune dans la rivière Baldwin, un affluent de la rivière Père Marquette dans le Michigan. Il s’agissait du premier lâcher de truite brune dans les eaux américaines. Entre 1884 et 1890, la truite brune a été introduite dans des habitats appropriés partout aux États-Unis. En 1900, 38 États et deux territoires avaient reçu des stocks de truite brune. Leur adaptabilité a permis à la plupart de ces introductions d’établir des populations sauvages autosuffisantes. État de conservation Le poisson n'est pas considéré comme en danger, bien que, dans certains cas, des stocks individuels soient soumis à divers degrés de stress, principalement en raison de la dégradation de l'habitat, de la surpêche et de la propagation artificielle conduisant à l'introgression. La fréquence accrue des températures de l'eau excessivement chaudes en plein été entraîne une réduction des niveaux d'oxygène dissous, ce qui peut provoquer la « tuerie estivale » des populations locales si les températures restent élevées pendant une durée suffisante et si une eau plus profonde/plus fraîche ou rapide, turbulente et plus oxygénée n'est pas accessible à l'eau. poisson. Ce phénomène peut être encore exacerbé par l'eutrophisation des rivières due à la pollution, souvent due à l'utilisation d'engrais agricoles dans le bassin versant. La surpêche est un problème lorsque les pêcheurs ne parviennent pas à identifier et à remettre les poissons femelles matures dans le lac ou le ruisseau. Chaque grande femelle retirée peut entraîner la libération de milliers d'œufs en moins dans le système lorsque les poissons restants frayent. Une autre menace concerne les autres organismes introduits. Par exemple, dans la rivière Bow au Canada, une algue non indigène Didymosphenia geminata – nom commun morve de roche (en raison de son apparence) – a entraîné une circulation réduite de l'eau entre le substrat du lit de la rivière dans les zones touchées. Ceci, à son tour, peut réduire considérablement le nombre d’œufs de truite qui survivent jusqu’à éclore. Au fil du temps, cela entraîne une réduction de la population de poissons adultes dans les zones touchées par les algues, formant ainsi un cercle de déclin. On pense que la morve rocheuse s'est répandue accidentellement sur les semelles des chaussures des visiteurs des régions où l'algue est originaire. La grande variété de problèmes qui affectent négativement la truite brune dans toute son aire de répartition n'affectent pas exclusivement la truite brune, mais affectent de nombreuses ou toutes les espèces présentes dans un plan d'eau, modifiant ainsi l'écosystème dans lequel réside la truite. Dans les petits cours d'eau, la truite brune est d'importants prédateurs de macroinvertébrés, et le déclin des populations de truite brune dans ces zones spécifiques affecte l'ensemble du réseau trophique aquatique. « Changement climatique et eau douce ». 11 février 2009 . Le changement climatique mondial est également préoccupant. S. trutta morpha fario préfère une eau bien oxygénée dans une plage de température de 60 à. Les os de S. trutta provenant d'un site archéologique en Italie et l'ADN ancien extrait de certains de ces os indiquent que l'abondance et la diversité génétique ont nettement augmenté pendant la période plus froide du Dryas jeune et ont diminué pendant l'événement plus chaud de Bølling-Allerød. La couverture ou la structure est importante pour la truite, et elle est plus susceptible de se trouver à proximité de rochers et de rondins submergés, de berges creusées et de végétation en surplomb. La structure offre une protection contre les prédateurs, la lumière du soleil et les températures de l’eau plus élevées. L’accès à l’eau profonde pour se protéger des gelées hivernales, ou à l’eau rapide pour se protéger des faibles niveaux d’oxygène en été sont également idéaux. Les truites se trouvent plus souvent dans les courants forts et forts. Caractéristiques La truite brune est un poisson de taille moyenne, pesant jusqu'à 20 kg ou plus et mesurant environ 100 cm de long dans certaines localités, bien que dans de nombreuses rivières plus petites, un poids adulte égal ou inférieur soit courant. St. lacustris atteint une longueur moyenne de 40 – avec une longueur maximale de 140 cm et environ 60 lb. Le comportement de frai de la truite brune est similaire à celui du saumon de l'Atlantique, étroitement apparenté. Une femelle typique produit environ 2 000 œufs par kg (900 œufs par livre) de poids corporel au moment du frai. Le 11 septembre 2009, une truite brune de 41,45 lb (18,80 kg) a été capturée par Tom Healy dans le système de la rivière Manistee au Michigan, établissant un nouveau record d'État. Fin décembre 2009, le poisson capturé par Healy a été confirmé par l'International Game Fish Association et le Fresh Water Fishing Hall of Fame comme le nouveau record du monde tous matériels confondus pour cette espèce. Ce poisson supplante désormais l'ancien record du monde de la Little Red River en Arkansas. La truite brune peut vivre 20 ans, mais comme pour le saumon de l'Atlantique, une forte proportion de mâles meurent après le frai, et probablement moins de 20 % des femelles anadromes se rétablissent du frai. Les formes migratrices atteignent des tailles nettement plus grandes pour leur âge en raison de l'abondance de poissons fourrages dans les eaux où elles passent la majeure partie de leur vie. Les truites de mer sont plus souvent des femelles dans les rivières moins riches en nutriments. La truite brune est active de jour comme de nuit et se nourrit de manière opportuniste. Lorsqu'ils se trouvent en eau douce, leur régime alimentaire comprend fréquemment des invertébrés du lit du cours d'eau, d'autres poissons, des grenouilles, des souris, des oiseaux et des insectes volant près de la surface de l'eau. La forte dépendance alimentaire en larves d'insectes, pupes, nymphes et adultes fait de la truite une cible privilégiée pour la pêche à la mouche. La truite de mer est pêchée surtout la nuit à la mouche noyée. La truite brune peut être capturée avec des leurres tels que des cuillères, des fileuses, des gabarits, des bouchons, des imitations de vers en plastique et des poissons-appâts vivants ou morts. La couleur de la truite brune d'eau douce varie de l'argenté avec relativement peu de taches et un ventre blanc, à la teinte brun cuivré plus connue passant au blanc crème sur le ventre du poisson, avec des taches de taille moyenne entourées de halos plus clairs. Les formes les plus argentées peuvent être confondues avec la truite arc-en-ciel. Les variantes régionales incluent la truite dite « Loch Leven », qui se distingue par des nageoires plus grandes, un corps plus mince et de fortes taches noires, mais sans taches rouges. La variété d'Europe continentale présente une teinte dorée plus claire avec quelques taches rouges et moins de taches sombres. Notamment, les deux souches peuvent présenter des variations individuelles considérables par rapport à cette description générale. Les premiers efforts d'empoissonnement aux États-Unis utilisaient du poisson prélevé en Écosse et en Allemagne. La truite brune forme rarement des hybrides avec d'autres espèces ; s’ils le font, ils sont presque toujours stériles. Un exemple en est la truite tigrée, un hybride avec l’omble de fontaine. Régime Des études sur le terrain ont démontré que la truite brune se nourrissait de plusieurs espèces de proies animales, les invertébrés aquatiques étant les proies les plus abondantes. Cependant, la truite brune se nourrit également d'autres taxons tels que des invertébrés terrestres (par exemple les hyménoptères) ou d'autres poissons. De plus, chez la truite brune, comme chez de nombreuses autres espèces de poissons, un changement dans la composition du régime alimentaire se produit normalement au cours de la vie du poisson, et le comportement piscivore est plus fréquent chez les grosses truites brunes. Ces changements dans le régime alimentaire au cours des transitions du cycle de vie des poissons peuvent s'accompagner d'une réduction marquée de la compétition intraspécifique au sein de la population de poissons, facilitant ainsi la répartition des ressources. La première alimentation des alevins nouvellement émergés est très importante pour la survie de la truite brune dans cette phase du cycle de vie, et la première alimentation peut avoir lieu avant même l'émergence. Les alevins commencent à se nourrir avant l'absorption complète du jaune et la composition du régime alimentaire de la truite brune nouvellement émergée est composée de petites proies telles que des larves de chironomidés ou des nymphes de bétides. Emboissonnement, élevage et truite brune non indigène L'espèce a été largement introduite pour la pêche sportive en Amérique du Nord, en Amérique du Sud, en Australie, en Nouvelle-Zélande et dans de nombreux autres pays, dont le Bhoutan, où elle fait l'objet d'une pêche à la mouche spécialisée. La première plantation aux États-Unis a eu lieu le 11 avril 1884 dans la rivière Baldwin, à un mile à l'est de Baldwin, Michigan. La truite brune a eu de graves impacts négatifs sur les espèces de poissons indigènes des hautes terres dans certains des pays où elles ont été introduites, notamment en Australie. En raison de l'importance de la truite comme poisson de consommation et de gibier, elle a été reproduite et ensemencée artificiellement dans de nombreux endroits de son aire de répartition, et des populations entièrement naturelles (non contaminées par des génomes allopatriques) n'existent probablement que dans des endroits isolés, par exemple en Corse ou en haute altitude. vallées alpines du continent européen. L'élevage de truite brune a inclus la production de poissons triploïdes infertiles en augmentant la température de l'eau juste après la fécondation des œufs, ou de manière plus fiable, par un processus connu sous le nom de choc de pression. Les triploïdes sont favorisés par les pêcheurs car ils grandissent plus vite et sont plus gros que les truites diploïdes. Les partisans de l'empoissonnement des triploïdes soutiennent que, parce qu'ils sont stériles, ils peuvent être introduits dans un environnement contenant de la truite brune sauvage sans les effets négatifs du croisement. Cependant, l’empoissonnement de triploïdes peut endommager les stocks sauvages d’autres manières. Les triploïdes rivalisent certainement avec les poissons diploïdes pour la nourriture, l'espace et d'autres ressources. Ils pourraient également être plus agressifs que les poissons diploïdes et perturber le comportement de reproduction. Les populations de truites de mer écossaises et irlandaises ont sérieusement diminué ces dernières années, probablement en raison de l'infestation par le pou du poisson provenant des élevages de saumon. Pêche à la ligne La truite brune est une proie prisée des pêcheurs européens depuis des siècles. Il a été mentionné pour la première fois dans la littérature sur la pêche à la ligne sous le nom de « poisson à la peau mouchetée » par l'auteur romain AElian (vers 200 après JC) dans Sur la nature des animaux. On attribue à cet ouvrage la description du premier exemple de pêche à la mouche de la truite, la truite étant la truite brune trouvée en Macédoine. Le Traité de Fysshynge avec un angle (1496) de Dame Juliana Berners, O.S.B est considéré comme un ouvrage fondateur dans l'histoire de la pêche récréative, en particulier de la pêche à la mouche. L'un des poissons les plus importants décrits dans l'ouvrage est la truite brune des rivières et ruisseaux anglais : Le célèbre The Compleat Angler (1653) d'Izaak Walton regorge de conseils sur « la truite » : Tout au long des XVIIe, XVIIIe et XIXe siècles, des auteurs de pêche à la ligne, principalement britanniques, certains français et plus tard américains, écrivant sur la pêche à la truite écrivaient sur la pêche à la truite brune. Une fois que la truite brune a été introduite aux États-Unis dans les années 1880, elle est devenue un sujet majeur de la littérature américaine sur la pêche à la ligne. En 1889, Frederic M. Halford, un pêcheur britannique et auteur, a publié Dry-Fly Fishing in Theory and Practice, un ouvrage fondateur codifiant un demi-siècle d'évolution de la pêche à la mouche avec des mouches flottantes pour la truite brune. À la fin du XIXe siècle, le pêcheur et écrivain américain Theodore Gordon, souvent surnommé le « père de la pêche à la mouche sèche américaine », a perfectionné les techniques de pêche à la mouche sèche pour la truite brune nouvellement arrivée, mais difficile à attraper, dans les rivières Catskill telles que la Beaverkill et Rivières jamais coulees. Au début du XXe siècle, le pêcheur et auteur britannique G.E.M Skues a été le pionnier des techniques de pêche en nymphe de la truite brune sur les ruisseaux de craie anglais. Ses Minor Tactics of the Chalk Stream (1910) ont marqué le début d'une révolution dans les techniques de pêche à la mouche de la truite. En 1917, l'auteur écossais Hamish Stuart a publié le premier texte complet, The Book of The Sea Trout, traitant spécifiquement des techniques de pêche à la ligne des formes anadromes de truite brune. Les introductions de truites brunes dans l'Ouest américain ont créé de nouvelles opportunités de pêche à la ligne, mais aucune n'a eu autant de succès du point de vue de la pêche à la ligne que l'introduction de truites brunes dans la partie supérieure de la rivière Firehole, dans le parc national de Yellowstone, en 1890. L'un des premiers récits de pêche à la truite dans le parc est extrait de l'article de Mary Trowbridge Townsend de 1897 dans Outing Magazine « A Woman's Trout Fishing in Yellowstone Park » dans lequel elle parle de la capture de la truite von Behr dans la rivière : Aux États-Unis, les introductions de truite brune ont créé des pêcheries autosuffisantes dans tout le pays. Beaucoup sont considérés comme « de classe mondiale », comme dans les Grands Lacs et dans plusieurs eaux arrière de l'Arkansas. En dehors des États-Unis et en dehors de son aire de répartition d'origine en Europe, l'introduction de la truite brune a créé des pêcheries « de classe mondiale » en Nouvelle-Zélande, en Patagonie et aux Malouines.

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Qui a conçu la cathédrale Saint-Paul de Londres ?

