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es | play | espinof | 9518c379d3c6126c44a1f8789187fcc1db167d14 | Hace años, las novelillas de baja calidad y precio con apenas cien páginas de historias de espías, acción y amor se vendían como churros en las paradas de autobús y de tren. Nadie esperaba grandes cosas de un divertimento barato que cumplía con su función: que te evadieras durante un par de horas de viaje y jamás tuvieras que volver a pensar en una trama cuyo final sabías desde la primera línea.'Operación Napoleón' es el equivalente cinematográfico a esas novelas: es fácil de ver, sí, pero no deja poso de ningún tipo. Dos horas de tu vida se han marchado y no sabrías decir ni lo que acabas de ver. Tiene su mérito.Sobre el papel, 'Operación Napoleón' lo tiene todo para triunfar, pero en realidad son los ingredientes que cualquier espectador aburrido pediría en una película de tarde en televisión: aviones nazis, agentes malvados de la CIA, amigos y enemigos que van uniéndose al grupo según lo requiere el guion, persecuciones en motonieve y la promesa de una secuela que jamás llegará.Pero, en realidad, la película no sabe utilizarlos correctamente y parece que siente anemia en todas sus escenas, como si todas las buenas intenciones de crear una película de acción potente se hubieran ido disipando a lo largo del proceso de escritura de guion y rodaje.Tiene un ritmo muy extraño, excesivamente lento, en el que las cosas pasan tan a trompicones que uno no puede evitar preguntarse en más de una ocasión si ha habido parte de la trama que se ha saltado de alguna manera. Los personajes llegan y se van de manera muy poco orgánica, los enemigos son de aquellos que disparan doscientas veces pero nunca aciertan y los héroes aguantan su aparente tensión sexual de una manera que solo otorgará bostezos del respetable.Me gustaría decir que 'Operación Napoleón' esconde sorpresas tras sus bellos parajes nevados y sus personajes de una sola dimensión cuya única evolución es la marcada por un guion que no la justifica, pero lo cierto es que, como aquellas novelillas, sabes perfectamente cómo va a terminar en el mismo minuto que empieza.Porque, en el fondom su modus operandi narrativo es el mismo que el de cualquier episodio de 'Rex, un policía diferente'. ¿Va a permanecer contigo toda la vida pegado a tu corazón? Por supuesto que no. ¿Te ayuda a pasar el rato? Más que de sobra. A veces no se necesita más.Si las dos horas de 'Operación Napoleón' hubieran estado resumidas en treinta minutos (y creedme, es una gesta más que posible), conformarían un primer acto decente de una película de aventuras que pretendiera imitar a Indiana Jones de manera un poco torpe.Sin embargo, incomprensiblemente, la cinta se corta justo cuando parece que la aventura real está a punto de empezar, en el inicio de un segundo acto que queda en coitus interruptus como larguísima antesala de una secuela que no creo que nadie vaya a pedir con mucha fiereza.Y es una pena, porque el argumento en sí tiene potencial dentro de lo pulp, pero no es capaz de arrancar más allá del punto de partida: ni se entrega del todo a la aventura, ni consigue dar rienda suelta a su faceta romántica, ni se deja llevar por la mamarrachada de la propuesta, ni sus personajes tienen el más mínimo carisma.Son dos bocetos de héroe y heroína cuyas acciones están sacadas del manual de guion más aburrido posible... Y no son capaz de ir más allá, hasta el punto en el que los supuestos giros de la trama están telegrafiados para el espectador.Hay mucha gente que disfrutará de 'Operación Napoleón', por suerte. Puede que yo no haya acabado enamorado de la trama y sus personajes, pero sus responsables saben perfectamente lo que estaban haciendo: una película genérica que utiliza un material de partida popular (la novela original de Arnaldur Indridason) para desplegar un thriller clásico sin sorpresas, con una fotografía bonita y unos personajes que no pretenden -ni pueden- renovar ningún género ni se ven apoyados por un guion que tira del molino como puede y en el que los deus ex machina sin justificar son constantes.Ya sabes que en la novelita de Danielle Steel la pareja protagonista acabará besándose y prometiéndose amor eterno. Eres perfectamente consciente de que en ese relatillo del Oeste los forajidos acabarán entre rejas y el sheriff vencerá una vez más. Y que en aquel libro pulp el detective sabrá que la femme fatale que le contrató era realmente la asesina de su marido.Y, pese a todo, sigues leyendo porque a veces lo único que se necesita es un divertimento sencillo y vacío que llene el tiempo sin dejar ningún tipo de huella en nosotros. 'Operación Napoleón' es exactamente eso: una diversión de primera categoría para todos aquellos a los que les vale dejarse mecer por una trama resobada y unos personajes sin sorpresas bajo la manga.En Espinof | Las 12 mejores películas de acción y thrillers de 2023 (hasta ahora). John Wick, Ethan Hunt, sorpresones coreanos y más |
es | play | espinof | 5f39b9944c1f70255ce1ff205568c22997a01c54 | Si algo tiene bueno el machaque constante de la temporada de premios, es que durante su transcurso empiezan a llegar a nuestros cines algunas de las películas más prestigiosas del último curso cinematográfico. Este 19 de enero de 2024 no es una excepción, ya que entre los estrenos en salas se encuentra la descomunal 'La zona de interés' de Jonathan Glazer, pero viene acompañada de otras propuestas no menos interesantes. ¡Vamos a repasarlas!Crítica en Espinof: Jonathan Glazer regresa al cine 10 años después con la estremecedora 'The Zone of Interest', riguroso trabajo sobre la banalidad del mal naziCrítica en Espinof: 'Cualquiera menos tú' resucita la comedia romántica en un cóctel perfecto de cachondeo y ñoñería con la esencia de las mejores feel good moviesCrítica en Espinof: He visto el fenómeno del cine de terror del año y me he encontrado con una película que no da mucho miedo y acaba cayendo en la provocación barataEn Espinof: |
es | play | espinof | 0f780bd04d4e85b400b08ff066fbfb93d140a583 | Tranquilidad absoluta. Sé que llevamos unos cuantos días de verano y aún no había llegado, pero este jueves 6 de julio al fin llega la ración estival de Santiago Segura rodeado de niños a nuestras salas. Pero la nueva —y generosa— tanda de estrenos de cartelera tiene mucho más que ofrecer, incluyendo propuestas en clave de terror, dramas, documentales... ¡Cine para todos los gustos!Crítica en Espinof: 'The First Slam Dunk' te tiene en vilo en todo momento y revienta los límites del anime: un debut por todo lo alto para Takehiko Inoue con su espectacular partidoEn Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 5283822395e6acca1ab5e74757608740258b1d93 | Este 2023 está dejando muy pocas alegrías a las superproducciones de Hollywood. Los fracasos se acumulan y hay varios motivos para ello, siendo uno de los más importantes que cada les cuesta más conectar con el público chino. Precisamente allí se ha estrenado hace poco un thriller que está dejando en ridículos a todos esos blockbusters en taquilla, dándose la particularidad de que adapta una novela que Alfred Hitchcock ya intentó convertir en película hace la friolera de 60 años.La versión china de la historia se titular 'Lost in the Stars' y acumula unos ingresos de 474 millones de dólares desde su estreno el pasado 22 de junio. Eso supone que solamente en ese país ha ingresado ya prácticamente lo mismo que 'Ant-Man y la Avispa: Quanatumania' en toda su andadura comercial y que ninguna película de Hollywood de 2023 se ha acercado ni remotamente a esos ingresos en China (la que más cerca se queda es 'Fast & Furious 10' con 139 millones-. Además, todavía le queda recorrido, pues este pasado fin de semana sumó 15,9 millones de dólares y ya hay fecha para su estreno en varios países.La historia tiene su origen en 'Trap for a Lonely Man', una obra del escritor Robert Thomas que Alfred Hitchcock intentó adaptar en 1963. Compró los derechos para ello, pero finalmente acabó descartándolo en beneficio de otros proyectos como 'Marnie, la ladrona' o 'Cortina rasgada'. Desde entonces se han estrenado varios versiones televisivas en Estados Unidos, pero también una película rusa dirigida por Alexey Korenev en 1990 que sirve como base principal para 'Lost in the Stars'Esta nueva versión está codirigida por Rui Cui y Xiang Liu con Zhu Yilong y Janice Man en los papeles principales. Cuenta la historia de un hombre cuya esposa desaparece cuando están celebrando su aniversario, lo cual da pie a una búsqueda exhaustiva que concluye cuando ella reaparece de repente. Todo se complica cuando el marido dice que es una impostora...Por el momento se desconoce cuándo podremos ver 'Lost in the Stars' en España o tan siquiera si llegará a estrenarse en los cines de nuestro país.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 9c81d25cc4a3685e6c85a4e3ce57f579ad6e7964 | El estreno de 'Oppenheimer' está siendo acompañado de un notable éxito comercial, pero también de una entusiasta acogida crítica. De hecho, la respuesta de la prensa especializada está siendo tan positiva que ha logrado destronar a 'El caballero oscuro' para hacerse con el título de mejor película de Christopher Nolan.Para llegar a esa conclusión hemos tomado como referencias las valoraciones de ambas películas en Rotten Tomatoes. 'Oppenheimer' empezó arrasando allí para luego ir bajando poco hasta repuntar nuevamente hasta el 94% de valoraciones positivas -entre ellas la de mi compañero Víctor- que ostenta ahora mismo, justo las mismas que 'El caballero oscuro', pero hay un detalle que decanta la balanza hacia la película protagonizada por Cillian Murphy.Si nos fijamos en la nota media de ambas, descubriremos que 'El caballero oscuro' tiene una nota media de 8,6 sobre 10, mientras que 'Oppenheimer' está en un 8,7. Una victoria por la mínima y que podría cambiar en cualquier momento, tanto para que la secuela de 'Batman Begins' recupere el trono como para que el último trabajo de Nolan amplíe distancias.Por si os habéis quedado con la duda, la tercera posición la ocuparía 'Memento' con un 93% de valoraciones positivas y un 8,3 de nota media, seguida por 'Dunkerque' con un 92%, pero ojo, un 8,7 de nota media. En el quinto puesto da la sorpresa 'Insomnio' con otro 92% y una nota media de 7,7 sobre 10. Por su parte, las peor valoradas serían 'Tenet' con un 69% y una nota media de 6,9, 'Interstellar' con un 73% de criticas positivas y un 7,1 y 'El truco final (El prestigio)' con un 76% y otro 7,1 de nota media.Por cierto, la respuesta positiva hacia la película es IDÉNTICA por parte del público, ya que entre los usuarios de Rotten Tomatoes también consigue un 94% de valoraciones positivas y un 8,7 de nota media.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 33cedade75cc638bd98dc1cd49b8fabe8991a2c1 | En un verano marcado por la multitud de fracasos y decepciones en taquilla, esta semana era la gran esperanza de Hollywood para enderezar el rumbo. El estreno simultáneo de 'Oppenheimer' y 'Barbie' se ha convertido en un fenómeno pocas veces visto que apunta a que ambas producciones acaben siendo éxitos económicos. Eso sí, al menos en Estados Unidos toda apunta a que la película de Greta Gerwig va a superar con creces a la de Christopher Nolan.Tiempo habrá de sobra para establecer comparaciones más o menos oportunas entre ambos títulos, pero la que nos interesa ahora es 'Barbie', una película que perfectamente podría haber sido otro intento más de lanzar una franquicia pero que logra sobreponerse a su condición de simple propiedad intelectual. Eso se debe principalmente a la participación de Gerwig, pero seamos justos a la hora de dejar claro que lo que realmente va a marcar que alguien disfrute más o menos con ella es su sentido del humor.Una cosa que ha hecho muy bien Warner con 'Barbie' es dar forma a una campaña promocional extraordinariamente llamativa y que ha destacado con luz propia por encima de la de cualquier otra superproducción de este 2023. Incidir en todo aquello que hace especial a la película ha sido vital para ello, ya que no tienen ningún miedo a la hora de llevar su apuesta visual, con un toque cuqui innegable en algunos aspectos, hasta las últimas consecuencias, especialmente en todo lo vinculado a los diseños de los escenarios y vestuario o el uso de los colores, con el rosa destacando por encima de cualquier otro.Ahí se nota que detrás de 'Barbie' hay alguien con las ideas muy claras, pero es que además Gerwig tampoco se corta a la hora de ofrecer una relectura de lo que representa esta famosa muñeca de Mattel. Sí es cierto que no lo hace más con una vocación lúdica que crítica y que el mensaje que quiere transmitir es bastante obvio, lo cual estoy convencido de que va a llevar a que muchos la hundan sin tener en cuenta nada más, o quizá señalando erróneamente que estamos ante un mero ejercicio de potenciar el merchandising de una marca.Ahí es cierto que a 'Barbie' es menos incisiva que 'Lady Bird' y 'Mujercitas', pero es que eso es algo que parte del propio enfoque que adopta Gerwig aquí desde el primer minuto, porque a veces caemos en el error que la única forma de dejar tu voz en una obra es a través del drama y la ambición desmedida. Por supuesto que habrá tenido alguna limitación por parte de Mattel con lo que puede y no puede hacer, peso eso es algo que se asimila desde el principio para ofrecer un relato que apuesta por la diversión por encima de todo.Es ahí donde surge lo que apuntaba antes de cuál es la auténtica clave y que puede llevar tanto a decir que 'Barbie' es una maravilla que va a marcar a millones de personas como una tomadura de pelo que no sirve para nada. Yo me sitúo en un punto intermedio pero bastante más cercano a la primera que a la segunda opción, principalmente porque incluso cuando contiene elementos y situaciones más comprometidas, Gerwig no se olvida de que esto es una comedia y lo primero es provocar risas en el espectador.En mi caso perdí la cuenta de la cantidad de veces que me reí con algunos de los muchos gags, principalmente verbales pero también visuales, que aparecen a lo largo de su metraje. Esa mezcla de ligereza, absurdez, artificio y autoconsciencia es el barniz ideal para una historia bastante sencilla en sí misma pero que consideraría un error tachar como una simple versión alternativa de 'La Lego Película'. Algo de eso hay, sí, pero el guion de Gerwig y Noah Baumbach no se conforma con ello.Lo que sí llama la atención es que 'Barbie' quizá sea un poquito más superficial de lo que uno podría esperar viniendo de Gerwig, y eso es algo presente a todos los niveles, desde algunas bromas a costa de diferentes modelos de muñecos de la línea de Barbie hasta el claro componente feminista del mensaje que busca transmitir. Para algunas personas se quedará corta por ahí y para otras cualquier aspecto en esa dirección será motivo para ponerla a caer de un burro, pero yo creo que encaja bien con el tono dominante en la película.Tampoco me quiero olvidar de la aportación de su reparto, con unos inspiradísimos Margot Robbie y Ryan Gosling, mientras que todos los demás actores no dejan de ser meros complementos, la mayoría de ellos con muy poca presencia real en la película. Como tal cumplen con creces su cometido -al final ellos también han venido a divertirse, incluso Michael Cera dando vida al siempre ninguneado Allan, y a intentar transmitir eso mismo al público-, pero sí que desluce un poquito la idea de que 'Barbie' tenía uno de los repartos más impresionantes de los últimos años.En esa parte menos positiva también merece la pena apuntar una cosa es ser ligera y directa, pero otra que haya situaciones que puedan ser un poco repetitivas o gags que no terminan de funciona. Es cierto que lo positivo triunfa claramente por encima de sus limitaciones, pero tampoco nos vengamos arriba diciendo que es una maravilla cuando no es ni mucho menos el caso. Con todo, aquí tenemos una película refrescante, divertida y que se pasa en un suspiro si entras dentro del juego que que propone. Si no es el caso, es posible que al de 10 minutos de metraje estés deseando que acabe de una vez, pero aquí creo que el marketing ha reflejado muy bien lo que es 'Barbie' para que cualquiera se haga una idea bastante aproximada de lo que puede esperar de ella.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 6c9d870311c7e7c12298daac43e76e0a34d3a4c1 | ¿Escucháis eso? No, no es el silencio —perdón, la campaña electoral me provoca flashbacks—, sino los motores de la familia de los rápidos y los furiosos rugiendo mientras se acercan a toda velocidad para hacerse con la taquilla con la décima entrega de la saga. Pero calma total, que si no os gustan estos espectáculos descerebrados y cargados de acción los estrenos de cine de este fin de semana llegan cargados de todo tipo de propuestas que vamos a repasar a continuación.Crítica en Espinof: ‘Fast & Furious X’ es un gran espectáculo de circo que mejora cuando abraza la acción más ridícula, aunque tiene una gran pega: Jason Momoa y Vin Diesel acaban empachandoCrítica en Espinof: 'Alice, cariño' es el golpe de efecto definitivo contra los "buenos tíos", un drama lento pero incisivo que abre heridas que ni siquiera sabías que teníasCrítica en Espinof: Festival de Cannes 2022: Claire Denis persigue un romance bajo las estrellas del mediodía, Valeria Bruni Tedeschi homenajea a los actores de su generaciónCrítica en Espinof: Festival de Cannes 2022: entre amigos belgas en la montaña y de viaje con un adorable burro polacoEn Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 82f2a1fa1d16b3e714ac8f793958f34e66b7973b | Poco a poco van conociéndose más detalles sobre 'Indiana Jones y el Dial del Destino', una de las películas más esperadas de este 2023. Hace apenas unos días se lanzó su impresionante tráiler final y ahora Kathleen Kennedy, presidenta de Lucasfilm, ha confirmado que va a ser, con mucha diferente, la película más larga de la saga protagonizada por Harrison Ford.Los 128 minutos de duración de 'Indiana Jones y la Última Cruzada' la convertían hasta ahora en la más larga, pero la quinta entrega va a superarlo con creces, ya que se va a ir hasta los 142 o los 143 minutos. Así explicó Kennedy a Collider por qué 'Indiana Jones 5' tiene que durar tanto:Lo cierto que la franquicia se había movido hasta ahora entre los 115 minutos que duraba 'En busca del arca perdida' y los 128 minutos de 'La Última Cruzada' -'El templo maldito' se quedó en 118 minutos y 'El Reino de la Calavera de Cristal' en 122-, por lo que la diferencia en el caso de 'El Dial del Destino' es especialmente notable. A fin de cuentas, van a ser al menos 14 minutos más que el récord anterior cuando las otras cuatro se movían en una diferencia de apenas 13.Ahora habrá que ver si la película justifica esta decisión. Obviamente, Kennedy defiende que 'Indiana Jones y el Dial del Destino' no se siente para nada larga y que todo lo que está incluido ese necesario. Por suerte, no tardaremos mucho en poder comprobarlo por nosotros mismos, ya que su estreno está previsto para el próximo 30 de junio.En Espinof | Las 29 mejores sagas de películas de la historia |
es | play | espinof | 0728fbf626cbcc0d0d2e59046e711cd3f5205973 | Si la semana pasada le tocó a la monja más malrollera del Warrenverso, este 15 de septiembre ha sido el mismísimo Hércule Poirot el encargado de continuar calentando el ambiente de cara a la spooky season. Pero no sólo de terror vive el hombre, porque hoy viernes nuestras salas de cine se llenan de un buen puñado de estrenos de todos los géneros, formas, colores y nacionalidades. ¡Vamos a repasarlos!Crítica en Espinof: 'Misterio en Venecia' es un entretenido misterio de Hércules Poirot que no puede evitar dejar un sabor agridulce en su batiburrillo con el terror victorianoCrítica en Espinof: 'Todos los nombres de Dios' o cuando tienes la sensación de que ya has visto una película que se acaba de estrenar: los secundarios brillan en el nuevo thriller de Daniel CalparsoroCrítica en Espinof: 'El cuco': Belén Cuesta también lo borda en el cine de terror con un perverso cuento de hadas oscuro sobre la crisis de la mediana edadCrítica en Espinof: 'El sol del futuro': Nanni Moretti ilumina el Festival de Cannes 2023 con una fábula vitalista sobre el cine, el amor y ¡el comunismo!En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | b4452cb9634df282f2a9f109a3027331bb8d747e | Nuevo miércoles, nuevo día de repaso de estrenos en lo que vamos superando la ola de frío. De esta manera, tenemos esta semana unas 41 series, películas y documentales que se estrenan desde hoy hasta el domingo a Netflix, Prime Video, HBO Max, Filmin, Movistar Plus+, Apple TV+ y Disney+.Nueva entrega del, de momento, tríptico sobre la Segunda Guerra Mundial iniciado por Steven Spielberg y Tom Hanks con 'Band of Brothers'. En esta ocasión surcamos los cielos de la Alemania nazi con los hombres de los Bloody Hundred, el 100 pelotón de bombarderos.Aclamada comedia australiana protagonizada por dos solteros egocéntricos que se ven forzados a colaborar cuando Gordon atropella a un perro al ser distraído cuando Ashley le enseña un pecho en lo que cruzaba un paso de cebra.La nueva miniserie protagonizada por Nicole Kidman es el relato de un grupo de mujeres cuyas vidas se entrecruzan en el convulso clima de la Hong Kong en 2014. La miniserie viene de la mano de Lulu Wang, la directora de la magnífica 'The Farewell'.Los responsables de 'Narcos' continúan con su panorámica crónica del narcotráfico americano y en esta ocasión relatan la historia de una de las mayores capos: Griselda Blanco, a quien da vida Sofía Vergara.Nueva adaptación del héroe hispano, esta vez encarnado por Miguel Bernardeu, con los orígenes de este personaje y cómo empieza a alzarse ante las injusticias en una California que todo el mundo quiere dominar, a coste del pueblo.Si aún así andas algo dubitativo sobre qué ver, aquí tenemos nuestros rankings con los estrenos más destacados de 2023 que han aparecido en las diversas plataformas de streaming. Estas son las mejores series y películas de Netflix, las series y películas más destacadas de Amazon Prime Video, nuestro top de series de HBO Max y los de series y películas en Disney+.Por cierto, si quieres estar enterado de todo, date una vuelta por nuestra Newsletter, Espinofrenia.En Espinof: |
es | play | espinof | a1586169d27b077be6bcab4249205e643da4eb81 | Nadie esperaba que 'John Wick' fuese a convertirse en una de la sagas de acción más importantes de la historia del cine, y es que la carrera de Keanu Reeves no pasaba precisamente por su mejor momento cuando es estrenó la primera entrega allá por 2014. De hecho, la película ni siquiera llegó a estrenarse en los cines españoles, pero eso no impidió que se convirtiera en una indiscutible éxito comercial, con sus ingresos en salas multiplicando por cuatro su coste.Luego fueron llegando las secuelas, cada una de ellas más caras pero también más exitosas. Eso ha llevado a que 'John Wick 4' cuente con un presupuesto de 90 millones de dólares cuando la primera entrega apenas costó 20. Eso también se nota en pantalla, pues estamos ante la película más brutal y ambiciosa de la saga. Eso no quiere decir que sea la mejor, aunque sí que supera con holgura a la tercera entrega.Una cosa que ha cuidado bastante bien esta franquicia es su mitología. En la primera entrega era un añadido curioso que servía para darle identidad propia, pero es que su importancia no ha dejado de crecer desde 'John Wick: Pacto de Sangre', y pronto lo hará aún más con el desarrollo de diferentes spin-offs con los que Lionsgate quiere exprimir a fondo la popularidad de este universo.Sin embargo, 'John Wick 4' se siente como una especie de cierre para la trilogía simbólica iniciada por la segunda entrega. El personaje interpretado por Reeves todavía lidia aquí con las consecuencias de la drástica decisión que tomó al final de esa película y, claro está, los peligros a los que ha de hacer frente siguen creciendo de forma exponencial.No me olvido de que al principio de 'John Wick: Capítulo 3 - Parabellum' era perseguido por una cantidad inagotable de asesinos a sueldo, pero es que en 'John Wick 4' han conseguido superar eso con creces, y además sin la necesidad de remarcarlo tanto desde el primer momento. Aquí el guion escrito por Shay Hatten y Michael Finch prefiere apostar por una narrativa que vaya de menos a más, con la particularidad de que ya la primera gran escena de acción resulta impresionante.Lo milagroso es que luego la película no deja de superarse a sí misma sin sentirse como una mera concesión al espectáculo. Sí es cierto que llega un punto en el que los excesos en pantalla son tales que hay situaciones en las que la única reacción posible ante lo que sucede en pantalla es echarse a reír.El hecho de que John Wick pase de ser un héroe de acción legendario a casi un superhéroe invulnerable a cualquier tipo de contacto físico podría haberse vuelto muy en su contra, cosa que ya sucedió en su momento en el caso de John McClane -aún me duele lo horrible que fue 'La jungla: Un buen día para morir'-. Aquí es algo con lo que se coquetea en más de un momento y fuerza a que el espectador adopte una perspectiva diferente a la hora de enfrentarse a ella.Eso sí, la película deja claro todo eso desde el primer momento, marginando cualquier tipo de realismo en beneficio de la búsqueda de una catarsis continuada que culmina en un desenlace con claro sabor a despedida. Desde esos "Yeah" con una pronunciación inconfundible por parte de Reeves hasta esas caídas imposibles, 'John Wick 4' es una película tan juguetona que resulte complicado no dejarse llevar por lo que propone.Por mi parte, tenía que la saturación de acción acabase jugando en su contra, un mal del que adolecía la tercera entrega y que aquí podía agravarse por ser, con mucho, la película más larga de la saga. Sin embargo, el director Chad Stahelski parece haber tomado nota de lo que no funcionó tan bien en 'Parabellum' y aquí busca en todo momento que las diferentes set pieces brillen tanto por su encaje dentro de la historia como en lo que aportan de forma individual.Está claro que el salvaje recorrido turístico por París durante la última hora de metraje destaca por encima del resto, ya que es un no parar de violencia, muerte y destrucción, pero incluso entonces se preocupa de diferenciar cada pequeña etapa en esa brutal vorágine. Ahí está una de las claves para que 'John Wick 4' nunca resulte indigesta, pues también antes se habían ido planteando las secuencias de acción como piezas aisladas en lugar de tirar de la mera acumulación, funcionando especialmente bien una en la que Stahelski hace gala de un uso inmejorable del plano secuencia con perspectiva cenital.Obviamente, todos dábamos por sentado que Reeves iba a volver a bordarlo como Wick y puedo aseguraros que nadie va a acabar decepcionado con la increíble entrega física de Wick. Eso no quita para que necesite rivales de envergadura y ahí encontramos otro de los grandes aciertos de esta cuarta entrega. Por un lado, Donnie Yen demuestra que a sus casi 60 años todavía puede destrozar a cualquiera en una pelea -y eso que su personaje es ciego-, mientras que Bill Skarsgård está genial en ese típico rol de villano despreciable que se hace odiar y estás deseando que le llegue su merecido. Ojo también a un casi irreconocible Scott Adkins en un personaje de mucho peso en una de las secuencias más vistosas de toda la función.Otro aspecto llamativo de 'John Wick 4' respecto a las anteriores entregas es que el humor tiene más presencia. No es algo exagerado -vamos, que no esperéis algo en la línea de Marvel-, pero sí se utiliza a modo de alivio puntual con mucha eficacia, tanto cuando se hace de forma algo más velada a través de la violencia -que bien adiestrado está el perro del personaje de Shamier Anderson para atacar donde le dice su dueño- como cuando se recurre a la comedia de forma algo más directa.'John Wick 4' es una película obligatoria para cualquier fan de la saga. Stahelski se ha sacado de la manga una obra cumbre del cine de acción más excesivo, sin por ello descuidar para nada la rica mitología de este universo, llevando además al límite al mítico personaje interpretado por Reeves. Por mi parte, quizá me siga quedando con el enfoque más reducido y centrado de la primera parte -aún no lo tengo claro-, pero eso no quita para que haya quedado encantado con lo que me han ofrecido aquí. Si acaso, quizá he echado en falta algo más de sangre teniendo en cuenta las masacres que llegamos a ver en pantalla, pero bueno, tampoco es grave. |
es | play | espinof | 8472d0e03e90b840f73285be996787fdb0940a8f | Por más que nos sorprenda ver los pobrísimos datos de taquilla de '¡Shazam! La ira de los dioses', lo cierto es que el hecho de que haya salido después de haber anunciado el reseteo del universo DC no ha ayudado a recaudar más dinero. Y su director, David F. Sandberg, no se lo ha tomado personalmente ni se ha estado mordiendo las uñas esperando que su película de un giro inesperado, tomando una actitud de resignación y autoconvenciéndose de que no ha sido su culpa.Para declarar su tranquilidad al respecto, Sandberg ha utilizado Reddit, de entre todos los sitios: al descubrir que le estaban citando en todos los posts sobre el hundimiento en taquilla, un usuario comentó "Está tan mal citarle en un post sobre esta película fracasando. Entiendo que es un comentario positivo pero aún así". Sandberg respondió lo siguiente:Lo cierto es que se ha juntado un maremágnum de motivos por los que la segunda parte de '¡Shazam!' no ha conseguido salir adelante: el reseteo, el cansancio superheroico (que, ahora sí, es notorio), que la primera parte no fuera un éxito, unos tráilers poco emocionantes... Aunque se ha alzado con el número uno en la taquilla estadounidense, tan solo ha sido con 30,5 millones de dólares. Por ponerlo claramente, 9 millones menos que 'Morbius' hace un año. Y eso tiene que doler.Como no podía ser de otra manera, en Internet se han tomado estas declaraciones de mil maneras distintas y al final el director ha tenido que aclarar en un tuit que no iba (tan) en serio: "Oh, no, esta respuesta en Reddit, sacada de contexto, estaba planteada como una broma y ahora está siendo leída de muchas maneras equivocadas (...) No era un comentario sobre la calidad de la película de la que estoy muy orgulloso". En Espinof | De 'Superman Legacy' a 'The brave and the bold': todos los proyectos del Universo DC de James Gunn, explicados uno a uno |
es | play | espinof | 2a24564f374e50c8e772bc002fd2b69ea0c75b86 | ‘Tetris’ se ha estrenado en Apple TV+, una película basada en una historia real sobre el popular y muy adictivo videojuego ruso de la década de 1980, que cuenta con Taron Egerton como el vendedor de la vida real Henk Rogers para narrar su asociación con el creador del invento Alexey Pajitnov y cómo consiguieron licenciarlo en el extranjero mientras tenía lugar la caída de la URSS, casi narrado con una intriga internacional parecida a ‘Argo’ que este largometraje parece copiar especialmente durante una crucial secuencia del tercer acto.Curioso, porque coincide en el tiempo con el estreno de la nueva película de Ben Affleck, que también cuenta una historia comercial de los 80 sobre cómo se crearon las zapatillas Air Jordan, y en la que, además de una perspectiva americanista, que parece rescatar la celebración del dinero de la etapa yuppie de la era Reagan, hay un núcleo dramático central consistente en ofertas, contraofertas y una subasta en donde los otros candidatos son malos y muy malos. Ambas películas parecen ser la consecuencia de todo un momento del cine americano que ha ido llevando a esto.Desde ‘La red social’ (The Social Network, 2010), en la que la historia de Facebook encerraba un relato de traición, en la última década han sido comunes las historias de ficción de americanos mediocres dispuestos a cualquier cosa cambio del éxito. Un pacto mefistotélico tratado con un hálito de hazaña personal que incluye a personajes como el de ‘Nightcrawler’ (2015), en la que el éxito iba unido a la falta de escrúpulos, lo que luego ha derivado en miradas transversales a los culpables de la crisis con ‘El lobo de Wall Street’ (The Wolf of Wall Street, 2013), la actualización del concepto en tiempos de un neoliberalismo atroz.La nueva mafia está en los despachos, juega con billetes y se aprovecha de la confianza del que está al lado y a la de Scorsese le siguieron ‘Gold: la gran estafa’ (Gold, 2016) ‘Barry Seal: el traficante’ y ‘El fundador’ (The Founder, 2016), que directamente eliminaba el acto de decadencia para romper la moralina de la fábula llevando el proceso a un producto conocido y presente. Puede que en la película con Michael Keaton estuviera el germen de la extraña moda de celebración de marcas y productos recientes que viene en tromba con proyectos como 'Pinball', 'Blackberry' y 'Air', una tendencia a mitificar las licencias comerciales que nos habla de una historia reciente.Puede que sea otra expresión distinta de la misma ola de cine neoliberal, en la que parece que lo más interesante son los entresijos y negociaciones más que "la maravillosa historia jamás contada” de los productos. Por una parte se rescata el interés de la gente en el cine comercial con nostalgia y mitomanía de objetos de venta, como si la historia se hubiera parado y ahora lo que realmente interesara a la humanidad son las historias de éxito de emprendedores pasados que se hicieron ricos. El mejor ejemplo es la divertida y ocurrente ‘Air’, que funciona como un gran vídeo de marketing corporativo capitalista hasta el tuétano. Just be rich.Todas estas películas llevan la clásica estructura de romper moldes a un logro empresarial que sería una anécdota si no estuviera ligado a un logo conocido. El resultado es cine para motivar a estudiantes de ADE, y en cuyas cartelas finales te cuentan todo el dineral que ganaron los implicados. Lo gracioso es que la propia ‘Air’ trata de romantizar ese gran secreto que te está explicando, mientras revela que todas las figuras lo son por el gran aparato económico que hay detrás, relatando el decálogo ideológico de Nike para volverte a contar cómo solo triunfan los que apuestan y se la juegan.Aunque la historia detrás de ‘Tetris’ es mucho más interesante, no deja de ser una expresión del mismo cine anecdótico, pero la personalidad del juego permite aplicar muchos colores llamativos y jugar con el estilo de ocho bits, con momentos animados que se rebozan en una nostalgia no muy diferente a la de la vilipendiada ‘Pixels’ (2015), que venía a hacer lo mismo con videojuegos primigenios como pac-man o Space Invaders. Pero bajo la capa de color y música sintética (genial uso de la banda sonora de Lorne Balfe y Guadalupe Barbara) hay una historia poco habitual.Los esfuerzos de riesgo para asegurar los derechos de licencia del videojuego a finales de los años 80 en Moscú dan la apariencia de un thriller de espionaje que avanza a través de tensión política creciente. Sin embargo, las comparaciones con un thriller de la guerra fría son un tanto frívolas, sobre todo cuando comprobamos cómo se ignoró una película que realmente cuenta una historia muy similar como ‘El espía inglés’ (2020), en la que la tensión sí es irrespirable y el resultado no es cercano a la comedia. Y es que el aspecto dramático de ‘Tetris’ no es muy creíble.Aquí en el fondo tenemos la misma lucha por sacar provecho de personajes, a los que la película llama convenientemente jugadores, compitiendo por un lucrativo premio. Bajo la fachada de mostrar la opresión del comunismo y la corrupción de su sistema, tan solo vemos una carrera de ratas por ganar la licencia de un juego que será un generador de dinero garantizado mientras el enfoque estilizado se vuelve más y más redundante. Taron Egerton retrata a Henk como el típico americano impetuoso e inquebrantable pero al menos, a diferencia del de ‘Air’, este se juega algo personal.Henk arriesga el futuro financiero de su familia por un error de cálculo con otros culpables, pero hay consecuencias. Sin embargo, la película cae en los clichés más sobados, con una esposa sufridora y la inconcebible escena del padre que no llega a la función de colegio de su hija. ¿En serio está permitido usar la carta del asiento vacío en la obra de teatro de la niña en 2023? Es solo un signo más del batiburrillo sin hilar de elementos políticos, personales y narrativos con los que juega la película, que se rompe del todo en su parte final.Pensado fríamente, el papel del creador del juego no tiene ningún sentido en la trama más allá de aparecer y el derrape de bofetones entre ejecutivos del final cambia a un tono infantiloide que muestra un posible enfoque de comedia con el que seguramente hubiera funcionado mejor desde el principio. ‘Tetris’ es una anécdota estirada que no hace daño, pero aparece en un momento en el que el absurdo de la celebración corporativa ha llegado en tromba, ahora habrá que esperar para las historias del inventor de la plancha, o el creador de los chupa-chups.En Espinof | Cine y videojuegos: las herramientas técnicas y narrativas que diluyen la separación entre los dos medios |