Christopher Wren

La cathédrale Saint-Paul de Londres est une cathédrale anglicane, siège de l'évêque de Londres et église mère du diocèse de Londres. Il se trouve sur Ludgate Hill, au point culminant de la ville de Londres. Sa dédicace à l'Apôtre Paul remonte à l'église originale de ce site, fondée en 604 après JC. L'église actuelle, datant de la fin du XVIIe siècle, a été conçue dans le style baroque anglais par Sir Christopher Wren. Sa construction, achevée du vivant de Wren, faisait partie d'un important programme de reconstruction de la ville après le grand incendie de Londres. La cathédrale est l’un des sites les plus célèbres et les plus reconnaissables de Londres. Son dôme, encadré par les flèches des églises de Wren's City, a dominé l'horizon pendant 300 ans. Avec ses 365 pieds de haut, c'était le plus haut bâtiment de Londres de 1710 à 1962. Le dôme est parmi les plus hauts du monde. St Paul's est la deuxième plus grande église en termes de superficie au Royaume-Uni après la cathédrale de Liverpool. La cathédrale Saint-Paul occupe une place importante dans l'identité nationale. C'est le sujet central de nombreux supports promotionnels, ainsi que d'images du dôme entouré par la fumée et le feu du Blitz. Les services organisés à St Paul's comprennent les funérailles de Lord Nelson, du duc de Wellington et de Sir Winston Churchill ; Célébrations du jubilé de la reine Victoria ; les services de paix marquant la fin des Première et Seconde Guerres mondiales ; le mariage de Charles, prince de Galles et de Lady Diana Spencer, le lancement du Festival of Britain et les services d'action de grâce pour le jubilé d'or, le 80e anniversaire et le jubilé de diamant d'Elizabeth II. La cathédrale Saint-Paul est une église en activité avec des prières horaires et des services quotidiens. Histoire Cathédrales prénormandes Une liste des 16 « archevêques » de Londres a été enregistrée par Jocelyne de Furness au XIIe siècle, affirmant que la communauté chrétienne de Londres a été fondée au IIe siècle sous le légendaire roi Lucius et ses saints missionnaires Fagan, Deruvian, Elvanus et Medwin. Rien de tout cela n'est considéré comme crédible par les historiens modernes mais, bien que le texte survivant soit problématique, l'évêque Restitutus ou Adelphius au 314e concile d'Arles semble être venu de Londinium. L'emplacement de la cathédrale originale de Londinium est inconnu. La structure actuelle de St Peter upon Cornhill a été conçue par Christopher Wren après le grand incendie de 1666, mais elle se dresse sur le point culminant de la zone du vieux Londinium et les légendes médiévales la lient à la première communauté chrétienne de la ville. En 1995, cependant, un grand bâtiment orné du Ve siècle a été fouillé sur Tower Hill, qui aurait pu être la cathédrale de la ville. L'antiquaire élisabéthain William Camden a soutenu qu'un temple dédié à la déesse Diane se trouvait à l'époque romaine sur le site occupé par la cathédrale médiévale Saint-Paul. Wren a rapporté qu'il n'avait trouvé aucune trace d'un tel temple lors des travaux de construction de la nouvelle cathédrale après le Grand Incendie, et l'hypothèse de Camden n'est plus acceptée par les archéologues modernes. Bède rapporte qu'en 604 après JC, saint Augustin consacra Mellitus comme premier évêque du royaume anglo-saxon des Saxons de l'Est et de leur roi, Sæberht. L'oncle et suzerain de Sæberht, Æthelberht, roi de Kent, construisit une église dédiée à Saint-Paul à Londres, comme siège du nouvel évêque. On suppose, bien que non prouvé, que cette première cathédrale anglo-saxonne se trouvait sur le même site que les cathédrales médiévales ultérieures et actuelles. À la mort de Sæberht vers 616, ses fils païens expulsèrent Mellitus de Londres et les Saxons de l'Est retournèrent au paganisme. Le sort de la première cathédrale est inconnu. Le christianisme a été restauré parmi les Saxons de l'Est à la fin du VIIe siècle et on suppose que soit la cathédrale anglo-saxonne a été restaurée, soit un nouveau bâtiment a été érigé comme siège d'évêques tels que Cedd, Wine et Earconwald, dont le dernier a été enterré. dans la cathédrale en 693. Ce bâtiment, ou un successeur, fut détruit par un incendie en 962, mais reconstruit la même année. Le roi Æthelred le Non-prêt fut enterré dans la cathédrale à sa mort en 1016. La cathédrale fut incendiée, ainsi qu'une grande partie de la ville, lors d'un incendie en 1087, comme le rapporte la Chronique anglo-saxonne. Le vieux Saint-Paul Le quatrième St Paul's, généralement appelé Old St Paul's, fut commencé par les Normands après l'incendie de 1087. Un nouvel incendie en 1136 interrompit les travaux et la nouvelle cathédrale ne fut consacrée qu'en 1240. Au cours de la période de construction, le style architectural passa du roman au gothique, ce qui se refléta dans les arcs brisés et les fenêtres plus grandes des parties supérieures. et l'extrémité est du bâtiment. La voûte d'ogives gothique a été construite, comme celle de York Minster, en bois plutôt qu'en pierre, ce qui a influencé le sort ultime du bâtiment. Un programme d'agrandissement commença en 1256. Ce « nouvel ouvrage » fut consacré en 1300 mais ne fut achevé qu'en 1314. Au cours de la période médiévale ultérieure, Saint-Paul n'était dépassé en longueur que par l'église abbatiale de Cluny et en hauteur de sa flèche uniquement par Lincoln. Cathédrale et église Sainte-Marie, Stralsund. Les fouilles effectuées par Francis Penrose en 1878 ont montré qu'il mesurait 585 pieds de long et 100 pieds de large (290 pieds ou 87 m à travers les transepts et le croisement). La flèche mesurait environ 489 pieds (149 m). Au XVIe siècle, le bâtiment commençait à se dégrader. Après la Réforme protestante sous Henri VIII et Édouard VI, les lois sur la dissolution des monastères et des chantries ont conduit à la destruction de l'ornementation intérieure et des cloîtres, charniers, cryptes, chapelles, sanctuaires, chantries et autres bâtiments du cimetière Saint-Paul. Beaucoup de ces anciens sites catholiques du cimetière, ayant été saisis par la Couronne, ont été vendus comme magasins et propriétés locatives, notamment à des imprimeurs et des libraires, souvent puritains. En 1561, la flèche fut détruite par la foudre, un événement qui fut considéré par les protestants et les catholiques romains comme un signe du mécontentement de Dieu les uns envers les autres. Dans les années 1630, une façade ouest fut ajoutée au bâtiment par le premier architecte classique d'Angleterre, Inigo Jones. Le bâtiment a été dégradé et maltraité par les forces parlementaires pendant la guerre civile, et les anciens documents et chartes ont été dispersés et détruits. Pendant le Commonwealth, les bâtiments du cimetière qui ont été rasés ont fourni des matériaux de construction prêts à l'emploi pour des projets de construction, tels que le palais de la ville du Lord Protector, Somerset House. Les foules étaient attirées vers le coin nord-est du cimetière, la Croix Saint-Paul, où se déroulait la prédication en plein air. Lors du grand incendie de Londres en 1666, le vieux St Paul a été détruit. Bien qu'il aurait pu être possible de la reconstruire, il a été décidé de construire une nouvelle cathédrale dans un style moderne. Cette ligne de conduite avait été proposée avant même l'incendie. Présenter St Paul La tâche de concevoir une structure de remplacement fut officiellement confiée à Sir Christopher Wren le 30 juillet 1669. Il avait auparavant été chargé de la reconstruction des églises pour remplacer celles perdues dans le Grand Incendie. Plus de 50 églises de la ville sont attribuables à Wren. Parallèlement à la conception de St Paul's, Wren était engagé dans la production de ses cinq Tracts sur l'architecture. Wren avait commencé à donner des conseils sur la réparation du vieux St Paul en 1661, cinq ans avant l'incendie de 1666. Les travaux proposés comprenaient des rénovations intérieures et extérieures pour compléter la façade classique conçue par Inigo Jones en 1630. Wren prévoyait de remplacer le bâtiment délabré. tour avec un dôme, utilisant la structure existante comme échafaudage. Il a réalisé un dessin du dôme proposé qui montre son idée selon laquelle il devrait s'étendre sur la nef et les bas-côtés au croisement. Après l'incendie, on crut d'abord possible de conserver une partie importante de l'ancienne cathédrale, mais finalement l'ensemble de la structure fut démoli au début des années 1670. En juillet 1668, le doyen William Sancroft écrivit à Wren qu'il avait été chargé par l'archevêque de Canterbury, en accord avec les évêques de Londres et d'Oxford, de concevoir une nouvelle cathédrale qui soit « belle et noble à toutes les fins et à la réputation ». de la Ville et de la Nation ». Le processus de conception a pris plusieurs années, mais une conception a finalement été arrêtée et attachée à un mandat royal, à condition que Wren soit autorisé à apporter toute modification supplémentaire qu'il jugeait nécessaire. Le résultat fut l'actuelle cathédrale Saint-Paul, qui reste toujours la deuxième plus grande église de Grande-Bretagne, avec un dôme proclamé comme le plus beau du monde. Le bâtiment a été financé par une taxe sur le charbon et a été achevé du vivant de son architecte avec la participation de nombreux grands entrepreneurs pour toute la durée. La « finition » de la cathédrale (lorsque la dernière pierre a été posée sur la lanterne) a eu lieu le 26 octobre 1708, réalisée par le fils de Wren, Christopher Jr, et le fils de l'un des maçons. La cathédrale a été déclarée officiellement achevée par le Parlement le 25 décembre 1711 (jour de Noël). En fait, la construction s'est poursuivie pendant plusieurs années, avec l'ajout de statues sur le toit dans les années 1720. En 1716, les coûts totaux s'élevaient à 1 095 556 £ (£ en ). Consécration Le 2 décembre 1697, seulement 32 ans et 3 mois après que le Grand Incendie ait détruit le « Vieux Saint-Paul », la nouvelle cathédrale fut consacrée. Le très révérend Henry Compton, évêque de Londres, a prêché le sermon. Il était basé sur le texte du Psaume 122 : « J'étais heureux quand ils me dirent : Entrons dans la maison du Seigneur. » Le premier service régulier a eu lieu le dimanche suivant. Les opinions sur la cathédrale de Wren différaient, certains l'adorant : « Sans, à l'intérieur, en dessous, au-dessus, l'œil / Est rempli d'un plaisir effréné », tandis que d'autres la détestaient : « … Il y avait un air de papisme dans les chapiteaux dorés, les lourdes arches... Elles n'étaient pas familières, non anglaises... ". Depuis 1900 Dommages de guerre La cathédrale a survécu au Blitz bien qu'elle ait été frappée par des bombes les 10 octobre 1940 et 17 avril 1941. La première frappe a détruit le maître-autel, tandis que la seconde frappe sur le transept nord a laissé un trou dans le sol au-dessus de la crypte. On pense que cette dernière bombe a explosé dans la partie supérieure intérieure au-dessus du transept nord et que la force était suffisante pour déplacer légèrement l'ensemble du dôme latéralement. Le 12 septembre 1940, une bombe à retardement qui avait frappé la cathédrale fut désamorcée et retirée avec succès par un détachement de déminage des Royal Engineers sous le commandement du lieutenant temporaire Robert Davies. Si cette bombe avait explosé, elle aurait totalement détruit la cathédrale ; il a laissé un cratère de 100 pieds lorsqu'il a ensuite explosé à distance dans un endroit sécurisé. À la suite de cette action, Davies et le sapeur George Cameron Wylie ont chacun reçu la George Cross. La George Cross de Davies et d'autres médailles sont exposées à l'Imperial War Museum de Londres. L'une des images les plus connues de Londres pendant la guerre était une photographie de Saint-Paul prise le 29 décembre 1940 lors du « Deuxième grand incendie de Londres » par le photographe Herbert Mason, depuis le toit du Daily Mail de Tudor Street, montrant la cathédrale enveloppée. en fumée. Lisa Jardine de Queen Mary, Université de Londres, a écrit : Restauration De vastes travaux de rénovation en cuivre, plomb et ardoise ont été réalisés sur le Dôme en 1996 par John B. Chambers. Un projet de restauration de 15 ans, l'un des plus importants jamais entrepris au Royaume-Uni, s'est achevé le 15 juin 2011. Occupez Londres En octobre 2011, un campement anticapitaliste Occupy London a été établi devant la cathédrale, après avoir échoué à accéder à la Bourse de Londres, à Paternoster Square, à proximité. Les finances de la cathédrale ont été affectées par la fermeture qui a suivi. On prétendait que la cathédrale perdait 20 000 £ de revenus par jour. Le chancelier chanoine Giles Fraser a démissionné, affirmant que l'expulsion des militants anticapitalistes constituerait « une violence au nom de l'Église ». Le doyen de St Paul's, le très révérend Graeme Knowles, a ensuite également démissionné. Le campement a été expulsé fin février 2012, sur décision du tribunal et sans violence, à la suite d'une action en justice intentée par la municipalité. Ministère et fonctions La cathédrale Saint-Paul est une église très fréquentée avec quatre ou cinq services chaque jour, y compris les Matines, l'Eucharistie et la prière du soir ou le chant du soir. En outre, la cathédrale dispose de nombreux services spéciaux associés à la ville de Londres, à sa corporation, à ses guildes et à ses institutions. La cathédrale, en tant que plus grande église de Londres, joue également un rôle dans de nombreuses fonctions publiques telles que le service célébrant le jubilé de diamant de la reine Elizabeth II. La cathédrale est généralement ouverte quotidiennement aux touristes et propose un programme régulier de récitals d'orgue et d'autres spectacles. L'évêque de Londres est le très révérend Richard Chartres, installé en janvier 1996. Chapitre Le chapitre de la cathédrale est composé du doyen, de quatre chanoines résidents et (actuellement) de deux chanoines laïcs, chacun ayant une responsabilité différente dans la gestion de la cathédrale. *Doyen : Le Très Révérend David Ison (depuis le 25 mai 2012) *Chancelier : le révérend chanoine Mark Oakley (depuis le 11 janvier 2013). Ancien trésorier de St Paul's, le chanoine Oakley est en charge de l'action éducative de la cathédrale auprès des écoles et du public. *Chanteur : Le révérend chanoine Michael Hampel (depuis le 25 mars 2011) est responsable de la musique et de la liturgie de la cathédrale. *Trésorière : La révérende chanoine Philippa Boardman (mai 2013) est responsable des finances et du bâtiment de la cathédrale. *Canon Pastor : La révérende chanoine Tricia Hillas (novembre 2013) supervise le bien-être et la formation avec un accent particulier sur le marketing, les entreprises, les communications, les ressources humaines et le développement. *Lay Canon (Finance) : Gavin Ralston (février 2010) assume une responsabilité particulière pour les finances. Il est également responsable mondial des produits et gestionnaire d'actifs internationaux chez Schroder Investment Management. * Canon laïc : Pim Baxter (mars 2014) est également directeur adjoint de la National Portrait Gallery, avec une expérience dans l'opéra, le théâtre et les arts visuels, et a reçu un OBE dans le cadre des honneurs du Nouvel An de la Reine en 2016. Greffier La registraire, Emma Davies (septembre 2015), est la principale administratrice et officier laïque de la cathédrale, et assiste le chapitre de la cathédrale dans son travail, supervisant plus de 150 employés à temps plein, ainsi que des bénévoles. Elle est avocate et était haut fonctionnaire avant sa nomination. Collège des Chanoines Mineurs Les chanoines mineurs coordonnent de nombreux aspects de la gestion quotidienne de la cathédrale ; diriger des offices et organiser la liturgie et la musique *Succenteur : Le révérend Rosemary Morton (depuis décembre 2014) *Sacriste : Le révérend James Milne (depuis février 2015) De plus, le rôle d'aumônier n'est plus celui d'un chanoine mineur mais repose dans la catégorie nouvellement créée de prêtre vicaire. *Aumônier : la révérende Helen O'Sullivan (novembre 2015) Musique Organe L'orgue a été commandé à Bernard Smith en 1694. L'instrument actuel est le quatrième plus grand de Grande-Bretagne en termes de nombre de tuyaux (7 266), avec 5 claviers, 189 rangées de tuyaux et 108 jeux, enfermés dans un imposant buffet conçu en 1694. L'atelier de Wren et décoré par Grinling Gibbons. [http://www.npor.org.uk/cgi-bin/Rsearch.cgi?FnRsearch&rec_index A00752 Détails de l'orgue du Registre national des orgues à tuyaux] Chorale La cathédrale Saint-Paul possède une chorale, composée en grande partie d'hommes et de garçons, qui chante régulièrement lors des offices. Les premiers enregistrements du chœur datent de 1127. Le chœur actuel comprend jusqu'à 30 garçons choristes, huit stagiaires et le Vicars Choral, 12 hommes qui sont des chanteurs professionnels. Pendant les périodes scolaires, la chorale chante à Evensong cinq fois par semaine, le service du lundi étant chanté par une chorale en visite (ou dit occasionnellement) et celui du jeudi étant chanté par la Chorale des Vicaires sans les garçons. Le dimanche, la chorale chante également aux Matines et à l'Eucharistie. De nombreux musiciens distingués ont été organistes, chefs de chœur et choristes à la cathédrale Saint-Paul, notamment les compositeurs John Redford, Thomas Morley, John Blow, Jeremiah Clarke et John Stainer, tandis que des interprètes bien connus incluent Alfred Deller, John Shirley-Quirk et Anthony Way. ainsi que les chefs d'orchestre Charles Groves et Paul Hillier et le poète Walter de la Mare. La cathédrale de Wren Développement de la conception Lors de la conception de St Paul's, Christopher Wren a dû relever de nombreux défis. Il devait créer une cathédrale adaptée pour remplacer le vieux St Paul, comme lieu de culte et comme point de repère au sein de la ville de Londres. Il devait satisfaire aux exigences de l'église et aux goûts d'un patron royal, tout en respectant la tradition essentiellement médiévale de la construction d'églises anglaises qui s'est développée pour accueillir la liturgie. Wren connaissait les tendances contemporaines de la Renaissance et du baroque dans l'architecture italienne et avait visité la France, où il a étudié le travail de François Mansart. La conception de Wren s'est développée en cinq étapes générales. Le premier ne survit que sous la forme d’un dessin unique et d’une partie d’un modèle. Le projet (généralement appelé premier modèle) semble avoir consisté en un vestibule circulaire en forme de dôme (peut-être basé sur le Panthéon de Rome) et une église rectangulaire de forme basilique. Le plan a peut-être été influencé par l'Église du Temple. Il a été rejeté parce qu'il n'était pas jugé « assez majestueux ». Le deuxième dessin de Wren était une croix grecque, qui, selon les clercs, ne répondait pas aux exigences de la liturgie anglicane. Le troisième design de Wren est incarné dans le « Grand Modèle » de 1673. Le modèle, fait de chêne et de plâtre, coûte plus de 500 £ (environ 32 000 £ aujourd'hui) et mesure plus de 13 pieds de haut et 21 pieds de long. Cette conception a conservé la forme de la croix grecque mais l'a prolongée avec une nef. Ses critiques, les membres d'un comité chargé de reconstruire l'église et le clergé, ont décrié la conception comme étant trop différente de celle des autres églises anglaises pour suggérer une quelconque continuité au sein de l'Église d'Angleterre. Un autre problème était que l'ensemble de la conception devait être achevé en une seule fois en raison des huit piliers centraux qui soutenaient le dôme, au lieu d'être achevé par étapes et ouvert pour utilisation avant la fin de la construction, comme c'était l'habitude. Le Grand Modèle était le modèle préféré de Wren ; il pensait que c'était le reflet de la beauté de la Renaissance. Après le Grand Modèle, Wren résolut de ne pas réaliser d'autres modèles et de ne pas exposer publiquement ses dessins, qui, selon lui, ne faisaient que « perdre du temps et soumettre [ses] affaires à plusieurs reprises à des juges incompétents ». Le Grand Modèle survit et est abrité dans la cathédrale elle-même. Le quatrième modèle de Wren est connu sous le nom de modèle Warrant car il a reçu un mandat royal pour la reconstruction. Dans cette conception, Wren cherchait à réconcilier le gothique, le style prédominant des églises anglaises, avec une « meilleure manière d'architecture ». Elle présente le plan longitudinal en croix latine d'une cathédrale médiévale. Il est d'un étage et demi et possède des portiques classiques aux extrémités ouest et du transept, influencés par l'ajout d'Inigo Jones au vieux St Paul. Il est couvert au croisement par une large coupole peu profonde supportant un tambour avec une seconde coupole d'où s'élève une flèche à sept étages décroissants. Vaughan Hart a suggéré que l'influence pourrait avoir été tirée de la pagode orientale dans la conception de la flèche. Non utilisé à St Paul's, le concept a été appliqué à la flèche de St Bride's, Fleet Street. Ce plan a été légèrement pivoté sur son site afin qu'il ne soit pas aligné avec l'est véritable, mais avec le lever du soleil à Pâques de l'année du début de la construction. Ce petit changement de configuration a été éclairé par les connaissances de Wren en astronomie. Conception finale La conception finale telle que construite diffère considérablement de la conception officielle du mandat. Wren a reçu la permission du roi d'apporter des « modifications ornementales » au dessin soumis, et Wren en a grandement profité. Beaucoup de ces changements ont été apportés au cours des trente années de construction de l'église, et le plus important concernait le dôme : « Il éleva une autre structure au-dessus de la première coupole, un cône de brique, de manière à soutenir une lanterne en pierre. d'une silhouette élégante... Et il a couvert et caché hors de vue le cône de brique avec une autre coupole en bois et en plomb ; et entre celle-ci et le cône se trouvent des escaliers faciles qui montent à la lanterne » (Christopher Wren, fils de Sir Christopher Wren) ). La conception finale était fortement ancrée dans la basilique Saint-Pierre de Rome. Les coupoles en soucoupe au-dessus de la nef sont inspirées de l'église du Val-de-Grâce de François Mansart, que Wren avait vue lors d'un voyage à Paris en 1665. La date de la pose de la première pierre de la cathédrale est contestée. Un récit contemporain dit que c'était le 21 juin 1675, un autre le 25 juin et un troisième le 28 juin. Il existe cependant un consensus général sur le fait qu'il a été posé en juin 1675. Edward Strong a affirmé plus tard qu'il avait été posé par son frère aîné, Thomas Strong, l'un des deux maîtres tailleurs de pierre nommés par Wren au début des travaux. Ingénierie structurelle Le défi de Wren était de construire une grande cathédrale sur le sol argileux relativement fragile de Londres. La cathédrale Saint-Paul est inhabituelle parmi les cathédrales dans la mesure où elle abrite une crypte, la plus grande d'Europe, sous l'ensemble du bâtiment plutôt que juste sous l'extrémité est. La crypte a une fonction structurelle. Bien qu'elle soit vaste, la moitié de l'espace de la crypte est occupée par des piliers massifs qui répartissent le poids des piliers beaucoup plus minces de l'église située au-dessus. Alors que les tours et les dômes de la plupart des cathédrales reposent sur quatre piliers, Wren a conçu le dôme de Saint-Paul pour qu'il repose sur huit, obtenant ainsi une répartition plus large du poids au niveau des fondations. Les fondations se sont stabilisées au fur et à mesure de l'avancement du bâtiment et Wren a apporté des modifications structurelles en réponse. L'un des problèmes de conception auxquels Wren a été confronté était de créer un dôme emblématique, suffisamment haut pour remplacer visuellement la tour perdue de St Paul, tout en apparaissant visuellement satisfaisant vu de l'intérieur du bâtiment. Wren projeta un dôme à double paroi, comme pour la basilique Saint-Pierre. Sa solution au problème visuel consistait à séparer les hauteurs du dôme intérieur et extérieur dans une bien plus grande mesure que ne l'avait fait Michel-Ange à Saint-Pierre, en dessinant les deux comme des courbes caténaires plutôt que comme des hémisphères. Entre les dômes intérieur et extérieur, Wren a inséré un cône de brique qui supporte à la fois les bois du dôme extérieur recouvert de plomb et le poids de la lanterne en pierre ornée qui s'élève au-dessus. Le cône et le dôme intérieur ont 18 pouces d'épaisseur et sont soutenus par des chaînes en fer forgé à intervalles réguliers dans le cône de brique et autour de la corniche du péristyle du dôme intérieur pour éviter la propagation et la fissuration. Le Warrant Design montrait des contreforts extérieurs au rez-de-chaussée. Ce n’étaient pas une fonctionnalité classique et ont été l’un des premiers éléments modifiés par Wren. Au lieu de cela, il rendit les murs de la cathédrale particulièrement épais pour éviter complètement le besoin de contreforts extérieurs. La claire-voie et la voûte sont renforcées par des arcs-boutants, qui ont été ajoutés à un stade relativement tardif de la conception pour donner une résistance supplémentaire. Ceux-ci sont dissimulés derrière le mur-écran de l'étage supérieur qui a été ajouté pour conserver intact le style classique du bâtiment, pour ajouter une masse visuelle suffisante pour équilibrer l'apparence du dôme et qui, par son poids, contrecarre la poussée des contreforts de l'étage inférieur. des murs. Concepteurs, constructeurs et artisans Pendant la longue période de conception et de rationalisation, Wren employa à partir de 1684 Nicholas Hawksmoor comme son assistant principal. Entre 1696 et 1711, William Dickinson était commis aux mesures. Joshua Marshall (jusqu'à sa mort prématurée en 1678) et Thomas et son frère Edward Strong étaient des maîtres maçons, ces deux derniers travaillant à la construction dans son intégralité. John Langland a été le maître charpentier pendant plus de trente ans. Grinling Gibbons était le sculpteur en chef, travaillant à la fois la pierre sur le bâtiment lui-même, y compris le fronton du portail nord, et le bois sur les aménagements internes. Le sculpteur Caius Gabriel Cibber a réalisé le fronton du transept sud tandis que Francis Bird était responsable du relief du fronton ouest représentant la Conversion de saint Paul, ainsi que des sept grandes statues de la façade ouest. Le sol a été pavé par William Dickinson en marbre noir et blanc en 1709-1710. Jean Tijou était responsable de la ferronnerie décorative des portes et des balustrades. Le ballon et la croix sur le dôme ont été fournis par un armurier, Andrew Niblett. Description La cathédrale Saint-Paul est construite dans un style baroque sobre qui représente la rationalisation par Wren des traditions des cathédrales médiévales anglaises avec l'inspiration de Palladio, le style classique d'Inigo Jones, le style baroque de Rome du XVIIe siècle et les bâtiments de Mansart et d'autres. qu'il avait vu en France. C'est notamment dans son plan que Saint-Paul révèle des influences médiévales. Comme les grandes cathédrales médiévales de York et de Winchester, St Paul est relativement longue pour sa largeur et possède des transepts fortement saillants. L'accent est mis sur sa façade, qui a été conçue pour définir plutôt que dissimuler la forme du bâtiment derrière elle. En plan, les tours dépassent la largeur des bas-côtés, comme c'est le cas pour la cathédrale de Wells. Le frère de Wren était l'évêque d'Ely, et Wren connaissait la tour lanterne octogonale unique au-dessus du croisement de la cathédrale d'Ely qui s'étend sur les bas-côtés ainsi que sur la nef centrale, contrairement aux tours centrales et aux dômes de la plupart des églises. Wren a adapté cette caractéristique lors de la conception du dôme de St Paul. Dans la section, Saint-Paul conserve également une forme médiévale, avec des bas-côtés beaucoup plus bas que la nef et une claire-voie définie. Extérieur L'élément extérieur le plus remarquable est le dôme, qui s'élève à 365 pieds jusqu'à la croix à son sommet et domine la vue sur la ville. La hauteur de 365 pieds s'explique par l'intérêt de Wren pour l'astronomie. Jusqu'à la fin du XXe siècle, St Paul était le bâtiment le plus haut de la ville, conçu pour être vu entouré des flèches délicates des autres églises de la ville de Wren. Le dôme est décrit par Sir Banister Fletcher comme « probablement le plus beau d'Europe », par Helen Gardner comme « majestueux » et par Sir Nikolaus Pevsner comme « l'un des plus parfaits au monde ». Sir John Summerson a déclaré que les Anglais et « même certains étrangers » la considèrent comme sans égal. Dôme Wren s'est inspiré de la coupole de la basilique Saint-Pierre de Michel-Ange et de celle de l'église du Val-de-Grâce de Mansart qu'il avait visitée. Contrairement à ceux de Saint-Pierre et du Val-de-Grâce, le dôme de Saint-Paul s'élève sur deux étages de maçonnerie clairement définis qui, avec une semelle inférieure sans ornements, équivalent à une hauteur d'environ 95 pieds. Depuis l'époque de la conception de la croix grecque, il est clair que Wren préférait une colonnade continue (péristyle) autour du tambour du dôme, plutôt que la disposition des fenêtres alternées et des colonnes en saillie que Michel-Ange avait utilisée et qui avait également été employée par Mansart. Summerson suggère qu'il a été influencé par le "Tempietto" de Bramante dans la cour de San Pietro in Montorio. Dans la structure finie, Wren crée une diversité et une apparence de force en plaçant des niches entre les colonnes dans une ouverture sur quatre. Le péristyle sert à soutenir à la fois le dôme intérieur et le cône de brique qui s'élève intérieurement pour soutenir la lanterne. Au-dessus du péristyle s'élève le deuxième étage entouré d'un balcon à balustrade appelé « Galerie de Pierre ». Cet étage mansardé est orné d'une alternance de pilastres et de fenêtres rectangulaires placées juste en dessous de la corniche, créant une impression de légèreté. Au-dessus de ce grenier s'élève la coupole recouverte de plomb et nervurée selon l'espacement des pilastres. Elle est percée de huit puits de lumière juste en dessous de la lanterne, mais ceux-ci sont à peine visibles. Ils permettent à la lumière de pénétrer à travers les ouvertures du cône de brique, qui éclairent le sommet intérieur de cette coquille, en partie visible de l'intérieur de la cathédrale à travers l'ouverture oculaire de la coupole inférieure. La lanterne, comme la maçonnerie visible du dôme, s'élève par étapes. La caractéristique la plus inhabituelle de cette structure est qu’elle est de plan carré plutôt que circulaire ou octogonal. La scène la plus haute prend la forme d'un tempietto avec quatre portiques à colonnes faisant face aux points cardinaux. Son niveau le plus bas est entouré de la « Galerie d'Or » et son niveau supérieur supporte une petite coupole d'où s'élève une croix sur une boule dorée. Le poids total de la lanterne est d'environ 850 tonnes. Façade ouest Pour l'architecte de la Renaissance qui concevait la façade ouest d'une grande église ou d'une cathédrale, le problème universel était de savoir comment utiliser une façade pour unir la haute nef centrale aux bas-côtés dans un ensemble visuellement harmonieux. Depuis les ajouts d'Alberti à Santa Maria Novella à Florence, cela était généralement réalisé par le simple expédient consistant à relier les côtés au centre avec de grandes consoles. C'est la solution que Wren a vu employée par Mansart au Val-de-Grâce. Une autre caractéristique employée par Mansart était un portique classique audacieusement saillant avec des colonnes appariées. Wren a été confronté au défi supplémentaire d'incorporer des tours dans la conception, comme cela avait été prévu pour la basilique Saint-Pierre. À Saint-Pierre, Carlo Maderno avait résolu ce problème en construisant un narthex et en étendant dessus une immense façade-écran, différenciée au centre par un fronton. Les tours de Saint-Pierre n'étaient pas construites au-dessus du parapet. La solution de Wren fut d'employer un portique classique, comme au Val-de-Grâce, mais s'élevant sur deux étages et soutenu par des colonnes jumelées. La particularité ici est que l'étage inférieur de ce portique s'étend sur toute la largeur des bas-côtés, tandis que la partie supérieure définit la nef qui se trouve derrière lui. Les espaces entre l'étage supérieur du portique et les tours de chaque côté sont comblés par un étroit pan de mur avec une fenêtre surmontée d'un arc. Les tours se dressent en dehors de la largeur des bas-côtés, mais masquent deux chapelles situées immédiatement derrière elles. Les parties inférieures des tours reprennent le thème des murs extérieurs, mais s'en différencient afin de créer une apparence de force. Les fenêtres de l'étage inférieur sont plus petites que celles des murs latéraux et sont profondément encastrées, indication visuelle de l'épaisseur du mur. Les pilastres appariés à chaque coin se projettent avec audace. Au-dessus de la corniche principale, qui unit les tours au portique et aux murs extérieurs, les détails sont audacieusement mis à l'échelle, afin de bien se lire depuis la rue en contrebas et de loin. Les tours s'élèvent au-dessus de la corniche à partir d'un socle en bloc carré qui est simple à l'exception de grands oculi, celui du sud étant rempli par l'horloge, tandis que celui du nord est vide. Les tours sont composées de deux éléments complémentaires, un cylindre central s'élevant à travers les gradins dans une série de tambours empilés, et des colonnes corinthiennes appariées aux coins, surmontées de contreforts, qui servent à unifier la forme du tambour avec le socle carré sur lequel il est placé. des stands. L'entablement au-dessus des colonnes s'étend vers l'avant pour exprimer les deux éléments, les liant ensemble en une seule bande horizontale. Le capuchon, tel un dôme miniature en forme de cloche, supporte un fleuron doré, un ananas soutenu par quatre supports inclinés à défilement, expression la plus élevée du thème cohérent. Les transepts possèdent chacun un portique d'entrée semi-circulaire. Wren s'est inspiré de la conception en étudiant les gravures de la façade baroque de Pietro da Cortona de Santa Maria della Pace à Rome. Ces arcs en saillie font écho à la forme de l'abside à l'extrémité est du bâtiment. Des murs Le bâtiment est composé de deux étages en maçonnerie de pierre de taille, au-dessus d'un sous-sol et entouré d'une balustrade au-dessus de la corniche supérieure. La balustrade a été ajoutée, contre la volonté de Wren, en 1718. Les travées internes sont marquées extérieurement par des pilastres appariés avec des chapiteaux corinthiens au niveau inférieur et composites au niveau supérieur. Lorsque le bâtiment situé derrière n'a qu'un seul étage (au niveau des bas-côtés de la nef et du chœur), l'étage supérieur du mur extérieur est factice. Il a un double objectif : soutenir les contreforts de la voûte et donner une apparence satisfaisante lorsqu'on le regarde s'élever au-dessus des bâtiments de la hauteur de la ville du XVIIe siècle. Cette apparence est encore visible de l’autre côté de la Tamise. Entre les pilastres des deux niveaux se trouvent des fenêtres. Ceux de l'étage inférieur ont des têtes semi-circulaires et sont entourés de moulures continues de style roman, s'élevant jusqu'à des clés de voûte décoratives. Sous chaque fenêtre se trouve une décoration florale de Grinling Gibbons, constituant la plus belle sculpture en pierre du bâtiment et l'une des plus grandes sculptures architecturales d'Angleterre. Une frise avec des guirlandes similaires court en bande sous la corniche, attachant les arcs des fenêtres et les chapiteaux. Les fenêtres supérieures sont de forme classique sobre, avec des frontons posés sur des colonnes, mais sont aveugles et contiennent des niches. Sous ces niches, et au sous-sol, se trouvent de petites fenêtres aux sommets segmentaires, dont les vitrages captent la lumière et relient visuellement les

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Dans le roman de Julian Barnes de 2005 « Arthur et George », qui est Arthur ?

Arthur Conan Doyle

Julian Patrick Barnes (né le 19 janvier 1946) est un écrivain anglais. Barnes a remporté le Man Booker Prize pour son livre The Sense of an Ending (2011), et trois de ses livres précédents avaient été présélectionnés pour le Booker Prize : Flaubert's Parrot (1984), England, England (1998) et Arthur & George ( 2005). Il a également écrit des romans policiers sous le pseudonyme de Dan Kavanagh. En plus des romans, Barnes a publié des recueils d'essais et de nouvelles. En 2004, il devient Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres. Ses distinctions comprennent également le Somerset Maugham Award et le Geoffrey Faber Memorial Prize. Début de la vie Barnes est né à Leicester, bien que sa famille ait déménagé six semaines plus tard dans la banlieue extérieure de Londres. Ses deux parents étaient professeurs de français. Il a déclaré que son soutien au Leicester City Football Club était, à l'âge de quatre ou cinq ans, "une façon sentimentale de s'accrocher" à sa ville natale. Il a fait ses études à la City of London School de 1957 à 1964. À l'âge de 10 ans, sa mère a dit à Barnes qu'il avait « trop d'imagination ». En 1956, la famille déménage à Northwood, Middlesex, le « Metroland » de son premier roman. Il a ensuite poursuivi ses études au Magdalen College d'Oxford, où il a étudié les langues modernes. Après avoir obtenu son diplôme, il a travaillé pendant trois ans comme lexicographe pour le supplément de l'Oxford English Dictionary. Il a ensuite travaillé comme critique et éditeur littéraire pour le New Statesman et la New Review. Pendant son séjour au New Statesman, Barnes souffrait d'une timidité débilitante, déclarant : « Lorsqu'il y avait des réunions hebdomadaires, j'étais paralysé dans le silence et j'étais considéré comme le membre muet du personnel ». De 1979 à 1986, il travaille comme critique de télévision, d'abord pour le New Statesman puis pour The Observer. Carrière Son premier roman, Metroland (1980), raconte l'histoire de Christopher, un jeune homme de la banlieue londonienne qui voyage à Paris en tant qu'étudiant pour finalement revenir à Londres. Le roman traite des thèmes de l'idéalisme et de la fidélité sexuelle et présente une structure en trois parties qui est une récurrence courante dans l'œuvre de Barnes. Après avoir lu le roman, la mère de Barnes s'est plainte du « bombardement » de saleté du livre. Son deuxième roman Before She Met Me (1982) présente un récit plus sombre, une histoire de vengeance d'un historien jaloux qui devient obsédé par le passé de sa seconde épouse. Le roman révolutionnaire de Barnes, Flaubert's Parrot (1984), s'écarte de la structure linéaire traditionnelle de ses romans précédents et présente une histoire de style biographique fragmentaire d'un médecin âgé, Geoffrey Braithwaite, qui se concentre de manière obsessionnelle sur la vie de Gustave Flaubert. En référence à Flaubert, Barnes a déclaré: "C'est l'écrivain dont j'ai le plus tendance à peser les mots, qui, je pense, a dit le plus de vérité sur l'écriture.". Le Perroquet de Flaubert a été publié avec un grand succès, notamment en France, et a contribué à faire de Barnes l'un des écrivains les plus éminents de sa génération. Staring at the Sun a suivi en 1986, un autre roman ambitieux sur une femme grandissant dans l'Angleterre d'après-guerre qui traite des questions d'amour, de vérité et de mortalité. En 1989, Barnes a publié Une histoire du monde en 10½ chapitres, qui était également un roman non linéaire, qui utilise une variété de styles d'écriture pour remettre en question les notions perçues d'histoire humaine et de connaissance elle-même. En 1991, il publie Talking It Over, un triangle amoureux contemporain, dans lequel les trois personnages parlent à tour de rôle au lecteur, réfléchissant à des événements communs. S'ensuit une suite, Love, etc (2000), qui revisite les personnages dix ans plus tard. Le roman de Barnes, Le Porc-épic (1992), traite à nouveau d'un thème historique puisqu'il dépeint le procès de l'ancien dirigeant d'un pays communiste effondré en Europe de l'Est, Stoyo Petkanov, alors qu'il est jugé pour crimes contre son pays. England, England est un roman humoristique qui explore l'idée d'identité nationale alors que l'entrepreneur Sir Jack Pitman crée un parc à thème sur l'île de Wight qui reproduit les sites touristiques de l'Angleterre. Arthur & George (2005), un récit fictif d'un véritable crime sur lequel Sir Arthur Conan Doyle a enquêté, a lancé la carrière de Barnes dans le courant dominant le plus populaire. C'était le premier de ses romans à figurer sur la liste des best-sellers du New York Times pour Hardback Fiction. Barnes est un fervent francophile et son livre Cross Channel de 1996 est un recueil de 10 histoires retraçant les relations de la Grande-Bretagne avec la France. Il revient également sur le thème de la France dans Something to Declare, un recueil d'essais sur des sujets français. En 2003, Barnes a assumé un rôle d'acteur rare en tant que voix de Georges Simenon dans une série d'adaptations de la BBC Radio 4 des histoires de l'inspecteur Maigret. Le onzième roman de Barnes, The Sense of an Ending, publié par Jonathan Cape, est sorti le 4 août 2011. En octobre de la même année, le livre a reçu le Man Booker Prize. Les juges ont mis 31 minutes pour désigner le gagnant et la juge en chef, Stella Rimington, a déclaré que The Sense of an Ending était un "livre magnifiquement écrit" et que le jury pensait qu'il "parlait à l'humanité du 21e siècle". The Sense of an Ending a également remporté le prix européen de la littérature et a figuré sur la liste des meilleures ventes du New York Times pendant plusieurs semaines. En 2013, Barnes a publié Niveaux de vie. La première partie de l'ouvrage retrace l'histoire des premiers vols en montgolfière et de la photographie aérienne, décrivant l'œuvre de Gaspard-Félix Tournachon. La deuxième partie est une nouvelle sur Fred Burnaby et l'actrice française Sarah Bernhardt, tous deux également aérostiers. La troisième partie est un essai sur le chagrin de Barnes suite au décès de sa femme, Pat Kavanagh (bien qu'elle ne soit pas nommée) : « Vous réunissez deux personnes qui n'ont jamais été réunies auparavant... Parfois, cela fonctionne, et quelque chose de nouveau est fait, et le monde est changé. J'avais trente-deux ans quand nous nous sommes rencontrés, soixante-deux ans quand elle est morte. Dans The Guardian, Blake Morrison a déclaré à propos de la troisième section : « Sa résonance vient de tout ce qu'elle ne dit pas, ainsi que de ce qu'elle fait ; de la profondeur de l'amour que nous déduisons du désert du chagrin. » En 2013, Barnes s'en est pris au gouvernement britannique à propos de sa « fermeture massive des bibliothèques publiques », de la « chute de la Grande-Bretagne dans le classement mondial de l'alphabétisation » et de son « culte idéologique du marché – aussi quasi religieux que le culte de la nature – et de son culte idéologique du marché ». Le fossé ne cesse de se creuser entre riches et pauvres. » Il a également utilisé le mot « péter » comme métaphore de l’égoïsme. Vie privée Barnes maintient un haut niveau d'intimité en ce qui concerne sa vie personnelle, bien qu'il soit souvent très franc lors des entretiens. Son frère, Jonathan Barnes, est un philosophe spécialisé en philosophie ancienne. Julian Barnes est un mécène de l'organisation de défense des droits humains Freedom from Torture, pour laquelle il a parrainé plusieurs événements de collecte de fonds, ainsi que Dignity in Dying, un groupe de campagne en faveur de l'aide médicale à mourir. Il habite à Londres. Barnes est athée. Son épouse Pat Kavanagh, qui était agent littéraire, est décédée le 20 octobre 2008 d'une tumeur au cerveau. Barnes a écrit sur son chagrin suite à la mort de sa femme dans un essai de son livre Levels of Life. Récompenses et honneurs *Prix Siegfried Lenz 2016 *Prix de littérature européenne 2012 *2011 Costa Book Awards, liste restreinte, Le sens d'une fin *2011 Booker Prize, gagnant, Le sens d'une fin *Prix David Cohen de littérature 2011. *Prix littéraire San Clemente 2008 *2004 Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres *Prix d'État autrichien de littérature européenne 2004 *Prix commémoratif Geoffrey Faber 1985 *Prix Shakespeare 1993 *1992 Prix Femina Étranger, lauréate, Talking It Over *1986 Prix E. M. Forster de l'American Academy and Institute of Arts and Letters *Prix Somerset-Maugham 1981 Liste des œuvres Des romans * Métroland (1980) * Avant qu'elle ne me rencontre (1982) * Le Perroquet de Flaubert (1984) – sélectionné pour le Booker Prize * Regarder le soleil (1986) * Une histoire du monde en 10½ chapitres (1989) * En parler (1991) * Le porc-épic (1992) * Angleterre, Angleterre (1998) – présélectionné pour le Booker Prize * Love, etc (2000) – suite de Talking it Over * Arthur & George (2005) – sélectionné pour le Booker Prize * The Sense of an Ending (2011) – lauréat du Booker Prize * Le bruit du temps (2016) Collections * Cross-Manche (1996) * La Table Citron (2004) * Pouls (2011) Non-fiction * Lettres de Londres (Picador, Londres, 1995) – journalisme du New Yorker, ISBN 0-330-34116-2 * Quelque chose à déclarer (2002) – essais * The Pedant in the Kitchen (2003) – journalisme sur la cuisine * Rien à craindre (2008) – mémoires * Through the Window (2012) – 17 essais et une nouvelle * Une vie avec des livres (2012) - brochure * Niveaux de vie (2013) - mémoires * Garder l'œil ouvert : Essais sur l'art (octobre 2015) – essais Fonctionne comme Dan Kavanagh *Duffy (1980) * Fiddle City (1981) * Mettre le coffre (1985) * Aller chez les chiens (1987)

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Dans quel pays européen l'UEFA (Union des associations européennes de football) a-t-elle été fondée en 1954 ?