es | play | espinof | dfd1aabbacdcd60d151413ade189838ca83558a9 | Tras diez años desde el estreno de ‘Expediente Warren’, es evidente que el ciclo de terror de sustos y demonios que orquestó James Wan ha llegado a su final y se encuentra en una fase casi de decadencia que ‘La monja II’ no va a cambiar, pero lo cierto es que si bien la oportunidad de innovación se ha agotado, no significa que no pueda ser el mejor ejemplo dentro de los límites definidos que se ha autoimpuesto la prolífica saga de Warner Bros.No es de extrañar que detrás de estas películas se encuentre New Line, la casa original de las películas de ‘Pesadilla en Elm Street’, porque saben bien lo que hacen cuando se trata de crear franquicias de terror para el gran público e iconos como Freddy Krueger o esta monja diabólica. La idea de un universo compartido no es nueva y suena a los experimentos de los años 40 de Universal, cuando juntaban a todos sus monstruos, pero significa inevitablemente que el cansancio del público se acerca.Y esto ya se dejaba notar en la primera ‘La monja’, considerada por muchos una película de terror ridícula, para otros una acumulación de dislates góticos que recordaban a los mejores momentos del cine de terror italiano de videoclub. Ahora nos encontramos con una superior secuela que cambia el espíritu de Fulci por algo más parecido al de ‘La profecía’ y sus dagas sagradas, con una mitad dedicada al slasher sobrenatural y otra a la aventura con reliquias de poder, sin que falten el gore, la levitación, los sustos, combustiones espontáneas y milagros.Es el mejor spin-off del universo Warren, seguido de cerca por ‘Annabelle Creation’, pero le saca una cabeza gracias a su variedad de situaciones y su arrojo a la hora de despachar a gente, algo que la película de David Sandberg se atrevía ocasionalmente. Empecemos afrontando que el guion no es el fuerte de ‘La monja II’, se echa de menos la banda sonora de Joseph Bishara y hay algunos clásicos montajes rápidos de flashbacks para tontos o humanos sin memoria, que parecen haber sido diseñados en una mesa de ejecutivos apurados al ver los índices de coeficiente intelectual de la población de Estados Unidos.Pero como otros spin-offs, la trama es solo una excusa para desplegar un sinfín de escenas de terror e imágenes de raíz ocultista que están diseñadas y dirigidas a un público fan de la saga, lo que convierte este universo en un equivalente de género a Marvel, tanto por su tono de tebeo de Marv Wolfman y su ‘Night Force’ como por sus conexiones con las otras películas, además de entregarse ya totalmente a la acción y la aventura puramente lúdicas, incluso con referencias directas a ‘Indiana Jones : en busca del arca perdida'Puede que su fuerte sea la forma en la que consigue mantener el interés en sus dos subtramas paralelas, una es una investigación de sacerdotes asesinados que rescata la premisa de ‘Reto al diablo’ (1988) y la otra sigue la herencia de pelis con seres sobrenaturales en el internado femenino que van de ‘Hasta el viento tiene miedo’ (1968) a la reivindicable ‘The Woods’ (2006). Cuando ambas se unen todo se convierte en un inagotable carrusel sin pausa de horrores, posesiones y distintas manifestaciones de Valak, que sorprendentemente no aparece mucho tiempo en pantalla, quedando su presencia como una huella en distintos lugares.De hecho el magnífico diseño de producción, lleno de recovecos sacrosantos decrépitos, tiene incluso la idea de dejar caer easter eggs con su nombre para los que tengan la vista afinada. El director de la digna 'Expediente Warren 3', Michael Chaves, ha perfeccionado su composición de escenas de terror desde ‘La maldición de la llorona’, pese a que aún hay algunos jumpscares acompañados de sonido, abundan más los juegos de sombras y siluetas, las apariciones al fondo del plano y por el rabillo del ojo, las pareidolias y el punto de vista forzado jugando con la geografía.Hay también algunas set-pieces de antología como la del kiosko, vista en el tráiler, pero también los diferentes sucesos que tienen lugar en la escalera, la visita a la habitación de las cucarachas o una que tiene una muerte por botafumeiro que rivalizará como arma homicida más alocada de 2023 con el rallador de queso de ‘Evil Dead Rise’. Parte del mérito de estas escenas de horror está en la fotografía de Tristan Nyby, experto en gradientes de oscuridad tras la escalofriante ‘The Dark and the Wicked’.La agobiante concepción visual de la película logra condensar atmósferas góticas más sutiles que en la anterior, pero realzando la decadencia de las localizaciones. Otro hallazgo de la secuela es que sabe convertir la iconografía cristiana en verdadera mitología cinematográfica de fantasía, usando la imagen de la crucifixión, las vidrieras, los aspecto más turbio de la fijación católica por los mártires. Incluso los rituales de la liturgia se hacen literales y la fe se convierte en un superpoder de cómic.Usa reliquias como la sangre de Jesús a modo de arma contra el mal, al estilo ‘Caballero Del diablo’ y se une a la tendencia actual que convierte a sacerdotes y monjas en cazadores de demonios aventureros de tebeo, desde ‘30 monedas’ a ’Reza por el diablo’ posicionándose como una versión femenina de la también de este año, ‘El exorcista del Papa’, con la que guarda similitudes y afición por las catacumbas, las momias religiosas y las confrontaciones aéreas con pose mariana.‘La monja II’ mejora ciertos aspectos de la entrega de Coryn Hardy, dándole personalidad y alma a los dos personajes principales, tiene actuaciones decentes y algún secreto de guion que sabe conectar bien las reglas de ambas películas con un discurso de fe muy bien plantado y recogido. Sin embargo, los escépticos de estos apéndices de las obras de James Wan no van a encontrar aquí un cambio de curso, sino un episodio más, pero uno lleno de todo lo que hace que todavía le quede un poco de mecha al cartucho, sabiendo siempre qué película es y cuál es su público potencial, algo que muchas salvadoras del género este año no tienen tan claro.En Espinof | Las 39 mejores películas de terror de todos los tiempos |
es | play | espinof | b74f5891b89e34ad1acc50387659ac8458740798 | Este 2023 hay muchas superproducciones que no estuvieron a la altura de lo esperado en taquilla y solamente el tiempo dirá si las compañías detrás de las mismas pueden acabar recuperando su inversión con los diferentes ingresos que consigan tras su paso por salas. Uno de los ejemplos más rotundos de ello es 'Indiana Jones y el Dial del Destino', ya que su abultado presupuesto de unos 300 millones de dólares acabaron jugando muy en su contra.Ahora la última aventura de Harrison Ford como el mítico Indiana Jones ha iniciado otras vías de explotación. Ya disponible en Disney+, 'El Dial del Destino' también puede comprarse ya en formato físico y la edición que hoy nos interesa el steelbook que se ha puesto a la venta al precio de 32,99 euros, seis más que la edición equivalente sin la presentación en caja metálica.La edición de 'Indiana Jones y el Dial del Destino' ofrece una gran calidad audiovisual, aunque, como era de esperar, el nivel es superior en la versión en 4K. Por cierto, los amantes del doblaje en catalán están de enhorabuena, pues no s tan habitual encontrarlas en las ediciones en formato físico en nuestro país y aquí se incluye la pista de audio en DTS 5.1, la misma utilizada para el doblaje en castellano. Dicho esto, pasemos en detalle con la caja metálica.Así se ve la parte exterior de esta edición metálica, para la cual se ha optado por un diseño sencillo pero elegante en el que los legendarios sombrero y látigo del personaje interpretado por Harrison Ford asumen el protagonismo casi absoluto. Seguramente no habría sido el diseño por el que habría apostado yo, pero de forma individual cumple con creces.En las tres imágenes superiores podéis ver con detalles tanto la parte frontal como la trasera y el canto de esta edición metálica. Lo que sí se nota así es que se trata de un diseño que cubre todas las partes del steelbook, por lo que brilla más la suma de sus partes que cada una de ellas por separado.Para la parte interior del steelbook se ha optado por una imagen de la aplaudida persecución en Marruecos. Vistosa y sin dejar apenas espacios vacíos, buena elección.Así lucen los discos -a la izquierda la versión en 4K y a la derecha el blu-ray-, en los cuales se ha optado por una continuidad con la imagen utilizada para el propio steelbook. Cumplen -realmente yo lo único que pido es que se use una imagen y no se deje todo el disco en negro o alguna solución similar, cosa que solamente me funcionó en el caso de 'Barbie'- y es bien fácil distinguirlos.En España se habían lanzado ya dos ediciones diferentes en caja metálica de las cuatro primeras entregas de la saga. Por un lado un pack en un estuche recopilándolas todas ellas y por otro una edición individual de todas ellas con el póster original de cines para ilustrarlos. Yo tengo la segunda y he creído oportuno ver cómo luce el steelbook de 'Indiana Jones y el Dial del Destino' en comparación con ellas:Es evidente que Disney ha optado por un diseño muy diferente a los utilizados por Paramount, en los cuales la parte frontal brilla con luz propia y en la trasera se opta por una continuidad muy marcada, con la diferencia del artilugio clave en cada entrega. A mí me habría encantado que para 'Indiana Jones y el Dial del Destino' se hubiese optado por este póster, pero claro, también entiendo que la última preocupación de Disney es mantener una continuidad con respecto a lo que ha hecho Paramount.Ahí podéis ver con mayor detalle el contraste entre la parte frontal y trasera de los steelbooks.Quizá no tan llamativo a simple vista es la diferencia en los cantos, que al final será lo que veamos más a menudo. Es cierto que ya en el caso de 'Indiana Jones y el Templo Maldito' había una diferencia en la intensidad del color utilizado para el título, pero es que en 'El Dial del Destino' parece que hayan ido a la contra, resaltando en color la parte inferior de Indiana Jones en lugar de la superior. ¿Un detalle tonto? Quizá, pero ahí está, como el hecho de que también use un color menos intenso o que en lugar de tener Paramount en la parte superior, algo directamente imposible, lo que sí se añade es el logo de blu-ray en la inferior.Seamos justos y reconozcamos que la cantidad de extras que incluye la edición doméstica de 'Indiana Jones y el Dial del Destino' resulta un tanto decepcionante, sobre todo si comparamos con la excelente edición que tuvo 'Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal', donde fue necesario un disco adicional solamente para dar cabida a todos los contenidos adicionales disponibles.Dicho eso, al menos los dos extras que incluye esta edición son bastante valiosos para aquellos que disfrutasen la película y no esas featurettes anodinas que tanto se estilan durante los últimos años:Es una lástima que no incluya más extras -aunque los que hay merecen mucho la pena-, pero este steelbook de 'Indiana Jones y el Dial del Destino' es una compra más que recomendable para aquellos que disfrutasen con esta despedida de uno de los personajes más míticos de la historia del cine. Siempre queda la posibilidad de que más adelante saquen otra versión que encaje mejor con los editados por Paramount, pero dado su funcionamiento en taquilla y que Disney no puede sacar ningún pack con toda la saga, dudo que eso vaya a suceder. Poco importa que los títulos de ambas compañías estén distribuidos por Divisa en nuestro país.En Espinof: |
es | play | espinof | 8f4cef4184b05b651eae15560ac69e14af2a6c56 | 'Retorno a Seúl' es un tapiz poblado de momentos únicos que se quedan a vivir con nosotros aunque no queramos, instantáneas sueltas de una vida marcada por el rechazo y el dolor de un abandono cuya herida se reabre de forma casual y jamás vuelve a cerrar del todo. Freddie baila. Llora de frustración. Toca el piano. Junta unas sillas dispuesta a conocer gente. Habla coreano a duras penas. Languidece ante 22 palabras. Manda un WhatsApp. Vuelve, una vez más, a unos orígenes que jamás quiso conocer. Ocho años encapsulados en casi dos horas del mejor cine del año.Al igual que ya pasó con esa obra maestra contemporánea que es 'Aftersun', 'Retorno a Seúl' va ganando peso en tu cabeza a medida que la vas recordando. Esas frases que no pueden caer en el olvido, esas despedidas forzadas, esas citas de Tinder que llevan a un incierto futuro laboral: es posible que esta sea la película que mejor muestra cómo la propagación de cientos de sentimientos distintos al mismo tiempo lleva a las peores decisiones posibles, al bloqueo mental, a la guerra continua con uno mismo en la que nunca puede haber vencedores.Cuando Freddie llega a Corea de pura casualidad no tiene ninguna intención de buscar sus raíces. Literalmente, lo único que quiere hacer durante dos semanas es hacer turismo, conocer gente y hacer amigos. Sin embargo, no puede evitar dejarse llevar por esa vocecilla interior que le pide saber de dónde viene... Y descubrir dos cosas: primero, que sus anhelos siempre son mejores en la imaginación que en la realidad. Y segundo, que ese lapso de 25 años sin sus padres biológicos no solo había existido para ella, sino también para otras personas.El dolor y la frustración compartidos, dan lugar a unas maravillosamente tirantes escenas en las que se trata de llenar huecos en el tiempo que jamás podrán hacerlo. El padre de Freddie insiste en comprarle unas zapatillas que no necesita, y ella las deja atrás como manera de decir adiós a esa parte de ella misma. Sin embargo, cuando has abierto la caja de Pandora, es imposible cerrarla, y lo que en un principio iba a ser un viaje se convierte en una tradición que modela a un personaje magnífico.Los saltos temporales que la cinta da (y que al principio descolocan) permiten ver no solo la evolución de Freddie, sino también constatar cómo un día puede marcar el resto de tu vida. Más allá de su primera visita nos volveremos a encontrar con ella en Seúl de diferentes maneras, pero con una nueva personalidad que siempre tendrá en el fondo la lucha interna entre quién es y quién podría ser. El pasado que nunca existió y el presente que la impide ser feliz, llenándolo con sexo sin sentido, música, parejas a las que puede borrar con un chasquido de dedos.Es interesante cómo en 'Retorno a Seúl' su protagonista está literalmente 'Lost in translation': a medida que va pasando el tiempo consigue sintonizar con su padre aprendiendo palabras de un idioma con el que espera poder llenar un vacío interior. Sin embargo, al encontrarse en el lenguaje se pierde parte de la fascinación. Comprenderse es un escollo, y Freddie no puede evitar sentirse de nuevo abandonada, casi confundiendo sus sentimientos con sus deseos. No es que esté sola: es que, cree, desea estarlo.Freddie no puede caernos mal. Es absolutamente absurda, imperfecta y amoral, pero también está rota por dentro, y la única manera de volver a unir sus propias piezas es tratando de entenderse a ella misma. Y para eso necesita tener el puzzle al completo para ordenarlo mentalmente: incluso cuando la película se prepara para darnos el mazazo final, en un magnífico plano dentro del baño de un hotel en el que es inevitable no sentir que algo dentro de nosotros no se hace trizas, lo hace con una sensibilidad única e irreprochable.Si esperas un thriller de una joven en búsqueda desesperada de sus orígenes o un drama en el que todos los sentimientos se expongan y se debatan, esta no es tu película: 'Retorno a Seúl' se mueve entre la sutileza, la personalidad compleja de una protagonista rabiosa e incontrolable, el análisis del concepto mismo de familia y un plano subyacente que sobrevuela la cinta en el que Freddie, tratando de engarzar con su pasado y hacer un favor a Corea, termina abriendo heridas que ya estaban cicatrizadas.Park Ji-min ofrece en su primera interpretación matices, capas, aristas y dudas que muchas otras actrices estarían persiguiendo durante años. Este es un papel icónico que sabe aprovechar el valor de una dirección potente y un guion sutil para elevarlo a nuevas cotas. Y lo mejor es que Freddie no está sola: junto a ella, una caterva de secundarios se muestra esculpida al detalle. Ese padre que no echa de menos a su hija, sino al concepto de su hija que tiene en la cabeza. Esa madre ausente que lo dice todo en su silencio. Esa amiga confusa que pese a todo no puede evitar sentir compasión. Todo confluye, cada escena tiene un motivo, no hay nada al azar ni sobrante.He intentado de manera muy consciente evitar hablar del running gag de la cinta, que en el fondo tiene mucho más calado del que parece, porque es mejor que os sorprendáis al verlo. Descoloca, sí, pero si piensas en el pasado militar coreano pinta aún más el cuadro de desolación de un personaje que cree entender un entorno que jamás la entenderá a ella. Tristeza, falta de entendimiento, heridas abiertas y mensajes que no llegan: 'Retorno a Seúl' es un lugar al que volver.En Espinof | La película que cambió para siempre el cine coreano: este extremo thriller de venganza hizo despegar al director de 'Decision to Leave' y lo puedes ver en Amazon Prime Video |
es | play | espinof | 762c4f8dfd70574f1b38bc036e51f26fd78f9e2c | La sociedad actual ha impuesto con enorme fuerza la mentalidad de ser siempre productivos y a un ritmo frenético, convirtiendo el concepto del aburrimiento en el hombre del saco moderno al que hay que evitar. Además de trabajar, nuestro ocio tiene que ser también eficiente, tiene que ser algo que exprimamos rápidamente y le demos una rápida calificación sin necesidad de pararse a reflexionar.Pero no hay nada más enriquecedor que saber aburrirse, desprenderse del ruido durante el rato y encontrar la paz en la quietud. Esos momentos donde tu cerebro puede estar a solas, conectar con el entorno y hasta encontrar belleza en lo cotidiano. Permitirse escuchar el ruido, en lugar de encontrar la manera de apagarlo. Todo eso y mucho más se encuentra en la increíble ‘Perfect Days’ de Wim Wenders.El director alemán ha regresado a los cines con una nueva obra de ficción, dirigida en Japón con el gran Kôji Yakusho de protagonista, y con una gran aclamación detrás. En Cannes tuvo premio su actor principal, pero estuvo cerca de la Palma de Oro, y puede colarse en la categoría de mejor película internacional de los Oscars. Lo primordial, eso sí, es que es una de las películas más conmovedoras en este inicio de año junto con ‘Los que se quedan’.En ‘Perfect Days’ seguimos a un hombre de Tokio que sigue estrictamente su rutina. Se despierta a la misma hora, siempre de manera natural. Se acicala. Cuida sus plantas. Se viste para hacer su trabajo como limpiador de retretes públicos, que realiza con esmero, y se desplaza en una furgoneta donde escucha su música favorita en cintas de casete, siempre puestas en el momento justo mientras se encuentra en la autopista. Va al parque a realizar fotos que luego revela durante el fin de semana. También se lee por la noche novelas que adquiere a precio de ganga hasta quedarse dormido.La película no nos ofrece un gran vistazo a lo que ha llevado a este hombre a agarrarse a esta ejecución repetida de actos cotidianos (que Wenders intenta reflejar sin repetirse a sí mismo), o incluso si lo hace por pura elección o porque ha sido empujado hasta ahí. Sutiles detalles nos invitan a pensar en esa vida previa a su rutina actual, pero no resulta tan importante como seguir a esta persona que evita conflictos, habla poco, y sólo parece interesado en acciones pequeñas.Pero Wenders nos deleita viendo como esas acciones pequeñas tienen efectos positivos. La vida del personaje de Yakusho puede resultar extraña, a ratos carente de emoción y descubrimiento. Casi todo a su alrededor es analógico, y el concepto de Spotify lo asocia más con una tienda física que con un servicio que puede emplear para acceder a la misma música que escucha en sus viajes. Pero ‘Perfect Days’ es un fabuloso retrato de cómo encontrar la paz en esos actos minúsculos, en ese pequeño subidón que te da cuando la canción perfecta está en tus manos y la pones en el momento adecuado mientras conduces.Ni siquiera es una persona desconectada de la gente de su entorno. Desde ese anónimo que le invita a jugar al tres en raya a través de una hoja de papel escondida hasta ese compañero de trabajo que parece obsesionado con la superficialidad inmediata (y poner notas a todas sus experiencias) pero también encuentra ratos para hacer feliz a otra persona a través de algo que parece insignificante. Wenders no nos trata de convencer de que esta es la ruta de la felicidad, que es mejor estancarse en las mismas canciones de siempre, pero sí que no hay nada de malo en dejarse llevar por ellas si eso te hace más agradable la experiencia vital.En Espinof: |
es | play | espinof | ef4182dd2a6b7c65c9d9737ff40688a56b864d17 | En Netflix darían lo que fuera por conseguir nuevas franquicias, pero una cosa es querer y hacer todo lo posible por sacarlas adelante y otras que luego cuenten con apoyo suficiente por parte del público. De hecho, en el caso de esta plataforma siempre me queda la duda de si algunas sagas son realmente un éxito o si simplemente la gente las ve porque les aparecen en la pantalla de inicio del servicio.Una de las pocas excepciones que se me ocurre es la de 'Tyler Rake', pues fue una película que supo exprimir bien las posibilidades como héroe de acción de Chris Hemsworth. De hecho, sus propios responsables parecían conscientes de ello cuando alteraron el final del cómic original para dejar la puerta abierta a una posible secuela que tardó bien poco en confirmarse. Finalmente es hoy cuando 'Tyler Rake 2' llega a Netflix con una propuesta más salvaje y espectacular pero que flaquea en su tramo final cuando lo tenía todo para superar a su predecesora.Seguro que no soy el único que recuerda la primera entrega por su apabullante (falso) plano secuencia en el que la película ponía toda la carne en el asador. En esa ocasión duraba 12 minutos, pero en 'Tyler Rake 2' han querido subir más el listón con y se han ido hasta los 21 minutos, situado además también a mitad de metraje para que vuelva a ser el punto en el que publico entre ya de lleno en la acción o le queda claro que esta película no es para ellos.Ahí es justo destacar que 'Tyler Rake 2' se toma primero las cosas con un poco de calma para volver a situar al personaje interpretado por Hemsworth, nos da algún detalle más sobre su pasado y se preocupa en justificar que acepte una nueva misión cuando ya parecía haberse retirado de forma definitiva. No es que el guion de Joe Russo sea muy memorable, pero al menos aquí sabe moverse mejor en un territorio repleto de lugares comunes que en otros títulos suyos antes de que la historia pase a un segundo plano y sea el despliegue visual de Sam Hargrave lo que se apodere de la función.Hargrave era conocido por su trabajo como coordinador de especialistas antes de dirigir la primera entrega, siendo quizá 'Atómica' la que más le había permitido lucirse en esa faceta. Sin embargo, es evidente que con esta franquicia ha querido dejar claro de todo lo que es capaz y también de una necesidad de superarse a sí mismo demostrando que se pueden hacer escenas impresionantes casi prescindiendo al máximo del uso de los retoques por ordenador.Eso lleva a que a partir de ese extenso plano secuencia, todo en 'Tyler Rake 2' gire alrededor de la acción. Sí, hay alguna pequeña pausa aquí y allá, pero lo justo y necesario para que el ruido y la destrucción regresen con todavía más fuerza. Ahí el gran reto al que se enfrentaba Hargrave era lograr mantener la tensión en todo lo alto hasta que aparezcan los títulos de crédito finales y ahí sabe aprovechar muy bien una inteligente decisión que proviene ya del guion de Russo: dar algo más de espacio para lucirse a los aliados del protagonista.Ojo, Hemsworth sigue siendo el protagonista absoluto y el héroe que todo lo puede, pero la fuerza de la amenaza es tan abrumadora que 'Tyler Rake 2' potencia a los personajes de Adam Bessa y, sobre todo, Golshifteh Farahani ('Paterson'), logrando así tanto dar más variedad y salsa a los combates cuerpo a cuerpo como introducir algo más de dramatismo en lo que de otra forma podría haber sido un simple intento de recuperar la figura de héroe de acción de los 80.Además, aquí Hemsworth también se muestra más cómodo y convincente en su personaje, sabedor del reto físico que tenía ante sí pero también que una producción de estas características tira más del carisma que del talento interpretativo de su protagonista. Es verdad que su subtrama más personal pincha un poco en hueso, ya que es un recurso que se ha utilizado tantísimo que canta mucho cuando no se le da el mimo necesario, pero en lo referente a su trabajo creo que podemos hablar de un paso adelante respecto a la primera entrega.De hecho, algo curioso que sucede aquí es que 'Tyler Rake 2' pierde fuerza cuando la amenaza a batir se vuelve algo más íntimo y personal, ya que el vigor dramático que había introducido por ese lado daba la sensación de ser poco más que una excusa para las arrolladoras escenas de acción. No es que se hunda, pero sí que sabe a poco con respecto a lo visto apenas minutos antes.Además, tampoco me sentó muy bien ese descaradísimo intento final de dejarnos claro que habrá una tercera entrega y todas las que hagan falta a poco que tenga el éxito esperado. No dudaba que eso pudiera suceder, pero es que el camino que propone apunta a desvirtuar la evolución del personaje para que simplemente vuelva a enfrentarse a misiones cada vez más complicadas. Y lo siento mucho, que las escenas de acción más desatadas funcionan muy bien, pero Tyler Rake está muy lejos de ser el nuevo Ethan Hunt.Por suerte, el bagaje es bastante positivo, sobre todo si dejamos de lado que este mismo año hemos visto algo tan impresionante como 'John Wick 4', y dudo mucho que cualquiera que disfrutase con la primera entrega no se lo pase también bien con esta secuela.En Espinof | Las mejores películas en Netflix de 2023 (por ahora) |
es | play | espinof | 5f8232940e2bd053c5d6b468bc08d89a73e60983 | El mundo del cine y, más concretamente, el de la taquilla, es cruel y despiadado. Está claro que el subgénero de los superhéroes no pasa por su mejor momento ni a nivel comercial ni, mucho menos, a nivel estratégico y creativo; la fatiga hacia las capas y los antifaces parece ser más real que nunca y, en última instancia, han terminando pagando el pato producciones tan solventes como la divertidísima 'Blue Beetle'.El batacazo en el box office internacional de la aventura del héroe azul de DC es más que evidente, habiendo recaudado hasta el momento 83 millones de dólares sobre un presupuesto estimado en poco más de 100 millones. Esta discretísima suma, junto al lavado de cara del DCEU en el que ya trabaja James Gunn, hace complicado que el Escarabajo vuelva a la carga en una secuela, pero esto no quiere decir que no se haya colocado alguna que otra piedra que conduzca hacia la continuación.Estas pistas, como no podría ser de otro modo, han llegado de la mano de unas escenas poscréditos —concretamente de la primera de ellas— que abren un ángulo de lo más interesante de cara a una potencial 'Blue Beetle 2'. A continuación, vamos a explicar qué sucede en ambas y cómo podrían afectar al futuro del personaje el arco 'Dioses y monstruos' del nuevo y flamante DCU de Gunn y Safran.La 'Blue Beetle' de Angel Manuel Soto hace muchas cosas bien, y una de ellas es plantear una historia de orígenes para el nuevo huésped del Escarabajo mientras, al mismo tiempo, aporta una buena cantidad de lore sobre las anteriores iteraciones del personaje. Esto incluye a Ted Kord, padre de una Jenny que acompaña a Jaime a través de su viaje para convertirse en el héroe que necesita Palmera City.Durante uno de los pasajes de la película, Jenny lleva a Jaime a la guarida de su, a priori, difunto padre, quien nunca llegó a conectar con el Escarabajo, optando por desarrollar su propia tecnología para combatir el crimen al más puro estilo Bruce Wayne. Pero ojo, porque si he dicho "a priori" es porque la primera escena poscréditos del filme deja claro que el señor Kord está vivito y coleando.En este fragmento visitamos nuevamente la guarida del anterior Blue Beetle mientras sus luces se encienden y comienza a sonar la canción 'All Out of Love' de Air Supply. Entonces, las pantallas del centro de mando empiezan a mostrar una señal de vídeo distorsionada mientras se escucha un mensaje de Ted Kord en el que asegura estar vivo y en el que pide que, quien haya encendido los ordenadores, transmita la noticia a su hija.La segunda escena poscréditos tiene mucho menos peso —por no decir ninguno— en el Universo DC, pero es una buena muestra del cariño que se ha volcado en la producción de 'Blue Beetle'. Esta no es más —ni menos— que un breve corto animado en stop-motion protagonizado por el mismísimo Chapulín Colorado, el mítico héroe mexicano que ya hizo acto de presencia durante la secuencia en la que Jaime, Jenny y Rudy se infiltran en la sede de Kord Industries.Una pequeña guinda en un pastel mucho más apetecible de lo que cabría esperar a simple vista, pero cuyo futuro en la franquicia es más incierto que nunca. ¿Llegaremos a resolver el misterio sobre Ted Kord? ¿Tendremos más aventuras de Jaime Reyes en el DCU de James Gunn? Personalmente, no pongo la mano en el fuego, pero no puedo menos que desear que, de mantener el nivel de su primera aventura, Blue Beetle regrese más pronto que tarde.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | ed29c581b31b73550708fb1df9f558958b3d98bb | El estreno de 'The Mandalorian' en 2019 fue un hito histórico, ya que se trata de la primera serie en imagen real del universo Star Wars. La novedad fue disipándose con su nuevas temporadas y con los lanzamientos de la fallida 'El libro de Boba Fett' y de la decepcionante 'Obi-Wan Kenobi'. Las primeras consecuencias de ello se notaron en 'Andor', la mejor de todas ellas pero también la que menos éxito tuvo.Este miércoles 23 de agosto es el turno de 'Ahsoka', una serie alrededor del personaje interpretado por Rosario Dawson al que ya pudimos ver en un episodio de 'The Mandalorian', pero cuyos orígenes se remontan a la animación. Eso ha llevado a que muchos se pregunten si es necesario ver, sobre todo, 'Star Wars Rebels' para disfrutar a fondo de esta serie protagonizada por la antigua padawan de Anakin Skywalker.Dave Filoni, creador de la serie, ya dio pistas al respecto y no me sorprendería que algunos espectadores se sintiesen un poco perdidos al menos durante sus primeros episodios, ya que 'Ahsoka' da muchas cosas por asumidas para centrarse en la historia que quiere contarnos. Obviamente, eso llevará a que gocen más de ella los que conozcan a fondo el pasado de sus personajes, pero también a limitar el impacto que pueda tener en aquellos que no hayan ido más allá de las películas y, en todo caso, las series en imagen real.Lo que sí queda claro desde el primer momento es que 'Ahsoka' no se mira en otras series en imagen real de Star Wars y que busca un tono más conectado al de las dos primeras trilogías de la franquicia creada por George Lucas. Eso lleva a que se sienta más como una prolongación natural de la misma en lugar de servir para llenar vacíos que muy poca gente quería que se completasen. Por ahí no deja de ser curioso que su forma de asentar una personalidad propia sea echar la mirada atrás y ver qué se puede recuperar de ahí para seguir adelante.Por ello, la presentación de un villano formidable está muy alto en la lista de preferencias. Es cierto que se rol está asignado de antemano al Gran Almirante Thrawn, cuya búsqueda es el principal sostén dramático de los dos episodios que Disney ha dejado ver a la prensa, pero su ausencia lleva a que el poderoso personaje interpretado por Ray Stevenson pase a primer plano en esta etapa inicial de 'Ahsoka'. De hecho, el primer episodio está dedicado a su memoria, pues falleció tristemente este pasado mes de mayo cuando apenas tenía 58 años.Su Baylan Skoll es seguramente el personaje más atractivo creado para la serie, tanto por esa imponente presencia que muestra desde su primera aparición como por el hecho de ser un antiguo jedi que ahora está al servicio del lado oscuro de la fuerza. Además, sus apariciones están bien medidas para no saturar al espectador y también por el hecho de que la verdadera protagonista de la función es Dawson como Ahsoka Tano.Ya me gustó mucho su aparición en 'The Mandalorian' y ningún pero tengo que ponerle al trabajo de Dawson aquí. Como en todo lo demás, las posibles limitaciones vienen por convertir 'Ahsoka' en una secuela bastante directa de una serie animada. Nunca es buena idea que el público sienta que tiene deberes si quiere ver algo y eso puede jugar en su contra. Por lo pronto, tengo muy claro que el grado de implicación del espectador con sus protagonistas va a variar de forma sustancial por este punto, pero al mismo tiempo me alegro que no hayan querido andarse con tiempos muertos para compensarlo, ya que eso podría haber sido otro tipo de lastre.Todo so se extiende también a la Hera Syndulla de Mary Elizabeth Winstead o a la propia historia que nos está contando. Obviamente, la resonancia emocional de todo lo relacionado con Thrawn y Ezra Bridger será prácticamente inexistente para los que lleguen de primeras a 'Ahsoka'. Al menos en estos dos primeros episodios que Disney+ lanza dentro de apenas unas horas no hay nada que justifique de cara a esos espectadores que se trata de algo vital en este universo y no una misión más que quieren hacernos creer que es vital. Es el peaje a pagar por la decisión que ha tomado Filoni, pero siempre puede ir compensándose según pasen los capítulos.Claro está, 'Ahsoka' es impecable en el apartado visual. Sí es verdad que prefiero la apuesta de 'Andor' de construir escenarios reales porque uno realmente siente los lugares en los que se encontraban sus personajes, pero el uso de la tecnología StageCraft aquí resulta irreprochable y en todo momento se percibe tanto el devoción como el conocimiento que tiene Filoni de esta galaxia muy muy lejana.Por lo demás, estos dos episodios no son más que una introducción a lo que nos viene por delante, sentando las bases para lo que promete ser una carrera contrarreloj entre dos bandos por localizar a Thrawn -aunque uno en todo momento tiene claro que lo van a encontrar, por lo que ese posible componente de misterio nunca hace acto de presencia-. Eso sí, hasta ahora no va más allá de ser un aperitivo, pero ojo por ejemplo a esos duelos con sable láser que tienen una intensidad no vista hasta ahora en otras series en imagen real de este universo.Lo que sí tengo claro es que 'Ahsoka' será un sueño hecho realidad o estará muy cerca de serlo para los seguidores del lado animado de Star Wars, ya que es salto a la carne y hueso intachable. Los problemas llegan en todo caso por su entidad de forma individual, donde este arranque presenta varios debes y puede llevar a que algunos espectadores no conecten y decidan bajarse del barco antes de poder los 8 episodios de los que consta.En Espinof | Las mejores películas en Disney+ de 2023 (por ahora) |
es | play | espinof | 58739e1374134d5a8a3ef08382c41944722ab2c7 | Desde hace una larga temporada, el estreno de una película de Christopher Nolan no sólo llega acompañado de su correspondiente ración de hype y de la confrontación de rigor en redes entre amantes y detractores —lo del término medio se perdió hace mucho—; también suele traer bajo el brazo las quejas de buena parte de espectadores sobre la mezcla de sonido.Uno de los comentarios más escuchados desde hace años tras la proyección de una película de Nolan es "Los diálogos no se entienden". Ocurrió con 'Dunkerque', se repitió con 'Tenet' y, como no podría ser menos, 'Oppenheimer' ha vuelto a traer a la palestra una polémica a la que, al fin, hemos podido dar sentido gracias al propio cineasta.El máximo responsable del título protagonizado por Cillian Murphy ha explicado durante una entrevista con Insider el que podría ser el motivo principal por el que mucha gente no termina de escuchar bien qué dicen los personajes en algunas escenas: se niega en rotundo a utilizar la técnica del Automated Dialogue Replacement, o ADR para los amigos.En ella, se regraban líneas de diálogo en posproducción para solventar algunos problemas que hayan podido surgir en set o, incluso, para retocar el texto y modificar algunas frases con el fin de apoyar la narrativa. Para Nolan, prescindir del ADR no es más que una "elección artística".El caso de los rodajes del británico es muy particular, ya que es un fiel siervo del gran formato fotoquímico, lo cual implica cámaras tremendamente ruidosas —para los estándares de la industria—. Pero el autor se muestra optimista con los avances tecnológicos, especialmente en lo que respecta al software. Si la herramienta de aislamiento de voz de un programa para usuarios mortales como es Final Cut ya sorprende, no me imagino las armas con las que cuentan en estas grandes producciones.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 60157041d11348098d1730a3602b41a4d919944a | Al fin ha llegado a los cines 'Wonka', el esperado musical protagonizado por Timothée Chalamet que sirve a modo de historia de orígenes del célebre protagonista de 'Charlie y la fábrica de chocolate'. La película está recibiendo críticas muy positivas y todo apunta a que será un gran éxito en taquilla, pero alguien que no disfrutó nada haciéndola fue Hugh Grant.El actor, que este año también ha estrenado la estupenda 'Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones', da vida a un Oompa Loompa en 'Wonka' y las particularidades de su personaje obligaron a que se utilizase la tecnología de captura por movimiento. Eso resultó muy incómodo para Grant, tal y como él mismo ha confesado en una rueda de presentación de la película:De hecho, Grant ni siquiera quedó muy convencido sobre su trabajo, ya que no estaba muy seguro de si "tenía que actuar con mi cuerpo o no, nunca me dieron una respuesta satisfactoria", por lo que "francamente, lo que hice con mi cuerpo fue horrible y ha sido todo sustituido por un animador".Sorprenden este tipo de declaraciones durante la campaña promocional, pues lo habitual es que, si acaso, se hagan varios meses o años después del estreno de la película. Sin embargo, a Grant parece no importarle lo más mínimo que esto pueda tener algún tipo de repercusión negativa en su andadura comercial.Lo más curioso de todo es que el trabajo de Grant está siendo uno de los detalles más aplaudidos de una película que ha costado 125 millones de dólares. Tampoco es tanto si recordamos las barbaridades que se invirtieron en algunos títulos que este año se estrellaron sin remedio en taquilla...En Espinof: |