Suisse

L'Union des associations européennes de football (UEFA, ; ; ) est l'organisme administratif du football associatif en Europe, bien que plusieurs États membres soient principalement ou entièrement situés en Asie. C'est l'une des six confédérations continentales de la FIFA, l'instance dirigeante du football mondial. L'UEFA compte 55 associations nationales membres. L'UEFA représente les associations nationales de football d'Europe, organise des compétitions nationales et interclubs, notamment le Championnat d'Europe de l'UEFA, l'UEFA Champions League, l'UEFA Europa League et la Super Coupe de l'UEFA, et contrôle les prix en argent, les règlements et les droits médiatiques de ces compétitions. Jusqu'en 1959, le siège principal était situé à Paris, puis à Berne. En 1995, le siège de l'UEFA a été transféré à Nyon, en Suisse. Henri Delaunay fut le premier secrétaire général et Ebbe Schwartz le premier président. Le dernier président élu était l'ancien footballeur français Michel Platini, sanctionné dans une affaire de corruption en 2015. Histoire et adhésion L'UEFA a été fondée le 15 juin 1954 à Bâle, en Suisse, après consultation entre les associations italienne, française et belge. Initialement, l’Union européenne de football comptait 25 membres, dont le nombre a doublé au début des années 1990. L’adhésion à l’UEFA coïncide pour l’essentiel avec la reconnaissance en tant que pays souverain en Europe, à quelques exceptions près. Certains États (Monaco et Cité du Vatican) n'en sont pas membres. Certains membres de l'UEFA ne sont pas des États souverains, mais font partie d'un État souverain plus vaste reconnu dans le contexte du droit international. Il s'agit notamment de l'Irlande du Nord, de l'Écosse, de l'Angleterre et du Pays de Galles (pays du Royaume-Uni), de Gibraltar (territoire britannique d'outre-mer) et des îles Féroé (pays autonome au sein du royaume danois). Cependant, dans le contexte de ces pays, les fonctions gouvernementales en matière de sport ont tendance à être portés au niveau territorial coïncidant avec l’entité membre de l’UEFA. Certains membres de l'UEFA sont des États transcontinentaux (Arménie, Azerbaïdjan, Géorgie, Kazakhstan, Turquie et Russie). Des pays qui étaient auparavant membres de la Confédération asiatique de football ont également été admis au sein de l'association européenne de football, notamment Israël et le Kazakhstan. De plus, certaines associations membres de l'UEFA autorisent des équipes situées en dehors du territoire principal de leur association à participer à leur compétition « nationale ». L'AS Monaco, par exemple, participe à la Ligue française (bien qu'elle soit une entité souveraine distincte) ; Les clubs gallois de Cardiff City et de Swansea City participent à la Ligue anglaise ; Les Berwick Rangers, situés en Angleterre, jouent dans la Ligue écossaise de football professionnel et Derry City, située en Irlande du Nord, jouent dans la Ligue d'Irlande, basée en République d'Irlande. Membres Remarques Anciens membres * Union sarroise de football 1954-1956 * Fédération allemande de football de la République démocratique allemande (RDA) 1954-1990 * Fédération de football de l'Union soviétique de 1954 à 1991, devenue en 1992 l'Union russe de football. Les 14 républiques soviétiques nouvellement indépendantes ont créé leurs propres associations de football et sont toutes devenues membres de la FIFA, de l'UEFA ou de l'AFC. * Fédération de football de Yougoslavie 1954-1992, devenue Fédération de football de Serbie-et-Monténégro. La Bosnie-Herzégovine, la Croatie, la Macédoine et la Slovénie sont devenues indépendantes et ont créé leurs propres associations de football. * Association de football de Serbie-et-Monténégro 1992-2006, devenue Association de football de Serbie. Le Monténégro, devenu indépendant, a créé sa propre association de football. Compétitions L'UEFA organise des compétitions internationales officielles en Europe et dans certains pays d'Asie du Nord, du Sud-Ouest et centrale pour les équipes nationales et les clubs professionnels, connues sous le nom de compétitions de l'UEFA, dont certaines sont considérées comme les tournois les plus prestigieux au monde. International La principale compétition pour les équipes nationales masculines est le Championnat d'Europe de football de l'UEFA, lancé en 1958, avec les premières finales en 1960, et connu sous le nom de Coupe d'Europe des Nations jusqu'en 1964. Il est également appelé UEFA ou EURO. L'UEFA organise également des compétitions nationales aux niveaux des moins de 21 ans, des moins de 19 ans et des moins de 17 ans. Pour les équipes nationales féminines, l'UEFA organise le Championnat féminin de l'UEFA pour les équipes nationales seniors ainsi que les Championnats féminins des moins de 19 ans et des moins de 17 ans. L'UEFA a également organisé la Coupe Méridien UEFA-CAF avec la CAF pour les équipes de jeunes dans le but de stimuler le football des jeunes. L'UEFA a lancé la Coupe des régions de l'UEFA, destinée aux équipes semi-professionnelles représentant leur région locale, en 1999. En futsal, il existe le Championnat de futsal de l'UEFA et le Championnat de futsal des moins de 21 ans de l'UEFA. Les équipes nationales masculines italiennes, allemandes, espagnoles et françaises sont les seules équipes à avoir remporté le championnat d'Europe de football toutes catégories confondues. club La compétition de l'UEFA la mieux classée est l'UEFA Champions League, qui a débuté lors de la saison 1992/93 et ​​rassemble les 1 à 4 meilleures équipes de la ligue de chaque pays (le nombre d'équipes dépend du classement de ce pays et peut être amélioré ou déclassé) ; cette compétition a été restructurée à partir d'une précédente qui rassemblait uniquement la meilleure équipe de chaque pays (organisée de 1955 à 1992 et connue sous le nom de Coupe des clubs champions européens ou simplement de Coupe d'Europe). L'UEFA Europa League est une deuxième compétition moins bien classée. Cette compétition, destinée aux vainqueurs de coupes nationales à élimination directe et aux équipes de championnat les mieux classées, a été lancée par l'UEFA en 1971 pour succéder à l'ancienne Coupe UEFA et à la Coupe des villes de foires (également lancée en 1955). Une troisième compétition, la Coupe des vainqueurs de coupe de l'UEFA, lancée en 1960, a été absorbée par la Coupe UEFA (aujourd'hui UEFA Europa League) en 1999. Dans le football féminin, l'UEFA organise également la Ligue des champions féminine de l'UEFA pour les équipes de clubs. La compétition a eu lieu pour la première fois en 2001 et a été connue sous le nom de Coupe féminine de l'UEFA jusqu'en 2009. La Super Coupe de l'UEFA oppose les vainqueurs de la Ligue des champions aux vainqueurs de la Ligue Europa (anciennement vainqueurs de la Coupe des vainqueurs de coupe) et a vu le jour en 1973. La Coupe Intertoto de l'UEFA était une compétition estivale, auparavant organisée par plusieurs associations de football d'Europe centrale, qui a été relancée et reconnue comme compétition officielle de clubs de l'UEFA par l'UEFA en 1995. La dernière Coupe Intertoto a eu lieu en 2008. La Coupe Europe/Amérique du Sud a été organisée conjointement avec la CONMEBOL entre les vainqueurs de la Ligue des Champions et de la Copa Libertadores. Seules quatre équipes (Juventus, Ajax, Bayern Munich et Chelsea) ont remporté chacune des trois compétitions principales (Coupe d'Europe/Ligue des champions de l'UEFA, Coupe des vainqueurs de coupe européenne/Coupe des vainqueurs de coupe de l'UEFA et Coupe UEFA/UEFA Europa League), un un exploit qui n'est plus possible pour une équipe qui n'a pas remporté la Coupe des vainqueurs de coupe. Il y a actuellement neuf équipes dans toute l'Europe qui ont remporté deux des trois trophées ; tous sauf un ont remporté la Coupe des vainqueurs de coupe, quatre nécessitent une victoire en Ligue des champions et cinq nécessitent une victoire en UEFA Europa League. La Juventus d'Italie a été la première équipe d'Europe — restant la seule à ce jour (2015) — à remporter tous les championnats et coupes officiels de l'UEFA et, en commémoration de cet exploit, a reçu la plaque de l'UEFA de l'Union des associations européennes de football le 12 juillet 1988. La première compétition de futsal de l'UEFA est la Coupe de futsal de l'UEFA, un tournoi lancé en 2001 et qui a remplacé l'ancien Championnat d'Europe des clubs de futsal. Cet événement, bien que bénéficiant d'une longue tradition bien établie dans la communauté européenne du futsal, remontant à 1984, n'a jamais été reconnu comme officiel par l'UEFA. Titulaires actuels du titre Commanditaires Les principaux sponsors actuels de l'UEFA Champions League sont : *Nissan *Gazprom *Heineken (hors France, Kazakhstan, Russie et Turquie, où le parrainage d'alcool est limité. En France, en Suisse, dans certaines régions d'Espagne et de Turquie, la thésaurisation Heineken est remplacée par une thésaurisation « Profitez de manière responsable » ou « Ouvrez votre monde », et au Kazakhstan et en Russie, la thésaurisation Heineken est remplacée par une thésaurisation « Respect ».) *MasterCard *Sony Computer Entertainment Europe **PlayStation est la marque annoncée. **Sony Xperia *UniCrédit *PepsiCo **Gatorade Les sponsors de l'UEFA Champions League sont également des sponsors de la Super Coupe de l'UEFA, de l'UEFA Women's Champions League et de l'UEFA Youth League (à l'exclusion de Heineken, qui est remplacé par Pro Evolution Soccer de Konami.) Les principaux sponsors actuels de l'UEFA Europa League sont : * Hankook, *UniCrédit *FedEx * Enterprise Rent-a-Car Adidas est un sponsor secondaire et fournit le ballon de match officiel et l'uniforme d'arbitre pour toutes les compétitions de l'UEFA. Corruption et controverse Les supporters mécontents de toute l’Europe ont qualifié l’organisation de mafia de l’UEFA, notamment dans la première ligue de Russie, dans la meilleure ligue de Bulgarie et lors d’un match de la phase de groupes de la Ligue des champions organisé en Suède. Le terme a également été utilisé pour son utilisation en dehors des stades, par exemple lors d'une manifestation au Kosovo devant un bâtiment de l'UE après le match Serbie-Albanie (qualifications de l'UEFA Euro 2016). Suite à l'affaire de corruption de la FIFA en 2015, l'actuel président de l'UEFA, Michel Platini, a également été impliqué dans cette affaire. Les procureurs suisses accusent le président de la FIFA, Sepp Blatter, d'avoir versé un "paiement déloyal" de 2 millions de dollars (1,6 million de livres sterling) à M. Platini. Le procureur général suisse Michael Lauber a déclaré : "Nous n'avons pas interrogé M. Platini en tant que témoin, ce n'est pas vrai. Nous avons enquêté contre lui entre-temps en tant que témoin et accusé." Platini et Sepp Blatter font actuellement l'objet d'une enquête formelle de la part du comité d'éthique indépendant de la FIFA. Le 8 octobre 2015, Platini a été provisoirement suspendu pendant 90 jours de toute activité liée au football. Revenus de la ligue Comparaison des revenus annuels. Tous les chiffres sont en euros. La source est le rapport annuel Deloitte 2015, qui utilise les chiffres de 2013-2014. Participation et résultats de la Coupe du monde ;Légende * – Champion * - Finaliste * – Troisième PlaceIl n'y a pas eu de match pour la Troisième Place en 1930 ; Les États-Unis et la Yougoslavie ont perdu en demi-finale. La FIFA reconnaît les [http://www.fifa.com/associations/associationusa/countryInfo.html États-Unis] comme équipe classée troisième et [http://www.fifa.com/associations/association srb/countryInfo.html Yougoslavie] comme quatrième équipe en utilisant les records globaux des équipes de la [http://www.fifa.com/worldcup/archive/edition=1/index.html Coupe du Monde de la FIFA 1930]. * - Quatrième place *QF – Quarts de finale *R16 – Huitièmes de finale (depuis 1986 : huitièmes de finale à élimination directe) *R2 – Deuxième tour (pour les tournois de 1974, 1978 et 1982, qui comportaient deux phases de groupes) *GS – Phase de groupes (dans les tournois de 1950, 1974, 1978 et 1982, qui comportaient deux phases de groupes, il s'agit de la première phase de groupes) *1S – Première phase à élimination directe (tournoi à élimination directe de 1934 à 1938) * — N'était pas admissible * — N'est pas entré / Retiré / Banni * — Hôtes Hommes Remarques Femmes Coupe des Confédérations de la FIFA ;Légende * – Champions * – Finaliste * - Troisième place * - Quatrième place *GS – Phase de groupes * — Qualifié / Invité, mais a refusé de participer * — N'était pas admissible * — Non inscrit / Retiré du championnat continental / La Confédération n'a pas participé * — Qualifié pour le prochain tournoi * — Hôtes Classement des équipes nationales * Dernières mises à jour : ** Equipes nationales masculines – 3 septembre 2015 - ** Equipes nationales féminines – 10 juillet 2015 - * * – Répertorié provisoirement car n'ayant pas disputé plus de cinq matches contre des équipes officiellement classées * ** – Inactif depuis plus de 18 mois et donc non classé Gibraltar et le Kosovo ne sont pas classés car ils n'ont encore disputé aucun match depuis leur admission à la FIFA le 13 mai 2016. Comité exécutif de l'UEFA ;Président *Vacant ;Vice-présidents * Ángel María Villar – Premier vice-président * Marios Lefkaritis – Deuxième vice-président * Giancarlo Abete – Troisième vice-président * Hryhoriy Surkis – Quatrième vice-président * Michael van Praag – Cinquième Vice-président ;Membres * Sándor Csányi *Karen Espelund *David Gil *Pierre Gilliéron *Fernando Gomes *Allan Hansen * František Laurinec * Avraham Luçon * Borislav Mikhaïlov *Wolfgang Niersbach * Davor Suker *Michel D'Hooghe * Senes Erzik * Vitali Moutko ;Secrétaire général (par intérim) * Théodore Théodoridis ;Secrétaire Général Adjoint * ;Président d'honneur *Lennart Johansson

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De quel film de 1968 le groupe anglais Duran Duran tire-t-il son nom ?