es | play | espinof | 8ef2892b9c9274b47c18f87a6e2c82e3d03dd959 | En un verano en donde la taquilla ha repartido la atención en el fenómeno ‘Barbenheimer’, y la acumulación de blockbusters que llegan casi a las tres horas, desde ‘Indiana Jones y el Dial del Destino’ a ‘Misión Imposible 7’, la cartelera estaba famélica de diversión para ver después de una sesión de playa, sin necesidad de ponernos en monóculo para aprender cómo se hizo la bomba atómica o hacer paradas técnicas para asimilar la didáctica rosa de una película de muñecas. ‘Megalodón 2: la fosa’ puede parecer absurda, pero es justo lo que pedía agosto desesperadamente.La secuela de ‘Megalodón’ que nadie había pedido es una entrega superior porque se postula como una triple sesión de cine de pipas de sábado tarde que no se conforma con ser otra más de tiburones, añadiendo monstruos, catástrofe, aventura submarina y un circo de acción imposible. Como una versión cara de una epopeya de Asylum con complejo de secuela de ‘Fast & furious’, deja claro su tono en su secuencia inicial, convirtiendo el 'Under Pressure' de ‘Aftersun’ en uno de los gags más cafres y macabros del año.Aunque muestra todo el descaro carente en la primera parte, como aquella, su mayor pecado es plegarse a su calificación PG-13, traducida en una falta de sangre y matanza diluida en el tono indisoluble de su target primario: el público chino. Pese a que volvemos a estar atacados por trasnochados análisis geopolíticos que se llevan copiando y pegando desde hace cinco años, lo cierto es que a nadie debe extrañarle ya el empaque cuando el presupuesto está repartido entre Warner y la empresa asiática CMC, por lo que el prejuicio al cine asiático empieza a mostrar la patita entre tantos lamentos occidentales.‘Megalodon 2: la fosa’ tiene parte de blockbuster Norteamericano al uso, pero en realidad es como una versión con vitaminas de las abundantes películas de monstruos gigantes que aparecen cada año en el mercado chino. Pero más allá de la operación, la película sabe en qué terreno juega, desde una premisa que repasa ‘Tiburón 3D’ y la lleva a una exploración submarina que habría firmado el Juan Piquer Simón de ‘La grieta’, convirtiéndose en una hora de escape del Poseidón y catástrofe submarina de los 70 con peleas típicas de menú de héroes de videoclub que nos hacen olvidar de los escualos gigantes con un ritmo de apisonadora.Muchos echan en falta esa matanza, pero es que ya la novela no tiene la clásica estructura de película de tiburón asesino, y prefiere jugar a ser una 20.000 metros de viaje submarino con trajes como los de ‘Aliens’, en modo misión de ‘Voyage to the bottom of the sea’ (1964-68) con fauna y flora desconocida y peligrosa, al estilo de las viejas peripecias de Julio Verne o Burroughs. El director Ben Wheatley consigue comprimir la narración de al menos dos blockbusters diferentes en menos de dos horas sin que nada parezca apresurado.En una época de estrenos que desafían vejigas, la concisión directa a la diversión resulta irresistible a pesar de su guion, bastante cochambroso, especialmente en sus chistes. Aunque muchos echarán de menos la marca del director británico, lo cierto es que es su película más disfrutable desde ‘Kill List’, y aunque sea un encargo vuelve una de sus señas de identidad, la mezcla de géneros totalmente distintos: si aquella era una mezcla folk horror y thriller criminal, en esta cruza ciencia ficción de acción y el kaiju acuático sin que rechine en absoluto.Entre su colección de disparates y frases lapidarias de chichinabo, tiene helicópteros, lanchas, explosiones y villanos devorados por monstruos como en los thrillers con ladrones y escualos de Enzo G. Castellari, un ‘Cazador de tiburones’ que en vez de Franco Nero lanzándose sobre los animales desde una paravela tiene a Jason Statham como rejoneador de escualos gigantes. El actor lleva la expresión "jump the shark" de vuelta a sus orígenes con Fonzie y Ron Howard, haciendo ski acuático, solo que aquí tenemos lanchas motoras, tres megalodones, arpones explosivos y diversas referencias y citas directas a ‘Tiburón 2’.Aunque no aspira a mucho más que las producciones de tiburones gigantes del canal SYFY, codificadas como una buddy movie noventera, su herencia de películas como ‘Produndidad 6’, ‘Deep Rising’ o ‘Virus’ —certificada por la presencia del imprescindible Cliff Curtis— sabe el público al que va dirigido. Los efectos de CGI varían de lo meramente pasable a criaturas que mejoran lo visto en ‘Jurassic world: Dominion’, pero el acabado pasa a un segundo plano cuando cada escena busca sistemáticamente regalarnos el más difícil todavía, obligarnos a dejar el encefalograma plano sin buscar nunca otra cosa que llevar lo inverosímil por bandera.‘Megalodón 2: la fosa’ llega como un refresco justo en el momento de verano más necesitado de antídotos contra turras nucleares de tres horas, blockbusters aspiracionales y trombosis narrativas. No va a cambiar el género ni falta que hace, porque es exactamente el espectáculo idiota, macarra y trepidante que muestra su tráiler: un mojito de serie B con repelente de snobs que participa en la juerga sin coartadas en la que se ha convertido el género de tiburones. No vamos a ponerle pegas si la próxima sigue adaptando las novelas de Steve Alten como ‘Hell’s aquarium’.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 172f73c7e647de5a364535f568bb40b24276e828 | En Estados Unidos tuvieron que esperar hasta este fin de semana para poder ver 'El chico y la garza', pero eso no ha jugado para nada en su contra, ya que la película de Hayao Miyazaki ha arrasado en taquilla y ha destrozado varios récords. Por lo pronto ha destronado a 'Renaissance: A Film by Beyoncé' para hacerse con el primer puesto gracias a los 12,8 millones de dólares que ha ingresado.Ese número 1 ya es bastante poco habitual para una película animada extranjera, pero ahí sí que tenemos otros ejemplos con el caso de 'Dragon Ball Super: Super Hero' el año pasado. No obstante, ningún largometraje de Ghibli lo había conseguido hasta ahora, por lo que ahí tenemos el primer récord.El segundo es consecuencia directa del anterior, ya que 'El chico y la garza' también ha conseguido el mejor estreno de una película de Miyazaki hasta la fecha, superando de forma abrumadora los 3,5 millones de dólares que amasó 'Ponyo' durante su primer fin de semana en los cines norteamericanos.Además, esos 12,8 millones la convierten ya en la tercera película de Ghibli más taquillera de todos los tiempos en Estados Unidos. Por delante solamente están 'Arriety y el mundo de los diminutos' (19,2 millones de dólares) y 'Ponyo', que cerró su recorrido comercial con 15,7 millones.Está claro que contar con 2.205 salas en las que podía verse la película ha jugado a su favor, pero eso no dejaba de ser una apuesta arriesgada por parte GKIDS. La jugada le ha salido redonda, pues 'El chico y la garza' también ha conseguido el mejor estreno de todos los tiempos para esa distribuidora. Tercer récord.Ahora habrá que ver cómo aguanta 'El chico y la garza' en los cines norteamericanos, pero a priori debería acabar logrando con facilidad el honor de ser la película más taquillera de Ghibli en dicho país.En Espinof: |
es | play | espinof | b757c7d578fd9fdaaabeb4b92a192bf84882b4a5 | Arrancamos octubre y en lo que me temo que estoy empezando a coger un pequeño resfriado toca repasar todos los estrenos que llegan esta semana a las plataformas de streaming. En esta ocasión, contamos con 59 series, películas y documentales que llegan desde hoy hasta el domingo a Netflix, HBO Max, Prime Video, Filmin, Movistar Plus+, Disney+ y Atresplayer.Drama adolescente que sigue a Mia, una joven de 16 años que acaba de volver a casa después de una larga batalla con un trastorno alimenticio. Ahí se encontrará con unos amigos que han ido avanzando en sus vidas y un mundo de citas, fiestas y primeros besos.Secuela de 'La novia gitana' en la que tenemos un nuevo caso para la inspectora Elena Blanco de Nerea Barros, con un nuevo caso en los que se sumerge en las profundidades de Internet, donde se compra y vende lo imposible.María Pedraza y Asia Ortega encabezan el reparto de esta serie como dos jóvenes que se embarcan en un viaje a Málaga, donde se toparán con Patrick, un joven de barrio que empieza a despuntar en el panorama de la música urbana.Si aún así andas algo dubitativo sobre qué ver, aquí tenemos nuestros rankings con los estrenos más destacados de 2023 que han aparecido en las diversas plataformas de streaming. Estas son las mejores series y películas de Netflix, las series y películas más destacadas de Amazon Prime Video, nuestro top de series de HBO Max y los de series y películas en Disney+.En Espinof: |
es | play | espinof | c00826433971009234fdabc2553b887910a1b951 | Queda todavía más de una semana para la llegada a los cines de 'Guardianes de la Galaxia 3', pero poco a poco van llegando nuevos detalles de la última película de James Gunn para Marvel -y también uno de los largometrajes más esperados de este 2023-. Uno de los más curiosos es que la aventura final de este grupo de superhéroes va a romper un tabú de este universo al incluir por primera vez algo que hasta ahora había brillado por su ausencia aquí.La palabra en cuestión es "fuck", que en España suele traducirse como "joder". Son varias las películas de Marvel que han coqueteado con incluirla, solamente para echarse atrás en el último momento. Por ejemplo, Peter Quill (Chris Pratt) está a punto de decirla en 'Guardianes de la Galaxia' justo después de la explosión en la guarida del Coleccionista, pero un ruido de fondo impide que lleguemos a escucharla.De hecho, Gunn es el director que más ha coqueteado con su uso, pues en 'Guardianes de la Galaxia 2' se da a entender que se Groot la dice cuando Rocket traduce en su despedida de Yondu un "Yo soy Groot" como "Bienvenido a los malditos Guardianes de la Galaxia, aunque no ha dicho malditos". También hay otras películas del MCU como 'Vengadores: Infinity War' o la trilogía de 'Spider-Man' protagonizada por Tom Holland que han jugado con ello, pero no llevándolo nunca hasta su lógica conclusión.Gunn ha querido dejar claro que su uso no estaba planificado en 'Guardianes de la Galaxia 3', pero que pidió a Pratt añadirlo durante el rodaje e hizo que la escena fuese más divertida, por lo que decidieron mantenerlo. Por el momento, la escena en cuestión ya está disponible online -podéis ver un poco más arriba-, pero ahí la palabra aparece censurada, lo cual llevó a que los fans preguntasen al respecto, recibiendo confirmación del propio Gunn de que en la película no va a estar censurado.Sospecho que aquí se han juntado varios factores. Por un lado que se trata de la última película de Gunn para Marvel, pero también que 'Deadpool 3' está a la vuelta de la esquina y se nos ha prometido por activa y por pasiva que va a ser la primera cinta para adultos del estudio. Y conociendo al divertido personaje interpretado por Ryan Reynolds, algo clave en ello va a ser el uso de lenguaje malsonante -solamente hay que recordar los precedentes para tenerlo claro-. Además, es cierto que la escena resulta más natural usando esa palabra con normalidad.En Espinof | Todas las películas y series de Marvel que llegan en 2023: calendario de estrenos del MCU en el inicio de la Fase 5 |
es | play | espinof | f295b3bcf68c455a93897051abaf4c1e37311fca | Cuando las nominaciones al Óscar se anunciaron el pasado 23 de enero, entre las películas con las que ya contábamos aparecía otra que ni siquiera tenía fecha de estreno en España: 'American fiction'. Concretamente, la cinta opta a mejor película, mejor actor, mejor actor secundario, mejor guion adaptado y mejor banda sonora original, y no poder verla era algo francamente molesto. Ahora, por fin, los espectadores patrios podremos salir de dudas justo antes de la gala, porque Amazon Prime Video ha anunciado en Twitter que llegará el 27 de febrero. O sea, el martes que viene.Suele ser habitual en la época de Óscars que haya una o dos películas secundarias que acaben estrenándose justo después de la gala, pero este año no ha habido ninguna que se quedara rezagada por culpa de una distribuidora que espera un golpe de suerte casual para aprovechar el runrún en el lanzamiento. Es cierto que 'American fiction' se ha saltado las salas de cine, pero al menos podremos verla a tiempo antes de la madrugada del 11 de marzo.La película, basada en la novela 'Erasure', de Percival Everett (aún no publicada en nuestro país) es una narración con muchísimos elementos meta sobre la manera en que los afroamericanos se ven a sí mismos y las distintas maneras de relacionarse con la cultura, y los que han visto ya avisan que el cast, formado por Jeffrey Wright, Tracee Ellis Ross, Issa Rae y Sterling K. Brown, es asombroso. En unos Óscar plagados de buen cine, esta tiene posibilidades de ser la puntilla.Reconozco que no daba un duro porque se estrenara antes de la ceremonia, pero ahora al menos podemos hacer nuestra quiniela con toda la información disponible. Cabe destacar que en Estados Unidos se estrenó en diciembre de 2023 y se convirtió en un pequeño éxito indie: costó menos de diez millones y hasta ahora ha recaudado más de veinte, a los que hay que sumar los beneficios del streaming. ¿Quién dijo que hacer películas pequeñas no daba resultado?En Espinof: |
es | play | espinof | a3f6bc79f3c8b5c174af4566e2aaec2a952dd635 | El genial escritor Stephen King ha estado muy vinculado al cine a lo largo de los años. Muchas de sus novelas han dado el salto a la gran pantalla y él mismo dirigió la singular 'La rebelión de las máquinas'. Además, nunca ha tenido problemas en compartir su opinión sobre las películas que ve y ahora ha querido dejar claro que una de terror que va a estrenarse este 2023 le ha impresionado.La película que ha llevado a King a decir que "no podía apartar mis ojos ella" es 'Late Night with the Devil' y se estrenó mundialmente este mes pasado durante el SXSW de este año. Eso sí, el escritor no la vio allí, pues le mandaron un screener para disfrutarla en su cada y esto es lo que dijo al respecto:Escrita y dirigida por Cameron Cairnes y Colin Cairnes, 'Late Night with the Devil' sigue la historia de Delroy, un presentador nocturno que intenta evitar caer en el olvido pero el programa que presenta es utilizado por la gente básicamente para quedarse dormida. Todo se complica con una emisión durante Halloween de 1977 que sale horriblemente mal y desata el mal en el dormitorio de toda la nación. Con esa premisa es difícil no acordarse de la reciente 'Historia de lo oculto'.Al frente del reparto de 'Late Night with the Devil' tenemos a David Dastmalchian, visto hasta ahora en títulos como 'El escuadrón suicida' o 'Dune', y que este año también aparecerá en la esperadísima 'Oppenheimer'. A su lado también encontraremos a Laura Gordon, Ian Bliss y Fayssal Bazzi.Por el momento no hay una fecha concreta para el estreno en cines de 'Late Night with the Devil', pero ninguna sorpresa si en España acaba reservada para lanzarse primero en el Festival de Sitges.En Espinof | Qué ver de Stephen King: tres infravaloradas adaptaciones disponibles en streaming si 'Ojos de fuego' te deja con ganas de más |
es | play | espinof | a0a1687a479e0083fbc702439e80997f40d0a6c0 | Hay un género de películas a las que no prestamos suficiente atención. Son esas que, sin ser increíblemente buenas ni catastróficamente malas, te arreglan un viaje en avión o, aún mejor, en Alsa. Son entretenimiento para un rato en el que no puedes concentrarte del todo y por delante solo tienes rato que matar. Cintas como 'La ciudad perdida', 'Divergente' o 'Una boda explosiva' entran dentro de este subgénero necesario y nunca suficientemente reivindicado al que ahora se une, con cierto honor, 'Mansión encantada'.Alguien tiene que hablar seriamente con los encargados de preparar el calendario de lanzamientos de Disney, porque 'Mansión encantada' pinta a finales de julio tanto como lo haría 'Una Navidad de ensueño'. Es una pequeña obrita de pseudo-terror y pseudo-comedia sin mayores pretensiones que hubiera encajado bien para que los niños pudieran asustarse sin traumas en Halloween (en lugar de llevarles a ver, pongamos, 'Saw X'). Sin estímulos externos, la película es un pequeño paseo por el desierto de lo mediocre durante dos horas aunque, por suerte, no exento de oasis de genialidad.Es cierto que se esperaba más de Justin Simien, director de 'Querida gente blanca', pero al menos no está en piloto automático y se nota que ha querido hacer un clásico familiar para todas las edades aunando un terror fantasmagórico adolescente con chistes slapstick infantiles y un fondo de melancolía y sensibilidad para los adultos. Sin embargo, cae en el problema que intenta evitar: al tratar de tener algo para todos los públicos, se pasa de frenada y no es específicamente para nadie.Al final se siente como una oportunidad desperdiciada: todas las estrellas que pululan por el metraje parecen estar pasando un buen rato (especialmente Danny DeVito y Owen Wilson), pero están desaprovechados, muy conscientes de estar corriendo delante de un fantasma en CGI y de que el cheque espera al final del camino. Por compararlo con otra película basada en una atracción de Disney, esto es el anti-'Piratas del Caribe'. Donde aquella triunfaba en carisma y diversión, esta se queda en un suficiente ajustado, casi como si le diera pereza intentarlo.Y eso que toma un riesgo (muy medido) al alejarse de la película familiar estándar con un tratamiento del trauma y la pérdida muy acertado: Ben tiene que aprender a lidiar con el dolor y el vacío interno entre el festival de chistes y topetazos. Esta curiosa mezcla lleva a una conclusión sorprendentemente sentimental en la que la capa de drama es capaz de recubrir y elevar la inocencia de la que la cinta hace gala. Nunca deja de ser lo que es, pero al menos se agradece que hayan intentado hacer personajes en lugar de simples caricaturas.Si te estás preguntando cómo aguanta en la comparación con la versión de 2003 de Eddie Murphy, lo cierto es que es tan insabora como las películas en sí mismas. Ambas exploran los mismos detalles de la atracción original pero sin darles media vuelta o montar con ellos algo que pase del simple entretenimiento para días muy tontuelos. Los diseños de los fantasmas son, en esta ocasión, bastante divertidos sobre el papel, pero a la hora de llevarlos a la pantalla no terminan de funcionar por culpa de unos efectos visuales mediocres y un tono que no es capaz nunca de tener personalidad propia.Con todo, sí, siempre es un placer ver a Jamie Lee Curtis, aunque sea dentro de una bola de cristal, Danny DeVito, Owen Wilson o Tiffany Haddish, aunque sea en un trabajo conscientemente menor. Su intrascendencia no es molesta, sino buscada: 'Mansión encantada' tiene la pretensión de ser una película de fondo, un divertimento estival, una excusa para disfrutar del aire acondicionado en la sala durante dos horas. Puede que Disney no pensara lo mismo cuando se gastó 175 millones de dólares en hacerla, pero, desde luego, no cabe duda del ADN de su metraje: una mediocridad autoconsciente es, en el fondo, menos mediocridad.'Mansión encantada' no es especialmente divertida, terrorífica ni sentimental: es el tipo de película en el que todos los personajes, al final, se ponen a bailar una canción mientras pasan los títulos de crédito y a un niño se le ocurre una idea brillante que los adultos no habían sopesado. Tiene el espíritu de una película de Halloween para Disney Channel pero ha costado seis veces más que 'Todo a la vez en todas partes', por poner un ejemplo de cinta que hace mucho más con muchísimo menos.Es una versión inofensiva y blanca de una atracción de feria, pero es exactamente lo que parece estar buscando Disney hoy en día: simple contenido al que no haga falta darle un par de vueltas. Convencidos de su estatus como líderes de la industria, el piloto automático y el poco cariño que ponen a sus producciones solo podían desembocar en algo así, el equivalente fílmico a un bocadillo de choped del Mercadona que no disfrutas especialmente comiendo ni recordarás al día siguiente.Y, pese a todo, alimenta en horas muertas. Ese parece ser el sino de una película que consigue apretar las teclas emocionales correctas pero esconde su humanidad, como si estuviera avergonzada de ella, bajo una catarata de efectos visuales patilleros, tramas sin mucho sentido y un director, más que poco inspirado, probablemente atado de pies y manos por la compañía del ratón. Cada vez más queda claro que Disney no necesita inteligencia artificial: sus películas ya parecen lo suficientemente robóticas y faltas de alma. ¿La parte buena? Ese viaje en autobús desde Burgos hasta Madrid se te va a hacer más o menos entretenido. Algo es algo.En Espinof | Las mejores películas en Disney+ de 2023 (por ahora) |
es | play | espinof | 521bcacf5d5c41228934ec3989dfc02b2239faaa | "A veces llega un momento en que te haces viejo de repente", cantaban los Celtas Cortos en 1990. Para mí, ese momento específico fue ver 'Five Nights At Freddy's', un fenómeno de terror light tan sencillo de comprender en su esencia como complejo de indagar en lo que hay más allá.La saga lleva casi una década cimentando su base de fans con más de veinte juegos oficiales (y un buen puado más programados por seguidores), una trilogía de novelas y decenas de cómics, todos dentro del mismo canon y universo. La película es solo la guinda del pastel, una obra pensada más como premio para sus millones de seguidores acérrimos que como película en sí misma. Y eso, lejos de suponer un dolor de cabeza... es solo el símbolo de que todo está yendo bien.Es injusto -y absurdo- criticar 'Five Nights At Freddy's' desde una supuesta superioridad intelectual, indicando todos los puntos donde podría haber dado el do de pecho y se ha quedado a medias. Ni siquiera importa.Gran parte de los fanáticos han salido encantados al ver a sus animatronics favoritos, se han llevado un buen puñado de misterios con los que teorizar (y de los que en YouTube ya están dando buena caza) y lo que opinemos los neófitos y los adultos que nunca hemos convivido con esta pieza de la cultura pop no tiene ningún tipo de relevancia real.Durante años y años, los estudios de cine se han esforzado en capitalizar la nostalgia hasta límites absurdos. Hemos visto pasar por delante de nuestros ojos remakes y reboots de todo tipo, queriendo contentar al público que, según se pensaba, era el que llenaba las salas: millennials y X, las dos generaciones con dinero y nostalgia pop fácilmente replicable.Sin embargo, esto es todo lo contrario: una película por y para personas menores de 25 años, un sector del público que, según se nos ha repetido una y otra vez, no van al cine salvo a ver películas Marvel. Y sin embargo, han acudido en masa... a pesar de estar disponible digitalmente desde el día uno.Porque 'Five Nights At Freddy's' ni siquiera es una película: es un evento. Algo que tienes que vivir durante los dos primeros días de su proyección en cines, y que no tiene sentido fuera de ahí, más allá de los vídeos teorizando. Scott Cawthon, el creador de toda esta saga, es muy consciente de lo que quiere su público, y se lo ha dado, controlando del inicio al fin de la producción y declarando, en más de una ocasión, que esta no era una obra para todo el mundo, sino exclusivamente para fans. Y ha cumplido su palabra, pero no por lo que cualquiera podría imaginar.La película es un feudo para fans, pero no porque su cantidad de guiños o de lore haga imposible seguir la historia para alguien que jamás se haya acercado a la pizzería Freddy Fazbear's, sino porque se precisa de una disposición previa y de un cariño hacia los personajes para poder disfrutarla del todo. Por decirlo de otra forma: no puedes entrar con dudas a verla. Tienes que ir con confianza ciega, convencido de que te va a encantar porque la han hecho específicamente para ti. Si no, se cae por su propio peso.Y es que, para qué engañarnos, 'Five Nights At Freddy's' no deja de ser un episodio de 'Pesadillas', con giro sorpresa final incluido. Cawthon es un nuevo RL Stine capitalizando un género siempre olvidado como es el terror infantil. Y no hay nada de malo en ello. Sí, no veremos ni gota de sangre, los personajes se comportan de forma histriónica, hay agujeros de guion tremendos, las tramas pueden hacerse repetitivas y ridículas y la resolución final se queda a media res, pero tampoco le podemos pedir más a lo que es, básicamente, una puerta de entrada al cine de género.Claro, no soy el público de esta película, y no pasa nada por reconocerlo. Probablemente tú tampoco lo seas: si eres su target, lo más probable es que de una manera u otra ya la hayas visto. Y de tu grado de fanatismo irredento dependerá que la hayas disfrutado más o menos.Porque al final, 'Five Night At Freddy's' no va de otra cosa que de fe pura y dura: creer que lo que estás viendo ha sido manufacturado por amor hacia ti como fan y que supone un galimatías críptico para los adultos que se acerquen a verla. Sentirte especial al formar parte de una comunidad. El clásico "Hemos ganado" que tanto se repite en Twitter cada vez que una productora nada a favor del fandom.Personalmente la película me parece puro blandiblú, una sucesión de escenas machaconas y repletas de personajes insulsos (con la notable excepción de William Afton, interpretado a las mil maravillas por Matthew Lillard) que exploran la iconografía ochentera formateada para el nuevo milenio.Eso sí, los diseños de los animatronics son tan tangibles como increíbles -aunque no sea necesariamente mérito exclusivo de la película-, la trama incluye un componente psicológico y onironauta inesperado y agradecido, y, siendo sinceros, no me importaría ver una segunda parte. En el fondo es una aventura de terror sanitizada, sin nada de suciedad, grosería, sangre o miedo en sí mismo, a dos pasos del muñeco Slappy. Y me alegro de que exista.Cualquier reacción furibunda por parte de la crítica y el público solo hace patente la división intergeneracional. Aunque, en el fondo, los referentes no anden tan lejanos. De hecho, este es su 'Una pandilla alucinante' particular, solo que desarrollada hasta el detalle a través de horas y horas de teorías, detalles, guiños y partidas. A medida que los fans van creciendo y ampliando su conocimiento, los hilos de 'Five Nights At Freddy's' se hacen más y más claros, convirtiendo la pasión en nostalgia y asegurando que a la saga, en plena renovación constante de público, le quede aún un futuro glorioso por delante.Puede que 'Five Night At Freddy's' no sea para ti, y eso es perfecto. No todo tiene que estar manufacturado para todo el mundo, y a veces toca encogerse de hombros dejando que la naturaleza siga su curso. Al final, el mayor problema de la cinta es que da la impresión de que no han pisado el acelerador al cien por cien con la promesa que le hicieron a los fans de realizarla exclusivamente para ellos.Está claro que han dado con la clave del éxito, pero la labor que tienen en Blumhouse por delante es ardua: retocar, ampliar y refinar si pretenden que la secuela no vuelva a ser más de lo mismo y los seguidores empiecen a verlo como un producto de segunda. Freddy Fazbear's tiene potencial para seguir abierta durante muchísimos años. De momento, seguiré fichando con más curiosidad por husmear que fanatismo real.En Espinof: |
es | play | espinof | 8db5f774abe86d9520c6c6354ec3415683880af3 | Puede sonar a melodrama de tarde, pero cualquier director un poco avezado sabe qué teclas tocar para que el público se vaya a casa llorado y satisfecho: un animalillo, mucho amor, una despedida lacrimógena y a correr. 'Siempre a tu lado, Hachiko' o 'Liberad a Willy' pueden ser los ejemplos más conocidos de todo un subgénero de bichos y humanos queriéndose bastante, y en 'El zorro' llega a su cénit tratando de solventar una misión imposible: que el público sienta empatía por un nazi colega de un zorrito. ¿Lo consigue? Sí. Pero.Pocas veces el prólogo de una película es tan importante como en 'El zorro'. Sin esos minutos iniciales en los que vemos una vida partida por la mitad, en un punto y aparte salvaje y sin escrúpulos, jamás podría caernos bien el protagonista de la cinta, un nazi que solo es capaz de sentir amor hacia un animalillo en el que vuelca todos los anhelos y el cariño que se le han negado. Y es que la cinta encuentra la grieta hacia la empatía remarcando que Franz no es nazi por convicción, sino por absoluto desconocimiento. Ha caído en el ejército como quien cae en la casilla de la prisión jugando a la oca, pero no sabe cómo escapar... O si quiere hacerlo.De un tiempo a esta parte, los nazis han sido necesariamente deshumanizados en el cine y la televisión: son sacos de boxeo para Indiana Jones, encarnaciones del mal absoluto en 'Este mundo no me hará mala persona'... Por más que algunos se empeñen en insistir con un revisionismo absurdo de la historia, hay muy pocas personas dispuestas a empatizar con un nazi puro y duro. Por eso surgió la variante del "nazi bueno", ese que, consciente o inconsciemente de lo que Adolf Hitler estaba haciendo en los campos de concentración, trata de salvar personas, lucha contra la dictadura del Führer o se arrepiente de sus acciones justo a tiempo.Franz, el protagonista de 'El zorro', es el epítome del "nazi bueno": la guerra es un simple escenario en el que él, simplemente, trata de salir adelante repartiendo mensajes y cuidando a su mascota, un adorable cachorro que, sin duda, se lleva toda la película. Cuando cuesta sentirse cercano al protagonista (pasa a menudo, sobre todo cuando tiene arranques violentos o solitarios), la cinta es lo suficientemente inteligente como para centrarse de nuevo en su relación con el animal que representa todo lo que jamás pudo tener: cuidado, confort y amor incondicional.Personalmente, la mejor parte de 'El zorro' (más allá del propio animal) me parecen un brillante prólogo y un doloroso final, que consiguen su objetivo plenamente: en primer lugar, enganchar a la audiencia explicando la personalidad de Franz y, en segundo, dar algo que recordar al salir de la sala. El problema es que, en cuanto el protagonista se alista en el ejército, la cinta solo consigue salir de los tópicos del drama bélico costumbrista gracias a la propia relación entre el humano y el zorrito, que es a todas luces adorable.Sin embargo, 'El zorro' no quiere que te vayas de la sala con alegría en el corazón: dentro de su aparente frialdad es una película dura con escenas maestras destinadas a atravesar el corazón del espectador. En algunos momentos, la película es fabulosa en su tristeza y tiene una sutileza efervescente. En otros, suelta puñetazos al alma en donde es imposible no sentirse afectado. Al final logra lo imposible: que no te importe lo más mínimo si Franz es un nazi o no, solo saber si logra encontrar sentido a su mundo, roto en mil pedazos y sin poder volver a formarse.Adrian Goiginger, el director, trata con más cariño de lo habitual a Franz, su protagonista, porque para él no es un personaje: Franz Streitberger era su bisabuelo, al que ya homenajeó en un corto años antes. Quizá por este aire de proyecto personal, el delineamiento del personaje es al mismo tiempo tridimensional y algo fallido: al limar las aristas y los hechos problemáticos de su pariente, Goiginger termina insistiendo quizá en demasía en la necesidad del público por entender sus acciones. No es mala persona, solo tiene traumas de todo tipo que le llevan a tener una personalidad, digamos, compleja.Por mucho que los espectadores salgamos emocionados de la película (no negaré que me tuve que secar las lágrimas tras su absolutamente demoledora escena final), no es menos cierto que 'El zorro' no consigue destilar siempre una empatía esencial hacia el personaje, especialmente con todo lo concerniente al personaje de Marie, un falso interés amoroso destinado a un protagonista que no sabe amar. Lo que en sus primeras escenas es un predecible romance acaba convirtiéndose en una excesiva caída a los abismos de Franz en su obsesión por proteger lo único que puede querer y controlar.'El zorro' transcurre durante la guerra, pero no es una película bélica. En realidad, trata sobre las cargas que dejamos atrás, los traumas de una niñez corrompida por el dolor y la miseria, la línea entre el amor y la obsesión, las despedidas fortuitas, los círculos completos. Bajo la batuta de un Goiginger capaz de encontrar la belleza en el conflicto y la bondad en la miseria, la cinta acaba siendo mucho mejor de lo que cualquiera podría anticipar, sublevándose ante los tópicos del género y luchando por respetar, al mismo tiempo, la memoria de su bisabuelo.No es perfecta, pero sí consigue hacer un doble mortal con éxito logrando convertie a un nazi en el protagonista de una película sin que, en todo momento, el público espere su momento de realización personal o su arrepentimiento. Franz no sabe por lo que está luchando, no es consciente de la vida que el ejército le está prometiendo ni tan siquiera es dueño de sus propias acciones. Todos sus sentimientos positivos, encapsulados en un pequeño zorro, no pueden evitar saltar por los aires en una época en la que todos los hechos bondadosos tenían, irremediablemente, un reverso oscuro. 'El zorro' es una pequeña maravilla que nos recuerda el poder de la sutileza y los detalles en el cine evitando una autocrítica que no es tan necesaria como sentir el dolor de alguien que tan solo navega por la vida donde le lleve la corriente. Y si toca ser nazi, pues toca ser nazi.En Espinof | Las 13 mejores películas para amantes de los gatos |
es | play | espinof | a344ed162fe13f0ec793066aad9716b98c560716 | Todo apuntaba a que 2023 iba a ser un año marcado cinematográficamente por el gran éxito de 'Super Mario Bros. La Película', pero unos meses después llegaba otro título que eclipsó al fontanero de Nintendo, se merendó a 'Oppenheimer' y además logró destronar como película más taquillera de Warner de todos los tiempos a la saga 'Harry Potter'. Seguro que muchos ya habéis adivinado que me refiero a 'Barbie', el tercer largometraje dirigido por Greta Gerwig.'Barbie' llega a España este 31 de octubre con una edición sencilla en blu-ray (19,95 euros), un steelbook en blu-ray (24,95 euros), una edición sencilla en Ultra HD (24,95 euros) y un steelbook en Ultra HD (32,99). Estas dos últimas también incluyen el disco en blu-ray, pero las que nos interesan ahora mismo son las dos versiones en caja metálica.Por lo pronto, los dos steelbooks cuentan con diseños y prestaciones diferentes. Por mi parte he tenido acceso a la caja metálica en Ultra HD gracias a Arvi, distribuidora de la película en formato físico, y mi compañero Pedro me ha suministrado imágenes de la caja metálica en blu-ray para que así este repaso sea lo más completo posible.En el aspecto audiovisual se trata de una edición impecable, pero mi equipo no se presta a hacer un análisis profundo por ese lado. Lo que sí seguro que agradecen muchos es que la pista en Dolby Atmos no está reservada únicamente a la versión original en inglés, ya que el doblaje en castellano también se presenta así. Dicho esto, pasemos ya con los steelbooks:El steelbook azul cuenta con esa presentación, centrada en el personaje interpretada por Margot Robbie en la parte frontal, mientras que la trasera está reservada al inolvidable Ken de Ryan Gosling e información sobre los participantes en la cinta.Por su parte, el steelbook rosa también se centra en Barbie en la parte frontal, pro cuenta con más adornos visuales, sucediendo lo mismo en la trasera, donde se utiliza una imagen diferente de Gosling y sin acaparar todo el protagonismo.Ahí pueden verse mejor las diferencias en la parte frontal del steelbook de ambas ediciones.Y aquí sucede lo mismo con la trasera, algo más colorida y alegre en el caso de la edición metálica rosa.Además, las diferencias se dejan notar incluso en el canto, con el steelbook azul optando por una forma más sobria de que aparezca el título y el fondo en azul, mientras que el rosa opta por adornarlo un poco más, en especial la parte intermedia donde aparece el nombre de la película.En el interior del steelbook azul se echa mano de ese fotograma de Barbie cuando está preparándose antes de abandonar su casa.Por su parte, el steelbook rosa utiliza una imagen que suceede poco después y quita algo de personaje el personaje de Robbie para centrarse más en Barbieland. Además, en esta ocasión hay hueco para un solo disco, que en el caso de la edición española se trata del blu-ray.Por último, el rosa predomina en el diseño utilizado para los discos, algo más llamativo en el caso del blu-ray -a la derecha en la imagen-, quedándose quizá algo soso en el caso del disco en 4K, pero si en una película pega que predomine tanto un único color, esa seguramente sea 'Barbie'.Se hace raro que una película con un éxito tan monstruoso como el que ha tenido 'Barbie' cuente con una cantidad tan reducida de extras. No es que fuesen tampoco especialmente abundantes en el caso de 'Lady Bird' y 'Mujercitas', los dos anteriores largometrajes dirigidos por Gerwig, pero por ejemplo la primera contaba con un audiocomentario, algo de lo que no hay ni rastro aquí. Tampoco se incluye ninguna escena eliminada y todo se reduce a 6 piezas documentales breves -la más extensa apenas llega a 12 minutos- centradas en diferentes aspectos de la producción:Cualquiera de los dos steelbooks es una compra más que recomendable para los millones de fans de la película, pero personalmente creo que lo suyo habría sido que el diseño rosa estuviese reservado para la edición en 4K. Que además, la excusa de tener espacio para un solo disco no se sostiene cuando tenemos en cuenta esta edición francesa.Por lo demás, la edición de 'Barbie' anda algo escasa de extras, pero todos ellos aparecen tanto en el blu-ray como en el uhd, por lo que por ahí no saldréis perdiendo.En Espinof: |