Barbarella

Duran Duran est un groupe anglais de new wave/synthpop formé à Birmingham en 1978. C'était un groupe à succès des années 1980 et un groupe leader dans la « Seconde invasion britannique » des États-Unis pilotée par MTV. Depuis les années 1980, ils ont placé 14 singles dans le Top 10 du UK Singles Chart et 21 dans le Billboard Hot 100, et ont vendu plus de 70 millions de disques. Alors qu'ils étaient généralement considérés comme faisant partie de la scène du Nouveau Romantique, aux côtés de groupes tels que Spandau Ballet, lors de leur première apparition, le groupe a ensuite abandonné cette image. Le groupe a travaillé avec des créateurs de mode pour créer une image nette et élégante. Le groupe a remporté de nombreux prix tout au long de sa carrière : deux Brit Awards, dont le prix 2004 pour sa contribution exceptionnelle à la musique, deux Grammy Awards et un MTV Video Music Award pour l'ensemble de sa carrière. Ils ont également reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame. Les vidéos controversées du groupe, qui comprenaient de la nudité partielle et des suggestions de sexualité, sont devenues populaires au début des années 1980 sur la nouvelle chaîne de vidéoclips de l'époque, MTV. Duran Duran a été parmi les premiers groupes à faire tourner leurs vidéos par des réalisateurs professionnels avec des caméras 35 mm, ce qui donnait à leurs vidéos un aspect beaucoup plus soigné que ce qui était standard à l'époque. En 1984, le groupe a été l'un des premiers innovateurs en matière de technologie vidéo dans leurs spectacles en direct dans les stades. Le groupe a été formé par le claviériste Nick Rhodes et le bassiste John Taylor, avec l'ajout ultérieur du batteur Roger Taylor, et après de nombreux changements de personnel, le guitariste Andy Taylor et le chanteur Simon Le Bon. Ces cinq membres figuraient dans leur line-up le plus réussi commercialement. Le groupe ne s'est jamais dissous, mais après la séparation d'Andy Taylor en 1986, le line-up a changé pour inclure l'ancien guitariste américain de Missing Persons, Warren Cuccirullo, de 1989 à 2001, et le batteur américain Sterling Campbell, de 1989 à 1991. Les membres du groupe au début des années 2000 ont fait sensation parmi les fans du groupe et les médias musicaux. Malins (2006), pp. 271-272. Andy Taylor a de nouveau quitté le groupe à la mi-2006, et le guitariste Dom Brown travaille depuis avec le groupe en tant que musicien de session et membre en tournée. Histoire 1978-1980 : Formation et premières années John Taylor et Nick Rhodes ont formé Duran Duran à Birmingham, en Angleterre, en 1978, où ils sont devenus le groupe résident de la discothèque Rum Runner de la ville. Au club, ils faisaient des travaux comme John travaillant à la porte et avec Nick comme DJ pour 10 £ la nuit. Ils ont commencé à répéter et à jouer régulièrement sur place. Il y avait de nombreuses boîtes de nuit à proximité, et la seule « importante », où des groupes tels que les Sex Pistols et The Clash jouaient des concerts, s'appelait Barbarella's. Ils donneront ensuite au groupe le nom d'un personnage de Barbarella, le film de science-fiction français de Roger Vadim. Le personnage, interprété par Milo O'Shea, s'appelle "Dr Durand Durand". Le premier chanteur du groupe fut Stephen Duffy. Simon Colley rejoignit bientôt Taylor, Rhodes et Duffy. Colley était le bassiste original du groupe, tout comme John Taylor était le guitariste à ce stade. C'était la première formation complète du groupe à jouer des concerts. Pour la batterie et les percussions, une boîte à rythmes électronique appartenant à Rhodes a été utilisée. Colley a quitté le groupe avant l'ajout d'Andy Taylor. Quelques guitaristes furent ensuite auditionnés (pour la plupart, sans succès) ainsi qu'une poignée de chanteurs après que Duffy quitta Duran Duran au début de 1979. Parmi la poignée de chanteurs qu'ils avaient avant Simon Le Bon se trouvait Andy Wickett, qui avait un diplôme majeur. participé à l'écriture de "Girls on Film" pendant son mandat avec le groupe, selon l'autobiographie d'Andy Taylor. (Wickett figure également sur certaines des démos présentées à EMI.) Selon les sites Web de Wickett et de John Taylor, Wickett a co-écrit une première version de la chanson connue sous le nom de "Rio". Après le départ de Colley et Wickett, le groupe recrute le chanteur Jeff Thomas et le guitariste Alan Curtis, chacun pour une période relativement brève, avant de finalement s'installer sur Andy Taylor à la guitare solo et Le Bon au chant en 1980. La rencontre du batteur Roger Taylor en 1979 avec John Taylor, Rhodes et Wickett lors d'une soirée, ainsi que le départ de Colley, amènent John Taylor à passer à la basse. Roger Taylor est alors devenu leur premier batteur (humain). C'est ce line-up (John Taylor à la basse et à la guitare avec Rhodes, Wickett et Roger Taylor) qui a réalisé les toutes premières démos du studio Duran Duran. En avril 1980, le guitariste Andy Taylor est venu de Newcastle pour auditionner après avoir répondu à une annonce dans Melody Maker. En mai 1980, le chanteur londonien Simon Le Bon a été recommandé au groupe par une ex-petite amie qui travaillait au Rum Runner. Les propriétaires du club, les frères Paul et Michael Berrow, sont devenus la direction du groupe, les payant pour travailler comme portiers, disc-jockeys et busboys lorsqu'ils ne répétaient pas. Le groupe était généralement considéré comme faisant partie de la scène du Nouveau Romantique, avec d'autres groupes de style et de danse tels que Spandau Ballet, Japan et ABC. En 1980, ils enregistrent deux cassettes démo et se produisent dans des clubs autour de Birmingham et de Londres. À la fin des années 1980, lors d'une tournée en première partie de Hazel O'Connor, le groupe attire l'attention de la critique, ce qui entraîne une guerre d'enchères entre les maisons de disques EMI et Phonogram Records. Malins (2006), p. 60 « Un certain patriotisme » envers le label des Beatles les a amenés à signer avec EMI en décembre ; Duran Duran a été parmi les premiers groupes à travailler sur leurs propres remixes. Avant l'époque des synthétiseurs numériques et de l'échantillonnage audio simple, ils créaient des arrangements multicouches de leurs singles, enregistrant parfois des performances étendues entièrement différentes des chansons en studio. Ces "versions nocturnes" n'étaient généralement disponibles que sur vinyle sous forme de faces B de singles 45 tours ou de singles club 12 pouces jusqu'à la sortie de la compilation Night Versions: The Essential Duran Duran en 1999. Dès le début de leur carrière commune, tous les membres du groupe avaient un sens aigu du style visuel. Ils ont travaillé avec le styliste Perry Haines et des créateurs de mode tels que Kahn & Bell et Antony Price pour créer une image nette et élégante, dépassant bientôt les volants et les écharpes du premier look New Romantic à saveur de pirate qui avait été popularisé par Adam et les fourmis pendant 1980-81. Ils ont continué à présenter la mode comme faisant partie de leur offre tout au long de leur carrière. Dans les années 1990, ils ont travaillé avec Vivienne Westwood et dans les années 2000 avec Giorgio Armani. Le groupe a conservé le contrôle créatif de leur présentation visuelle et a travaillé en étroite collaboration avec le graphiste Malcolm Garrett et bien d'autres au fil des années pour créer des pochettes d'album, des programmes de tournée et d'autres supports. Les cinq membres du groupe étaient photogéniques. Les magazines pour adolescents et musicaux du Royaume-Uni se sont rapidement rendu compte de leur beauté, et les États-Unis ont rapidement suivi. C'était un mois rare au début des années 1980 où il n'y avait pas au moins une photo des membres du groupe dans les magazines pour adolescents tels que Smash Hits ou Tiger Beat. John Taylor a fait remarquer un jour que le groupe était « comme une boîte de chocolats Quality Street ; tout le monde est le préféré de quelqu'un ». Duran Duran en est venu plus tard à regretter cette première exposition de pin-up, mais à l'époque, cela a contribué à attirer l'attention nationale. Dans une interview avec Rock Fever Superstars Magazine au début de 1988, John Taylor a déclaré : Nous étions un nom très chi-chi en 1979, mais ensuite le battage médiatique des Fab Five a commencé et quelque chose s'est mal passé. Quelque chose s'est vraiment mal passé. Ce n'était pas ce que je voulais. [...] Non pas que je n'aimais pas qu'on me crie dessus. À un moment donné, je l'ai vraiment fait." 1981-1982 : premier album Le premier album du groupe, Duran Duran, est sorti sur le label EMI en 1981. Le premier single, "Planet Earth", a atteint le top 20 du Royaume-Uni au numéro 12. Un suivi, "Careless Memories", est resté au numéro 37. Cependant, c'est leur troisième single, "Girls on Film", qui a le plus attiré l'attention. La chanson est allée au numéro 5 au Royaume-Uni. La vidéo, mettant en vedette des femmes seins nus se battant dans la boue, des combats d'oreillers et des représentations stylisées d'autres fétiches sexuels, a été réalisée avec le duo de réalisateurs Godley & Creme en août. La vidéo a été tournée deux semaines seulement après le lancement de MTV aux États-Unis. Malins (2006), pp. 77-79. Le groupe s'attendait à ce que la vidéo "Girls on Film" soit diffusée dans les boîtes de nuit les plus récentes dotées d'écrans vidéo ou sur des chaînes de télévision payantes comme la chaîne Playboy. Kevin Godley a expliqué la réflexion derrière cela : La direction de Duran Duran nous a demandé très explicitement de réaliser une pièce très sensationnelle et érotique qui serait destinée aux clubs, où elle serait diffusée sans censure juste pour que les gens le remarquent et en parlent. La vidéo a été fortement éditée pour MTV. L'album a atteint un sommet dans le top 20 britannique au numéro 3. Plus tard en 1981, le groupe s'est lancé dans sa première tournée de clubs aux États-Unis, suivie d'autres dates en Allemagne et au Royaume-Uni. Cette deuxième tournée en Grande-Bretagne a coïncidé avec une vague d'émeutes déclenchées par le chômage et les tensions raciales, notamment celles de Moss Side et de Toxteth. Le groupe a joué à Birmingham le lendemain des émeutes de Handsworth. Duran Duran a commencé à acquérir une reconnaissance mondiale en 1982. En mai, ils ont sorti leur deuxième album, Rio, qui a marqué quatre singles du Top Twenty britannique avec "My Own Way", "Hungry Like the Wolf", "Save a Prayer" et le titre chanson "Rio". Une tournée en tête d'affiche en Australie, au Japon et aux États-Unis a été suivie d'un passage en première partie de Blondie lors de la dernière tournée américaine de ce groupe. Diana, princesse de Galles, a déclaré Duran Duran son groupe préféré, et le groupe a été surnommé « The Fab Five » par la presse britannique, en les comparant aux Beatles dont le surnom était The Fab Four. Malins (2006), p. 118. Au début, l’album Rio n’a pas bien marché aux États-Unis. EMI au Royaume-Uni avait promu Duran Duran en tant que groupe New Romantic, mais le mouvement New Romantic était à peine connu aux États-Unis et la filiale américaine d'EMI, Capitol Records, ne savait pas comment les vendre. Après Carnival, un EP des remixes dance de Rio est devenu populaire auprès des DJ à l'automne, le groupe s'est arrangé pour que la majeure partie de l'album soit remixée par David Kershenbaum. En juin 1982, Duran Duran est apparu pour la première fois à la télévision américaine, interprétant "Hungry Like the Wolf" et "Rio" sur Dancin' On Air, le précurseur de l'émission nationale à succès Dance Party USA. Désormais présenté comme un album dance, Rio a été réédité aux États-Unis en novembre et a commencé à grimper dans les charts américains six mois après son succès européen. MTV a placé "Hungry Like the Wolf" et plusieurs autres vidéos de Duran Duran en rotation importante, propulsant le single et l'album dans le top 20 américain au début de 1983. La ballade "Save a Prayer" a également bien marché. "Le groupe était naturel pour la télévision musicale", a noté le magazine Rolling Stone. "Ils pourraient être le premier groupe de rock à surfer sur la vague vidéo." L'album a finalement atteint la sixième place aux États-Unis et y est resté dans les charts pendant 129 semaines. En 2003, Rio figurait au 65e rang de la liste NME des 100 plus grands albums de tous les temps. 1983-1985 : Les « Fab Five » Le groupe débute l'année 1983 en jouant au MTV New Year's Eve Rock 'n' Roll Ball avec "Hungry Like the Wolf" qui grimpe toujours dans les charts aux États-Unis, et la réédition américaine du single "Rio" suivra en mars. Pour satisfaire l'appétit des Américains pour leur musique, le groupe a réédité son premier album éponyme aux États-Unis au milieu de l'année avec l'ajout du nouveau single "Is There Something I Should Know?". À sa sortie, cette chanson est entrée dans les charts au numéro 1 au Royaume-Uni (une rareté à l'époque et leur premier sommet dans leur pays d'origine) et a atteint le numéro 4 des charts américains. Lors de la promotion de cet album, Rhodes et Le Bon étaient des VJ invités de MTV pour un show, au cours duquel l'artiste et admirateur Andy Warhol est venu les saluer. "Nos premiers concerts aux États-Unis étaient fous et cultes", a déclaré Rhodes plus tard, "Mais quand nous sommes revenus après que 'Hungry' soit devenu un succès, c'était le chaos. C'était la Beatlemania. Nous faisions une signature de 'Girls on". Filmez la vidéo dans un magasin de Times Square. Nous ne pouvions pas sortir du magasin. Les flics ont bouclé les rues. Également en 1983, le claviériste Nick Rhodes a produit le hit numéro 1 britannique et numéro 5 américain "Too Shy" pour le groupe anglais Kajagoogoo et Andy Taylor est devenu le premier membre de Duran Duran à se marier. Le groupe a passé l'année suivante en exil fiscal, écrivant des chansons dans un château en France où The Tube avec Jools Holland a filmé un documentaire avec le groupe en mai 1983 avant de s'envoler pour Montserrat puis Sydney pour enregistrer et mixer leur troisième album. Au cours de l'été, ils sont retournés au Royaume-Uni pour donner deux concerts, le premier le 20 juillet devant le prince et la princesse de Galles au Dominion Theatre, et le second, un concert de charité au domicile d'Aston Villa. Le groupe était sous pression pour donner suite au succès de Rio, et le processus d'enregistrement a duré plus de six mois alors que différents membres du groupe traversaient des crises de perfectionnisme et d'insécurité. Un mode de vie nouvellement décadent et des problèmes de toxicomanie pour certains membres ont ajouté des complications. Dans le film documentaire Extraordinary World, tourné une décennie plus tard, Rhodes a décrit l'effet sur leur son comme « une hystérie à peine contrôlée, grattant sous la surface ». Film documentaire Extraordinary World, Picture Music International, Royaume-Uni 1993. (PMI MVN4911463) Le nouvel album, Seven and the Ragged Tiger, comprenait le hit de la fin de 1983 "Union of the Snake" (avec le solo de sax soprano d'Andy Hamilton). Avec "Hungry Like the Wolf", "Rio", "Save a Prayer" et "Is There Something I Should Know?", Duran Duran comptait désormais cinq succès dans le Top 20 américain sur trois albums différents en une seule année. Le groupe a fait la une des journaux musicaux en décidant de diffuser la vidéo "Union of the Snake" sur MTV une semaine complète avant la sortie du single à la radio, à un moment où l'industrie craignait que la vidéo ne tue réellement la star de la radio. Ils ont enchaîné avec "New Moon on Monday", qui a atteint le numéro 9 au Royaume-Uni. Leur prochain single "The Reflex", tiré de Seven and the Ragged Tiger et remanié par Nile Rodgers de Chic Fame, est devenu leur premier succès numéro un aux États-Unis. "The Reflex" était également leur deuxième et dernier numéro un au Royaume-Uni et a connu du succès dans de nombreux autres pays à travers le monde. Le groupe se lance dans une tournée mondiale qui se poursuit tout au long des quatre premiers mois de 1984, y compris leurs premières grandes dates dans des stades américains. Une équipe de tournage dirigée par le réalisateur Russell Mulcahy a suivi le groupe de près, menant au film documentaire Sing Blue Silver et au film de concert Arena qui l'accompagne. L'album live Arena a également été enregistré pendant la tournée et est sorti avec le nouveau single studio "The Wild Boys", qui est passé au numéro 2 des deux côtés de l'Atlantique. En février 1984, le groupe fait la couverture du magazine Rolling Stone et remporte deux Grammy Awards dans les toutes nouvelles catégories de vidéoclips Long Form et Short Form. Pendant ce temps, "Save a Prayer" a pris de l'ampleur en Amérique du Nord et un remix américain spécial de la chanson est devenu un single en janvier 1985. Il a culminé à la 16e place du Billboard Hot 100 en mars. Une version live de la chanson a été utilisée pour la face B du single, tirée de la séquence vidéo du concert d'Arena / As the Lights Go Down. Durant cette période, tous les membres du groupe sont devenus des idoles pour beaucoup de leurs jeunes fans adolescents. Après la tournée, Roger Taylor s'est marié à Naples, en Italie, et Nick Rhodes s'est marié à Londres, vêtu d'un smoking en velours rose et d'un haut-de-forme. À la fin de 1984, le groupe figurait sur le single-bénéfice Band Aid "Do They Know It's Christmas?" avec d'autres groupes musicaux britanniques populaires. Simon Le Bon a chanté entre les contributions de George Michael et Sting. 