es | play | espinof | a48d1ed96e9436aabe142a832ca5fa41a486559d | El extraordinario éxito de 'Barbie' y 'Oppenheimer' en taquilla ha dado una gran alegría económica a Hollywood en un verano repleto de decepciones económicas. El problema es que el empuje de 'Barbenheimer' se ha cobrado una víctima: el inesperado hundimiento de 'Misión Imposible: Sentencia Mortal - Parte 1' en taquilla.La séptima aventura de Tom Cruise dando vida a Ethan Hunt arrasó en sus primeros días en cines, pero el bajón en su segundo fin de semana ha sido muy importante. Eso ha sido especialmente obvio en Estados Unidos, donde se esperaban unos 25 millones y finalmente se ha tenido que conformar con 19,5 millones, lo que supone una caída del 64%. Eso supone la mayor bajada de la historia para una película de la saga durante su segundo fin de semana en cines, algo motivado en parte porque ha perdido todas las salas IMAX en beneficio del nuevo trabajo de Christopher Nolan.Por ponerlo en perspectiva, 'Fallout' solamente bajó un 42,3%, por lo que el bajón es especialmente pronunciado, ya que el gran objetivo de 'Sentencia Mortal - Parte 1' era superar los ingresos de su inmediata predecesora. La mayor caída hasta ahora en ese periodo era la de 'Misión Imposible 2' con un 53,5%, pues justamente lo bien que aguantaban en taquilla era una de las señas de identidad de la franquicia y eso ha fallado aquí.Además, internacionalmente tampoco hay buenas noticias, ya que 'Sentencia Mortal - Parte 1' suma 55 millones adicionales en otros 71 mercados. Eso supone que este fin de semana ha añadido 74,5 millones para un total mundial de 371 millones. Teniendo en cuenta su enorme coste -290 millones de presupuesto más lo que se haya gastado en marketing, que habrán sido 100 millones o más-, en parte provocado por los parones causados por el coronavirus, todo apunta a que acabará siendo un fracaso en taquilla. Una lástima.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | a163c9b95257804d271ee1caa1dda91fc250006c | Las Tortugas Ninja nacieron en 1984, y desde entonces se han realizado varias películas para la gran pantalla, la última de ellas, la excelente 'Ninja Turtles: Caos mutante'. Los personajes creados por Kevin Eastman y Peter Laird han sido rostros recurrentes en Hollywood y Leonardo, Rafael, Donatello y Miguel Ángel ha alentado repetidamente a los estudios a reinventar su historia, con los que los fans han podido disfrutar constantemente de nuevas versiones de los personajes, tanto en acción real como en animación.Desde la primera, en 1990, se han utilizado trajes prácticos, CGI, animaciones 2D y 3D para ofrecer historias con películas que incluyen desde viajes en el tiempo a luchas contra monstruos increíbles. Aquí están todas las películas de las Tortugas Ninja mutantes adolescentes clasificadas de peor a mejor, pero hemos apartado todas aquellas no estrenadas en salas, por ser principalmente casi episodios especiales en forma de largometraje de las diferentes cuatro series de televisión animadas que han tenido.Dirección: Stuart Gillard. Reparto: Elias Koteas, Paige Turco, Stuart Wilson, Sab Shimono, Vivian Wu, Mark Caso.Las tortugas encuentran una antigua reliquia que las envía de regreso al Japón feudal, al Japón feudal de 1603. En teoría no era una mala idea ver a los cuatro hermanos mutantes aprender sobre dónde se originó su estilo de luchar, pero es un pobre intento de película de viajes en el tiempo, un clásico de la decadencia de las franquicias, con versiones de su traje de saldo que reflejan las luces del rodaje. Además, tardan más de media hora en salir de sus alcantarillas típicas y cuando llegan al destino no es demasiado emocionante. Típica secuela de vídeo que acaba en salas para rascar taquilla.Dirección: Kevin Munroe. Reparto: Mitchell Whitfield, James Arnold Taylor, Chris Evans.La película animada TMNT de 2007 es un intento adecuado de reformular la franquicia con las cadencias de una época, el problema es que su estilo de animación 3D esta tremendamente obsoleto, además de que el conjunto canaliza una agresividad típica de la época que se traslada a momentos de intensidad exagerada (y ridiculo involuntario) como la pelea de Leonardo y Raphael bajo la lluvia. El Casey Jones de Chris Evans y April O'Neil de Sarah Michelle Gellar son dos puntos a valorar, pero la película finalmente se cae con villanos débiles y olvidables, propios de una fantasía digital de un Zack Snyder empachado de monstruos finales de videojuego, para añadir al feismo general del conjunto.Crítica en Espinof | Disponible enDirección: Jonathan Liebesman. Reparto: Megan Fox, Alan Ritchson, Jeremy Howard, Pete Ploszek, Noel Fisher.La primera entrega del reinicio de acción real producido por Michael Bay es la mas taquillera de la franquicia pero el legado 'Transformers' le pesa demasiado. está llena de humor tontorrón y tiene muchas dificultades para encontrar el tono, buscando ser más seria, pero también el humor chabacano marca del productor. Esto se suma a un diseño horroroso de los protagonistas, con diseños vigoréxicos y poco adolescentes, una trama de Shredder poco desarrollada, y un uso de Megan Fox de chica de calendario que recuerda por qué la actriz tuvo sus más y sus menos con Bay en su día.Crítica en Espinof | Disponible en SkyshowimeDirección: Michael Pressman. Reparto: Paige Turco, David Warner, Michelan Sisti, Leif Tilden, Ernie Reyes Jr., Mark Caso.La segunda película las tortugas fue una rápida secuela directa de la de 1990, en la que estas vuelven a luchar contra Shredder y también, por primera vez, con las criaturas mutadas comunes en sus tebeos, aunque todos los niños que querían ver a Bebob y Rocksteady quedaron algo decepcionados al ver a Rahzar y Tokka, dos criaturas que podrían ser villanos de 'Masters del Universo'. El tono es mucho más infantil, tanto la historia y los gags están más orientados a los pequeños, pero además de contar con nuevos trabajos de Jim Henson tiene la canción de Vanilla Ice que se hizo icónica en la franquicia.Disponible en TivifyDirección: Dave Green. Reparto: Megan Fox, Will Arnett, Laura Linney, Tyler Perry, Alan Ritchson, Jeremy Howard.Si bien los diseños de las Tortugas en esta continuación todavía son incómodos a la vista (lo de Donatello no tiene perdón) la película por fin abraza el lado más colorido y extravagante de la franquicia, presentando por primera vez una versión de "acción real" de villanos de dibujos animados como Krang, Bebop y Rocksteady. Stephen Amell hace un más que digno Casey Jones y la acción y concepción de las escenas son bastante potentes, sin nada que envidiar al cine de superhéroes de moda sobre el que han conformado su punto de partida. Superior a la anterior y muy entretenida.Crítica en Espinof | Disponible en SkyshowtimeDirección: Jeff Rowe. Reparto: Shamon Brown Jr., Hannibal Buress, Rose Byrne.Una gran reinvención de la franquicia que sabe recoger lo bueno de varias iteraciones y concentrarlo en una dinámica comedia infantil llena de acción y una animación que se suma a la revolución iniciada por 'Spider-Man: un nuevo universo', permitiendo sustituir el horror 3D digital de 'TMNT' por trazos imperfectos y estética de cómic fanzinero. La gran ventaja con el resto, sin embargo, son los cuidados diálogos entre las tortugas, que hacen que parezcan verdaderos adolescentes.También ayuda ese "caos mutante" del título con mucha variedad de monstruos y criaturas y una oda a lo diferente muy parecida a la de 'Chip y Chop: Los guardianes rescatadores', con un estupendo final kaiju que recuerda a los episodios de "monstruo de la semana" de la serie. Sin embargo, hay aspectos que la alejan del espíritu tortugil original, como el tratamiento de Splinter y una mirada irónica, nost descreída a todo que no da espacio a la espiritualidad de su disciplina, así como un buenismo de cara a la galería bajo la escatología que conecta más con el cine de animación Dreamworks que con la esencia mutante.Crítica en Espinof| Disponible en cinesDirección: Steve Barron. Reparto: Judith Hoag, Elias Koteas, Josh Pais, Michelan Sisti, David Forman, Leif Tilden, Sam Rockwell.La película original de Las Tortugas Ninja puede haberse quedado muy defasada en varios aspectos pero sigue siendo la recreación más arquetípica de la tragedia de las tortugas como monstruos rechazados por la sociedad. La decisión de utilizar trajes fabricados por Jim Henson's Creature Shop hace que se mantenga una magia inimitable, en lugar de intentar hacer a las Tortugas demasiado realistas mantuvieron la cualidad de dibujo animado que ayudan a establecer un tono de aventura familiar típica de los años 90 llena de humor tonto y corazón.Tiene algunas grandes ideas, como ese almacén de niños perdidos, como la isla de los juegos de 'Pinocho', que recoge a la perfección todas las obsesiones y cultura juvenil de recreativos de los 90 por venir, pero además las escenas de acción beben del cine de artes marciales de videoclub de la época y tiene a especialistas que hacen creíble que las tortugas puedan ser ninjas. Entre la oscuridad de los cómics originales, con ecos de Frank Miller, los dibujos animados y el cine infantil oscuro de Henson, 'Las tortugas ninja' sigue siendo una adaptación ideal, que juega la carta de no ser un producto de la nostalgia como la última, lo que la hace la mejor de todas ellas.Crítica en Espinof | Disponible en TivifyEn Espinof | Las 37 mejores películas basadas en cómics y novelas gráficas |
es | play | espinof | a3d6ef86d289f4c5afaca683f7289a51e4c7a0a5 | El éxito de 'Háblame', la nueva película de terror A24 de los cineastas hermanos Danny y Michael Philippou, marca el primer evento mediático del terror de 2023, tras haberse convertido en una sensación de taquilla gracias al boca-oreja de este verano, mejorando los números de 'Midsommar' para la producción de A24 tras haber recaudado 32 millones en los EE. UU. y poder terminar su carrera de taquilla como una de las cinco películas de la productora más taquilleras a nivel de EE.UU.Tomando el modelo Blumhouse, al que se parece más de lo que podría desear su público veterano, el estudio anunció recientemente que una secuela está en camino, con los hermanos Philippou volviendo a dirigir. Pero antes de que llegue, aquí tenemos algunas ideas de cine con espectros, sesiones de espiritismo y maldiciones que, si no han influenciado la película, sí tienen muchos puntos en común y coincidencias que pueden hacer de su visionado un complemento perfecto.Dirección: Benito Alazraki. Reparto: José Luis Jiménez, Nora Veryán, Beatriz Aguirre, Alicia Caro, Carmelita González.Manos malditas, sesiones de espiritismo y entes malignos que se hacen pasar por espíritus de seres queridos. El cine de terror mexicano ya hizo 'Háblame' hace más de 60 años y, como esta, empieza con una sesión de Ouija en la que un espectro posee a uno de los participantes. También tiene una mano embalsamada, aunque funcione de forma diferente, ambas se relacionan con los deseos ocultos y están íntimamente relacionadas con el seminal relato 'La pata de mono' de W. W. Jacobs.Ver en YoutubeDirección:Marcus Adams. Reparto: oe Absolom, Lara Belmont, Melanie Gutteridge, Lukas Haas, James Hillier.Un estudiante universitario y sus amigos usan una tabla Ouija para realizar una sesión de espiritismo, lo que desencadena una cadena de muertes misteriosas que podrían causadas por una fuerza de otro mundo. Un argumento que podría valer para la película 'Witchboard' de los 80 como para la adaptación del juego 'Ouija'. Lo que propone 'Háblame' es tan arquetípico que resulta redundante señalar su parecido con estas propuestas de cine juvenil, pero en el caso de la olvidada 'Muertos del pasado' hay bastantes detalles en común que hacen pensar que tuvo su pequeño éxito en los videoclubs australianos a principios de siglo.Dirección: James Wan. Reparto: Rose Byrne, Patrick Wilson, Ty Simpkins, Barbara Hershey, Andrew Astor.La de James Wan puede ser una de las películas de terror más influyentes de la década pasada pero 'Háblame' no se dedica a reciclar su catálogo de sustos, sino que se implica en su sugerente mitología de "el otro lado", proponiendo un espacio alternativo en donde también hay demonios "secuestrando" el alma de los niños. Mientras en 'Insidious' es una especie de purgatorio para almas, en la película de A24 apenas se atisba, pero es un lugar más cercano al infierno.Ver en Netflix | La crítica en EspinofDirección: Demián Rugna. Reparto: Maximiliano Ghione, Norberto Gonzalo, Elvira Onetto, George L. Lewis.Esta pequeña película de terror argentina ha dejado más huella de lo que parece. Si la película más taquillera de 2022, extraordinaria 'Smile', fotocopiaba el susto del coche, 'Háblame' parece muy influida por su estética granulosa y sucia, así como la violencia con la que los espíritus de su universo deciden golpear a los humanos, especialmente el niño víctima, que parece a un paso de convertirse en el cadáver de la mesa que se ha convertido en la imagen emblemática de la obra de Rugna, pendiente de un remake americano.Ver en Prime Video | La crítica en EspinofDirección: Paco Plaza. Reparto: Sandra Escacena, Bruna González, Ana Torrent.A finales de primavera vimos a una adolescente que pasa por el duelo tras la muerte de su madre en la decepcionante 'The Boogeyman' y en 'Háblame' se repite la secuencia de acontecimientos forma inaudita, pero, más allá de esa plantilla que debe empezar a desaparecer en el cine de terror, la película de los Philippou tiene una estructura bastante similar a la de nuestra icónica 'Verónica', en la que la sesión de Ouija que sale mal se traduce en una pesadilla de una adolescente inadaptada que acaba con esta medio poseída y tratando de hacer daño a niños de su entorno.Ver en Prime Video | La crítica en EspinofDirección: Elle Callahan. Reparto: Isaac Jay, Ashleigh Morghan, Sam Marra, Billy Meade, Cooper Rowe.Los terrores creepypasta son uno de los elementos más destacables de la propuesta de los hermanos Philippou, tanto por cómo conecta con la generación de las redes sociales como el tipo de leyendas online que a base de contarse se hacen ciertas. En 'Head Count', además de una protagonista que recuerda mucho a la Zoe de Sophie Wilde en más de un aspecto, hay una sensibilidad Gen Z muy similar, con los sucesos sobrenaturales teniendo lugar en reuniones con alcohol y drogas, una conexión con las nuevas formas de comunicación tanto tecnológica como gregarias, con la senda mustia de 'It Follows' en común.Dirección: Ari Aster. Reparto: Toni Collette, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Milly Shapiro, Ann Dowd.El debut de Ari Aster sigue dejando una estela ineludible en el cine independiente de terror, con algunas películas tomando parte de su lenguaje como otras más atraídas por el aspecto de las enfermedades mentales transmisibles de generación en generación. Algo de todo ello hay en 'Háblame', pero la analogía más manifiesta es toda la secuencia de la fiesta en la que el hermano pequeño insiste en estar con los mayores con consecuencias funestas. Los paralelismos con el shock de la hermana con alergia de 'Hereditary' son evidentes, pero la película de los Philippou no se casa con su propio intento de giro de la misma forma.Ver en Filmin | La crítica en EspinofEn Espinof | Las 39 mejores películas de terror de todos los tiempos |
es | play | espinof | dcaa8001147691f968436b627604264b6558a8d2 | 2023 puede convertirse en el año de las adaptaciones de videojuegos gracias a la taquilla, con ‘Super Mario Bros: la película’ estableciendo el récord para el debut cinematográfico de un videojuego, y ahora ‘Five Nights at Freddy's’ estableciendo un nuevo punto de referencia en el segundo lugar rompiendo las proyecciones que estimaban su primer fin de semana de estreno en 50 millones de dólares. Aunque ayer informábamos de 78, la película de terror dirigida por Emma Tammi, recaudó 80 millones de dólares en la taquilla doméstica.Esto deja un dato de 130 millones a nivel mundial en sus primeros tres días, lo que no solo marca el mayor estreno de todos los tiempos del estudio Blumhouse, sino que rompió el récord de "mejor fin de semana de estreno para una película de terror dirigida por una mujer". Un éxito enorme que se debe en gran parte a la base de fans de la marca en la que se basa. La serie de juegos independiente comenzó en 2014 y se ha fortalecido gracias al apoyo de su muy dedicada comunidad de YouTube, que ha convertido su éxito en algo viral.En la versión de cine, Josh Hutcherson interpreta a un guardia de seguridad que consigue un trabajo en Freddy Fazbear's Pizza y se da cuenta de que el turno de noche tiene más peligros de los que la han informado en su agencia. Una versión respetuosa con ideas clave, que ha despertado tanto entusiasmo de los seguidores clásicos como una disparidad de recepción de la crítica, en su mayoría malas, que no ha evitado tampoco que logre un gran A- en Cinemascore, lo que indica que la gente que asistió a las proyecciones lo pasó bien.Este potencial de taquilla se logró gracias a que Blumhouse aseguró una clasificación PG-13, una decisión que la directora Tammi defendió en entrevistas recientes dado el tema oscuro y sangriento del material original del videojuego que ha hecho que algunos echen en falta esa condición mucho más violenta digna de una R. En realidad, el resultado sorprende porque más que la típica historia de "vigilante de noche encerrado con marionetas asesinas", en ella priman aspectos de terror psicológico y fantasía infantil, es como si fuera una temporada perdida de ‘Channel Zero’ para chavales.Salvando las distancias con aquella, ‘Five Nights at Freddy's’ puede verse como un terror "adulto" muy suavizado o bien como una introducción al género para chavales bastante oscura. Es fácil inclinarse por la segunda gracias a la dirección con cierto poso de Tammi, que se mueve más hacia el Blumhouse de ‘Black Phone’ que al de ‘M3GAN’, aunque posee similitudes argumentales y de premisa con ambas producciones, tanto por la presencia de una trama de desapariciones como por los muñecos inanimados.Por ello, la idea es no espera que la película recupere el espíritu de clásicos como ‘Chopping Mall’, y si lo que se busca es una versión de un animatrónico asesino llena de gore gamberro, es más recomendable buscar la reciente ‘Christmas Bloody Christmas’ de Joe Begos. Puede que todo el valor de esta ‘FNAF’ resida en su buena decisión de casting y centrar el peso de la historia en un Josh Hutcherson errático y afectado por el trauma, en una subtrama peregrina que consigue hacer creíble y funcional en el marco aún más disparatado de la película.El mayor atractivo a nivel visual reside en las creaciones robóticas de la factoría Jim Henson, un pedrigrí que más que por su artesanía cautivadora, apela a una tradición de cine fantástico juvenil oscuro que dialoga con el terror y la confrontación de temas adultos a través de muñecos. Y es que, a diferencia de dos copias recientes del juego como ‘The Banana Splits Movie’ y ‘Willy’s Wonderland’, esta traslación oficial sabe sortear la idea de risa-meme de "winniethepoo" de convertir figuras de éxito en los 80 en asesinos tirando sangre a la pantalla y dotar el trasfondo de interés.Es más, a diferencia de aquellas, la de Blumhouse sabe implementar más los aspectos Creepypasta que rodean a la marca, la introducción en la pizzería abandonada, los VHS olvidados con el lado pocho de los 80 y hasta el metraje de cámara de seguridad que consolida su relación con el fenómeno "analog horror", una de las posibles explicaciones de su interacción constante y su viralidad. Algo que no debe ser ajeno a Jason Blum, que pronto ha ido a por el fenómeno Backrooms de youtube.Más o menos acertado el resultado es un buen acercamiento al mundo del videojuego oficial, disfrutable para completos neófitos, pero también para fans avanzados del mismo, ya que supone un capítulo más dentro de su mitología, participando en el canon y revelando algunos detalles inéditos de su recorrido. Sin embargo, hay unos cuantos elementos mejorables que juegan en su contra, desde un abuso muy innecesario de jumpscares de sonido, una resolución un poco apresurada y sobre-verbalizada y la que probablemente sea la peor escena postcréditos de los últimos años.Con todo, la directora de la estupenda ‘The Wind’ (2018) sobrevive a su salto al mainstream con una película de terror que no estará entre las mejores del año, pero sí mejora a todos estrenos de Blumhouse de 2023 y sabe dotar de cierta entidad visual y de personajes a la producción. ‘Five Nights at Freddy's’ no va a cambiar la vida a nadie, pero es un simpático relato sobrenatural que recoge las sensaciones de ‘Pesadillas’ y ‘El club de la medianoche’ de los 90 para una generación multiformato, que no entiende el entretenimiento como una ventana estanca pasiva. |
es | play | espinof | 5f8623d1889a88a432315acc9b75560c7753bce7 | Se han escrito ríos y ríos de tinta sobre 'Anatomía de una caída' y análisis sobre si la protagonista cometió el asesinato de su marido o no. Pero la verdad, que algunos no querrán aceptar nunca es... que no importa. A la propia directora le da absolutamente igual si es culpable o no, porque solo quiere reflexionar sobre la degradación del sistema jurídico, la supremacía de una buena historia por encima de la verdad y, en última instancia, la absoluta banalización de la justicia como algo maleable.'Sala de profesores' ('Das Lehrerzimmer') navega entre los mismos conceptos pero a pequeña escala, ofreciendo el retrato de una profesora a la que una mala decisión le mete en un torbellino descendente que no es capaz de parar a tiempo. El resultado es agobiante, fascinante y, sorprendentemente, único.Hay días que te levantas y todo sale del revés. Ya sabes a lo que me refiero: cometes un error en el trabajo, al defenderte lo empeoras más, las consecuencias van haciéndose más grandes y lo que en un principio había sido una mala decisión acaba convirtiéndose en una pesadilla laboral en la que no ves ningún tipo de escapatoria.'Sala de profesores' es esa pesadilla. Lejos de tratar de hacer una radiografía de la educación moderna (aunque sin desdeñarlo), nos presenta un thriller con tintes casi hitchcockianos repleto de falsos culpables, acusaciones prematuras, arrepentimientos tardíos y verdades que a nadie importan.Y todo empieza, como ocurre normalmente, con la mejor de las intenciones: saber la identidad de la persona que está robando cuando no queda nadie en la sala de profesores. Sin embargo, la investigación empieza a tomar derroteros inesperados que nunca terminan de eclosionar, quedando inconclusos, en los que cada espectador tendrá su punto de vista: el racismo injustificado, la eterna vigilancia moderna, el papel de los profesores en la educación actual, la sobreprotección paterna y, por supuesto, una verdad que ya a nadie importa, ahogada por la opinión.Ilker Çatak, el director, empieza su película buscando los hechos concretos y la veracidad, pero a medida que van pasando los minutos, esta va quedando de lado, siendo sustituida por un juicio paralelo. No hacia la persona acusada, sino, como suele pasar (tenemos ejemplos muy recientes), hacia quien trató de tirar del telón y mostrar una evidencia incómoda.'Sala de profesores' presenta así el hundimiento y la caída en el infierno y la desgracia de Carla Nowak (encarnada por Leonie Benesch), una profesora que aprende el valor de cerrar la boca en una sociedad donde los datos son lo de menos teniendo sentimientos.Frente a otras propuestas más, a priori, oscarizables, como 'Fallen Leaves', 'A fuego lento' o 'La tierra prometida', 'Sala de profesores' ha conseguido colarse entre las cinco candidatas a mejor película de habla no inglesa de este año, convirtiéndose en competidora de 'La sociedad de la nieve', la candidata española dirigida por J.A. Bayona.Aún teniendo competencia ardua en un año estupendo para el resurgir del cine adulto (así, en general), se lo ha ganado con creces, a pesar de que su victoria sea quizá imposible. La propuesta alemana es poderosa, diferente, actual, única y rompedora sin dejar en ningún momento de ser un thriller ambientado entre clases y pasillos de colegio.Lo que para otras películas habría sido un handicap, para Çatak es un extra. El colegio se ve como un instrumento más de presión, una cárcel en la que las conspiranoias crecen y susurran tras cada puerta, donde cada clase transcurre de manera absolutamente misteriosa para el resto. La estética sanitizada, apta para los niños, repleta de lugares donde unos pocos púberes se juntan para fumar y donde los rumores se acrecientan en corrillos es perfecta para 'Sala de profesores', que convierte el lugar educativo en el infierno de Dante y en el que cada nueva situación peliaguda la hace caer en un nuevo círculo al que jamás esperaba llegar.Las buenas intenciones tienen la misma importancia que la verdad en el siglo XXI: ninguna. Esta especie de fábula moral (o anti-moral) envuelta en thriller es un retrato perfecto de todo lo que puede salir mal si aún crees que dar un paso adelante puede resolver una injusticia en lugar de ser un catalizador de más opiniones, problemas y confusiones contigo en el centro de la diana. Al final, todo lo que puede hacer Nowak es ir a su clase, mirar a sus alumnos y gritar, tratando de exorcizar su único gran error: tratar de marcar la diferencia.Hacia el final de 'Sala de profesores', la historia se les va ligeramente de las manos. La conclusión perfecta, que tiene que ver con un cubo de Rubik usado como leitmotiv a lo largo de la cinta, se pierde con unas últimas escenas en las que el chicle se estira en demasía y terminan por resultar más producto de la fantasía que de la realidad en la que sus responsables quieren enmarcar la historia.Es solo el colofón a una impresión que va dejando a lo largo del metraje: en su ambición por hacer un retrato agobiante y repleto de giros continuos, algunas subtramas e ideas quedan mal delineadas y acaban por olvidarse (como el racismo en la escuela) para dar más importancia a otros momentos dramáticos francamente increíbles. Si la película estuviera más centrada, quizá su resultado final rozara la perfección dentro de sus intenciones. Quiere contarlo todo. Y no puede ser.Puede que 'Sala de profesores' sea demasiado para algunas personas. Es, sin mostrar ninguna imagen dura o traumática, una experiencia intensa e injusta que, personalmente, me dejó huella, encontrando siempre el momento dramático perfecto en esa pobre profesora arrepentida de sus actos que ha causado un tsunami después de tirar una piedrecita al agua y que, incapaz de pararlo, no sabe cómo conseguir salvarse.Lo intenta gritando, utilizando una bolsa de la basura del baño, hablando con la víctima, regalando un cubo de Rubik, luchando contra la autoridad que ella misma llamó. Y, al final, no le queda otra que quedarse sentada, esperando dócilmente las consecuencias de sus buenas intenciones y su honestidad. En el cínico siglo XXI, parece que se lo tiene bien merecido.En Espinof: |
es | play | espinof | 213dc8047077892a391236837c78e6ab332714f5 | Este viernes 18 de agosto llegó a los cines 'Blue Beetle', una película que había venido acompañada por una buena respuesta de la crítica. Todo apuntaba también a que estaba logrando conquistar al público, al menos a aquellos espectadores que se habían animado a darle una oportunidad, pero las últimas noticias que tenemos apuntan que les está pareciendo una de las peores películas del SnyderVerse.'Blue Beetle' ha recibido una calificación B+ por parte del público norteamericano consultado por CinemaScore, lo cual la sitúa por encima de 'Flash', ya que la película protagonizada por Ezra Miller, que ya tiene fecha de estreno en HBO Max, se quedó en una B, pero mucho me temo que las buenas noticias se acaban ahí.Desde el estreno de 'El hombre de acero' en 2013, las películas del Snyderverse han conseguido una A, una A-, una B+ o una B, por lo que 'Blue Beetle' se salva de formar parte del furgón de cola, pero sigue estando en una posición precaria dentro del Top de DC por parte del público, que queda de la siguiente manera:1) '¡Shazam!' y 'Wonder Woman' (A)2) 'Aquaman' y 'El hombre de acero' (A-)3) 'Aves de presa', 'Black Adam', 'Blue Beetle', 'El Escuadrón Suicida', 'Escuadrón Suicida', 'Liga de la Justicia', '¡Shazam! La furia de los Dioses', 'Wonder Woman 1984'4) 'Batman v Superman: El amanecer de la justicia' y 'Flash' (B)La última película de Universo Extendido DC que queda por estrenar es 'Aquaman 2', cuya llegada a los cines está prevista para el próximo 20 de diciembre.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | cd95364a857cbac3aebb459f9a01ee178ef2e80c | Cuando Nacho Vigalondo estrenaba 'Los cronocrímenes', en 2007, saldaba una deuda del cine español con el que hasta entonces había sido su género maldito, rarezas aparte: la ciencia ficción. El cine independiente y de guerrilla parecía dispuesto a arriesgarse con aquello que, hasta entonces, las grandes productoras no se atrevían a abordar, bien por cuestiones de presupuesto o bien por lo difícil que resultaba asegurarse una respuesta por parte de un público disperso y, al menos en apariencia, tan exigente como caprichoso.Hasta entonces, con el recuerdo de estrepitosos fracasos como 'El caballero del dragón' (1985), nadie daba un duro por la ciencia ficción autóctona. El artero y siempre brillante Vigalondo, como demostró en su siguiente e inferior 'Extraterrestre' (2011), en este caso con un tono más cercano a la comedia popular, no muy alejado al de sus estupendos cortometrajes, apostaba por una ciencia ficción conceptual, que utilizaba los códigos del género para aproximarse a temas humanos y universales, fácilmente identificables y de carácter generacional.Su segunda película no dejaba de ser, en este sentido, un film catastrofista en miniatura, con reminiscencias a Fernando Colomo (precisamente, el director de 'El caballero del dragón') o José Luis Cuerda, el mismo que unas décadas antes afrontara un ejercicio similar en su mediometraje para televisión 'Total' (1983). Y aunque las cifras en este caso no cuadraron ('Extraterrestre', hoy un título de culto, apenas fue visto en salas por 26.000 espectadores), la semilla estaba plantada y no tardaría en dar sus frutos.Si bien la irrupción de Vigalondo no desperezó el género de su letargo, sí es cierto que, a partir de entonces comienzan a sucederse tentativas de abordarlo dentro del low-cost, con ambiciones creativas a menudo desmedidas, directamente proporcionales a la precariedad de medios. De desigual interés pero siempre meritoria aportación y portentosa valentía son títulos como 'Rendezvous' (2016) de Guillermo Julián y Román Santiago Pidre, 'HOus3' (2019) de Manolo Munguia y, sobre todo, 'El increíble finde menguante' (2019) de Jon Mikel Caballero.Dentro de una voluntad igualmente conceptual, metafórica y abstracta, siempre interesada por la llegada de nuevas tecnologías y a veces con un distanciamiento irónico que las acerca todavía más al cine del autor de 'Los cronocrímenes', alternan acercamientos duros, o "hard SF", más cercanos a la ciencia y a la técnica reales, con elementos blandos, hermanados con la fantasía y cercanos al territorio de la alegoría, con frecuencia sociopolítica o llanamente psicológica.Dentro de esta tradición continuista pero con unas características bien diferenciadas nos llega ahora 'La paradoja de Antares', debut de Luis Tinoco, responsable del aclamado cortometraje 'Caronte' (2017). Tinoco también firma el guion y la fotografía. La película nos cuenta la historia de Alexandra (una magnífica y entregadísima Andrea Trepat), una joven científica encargada de la detección de indicios de vida extraterrestre que recibe una señal procedente de la estrella Antares que tendrá que comprobar y registrar durante una noche inhóspita y hostil.En un limitado espacio de tiempo, Alexandra tendrá que superar una serie impensable de obstáculos y, en último término, decidir entre atender a su padre moribundo o cumplir con su responsabilidad como científica, respondiendo a su vez a uno de los enigmas más importantes del mundo moderno.Planteado el dilema, deducimos la paradoja: ¿no es el excesivo celo en la búsqueda de vida extraterrestre una excusa para escapar de nuestras responsabilidades privadas y una forma de alejarnos de las exigencias que imponen? Y, sobre todo, ¿puede ser que, en un momento dado, el denodado empeño por localizar nuevas formas de vida ponga en riesgo nuestra parte más humana, la que está íntimamente relacionada con la gestión de los afectos y los cuidados?No es la primera vez que la ciencia ficción ha abordado la búsqueda de vida extraterrestre en relación, y contraposición, con la supervivencia de lo intrínsicamente humano. De hecho, el tema es uno de los vértices, o vórtices, de la obra ensayística y narrativa de Carl Sagan.Precisamente la novela 'Contacto' (adaptada al cine por Robert Zemeckis) se abría con una cita de Albert Einstein: "Sostengo que el sentimiento religioso constituye la más fuerte y noble motivación de la investigación científica". Aquí parece que para Luis Tinoco el humanismo es una especie de religión laica. No por casualidad la novela de Sagan se convierte en una referencia ineludible en 'La paradoja de Antares', y no sólo por el protagonismo femenino y la figura del padre.Tanto o más interesante es el uso que hace el director de un espacio pequeño y claustrofóbico, donde se desarrolla prácticamente toda la acción de la película, a través de conversaciones de móvil, videollamadas y charlas por aplicaciones de Internet. No deja de ser curioso cómo una película que tiene tan presente las nuevas tecnologías y las emplea constantemente para vehicular la acción y precipitar el suspense respete al mismo tiempo una tradición clásica y canónica.Así, Tinoco se inspira, en su diseminación de trampas, pistas y sorpresas, en clásicos como 'La huella' (1972) o 'La trampa de la muerte' (1982), mientras que el aprovechamiento del espacio mínimo remite a obras más recientes, caso de 'Cube' (1997), 'Buried (Enterrado)' (2010) o 'Locke' (2013). Para el desarrollo del crescendo de la intriga y el progresivo dilema que persigue y azota a la protagonista, el director y guionista se ve obligado a asumir ciertas licencias, y constantemente obliga al espectador, que debe poner algo de su parte para disfrutar de la experiencia, a usar el comodín de la suspensión de la credibilidad.Más interesante es comprobar cómo, para enganchar de la nariz a su público, Tinoco recurre a todos los trucos posibles, convirtiendo su escenario único prácticamente en un tablero de re-enactement, en una narración que toma préstamos al desarrollo del videojuego y a la escenificación del rol, pero también a las narrativas dislocadas tipo 'Elige tu propio aventura' o las aventuras conversacionales de los ordenadores de 8 bits.Al margen de sus excesos, especialmente sensibleros, de su última media hora, 'La paradoja de Antares' tiene mucho de película interactiva, y de ahí que busque a toda costa nuestra implicación y despierte reacciones tan polarizadas. En un ejercicio no tan alejado del 'Huis Clos. A puerta cerrada' sartreano, 'La paradoja de Antares' escenifica sin pudor la desesperación, la angustia y el dolor de su protagonista, a la manera de los citados films de Natali, Knight y Cortés, convirtiendo la obsesión, el vacío y la búsqueda del sentido de su protagonista (de su director, del propio espectador) en una forma lindante con la telerrealidad.Sin embargo, lo más chocante del debut de Tinoco es su dimensión moral, que resulta especialmente a contracorriente en tiempos marcados por el signo del cinismo. En este sentido, la película conecta a la perfección con el espíritu postpandémico, basado en parte en un retorno a las raíces pareja a una huida de una sociedad saturada de estímulos (sensoriales, ideológicos), de otros títulos del reciente cine independiente, como 'La corriente. Ibiza Blue' (de Jesús Lloveras) o 'La quietud en la tormenta' (de Alberto Gastesi), ambas estrenadas este mismo año.Todo lo escrito aquí arriba apenas sería nada si no cerráremos este artículo con un aplauso reverencial a la somática y visceral interpretación de Andrea Trepat, que se funde con la película, con su discurso y su personaje de la misma manera que las grandes heroínas del género: nada que envidiar, en este aspecto, a la Brigitte Helm de 'Metrópolis' (1927), la Anne Francis de 'Planeta prohibido' (1956), la Beverly Garland de 'Emisario de otro mundo' (1957), la Sigourney Weaver de 'Alien: El octavo pasajero' (1979), la Debbie Harry de 'Videodrome' (1983), la Uma Thurman de “Gattaca' (1997), la Carrie-Anne Moss de 'Matrix' (1999) o la Alice Vikander de 'Ex Machina' (2014).A veces, cuando hay verdad y talento, el presupuesto no es tan necesario. A las pruebas me remito y lo juro por la luz eterna de Antares. La ópera prima de Luis Tinoco se estrenó la semana pasada con una distribución muy limitada pero aún hoy puede encontrarse en alguna sala de cine.En Espinof | Las mejores películas de ciencia ficción y fantasía de 2022 |
es | play | espinof | ba2bc5b79c9a7f1ce1105527cfead335639937ca | Hace ya unos días que llegó a los cines 'Indiana Jones 5' y pronto tendremos noticias definitivas sobre su éxito o fracaso en taquilla. No obstante, el público ya ha dictado sentencia y ha concluido que 'El Dial del Destino' es mejor que 'El Reino de la Calavera de Cristal', pero también que la última película de la saga protagonizada por Harrison Ford tampoco es ninguna maravilla.Eso es lo que se concluye de la valoración que ha conseguido 'Indiana Jones y el Dial del Destino' en Estados Unidos a través de CinemaScore. La película dirigida por James Mangold ha recibido una nota de B+, mientras que la anterior aventura de este mítico arqueólogo se quedó en una B. Una victoria por la mínima, pero una victoria a fin de cuentas.Ahí merece la pena destacar que la nota máxima que puede recibir una película en CinemaScore es un A+, luego llega la A (que fue lo que consiguió en su momento 'Indiana Jones y la última cruzada'), luego la A- y ya entonces encontramos la B+. Por ponerlo en perspectiva, títulos como 'Spider-Man 3', 'X-Men Orígenes: Lobezno', 'The Amazing Spider-Man 2', 'Venom' o 'Black Adam' lograron una B+, mientras que con una B tenemos a 'Elektra', 'Catwoman', 'Ghost Rider: El motorista fantasma', 'Linterna verde' o 'Flash'.Eso nos indica que el entusiasmo del público norteamericano hacia 'Indiana Jones y el Dial del Destino' no ha sido precisamente algo, y lo más probable es que eso juegue en su contra a la hora de llevar a la gente al cine. Teniendo en cuenta que ha costado casi 300 millones de dólares, eso son noticias malísimas para Disney...En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 5bc57b439b7a90f4f2cf58e5a4c19392c0d4b1a7 | En última instancia, cuando se apagan las luces de la sala y se enciende el proyector, lo que queremos es, de una manera u otra, sorprendernos. Que un plano sea algo que no hayamos visto en toda nuestra vida, que el guion sea tan inteligente que sepa driblar nuestra previsibilidad, que un final nos deje con ganas de más, que la explosión de luz y color se quede como fuegos artificiales en nuestra retina.Queremos soñar, vivir en la película, dejarnos sorprender por las artes y las mañas de un equipo que cree en lo que está haciendo. Y es normal salir decepcionados ante una experiencia menor falta de carisma e interés. Por suerte, con Matthew Vaughn al mando, 'Argylle' hace que el folletín de aventuras cobre una nueva vida... y podamos sorprendernos de nuevo delante de una pantalla a base de mentiras y regates.Es sorprendente cómo, con un mismo punto de partida, pueden salir dos películas tan abrumadoramente distintas como 'La ciudad perdida' y 'Argylle'. En ambas una escritora de ficción acababa descubriendo que lo que escribía se hacía realidad, pero donde la primera acababa siendo un vehículo muy estándar para Sandra Bullock en el que podías adivinar cada paso del camino, en la de Matthew Vaughn no pasan quince minutos sin un golpe de efecto, convirtiéndose en una de las montañas rusas más divertidas del cine en los últimos años.Por supuesto, tienes que entrar en el juego y no cansarte de que la película vaya moviéndote de un lado a otro de manera continua con un estilo propio repleto de secuencias de acción locas en un espectáculo de luz y de color majestuoso. 'Argylle' empieza con una secuencia de acción en Grecia entre la parodia y el homenaje al Ethan Hunt de 'Misión Imposible', pero es solo una bocanada de aire y un aperitivo de lo que está por llegar: a partir de ese momento, levanta el pie del acelerador solo para pisarlo a fondo, poco a poco, hasta una última media hora inaudita.Si al quinto looping de la montaña rusa ya estás deseando que se acabe, entonces no eres el público de 'Argylle', que confía en que el espectador tenga ganas de aguantar un viaje visual que no para y trasciende la locura sin paradas en el que cada poco tiempo un mazazo argumental viene a trastocar todo lo que creías. Si disfrutaste con los pocos complejos de 'Kingsman', te encantará esta nueva propuesta que es a James Bond lo que un mono tirando heces al noble reino animal. Caótica, divertida, anárquica, desacomplejada y, además, impide que apartes la mirada.Matthew Vaughn ha ido perfeccionando su estilo con cada nueva cinta y en 'Argylle' demuestra ser un héroe de la agilidad narrativa y visual. Sí, es apresurada. Sí, es un no parar de cosas con un estilo casi de horror vacui. Sí, no hay una profunda lección sobre nada, una moraleja o una crítica al modo de vida actual. Todo lo que se le pueda echar en cara es absolutamente cierto y no deja lugar a la duda. Pero no es lo que la película intenta conseguir: dejar una sensación de diversión pura imperante en el ambiente.Es, por entendernos, como un mago de pueblo rodeado por una multitud en plena calle: sabe que tiene que ganarse tu atención cada minuto, las sorpresas tienen que ser continuas y debe ser capaz de sacar el conejo de la chistera haciéndote sentir que nunca antes habías visto el truco más viejo del mundo, y todo ello con el suficiente sentido del humor como para engancharte y llevarse unas monedas al final. En su pura anarquía estudiada, 'Argylle' resulta fresca y divertida en su arte del regatear. Pero tienes que dejar que lo haga y suspender tu incredulidad hasta el máximo. Si es que puedes.Y es que, sobre todo a medida que van pasando los minutos, 'Argylle' se va convirtiendo más y más en una mala novela de espías de aeropuerto, de esas tan absurdas como divertidas que no puedes dejar de leer hasta que llega un final tan loco que te hará picar en su secuela. Todos los tópicos de James Bond o 'Misión Imposible' están explotados y parodiados de manera excelsa en un popurrí de acción, comedia y absurdo dentro de un circo de cinco pistas donde los giros mortales hacia atrás son más costumbre que hallazgo.'Argylle' no quiere que te la tomes en serio, porque hacerlo es el primer paso para no disfrutarla. Pretende ser un pica-pica en tu boca, una explosión de colores, giros, tiros y giros a la locura con gato adorable incluido que es gustosa siempre que sepas que no vas a encontrarte una propuesta de análisis y butacón, sino de pura feria, goce y despiporre. De esas que piden palomitas, Coca-Cola y dejarse maravillar con las patochadas de un guion tan tramposo que es imposible no cogerle cariño. En plena temporada de premios y de propuestas de gran calidad en cartelera, siempre apetece un refresco que no da más de lo que tiene, pero, francamente, lo hace de la mejor manera posible.En Espinof: |
es | play | espinof | 700539d8699d2c5b1486b5136014e7d4bba32fc4 | Hollywood ha dejado de sorprender. Salvo honrosas y muy escasas excepciones, los grandes blockbusters anunciados a bombo y platillo y construidos sobre presupuestos desorbitados han pasado de fascinar a provocar indiferencia frente a sus clónicas y descafeinadas apuestas visuales. Lo prefabricado y lo obviamente digital continúa marcando el camino en una era que recuerda a los tiempos de oro del péplum, pero que sustituye el cartón piedra por ceros, unos, pantallas verdes e infinidad de horas de renders.En lo que respecta a la creatividad narrativa, tampoco es que estemos para echar cohetes. Salir del panorama independiente y sumergirnos en la ficción de estudio, con sus plantillas, fórmulas y refritos precocinados —de nuevo, salvo excepciones—, tiene todas las papeletas para que terminemos sentados en la butaca frente a, como decía el narrador en 'El club de la lucha', "una copia, de una copia, de otra copia".Pero, a veces, y sólo a veces, los astros —y los talentos— se alinean para dar forma a pequeños milagros destinados a aportar un rayo de esperanza y a demostrar que otra gran industria es posible. El último de ellos se titula 'The Creator', es el último largometraje de Gareth Edwards y logra desbancar con, aproximadamente, un tercio de su presupuesto, a algunas de las grandes superproducciones de los últimos años.Supongo —y espero— que esta introducción ha dejado claro que 'The Creator' me ha fascinado. Sus ajustadísimos 133 minutos de metraje me hicieron experimentar sensaciones que cada vez menos películas logran transmitirme, sumergiéndome en su rico universo y no dejándome salir de mi asombro a pesar de que su premisa, por muy efectiva que sea en última instancia, parta de un punto de partida holgadamente familiar.Pero esta enésima lucha entre seres humanos e inteligencias artificiales, con su extraña calidez latente entre metal y circuitos, sus trabajados personajes, su más que solvente reparto, su alegoría bélica con ecos a Vietnam y su bombardeo constante de ideas trasciende a su planteamiento y se las apaña para llegar directa al corazón. Como digo, poco menos que un milagro.No obstante, sin impedir que las emociones continuasen a flor de piel, una pregunta asaltaba mi mente secuencia tras secuencia: ¿Cuánto ha costado esta salvajada? Cada escena, cada gran plano general, cada nuevo truco visual y cada elemento CGI me hacía pensar en un presupuesto no inferior a los 200 millones de dólares. Cuando comprobé el montante a posteriori, el asombro fue considerable.'The Creator' "sólo" costó 80 millones. Una cifra que podría escandalizar si se acompaña del adjetivo "barata", pero impensable si tenemos en cuenta que no hay prácticamente una sola imagen a la que se le vean las costuras o una sola integración que te haga arquear la ceja. Todo respira y transpira veracidad, todo parece orgánico y natural pero, ¿cómo se ha conseguido materializar un diseño de producción tan ambicioso con semejantes resultados?Como decía Pazos en 'Airbag' —hoy la cosa va de citas—, "el concepto es el concepto" y, en este caso, la aproximación de Edwards a la producción y el concepto tras ella, es la primera clave del éxito de su obra. Esta parte de la premisa de combinar la libertad creativa y logística de su fantástico debut 'Monsters', presupuestado en menos de 500.000 dólares, con los recursos de una superproducción de estudio.El propio Edwards explicó a Variety que ninguno de los dos modelos tiene ventaja sobre el otro. Hay que encontrar el término medio para moldear el mejor producto posible.¿Qué ha extraído Edwards de su experiencia en 'Monsters' y de su trabajo en títulos como 'Rogue One'? De estos últimos, obviamente, la comodidad de contar con recursos prácticamente ilimitados —dentro de lo realista— y, de la primera, la libertad de ejercer de hombre orquesta, combinando sus labores de director con el rol de operador de cámara y acercarse al rodaje buscando la frescura y lo orgánico en sus intérpretes.Greig Fraser, el oscarizado director de fotografía que ya colaboró con el cineasta en el filme de 'Star Wars' y que tuvo que ceder su puesto a Oren Soffer para terminar el trabajo por problemas con las fechas de 'Dune: Parte dos', ha dejado claro que el mundo perfecto para Edwards sería "él, un par de actores y nada más"; un escenario que el realizador hizo posible en múltiples escenas que prescindieron de gran parte del equipo técnico y logístico disponible en set.En lugar de contar con infinidad de personas rodeando el núcleo de la escena, Edwards optó por pedir a sus DOP que iluminasen áreas lo más amplias posibles —en lugar de milimetrar la luz acorde a una escala, un ángulo y un encuadre concretos— para poder mover la cámara y seguir la acción en base a las interpretaciones. Algo que, en última instancia, potencia el drama, extrae lo máximo del reparto y hace que, de nuevo, la veracidad gane peso.Y es que en una película que tiende puentes conceptualmente entre lo sintético y lo humano, entre lo artificial y lo real, lo tangible se eleva como una pieza esencial. Si algo ha permitido que 'The Creator' luzca al nivel que lo hace es la apuesta de Edwards y su equipo por las localizaciones reales y por trasladarse a lugares como Tailandia o el Tíbet para integrar en sus parajes elementos generados por ordenador.Como explica el director, con un gran bagaje en el campo de los efectos visuales, la opción de combinar rodar en localización con VFX es casi perfecta "si te aseguras de que todo en los primeros 10 o 20 metros [del encuadre] es real y que las cosas que vas a inventar están lejos. El cerebro no puede percibir el movimiento más allá de unos 20 metros. Es como poner pinturas digitales mate detrás de tu primer plano".Además de minimizar el obvio look derivado de integrar a personajes reales sobre fondos enteramente digitales, prescindir lo máximo posible de pantallas verdes y azules implicó una reducción en los costes de producción más que considerable al incorporar CGI única y exclusivamente donde era estrictamente necesario. Edwards lo explica del siguiente modo:Para terminar, no puedo pasar por alto, como gran aficionado a la parte técnica del noble arte de narrar historias en imágenes en movimiento, lo casi revolucionario de que un largometraje como 'The Creator' se haya rodado principalmente utilizando cámaras "prosumer" dirigidas a un nicho de mercado ubicado entre los profesionales y los consumidores aficionados.En esta ocasión, Edwards, tras debutar usando una PMW-EX3 en 'Monsters', ha vuelto a Sony para rodar con una FX3 valorada en unos 4.000€. La cámara, con un sensor full frame, combinada con una grabadora externa, permite capturar imágenes en RAW de 16 bits —comprimidas después a ProRes de 12 bits—; en cristiano puedes imaginar que es calidad más que suficiente para haber convertido 'The Creator' en la que se considera como la primera película grabada con cámaras "prosumer" proyectada en IMAX.Por supuesto, la cosa tiene algo de trampa ya que, entre otras cosas el pack de cámara incluyó lentes anamórficas Atlas Mercury, cuyo precio por unidad se estima en unos 12.000 euros —y ya se sabe que la diferencia la suelen marcar las ópticas y no las cámaras—. Pero, sea como fuere, no todo gira en torno al dinero cuando se trata de sacar adelante un largometraje.Gareth Edwards es el ejemplo viviente de esto, y no se pregunta por qué 'The Creator' ha costado tan poco, sino por qué cuestan tanto otras películas. Su respuesta, condensa a la perfección una filosofía que debería ser abrazada por todos los grandes estudios y por cualquiera que quiera dar el salto y ponerse a las riendas de un proyecto, independientemente de su envergadura.En Espinof: |
es | play | espinof | b2d1e6b4162ea2dec13feda9cee0f026c5229e71 | 'The Boogeyman' podría ser la película de Stephen King más aterradora hasta el momento, o al menos según su director Ron Savage, autor del fenómeno pandémico 'Host', estrenado durante el apogeo de la pandemia de COVID-19. Ahora, en su primer largometraje con un estudio importante adapta al rey del terror y desafía al resto de 80 adaptaciones, incluidas las de Kubrick, De Palma y Tobe Hooper.'The Boogeyman' es posiblemente uno de los cuentos más retorcidos de King, y el director parece convencido de haber captado ese terror atávico que transmite, según contó a la revista SFX en el nuevo número dedicado a 'Star Trek: Strange New Worlds' :El director, sin embargo, habla de la cualidad humana de los personajes, y de cómo ha intentado reflejar esto en el film, aunque esa característica de su escritura no tenga espacio en su cuento original, publicado en 'El umbral de la noche', posiblemente uno de sus trabajos más oscuros y nihilistas:Este comentario suena bastante a justificación de una trama familiar adecuada al cine de terror mas comercial, muy alejada del espíritu del texto que trata de un hombre que asiste a una sesión de terapia tras el asesinato de sus tres hijos. En la película aparece esa escena, pero sigue a la estudiante de secundaria Sadie (Sophie Thatcher de 'Yellowjackets') y su hermana menor Sawyer (Vivien Lyra Blair), quienes comienzan a notar que algo acecha en las sombras de su hogar, tras la visita del paciente (David Dastmalchian) que parece dejar a una criatura sobrenatural que se aprovecha del dolor de sus víctimas en la casa. En Espinof | El Stephen King más oculto: 12 películas basadas en sus historias que pasaron injustamente desapercibidas |
es | play | espinof | b6c3136f8fca9620a913df9cbaacd469e64e6ba2 | Malas noticias para 'Indiana Jones y el Dial del Destino': la película protagonizada por Harrison Ford se ha estrellado en su estreno en taquilla con peores datos de los cosechados hace bien poco por 'Flash'. Mundialmente, la cinta de aventuras ha debutado con unos ingresos estimados de 130 millones de dólares, pero mientras que la producción de DC lo hizo con 139 millones.A eso hay que sumar que 'Indiana Jones y el Dial del Destino' es aún más cara que 'Flash', con algunas fuentes situando su presupuesto incluso por encima de los 300 millones de dólares, cifra que se eleva en 100 millones adicionales por la inversión realizada en la campaña promocional. Vamos, que fácil tendría que irse sobre los 1.000 millones de dólares para ser rentable, cosa muy pocas películas han conseguido y que es prácticamente imposible que suceda en el caso que nos ocupa.De esos 130 millones conseguidos por 'Indiana Jones 5', 60 millones pertenecen a las salas norteamericanas y 70 al resto del mundo. Es cierto que en Estados Unidos va a sumar algunos millones extra por la celebración del 4 de julio, pero va a seguir siendo insuficiente, ya que se estima que logrará 12 millones más el lunes y otros 10 el martes.Una cosa que queda clara es que el público no estaba deseando ver 'El Dial del Destino', pues 'El Reino de la Calavera de Cristal' debutó en Estados Unidos con 100 millones hace ya 15 años. A eso hay que sumar que quizá se están estrenando demasiados blockbusters y eso acaba limitando a taquilla a prácticamente todos ellos.Además, 'Indiana Jones y el Dial del Destino' tampoco está entusiasmando al público, pues sí que supera a la cuarta entrega de la mítica saga, pero las valoraciones de los espectadores norteamericanos la sitúan al mismo nivel que títulos como 'X-Men Orígenes: Lobezno', 'The Amazing Spider-Man 2', 'Venom' o 'Black Adam'. Eso lleva a pensar a que su aguante en semanas venideras no va a ser precisamente bueno.Por tanto, lo más probable es que 'Indiana Jones y el Dial del Destino' acabe siendo el gran fracaso de de 2023 -y espérate que igual acabe destronando a la otra producción de Disney que lidera la lista de películas que más dinero perdieron de todos los tiempos-, un año en el que no dejan de acumularse las decepciones en taquilla. Por mi parte, la que me da más pena que pinchase en taquilla fue 'Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones', mi película de aventuras favorita de lo que llevamos de 2023.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 48cec27a10ae15ee6d0568f19ddb1a0fe8a73ef8 | El chileno Pablo Larraín se ha convertido en uno de los directores latinoamericanos más aclamados de los últimos tiempos gracias a títulos como 'El Club', 'Jackie' o 'Spencer'. En estas dos últimas se acercaba a la figura de personas reales para ofrecer biopics inusuales que le valieron el aplauso de la crítica, pero ahora regresa dando un salto al vacío sin red con 'El Conde', película en la que propone la idea de que el infame Augusto Pinochet era en realidad un vampiro.Tan excéntrico punto de partida sirve para construir una sátira que inicialmente resulta de lo más seductora. Desde esa voz en off hablada en inglés -algo que adquiere sentido más adelante, aunque no tengo muy claro que la solución propuesta sea demasiado buena- hasta las diferentes reflexiones que hace el personaje interpretado por Jaime Vadell, pero llega un punto en el que Larraín vuelve una y otra vez sobre las mismas ideas, restando así fuerza al conjunto. De esta forma, lo que proponía haber sido brillante se queda en algo simplemente curioso.'El Conde' es, por encima de todo, un experimento con el que Larraín entra de lleno en una etapa muy escabrosa de la historia de su país. Él mismo se ha declarado en varias ocasiones contrario a Pinochet, por lo que era evidente que en ninguna caso íbamos a encontrar aquí una celebración enmascarada del dictador que lideró con mano dura Chile entre 1973 y 1990. De hecho, aquí siempre muestra cierta vocación lúdica, mezclando un aire decadente que domina toda la función con varios momentos en los que se toma claramente a broma a su protagonista.Es cierto que eso puede llevar a que algunos espectadores sientan que Larraín está trivializando con una figura histórica tan importante, pero es que desde su propio punto de partida queda claro que aquí cualquier fidelidad a la historia real es pura casualidad. Zanjado este punto, 'El Conde' opta por en un enfoque muy directo a la hora de sentar las bases de su sátira, siendo eso lo que lleva a que acabe volviéndose un poco repetitiva según pasan los minutos, llegando a dar la sensación de que por momentos se alimenta únicamente de lo excéntrico que resulta lo que haga su versión de Pinochet en ese momento.Esto es algo que Larraín matiza a través de un poderoso tratamiento de las imágenes, dejándonos varias escenas para el recuerdo. Ahí sí si cierto que la relación entre lo que vemos y lo que nos está contando cae mucho de ese primer lado, dejando con la idea de que 'El Conde' probablemente hubiese funcionado como parte de una antología. Anda que no hubiese estado bien mezclarlo con, por ejemplo, un Francisco Franco hombre lobo o cosas por el estilo. Sí es cierto que sería volver sobre una idea similar, pero las particularidades de cada dictador serían diferentes, como también lo son los efectos concretos de sus años de liderazgo.Además, ese intento de cruzar la comedia con el terror se acaba quedando un poco de tierra de nadie -nunca es especialmente divertida y no da ningún miedo-, destacando más esa idea de que el protagonista está cansado de la vida que ha llevado. También ahí da demasiadas vueltas sobre lo mismo, pero es donde Vadell tiene más oportunidades de brillar de forma individual y añadir más al resultado final.No obstante, la interpretación que realmente me sedujo de 'El Conde' fue la de Paula Luchsinger, ya que hay un ímpetu en la misma que logra sostener la película en algunos momentos en los que narrativamente parece ir un poco a la deriva. Eso sí, lástima acabe un tanto desdibujada que una vez se resuelve la incógnita que su personaje aporta a la función y todo vuelva a centrarse más de lleno en Pinochet. También es entonces cuando la película aporta algo nuevo por parte de su protagonista, logrando también así que el barco se mantenga a flote.Con todo, creo que merece la pena echarle un ojo a 'El Conde', pero no es una de las obras mayores de Larraín y como sátira resulta mucho menos afilada que los colmillos de su protagonista. De hecho, creo que, aunque tampoco me volvió demasiado loco, disfruté más con 'Ha vuelto' con esta propuesta tan brillante en su premisa como fallida en su resultado.En Espinof | Las mejores películas en Netflix de 2023 (por ahora) |
es | play | espinof | 15f2f3d027ba62b3586cc36607c97161bb980f40 | Es curioso comprobar cómo el avance y la modernidad se ha traducido, en el cine patrio, en volver a mirar al pueblo, a los problemas de lo rural, a aquello que muchos creen que es un vistazo hacia atrás. Y sin embargo, es la mejor manera de reconectar con nosotros mismos, la forma en la que las nuevas directoras hacen las paces con su pasado con retratos amargos y desprovistos de la idealización absurda con la que algunos nos quieren convencer de que todo tiempo pasado fue mejor. En '20.000 especies de abejas' Estíbaliz Urresola se niega a ser una Carla Simón más, acercándose más al estilo crudo del 'Cinco lobitos' de Alauda Ruiz de Azúa: el resultado no podía haber salido mejor.Urresola se plantea dos retos muy diferentes en su primera película: por un lado, contar la historia de la identidad de género de una niña de tal manera que cualquiera pueda entender y empatizar con ella sin necesidad de mostrar ofensas y desmanes, pero tratando de no caer en los tópicos de este tipo de relatos. Por otro, ser capaz de situarla en un pueblo cayendo de forma irremediable en los códigos estéticos pero no en los narrativos de películas recientes como 'Alcarràs', 'La inocencia' o 'El agua'. La directora sale victoriosa de ambos combates, aunque, todo sea dicho, en ocasiones solo por los puntos.No deja de ser curioso que la cinta se haga fuerte exactamente allí donde la mayoría flaquean: en un segundo acto que sigue, de manera oblicua, los caminos de madre e hija y sus perspectivas sobre sí mismas. Mientras Lucía gana confianza sobre su identidad (la suficiente como para traspasar su apodo e imponerse un merecido nombre propio), Ane no entiende lo que está intentando hacer con su retorno al nido, donde lo más importante, doloroso y personal se calla porque pronunciarlo en voz alta lo convierte en realidad. Quizá por eso nadie quiere escuchar a Lucía: la valentía no está bien vista en unas calles donde todos guardan rencores en silencio.No es menos cierto que '20.000 especies de abejas' cae en una repetición constante de los mismos temas: el espectador con menos paciencia no sentirá que la trama avanza y puede llegar a sentirse frustrado. No es del todo cierto. La propuesta de Urresola es la creación de un universo propio en el que poder comprender a todos los personajes y sus avances (o la falta de ellos) para tratar de entenderse. Como en la vida real, nadie cambia de opinión de la noche a la mañana ni pega un volantazo a su forma de ser, y la cinta se detiene en esos detalles sutiles, casi quirúrgicos, que conforman un guion que, aún cayendo en tópicos inevitables, es tan diminuto como portentoso.Nada de esto sería posible sin un reparto abrumador, pero especialmente sin una actriz, Sofía Otero, la ganadora del Oso de Oro a mejor interpretación protagonista en la Berlinale que firma la mejor actuación del año. Con tan solo diez años, lo que Otero hace es absolutamente colosal: cada mirada y gesto transmiten verdad, permitiendo al espectador saber exactamente lo que siente y piense sin necesidad de verbalizarlo. Es más, es al hablar de ello cuando sabes de su dolor interno: su madre, preocupada por ella misma, no es capaz de ver y comprender lo que el espectador sí.Si el año pasado Carla Quílez ya deslumbró con su papel en 'La maternal', demostrando que los Goya deben abrir ya el abanico de edades para lograr una nominación, esta actriz novata solo viene a confirmarlo. No puedo deshacerme más en halagos ante una actuación trascendental y pivotal en la historia del cine patrio que se ve aupada por una estupenda Patricia López Arnaiz, capaz de dar una capa de sensibilidad a un personaje que ya de por sí se debate entre su futuro laboral, su pasado familiar y un presente problemático en el que la mentira y el silencio se convierten en sus compañeras de vida.Pero '20.000 especies de abejas' es lo suficientemente inteligente como para saber que la protagonista de la película no es una madre sobrepasada por su propia vida que no entiende el camino que debe tomar, sino una hija que acepta con naturalidad lo que su entorno no es capaz. Los momentos en los que adquiere consciencia de que habrá gente que jamás pueda aceptarla como Sofía (esa magnífica búsqueda en el bosque, ese relajante y natural cambio de bañadores, ese cuarto de baño repleto de incomprensión) son desgarradores por varios motivos: uno de ellos, el inexorable hecho de que parte del público va a pensar, como la abuela, que esto pasa "por haberle permitido demasiado".El propósito de '20.000 especies de abejas' no es tanto el de convencer a parte del público sobre una realidad como el de hacérsela comprensible sin necesidad de hacer un "hilo de Twitter" al respecto, tirar por panfletismos o frases hechas. La sutileza de Urresola es tal que es capaz de introducir su problemática muy poco a poco: no busca el shock o la impresionabilidad fácil, sino la comprensión, el cariño, un problema presentado, lejos de una posible apisonadora moral, a cucharaditas de café.Yo vengo de un pequeño pueblo vasco, y quizá por eso he entendido bien la propuesta de su directora con esas acusaciones que nunca terminan de coger forma, que revolotean a lo largo del metraje sin que nadie las recoja y monte una escena con ellas. Son los pequeños detalles los que conforman la vida de unas mujeres que saben no hablar más de lo que deben y prefieren permanecer en silencio para no romper el frágil equilibrio de un lugar en el que todo parece varado en las tradiciones y no entiende de nuevas sensibilidades del siglo XXI. O quizá sí. Quizá todo dependió siempre de tratar de comprender a quien tienes delante.'20.000 especies de abejas' no es una película redonda, pero sí es una muestra perfecta de la evolución natural del cine rural español en los últimos años. Una vez ha agotado las historias juveniles más tradicionales y se ha reinventado con la sórdida 'As bestas' puede mirar hacia delante y explorar el mundo actual desde la mirada del pueblo, ese lugar en el que todo se sabe sin que nada se exprese, las sonrisas ocultan dolores, la comprensión debe ganarse poco a poco y un verano puede cambiar tu propia percepción para siempre.En Espinof | Las 17 mejores películas españolas de 2022 |
es | play | espinof | 046719ec02d654e411b91cb32abf060ae69b33cf | Con el mes de diciembre asomando en nuestros calendarios, toca a empezar hacer balance de un curso cinematográfico 2023 del que Walt Disney Studios no va a salir especialmente bien parado, y es que por primera vez desde 2014, la Casa del ratón no habrá estrenado una película que haya superado los 1.000 millones de dólares en taquilla. Sin duda, un mazazo principalmente derivado de la falta de costumbre a estas cifras.Según ha recogido Variety en un análisis sobre las cifras de Disney, en el que se omiten los años 2020 y 2021 por lo caótico de un escenario pandémico que rompió por completo la industria, han pasado nueve años desde que se cerró por última vez un ejercicio sin un solo lanzamiento milmillonario; algo que contrasta con un 2019 que concluyó con la friolera de siete largometrajes por encima de ese espectacular montante.Si algo llama la atención es el descenso de popularidad de las producciones de Marvel Studios, que han dejado batacazos como los de la reciente 'The Marvels' o 'Ant-Man y la Avispa: Quantumanía' y gratas sorpresas como 'Guardianes de la Galaxia Vol. 3', que se ha convertido en el título más taquillero del estudio con una recaudación de 845 millones de dólares; suma más que notable pero inferior a unas previsiones que, tal vez, pecaron de optimistas.Pero ojo, porque hay vida más allá del MCU... aunque tampoco haya sido tan rentable como se esperaba. Entre los estrenos marca de la casa Disney se han encontrado 'Indiana Jones y el dial del destino' —384 millones—, 'Mansión encantada' —117 millones—, 'Elemental' —495 millones— o 'La sirenita' —569 millones—; cintas con números dignos de elogio, pero considerados como fracasos en su mayor parte, especialmente en lo que respecta a la aventura del arqueólogo de Harrison Ford.Sin ir más lejos, y por aportar algo de contexto, 'Avatar: El sentido del agua', estrenada a finales de 2022, ha recaudado más dinero en los EE.UU. este 2023 que 'Ant-Man y la Avispa: Quantumanía', 'El dial del destino' y 'The Marvels'. Concretamente, el filme de James Cameron sumó 283 millones, frente a los 214, 174 y 76 millones de los otros tres largometrajes respectivamente. Pero, ¿a qué se debe exactamente esta severidad a la hora de evaluar recaudaciones e impactos en taquilla?Uno de los frentes abiertos radica en la facilidad que tiene el público —ya no digamos para profesionales— para obtener datos sobre presupuestos y dinámicas de rodaje, que hacen que los 384 millones de dólares que costó la última Indiana Jones parezcan una ridiculez al conocer que su coste rondó los 300 millones, quedándose en el tintero muchos otros entresijos industriales desconocidos para los más comunes de los mortales, pero claro, ya sabemos cómo funciona la opinión pública últimamente.Por otro lado, y este parece ser el gran problema, estamos habituados a una sucesión de bombazos con recaudaciones absurdamente altas que ha ido hinchando una burbuja que tenía que explotar tarde o temprano por una simple cuestión de lógica matemática. Sin ir más lejos, Shawn Robbins, analista de Boxoffice Pro, cree que el modo en que Disney elevó el listón en los 2010 está pasando factura.Está claro que sostener el éxito durante más de una década de forma ininterrumpida es algo prácticamente imposible, y el caso de Disney es una buena muestra de ello. Con este dato, queda abierto el debate que algunos cineastas como Edgar Wright ya están alimentando sobre la viabilidad de seguir apostando plenamente por las franquicias, licencias y grandes superproducciones dejando en un segundo —o tercer— plano el medio presupuesto, las apuestas indie y los productos más arriesgados y personales.Desde luego, en un año en que un biopic de tres horas y media en blanco y negro ha sumado 950 millones de dólares en taquilla —por muy dirigido por Christopher Nolan que esté—, queda claro que va siendo el momento de sentarse y reflexionar antes de que se rompa la red de seguridad y sea aún más complicado volver a hinchar la burbuja una vez más.En Espinof: |
es | play | espinof | 2f5d8e622299e12c3dec006aa1dd6be895fbde43 | Un año después de pasar por festivales como Sitges o Locarno, 'Medusa Deluxe' llega a los cines españoles el 28 de julio. Una suerte de 'whodunit' ambientado en un concurso de pelucas en plano secuencia, que empieza muy bien pero termina perdiendo fuerza al final de su metraje.La tensión se palpa en los camerinos de un concurso de pelucas, en el que las participantes afilan sus peines (y sus cuchillos) para hacer frente a la fiera competencia. Por si fuera poco, de repente se descubre que uno de los peluqueros ha sido asesinado y en condiciones realmente brutales...'Medusa Deluxe' es el primer largometraje escrito y dirigido por Thomas Hardiman. Está protagonizada por Clare Perkins ('Secretos y mentiras'), Darrell D'Silva ('Despierta la furia'), Harriet Webb ('Podría destruirte') y Kayla Meikle ('La chica de antes').La principal característica de la película es que está rodada en plano secuencia. Desde el principio hasta el final, seguimos a los personajes ininterrumpidamente y saltamos de uno a otro para ir desgranando poco a poco ese misterioso asesinato.Un mérito que hay que reconocer por el esfuerzo técnico y narrativo que supone adaptarse a este plano constante, en el que no solo encontramos cámara en mano sino también uso de grúas y demás virguerías para transmitir esa sensación de que nunca abandonamos la acción.Este recurso funciona a las mil maravillas en el arranque de la cinta, cuando los nervios están a flor de piel tras el asesinato y orbitamos alrededor de los personajes esperando a que se vayan de la lengua y digan o hagan algo que les delate como culpables del crimen.Ese inicio tiene mucha fuerza, no solo por el plano secuencia sino por un guión que deja entrever en las conversaciones de sus protagonistas que hay muchas cuentas pendientes y muchos más cadáveres en el armario aparte del muerto. Un guión que recuerda a ratos a Almodóvar, por cómo son sus personajes y su forma de hablar.No obstante, no consigue mantener esa tensión durante hora y cuarenta minutos de película: esa intriga suscitada durante la primera mitad se va diluyendo conforme vemos que no sucede nada que iguale el nivel de dramatismo de ese potente arranque.El plano secuencia terminan dando pie a demasiados momentos muertos que no ayudan a recuperar el interés por la trama, que va decayendo con cada nuevo sospechoso que va sumando. La etiqueta de slasher tampoco le hace ningún favor, porque ni tiene ese componente juguetón ni tampoco muertes escabrosas que nos lo hagan pasar en grande.Cuando llegas al final, poco importa quién es el verdadero responsable de aquello y terminas con la sensación de haber dado demasiadas vueltas a lo mismo. Mejores sensaciones deja su reparto, capaz de echarse sobre sus hombros una historia como esta, en la que los personajes parecen al borde del colapso todo el rato pero nunca lo rebasan.'Medusa Deluxe' tiene un arranque muy potente pero se lo juega todo a su plano secuencia y su guion, que terminan resultando algo monótonos una vez superada la sorpresa inicial.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 1bb732f1e79d19e2d01568429e0f027e142ac445 | Ya va quedando menos (relativamente) para que veamos la temporada 2 de, la que de momento, es la mejor serie de Star Wars de las realizadas para Disney+. En el contexto de la Star Wars Celebration Day, Tony Gilroy ha asegurado que veremos los nuevos episodios de 'Andor' en agosto de 2024.Así queda algo más de un año para que volvamos a ver a Diego Luna de nuevo como el ladrón metido a rebelde Cassian Andor en este estupendo spin-off de 'Rogue One. Una historia de Star Wars' y su papel en el origen de la alianza rebelde.Según Gilroy, la temporada se encuentra todavía en rodaje, que arrancó el pasado noviembre y se extenderá hasta agosto de 2023, por lo que tardaremos todo un año en ver el resultado final. Junto al anuncio, los asistentes al evento pudieron disfrutar de un pequeño teaser trailer que todavía no ha salido online.En dicho adelanto se pudo ver tanto a Mon Mothma (Genevieve O'Reilly) como a Syril Karn (Kyle Soler) y un peinado nuevo para Andor. En palabras de Tony Gilroy el tener ya el final decidido ha ayudado mucho a la hora de crear esta temporada:En Espinof | 'Andor': cómo conecta la escena postcréditos con una de las creaciones más icónicas de toda la saga de Star Wars |
es | play | espinof | f816b5a99c465b77851947ddc620425bd8a69542 | Casi tres años después desde que se anunciase el proyecto, algún que otro revés en medio (la marcha de Phoebe Waller-Bridge) y la apretada agenda de Donald Glover (entre la temporada final de 'Atlanta' y otras cuestiones) que no hacían presagiar nada bueno, por fin tenemos fecha de estreno para 'Mr. & Mrs. Smith', la reimaginación de la película homónima de 2005.De esta manera, apuntad en el calendario el 2 de febrero de 2024 como día en el que podremos ver esta serie, compuesta de ocho episodios, en Amazon Prime Video. Además, ya podemos ver las primeras imágenes, protagonizadas todas por Donald Glover y Maya Erskine como los cónyuges protagonistas.En esta versión nos encontramos con un giro respecto a la película protagonizada por Brad Pitt y Angelina Jolie. Si bien en aquella, los protagonistas estaban ya casados cuando descubren que ambos son espías, aquí nos encontramos con un par de seres solitarios que entran a trabajar a una agencia de espionaje que les promete grandes aventuras.Un aparente trabajo de ensueño cuyo truco está en que tendrán que asumir nuevas identidades y convivir como una pareja casada. Misión a misión, su tapadera se empieza a complicar cuando empiezan a desarrollar sentimientos el uno por el otro.Junto a Glover y Erskine como los Sr. y Sra. Smith (John y Jane), el reparto de la serie cuenta con Parker Posey, Wagner Moura, Michaela Coel, John Turturro y Paul Dano.Al guion y como showrunner y cocreadora junto a Donald Glover, se encuentra Francesca Sloane, quien ya estuvo trabajando con el creativo en Atlanta. Recordemos que, al principio, también estaba involucrada Phoebe Waller Bridges (Fleabag).No es, por otro lado, el primer intento de llevar la película a serie, ya en 2007 se intentó con una suerte de secuela que no pasó de la fase de piloto.En Espinof: |
es | play | espinof | 9d5e0ee34a78f1715344867fc47c5036613e0b26 | El director de los cines AMC ha acallado las teorías de conspiración de que su cadena ha estado interrumpiendo deliberadamente las proyecciones de 'Sound of Freedom' tras las acusaciones de que el thriller tiene vínculos con el movimiento de conspiración QAnon. Por ejemplo, en una publicación de TikTok una mujer dice que sus tickets fueron reembolsados sin previo aviso, y sospechó cuando el cine le dijo que el reembolso se debía a problemas con el aire acondicionado.Adam Aron, el director ejecutivo de cines AMC respondió en TwitterAngel Studios, el estudio detrás de la película del director Alejandro Gómez Monteverde, también negó las afirmaciones, evitando que la bola engordara por su propio bien. Brandon Purdie, jefe de distribución emitió un comunicado a EW:"Queremos dejar en claro que estos rumores no son ciertos. AMC ha sido un socio destacado y como resultado del rendimiento de la película y la demanda de los consumidores AMC ha acordado sumar más pantallas adicionales para Sound of Freedom este fin de semana".El drama se basa en la historia real de Tim Ballard, interpretado por el actor Jim Caviezel de La pasión de Cristo, un hombre con un grupo cuasiparamilitar que dice hacer misiones para rescatar a niños del tráfico sexual que no ha podido probar. La película es considerada una puerta de entrada a "teorías de conspiración de extrema derecha", ya que tanto Ballard como la estrella principal han sido vinculados previamente a las teorías de conspiración de QAnon, centradas en la idea de que las élites globales que adoran a Satanás gobiernan el mundo y están involucradas en una red mundial de tráfico de niños.Caviezel ha hablado en varios eventos de QAnon, organizaión directamente relacionada con el asalto al Capitolio. Varios usuarios de las redes sociales de ultraderecha se han vuelto virales últimamente al afirmar que AMC ha tratado de sabotear las proyecciones evacuando cines, haciendo que el audio sea inaudible o apagando el aire acondicionado. En medio de estas teorías de sabotaje, la película se ha convertido en un inesperado éxito de taquilla, habiendo superado los 50 millones de dólares en EE.UU. hasta el jueves. En Espinof | Las mejores películas en Netflix de 2023 (por ahora) |
es | play | espinof | 675138a1ae7dd1989b77f23c91da73fbd4730dee | Hayao Miyazaki ha vuelto (tras desdecirse de su retirada por enésima vez) y de forma algo accidentada con su estreno en salas españolas. 'El chico y la garza' eleva a la enésima potencia las obsesiones del director en un espectáculo deslumbrante y cautivador, a la par que desconcertante.Mahito es un joven todavía afectado por la muerte de su madre, que se muda a vivir con su padre y su nueva mujer. Sin comerlo ni beberlo, acaba en un extraño mundo donde pasado y presente, vivos y muertos, realidad y fantasía conviven en conflicto constante.'El chico y la garza' es la traducción directa del título en inglés (frente al original 'Kimitachi wa Dou Ikiru ka', que significaría '¿Cómo vivís?'). Es el nuevo largometraje de Studio Ghibli, escrito y dirigido por Hayao Miyazaki 10 años después de su última película: 'El viento se levanta'.Su estreno en España ha sido algo accidentado, comenzando con un número reducido de salas que ha ido creciendo en pocos días, ante el claro interés de los espectadores que le llevó a debutar como el tercer estreno más taquillero en España el pasado viernes.Me resulta algo complejo hacer esta crítica, ya que disfruté la película pero al mismo tiempo me costó entrar en ella y me desbordó en muchos sentidos. Sin duda, creo que es ese tipo de cintas que necesitan un segundo visionado en el que ir ya con cierta idea de lo que te vas a a encontrar.La película se toma su tiempo en arrancar y, una vez lo hace, se convierte en una avalancha de todas las obsesiones de Miyazaki en su máxima extensión. En Ghibli ya nos tienen acostumbrados al realismo mágico y casi todas sus películas introducen elementos fantásticos y una mitología propia que no se paran a explicarte, sino que sencillamente aceptas en toda su complejidad.En la cinta, tenemos todo eso y en cantidades considerables, lo que constituye una de sus mayores virtudes: deslumbra constantemente con ese extraño mundo, en el que nada es como esperamos y cada criatura nos sorprende más que la anterior. Desde esa peculiar garza a los periquitos (¡malditos!), pasando por los warawara (imposible no querer adoptar uno).No obstante, su desbordante imaginería resulta arrolladora. Reconozco que, en mi caso, fue algo que me costó digerir, porque cuando estabas comenzando a procesar una cosa ya habían presentado muchas otras. Al final, terminé diciendo amén a todo pero, si no habéis visto nada de Miyazaki puede ser chocante de buenas a primeras.También es que los personajes de esta aventura son un tanto opacos y hay que bucear bastante para intuir qué es lo que los motiva. Al que más conocemos es a Mahito, que no se prodiga demasiado en palabras y al que reconocemos como un personaje herido, física y emocionalmente.A nivel técnico, como siempre, Ghibli se luce en todos los sentidos. No valoramos lo suficiente el impecable trabajo que el estudio siempre hace con los fondos, espectaculares y cuidados al detalle (incluso en escenarios con multitud de personajes, cada uno es único y se diferencia del resto). Por supuesto, la Banda Sonora de Joe Hisaishi siempre suma.No seré yo quien ose pontificar sobre lo que Miyazaki pretendía o no transmitir con su película, ya que es posiblemente la más abstracta hasta la fecha. Mi interpretación personal es que Mahito recorre un camino hacia la madurez, en el que dejar atrás el dolor por la pérdida de su madre y las fantasías que nos evaden de la realidad, pero también son en cierto modo una forma de huir.'El chico y la garza' es café para cafeteros miyazakianos: una bomba de cafeína fantástica que cuesta un poco de digerir porque su mitología puede resultar confusa y por la opacidad de sus personajes, pero que termina fascinando una vez te dejas arrastrar por todo lo que propone. Una experiencia que merece la pena ver en pantalla grande.En Espinof: |