1985 : Projets parallèles et Live Aid Même avec Duran Duran en attente, les membres du groupe furent bientôt impatients d'enregistrer de la nouvelle musique, ce qui conduisit à une scission soi-disant temporaire en deux projets parallèles. John et Andy Taylor voulaient rompre avec le son Duran Duran et s'intéresser au hard rock ; ils ont collaboré avec Robert Palmer et Tony Thompson pour former le supergroupe rock/funk The Power Station, qui a sorti deux singles dans le Top 10. Simon Le Bon et Nick Rhodes, quant à eux, voulaient explorer davantage l'aspect atmosphérique de Duran Duran et formèrent Arcadia, qui sortit un LP (So Red the Rose) à partir duquel est sorti le single "Election Day". Les contributeurs à cet album comprenaient le guitariste Masami Tsuchiya, le bassiste Mark Egan, le percussionniste David Van Tieghem, le batteur Steve Jordan, Sting, Herbie Hancock et David Gilmour. Roger Taylor était également batteur pour Arcadia, mais a également contribué aux percussions de l'album Power Station. Duran Duran n'était plus le même après cette pause. Selon Rhodes, les deux projets parallèles "étaient des suicides commerciaux... Mais nous avons toujours été bons dans ce domaine". Le groupe était encore déséquilibré lorsqu'ils se sont regroupés pour contribuer "A View to a Kill" au film de James Bond du même nom de 1985. Ce single a été le premier thème de Bond à atteindre le numéro 1 des charts américains, et était à l'époque le thème de Bond le mieux placé dans les charts britanniques où il a atteint le numéro 2. C'était le dernier single que le groupe a enregistré en tant qu'original. cinq pièces pendant près de vingt ans. Dans le prolongement du single Band Aid de Noël 1984, Duran Duran s'est produit devant 90 000 personnes (et environ 1,5 milliard de téléspectateurs) lors du concert caritatif Live Aid au stade John F. Kennedy de Philadelphie, en Pennsylvanie, le 13 juillet. 1985 alors que leur chanson Bond occupait la première place des charts américains. Ce n'était pas destiné à être une performance d'adieu - le groupe prévoyait seulement de faire une pause après quatre ans de tournées ininterrompues et d'apparitions publiques - mais les cinq originaux n'ont rejoué ensemble qu'en juillet 2003. Leur set Live Aid est devenu tristement célèbre. pour Le Bon frappant par inadvertance une fausse note de fausset dans le refrain de "A View to a Kill", une erreur qui a été claironnée par de nombreux médias sous le nom de "The Bum Note Heard Round the World" (contrairement à "Note" de Freddie Mercury Heard Round the World" lors du spectacle Live Aid du stade de Wembley). Le Bon a décrit plus tard ce moment comme le plus embarrassant de sa carrière.Malins (2006), p. 172. 1986-1989 : trio Le Bon, Rhodes et John Taylor Après avoir sorti trois albums studio et un album live en cinq ans, chacun accompagné d'une forte promotion médiatique et de longues tournées de concerts, le groupe a perdu deux de ses principaux membres à cause de la fatigue et de la tension en 1986. Après Live Aid et Arcadia, le batteur Roger Taylor a pris sa retraite pour la campagne anglaise, souffrant d'épuisement.Malins (2006), p. 181. Cela avait été initialement annoncé comme un an sabbatique, mais il est vite devenu clair qu'il ne reviendrait pas dans le groupe. Un communiqué de presse officiel fut publié en avril 1986 confirmant son départ. Dans une interview accordée à Live Daily en 2004, Roger Taylor a confirmé les raisons de son départ : "J'étais épuisé. Je pense que j'étais juste épuisé. Ce furent cinq années très intenses. Nous ne nous sommes pas arrêtés. C'était une tournée constante, une écriture constante. , l'enregistrement. Nous avons également rompu à l'international - instantanément, c'est un programme non-stop, vraiment, je m'étais perdu quelque part. Le guitariste Andy Taylor, quant à lui, a laissé croire aux membres restants qu'il retournerait travailler sur un nouvel album de Duran Duran alors même qu'il signait un contrat d'enregistrement solo à Los Angeles (il a finalement sorti un album solo en 1986, Thunder). . Le groupe a eu recours à des mesures légales pour le faire entrer en studio, mais après de nombreux retards, ils l'ont finalement relâché. Il n'a joué que sur quelques chansons de l'album suivant pendant que les désaccords étaient en cours de règlement. Malins (2006), pp. 187-190. Sans guitariste ni batteur, les trois membres restants, Le Bon, Rhodes et John Taylor ont demandé au producteur (et ancien guitariste de Chic) Nile Rodgers de jouer quelques morceaux à la guitare et ont embauché Steve Ferrone pour jouer de la batterie pendant qu'ils cherchaient des remplaçants. Finalement, en septembre 1986, Warren Cuccirullo (anciennement de Missing Persons et du groupe en tournée de Frank Zappa) fut embauché comme guitariste de session. Avec Le Bon, Rhodes et Taylor, il enregistre le reste de l'album Notorious, sorti en octobre 1986. Le film documentaire en noir et blanc Three to Get Ready raconte l'enregistrement de l'album, les tensions juridiques et les préparatifs de l'album. le tour. Bien que la chanson "Notorious" soit devenue numéro 2 aux États-Unis et numéro 7 au Royaume-Uni et que les ventes d'albums aient été fortes, le groupe a constaté qu'il avait perdu une grande partie de l'élan et de l'hystérie qu'il avait laissés derrière lui en 1985. Après la sortie de Seven and the Ragged Tiger et Notorious, beaucoup de leurs fans adolescents avaient grandi et la musique était plus funky, plus mature et moins « pop », compte tenu de l'expérience supplémentaire de leur travail sur Arcadia et Power Station et avec d'autres. les musiciens. "Skin Trade" et "Meet El Presidente", les deux singles suivants, figuraient dans les charts mais s'en sortaient mal par rapport aux succès précédents du groupe. Finalement, fin 1987, Sterling Campbell est embauché comme batteur de session. Par la suite, Duran Duran a eu du mal à échapper à l'image de l'idole des adolescents et à gagner le respect des critiques avec une musique plus complexe. La nouvelle image sérieuse n’a pas été acceptée au début et leur popularité a commencé à décliner. Rolling Stone a déclaré : « Dans leur recherche de maturité musicale, les Durans survivants ont perdu une grande partie de leur identité. » Un autre facteur a été le licenciement par le groupe des premiers managers, les frères Berrow. Les raisons de cette décision n'ont pas été annoncées, mais des désaccords sur l'argent et l'implication des frères dans les aventures nautiques de Le Bon (ils étaient copropriétaires de Drum) auraient joué un rôle.Malins (2006), p. 174. Quelle qu'en soit la raison, Duran Duran a changé fréquemment de manager et a entrepris des périodes d'autogestion dans les dernières étapes de sa carrière. De plus, EMI (qui a licencié son président et a subi une restructuration majeure cet été-là) semblait avoir perdu tout intérêt à promouvoir le groupe. Malins (2006), p. 186. L'album suivant Big Thing (1988) a produit les singles " I Don't Want Your Love " (numéro 4 aux États-Unis) et " All She Wants Is " (le dernier hit du top dix au Royaume-Uni jusqu'en 1993). Le disque était expérimental, mélangeant des influences de la house music et de la rave music avec la synthpop atmosphérique de Duran et le travail créatif de guitare de Cuccurullo (maintenant membre à part entière du groupe), ainsi que des paroles plus matures. 1989-1991 : Cinq encore, Décennie et Liberté À la fin de 1989 et au début des années 1990, la popularité de la synthpop s'estompait un peu et perdait des fans au profit d'autres genres musicaux en plein essor à l'époque, comme le hip hop, la techno et le rock alternatif. Une fois la tournée de l'album terminée, le groupe a retrouvé un groupe de cinq membres alors que le guitariste Warren Cuccirullo et le batteur de tournée Sterling Campbell sont devenus membres à part entière de Duran Duran. L'album de compilation Decade: Greatest Hits est sorti fin 1989, avec le single mégamix "Burning the Ground", composé d'extraits tissés des succès du groupe des dix années précédentes. Le single allait et venait sans grande fanfare, mais l'album est devenu un autre vendeur majeur pour le groupe. Cependant, la tiède sortie de 1990, Liberty (un retrait de l'expérimentation de Big Thing), n'a pas réussi à capitaliser sur l'élan retrouvé. L'album est entré dans le top dix du classement des albums britanniques, mais s'est rapidement évanoui. Les singles "Violence of Summer (Love's Taking Over)" et "Serious" n'ont connu qu'un succès mitigé, et le soft rock de l'album n'a pas bien résisté face à des contemporains comme Alice in Chains et Jane's Addiction, tandis que Nirvana, Pearl Jam et la révolution grunge ont été juste au coin. Pour la première fois, Duran Duran n'a pas fait de tournée pour soutenir un album, se produisant uniquement dans une poignée de dates de clubs et d'émissions de télévision. Sterling Campbell a quitté le groupe au début de 1991 et a ensuite travaillé avec Soul Asylum et David Bowie. Le quatuor composé de Le Bon, Rhodes, Taylor et Cuccurullo restera intact pendant encore six ans. En décembre 1991, John Taylor (alors âgé de 31 ans) a épousé la mannequin/actrice Amanda De Cadenet, âgée de 19 ans, et elle a donné naissance à sa fille en mars 1992. 1992-1996 : formation du quatuor et bref retour En 1993, le groupe sort un deuxième album éponyme : cet album de Duran Duran est connu sous le nom de The Wedding Album (pour la pochette de Nick Egan présentant les photos de mariage des parents des membres du groupe) pour le distinguer de la sortie de 1981. La sortie de ce premier album "de retour" a été retardée, le manager de l'époque chez Left Bank, Tommy Manzi, déclarant plus tard à HitQuarters que cela était dû à la résistance de l'industrie à la renaissance du groupe, qui, selon lui, préférerait se concentrer sur "le prochain album branché". groupe". La demande des auditeurs pour le single "Ordinary World" divulgué l'a forcé à figurer sur les listes de lecture radio des mois plus tôt que prévu ; il a atteint le numéro 3 du classement américain et le numéro 6 au Royaume-Uni et a remporté un prestigieux prix Ivor Novello pour l'écriture de chansons. "Come Undone", principalement écrit par Cuccurullo, avec des paroles de Le Bon, a été numéro 7 aux États-Unis et numéro 13 au Royaume-Uni. Le groupe et le label semblent surpris par le succès critique et commercial de l'album (n°4 au Royaume-Uni, n°7 aux États-Unis). Le bassiste John Taylor envisageait de quitter le groupe mais a changé d'avis. La plus grande tournée jamais réalisée par le groupe, qui comprenait des escales au Moyen-Orient, en Afrique du Sud, récemment levée de l'embargo, et en Amérique du Sud, a été interrompue après sept mois lorsque Le Bon a souffert de cordes vocales tendues. Après six semaines de récupération, le groupe s'est produit par intermittence pendant cinq mois supplémentaires, y compris des apparitions en Israël, en Thaïlande et en Indonésie. En 1995, le groupe sort l'album de reprise Merci. Les chansons de Thank You comprenaient des reprises de "Perfect Day" de Lou Reed et "White Lines (Don't Don't Do It)" de Melle Mel (avec les chœurs des artistes originaux). L'album marque également le retour temporaire de l'ancien batteur Roger Taylor, qui rejoint le groupe en studio pour jouer de la batterie sur "Watching the Detectives" et "Perfect Day" (ainsi qu'une reprise de "Jeepster" de T. Rex qui n'a pas eu lieu. figurent sur l'album). Dans une interview vidéo fournie avec le dossier de presse électronique de l'album, Reed a déclaré qu'il considérait la version de Duran Duran comme la meilleure reprise jamais réalisée d'une de ses chansons, et ils ont reçu les éloges de Robert Plant et Jimmy Page pour leur reprise de "Thank You" de Led Zeppelin. . 1997-2000 : départ de John Taylor et deuxième trio Une fois la tournée promotionnelle de Thank You terminée, John Taylor a cofondé le label B5 Records, enregistré un album solo, fondé et tourné avec le supergroupe Neurotic Outsiders et réuni la Power Station, bien que le projet se soit déroulé sans lui lorsqu'il a dû le faire. se retirer pour régler son divorce avec De Cadenet. Finalement, après avoir lutté pendant des mois pour enregistrer le prochain album, Medazzaland, en janvier 1997, Taylor annonça lors de la convention des fans de DuranCon qu'il quittait le groupe « pour de bon ». Son départ réduit le groupe à deux membres de longue date (Le Bon et Rhodes) et Cuccurullo, qui décide de continuer à enregistrer sous le nom de Duran Duran. Libéré de certains conflits d'écriture internes, le groupe est retourné en studio pour réécrire et réenregistrer de nombreuses chansons de Medazzaland. (Le travail de Taylor ne reste que sur quatre titres.) Cet album a marqué un retour à l'expérimentation en couches de Big Thing, avec des textures de guitare complexes et des voix traitées. Le morceau "Out of My Mind" a été utilisé comme chanson thème du film The Saint, mais le seul vrai single sorti aux États-Unis était l'excentrique "Electric Barbarella", qui a été le premier single jamais vendu en ligne. . La vidéo de ce single, mettant en vedette un robot sexy acheté et joué par les membres du groupe, a dû être censurée avant d'être diffusée sur MTV, mais il y avait peu de controverse qui avait entouré "Girls on Film". "Barbarella" a atteint la 52e place aux États-Unis en octobre 1997. Bien que Medazzaland soit sorti aux États-Unis en octobre 1997, l'album n'est jamais sorti au Royaume-Uni. "Barbarella" est ensuite sorti au Royaume-Uni en tant que single de l'album de compilation Greatest de 1998 et a culminé à la 23e place du classement britannique en janvier 1999. Le groupe a joué un set au Princess Diana Tribute Concert le 27 juin 1998 sur demande spéciale. de sa famille. Duran Duran s'est séparé de Capitol/EMI en 1999, bien que le label ait depuis utilisé le catalogue de Duran Duran pour sortir plusieurs compilations de remix et de rares faces B uniquement en vinyle. Le groupe a ensuite signé ce qui était censé être un contrat de trois albums avec Disney's Hollywood Records, mais cela n'a duré que jusqu'à l'album Pop Trash de 2000, mal reçu. Cet album lent et lourd semblait en décalage avec le matériel précédent du groupe. La production complexe de Rhodes, l'écriture de chansons et l'expérimentation de Cuccurullo avec les sons de guitare et les signatures rythmiques n'ont pas suffi à accrocher le public, et l'album n'a pas bien fonctionné. Le single de rêve "Someone Else Not Me" est resté à peine deux semaines à la radio, même si sa vidéo a été considérée comme la première à être entièrement réalisée avec une animation Flash. Tout en soutenant Medazzaland et Pop Trash, Duran Duran a tourné avec le bassiste Wes Wehmiller et le batteur Joe Travers. 2001-2006 : Réunion En 2000, Le Bon a contacté John Taylor avec une proposition visant à réformer le line-up classique de Duran Duran. Ils ont accepté de se séparer de Cuccurullo après avoir terminé la tournée Pop Trash. Cuccurullo a ensuite annoncé sur son site Internet qu'il quittait Duran Duran pour reprendre le travail avec son groupe des années 1980, Missing Persons. Cette annonce a été confirmée le lendemain par le site Internet de Duran Duran, suivie un jour plus tard par la nouvelle du retour de John, Roger et Andy Taylor. Pour remplir ses obligations contractuelles, Cuccurullo a donné trois concerts de Duran Duran au Japon en juin 2001, mettant ainsi fin à son mandat dans le groupe. Tout au long de 2001, 2002 et 2003, le groupe a travaillé sur l'écriture de nouveaux morceaux, louant initialement une maison à Saint-Tropez où l'ingénieur du son Mark Tinley a construit un studio d'enregistrement pour leur première session d'écriture sérieuse. Ils sont ensuite retournés à Londres pour faire un travail autofinancé avec divers producteurs (dont un vieil ami Nile Rodgers) et rechercher un nouveau contrat d'enregistrement. Il s'est avéré difficile de trouver un label prêt à parier sur le retour du groupe, alors Duran Duran est parti en tournée pour prouver le pouvoir d'attraction du groupe réuni. La réponse des fans et des médias a dépassé les attentes. Le groupe a joué une poignée de dates pour le 25e anniversaire en 2003, en commençant par deux dates dans des arènes de Tokyo remplies à pleine capacité. Les billets se sont vendus pour chaque spectacle en quelques minutes et des célébrités sont venues en masse aux dates de retrouvailles. Parmi ceux-ci figuraient un certain nombre de concerts dans des salles plus petites que le groupe avait joué des deux côtés de l'étang lors de leur première rencontre au début des années 80. En août, le groupe a été retenu comme présentateur aux MTV Video Music Awards 2003, pour ensuite être surpris par un Lifetime Achievement Award. Ils ont également reçu un prix pour l'ensemble de leur carrière du magazine Q en octobre, ainsi que le prix équivalent pour contribution exceptionnelle aux BRIT Awards en février 2004. Le rythme s'accélère avec une tournée à guichets fermés en Amérique, en Australie et en Nouvelle-Zélande. Le groupe a donné un concert complet lors d'une soirée privée au Super Bowl XXXVIII, leur performance de "The Wild Boys" a été diffusée à des millions de personnes lors de l'émission d'avant-match. Un remix du nouveau morceau "(Reach Up for the) Sunrise" est sorti dans de nombreuses émissions de télévision en février tandis que les magazines ont salué Duran Duran (le "Fab Five" moderne) comme l'un des plus grands groupes de tous les temps. Duran Duran a ensuite célébré son retour au Royaume-Uni avec quatorze dates dans des stades en avril 2004, dont cinq soirées à guichets fermés à la Wembley Arena. La presse britannique, traditionnellement hostile au groupe, a réservé aux concerts des critiques très chaleureuses. Duran Duran a amené le groupe Goldfrapp et les Scissor Sisters en première partie en alternance pour cette tournée. Les deux derniers spectacles ont été filmés, ce qui a donné lieu au DVD du concert Duran Duran : Live from London, sorti en novembre. Finalement, avec plus de trente-cinq chansons terminées, le groupe a signé un contrat de deux albums avec Epic Records en juin et a terminé le nouvel album, désormais intitulé Astronaut. L'album est sorti en octobre 2004 et est entré dans les charts britanniques au numéro 3 et dans les charts américains au numéro 17. Le premier single était "(Reach Up for the) Sunrise", qui a atteint le numéro 1 du classement Billboard US Dance en novembre et a atteint la cinquième place du UK Singles Chart, la position la plus élevée de Duran Duran depuis "A View to a Kill" en 1985. Un deuxième single, "What Happens Tomorrow", a fait ses débuts à la 11e place du classement britannique en février. Un mix 5.1 d'Astronaut a été créé par Jeremy Wheatley pour la sortie sur double disque d'Astronaut. La face CD contient l'album tel quel et la face DVD contient le mix 5.1 de l'album au format DVD Audio ainsi que des séquences et des vidéos DVD. Après une tournée mondiale début 2005, Duran Duran a reçu le prix The PRS Outstanding Contribution to British Music aux Ivor Novello Awards 2005. La Performing Right Society et la British Academy of Composers and Songwriters ont le grand plaisir de remettre à Duran Duran le PRS Outstanding