es | play | espinof | a351fc3ecfe9df9832fbe579138ee901a7732303 | Aunque ya se ha estrenado en Estados Unidos, ‘El último viaje de Deméter’ no tiene fecha de llegada a los cines españoles. La película se basa en un solo capítulo de la novela ‘Drácula’ de Bram Stoker, llamado ‘La bitácora del capitán’, que cuenta cómo el icónico vampiro viajó a través del mar y diezmó a la tripulación de un velero ruso que viajaba de Transilvania a Londres, una historia que ha fascinado al mundo del cine de tal forma que se ha intentado llevar a la gran pantalla durante al menos dos décadas completas.Por ello, la película ha pasado por varias iteraciones a lo largo de los años, tantas que su existencia parece un milagro, después de que varios guionistas y directores diferentes hayan estado asociados al proyecto en diferentes puntos. Finalmente ha sido André Øvredal, el director de ‘La autopsia de Jane Doe’, el que ha logrado llevar el proyecto a la meta a través de Universal Pictures, en otro intento de reanimar su pasado clásico lleno de monstruos, tras diferentes evocaciones de nuevos universos compartidos.Los productores encargados han sido Chris Killian, Mike Medavoy y Brad Fischer, el cual ha estado pegado al proyecto durante todo el recorrido, dentro de una logística imposible que ha ido dificultando el inicio de la producción a lo largo del tiempo. Una película de monstruos de época en un barco en medio del océano no es fácil de levantar, además con un niño, animales y prótesis prácticas, que buscan rendir homenaje al trabajo de Dick Smith, Tom Savini y Rick Baker, que parecen haber elevado el presupuesto a 45 millones de dólares. Pero esa cifra puede tener un abultamiento heredado de los diferentes tratamientos e intentonas.Si ‘Drácula’ es el equivalente en novela de una película de metraje encontrado, el capítulo de la bitácora lleva esa esencia a un marco temporal y espacial totalmente adaptable al medio, no dejan de tener esa esencia lo que encuentran los pasajeros de la nave espacial de ‘Horizonte Final’, o las exploradoras de ‘Annihilation’. Encontrar estas pistas grabadas de lo que sucede se ha convertido en un tropo que nace en este fragmento de una novela de hace 120 años. Sin embargo, las adaptaciones del texto al cine nunca habían hecho mucho caso a esta historia de terror embotellada dentro de otra.Curiosamente, una de las que mejor lo han reflejado ha sido la primera. ‘Nosferatu’ (1922) sigue teniendo el segmento del barco más escalofriante e icónico, con la figura imponente de Max Schreck sobre cubierta que Werner Herzog respetaría en su remake sublime. La versión de Tod Browing redujo el pasaje a unas imágenes de archivo de un barco en una tormenta, pero en la versión hispana de George Melford si se hizo una pequeña parada en alta mar en la que es posiblemente la secuencia más escalofriante de la dupla, con un Renfield histérico y un marino hipnotizado bajo la tormenta que deberían de ser historia del cine.La versión de 1979 comienza con un Demeter devastado por la tormenta, con los marineros tratando de llevar a cubierta la caja de Drácula, cuando el vampiro asesina brutalmente uno de los miembros de la tripulación antes de convertirse en lobo y matar al resto, mientras el barco se precipita hacia la orilla, donde choca contra las rocas. Espectacular, pero menos de dos minutos de tiempo en pantalla. Más salpicaduras de sangre tiene la ‘Drácula de Bram Stoker’ de Coppola, que se relata casi en elipsis, aunque hay algo más de ello, con una forma de hombre lobo en las escenas eliminadas, donde también atacaba nada más llegar a orilla.En el cine, el pasaje ha inspirado algunos momentos de películas de vampiros que no ignoran la herencia eterna de Stoker, como la adaptación de ‘El aviador nocturno’ de Stephen King, que hace una curiosa variación aérea de la idea, poniendo a un vampiro cobrándose víctimas en aeródromos de Estados Unidos. Incluso episodios como ‘Død Kalm’ (1995) de ‘Expediente X’ utilizaban la idea para plantear premisas similares, en este caso un barco a la deriva en el que toda la tripulación resulta estar vieja y decrépita, casi como si hubiesen sido “chupados” por un vampiro.Sin embargo, fuera de la pantalla sí que ha habido más intentonas de fantasear con ese pequeño fragmento ideal para un relato de terror perfecto. Uno de los primeros fue el escritor mexicano José Luis Zárate, quien publicó ‘La ruta del hielo y la sal’ en 1998 a través del Grupo Editorial Vid, como parte de la colección MECyF. Una expansión del diario centrada en la figura del capitán y su perspectiva, que además se dibuja como homosexual reprimido que debe ocultar sus preferencias. Durante las 135 páginas del texto no aparecen ni una sola vez las palabras "Drácula" o "vampiro" porque el capitán desconoce la identidad de la criatura, aunque el autor se documentó con mapas antiguos para determinar las características de las diferentes leyendas del no muerto en cada región de la ruta.Algunos años después, el guionista Bragi Schut Jr. llegó por primera vez a Hollywood y trató de ganarse la vida trabajando en una tienda de modelismo mientras se abría paso en la industria. En esa época trabajaba en el guion de una película de terror ambientada en el espacio y entabló una buena amistad con un empleado de la tienda, que le mostró su portafolio con fotos de una gran goleta con velas ensangrentadas y hechas jirones. Le llamaron la atención y su compañero le indicó que se trataba del Demeter utilizado en la película Drácula de Coppola.Rápidamente cambió de parecer, su camino para hacer una historia tipo ‘Alien, el octavo pasajero’ pasaba por ir a la raíz del concepto, un monstruo en una embarcación, algo que revela que la inspiración de Dan O’ Bannon tenía en cuenta el clásico de Stoker, por lo que se puede concluir que la inspiración ha tenido ida y vuelta. No mucho después, en 2003, Phoenix Pictures, la compañía cofundada por Mike Medevoy, adquirió el guion, y tras considerar nombres como Robert Shanky anunciaron que habían asignado la dirección del proyecto al cineasta alemán Robert Schwentke, quien reescribiría el libreto junto a Mitch Brian, que luego volvería a tocar James V. Hart.En esta fase la película era gestionada por Sony y contaba con nombres como Val Kilmer y Adrien Brody, quien curiosamente haría de marino victoriano contra vampiros en la magnífica miniserie ‘Chapelwaite’ (2020). Mientras tanto, en 2008 aparece una adaptación radiofónica de la bitácora para la Radio 4 de la BBC que escribe Robert Forrest y está protagonizada por Finlay Welsh, entre otros, que expande los capítulos brevemente hasta cubrir una hora de duración. Ya en mayo de 2009, Schwentke se fue para dejar paso al especialista en remakes de terror Marcus Nispel, pero no tardó en ser reemplazado por Stefan Ruzowitzky, el director de la ganadora del Oscar ‘Los falsificadores’.Nispel habría tenido problemas con la ambientación de época y la necesidad de rodar en el agua, por lo que en octubre de 2010, Los Angeles Times informaba que Noomi Rapace interpretaría a una polizón que parece concordar con la chica que ahora encarna Aisling Franciosi. También en esa proyección figuraba Ben Kingsley, quien seguramente tendría el rol que ahora ocupa Liam Cunningham pero, cuando todo parecía atado, Ruzowitzky también se alejó del puesto de capitán. Justo ese año aparece una versión de cómic de la misma historia.Publicada por la editorial especializada en terror IDW Publishing, ‘Bram Stoker's Death Ship’ era una miniserie de cuatro números escrita por Gary Gerani e ilustrada lujosamente por Stuart Sayger, quienes llevaban el concepto al terreno de ’10 negritos’ de Agatha Christie, al estilo de la película de hombres lobo ‘La bestia debe morir’, añadiendo un aspecto al estilo ‘Horizonte final’ cuando el vampiro manipula las mentes de las víctimas y las atrae o aterroriza con sus deseos y miedos. Utiliza estereotipos como el primer oficial villano, el buen capitán o el grumete inocente, que se repiten, en parte, en la versión cinematográfica.En la siguiente década el desfile de candidatos es aún más desesperante, empezando por el director de ‘30 Días de oscuridad’, David Slade, que asumió las riendas en 2011, con Jude Law en el papel que ahora ocupa Corey Hawkins y Kinglsey y Rapace aún asociados, pero el rodaje de otra prima de ‘Alien’ se interpondría y la actriz abandonaría para unirse a la ‘Prometheus’ de Ridley Scott. En 2012 parecía que el barco zarparía finalmente en manos del especialista Neil Marshall, otro del grupo salvaje de directores de terror de los primeros 2000 como Nispel.Marshall no tenía problemas en desenvolverse en una ambientación del pasado o en el mar, tras haberse encargado ese año del episodio ‘Blackwater’ de ‘Juego de tronos’, y su experiencia en el cine de criaturas le proponía como candidato ideal. Parece que el proyecto final ha heredado distintos detalles de su cine, como la brutalidad gore, el actor Liam Cunningham, que apareció en su ‘Dog Soldiers’, e incluso el plano mostrado en el tráiler en el que se ve la silueta de Drácula detrás de un marinero y es iluminado por un relámpago, casi un calco de un susto similar en ‘The Descent’.Todo parecía ir sobre ruedas, incluso se confirmó a Viggo Mortensen para reemplazar a Law, pero no volvió a hablarse del proyecto en mucho tiempo. Mientras tanto, el escritor Doug Lamoreux publica ‘Dracula’s Demeter’ en 2012, otra novela que imagina la matanza de la tripulación a manos del conde durante la travesía. Una variación del concepto, con poseídos zombies en vez de vampiros, estaba presente en el viaje de ‘REC 4: Apocalipsis’ (2014). Otro de los nombres que apareció en algún momento del proyecto fue el de Guillermo del Toro, quien parece que quiso hacer su propia versión en la serie ‘The Strain’ (2014), en la que los vampiros tienen un Maestro, que viaja desde el extranjero hasta Nueva York matando a toda la tripulación del avión que le transporta.En 2018 se publica ‘Demeter: El Viaje del Vampiro’ escrito por Esteban Díaz y editado por Alberto Santos, en la que el punto de vista son dos pasajeras que escapan de un personaje siniestro cuya huida se convierte en una pesadilla peor a bordo de la goleta. Y así llega por fin 2019, cuando Amblin se hace con los derechos, y Fischer, a bordo como productor. Øvredal contrató al escritor Zak Olkewicz, quien trabajó en la trilogía ‘Fear Street’ para reescribir el personaje de Clemens y cambiaron algunos otros detalles y aspectos de los borradores originales de Schut. Todo iba como la seda hasta que llegó un último enemigo: la pandemia Covid-19.Mientras tanto, Netflix adelantó a Universal por la derecha con la miniserie ‘Drácula’, coproducida por la BBC en 2020, en la que el dúo Mark Gatiss y Steven Moffat resucitaron el mito de Stoker en tres episodios, uno de ellos, el titulado ‘Blood Vessel’ componiendo una película completa de 86 minutos con la misma premisa de ‘El último viaje de Demeter’, aunque la forma de abordarlo no puede ser más diferente de la estrenada en cines. Básicamente un episodio de terror de ‘Cluedo’ que se une a la moda de los whodunit con aires de ‘Muerte en el Nilo’ y, de nuevo, ’10 negritos’.No es la única ‘Blood Vessel’ estrenada ese año, y existe otro largometraje que retoma el concepto, con vampiro de diseño similar, llevado a un barco fantasma nazi. Otra variación aérea de ese año fue ‘Pasajero oculto’, en la que no tenemos un vampiro en sí, sino un gremlin en un avión de la Segunda Guerra Mundial, pero llama la atención por su diseño parecido al Drácula murciélago y su eventual inspiración en ‘Alien, el octavo pasajero’, que también sería un elemento clave para Øvredal.Este, entre sus muchas referencias, tiene a su padrino Guillermo del Toro, de quien absorbe su sentido visual barroco tras su colaboración en ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’. No solo esto, sino que incluso recibió consejos directos sobre el diseño de Drácula, como su aspecto de gárgola, y no es de extrañar porque el Maestro de ‘The Strain’ también parece un Drácula con características de ‘Nosferatu’. De su trabajo en común también queda la contratación de Javier Botet como el gran personaje principal, cuyo maquillaje tiene una inspiración más similar al Barlow de ‘Salem’s Lot’ que al Nosferatu original.Otro ingrediente que dejaba todo listo para la puesta al día perfecta del mito atendiendo a las tendencias del género contemporáneas, pero sin embargo, el largo camino hasta el estreno también acabó encallando. Tras un proceso interminable, ‘El último viaje del Demeter’ no gustó a la crítica y se estrelló estrepitosamente en taquilla con apenas 14 millones de recaudación en Norteamérica, lo que hizo que se limitara al máximo su estreno mundial, en donde países como España, Francia o Reino Unido ni siquiera tienen una fecha para la exhibición.Probablemente pensando en el mercado de streaming, Universal desenchufó el proyecto prematuramente sin confianza en que tuviera una oportunidad para triunfar. Un final lánguido para una historia de esfuerzo a través de las décadas que quizá no ha encontrado el momento correcto, tras el guantazo que recibió la otra mirada al personaje de Stoker en ‘Renfield’, dejando una muestra inequívoca de una realidad que cuesta asimilar: los monstruos clásicos que llevaron las riendas del género en el siglo XX han dejado de interesar a las nuevas generaciones.En Espinof | Las 12 mejores series de vampiros en Netflix, HBO, Amazon y Movistar |
es | play | espinof | 1e82e646fe5b6921daf007cf17331c2384424ed1 | Después de los antecedentes que tenemos, es bastante comprensible que los fans del anime vayan un poco con pies de plomo cuando se nos viene encima un remake en acción real de una de nuestras series.En España todavía tenemos que esperar unos días más para ver que tal ha salido 'Los Caballeros del Zodiaco', la intentona de Hollywood con 'Saint Seiya', pero las primeras críticas ya fueron destructivas y la taquilla americana no le ha dado un recibimiento demasiado potente.La película en acción real ya se ha dejado ver en Japón, Brazil, México y Latinoamérica, y el 12 de mayo en Estados Unidos. Por ahora se ha estrenado en 586 salas de cines y durante su primer fin de semana apenas ha recaudado 535.000 dólares.En total desde 'Los Caballeros del Zodiaco' se estrenó ha recaudado en todo el mundo 5.007.573 dólares frente a un presupuesto de 60 millones. Aunque está teniendo un estreno bastante regulero, en Toei Animation tienen esperanza de lanzar una franquicia entera alrededor de su 'Saint Seiya' en acción real.Según le dijo el productor Yoshi Ikezawa a Variety el año pasado, la idea es seguir la línea de otros grandes estudios para aprovechar todo el material del manga original y ya están pensando en posibles secuelas.Todavía no se sabe muy bien en qué punto estamos con el tema de las secuelas y si al final se harán con estos números, pero la idea de Ikezawa era comenzar la producción de la segunda película mientras todavía se estaba promocionando la primera.En España 'Los Caballeros del Zodiaco' se estrena el 26 de mayo, y en Francia y más países de Europa también llega durante las próximas semanas, así que habrá que ver si la taquilla levanta un poco más. Pero las primeras impresiones no dan demasiadas esperanzas.En Espinof | 'Caballeros del Zodiaco', Nostalgia TV |
es | play | espinof | c70df50b8446d50511ceb93f774788aecc5482c3 | Buen miércoles y, como cada semana tenemos un momento para ver qué podemos ver estos días en streaming. Así que vamos a repasar las 70 series, películas y documentales que llegan desde hoy hasta el domingo a Netflix, HBO Max, Prime Video, Filmin, Movistar Plus+, Disney+, y Apple TV+.Lo nuevo de Brian Cox tras 'Succession' es un épico concurso con toda la adrenalina de James Bond en una aventura en la que los equipos recorrerán todo el mundo en busca de diez preguntas.La esperadísima nueva película de David Fincher que, ya os digo, no está dejándonos indiferentes en la redacción de Espinof. Michael Fassbender protagoniza esta película que sigue la aventura de un misterioso e innombrado asesino.Adaptación algo libre de la novela inacabada de Edith Warton y que sigue a un grupo de jóvenes ricas estadounidenses a las que llevan a Reino Unido con el propósito de encontrar un buen marido (y buenos títulos) y, de paso, hacer ruido en la anquilosada sociedad de la Londres victoriana.Uno de los estrenos más esperados, por raro que parezca, para esta semana es el regreso en plan docurreality de los colaboradores de 'Sálvame' mientras les seguimos en un tour por América.Si aún así andas algo dubitativo sobre qué ver, aquí tenemos nuestros rankings con los estrenos más destacados de 2023 que han aparecido en las diversas plataformas de streaming. Estas son las mejores series y películas de Netflix, las series y películas más destacadas de Amazon Prime Video, nuestro top de series de HBO Max y los de series y películas en Disney+.Por cierto, si quieres estar enterado de todo, date una vuelta por nuestra Newsletter, Espinofrenia.En Espinof: |
es | play | espinof | 9cc680cfa6a2c18f0a0a9cfde54c04ba2552ec72 | Uno no se puede despistar nunca. Dejas de mirar un segundo a tu familia y de repente os azota una maldición milenaria donde os volvéis poseídos sedientos de sangre. O simplemente una plataforma de streaming decide subir uno de los estrenos más destacados del año, especialmente en el terreno del fantástico, sin aviso previo y de sopetón.Es un poco lo que pasa ahora, dándonos una buena alegría previa al fin de semana a los aficionados del terror más festivo y con tendencia al despiporre gore. Si hacemos la medición es probable que haya pocas películas este año con más cantidad de sangre por metro cuadrado. Aunque no es lo único remarcable que tiene que ofrecer una cinta como 'Posesión infernal: El despertar'.El último intento de continuar la saga de Evil Dead ya se encuentra disponible para ver en streaming a través de HBO Max, la plataforma de Warner Bros que se encargó de producir y estrenar la película. Lee Cronin recibe el testigo de Fede Álvarez, último director en hacer reboot de la trilogía de Sam Raimi, aunque también mantiene la tendencia gore que marcó la película del cineasta uruguayo.Tras un formidable prólogo donde se nos presenta de nuevo esa fuerza maligna incansable y frenética que convierte a las personas en deadites, la película nos presenta a una técnica de guitarras en medio de una gira con un grupo. Tras una noticia que la deja en shock, se va de visita a casa de su hermana y sus tres hijos en Los Ángeles. Allí un terremoto potente golpea a la ciudad, dejando al edificio sin luz y desvelando una serie de grabaciones misteriosas y un libro que van a provocar la liberación del mal.Las tensiones entre las hermanas por sus diferentes modos de vida marcan la historia de una manera similar a lo que lo hacia la anterior película de Cronin, 'Bosque maldito', que exploraba tragedias familiares a través del terror. Pero aquí el cineasta irlandés cambia el tono más reposado, casi del mal llamado terror elevado, por un toque desatado y bestia, ya que cuenta con más recursos pero también una imagen de franquicia que mantener.No supone un problema en este caso, ya que la película recupera las mejores partes de la 'Posesión infernal' de Ávarez, casi ejerciendo de secuela aunque no sea realmente su caso. La suma de terror festivo y gore implacable funciona de maravilla en su caso, evitando caer en demasiada afectación por la parte dramática de la historia y entregando secuencias bastante efectivas por doquier.Su humor negro es radicalmente distinto al de las películas de Raimi, que tenían más elementos de autoparodia y comedia física, pero no por ello deja de ser rabiosamente entretenida. El uso de los deadites es brutal, con la actriz Alyssa Sutherland luciéndose en esta faceta más retorcida y macabra de la película, y en sólo hora y media te logra meter en una montaña rusa de violencia y visceras de lo más divertida.En Espinof | Las mejores películas de terror de la historia |
es | play | espinof | c76d06b2d4bf4f160f7861fe54ea29232f9fefc6 | Ahora sí que está todo el pescado vendido. Este 27 de diciembre llegan con cuentagotas los últimos estrenos de un 2023 que, a pesar de que muchos se han empeñado en marcarlo con la palabra "fracaso", nos ha dejado una cosecha cinematográfica espectacular. Pero hasta el rabo todo es toro, y hoy miércoles recibimos un par de propuestas realmente interesantes que vamos a recopilar a continuación.Crítica en Espinof: 'El peor equipo del mundo' es la película menos divertida de Taika Waititi. Una inofensiva comedia deportiva en la que destaca Michael FassbenderCrítica en Espinof: Ecos de Chaplin y la fe en el amor en tiempos de guerra: Aki Kaurismäki firma la película que nos ha enamorado en el Festival de Cannes 2023En Espinof: |
es | play | espinof | f315463ed1b49bd122f21a7d3acb93c80a39000f | A nadie le sorprendió demasiado que los críticos destrozasen 'El Exorcista: Creyente', pero siempre queda la esperanza de que el público reaccionase de otra forma. Por desgracia, no ha sido el caso, ya que los espectadores norteamericanos han sentenciado a la película de una de las mejores películas de terror de la historia como uno de los peores grandes estrenos del año.Como muchos recordaréis, la compañía CinemaScore realiza encuestas durante el primer día en cines de Estados Unidos de algunas películas para determinar cuáles son las reacciones del público. La nota máxima es un A+ y la más baja que se pude conseguir es una F, pero a la hora de la verdad, cualquier cosas por debajo de una B+ es preocupante. 'El Exorcista: Creyente' apenas ha logrado una C.Para que os hagáis una idea, esa C la sitúa por detrás de 'Scream 6', que tuvo una B+, 'Háblame', que también logró una B+, 'Saw X', que se quedó con un B -la segunda mejor nota de toda la franquicia-, 'El Exorcista del Papa', que recibió una B-, 'Insidious 5', que apenas llegó a una C+, y 'La monja 2', que tampoco pasó del C+. El único gran estreno de este año del mismo género con la misma valoración fue 'Llaman a la puerta', el último largometraje de M. Night Shyamalan.Esto también supone que las películas de terror dirigidas por Green están gustando cada vez menos, ya que 'La noche de Halloween' consiguió una B en 2018, 'Halloween Kills' bajó hasta una B- y la lamentable 'Halloween Ends' se quedó en una C+. Muy mala señal, sobre todo para una película que es el inicio de una franquicia cuyas películas quizá no sean demasiado caras, pero es que por los derechos se tuvieron que pagar la friolera de 400 millones de dólares...En Espinof: |
es | play | espinof | 1e8230dbf716de339204edbcf1c5523aff063cd1 | Se estrena el 26 de enero, pero gracias a Sitges 2023 pudimos ver la nueva película de Yorgos Lanthimos, una fascinante reinvención steamgothic de ‘Frankenstein’ que, en realidad, lleva a la gran pantalla la novela de Alasdair Gray titulada ‘Pobres criaturas’ y que cuenta en su reparto, con una Emma Stone como no la hemos visto nunca, acompañada de Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Jerrod Carmichael, Christopher Abbott y Margaret Qualley.Si la obra de Gray fue descrita en 1992 como una "alegoría política hilarante que toma las formas de la literatura victoriana para ofrecer un desafío que invita a la reflexión entre los deseos de los hombres y la independencia de las mujeres", quizá el matiz que podría ponerse a la película es que el aspecto político está supeditado a la comedia negra, y su mensaje aparece de forma tan orgánica a su historia que hasta parece parodiar lo fútil de algunas discusiones de género de la actualidad.Aunque su naturaleza satírica puede ser recibida como otro manifiesto a la moda de la representación, ‘Pobres Criaturas’ tiene cubiertas las espaldas amparándose en un material literario de hace más de 30 años, curiosamente justo cuando ‘Drácula de Bram Stoker’ de Coppola triunfaba en cines, con la que tiene algunos parecidos en su vestuario reminiscente al de Eiko Ishioka, que es la guinda a una exquisita estética entre los mundos de Terry Gilliam y los sets ostentosos de la era technicolor, pero con la paleta de colores de la obra de Mark Ryden.La narración de la vida de Bella, una extraña mujer victoriana de temperamento infantil, resulta en una historia épica y estrafalaria que va desgranando sus hábitos peculiares, desde sus primeros días junto a su tutor, el Dr. Godwin Baxter, un divertidísimo Willem Dafoe, a su descubrimiento del sexo y las decepciones, casi como tres coming of age concentrados en una sola película, que nos hace reflexionar sobre la verdadera naturaleza humana, nuestra inocencia animal y las convenciones sociales.De hecho, para ir desarmando todas las estructuras sociales preconcebidas, Bella pasea por un gran parque de atracciones Victoriano, en donde caben los burdeles de París, ‘El hombre elefante’ y pasajes de obras emblemáticas de la era, con ideas incluso de Greystoke, y la parte en la que Tarzán se encuentra introducido en la alta sociedad británica, irrumpiendo entre sus normas y protocolos.Por tanto, el guion se guía siguiendo los tropos del cine de niños ferales introducidos en la sociedad, de 'El pequeño salvaje’ a ‘El enigma de Gaspar Hauser’, y no faltan los comentarios de clase y la idea de la compasión innata del ser humano, llevando a Rousseau al extremo, aplicando en el llanto de Bella al ver la miseria la idea de que son esas disciplinas y normas sociales en las que no encaja las que realmente envilecen a las personas.Aunque sus elementos de liberación de género acaban cayendo en lo complaciente en su tercer acto, incluso en esa parte más obvia, Lanthimos mantiene un equilibrio asombroso entre la comedia, el erotismo y la verdadera celebración weird, permitiéndose incluso guiños directos a ‘La novia de Re-Animator’, otra variación bufa de la obra de Shelley llena de creaciones body horror que aquí juegan mano a mano con el ‘Freaks’ de Tod Browning, especialmente en referencias directas del final.Sin dejar de construir un mundo único, rico y visualmente apabullante, ‘Pobres Criaturas’ se cuela entre las favoritas a los Óscar con ideas verdaderamente subversivas e inusuales en el cine de prestigio, alzándose como la película más redonda y ambiciosa de Yorgos Lanthimos sin dejar de ser la que tiene una caligrafía más limpia —torpemente confundida con la palabra “accesible”— con todos los apartados artísticos en gracia y una Emma Stone imperial.En Espinof: |
es | play | espinof | 285ecb3374afa46e7bb6bd8a1e2f02fe369c933d | Hace apenas unos horas se anunciaba la fecha de lanzamiento en streaming de 'Napoleón', pero la épica película con Joaquin Phoenix todavía tardará en llegar a Apple TV+. La que lo hará de forma inminente es 'Los asesinos de la luna', pues acaba de anunciarse que la película de Martin Scorsese con Leonardo DiCaprio debutará en esa plataforma el próximo 12 de enero sin coste adicional para los suscriptores -y los que no lo sean siempre pueden encontrar alguna de la multitud de ofertas que va lanzando Apple para tener acceso uno o varios meses de forma gratuita-.Recordemos que 'Los asesinos de la luna' llegó a los cines este pasado mes de octubre y que su andadura comercial no fue precisamente deslumbrante. Con un presupuesto de 200 millones de dólares, solamente logró una recaudación de 156 millones, lo cual también la convierte en el largometraje menos taquillero del dúo formado por Scorsese y DiCaprio, no queda otra que calificarla como un fracaso comercial.Parece lógico pensar que Apple ha elegido el 12 de enero para dar un empujón adicional a 'Los asesinos de la luna' de cara a los próximos Óscar, donde se perfila como una de las grandes favoritas a hacerse con el premio a mejor película. Claro está, no haya nada seguro, por lo que mejor terminar de asegurar la nominación.Basada en un libro de no ficción escrito por David Grann, 'Los asesinos de la luna' cuenta la historia de una serie de sospechosos asesinatos que se en la comunidad Osage de Oklahoma a principios del siglo XX. Un ejercicio de genocidio silencioso que sirvió para dar forma a una película de más de tres horas de duración en la que también participan Lily Gladstone, Robert De Niro y Jesse Plemons.En Espinof: |
es | play | espinof | 269970ece3425d30ac1ae895eb3a66f1381f0394 | Este viernes 9 de junio llega a los cines españoles 'La desconocida', nuevo largometraje dirigido por Pablo Maqueda en el que lleva a la gran pantalla 'Grooming', obra de teatro creada por Paco Bezerra. Toda esa información así puesta quizá sea irrelevante para la mayor parte del público, donde sobre todo verán aquí un thriller en la línea de 'Hard Candy', la película que lanzó la carrera de Elliot Page.Al igual que en la notable ópera prima de David Slade, 'La desconocida' juega con la idea de un hombre adulto acosando online a un adolescente y lo que sucede en su primer encuentro físico. Eso sí, a partir de ahí se opta por seguir un camino diferente en el que se juega de forma constante con las expectativas del espectador pero sin llegar a caer en ningún momento en los giros gratuitos o en utilizar el engaño como forma de sorprender al público.Aunque hay más personajes, todo en 'La desconocida' gira alrededor de Manolo Solo y Laia Manzanares, hasta el punto de que la película llega a resentirse cuando tiene que abrir un mundo ese retorcido microcosmos que habitan ambos para explicar un poco mejor quiénes son ellos y cuáles son sus motivaciones.Es cierto que incluso entonces se mantiene esa atmósfera cada vez más enfermiza que tan bien sabe potenciar aquí Maqueda sin perder nunca un curioso sentido de la normalidad, pero prevalece la sensación de fuga narrativa para añadir algo que no tengo del todo claro hasta qué punto realmente suma algo cuando lo que realmente nos interesa a todos es el retorcido toma y daca entre sus dos protagonistas. Y por ahí se pierde en tensión, no porque desaparezca, sino porque viene de otra forma que se siente menos satisfactoria.Además, es inevitable que el espectador desconfíe en todo momento, ya que precisamente uno de los grandes reclamos publicitarios de 'La desconocida' es que contiene infinidad de sorpresas a lo largo de la historia que nos cuenta, por lo que es imposible enfrentarse a ella sin tener cierta predisposición a desconfiar de lo que nos proponga inicialmente. Ahí es donde mantener una mayor incógnita alrededor de ellos habría servido curiosamente para enriquecer esta exploración sobre el poder que se puede llegar a ejercer sobre una persona pero también sobre los desequilibrios de la psique humana.Con eso no quiero echar por tierra lo que consigue Maqueda aquí, pues sabe jugar muy bien con el contraste de los espacios abiertos en los que se encuentran en todo momento sus dos protagonistas en la parte presente para ir encerrándolos psicológicamente cada vez más, quitando así importancia a todo lo que les rodea a medida. Ese agobio también se traslada al espectador y se hace abordando el trabajo de puesta en escena desde una extraña elegancia, como si se quisiera reflejar que lo monstruoso también forma parte de nuestro día a día. Y esa idea, que no deja de ser cierta, sirve para alimentar la inquietud del espectador hacia lo que está por venir.Quizá es por eso que la generosa utilización de los flashbacks acaba volviéndose en su contra, ya que todo funciona muy bien hasta que su uso empieza a volverse demasiado recurrente. Es verdad que el fuerte nivel interpretativo se mantiene, pero incluso ahí se echa de menos que todo siga centrado en las interacciones entre Solo y Manzanares, ya que es ahí cuando 'La desconocida' brilla con mayor intensidad.Tampoco me sorprende que uno de los puntos fuertes de la película sea ese, ya que Solo lleva mucho tiempo demostrando que es uno de los mejores actores del cine español y parece últimamente se le está empezando a reconocer como merece. Aquí refleja muy bien las oscilaciones que va sufriendo un personaje que comienza como una especie de versión sexualizada del lobo feroz pero que, obviamente, no se limita a eso.Por su parte, Manzanares tiene entre manos una tarea aún más complicada, pues llega un punto en el que la película pasa a girar realmente sobre ella y las decisiones de guion que afectan a su personaje puede llegar a provocar rechazo por parte del espectador. En mi caso creo que se queda algo por debajo de Solo, pero también que está perfectamente elegida, ya que una de las claves era dar con una actriz capaz de mostrar el lado más frágil e ingenuo pero también de esconder muchas cosas detrás de esa apariencia de joven desvalida.Por desgracia, 'La desconocida' nunca llega a redondear por completo lo que propone, pues es cierto que resulta inquietante y que no busca la sorpresa por la sorpresa, pero también que la tensión que lograr asentar durante su primera media hora se diluye en cuanto echa la vista atrás para explicar mejor lo que está sucediendo. De esa forma lo que podría haber sido un thriller de primera y con una voz personal acaba quedándose en una propuesta estimable pero que deja un sabor de boca agridulce.En Espinof | Las 17 mejores películas españolas de 2022 |
es | play | espinof | 58886dc99b755d16037c3fb5712409d2cea4546f | Hace años que Taylor Swift es uno de los grandes nombres del panorama musical y la cantante está destrozando récords con su nueva gira musical. Pronto visitará también Europa, pero ahora acaba de confirmar que ‘Taylor Swift: The Eras Tour’ se estrenará finalmente de forma mundial y que podrá verse en España a partir del próximo 13 de octubre.Era un movimiento inevitable tras los grandes números que estaba haciendo en preventa en Estados Unidos, los cuales la sitúan a un nivel similar al de las producciones de Marvel. De hecho, se espera que supere el récord de 'Joker' y ‘Taylor Swift: The Eras Tour’ consiga el mejor estreno de octubre de todos los tiempos. Para ello tendría que superar los 96,2 millones de dólares durante su primer fin de semana en los cines norteamericanos.Las entradas para ‘Taylor Swift: The Eras Tour’ ya están a la venta en los cines de las marcas Cinesa y Kinépolis a un precio de 13,13€, una cantidad más elevada de lo habitual para las salas y que se intenta explicar señalando que se trata de un guiño al número favorito de la cantante de temas como 'You Belong With Me', 'Shake It Off' o 'Mr. Perfectly Fine' -sí, por supuesto que he destacado tres de mis favoritas suyas-.Ahora queda la duda de si ‘Taylor Swift: Eras Tour’ tendrá el mismo impacto en Europa que en Estados Unidos, pero todavía recuerdo la locura que hubo cuando se pusieron a la venta las entradas para su concierto en Madrid que se celebrará el 30 de mayo de 2024. Mucha gente se quedó sin conseguirlas y ver esta película-concierto seguro que va a ser un buen consuelo para ellos y también un buen aperitivo para las Switfies que ya cuentan los días para verla en directo.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | db8295e2e99a49ad9b16633b7f8821478ad74716 | Después de una semana de parón vacacional (ya se merecían), volvemos al repaso semanal de los estrenos de streaming y, en esta ocasión, contamos con 31 series, películas y documentales que llegan desde hoy hasta el domingo a Netflix, HBO Max, Prime Video, Filmin, Movistar Plus+ Disney+, y Apple TV+. Comenzamos.Comedia de ciencia ficción protagonizada por John Boyega, Teyonah Parris y Jamie Foxx que descubren una conspiración gubernamental de clonación de personas.Biopic en formato serie en torno a una de las figuras más importantes de la Revolución mexicana. Protagonizada por Jorge A. Jiménez, la serie seguirá los acontecimientos más importantes de la misma como la toma de Ciudad Juárez, Zacatecas o la derrota de Porfirio Díaz.Documental sobre una de las grandes figuras y mejores tiradores de la NBA que seguirá al deportista desde sus inicios hasta la actualidad, cuando posee ya cuatro anillos de la liga de baloncesto más importante del mundo.Si aún así andas algo dubitativo sobre qué ver, aquí tenemos nuestros rankings con los estrenos más destacados de 2023 que han aparecido en las diversas plataformas de streaming. Estas son las mejores series y películas de Netflix, las series y películas más destacadas de Amazon Prime Video, nuestro top de series de HBO Max y los de series y películas en Disney+.En Espinof | Las mejores series de 2023... hasta ahora |
es | play | espinof | ed4ea6284ff4b2d478c167f315fd20215ed96afc | No es mi intención hacer aún más sangre de una película que ya se está desangrando en el suelo sin posibilidad de ser revivida: 'Flash' ha sido un completo y absoluto fracaso sin parangón a pesar de su paseo de cameos imposibles que estiran todo lo posible la paciencia del público con los multiversos. Pero hubo alguien que faltó, y no es porque no lo intentaran desde Warner: Christian Bale puso solo una pequeña condición para ponerse de nuevo el manto del Cruzado Enmascarado.A Christian Bale lo de tener a Andy Muschietti en la silla de director no le terminó de convencer demasiado: para ponerse otra vez la capucha de Batman solo tenía que volver Christopher Nolan. Ya ves. Así de sencillo. No es una cosa nueva, y de hecho lleva años diciéndoselo a todo el que quiera escucharlo. ¿Quieres un cameo de Bale en tu película de multiversos? Llama a uno de los directores más importantes del mundo, a ver si le apetece.Con o sin Bale, 'Flash' ha supuesto un varapalo en los planes del estudio, que ya confiaba en hacer de Michael Keaton un nuevo viejo Batman del que poder exprimir todo el jugo. En su lugar tendrá que conformarse con lo que James Gunn esté preparando tras el ya anunciado fracaso de 'Blue Beetle' y la duda que a todos nos causa 'Aquaman 2'. DC necesita algo como 'El caballero oscuro' para volver a salir adelante. Solo que sin Christian Bale.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | d3853111f0ad51a28feaa815b642e71228d4bf02 | Buenas, ¿qué tal van los festejos navideños? Aunque parezca mentira (sobre todo porque llevo todo el día pensando que es martes) estamos en el último miércoles del año 2023 y eso quiere decir... estrenos de plataformas. Así que vamos a repasar las 41 series, películas y documentales que se estrenan desde hoy hasta el domingo a Netflix, HBO Max, Prime Video, Filmin, Movistar Plus+, Disney+.Precuela/spin off de 'La casa de papel' protagonizada por el personaje de Pedro Alonso, quien planea uno de sus atracos más ambiciosos: la mayor casa de subastas de París.La nueva serie de la franquicia nos lleva a las aventuras de la joven conserje de un hotel al que van a descansar los pokémon y sus entrenadores, por lo que veremos el lado más relajado de los personajes de la saga.Docuserie que repasa la vida de uno de los grandes mitos del espectáculo tanto en Italia como en España: la queridísima Raffaella Carrà. A lo largo de tres episodios veremos tanto su faceta pública como su vida más vulnerable como Raffaella Pelloni.Un nuevo relato del mito artúrico basado, en esta ocasión, en la trilogía 'Crónicas del señor de la guerra' de Bernard Cornwell. La serie nos traslada al siglo V, donde la ruina amenaza al reinado de Uther Pendragon. Es entonces cuando Merlín desafía al monarca yendo en busca del desterrado hijo bastardo de este.Si aún así andas algo dubitativo sobre qué ver, aquí tenemos nuestros rankings con los estrenos más destacados de 2023 que han aparecido en las diversas plataformas de streaming. Estas son las mejores series y películas de Netflix, las series y películas más destacadas de Amazon Prime Video, nuestro top de series de HBO Max y los de series y películas en Disney+.Por cierto, si quieres estar enterado de todo, date una vuelta por nuestra Newsletter, Espinofrenia.En Espinof: |