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Dans quelle ville européenne se trouve l’Opéra La Scala ?

Milan

La Scala (; abréviation en italien du nom officiel) est un opéra de Milan, en Italie. Le théâtre a été inauguré le 3 août 1778 et était à l'origine connu sous le nom de ' (Nouveau Théâtre Royal-Ducal alla Scala). La première représentation était Europa riconosciuta d'Antonio Salieri. La plupart des plus grands artistes d'opéra italiens et bon nombre des meilleurs chanteurs du monde entier se sont produits à La Scala au cours des 200 dernières années. Le théâtre est considéré comme l'un des principaux théâtres d'opéra et de ballet au monde et abrite le chœur du théâtre de La Scala, le ballet du théâtre de La Scala et l'orchestre du théâtre de La Scala. Le théâtre dispose également d'une école associée, connue sous le nom d'Académie de Théâtre La Scala (), qui propose une formation professionnelle en musique, danse, métiers de la scène et gestion de scène. Aperçu La saison de La Scala s'ouvre traditionnellement le 7 décembre, jour de la Saint Ambroise, jour de fête du saint patron de Milan. Toutes les représentations doivent se terminer avant minuit et les longs opéras commencent plus tôt dans la soirée lorsque cela est nécessaire. Le Museo Teatrale alla Scala (Musée du Théâtre de La Scala), accessible depuis le foyer du théâtre et une partie de la maison, contient une collection de peintures, de dessins, de statues, de costumes et d'autres documents concernant l'histoire de La Scala et de l'opéra en général. La Scala accueille également l'Accademia d'Arti e Mestieri dello Spettacolo (Académie des arts du spectacle). Son objectif est de former une nouvelle génération de jeunes musiciens, techniciens et danseurs (à la Scuola di Ballo del Teatro alla Scala, une des divisions de l'Académie). Histoire Un incendie détruit le théâtre précédent, le Teatro Regio Ducale, le 25 février 1776, après un gala de carnaval. Un groupe de quatre-vingt-dix riches Milanais, propriétaires de palchi (loges privées) dans le théâtre, écrivit à l'archiduc Ferdinand d'Autriche-Este pour demander un nouveau théâtre et un théâtre provisoire à utiliser pendant l'achèvement du nouveau. L'architecte néoclassique Giuseppe Piermarini a réalisé un projet initial, mais celui-ci a été rejeté par le comte Firmian (le gouverneur de la Lombardie autrichienne de l'époque). Un deuxième plan fut accepté en 1776 par l'impératrice Marie-Thérèse. Le nouveau théâtre a été construit sur l'ancien emplacement de l'église de Santa Maria alla Scala, d'où le théâtre tire son nom. L'église fut désacralisée et démolie et, en deux ans, le théâtre fut achevé par Pietro Marliani, Pietro Nosetti et Antonio et Giuseppe Fe. Le théâtre comptait au total « environ 3 000 » places organisées en 678 stands, disposés en six niveaux de loges au-dessus desquelles se trouve la « loggione » ou deux galeries. Sa scène est l'une des plus grandes d'Italie (16,15 m de profondeur x 20,4 m de largeur x 26 m de hauteur). Les dépenses de construction furent couvertes par la vente de palchis, richement décorés par leurs propriétaires, impressionnant des observateurs comme Stendhal. La Scala (comme on l'appelait) devint bientôt le lieu de rencontre par excellence des Milanais nobles et riches. Dans la tradition de l'époque, la platea (le rez-de-chaussée) n'avait pas de chaises et les spectateurs regardaient les spectacles debout. L'orchestre était bien en vue, car le golfo mistico (fosse d'orchestre) n'était pas encore construit. Au-dessus des loges, La Scala possède une galerie, appelée loggione, où les moins fortunés peuvent assister aux représentations. La galerie est généralement remplie des aficionados d'opéra les plus critiques, connus sous le nom de loggionistes, qui peuvent être extatiques ou impitoyables envers les succès ou les échecs perçus des chanteurs. Pour leurs échecs, les artistes reçoivent un "baptême du feu" de la part de ces aficionados, et les fiascos sont restés longtemps dans les mémoires, comme lorsque, en 2006, le ténor Roberto Alagna a été hué hors de la scène lors d'une représentation d'Aida, ce qui a forcé sa doublure, Antonello Palombi, pour le remplacer rapidement en milieu de scène sans avoir le temps de se changer en costume. Comme la plupart des théâtres de l'époque, La Scala était aussi un casino, avec des joueurs assis dans le hall. Les conditions dans l’auditorium peuvent également être frustrantes pour les amateurs d’opéra, comme Mary Shelley l’a découvert en septembre 1840 : A l'Opéra, on donnait le Templario d'Otto Nicolai. Malheureusement, comme on le sait, le théâtre de La Scala sert non seulement de salon universel à toute la société milanaise, mais toutes sortes de transactions commerciales, depuis le marchandage de chevaux jusqu'au commerce des valeurs mobilières, s'y déroulent. fosse; de sorte que les bribes de mélodie que l'on peut capter sont brefs et espacés. La Scala était à l'origine éclairée par 84 lampes à huile montées sur le palcoscenico et mille autres dans le reste du théâtre. Pour prévenir les risques d'incendie, plusieurs pièces ont été remplies de centaines de seaux d'eau. Au fil du temps, les lampes à huile ont été remplacées par des lampes à gaz, celles-ci ont été remplacées par des lampes électriques en 1883. La structure d'origine a été rénovée en 1907, date à laquelle elle a reçu sa configuration actuelle avec 1 987 places. En 1943, pendant la Seconde Guerre mondiale, La Scala fut gravement endommagée par les bombardements. Il fut reconstruit et rouvert le 11 mai 1946, avec un concert mémorable dirigé par Arturo Toscanini, deux fois chef d'orchestre principal de La Scala et associé des compositeurs Giuseppe Verdi et Giacomo Puccini, avec un solo de soprano de Renata Tebaldi, qui fit sensation. La Scala a accueilli la prima (première production) de nombreux opéras célèbres et entretenait une relation privilégiée avec Verdi. Cependant, pendant plusieurs années, Verdi n'a pas autorisé que ses œuvres soient jouées ici, car certaines de ses musiques avaient été modifiées (il disait "corrompues") par l'orchestre. Cette dispute trouve son origine dans un désaccord sur la production de sa Giovanna d'Arco en 1845 ; cependant, le compositeur y dirigea plus tard son Requiem le 25 mai 1874 et annonça en 1886 que La Scala accueillerait la première de ce qui allait devenir son avant-dernier opéra, Otello. La première de son dernier opéra, Falstaff, a également été donnée au théâtre. En 1982, la Filarmonica della Scala a été créée, attirant ses membres du plus grand bassin de musiciens qui composent l'Orchestre della Scala. DEVELOPPEMENTS récents Rénovation majeure, 2002 à 2004 Le théâtre a subi une rénovation majeure du début 2002 à la fin 2004. Le théâtre a été fermé à la suite des traditionnelles représentations d'ouverture de la saison du 7 décembre 2001 d'Otello, qui se sont déroulées jusqu'en décembre. Du 19 janvier 2002 à novembre 2004, la compagnie d'opéra a été transférée au nouveau Teatro degli Arcimboldi, construit dans la zone industrielle Pirelli-Bicocca, à 7,2 km du centre-ville. La rénovation réalisée par le célèbre architecte Mario Botta s'est révélée controversée, car les défenseurs de l'environnement craignaient que des détails historiques ne soient perdus. Cependant, la compagnie d'opéra s'est dite impressionnée par les améliorations apportées à la structure et à la qualité sonore, qui ont été améliorées lorsque les lourds tapis rouges de la salle ont été retirés. La scène a été entièrement reconstruite et des coulisses agrandies permettent de stocker davantage de décors, permettant ainsi plus de productions. Les sièges comprennent désormais des moniteurs pour le système de livrets électroniques fourni par Radio Marconi, une société italienne, permettant au public de suivre les livrets d'opéra en anglais et en italien en plus de la langue originale. L'opéra a rouvert ses portes le 7 décembre 2004 avec une production, dirigée par Riccardo Muti, de l'Europa riconosciuta de Salieri, l'opéra joué lors de l'inauguration de La Scala en 1778. Les billets pour la réouverture s'élevaient jusqu'à 2 000 €. Les rénovations ont coûté 61 millions d'euros et ont laissé un déficit budgétaire que l'opéra a surmonté en 2006. Controverses et changements en matière de gestion, à partir de 2005 Carlo Fontana, directeur général de La Scala depuis 1990, a été licencié en février 2005 par le conseil d'administration en raison de différends avec le directeur musical, Riccardo Muti. Les réactions négatives du personnel qui en ont résulté ont provoqué de graves perturbations et des grèves du personnel. Dans un communiqué, le conseil d'administration du théâtre a déclaré qu'il était "urgent d'unifier la direction du théâtre". Le 16 mars 2005, l'orchestre de La Scala et d'autres membres du personnel ont voté massivement une motion de censure contre Muti et ont exigé la démission du remplaçant de Fontana, Mauro Meli. Muti avait déjà été contraint d'annuler un concert quelques jours plus tôt en raison de désaccords. Le ministre italien de la Culture, Giuliano Urbani, a soutenu le chef d'orchestre mais a appelé à une action urgente de la direction pour sauvegarder le bon fonctionnement et le prestige de La Scala. Le 2 avril 2005, Muti a démissionné de La Scala, invoquant « l'hostilité » des membres du personnel. En mai 2005, Stéphane Lissner, ancien du Festival d'Aix-en-Provence, est nommé directeur général et directeur artistique de La Scala, devenant ainsi le premier non-Italien de son histoire à occuper ce poste. Le 15 mai 2006, Daniel Barenboim est nommé Maestro Scaligero, ou de facto chef invité principal, de la compagnie. En octobre 2011, Barenboim a été nommé prochain directeur musical de La Scala, à compter de décembre 2011, avec un contrat initial de 5 ans. En décembre 2013, Riccardo Chailly a été nommé prochain directeur musical de La Scala, à compter du 1er janvier 2015. Stéphane Lissner quitte La Scala pour l'Opéra de Paris. Son successeur, ancien directeur du Festival de Salzbourg, a pris ses fonctions le 1er octobre 2014. Chefs d'orchestre principaux/directeurs musicaux de La Scala *Franco Faccio (1871-1889) * Arturo Toscanini (1898-1908) * Tullio Serafin (1909-1914, 1917-1918) * La Scala fut fermée de 1918 à 1920 * Arturo Toscanini (1921-1929) *Victor de Sabata (1930-1953) *Carlo Maria Giulini (1953-1956) *Guido Cantelli (1956) * Gianandrea Gavazzeni (1966-1968) * Claudio Abbado (1968-1986) * Riccardo Muti (1986-2005) * Le poste était vacant d'avril 2005 au 6 décembre 2007 * Daniel Barenboim (2007-2014 : Maestro scaligero, à partir de décembre 2007 ; Direttore musicale, à partir de décembre 2011) * Riccardo Chailly (2015-2022 : chef principal, années civiles 2015 et 2016 ; directeur musical, années civiles 2017 à 2022) Premières Voir: :Catégorie:Premières mondiales d'opéra à La Scala * 1778 : Europe riconosciuta d'Antonio Salieri * 1794 : Démofoonte de Marcos Portugal * 1800 : Idante, ovvero I sacrifici d'Ecate de Marcos Portugal * 1812 : La pietra del paragone de Gioachino Rossini * 1813 : Aureliano à Palmira de Gioachino Rossini * 1814 : Il turco en Italie de Gioachino Rossini * 1820 : Marguerite d'Anjou de Giacomo Meyerbeer * 1827 : Le pirate de Vincenzo Bellini * 1829 : La straniera de Vincenzo Bellini * 1831 : Norma de Vincenzo Bellini * 1833 : Lucrèce Borgia de Gaetano Donizetti * 1835 : Maria Stuarda de Gaetano Donizetti * 1839 : Oberto, Conte de San Bonifacio de Giuseppe Verdi * 1840 : Un giorno di regno de Giuseppe Verdi * 1842 : Nabucco de Giuseppe Verdi * 1843 : I Lombardi alla prima crociata de Giuseppe Verdi * 1845 : Giovanna d'Arco de Giuseppe Verdi * 1868 : Mépistofèle d'Arrigo Boito * 1870 : Il Guarany d'Antônio Carlos Gomes * 1873 : Fosca d'Antônio Carlos Gomes * 1876 : La Joconde d'Amilcare Ponchielli * 1879 : Maria Tudor d'Antônio Carlos Gomes * 1885 : Marion Delorme par Amilcare Ponchielli * 1887 : Otello de Giuseppe Verdi * 1889 : Edgar de Giacomo Puccini * 1892 : La Wally d'Alfredo Catalani * 1893 : Falstaff de Giuseppe Verdi * 1904 : Madame Butterfly de Giacomo Puccini * 1924 : Néron d'Arrigo Boito * 1926 : Turandot de Giacomo Puccini * 1957 : Dialogues des Carmélites de Francis Poulenc * 1981 : Donnerstag aus Licht de Karlheinz Stockhausen * 1984 : Samstag aus Licht de Karlheinz Stockhausen * 1988 : Montag aus Licht de Karlheinz Stockhausen * 2007 : Teneke de Fabio Vacchi * 2011 : Quatuor de Luca Francesconi

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Qui est le chanteur du groupe anglais « The Specials » ?

Terry Hall

Terence Edward "Terry" Hall (né le 19 mars 1959 à Coventry, Angleterre) est un musicien anglais et chanteur principal de The Specials, et anciennement de Fun Boy Three, The Colourfield, Terry, Blair & Anouchka et Vegas. Il a sorti deux albums solo et a également collaboré avec de nombreux artistes dont David A. Stewart, Bananarama, Lightning Seeds, Sinéad O'Connor, Stephen Duffy, Dub Pistols, Gorillaz, Damon Albarn, D12, Tricky, Junkie XL, Leila Arab, Lily Allen, la sœur de Shakespeare et la Nouvelle Vague. Biographie Premières années Né et élevé à Coventry, en Angleterre, Hall a quitté l'école avant son quinzième anniversaire, occupant divers emplois à court terme – notamment maçon, métreur et apprenti coiffeur. Il est devenu un membre actif de la scène musicale en plein essor de Coventry à la fin des années 1970, jouant dans un groupe punk local appelé Squad et étant crédité comme compositeur sur leur single "Red Alert". Hall a déclaré que l'un de ses grands-pères était un horloger juif allemand. Les spéciaux Initialement leader de « The Coventry Automatics » en 1977-1978, devenu The Specials au début de 1979, Hall s'est fait connaître pour la première fois au Royaume-Uni en 1979 lorsque le DJ de la BBC Radio 1, John Peel, a joué son premier single « Gangsters » dans son émission. Le groupe a ensuite sorti son premier album, The Specials, qui contenait également les hits "A Message to You, Rudy" et une version plus lente de "Too Much Too Young". En octobre 1980, The Specials sortent leur deuxième album, More Specials, qui contient trois autres singles à succès avec « Do Nothing », « Stereotype ». et "Course de rats". Le single "Ghost Town", sorti en juin 1981, a passé trois semaines au numéro un et dix semaines dans le top 40 du UK Singles Chart. La chanson double face, "Friday Night Saturday Morning", écrite par Terry Hall, décrit une soirée au Coventry Locarno. Le garçon amusant trois Après la sortie du dernier single des Specials, "Ghost Town", Hall a quitté le groupe pour créer un nouveau groupe appelé Fun Boy Three avec deux de ses camarades du groupe Specials, Lynval Golding et Neville Staple. Le premier single à succès des Fun Boy Three, "The Lunatics (Have Taken Over The Asylum)", est sorti en 1981 et a été suivi en 1982 par "It Ain't What You Do (It's the Way That You Do It), " un duo avec Bananarama. Fun Boy Three a ensuite fourni des voix invitées pour le single de Bananarama, "Really Saying Something". La même année, Hall et ses camarades du groupe sont apparus dans le clip de "Driving in My Car" de Madness et ont sorti leur premier album, Fun Boy Three, qui a atteint la 7e place du classement des albums britanniques. En février 1983, Fun Boy Three sort son deuxième album, Waiting, qui contient deux succès du Top Ten : "The Tunnel of Love" et "Our Lips Are Sealed". Cette dernière était une chanson que Hall avait écrite avec Jane Wiedlin, qui avait déjà connu du succès aux États-Unis avec son groupe The Go-Go's. Le champ de couleurs En 1984, Hall forme The Colourfield et sort l'album Virgins & Philistines en 1985, qui comprend le single à succès « Thinking of You ». L'album a passé sept semaines dans les charts britanniques, culminant à la 12e place. Cette nouvelle direction musicale aboutirait à des collaborations avec Ian Broudie et Hall contribuant à un certain nombre de chansons aux albums de Broudie sous le nom de The Lightning Seeds. Hall a également co-écrit la chanson "Smoke Ring" pour le premier album solo de Broudie, Tales Told, qui est également sorti comme morceau principal de l'EP Smoke Rings. Un deuxième album de Colourfield, Deception, est sorti en 1987, atteignant la 95e place du UK Albums Chart. Terry, Blair et Anouchka En 1989, Hall s'associe à l'actrice américaine Blair Booth et à la joaillière Anouchka Groce et commence à enregistrer sous le surnom de Terry, Blair & Anouchka. Après deux singles qui se sont tous deux classés dans le Top 80 du UK Singles Chart, le trio a sorti l'album Ultra Modern Nursery Rhymes, qui n'a pas réussi à figurer dans les charts. Las Vegas En 1992, Terry s'associe à Dave Stewart, célèbre pour son rôle de moitié dans Eurythmics. Le duo a pris le nom de Vegas et a sorti Vegas, un album pop électronique astucieux qui a été fortement promu par leur label BMG. Il n’a pas réussi à tracer. Un seul des trois singles extraits de l'album, "Possessed", a réussi à percer le Top 40 britannique, atteignant la 32e place. Solo Hall a commencé sa carrière solo officielle en 1994 avec Home. L'album a été produit par son ancien collaborateur Ian Broudie et a atteint la 95e place du UK Album Chart. L'album présente également l'ancien bassiste d'Echo & The Bunnymen, Les Pattinson. Le point culminant de l'album a été le single "Sense", qui a atteint la 54e place du UK Singles Chart. L'année suivante, Hall sort l'EP Rainbows en collaboration avec Damon Albarn et il grimpe à la 62e place du classement des singles britanniques. En 1997, Hall poursuit son premier album avec Laugh. Il s'agit de sa sortie solo la plus réussie, atteignant la 50e place du UK Albums Chart. Il contient également le single Top 50 britannique, "Ballad of a Landlord". Les deux albums mettaient en vedette Craig Gannon, collaborateur de longue date. Terry Hall et Mushtaq En 2003, Hall a collaboré avec Mushtaq de Fun-Da-Mental sur l'album The Hour of Two Lights qui contient les contributions de Damon Albarn de Blur, une chanteuse libanaise de douze ans, un rappeur algérien aveugle, un flûtiste syrien et des chanteurs hébreux. et un groupe de gitans polonais. Ces dernières années En 2001, Hall est apparu en tant qu'invité sur le single "911" de Gorillaz & D12, qui était une chanson sur les attaques terroristes aux États-Unis. Hall chante le refrain avec le leader de Gorillaz, Damon Albarn, tandis que D12 rappe leurs couplets. En 2001, Hall a participé à la chanson "Never Alone", qui est apparue sur l'album Junkie XL Radio JXL: A Broadcast from the Computer Hell Cabin. En 2007, Hall a chanté de nombreux morceaux de l'album Speakers and Tweeters des Dub Pistols, après être apparu sur la chanson du groupe "Problem Is" de l'album Six Million Ways to Live et est également apparu en direct au Glastonbury Festival sur la Pyramid Stage avec Lily Allen et Lynval Golding, ancienne membre du groupe Specials. Il a également joué sur la Park Stage, encore une fois avec Golding mais aussi Damon Albarn et le beatboxer Shlomo, jouant une version de "A Message to You Rudy" des Specials. Plus tard cette année-là, il est apparu au GuilFest sur la scène radio BBC 2, encore une fois avec les Dub Pistols et Golding. La réforme des Specials Suite à sa tentative de suicide et au diagnostic ultérieur de trouble bipolaire, Hall a contacté ses anciens camarades du groupe Specials avec la perspective de retrouvailles. Le 30 mars 2008, Hall a déclaré que The Specials se reformerait pour des dates de tournée et éventuellement des enregistrements. Le 6 septembre 2008, six membres du groupe se sont produits sur la scène principale du Bestival en guise d'acte surprise. Le claviériste original et compositeur principal des Specials, Jerry Dammers, n'a pas joué au festival et détient les droits de marque sur le nom « The Specials », le groupe a donc été présenté comme « des invités très « spéciaux » ». Le 2 décembre 2008, The Specials ont annoncé les dates de leur tournée 2009 pour célébrer leur 30e anniversaire. Jerry Dammers n'a pas rejoint le groupe lors de la tournée, même si les relations entre les deux parties sont fortes. Hall aurait déclaré que "la porte lui reste ouverte". Depuis 2014, Hall joue toujours avec The Specials, avec les membres de son groupe d'origine Lynval Golding, John Bradbury et Horace Panter, et le leader est souvent DJ dans diverses salles britanniques, bien qu'aucun nouveau matériel n'ait encore été publié. Discographie

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La sinologie est l'étude de la langue, de l'histoire et de la culture de quel pays ?