es | play | espinof | 38d272968ab76d1ce7799aed5ff03ea9bc7a2abf | Casi por sorpresa, 'Indiana Jones y el dial del destino' se las ha apañado para mantener el número uno en taquilla durante su segundo fin de semana en cartel frente a Santiago Segura, pero este 12 de julio ha llegado a nuestros cines de forma adelantada un rival tan feroz como el Ethan Hunt de Tom Cruise. Pero esto no es todo, porque el viernes 14 se completan los estrenos de cartelera con un aluvión de novedades de lo más interesantes. Vamos a repasarlas.Crítica en Espinof: 'Misión Imposible: Sentencia Mortal - Parte 1' es una alucinante película de acción cuyo único pecado es no ser la mejor entrega de esta genial saga con Tom CruiseCrítica en Espinof: 'Elemental' es uno de los muchos fracasos injustos de este catastrófico 2023: lo nuevo de Pixar es una simpática película con espíritu de comedia romántica de los 90En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 4a118282f23942f1d2fdfcf0089b90e9d8ca03e9 | ‘Barbie’ se ha convertido en un fenómeno mundial, un éxito de taquilla inesperado que además de ayudar a 'Oppenheimer' ha cogido a muchos por sorpresa. Es una adaptación de acción real de un juguete, y eso no es exactamente novedoso, podría ser la contrapartida femenina de ‘Masters del Universo’, pero lo que llama la atención es que es un producto donde cabe el espectáculo pop, la comedia absurda, el contenido feminista, la parodia y la sensibilidad del cine de autor de su directora, Greta Gerwig. Una combinación que quiere ser todo a la vez y sale victoriosa en bastantes ocasiones.Sin embargo, algo que se está pasando por alto es que, bajo su lluvia de gags, colorines y números musicales, ‘Barbie’ es puro cine fantástico con ramificaciones de ciencia ficción de larga tradición. Aunque muy basada en ‘El mago de Oz’, y con una gran influencia de los cuentos de hadas en pantalla, especialmente ‘Cascanueces’ o ‘Babes in Toyland’, en su núcleo hay una aguda inversión de los temas planteados en ‘Las esposas de Stepford’, que incluso puede asumirse como una mirada luminosa de la ‘Inteligencia artificial’ de Steven Spielberg, en la que un pequeño androide iniciaba un viaje en busca del sentido de su existencia.Teniendo en cuenta que aquella se basaba en una idea desarrollada por Stanley Kubrick, parece que la parodia de ‘2001: una odisea en el espacio’ va un poco más allá de lo que parece a simple vista, ya que tiene bastante que ver con la idea de la creación y la falta de libre albedrío que plantea la película. Y es que Gerwig se asienta en grandes tropos del género bajo una pompa de chicle que pueden pasar por alto por su tono atolondrado y cómplice con la vacuidad del proceso de juego con muñecas, cambio de conjuntos y peinados etc.Este tono marcadamente naif a veces maquilla el angustioso dilema de la protagonista, que no es capaz de asumir la imperfección como característica por estar programada para encarnar todos los estereotipos femeninos según cánones casi de divinidad, condenada a mantenerlos eternamente en una exigencia que solo tiene sentido en su mundo. Por supuesto, este trasfondo es un hilo conductor de una película bastante impredecible y loca, que desparrama todo su discurso de género de la forma más divertida posible.No todos los chistes funcionan igual, pero cuando da en el clavo es hilarante y un festín para los ojos. Pero mientras todo es color, música, humor slapstick y sátira de los estereotipos de la masculinidad tóxica, el personaje de Margot Robbie solo es cada vez más consciente de su plasticidad, iniciando un viaje en busca de los dioses digno de mitología griega, solo para descubrir que su realidad se desmorona conforme se percata de que su día a día como icono de la mujer 10 es defectuoso e irreal.A diferencia del androide de ‘Inteligencia artificial’, Barbie no afronta la búsqueda o significado del afecto o el amor, sino asumir el significado de la propia mortalidad, puesto que ella misma no es sino una idea encarnada ¿Cómo puede una idea asumir la muerte? Solo aceptando la degradación de su propia naturaleza. Su idea es una recreación ideal de exigencias que sirven como estándares inalcanzables y, fuera de su mundo, las mujeres han pasado el punto en el que necesitan esa meta, tanto que odian su concepto, su ideal “casi fascista” de feminidad.Esa decadencia de Barbie como noción permite que su función de modelo generacional colapse, por lo que la solución para su viaje es encontrar un propósito, y este al final, más allá del interludio de recuperar su mundo de la invasión del patriarcado, que asume esa representación femenina como un servicio, se reduce a asumir durante toda la película que en realidad ya no existe y debe desaparecer tal y como se ha concebido. Es decir, la película trata sobre su muerte, nada mejor ejemplificado que ese vacío blanco en el que se despide de su creadora, en el que parece que va a un “cielo para conceptos caducos”.Porque si ‘Barbie’ acabara allí y se le cortara su epílogo, realmente quedaría como un relato de la agonía de un muñeco, con la melancolía del juguete usado de ‘Toy Story 3’ o incluso el vacío existencial de las versiones de ‘Frankenstein’ más cercanas al relato original, con la busca del creador para pedirle cuentas, salvo que aquí la monstruosidad es la perfección. “¿Por qué me has hecho tan guapa y rubia?”, la muñeca no puede estar más aterrada de procesos biológicos normales como la celulitis, casi como un castigo por lo que ha hecho sufrir a mujeres que no han podido vivir frente a las exigencias de su imagen radiante, con la que se infectaron jugando desde pequeñas.El encuentro con la señora del banco es uno de los paralelismos con ‘Matrix’, además de elegir la píldora roja o azul, encarnados en el zapato de tacón o la sandalia, está concebido de forma parecida al encuentro de Neo con el oráculo, en forma de una mujer mayor, auque el encuentro con Ruth también tenga ese ADN. La película de las Wachowski jugaba con la idea de ‘Alicia en el país de las maravillas’ como esta lo hace con ‘El Mago de Oz’, ambas sobre dos mundos virtuales paralelos a la realidad. Aquí es nuestro mundo normal, desequilibrado, imperfecto, agresivo y heterogéneo.Sin embargo, solo se concibe como un lugar verdaderamente opuesto cuando se pone kafkiana en ese cuartel general de Mattel con cubículos que parecen salidos de ‘El proceso’, con diseños idénticos a los de ‘Playtime’. Cuando ‘Barbie’ se pierde por sus largos pasillos laberínticos y asépticos parece que va a llegar a las oficinas de ‘Severance’, otra ficción de realidades disociadas. Estas son algunas de las claves de cine de ciencia ficción del que bebe la película, de las que sirve casi como una introducción para niños.Más allá de su reinvención de la mujer artificial como creación interesada desde las serie B camp de ‘Doctor G y su máquina de bikinis’ a ‘La mujer explosiva’, ‘Simone’ hasta ‘Her’, la presentación de Barbieland no deja de ser la idealización de un universo paralelo de ensueño, inspirado en los 50-60, lo que la incluye en un grupo de fantasías distópicas de mundos construidos por conveniencia conservadora, desde ‘El prisionero’ a ‘Pleasantville’, pasando por ‘Fido’, ‘The Congress’ y la reciente ‘No te preocupes, querida’, con la que además comparte una visión de denuncia que acaba teniendo convergencias en la misma inspiración de la obra de Ira Levin.Otro buen programa doble con ‘Barbie’ podría ser ‘El show de Truman’, ‘Vivarium’, ‘Wandavision’ o, sobre todo, ‘Más extraño que la ficción’, que hace pensar que el casting de Will Ferrell no es casual y es más un guiño a esta que a su papel en ‘La lego película’. En cualquier caso, la paleta de referentes de Gerwig no se limita a los musicales y cine clásico que ha citado en ocasiones sino que tiene raíces en un cine fantástico inusual en una película dirigida a un público infantil, y no solo no carece de profundidad sino que propone un ángulo bastante más oscuro de lo que parece en la obsolescencia de la muñeca, aunque se plantee como un final feliz, no tiene más salida que el fin de la existencia y exilio de su mundo tal y como la ha conocido.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 2722de1b63405f9828418ae25b3f56e8162ba415 | Una de las mejores series nuevas de Netflix en 2021 fue 'Sweet Tooth. El niño ciervo', ya que esta adaptación del cómic de Jeff Lemire lograba equilibrar su vocación de cuento con un claro componente cuqui con la necesidad de establecer un mundo post-apocalíptico creíble y en el que pueden suceder cosas horribles en cualquier momento. El resultado no era perfecto pero sí muy estimulante y dejaba con ganas de ver cómo continuaba la historia de Gus.Por desgracia hemos tenido que esperar casi dos años para saberlo, pero este jueves 27 de abril al fin llega la temporada 2 de 'Sweet Tooth. El niño ciervo' a Netflix. Tras haber visto 5 de los 8 episodios que la dan forma -la plataforma no ha puesto más a disposición de la prensa-, es casi como si no hubiera pasado tanto tiempo, pues me he reencontrado con todo lo que ya me había conquistado de la serie. Además, el universo de la misma crece en lugar de caer en el error de dar vueltas sobre lo mismo.Como era de esperar, la temporada 2 básicamente arranca en el mismo punto en el que se quedó su predecesora, es decir, con Gus (Christian Convery) apresado pero junto a otros híbridos, mientras que el Grandullón (Nonso Anozie) está recuperándose de sus heridas junto a una nueva aliada. Todo eso lleva a que el marcado componente familiar de la serie siga ahí, muy bien subrayado por la ocasional voz en off de James Brolin ejerciendo como narrador, pero también los peligros van siendo cada vez más concretos, elevando así la importancia la historia, hasta ahora un poco más en segundo plano en beneficio del dibujo de sus protagonistas.Con eso no quiero decir que 'Sweet Tooth. El niño ciervo' se olvide de repente de la importancia de sus personajes, pero sí es evidente que el equipo liderado por Jim Mickle ('Stake Land') es consciente de que ya tiene unas bases suficientemente sólidas para permitirse jugar un poco más. Eso va desde un cambio en las dinámicas entre los personajes -la primera entrega estaba marcadísima por el vínculo entre Gus y Grandullón- hasta el hecho de que las tramas empiezan a resultar mucho más concretas, cerrando así de forma progresiva las diferentes opciones que hay por delante.Por ejemplo, el temible General Abbot (Neil Sandilands) gana bastante presencia en esta segunda temporada. Algo inevitable teniendo en cuenta dónde está Gus, pero la serie profundiza en sus planes, algo que sirve a su vez para conocer un poco mejor las sociedades que se han ido formando alrededor de este postapocalipsis para poder salir adelante. Eso también ayuda a incluir una mayor intensidad en una serie que sigue sabiéndose mover bien entre dos realidades contrapuestas.Ahí tengo bastante claro que uno de los factores esenciales para que 'Sweet Tooth. El niño ciervo' funcione tan bien es su fotografía, más concretamente su marcadísima tendencia al uso de unos colores cálidos y luminosos en todo momento. Por un lado, eso permite dar un tono más cercano a la serie, incidiendo aún más en su componente de cuento, pero es que además sirve para darle un look muy distintivo -y bastante cinematográfico-, claramente alejado de otros títulos de Netflix que se parecen demasiado entre sí.Es verdad que eso contrasta en ocasiones con ciertas decisiones que dan a entender que o bien 'Sweet Tooth. El niño ciervo' habría necesitado de un presupuesto más elevado o simplemente que haya algunos diseños, seguramente inspirados en el cómic original, que no terminan de funcionar igual de bien al pasarlos a la imagen real. A mi juicio, no es nada grave, pero sí tengo claro que hay instantes que pueden chocar un poco a algunos espectadores.Por lo demás, lo realmente importante es que la serie fluye en lo narrativo, sabiendo cuándo ha de hacer pequeñas paradas para profundizar en la mitología -el tercer episodio es particularmente importante-, pero siempre con la mente puesta en ver cómo ayuda eso a que todo progrese en líneas generales. Y eso también se extiende al viaje personal de los personajes, viéndose una evolución clara -un buen ejemplo lo tenemos con el arco de redención de Grandullón, ya presente en la anterior temporada pero que aquí va aún más allá- o simplemente conociéndose en más detalle sus auténticas motivaciones.Ya me gustaba 'Sweet Tooth. El niño ciervo', pero esta temporada 2 es un claro paso adelante que la confirma como una de las series imprescindibles de Netflix. Y tiene mucho mérito, pues hay muchas cosas que podrían desequilibrarla en una u otra dirección, pero sus responsables han sabido dar con el punto exacto para que todo funcione y aporte, porque pasar de lo tierno y cercano a lo duro y terrible con tanta fluidez tiene mucho mérito.En Espinof | Las mejores series de Netflix en 2023 (por ahora) |
es | play | espinof | 25cf6538dde8caefde8f9f7899b3b534037b7da0 | Estos días están siendo muy buenos para las producciones de habla no inglesa en Estados Unidos. Esta misma semana os hablábamos de la increíble proeza que había logrado allí 'Godzilla Minus One' y ahora toca centrarnos en una película de acción que acaba de romper un récord y hacer historia en los cines norteamericanos. Me refiero a 'Animal'.'Animal' es una película de acción india que explora la tensión que surge entre un padre y su hijo. Este último admira mucho a su progenitor, quien a menudo se ausenta de casa por motivos de trabajo y no alcanza a entender el fervor que su hijo siente hacia él. Todo ello acaba derivando en una venganza sobre la que será mejor no dar muchos detalles.Lo cierto es que 'Animal' ya dio la sorpresa el pasado fin de semana con unos ingresos de 6,4 millones de dólares, pero ha sido en días posteriores donde ha quedado claro que ese éxito no fue puntual. El lunes ya ascendió hasta la tercera posición, pero fue este miércoles cuando terminó de dejar su huella en los cines de Estados Unidos al lograr el mejor miércoles de la historia para una película india en dicho país.Claro está, el hecho de que 'Animal' ingresara 589.000 dólares ese día puede que no suene a mucho, pero sí que le ha dado para superar con creces el récord histórico que había logrado 'Baahubali 2: La conclusión' en 2017 con 531.000 dólares.Por ahora, 'Animal' suma una recaudación de 8,7 millones de dólares, lo cual la elevan ya al noveno puesto entre las películas indias más taquilleras de todos los tiempos en Estados Unidos -lista curiosamente liderada por 'Baahubali 2: La conclusión' y sus 22 millones-. A eso hay que sumarle que también lo está petando en su país de origen.Donde 'Animal' no está funcionando demasiado bien es en España. En nuestro país también se estrenó el 1 de diciembre en una cantidad reducida de cines y el público no le está haciendo demasiado caso.En Espinof: |
es | play | espinof | cf4f46e6d6b117678a631d63cd1d5d8f74c60336 | Quizá el nombre de Paul King no diga nada a muchos, pero la cosa seguramente cambie si digo que es el autor de las dos primeras entregas de 'Paddington'. Esas películas no tenían ningún derecho a ser tan buenas, pero creo que no soy el único que mostró ciertas dudas cuando se anunció que iba a ocuparse de 'Wonka', una precuela de 'Charlie y la fábrica de chocolate' con Timothée Chalamet al frente del reparto.A fin de cuentas, hay mil cosas que podrían haber salido fatal en 'Wonka', una sensación que sigue presente durante sus casi dos horas de metraje. Sin embargo, King ha vuelto a hacer magia para darnos la mayor sorpresa de Hollywood en este 2023 que está a punto de llegar a su final. Una auténtica joya del cine familiar que perfectamente podríamos equiparar con tomar un chocolate caliente en el día más frío del año.No voy a engañaros, 'Wonka' es una película que coquetea a menudo con lo empalagoso y sentimental, que echa mano de algunas soluciones de guion un tanto arbitrarias y que confía a tope en la ingenuidad del espectador para dejarse llevar ante la aventura que plantea. Ingredientes perfectos para el desastre, pero King logra crear aquí un ecosistema perfecto para que todo eso sume en una fantasía tan sencilla en apariencia como difícil de hacer encajar todo lo que propone.Pese a que la campaña promocional ha intentado obviarlo en todo momento, 'Wonka' es un musical con todas las de la ley, algo que muestra desde su primera escena y que nunca llega a desdibujarse. Es cierto que las canciones pierden un poco de peso a medida que avanza la trama, pero están siempre ahí latiendo para recalcar esa energía tan particular de una película que no es que tenga muy poca vergüenza, pues simplemente apuesta por un enfoque en el que no hay espacio para el cinismo, ni siquiera cuando toca potenciar su vertiente más dramática.Un buen ejemplo de por qué 'Wonka' no debería funcionar lo tenemos en la interpretación de Chalamet, quien no brilla especialmente cantando -aunque eso no quita que tenga muy buena voz- y lo hace aún menos cuando toca exhibir su talento para el baile. Sin embargo, hay una pureza e inocencia a la hora de abordar su interpretación que hace que conectemos en todo momento con su sueño de convertirse en el mejor chocolatero del mundo.Sí es verdad que el personaje resulta mucho menos excéntrico de a lo que estábamos acostumbrados en iteraciones previas de Willy Wonka, pero es que King apuesta aquí por un elemento más tierno para que entendamos bien sus motivaciones y que resulta un eje fundamental para todo lo que se construye a su alrededor. Es ahí donde la película juega siempre más con esa tendencia al exceso que espera el espectador, pero lo hace de una forma bastante medida para nunca pierda ese equilibrio fundamental para que uno esté deseando dejarse llevar.Claro está, cada espectador tendrá sus preferidos entre la multitud de personajes secundarios, pero la clave está en lo bien que encajan todos ahí, desde ese jefe de policía adicto a los bombones -del que tengo claro que es el personaje que más fácilmente podría haber hundido a 'Wonka' y también por el que recibirá más críticas- hasta la explotadora con el rostro de Olivia Colman, sin olvidarme del tronchante Oompa Lompa encarnado por Hugh Grant. Todos suman para construir un castillo de naipes a priori imposible y que rebosa encanto.A eso hay que sumarle un acabado visual impecable, y no pienso solamente en lo colorida que resulta 'Wonka' en todo momento, pues King logra crear aquí un universo distintivo que se traslada desde la actitud de los personajes, como ese trío de chocolateros malvados, hasta el uso de los efectos visuales. De nuevo, se nota que hay alguien detrás que sabe muy bien lo que quiere aquí, que es acercarse bastante al tono de sus películas de 'Paddington' para aportar su visión al mundo creado por Roald Dahl.Las canciones también resultan un ingrediente fundamental, ya que potencian todo aquello que busca King y resaltan ese elemento más extravagante de la película pero sin dejar que so se apodere de la función y se convierta en una película de grandes momentos sin que todo lo que haya alrededor funcione igual de bien. La precisión de King en los números musicales, pienso especialmente en lo que sucede cuando Wonka descubre que está atrapado en un trabajo precario y sin futuro alguno, son la guinda del pastel.Claro que hay algunos detalles que no funcionan igual de bien y que quien quiera tirarla abajo diciendo que esto o aquellos no tiene sentido, puede hacerlo sin problema, pero por mi parte tengo bastante claro que 'Wonka' es un pequeño milagro. Hay tantas cosas aquí que podrían haber salido fatal que luego acaban siendo la base para algunas de las mayores virtudes de la película, que lo único que queda es celebrar que tengamos una película así en los cines españoles a partir de este 6 de diciembre.En Espinof: |
es | play | espinof | 3ab12f1281dc965c1cd6e34b479c6d231d564672 | Cuando ya se han cumplido casi 5 meses desde que se celebró la última edición de la Fiesta del Cine, la gente de FEDICINE, FECE y el ICAA han anunciado las fechas en las que tendrá lugar la segunda edición del evento de este 2023, en la que volveremos a disfrutar de entradas a 3,5€. ¿Cuándo tendrá lugar? Será muy pronto, concretamente entre el lunes 2 y el jueves 5 de octubre; pero ojo, porque la cosa trae una importante novedad bajo el brazo.Según se ha informado en la comunicación, en la próxima edición de la Fiesta del Cine no será necesario acreditarse para poder disfrutar de los largometrajes disponibles en cartel a precio reducido. A falta de más detalles sobre el funcionamiento, todo parece indicar que durante las fechas señaladas podrán adquirirse entradas con la promoción aplicada directamente.Ahora bien, ¿qué películas podremos ver durante estos cuatro días de "fiesta" para atiborrarnos de cine con descuento? Muchas, porque se va a celebrar justo después del estreno de títulos tan jugosos como 'The Creator', 'Saw X', 'Los mercen4rios', 'Golpe de suerte' de Woody Allen, 'Cerrar los ojos' de Víctor Erice o 'Monstruo' de Hirokazu Koreeda, novedades que llegan a salas el 29 de este mismo mes de septiembre.Además de estas películas, otros títulos lanzados previamente que vamos a poder encontrar en salas por esas fechas son, 'Ninja Turtles: Caos mutante', 'The Equalizer 3', 'Campeonex', 'La monja II', 'Misterio en Venecia', 'Vida perra' o el regreso de Johnny Depp en 'Jean du Barry'. Sin duda, una selección con propuestas para todos los paladares.Así que ya lo sabes. Entre el 2 y el 5 de octubre tienes una cita con tu sala de cabecera para ponerte hasta arriba de cine de estreno... a no ser que seas como un servidor, aprecies mucho la tranquilidad, y prefieras huir de patios de butacas abarrotados y potencialmente poblados de pantallas de móvil con el brillo al máximo.En Espinof: |
es | play | espinof | ea23778d835fd880cf9c81a9db2ddf2badd16203 | Despedimos mayo, y ya se respira el veranito que llega con el mes de junio. Pero nosotros lo que respiramos son buenas series y películas y cada semana llega alguna destacable a las plataformas de streaming. Esta semana llegan 73 series, películas y documentales que llegan desde hoy a Netflix, HBO Max, Prime Video, Filmin, Movistar Plus+ y Disney+. Vayamos a ello.Después de triunfar el año pasado en el Series Mania, llega a Disney+ esta serie adolescente que sigue la historia de un joven de diecisiete años que descubre que nació como intersexual, algo que le han ocultado durante toda la vida.Thriller psicológico inspirado en una secta real (The Family), esta serie cuenta con Guy Pierce y Miranda Otto entre sus protagonistas. La historia gira en torno a una mujer que se debe enfrentar a sus propios demonios para impedir que una secta empiece a secuestrar niños.Desde Japón llega esta miniserie que nos cuenta, desde tres puntos de vista distintos, la catástrofe del terremoto y tsunami de 2011 en Japón y sus terribles consecuencias en Fukushima. Hideo Nakata codirige la saga.Estreno el jueves en NetflixEstrenada en nuestro país de tapadillo en plataformas de alquiler, por fin llega al alcance de todos como exclusiva de HBO Max (de hecho esa era la idea) el cierre de la saga protagonizada por Channing Tatum y dirigida por Steven Soderbergh. En esta ocasión vemos al stripper retirado y trabajando como camarero. Será un encuentro fortuito lo que le obligará a "volver al ruedo".Si aún así andas algo dubitativo sobre qué ver, aquí tenemos nuestros rankings con los estrenos más destacados de 2023 que han aparecido en las diversas plataformas de streaming. Estas son las mejores series y películas de Netflix, las series y películas más destacadas de Amazon Prime Video y nuestro top de series de HBO Max.En Espinof | Las 11 mejores series de 2023... hasta ahora |
es | play | espinof | eb21dd4cee30c3ce3383d30ea4cfd68b0af55402 | Resaca de la temporada de terror, pero eso no quiere decir que no tengamos alguna que otra propuesta al respecto en nuestras plataformas de streaming. Así que, como cada miércoles vamos a repasar las 96 series, películas y documentales que llegan desde hoy hasta el domingo a Netflix, HBO Max, Prime Video, Filmin, Movistar Plus+, Disney+, SkyShowtime y Apple TV+.Desde la Sección oficial del festival de San Sebastián, Apple trae esta cinta protagonizada por Jessie Buckley y Jeremy Allen White sobre dos personas que han encontrado el amor verdadero según una controvertida tecnología. Sin embargo, a la inseguridad de ella se suma un tercero: Amir (Riz Ahmed)Recuperación de la comedia protagonizada por Kelsey Grammer. En esta ocasión vemos al erudito psicólogo cambiar de aires y mudarse a Boston para intentar alcanzar un sueño largamente postergado. Nueva ciudad y nuevos retos.Uno de los estrenos potentes de noviembre es esta miniserie dirigida por Shawn Levy y escrita por Steven Knight que sigue, a lo largo de diez años, la vida de una joven francesa ciega que huyen del París ocupado por los nazis. Refugiados tras las líneas de la Resistencia, conocerá a su alma gemela.Akwafina y Sandra Oh protagonizan esta comedia que sigue a dos hermanas que tienen que hacer equipo para pagar las deudas de juego de su madre. Sin embargo, algo las llevará a embarcarse en un viaje por todo el país para conseguir dinero usando su gran habilidad: una de ellas es una obsesionada de los concursos de preguntas y respuestas.Serie de terror juvenil que sigue a dos adolescentes que deciden cambiar de vida y huir del sur de España, empujados por los acontecimientos. En su huida se cruzarán con todo tipo de criaturas reales y mitológicas como demonios y brujas.Si aún así andas algo dubitativo sobre qué ver, aquí tenemos nuestros rankings con los estrenos más destacados de 2023 que han aparecido en las diversas plataformas de streaming. Estas son las mejores series y películas de Netflix, las series y películas más destacadas de Amazon Prime Video, nuestro top de series de HBO Max y los de series y películas en Disney+.Por cierto, si quieres estar enterado de todo, date una vuelta por nuestra Newsletter, Espinofrenia.En Espinof: |
es | play | espinof | 4a446cad0b4aa8b502c7a0e21d1603b22d72e30f | La cuenta atrás para el fin del "droughtlander" ya ha comenzado. Desde Starz han confirmado la fecha de estreno para la temporada 7 de 'Outlander'. Si bien sabíamos que llegaría en algún momento del verano, no ha sido hasta ahora que se ha anunciado el 17 de junio cuando podremos ver en España el regreso de Sam y Claire vía Movistar Plus+.Eso sí, este verano solo podremos ver la primera mitad de esta temporada, ya que tendremos que esperar a 2024 para poder ver los ocho episodios restantes de esta penúltima entrega. Es, de hecho, la segunda vez que se divide en dos la temporada (desde la primera que no lo hacían).Recordemos que al final de la temporada 6, Claire era arrestada por Richard Brown (Chris Larkin). Así en estos nuevos episodios la veremos en una ciudad sin ley esperando su destino final. Por otro lado, Jamie se prepara para encontrar su paradero tras ser salvado por Ian y el líder de los cherokee.Sam Heughan y Caitriona Balfe siguen al frente del reparto del drama romántico, al que se unen Charles Vandervaart, Izzy Meikle-Small y Joey Phillips. Sophie Skelton, Richard Rankin, John Bell, David Berry, Caitlin O'Ryan y Paul Gorman completan el elenco principal.Matthew B. Roberts sigue al frente de esta adaptación, desarrollada por primera vez Ronald D. Moore. Por otro lado, esta es la penúltima temporada de 'Outlander' que se despedirá con su octava entrega.En Espinof | 7 series que te recomendamos si te gusta 'Outlander' |
es | play | espinof | 7e4d0e94963beecb3f3ace3a88c25fb65b00ea25 | Los abogados de derechos de autor de Nintendo deben de estar ocupados estos días después de que 'Super Mario Bros. La película' fuera publicada en Twitter en su totalidad el domingo por la mañana. El largometraje se dividió en dos partes, y consiguió estar en exhibición durante varias horas antes de que finalmente se retirara, acumulando aproximadamente 10 millones de visitas en ese tiempo.No es la primera vez que la película se filtra. El 16 de abril tras nueve días de su estreno en cines, la película apareció en la cadena argentina GenTV, mucho antes de su estreno digital el 9 de mayo. Pero en Twitter se está haciendo demasiado común, hace poco la totalidad de 'Avatar: el sentido del agua' también se publicó en un hilo de Twitter el sábado por la noche. ¿Cómo sigue sucediendo esto? tiene algo que ver cola política de Twitter Blue.En diciembre del año pasado, Elon Musk anunció que los suscriptores de Twitter Blue podían subir videos de hasta 60 minutos de duración. Este es un aumento de seis veces más que la ventana anterior de 10 minutos. El límite más grande permite a los piratas cargar la mayor parte del contenido en un tweet y el resto en otro adicional, y esto es exactamente lo que sucedió con 'Super Mario Bros. La película', donde se subió una hora de película y la media restante en un segundo, acumulando millones de visitas, de dos usuarios compartiendo el mismo vídeo.El usuario @OMGitssAshleym, tras la violación de los derechos de autor, vio su cuenta de Twitter suspendida mientras el usuario, @vidsthatgohard, que compartió el video de @OMGitssAshley, solo vio que su tuit fue eliminado después de obtener miles de interacciones, pero conserva la cuenta. Permitir que se carguen videos de hasta 60 minutos ha hecho que la piratería se dispare en twitter, pero además, el anuncio de Elon Musk de que el Consejo de Confianza y Seguridad se ha disuelto y los funcionarios ha sidodespedidos ha generado serias preocupaciones sobre la seguridad del sitio de microblogging, que es algo parecido al salvaje oeste de las redes sociales.En Espinof | Las 13 mejores películas sobre videojuegos |
es | play | espinof | 72506f2648e83f8eceb8a9c351083ce9d7ea1a9a | El estreno de 'Oppenheimer' supone la primera vez en la que Christopher Nolan hace un drama biográfico, pero también marca otro gran hito para el director, ya que es su primera película con escenas de sexo. Un dato que puede resultar sorprendente, pero su castidad previa también tenía que ver con una vocación de cine blockbuster destinado a un gran público, también con poco espacio para la violencia gráfica, siguiendo con constancia una pulcritud que nunca se sale de los límites.Lo que puede sacarse en claro en su filmografía es que el director ha adquirido una reputación digna de meme por la forma en que trata las relaciones entre hombres y mujeres. A menudo, las últimas mueren (o están ya muertas) y los hombres están tristes como consecuencia. Nolan, esencialmente, es el rey del tropo de la esposa muerta. Y esto sufre una inversión en su nuevo trabajo, aunque acaba cayendo en otras trampas muy superadas desde el punto de vista de género.Su cine es conocido por su marcada mirada masculina y una representación de las mujeres pobre, a menudo cosificando a sus personajes femeninos y retratando recursos prototípicos como dejarlas en "la nevera" hasta que tengan alguna función para mover la trama desde otro punto de vista, ya sea el asesinato, o servir de chispa para el autodescubrimiento y la realización del potencial que el protagonista masculino experimenta posteriormente.En 'Memento' (2000) su principal personaje femenino era una clásica rubia manipuladora, en 'El prestigio' (2006) incluiría a dos, pero solo para ofrecer una dualidad polarizada, por una parte Sarah Borden (Rebecca Hall), la clásica madre que debe sufrir constantemente debido al trabajo, los intereses y la rivalidad de su esposo y por otro Olivia Wenscombe (Scarlett Johansson), quien era prácticamente una mujer trofeo de una victoria imaginada frente a su rival. Un papel dual que evoluciona en 'Oppenheimer' pero sigue el mismo camino.En 'Tenet', Elizabeth Debicki hacía de Kat, un personaje aparentemente completo, pero pronto su importancia acaba reduciéndose a su altura y a su proximidad a un hombre; solo es útil debido a su relación con Sator, y el espectador debe sentir simpatía por ella porque es una madre que sufre abusos a manos de su esposo, básicamente acaba sirviendo de víctima, utilizada como rehén. Volviendo a las dos escenas de sexo de 'Oppenheimer', son un buen ejemplo de hacia dónde ha evolucionado el papel de la mujer en el cine de Nolan.En la primera escena vemos la fijación del director por la filosofía y la teoría como deflector de las sensaciones de pasión que surgen entre el científico (Cillian Murphy) y Jean Tatlock (Florence Pugh). Nolan muestra un desnudo de la actriz, pero el foco se convierte en un libro en sánscrito que Tatlock encuentra en el estante del físico, el Bhagavad Gita, un texto religioso clave en el hinduismo, del que lee parte del poema épico Mahabharata. Aquí donde suena la cita "Me he convertido en la Muerte, destructor de mundos", que dice mientras Tatlock vuelve a ponerse encima suya.Una elección de guion involuntariamente graciosa, que subraya el propio complejo de Dios del personaje en una sesión de sexo que, por otra parte, resulta fría y casi sin pasión. La película da preferencia a la referencia cultural pomposa que a preparar el momento para crear una intimidad real entre los dos personajes. Además, cuando Tatlock le pide que le traduzca sánscrito durante el acto, revela otro de los mayores tics de Nolan en su tratamiento de las mujeres, dibujándolas como recipientes para el genio de sus protagonistas masculinos. Tatlock es casi una femme fatale, que se limita soltar teoría comunista y acabando reducida a amante torturada.Pero si la primera escena de sexo, metiendo con calzador una cita sobre la que reincide película desde el principio, dibuja a Tatlock como un vehículo, la segunda alcanza niveles de bochorno. Cuando la Comisión de Energía Atómica de los Estados Unidos interroga a Oppenheimer sobre sus antiguos lazos comunistas, sus interrogadores le pregutan sobre la última vez que vio a Tatlock. En ese momento, el protagonista recuerda estar en una habitación de hotel, donde los dos se sientan uno frente al otro en sillones separados, completamente desnudos.Entonces las dos realidades se fusionan de forma inesperada y mientras Oppenheimer está en su vista de autorización de seguridad tomamos el punto de vista de la mujer del cienfífico, Kitty, y cambiamos a su perspectiva, mientras imagina a Oppenheimer y Tatlock, desnudos, follando justo en frente de ella, en esa misma habitación, mientras los señores de traje siguen con sus preguntas. Pero no solo se queda en esto, sino que Tatlock mira fijamente a Kitty en este escenario de fantasía, burlándose de ella. Una representación surrealista de los celos de Kitty por la cita extramatrimonial de su esposo, exagerada y gratuita, que encima quiere pasar por evocadora.La escena, que no pega con el tono casi de cine de tebeo postadolescente del que Nolan no logra despegarse nunca, no solo resulta burda por la forma en la que desnaturaliza una escena de coito como si fuera un thriller erótico, ni siquiera por la vuelta a la figura de Tatlock como una vívora interesada, por muy subjetiva que sea, evoca los celos de Kitty como una humillación pública, llevando el tropo de la "esposa sufridora" a extremos delirantes. Su personaje es "la madre que aguanta al genio" de todos esos biopic que incluyen a personajes femeninos solo para añadir otra dificultad al camino del retratado, sino que además pasa la mayor parte de tiempo en pantalla con el ceño fruncido, gritando o directamente llamando "pelele" a Oppenheimer por no enfrentar con más energía a sus enemigos.Por mucha intensidad que le ponga Blunt, su personaje es una sufridora en segundo plano y al final del largometraje no tiene más relevancia que haber sido un bastón o acicate enfadado para Murphy. Además, las semillas de la aventura con Tatlock finalmente terminan en tragedia, lo que sincroniza con su anterior tendencia a retratar a las mujeres en la órbita del genio masculino. En este caso no es la esposa muerta, sino la amante suicida. Aunque ojo, que Nolan utiliza un montaje de flashback para sugerir que quizá ha sido asesinada, en una subtrama de conspiración que acaba en ninguna parte.Es más, esa percepción de asesinato no influye en las acusaciones de comunista a Oppenheimer, que parecen unidas con más intencionalidad de lo que realmente tiene la "subtrama" de espionaje. Además, esos puntos de vista subjetivos del suicidio rompen esa regla de punto de vista desde el protagonista que Nolan ha puesto como excusa para no enseñar los efectos de los bombardeos reales. Porque lo importante al final no es tanto su arrepentimiento, sino su "pacto" con Einstein, su persecución y su sufrimiento de mártir, para lo que los personajes femeninos de la película son comparsas necesarios por exigencia de la plantilla del biopic arquetípico americano.En Espinof | Las 22 mejores películas biográficas de la historia del cine |