Chine

La sinologie est l'étude académique de la Chine principalement à travers la langue, la littérature et l'histoire chinoises, et fait souvent référence aux études occidentales. Son origine « peut être attribuée à l'examen que les érudits chinois ont fait de leur propre civilisation ». Le domaine de la sinologie était historiquement considéré comme équivalent à l'application de la philologie à la Chine, et jusqu'au 20e siècle, il était généralement considéré comme signifiant « philologie chinoise » (langue et littérature). La sinologie s'est élargie dans les temps modernes pour inclure l'histoire chinoise, l'épigraphie et d'autres sujets. Terminologie Les termes « sinologie » et « sinologue » ont été inventés vers 1838 et utilisent « sino- », dérivé du latin tardif Sinae du grec Sinae, de l'arabe Sin qui à son tour peut dériver de Qin, comme sous la dynastie Qin. Dans le contexte des études régionales, les usages européens et américains peuvent différer. En Europe, la sinologie est généralement connue sous le nom d'études chinoises, tandis qu'aux États-Unis, la sinologie est un sous-domaine des études chinoises. Un observateur de la Chine est une personne qui surveille l'actualité et les luttes de pouvoir en République populaire de Chine. Sinologie orientale En Asie de l’Est, les études sur des sujets liés à la Chine ont commencé très tôt. Au Japon, la sinologie était connue sous le nom de . Dans la Chine moderne, les études sur des sujets liés à la Chine sont connues sous le nom d'« études nationales » (), et la sinologie est traduite par « études Han » (). Sinologie occidentale Des débuts au 17ème siècle Les premiers Occidentaux à étudier la langue chinoise furent des missionnaires portugais et espagnols du XVIe siècle cherchant à répandre le catholicisme romain parmi le peuple chinois, et tous appartenaient soit à l'Ordre dominicain, soit aux Jésuites (Société de Jésus). Une mission dominicaine espagnole à Manille exploitait une imprimerie et, entre 1593 et ​​1607, produisit quatre ouvrages sur la doctrine catholique pour la communauté immigrée chinoise, trois en chinois classique et un dans un mélange de chinois classique et de hokkien vernaculaire. Les réalisations dominicaines au sein de la diaspora chinoise ne sont rien en comparaison du succès des jésuites en Chine continentale, dirigés par le célèbre pionnier Matteo Ricci. Ricci est arrivé à Canton (Guangzhou moderne) en 1583 et a passé le reste de sa vie en Chine. Contrairement à la plupart de ses prédécesseurs et contemporains, Ricci ne considérait pas les Chinois comme des « païens idolâtres », mais les considérait comme des « lettrés partageant les mêmes idées et accessibles au niveau de l'apprentissage ». Il a étudié les classiques confucianistes chinois, tout comme les érudits chinois instruits, afin de présenter la doctrine catholique et le savoir européen aux lettrés chinois dans leur propre langue. 18ème siècle Au siècle des Lumières, les sinologues ont commencé à introduire la philosophie, l’éthique, le système juridique et l’esthétique chinois en Occident. Bien que souvent non scientifiques et incomplets, leurs travaux ont inspiré le développement de la Chinoiserie et une série de débats comparant les cultures chinoise et occidentale. À cette époque, les sinologues décrivaient souvent la Chine comme un royaume éclairé, la comparant à l’Europe qui venait de sortir du Moyen Âge. Parmi les lettrés européens intéressés par la Chine figuraient Voltaire, qui a écrit la pièce L'orphelin de la Chine inspirée de L'Orphelin de Zhao, Leibniz qui a écrit sa célèbre Novissima Sinica (Nouvelles de Chine) et Giambattista Vico. En France, l'étude de la Chine et de la langue chinoise a commencé sous le patronage de Louis XIV. En 1711, il charge un jeune Chinois, Arcadio Huang, de cataloguer la collection royale de textes chinois. Huang était assisté d'Étienne Fourmont, qui publia une grammaire du chinois en 1742. En 1732, Matteo Ripa (1692-1746), prêtre missionnaire de la Sacrée Congrégation « De propagande fide » du royaume de Naples, créa à Naples la première école de sinologie du continent européen : l'« Institut chinois », premier noyau de ce qui allait devenir l'actuelle Università degli studi di Napoli L'Orientale, ou Naples Eastern University. Ripa avait travaillé comme peintre et graveur sur cuivre à la cour impériale de l'empereur Kangxi entre 1711 et 1723. Ripa revint de Chine à Naples avec quatre jeunes chrétiens chinois, tous professeurs de leur langue maternelle et fonda l'Institut sanctionné par le pape Clément XII. enseigner le chinois aux missionnaires et ainsi faire progresser la propagation du christianisme en Chine. 19ème siècle L'étude de l'assyriologie et de l'égyptologie s'est développée avant l'étude sérieuse de la Chine en raison de leurs liens avec la Bible ; l'étude de l'Indologie a représenté une percée dans le développement de la linguistique. Les textes chinois, peut-être parce qu'ils n'avaient pas ces connexions, furent les derniers à être étudiés dans les universités européennes jusque vers 1860, sauf en France. En 1814, une chaire de chinois et de mandchou est fondée au Collège de France. Jean-Pierre Abel-Rémusat, qui a appris le chinois en autodidacte, occupe le poste, devenant ainsi le premier professeur de chinois en Europe. Le premier sinologue russe, Nikita Bichurin, vivait alors à Pékin depuis dix ans. Les homologues d'Abel-Rémusat en Angleterre et en Allemagne étaient respectivement Samuel Kidd (1797-1843) et Wilhelm Schott (1807-1889), bien que les premiers sinologues laïcs importants dans ces deux pays furent James Legge et Hans Georg Conon von der Gabelentz. Des érudits comme Legge s’appuyaient souvent sur les travaux d’érudits d’origine chinoise tels que Wang Tao. Stanislas Julien a été titulaire de la chaire de chinois au Collège de France pendant plus de 40 ans, commençant ses études avec Rémusat et lui succédant en 1833. Il se distinguait par ses traductions non seulement de textes classiques mais aussi d'œuvres de littérature vernaculaire, et par ses connaissance du Mandchou. Édouard Chavannes succéda au poste après la mort du marquis d'Hervey-Saint-Denys en 1893. Chavannes poursuivait de vastes intérêts pour l'histoire ainsi que pour la langue. L’image de la Chine comme société essentiellement confucéenne véhiculée par les érudits jésuites dominait la pensée occidentale de cette époque. Alors que certains en Europe ont appris à parler chinois, la plupart ont étudié le chinois classique écrit. Ces chercheurs appartenaient à ce qu’on appelle la « tradition commentaire » par le biais de traductions critiques annotées. Cet accent mis sur la traduction de textes classiques a empêché l'utilisation de la méthodologie des sciences sociales ou la comparaison de ces textes d'autres traditions. Un chercheur a qualifié ce type de sinologie de « coupe de cheveux philologique » préoccupée par des aspects marginaux ou curieux. Les érudits laïcs sont progressivement devenus plus nombreux que les missionnaires et, au XXe siècle, la sinologie a progressivement acquis une présence substantielle dans les universités occidentales. XXe siècle et après La sinologie parisienne a dominé l’apprentissage sur la Chine jusqu’à la Seconde Guerre mondiale, même en dehors de la France. Paul Pelliot, Henri Maspero et Marcel Granet ont tous deux publié des études de base et formé des étudiants. La connaissance de Pelliot des langues pertinentes, en particulier celles de l’Asie centrale, et la maîtrise de la bibliographie dans ces langues, lui ont donné le pouvoir d’écrire sur une gamme de sujets et de critiquer de manière accablante les erreurs d’autres chercheurs. Maspero a élargi la portée de la sinologie du confucianisme pour inclure le taoïsme, le bouddhisme et la religion populaire, ainsi que l'art, la mythologie et l'histoire des sciences. L'apport de Granet a été d'appliquer les concepts d'Émile Durkheim, sociologue pionnier, à la société de la Chine ancienne, notamment à la famille et au rituel. L’école russe de sinologie se concentrait principalement sur l’apprentissage de textes chinois classiques. Par exemple, la contribution du sinologue russe Julian Shchutsky a été particulièrement précieuse. La meilleure traduction complète du I Ching (Livre des Mutations) a été réalisée par lui en 1937. Plus tard, sa traduction a été traduite en anglais et dans d'autres langues européennes. Après la création de la République populaire de Chine en 1949, l’étude de la Chine s’est développée selon des lignes divergentes. L’essor des études régionales, le rôle des observateurs de la Chine et la croissance des programmes universitaires d’études supérieures ont modifié le rôle de la sinologie. Le financement des études chinoises peut provenir de diverses sources ; une source importante est la Fondation Chiang Ching-kuo. L’approche des Area Studies, en particulier aux États-Unis, a remis en question la domination de la sinologie classique. Des chercheurs tels que John King Fairbank ont ​​promu « l’étude de la Chine au sein d’une discipline », une approche qui minimisait le rôle de la sinologie philologique et se concentrait sur les questions d’histoire et de sciences sociales. En 1964, un échange dans les pages du Journal of Asian Studies débattait de la pertinence continue de la sinologie. L'anthropologue G. William Skinner a appelé les sciences sociales à utiliser davantage la Chine, mais a écrit : « Ces dernières années, le cri s'est élevé : la sinologie est morte ; vive les études chinoises ! et a conclu que « la sinologie, une discipline en soi, est remplacée par les études chinoises, une entreprise multidisciplinaire avec des objectifs de recherche spécifiques ». Joseph Levenson, historien, est allé plus loin. Il doutait que la sinologie soit un outil que les spécialistes des sciences sociales trouveraient encore utile, tandis qu'un autre historien, Benjamin I. Schwartz, répliquait en revanche que les disciplines étaient trop souvent considérées comme une fin en soi. La sinologie avait ses partisans. Frederick W. Mote, spécialiste de la Chine traditionnelle, répondant à Skinner, s'est prononcé en faveur de la sinologie, qu'il considérait comme un domaine ou une discipline en soi. Un autre spécialiste de la Chine traditionnelle, Denis Twitchett, en réponse aux va-et-vient de ce débat, a publié ce qu'il a appelé « A Lone Cheer for Sinology ». Il n’a pas accepté l’hypothèse selon laquelle il existe « une certaine hostilité implicite entre la « sinologie » et les disciplines de l’histoire et des sciences sociales ». La sinologie, poursuit-il, est utilisée dans un éventail de significations trop large pour être aussi limitée : À un extrême, il est utilisé pour caractériser une caricature plutôt ridicule composée de pédantisme et de préoccupation pour des sujets périphériques et précieux de peu de signification générale... À l'autre extrême, la définition utilisée par le professeur Mote est si large et si inclusive qu'elle cela ne signifie guère plus que les études humanistes dans le domaine chinois. Pendant la guerre froide, les observateurs de la Chine se concentraient à Hong Kong, en particulier des responsables du gouvernement américain ou des journalistes. La méfiance mutuelle entre les États-Unis et la Chine et l’interdiction de voyager entre les pays ont empêché ces derniers d’avoir accès aux points de presse ou aux interviews. Ils ont donc adopté des techniques de la kremlinologie, telles que l'analyse minutieuse des annonces officielles à la recherche de significations cachées, les mouvements des fonctionnaires rapportés dans les journaux et l'analyse de photographies d'apparitions publiques. Mais depuis l’ouverture de la Chine, les observateurs de la Chine peuvent vivre en Chine et profiter des sources d’information normales. Vers la fin du siècle, nombre de ceux qui étudiaient professionnellement la Chine appelaient à mettre fin à la fracture entre la sinologie et les disciplines. L'universitaire australien Geremie Barmé, par exemple, suggère une « nouvelle sinologie », qui « met l'accent sur de solides fondements scolaires dans la langue et les études chinoises classiques et modernes, tout en encourageant une attitude œcuménique à l'égard d'une riche variété de disciplines ». approches et disciplines, qu'elles soient principalement empiriques ou plus théoriques. Sinologues Journaux *Bulletin de l'École française d'Extrême Orient *[http://www.chinaheritage quarterly.org/ Chinese Heritage Quarterly], China Heritage Project, Université nationale australienne *Harvard Journal d'études asiatiques *Journal d'études asiatiques *Journal Asiatique *Fin de la Chine impériale *Monumenta Serica *Articles sino-platoniciens *T'oung Pao *[http://www.zinbun.kyoto-u.ac.jp/issue/thgakho.html/ Toho Gakuho] *[http://wwwsoc.nii.ac.jp/toyoshi/index.html/ Toyoshi Kenkyu]

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Quel type d'animal est Baloo dans le roman « Le Livre de la Jungle » de Rudyard Kipling ?

Ours

Baloo (Bhālū, "ours") est un personnage fictif principal présenté dans Le Livre de la Jungle de Rudyard Kipling de 1894 et Le Deuxième Livre de la Jungle de 1895. Baloo, un ours, est le professeur strict des petits de la meute de loups Seeonee. Son élève le plus difficile est le « petit homme » Mowgli. Baloo et Bagheera, une panthère, sauvent Mowgli de Shere Khan le tigre et s'efforcent d'enseigner à Mowgli la loi de la jungle dans de nombreuses histoires du Livre de la Jungle. Nom et espèce Il est décrit dans l'ouvrage de Kipling comme « l'ours brun endormi ». Robert Armitage Sterndale, de qui Kipling a tiré l'essentiel de sa connaissance de la faune indienne, a utilisé le mot hindi « Bhalu » pour plusieurs espèces d'ours, bien que Daniel Karlin, qui a édité la réédition Penguin du Livre de la Jungle en 1989, déclare qu'à l'exception de de couleur, les descriptions de Baloo par Kipling sont cohérentes avec l'ours paresseux, car les ours bruns et les ours noirs d'Asie ne sont pas présents dans la région de Seoni où se déroule le roman. En outre, le nom paresseux peut être utilisé dans le contexte de la somnolence. Karlin déclare cependant que le régime alimentaire de Baloo, composé « uniquement de racines, de noix et de miel », est un trait plus commun à l'ours noir d'Asie qu'à l'ours paresseux. Néanmoins, il peut s’agir d’une seule observation ; selon les habitudes alimentaires des ours paresseux, alors que les ours paresseux préfèrent les termites et les fourmis (qui sont également décrites comme la friandise spéciale de Baloo dans Le Livre de la Jungle), leurs principales sources de nourriture sont le miel et les fruits la majeure partie de l'année. Dans l'adaptation de 2016, Baloo est présenté comme un ours paresseux par Bagheera, bien que son apparence soit similaire à celle d'un ours brun de l'Himalaya. Bien que cette sous-espèce de l'ours brun soit absente des archives historiques sur Seoni, elle pourrait avoir été présente dans la majeure partie du nord de l'Inde. Au cinéma, à la télévision et au théâtre Films d'animation Disney Baloo, basé sur la création de Kipling, est apparu dans diverses productions Disney, à commencer par le long métrage d'animation de cette société en 1967, Le Livre de la Jungle. Dans cette version, Baloo (exprimé par Phil Harris) est un personnage amical et d'humeur égale qui fuit ses responsabilités ; apparemment très éloigné du professeur de droit du livre de Kipling. Baloo est l'un des mentors et amis de Mowgli. Baloo est patient et fort ; sa seule faiblesse est qu'il est chatouilleux. Baloo est initialement opposé à l'idée d'amener Mowgli au Man Village, voulant l'élever comme un fils. Cependant, lorsque Bagheera mentionne que Mowgli est une proie facile pour Shere Khan le tigre et qu'il n'est pas en sécurité dans la jungle, même avec lui, Baloo se rend compte qu'il a raison et essaie de dire à Mowgli la difficile vérité. Mowgli se retourne contre Baloo et s'enfuit, le poussant ainsi que Bagheera à se séparer et à rechercher le garçon. Baloo n'est plus revu jusqu'au point culminant du film, lorsqu'il voit Mowgli se préparer à combattre Shere Khan. Baloo tente d'arrêter le tigre et se fait presque tuer dans le processus. Après que Mowgli ait suivi une fille nommée Shanti dans le village et ait décidé d'y rester, Baloo est légèrement déçu, mais soulagé que Mowgli soit enfin en sécurité. Lui et Bagheera retournent ensuite dans la jungle en chantant ensemble "The Bare Necessities". Baloo revient dans la suite animée de 2003 Le Livre de la Jungle 2 dans laquelle il est exprimé par John Goodman. Il a hâte de retrouver Mowgli, malgré l'exaspération de Bagheera et le retour d'un Shere Khan vindicatif, humilié par sa précédente défaite face à Mowgli. Il se faufile dans le village des hommes la nuit après avoir échappé au troupeau de Bagheera et du colonel Hathi pour rendre visite à Mowgli et l'emmène dans la jungle après avoir été attrapé par Shanti, qui se sentait mal d'avoir causé des ennuis à Mowgli, et le sauve sans le savoir de Shere Khan, qui également. est venu au village. Cela amène Shanti, Ranjan et les villageois à aller dans la jungle pour le rechercher. Mowgli raconte à Baloo les aspects négatifs du village tout en cachant ses véritables sentiments à propos de l'endroit. Lorsque Baloo se moque de la vie de Mowgli au village et fait peur à Shanti comme Mowgli le lui a demandé, il blesse involontairement les sentiments de Mowgli et l'agace. Baloo et Shanti continuent de se détester jusqu'à ce qu'ils disent tous les deux qu'ils essaient de sauver Mowgli de Shere Khan (qui a tendu une embuscade à Mowgli lorsqu'il s'en est pris à Shanti et Ranjan pour s'excuser) lors d'une dispute. Dès lors, ils se reconnaissent comme amis. Après que lui, Mowgli et Shanti aient vaincu Shere Khan en le piégeant sous une statue sur un affleurement rocheux dans un lac de lave, Baloo comprend que la place de Mowgli est dans le village et lui dit tristement au revoir. Cependant, le lendemain, il est révélé que Mowgli, Shanti et Ranjan ont désormais la permission du chef du village d'entrer dans la jungle. Le film se termine avec Baloo, Shanti et Mowgli chantant une reprise de "The Bare Necessities" tandis que Ranjan joue avec Bagheera. Baloo est devenu un personnage populaire après le succès des films Disney. Il a été rendu célèbre par la chanson "The Bare Necessities", chantée par Phil Harris, dans laquelle il raconte à Mowgli comment vivre de la terre tout en ayant une vie de loisirs. Dessin animé japonais Dans la série télévisée animée japonaise de 1989 Le Livre de la Jungle, Shōnen Mowgli, également basée sur Le Livre de la Jungle, Baloo (exprimé par Banjō Ginga en japonais et A.J. Henderson dans le doublage anglais) est décrit plus fidèlement comme un professeur mature de Mowgli, pas au-dessus des problèmes physiques. dans son mécontentement lorsque le garçon est difficile. ConteSpin Dans la série télévisée d'animation Disney de 1990 TaleSpin, Baloo (exprimé par Ed Gilbert) est le personnage principal de la série et est principalement basé sur le personnage du Livre de la jungle de Disney, mais il porte une casquette de vol et une chemise jaune. Il a également des mains à quatre doigts au lieu des griffes de son homologue du Livre de la Jungle. Il a une personnalité enjouée et irresponsable, tout comme la version Livre de la Jungle. Bien que paresseux, bâclé, peu fiable et toujours fauché, il est aussi un excellent pilote et capable d'oser des manœuvres aériennes. Il pilote un avion cargo appelé Sea Duck. Il viendra également en aide de manière désintéressée aux personnes dans le besoin. Certaines de ses manières survivent du Livre de la Jungle, notamment son surnom de « Papa Ours » donné par son jeune ami Kit Cloudkicker, que Mowgli lui avait donné dans Le Livre de la Jungle. Il appelle également Kit "Little Britches", comme il l'a fait avec Mowgli. Film d'action réelle de 1994 Dans le film d'action live de Disney de 1994, Le Livre de la Jungle, Baloo, comme tous les autres animaux présentés, ne parle pas. Il rencontre Mowgli pour la première fois alors qu'il était un petit lorsque Mowgli le trouve piégé dans une bûche cassée. Mowgli le libère et ils deviennent rapidement amis. Dans une scène ultérieure, tandis que Mowgli escorte son amie d'enfance Katherine "Kitty" Brydon à travers la jungle, Baloo apparaît et lutte de manière ludique avec Mowgli, effrayant temporairement Kitty jusqu'à ce que Mowgli lui présente ses amis de la jungle. Dans une lutte ultérieure contre des soldats travaillant pour le capitaine William Boone, le principal méchant, Baloo est abattu et laissé pour mort, mais Mowgli le trouve et localise le Dr Julius Plumford pour lui sauver la vie. Dans la scène finale, après la défaite de Boone, le Dr Plumford a réussi à sauver Baloo et est vu debout avec Baloo à côté d'une cascade. Petits de la jungle Dans la série télévisée d'animation Disney Jungle Cubs de 1996, Baloo (exprimé par Pamela Adlon) est un petit sympathique et libre d'esprit. Il aime jouer avec ses amis (dont son meilleur ami Louie) et joue parfois des tours à Bagheera afin de sortir ce dernier de son attitude tendue. Série d'action réelle de 1998 Dans la série télévisée en direct Mowgli : Les nouvelles aventures du livre de la jungle basée sur les histoires originales du livre de la jungle, Baloo se voit à nouveau doté d'une personnalité plus stricte, fidèle à celle des livres. série animée 2010 Dans la série télévisée indienne d'animation par ordinateur Le Livre de la Jungle, Baloo (exprimé par Jimmy Hibbert) se voit à nouveau doté d'une personnalité plus dure, fidèle à celle des livres. Il est également représenté dans cette série comme portant des lunettes et comme bipède. Adaptation scénique L'adaptation scénique de Disney en 2013 du Livre de la Jungle, réalisée par Mary Zimmerman, met en vedette Kevin Carolan dans le rôle de Baloo. Film d'action réelle de 2016 Dans le film d'action live Disney 2016 Le Livre de la Jungle, Baloo est exprimé par Bill Murray. Baloo apparaît pour la première fois lorsque Kaa est sur le point de dévorer Mowgli et le sauve du python avant qu'elle ne puisse le manger. Baloo ramène ensuite Mowgli dans sa grotte et lui dit de l'aider à récolter du miel en échange de lui sauver la vie. Finalement, Baloo et Mowgli nouent un fort attachement, Mowgli décidant qu'il veut rester avec Baloo jusqu'à l'arrivée de la saison hivernale. Lorsque Bagheera se présente, Mowgli révèle qu'il veut vivre avec Baloo. Baloo parle alors avec Bagheera, et Baloo accepte à contrecœur d'envoyer Mowgli au village des hommes afin qu'il soit à l'abri de Shere Khan. À cette fin, il dit que lui et Mowgli n'ont jamais été amis, espérant que son mensonge contraindra Mowgli à se rendre au village des hommes. Cependant, avant que Mowgli ne puisse se décider, des singes sous le commandement du Gigantopithèque, le roi Louie, l'enlèvent. Baloo et Bagheera traquent les singes jusqu'à leur temple et les combattent assez longtemps pour que Mowgli puisse se cacher de Louie. La poursuite qui s'ensuit entraîne la mort apparente de Louie. Lorsque Mowgli apprend la mort d'Akela par Shere Khan par Louie, il décide avec colère d'affronter Shere Khan et vole une torche au village d'hommes, allumant accidentellement un incendie dans la jungle. Baloo et Bagheera le suivent de près et aident à distraire Shere Khan aux côtés de Raksha et du reste de la meute de loups de Mowgli afin que Mowgli puisse tendre un piège qui tue plus tard Shere Khan. Après la défaite de Shere Khan et l'extinction du feu, Mowgli est vu pour la dernière fois quelque temps plus tard avec Baloo et Bagheera, ayant enfin trouvé sa véritable maison dans la jungle. Film d'action réelle de 2018 Dans le film d'action en direct de Warner Bros. Jungle Book 2018, Baloo sera interprété par Andy Serkis, qui est également le réalisateur du film.

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