es | play | espinof | 8a40295878823b2043e570e8268385511cb462a3 | Nadie se esperaba el enorme éxito que tuvo 'Campeones' en 2018': 19 millones de euros de recaudación solamente en España y 3 premios Goya, entre ellos el de mejor película, superando así a 'El reino', la cinta que se llevó más galardones en esa edición. Todo eso dio pie a un remake en Estados Unidos protagonizado por Woody Harrelson que pasó bastante desapercibido y a una secuela que lleva este viernes 18 de agosto a los cines de toda España.Con el título de 'Campeonex', lo primero que llama la atención de la película es la ausencia de Javier Gutiérrez, quien funcionaba a modo de gran eje sobre el que se iba construyendo la primera entrega. En su lugar se optó por un cambio radical con el fichaje de la poco conocida Elisa Hipólito para dar vida a una entrenadora novata que se ve a menudo superada por las circunstancias.El objetivo vuelve a ser el mismo que en 'Campeones': intentar hacer pasar un rato divertido al espectador pero prestando especial atención a las posibilidades de la historia como vehículo para emocionar al público. Eso sí, desde el principio se opta más por el enfoque amable que iba a adquiriendo la primera entrega una vez el cinismo del personaje de Gutiérrez iba perdiendo peso. Para mí eso no es algo positivo, pero estoy convencido de que lo que muchos realmente disfrutaron de su predecesora fue su capacidad para tocarles la fibra sensible.Por lo pronto, esa tendencia habitual del cine de Fesser hacia una comedia tan excesiva como peculiar queda aquí totalmente reducido a una subtrama que inicialmente parece que va a ser vital dentro de 'Campeonex' y que a la hora de la verdad queda, siendo generosos, en un segundo plano, utilizándose más para explicar la llegada al equipo de Brianeitor, quien acaba por convertirse en el gran protagonista de la función.Eso sí, esa es una transición que Fesser realiza con fluidez y cierta naturalidad, permitiendo así que el personaje sea un integrante más del equipo antes de que pase a ser la gran estrella del tramo final, y además el streamer Brian Albacete está de lo más convincente en todo momento. Es cierto que 'Campeonex' se alarga en su último acto más de la cuenta en su obsesión por emocionar al espectador y que la apuesta por los eSports pasa de la curiosidad inicial a acabar saturando como excusa para la búsqueda del inevitable final feliz, pero hasta entonces sí que se había dado con un efectivo equilibrio entre la carga humorística y el buenrollismo reinante.Todo ello deriva del pequeño lío que provoca que los campeones tengan que cambiar de deporte, pasando del baloncesto al atletismo -aunque el deporte de la canasta sí es bien importante en el arranque-, lo cual da pie a situaciones en las que se incide en su falta de experiencia y cómo han de hacer frente a situaciones comprometidas. No es que sea nada del otro mundo y llama la atención lo desconectado que está muchas veces el personaje de Jesús Vidal, el que más brilló del grupo de campeones en la primera entrega, del resto, pero cumple como entretenimiento dentro de la línea que uno podría esperar de 'Campeonex'.Al final la clave está en saber cómo jugar con esa ingenuidad imprescindible para que la película no se venga abajo casi de entrada. De nuevo se vuelve a usar la figura del entrenador(a) como punto de apoyo para que el espectador se sumerja en la historia, pero ahí el drama personal del personaje de la hija de Carlos Hipólito resulta decepcionante. Primero porque ese gafe se prestaba a echar mano más a menudo de ese humor marca de la casa de Fesser y segundo porque acaba siendo otro factor más en la sobredosis de buenas intenciones que acaban dominando 'Campeonex' por los cuatro costados.Ojo, no creo que 'Campeonex' sea una de esas secuelas desganadas hechas con la única intención de exprimir el éxito de la primera entrega y vender millones de entradas, pero sí que igual simplemente este universo ya no daba mucho más de sí. Al final lo realmente clave aquí es la empatía que uno sienta hacia sus protagonistas y las ganas que tenga de verles triunfar. A mí ya me valía con lo que me dio 'Campeones' y esto no deja de ser una prolongación resuelta con cierto oficio pero ninguna brillantez por parte de Fesser.Esto se nota principalmente en alguna subtrama puramente dramática que sí parece estar ahí con la única intención de ir allanando el camino para provocar la lágrima en el espectador, algo que hasta se percibe en la banda sonora. Y claro, no es lo mismo saber que una película quiere conseguir eso que sentir que lo está buscando de forma tan evidente. Habrá casos en los que consiga su objetivo igualmente, pero en otros espectadores puede generar un rechazo más o menos pronunciado. Yo pertenezco a este segundo grupo, que la secuela de Fesser que realmente anheló yo es la que nunca se hará de 'Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo'.Al final lo que ofrece 'Campeonex' es continuismo pero intentando en todo momento evitar la posibilidad de ser un simple más de lo mismo. Por desgracia, eso rebaja para mí lo que mejor funcionaba en la primera entrega, donde la mala baba de Fesser con ciertos apuntes de humor negro encajaba de fábula, pero tengo bastante claro que la mayor parte de su éxito está en su lado más emocional. Y aquí se hace una apuesta aún más decidida por ello.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 1eb529744d7f6cca6560f29c18d1dc24b5528016 | Llevábamos bastante sin saber nada de ella pero por fin ya tenemos las primeras imágenes de la temporada 5 de 'Fargo', la excelente antología criminal spin-off de la aclamada película de los hermanos Coen.Junto a esas fotos también se ha desvelado que el estreno de estos nuevos episodios será el 21 de noviembre en el canal estadounidense FX. En España, Movistar Plus+ ha confirmado que se podrá ver a partir del 29 de noviembre.Con un reparto encabezado en esta ocasión por Juno Temple, Jon Hamm y Jennifer Jason Leigh, esta temporada 5 está ambientada en 2019 en los parajes de Dakota del Norte. Ahí nos esperará la historia de Dot (Temple), una típica mujer del medio oeste americano que se ve catapultada a una vida que creía haber dejado atrás.Sin embargo, cuando estos secretos empiezan a descubrirse intenta proteger a su familia de su pasado con acciones que empiezan a llamar la atención de la policía. Por otro lado tenemos a Roy Tillman (Hamm), sheriff y un hombre de ley que lleva un tiempo buscando a Dot.El reparto de la temporada se completa con Joe Keery como Gator, el hijo de Roy Sam Spruell como Ole Munch, un vagabundo inquietante; David Rysdahl como Wayne, el marido de Dot; Richa Moorjani como Indira Olmstead, teniente de la policía de Minnesota; Larmone Morris como Witt Farr, teniente de Dakota del Norte; y Dave Foley como Danish Graves, el asesor personal de Lorraine (Leigh).Además, David Rysdahl, Jessica Pohly, Nick Gomez y Lukas Gage también estarán en el elenco. Noah Hawley sigue siendo showrunner, guionista y director de esta temporada 5 de 'Fargo'.En Espinof | La mejores series de Prime Video en 2023 |
es | play | espinof | cf93453ce483de913acfc510058e7539d0d8046f | ‘Flash’ está decepcionando en taquilla con unos ingresos en Estados Unidos de escasos 55 millones de dólares durante su primer fin de semana en cines, una cifra por debajo de los 70 que Warner esperaba conseguir. Un fracaso que no solo se debe a problemas comentados, como sus efectos digitales o el hartazo de cameos gratuitos, el problema de DC tiene que ver con un agotamiento general del cine de superhéroes y su tendencia a suplir historias sólidas con apariciones sin justificar.En general, hay alarma en Hollywood por la pobre taquilla a las puertas del verano, pero si analizamos los cuatro fracasos de estas dos semanas nos encontramos que ‘Elemental’ es otra vez la misma película Pixar con diferente temática para humanizar “cosas”. ‘Transformers’ va por su séptima película que nadie ha pedido y ‘La sirenita’ es el segundo remake de acción real Disney en menos de un mes. Por no hablar de la decepción con ‘Fast X’ que, por si nadie se había percatado, lleva un 10 en el título. Podemos decir que hay una tendencia generalizada a la explotación.‘Flash’ es una película que explica ella sola el fracaso de Warner con su proyecto de superhéroes DC. Siempre a rebufo de Marvel, produciendo detrás con las mismas fórmulas, pensando que va a funcionar, y ahora con la feliz idea de seguir el estreno de ‘Spiderman: cruzando el multiverso’ el mismo mes. Es decir, estrenar otra de multiversos, crossovers, superhéroes y cameos menos de 15 días después de un pelotazo con parecidos evidentes. Un ojo clínico en la jugada de esperar toda la postpandemia para sacarla justo ahora, quizá encomendándose a que como la de Marvel es de animación y para niños, no afectaría.Se junta una tormenta de factores ejecutivos que quizá no sean tan importantes como los resultados creativos. Pocas veces se había visto una brecha tan abismal entre las primeras opiniones de júbilo y el producto que realmente se estrena como en ‘Flash’, empezando por unas notables quejas por la baja categoría de los efectos digitales o su escena con bebés monstruosos que rompen el valle de lo inquietante en un momento supuestamente divertido, aunque el director Andy Muschietti haya querido salir del paso diciendo que son así a propósito.Pero el problema de ‘Flash’, que tiene una puesta en escena y acabado de fotografía superior a la media de blockbusters, no es el CGI (que sí, verdaderamente es horrendo a muy diferentes niveles) ni los actores con un deepfake peor ejecutado que el de muchos videos fan, sino un guion ramplón, pobre y deslavazado, que más allá de ingeniárselas para encajar el desfile de rescates de turno, está plagado de diálogos burdos, chistes que sonrojan y confunde la emoción con la cursilería hardcore en un horror vacui grosero de gracias forzadas y cambios de última hora. Hasta a muy criticada ‘Shazam 2’ es mucho más ingeniosa a la hora de insertar su humor.Independientemente de polémicas, Ezra Miller nunca ha tenido mucha gracia y en su paso de secundario a protagonista sufre el mismo complejo de mimo de la peor época del Johnny Depp gesticulante. Además, el sosías alternativo de Barry Allen es tan irritante, agotador y redundante que cuando conoce a Batman y se muestra asombrado con la boca abierta, tratando de canalizar la emoción del fan al otro lado de la pantalla, solo piensas en que ese personaje no lo merece, que no es él quien debería estar ahí, viviendo ese momento.Nada que objetar al Ezra de ‘Tenemos que hablar de Kevin’, porque prácticamente no abría la boca y bueno, daba un miedo muy creíble. Pero desde que apareció en 'Ventajas de ser un marginado' es imposible creérselo en papeles de gracioso o payasete. Y a esto no ayuda el intento pocho de querer hacer gags visuales al estilo de las películas de la primera época del cine de animación 3D, cuando el cine animado quería resultar gracioso para cautivar a los padres, con pausas obvias para insertar risa, y muchos recursos con intención de mostrar dónde debes de reaccionar que dejan silencios incómodos y una sensación de desesperación por posicionarse como algo divertido, recordando todo el rato que “eh, somos divertidos”.Pero más allá de esos detalles, el holocausto a los sentidos definitivo es su tramo final, una avalancha de caras de cera que recoge lo peor de la cultura del cameo, a necrofilia digital y la manipulación de la nostalgia. Hay un actor vivo que podría haber aparecido perfectamente, pero asistimos a una escena con su avatar digital a medio cocer. Una catarata exagerada de recuerdos "sorpresa" que no llegan a emocionar, como gatillos de emoción insertada con la misma naftalina corporativa que está empezando a convertir la experiencia del blockbuster de superhéroes en un sintético y reiterativo "¡mira quién sale ahora!".A raíz de la última película de ‘Spider-Man’, queda claro que última frontera del género son los multiversos y el estado del cine de superhéroes ahora mismo es la fase "Monster Mash", o el "síndrome Ready Player One", el intento de epatar a base de acumulación. Esto se explica bien mirando hacia Marvel, que tras su mejor ciclo creativo ha recurrido a dimensiones paralelas, con ‘Doctor Strange 2’ o ‘Spider-Man: No Way Home’. ‘Flash’ ha llegado para completar el ciclo, con una nueva Supergirl, el Batman de Tim Burton y el de Ben Affleck, entre otras apariciones que responden al mismo cuello de botella del cine de superhéroes.Claro que hay una sensación de emoción inevitable al ver a Michael Keaton como hombre murciélago, y despierta exactamente lo anunciado, pero su presentación es tan predecible y al pie de la letra que cada nuevo gag siempre sucede cuando esperas, cada frase famosa que toca enunciar con fanfarria de Danny Elfman va donde sabes que irá. No hay un desastre implícito, pero deja la sensación de que podría haber tenido una vuelta de tuerca que sabes que no se producirá. Ni siquiera hay una propuesta que difiera o cambie lo visto en la ficción del personaje.A la hora de analizar el fracaso de este ‘Flash’ parece olvidarse que la estupenda serie de CW ya adaptó Flashpoint, con una trama exacta y una resolución más satisfactoria. La película ni siquiera aprovecha la posibilidad de llevar las encarnaciones del héroe de la televisión a la pantalla grande, sino que deja claro que no interesa tanto la mitomanía del propio cómic como la de otros personajes que crean más interés al espectador ajeno a los cómics. Por ello tenemos cameos familiares hasta en el plano final y otro de regalo en la embarazosa escena post-créditos.Puede que los resultados en taquilla de ‘Flash’ sean un oráculo para DC y todo el género de superhéroes. Más allá de que merezca o no su tropiezo económico debería sacarse algo positivo del mensaje que ha mandado el público en los últimos cuatro fracasos de los últimos seis estrenos del subgénero: recuperar reliquias a golpe de dólar para que el público señale a la pantalla no es suficiente para motivar, emocionar e interesar de nuevo al espectador. Algo de lo que debería tomar buena nota la etapa James Gunn de DC y las fases que estén por venir en el MCU.En Espinof | Universo Extendido de DC: en qué orden conviene ver todas sus películas de superhéroes |
es | play | espinof | 635239a59891a19a3bfcf0400538f2e81ab4a836 | Desde hace meses la discusión sobre su posible existencia ha ido ganando fuerza, pero el concepto de la fatiga del cine de superhéroes lleva entre nosotros desde, probablemente, el inicio de la Fase 4 del Universo Cinematográfico de Marvel. Fue entonces cuando comenzó a germinar la idea de que el interés en este tipo de producciones estaba en clara tendencia descendente, y los resultados en taquilla de muchos de los estrenos recientes parecen terminar de confirmar definitivamente la sospecha.En medio de este, a priori, volátil escenario, el caso de DC se antoja particularmente espinoso. A la saturación derivada de más de una década de bombardeo constante de aventuras pijameras debe sumarse el anuncio de un drástico reinicio de la mano de James Gunn y Peter Safran; un escenario que invita a la desintoxicación hasta que la máquina comience a girar de nuevo con su flamante nuevo motor.Pero, en medio de un panorama con la creatividad bajo mínimos y en el que la cantidad parece haber sustituido claramente a la calidad, un pequeño e inesperado oasis se ha revelado ante nosotros bajo el título de 'Blue Beetle'. Y es que la aventura del primer héroe del próximo DCU, con su cóctel de cachondeo, corazón y emoción en clave latina, se ha convertido en una firme candidata a subir al podio con las mejores adaptaciones de cómics del año junto a dos títulos de la talla de 'Guardianes de la Galaxia Vol. 3' y 'Spider-Man: Cruzando el multiverso'. Casi nada.No voy a negar que las expectativas hacia 'Blue Beetle' estaban bajo mínimos. Más allá del desinterés hacia un DCEU en sus últimos meses de vida, el hecho de conocer que, originalmente, estuvo concebida como un estreno directo a streaming hacía temer un producto de segunda categoría. Por suerte, la película de Angel Manuel Soto no tiene nada en absoluto que ver con los direct to video de antaño.Haciendo honor a la verdad, es necesario señalar que la cinta no logrará sorprender lo más mínimo al público curtido en aventuras comiqueras en lo que respecta a su narrativa. Sus conflictos, giros y puntos de inflexión dramáticos no logran desviarse de los arquetipos presentes en otras historias de orígenes, pero esto es un esperable matiz que no logra ensombrecer un conjunto que, aunque pueda sonar contradictorio, es tremendamente refrescante.Una vez asimilado el hecho de que ciertos patrones y fórmulas son prácticamente inevitables en un subgénero en el que está todo inventado, sólo nos queda disfrutar de un par de ajustadísimas horas que no encuentran su motor ni en la musculatura de sus set pieces ni en el poderío de su encomiable acabado visual, sino en el inmenso corazón de una familia protagonista que carga el peso del relato sobre sus hombros para llevarlo en volandas.Siempre defenderé a capa y espada que, por encima de cualquier otro elemento, si algo hace que funcione un largometraje, eso son unos personajes cuidados con los que podamos empatizar y que nos inviten a sufrir por ellos, y el caso de 'Blue Beetle' es un claro ejemplo de esto; comenzando por un Jaime Reyes —fantástico Xolo Maridueña— que entre justicieros de primera liga se alza como el héroe que el DCU necesitaba desesperadamente.Pero tal y como deja clara la trama, el bueno de Jaime no sería nada sin su pintoresco clan. Son las dinámicas con sus padres, su hermana, su tío y su abuela —cada uno de ellos con su momento estelar— las que insuflan vida a la producción y potencian la emotividad hasta niveles insospechados; quedando, eso sí, a años luz en cuanto a encanto y tratamiento unos villanos efectivos, pero reducidos casi al cliché.Envolviendo todo esto y dando un empaque aún mayor a la cinta, encontramos el gran esfuerzo de su director por rendir tributo a la comunidad latina en general y a la mexicana en particular, inyectando un ligero poso social entre épicas y descubrimientos personales, y salpimentando el metraje con infinidad de referencias culturales que van desde guiños pop hasta los ámbitos más espirituales.Pero ojo, que hasta el momento haya hecho caso omiso a los aspectos técnicos y formales de 'Blue Beetle' no quiere decir que no hagan gala de un nivel digno de elogio. Su factura sorprende tras comprobar el mimo volcado sobre la planificación y puesta en escena de Soto —solvente tanto en los pasajes volcados en el diálogo como en los entregados a la acción—, sobre unos efectos visuales más pulcros de lo que cabría esperar, y sobre una dirección de fotografía de un Pawel Pogorzelski que sigue reivindicándose como uno de los grandes DOP del momento.Si a esto le sumamos un tono divertidísimo y autoconsciente que no teme en pasarse de vueltas para guiñar el ojo al público adulto en su tratamiento de la violencia y la comedia —sin alejarse del PG13 de rigor, claro está—, y un reparto inspiradísimo, el resultado invita a ser indulgente con los lugares comunes que el filme no logra esquivar.Al igual que el propio protagonista, que no deja de alzarse como el héroe más improbable, 'Blue Beetle' se eleva como un éxito inesperado —probable y tristemente, no en términos comerciales— que jamás pensamos ver desde que se anunció el proyecto. Espero de corazón que las palabras de Gunn asegurando que sería le primer superhéroe de su DCU sean ciertas, porque no puedo esperar ver de nuevo a Jaime Reyes. Y si está rodeado de su familia, muchísimo mejor.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | ccc884d18fc1c181c0d0215099a6e386a1579fa5 | Puede que febrero sea el mes más corto del año -y eso que en esta ocasión dura un día más de lo habitual-, pero no impide que las diferentes plataformas de streaming sigan teniendo que poner toda la carne en el asador para atraer el interés del público. Ahora toca hacer una parada en los 7 mejores estrenos de Netflix en febrero de 2024. Vamos con ellos.Una película animada de fantasía que a priori recuerda bastante a la magistral 'Inside Out (Del Revés)', pero hay algo en ella que me hace confiar casi ciegamente en que va a merecer la pena: el guion, que parte de un libro infantil de Emma Yarlett, está firmado por Charlie Kaufman, quien ya hiciera eso mismo en joyas indiscutibles como 'Cómo ser John Malkovich', 'Adaptation' y 'Olvídate de mí'Estreno el 2 de febreroLa comedia de los creadores de 'La que se avecina' regresa con una nueva temporada con los mismos protagonistas de la primera entrega y los llamativos fichajes de Carlos Areces, Adriana Torrebejano, Cayetana Guillén Cuervo, Itziar Castro y Juanjo Puigcorbé.Crítica de 'Machos Alfa'Estreno el 9 de febreroNormalmente no incluiría un estreno de catálogo aquí, pero Netflix puede tener una gran carta ganadora. Esta serie de acción basada en una idea que el mismísimo Bruce Lee tuvo en 1971 se estrenó en Cinemax en 2019 y acabó llegando a su final el año pasado en Max. Allí no hizo mucho ruido, pero en Netflix podría petarlo. Cuenta la historia de de Ah Sahm, un experto en artes marciales que viaja de China a San Francisco en la década de los 70 del siglo XIX para intentar encontrar a su hermana.Crítica de 'Warrior'Estreno el 16 de febreroLa adaptación en imagen real de Netflix de una aclamada serie animada emitida entre 2005 y 2008. Los creadores ella iban a participar en esta nueva versión, pero se bajaron del barco en el último momento, sembrando así ciertas dudas sobre este relato situado en un universo en el que ciertas personas tienen la habilidad de manejar uno de los cuatro elementos -agua, tierra, fuego y aire-. Es una de las grandes apuestas de la plataforma para este 2024 -y más de uno la considera la serie de fantasía de estreno más esperada del año-, pero como no esté a la altura, todo apunta a que se quedará en 8 episodios.Estreno el 22 de febreroLa entrega final de esta adaptación de la Trilogía de los Hermanos Hidalgo escrita por Ariana Godoy. Con Clara Galle, Julio Peña Fernández, Eric Masip y Hugo Arbués de nuevo al frente del reparto, todo apunta a una nueva mezcla de romanticismo y erotismo que hará las delicias de aquellos que disfrutaron con las dos primeras entregas -yo no pasé de 'A través de mi ventana'-. Ya el resto...Estreno el 23 de febreroEstoy convencido de que a muchos les va a dar igual que Netflix emita en directo esta entrega de gala de premios, pero es que no deja de ser una prueba para ver si a la plataforma le compensa apostar a lo grande por otros galardonos. No sería ninguna sorpresa que los Óscar acabasen en Netflix dentro de unos años...Emisión el 24 de febreroSeguro que ni en Netflix esperaban el gran éxito que tuvo 'Código 8' cuando llegó a la plataforma, pero para su segunda entrega se aseguraron de hacerse con ella en exclusiva. Aquí nos contarán las historia de una adolescente que busca hacer justicia por la muerte de su hermano a manos de policías corruptos. Todo año manteniendo un universo en el que un 4% de la población posee habilidades especiales...Estreno el 28 de febreroEn Espinof: |
es | play | espinof | d2c4b1cd37dc6e8319839690b9c77cd3f2be827b | El fenómeno Barbenheimer ya languidece, pero eso no impide que tanto 'Barbie' como 'Oppenheimer' siguen haciendo historia en taquilla. La primera ya es una de las 15 películas más taquilleras de todos los tiempos, mientras que el último largometraje de Christopher Nolan ha superado los 900 millones recaudados y ha destrozado que parecía imposible de batir.Como bien sabéis, la película de Nolan se centra en la figura J. Robert Oppenheimer, considerado el padre de la bomba atómica. Por tanto se trata de un biopic, un género en el que hasta ahora el título más taquillero era 'Bohemian Rhapsody', la cinta en la que Rami Malek se transformaba en Freddie Mercury, con unos ingresos mundiales de 910 millones de dólares.'Oppenheimer' batirá esa cifra este domingo, esperándose que cierre el fin de semana con una taquilla acumulada de 912 millones de dólares, y luego todavía sumará algo más de dinero. A priori, lo más probable es que la película protagonizada por Cillian Murphy se despida de los cines con unos ingresos de entre 930 y 950 millones. En principio, su única (y muy remota) posibilidad de superar los 1.000 millones es que también se estrene en Japón, cosa poco probable a día de hoy.Ahora habrá que ver cuántos años pasan hasta que otra película biográfica supere a 'Oppenheimer', pues es cierto que 'Bohemian Rhapsody' se lanzó hace apenas 5 años, pero a cambio hay que bajar hasta los los 547 millones de dólares que hizo para encontrar a 'El francotirador' como el tercer biopic más taquillero de todos los tiempos. Casi 400 millones menos...Además, 'Oppenheimer' hace tiempo que superó a 'Interstellar' para convertirse en la tercera película más taquillera de la estimulante filmografía de Nolan. Solamente 'El Caballero Oscuro' y 'El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace' están por encima.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | d0bbbb43dd241505094e8636115109507fe153d8 | El filón que ha encontrado Disney con los remakes en acción real de sus clásicos animados parece inagotable en lo económico, pero la cosa es muy diferente en lo artístico. Son muy pocas las actualizaciones del estudio que merecen la pena, pero como funcionan tan bien entre el público, parece que no les compensa esforzarse más en ellas.Pronto podremos ver la nueva versión de 'La Sirenita' en cines, pero antes toca hacer una parada de 'Peter Pan & Wendy', la cual llega de forma directa a Disney+ este viernes 28 de abril. Esa decisión dejaba con muchas dudas sobre el resultado final, pues 'La dama y el vagabundo' era una absoluta nadería y reconozco que fui incapaz de acabar de ver la versión de 'Pinocho' dirigida por Robert Zemeckis. Por suerte, a la tercera ha ido la vencida.Mi gran esperanza en 'Peter Pan & Wendy' residía en el hecho de que detrás de las cámaras tenemos a David Lowery, un director de lo más ecléctico que ya demostró saber moverse muy bien en este terreno con la notable 'Peter y el dragón'. Ahora regresa a Disney con una película que se vende al mismo tiempo como una adaptación de la obra original de J. M. Barrie y una puesta al día del Clásico Disney estrenado hace 70 años, pero que no por ello se resiste a intentar buscar cierta voz propia dentro de un relato tan conocido por el público.Estoy seguro de que algunos verán como un paso atrás que Lowery haya pasado de 'El caballero verde' a 'Peter Pan & Wendy', pero, siendo justos, ambos títulos son aventuras de corte fantástico con un fuerte componente dramático. De hecho, es cierto que su anterior trabajo es mejor en lo visual, pero, para mi sorpresa, creo que en, líneas generales, he disfrutado más con el título que ahora nos ocupa.Uno de los grandes problemas de estos remakes de Disney es la falta de mimo de sus responsables, ya sea por someterse demasiado a la película original o por mostrar una evidente falta de interés en el material en cuestión. Aquí Lowery se acerca a la historia con respeto pero cierta osadía, queriendo insuflar energía a lo que sucede en pantalla desde el primer momento -muy efectiva la forma de mostrarnos el interior de la casa en la que vive Wendy y su familia-, demostrando en todo momento que le interesa lo que nos está contando.La primera clave está en saber mantener la inocencia, pero no confiarlo todo a ella, hasta el punto de acabar siendo una copia desteñida de la misma. Lowery logra mantener ese espíritu aquí, sabiendo en qué momentos ha de confiar más en ello y cuándo toca ponerse más serio y dotar de un mayor relieve dramático a 'Peter Pan & Wendy'. Un buen ejemplo de ello lo tenemos en la mayor complejidad que se da al personaje del Capitán Garfio, dotándole incluso de un componente más trágico que Jude Law sabe aprovechar a la perfección.De esta forma, la relación entre Garfio y Peter gana en entidad, pero lo hace sin cometer el error de volverlo todo demasiado oscuro, pues la ligereza también aparece ahí siempre que se la necesita, logrando dar con un buen punto de equilibrio para mantener el espíritu de aventura familiar pero evitando caer en la intrascendencia o, peor aún, en la complacencia.Ahí se nota que Lowery, también coguionista de la película junto a Toby Halbrooks, ha tenido margen por parte de Disney a la hora de llevarse la película a su terreno, algo que se percibe a todos los niveles. Por ejemplo, es cierto que el tratamiento de las imágenes resulta menos abrumador que en 'El caballero verde', pero también que existe una preocupación clara por dejar su sello, tanto en el acabado general como en lo referente a los diseños y escenarios de Nunca Jamás.Todo ello siempre con la idea en mente de dejar respirar la historia, añadiendo los retoques que creen oportunos para ajustarlo todo a su visión. Eso también supone la integración de algunos elementos bastante más oscuros que cualquier cosa vista en la película animada, pero sabiendo dosificar su uso para que funcionen a modo de puntos culminantes. No es que nunca llegue a ser siniestra o terrorífica, pero sí que añade más vigor dramático y ayuda a que uno pueda llegar a olvidarse de que no deja de ser un relato del que ya se han hecho multitud de versiones.Por último, ya he mencionado el buen trabajo de Law, pero en general todo el reparto está muy bien escogido, aunque, claro está, Alexander Molony como Peter y Ever Anderson como Wendy son los que tienen más margen a la hora de desarrollar sus personajes. Ahí la que peor parada sale es Campanilla, no porque Yara Shahidi haga un mal trabajo, sino porque su peso específico en la trama se reduce de forma considerable y su aportación, en líneas generales, acaba resultando más anecdótica que cualquier otra cosa.'Peter Pan & Wendy' es la demostración de que no es tan difícil hacer una buena versión en imagen real de un Clásico Disney. Simplemente hace falta contratar a alguien con talento para ocuparse de la puesta en escena, darle cierto margen y que tenga interés en dejar su toque. Si a eso le sumas un gran despliegue técnico y un reparto bien elegido, lo que te queda no es ni mucho menos una obra maestra, pero sí una película muy a tener en cuenta.En Espinof | Las 13 mejores películas en Disney+ de 2022 |
es | play | espinof | 2cf7fafea9f5a370474290a7c81d0a60fb9285b5 | Nuevo miércoles de ola de calor y en lo que intentamos ponernos a la sombra es la hora de conocer los estrenos que llegan al streaming. En concreto, estas son las 29 series, películas y documentales que llegan desde hoy hasta el domingo a Netflix, HBO Max, Prime Video, Filmin, Movistar Plus+ Disney+ y Apple TV+.La nueva serie de Star Wars es, también, la que nos va a acercar al cierre de la megahistoria que viene contando Dave Filoni desde hace más de una década. La otrora aprendiz de Anakin Skywalker regresa para investigar una amenaza que podría suponer el renacer del Imperio.Estreno el miércoles en Disney+ | CríticaNetflix no quiere quedarse atrás en cuanto a slashers y presenta esta película protagonizada por un grupo de jóvenes estudiantes que pertenecen al mismo club de lectura. Tras ser cómplices después de un trágico incidente, se verán amenazados por un escritor que promete sacar a la luz lo que pasó.Miniserie de acción protagonizada por una profesora británica afincada en España cuya vida da un completo vuelco cuando uno de los atracadores de un supermercado parece reconocerla.En Espinof |
es | play | espinof | 9f618651320bc02172b7cd79ce2e699608f226a1 | El extraordinario éxito de 'Barbie' sigue a pleno rendimiento. Es verdad que 'Megalodón 2: La Fosa' le ha arrebatado el número 1 mundialmente en taquilla, pero también que ha retenido la primera posición en Estados Unidos y además también ha superado ya los 1000 millones de dólares recaudados. Eso también le ha permitido robarle un histórico récord a la saga 'Harry Potter' que llevaba 12 años vigente.'Barbie' solamente ha necesitado 17 días en cines para superar la legendaria barrera de los 1000 millones de dólares, algo que solamente otras 52 películas habían logrado con anterioridad. Si a eso le sumamos que solamente durante ese pasado fin de semana sumó 127 millones de dólares, la gran duda que queda está en saber su techo en ingresos.Además, esos 17 días suponen que 'Barbie' se ha convertido en la película de Warner que menos tiempo ha necesitado para llegar a los 1000 millones recaudados. Ese honor estaba hasta ahora en manos de 'Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 2', aunque la cinta protagonizada por Daniel Radcliffe necesitó 19 días para conseguirlo en 2011.Eso sí, el récord histórico se ha quedado completamente fuera del alcance de 'Barbie', ya que 'Vengadores: Endgame' solamente necesitó 5 días para llegar a los 1000 millones de recaudación en 2019. Con todo, lo que está consiguiendo la película protagonizada por Margot Robbie tiene muchísimo mérito y todo apunta a que va a tardar bastante en volver a repetirse.'Barbie' acumula actualmente 1031 millones de dólares, lo que la eleva hasta el puesto 45 en la lista de las películas más taquilleras de todos los tiempos. Está claro que todavía subirá varios puestos más, siendo su gran objetivo llegar al menos hasta la posición número 15, ocupado ahora mismo por 'Super Mario Bros. La Película' con 1345 millones. Eso llevaría a que el largometraje de Greta Gerwig sería también el más taquillero de 2023.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 9af35bd6a6cede21a0b9aa158f724c6c679ad5c4 | La decepcionante recepción crítica de ‘El exorcista: Creyente’ plantea podría quedar maquillada por su recorrido en taquilla. Aunque no es un fracaso en términos absolutos, sí que se está considerando un traspiés para su productora, Blumhouse, especializada en revivir franquicias de terror para generar éxitos de taquilla infalibles. Su productor, Jason Blum, tiene un gran ojo comercial que ha ido abandonando su compromiso con la calidad para generar bombas de taquilla.‘Creyente’ hizo su debut mundial el 6 de octubre de 2023, una semana antes de su fecha de lanzamiento previamente programada para el 13 de octubre de 2023, en un intento de evitar la competencia de taquilla con el esperado ‘Taylor Swift: The Eras Tour’, que efectivamente ya ha generado más de 124 millones mundiales. Este primer movimiento fue un revés inesperado, que aleja el título a la fecha de Halloween que siempre buscan sus estrenos, y perdió la oportunidad de jugar con el choque de conceptos que hizo “Barbenheimer”.Lo más importante de este posible “Swiftxorcist” es que habría dado publicidad gratuita a la película, maquillando la pésima recepción en Rotten Tomatoes, que solo ha obtenido un 22% de reseñas positivas. Pero el primer error de bulto de Blum es considerar que el director David Gordon Green, que dio la cara en el reboot de la franquicia de ‘Halloween’, estaría capacitado para modernizar ‘El Exorcista’, una película que sigue generando nuevos fans 50 años después de su estreno. Tanto es así que Green no volverá a tomar el mando en futuras secuelas.Su trabajo aquí, más que torpe, es ingenuo. Repasa los puntos clave de la original sin tener mucha idea de cómo resignificarla para los nuevos tiempos, optando por una cándida extrapolación de la fe bajo la óptica de “todo el mundo es bueno” que acaba siendo estúpida. Un “We are the world” de las religiones que pretende reubicar la batalla de la fe en un momento en el que la religión se ha estratificado, buscando quizá desmarcarse de la ola de terror católico que triunfa en taquilla, de ‘El exorcista del papa’, ‘Reza por el diablo’ a ‘La monja 2’.Películas que han jugado la baza de no tomar al público por idiota y plantear su mitología de frente, desde la óptica cristiana llevada al tebeo pulp, donde el no creyente puede entrar a jugar si desea sin tener que bautizarse o tomar la primera comunión. ‘El exorcista: Creyente’ quiere ser importante e incisiva, tratando de esquivar esos enfoques, sin embargo, cuando trata de dar miedo se limita a repetir planos de calles con hojas levantándose por el viento y otros trucos de la original que traduce sin alma a un lenguaje visual televisivo y sin convicción.La taquilla no cumplió con las expectativas, que inicialmente predijeron que la película generaría entre 30 y 35 millones de dólares a nivel nacional en su primer fin de semana. Con una suma total de taquilla de apertura de aproximadamente 26,5 millones a nivel nacional y casi 44 millones a nivel mundial, no estuvo a la altura de su potencial desde el principio, pero el segundo fin de semana solo ha dejado 86 millones internacionales en total. ‘La monja 2’ está a punto de llegar a 260.Con un presupuesto de producción de 30 millones de dólares podría considerarse rentable, pero el problema es que Universal y Peacock pagaron 400 millones de dólares por los derechos de la que iba a ser una trilogía, lo que aumenta mucho el umbral de cuánto necesita para tener éxito, porque este primer golpe en la mesa definirá la relevancia de la marca los próximos años. Por eso, los primeros indicadores de taquilla y crítica dejan motivos de preocupación sobre la longevidad y la calidad de esta nueva trilogía, que incluso ya tenía una fecha de lanzamiento preliminar del 18 de abril de 2025 para su secuela.Esto significa que ‘The Exorcist: Deceiver’ y la conclusión podrían ser un negocio potencialmente desastroso para Universal, Peacock y Blumhouse, tanto si las secuelas terminan canceladas, como si se invierte en ellas más dinero y no consigue revertirse la tendencia de interés. Lo que queda claro es que los cálculos por el pago de derechos fueron desorbitados, es una cifra sin precedentes para Blumhouse, cuyo modelo de negocio generalmente depende de altos rendimientos potenciales de títulos de terror de bajo presupuesto que normalmente cuestan entre 5 y 10 millones de dólares.Con costos de marketing estimados en alrededor de 1,5 veces el presupuesto de producción, es difícil encontrar un punto de beneficio, cuando normalmente esa fórmula le valía en títulos como ‘Halloween’ o ‘Fantasy Island’. Exceso de confianza o desconocimiento de la marca, el nombre de ‘El exorcista’ no cuajaba bien con la idea de inversión conservadora de Blumhouse, cuyas películas, salvo cuando están llevadas por un Shymalan, Derrickson o Peele, tienen un aspecto de baratija, que se ha ido haciendo más patente con los años.Incluso gastando más dinero, ‘Creyente’ luce barata, casi como una película de sobremesa, no solo por el enfoque de Green, sino porque la infraestructura del estudio lleva casi ese valor incorporado. Sin embargo, el fuerte de la marca ‘El exorcista’ radica en su prestigio, la dirección de Friedkin, con una solidez visual atemporal, y es muy difícil llegar a la altura de los sustos reflexivos y atmosféricos del original, una película de terror nominada al Oscar, quizá sólo la secuela ‘El exorcista III’ ha estado a la altura de las circunstancias. Si lo que ofreces es una película cualquiera, aburrida, ridículamente solemne y sin originalidad, da la impresión de que estás metido en una plaza demasiado grande para ti.No solo hace falta a un cineasta inteligente, sino un aparato de producción que mire la película como una obra de prestigio, y la impresión es que no es mejor que cualquier otro exploit de la original, sin todos los elementos de impacto que hacen divertidas a aquellas. El guion trata de explicar la misma historia durante una hora en la que no pasa nada, tomando como punto de partida la desaparición de dos niñas, como si repitiera la trama de ‘El exorcismo de mi mejor amiga’. Una consecución de lo que hemos visto una y otra vez con momentos que pretenden inquietar, como la niña en la iglesia, sin conseguir crear un solo momento de duda.Otro elemento que ya no funciona es el rescatar a los protagonistas vetustos de las originales para llegar como salvadores. El caso de Ellen Burstyn aquí es especialmente doloroso. Nadie parece entender su papel en la original y se corona con frases pésimamente escritas, como que “no pude ser testigo del exorcismo de Regan porque no formaba parte del patriarcado”, un conflicto con su hija sin ningún tipo de explicación y una participación lamentable que acaba con ella ciega durante toda la película. Un cuadro.El protagonista principal pasa toda la película con la misma cara y su conflicto se reduce a una decisión, dejando una conclusión de la lucha final reaccionaria y absurda. Ann Dowd pasa por ahí para decir las frases de peso con cara de compungida. Nada rechina demasiado, todo se recita como si fuera lo que toca escuchar en cada momento. El aburrimiento se instala y el uso del tema clásico de Mike Oldfield es lo único que supuestamente conecta con la idea original. Qué inteligente fue la serie de Fox, cancelada antes de tiempo, al ubicarse en el espectro de terrores a lo James Wan y convertirse en un tebeo que no se atrevía a buscar estar a la altura.‘El exorcista: Creyente’ quiere ser importante y sigue con los sustos de cucu-tras, los vómitos de moco negro digital y las levitaciones en el orden que tocan. No plantea una línea de acción para las siguientes películas que pueda al menos enganchar como un folletín, ni reubica los hechos en un mapa más grande pensando en siguientes entregas o generar curiosidad. Es una mala película, pero un peor primer capítulo. No solo tiene poca idea de dónde quiere llegar sino que no muestra convicción de lo que presenta, es cobarde, fláccida y simple.A veces el público también es capaz de captar esto y quizá Blumhouse ha querido volar demasiado cerca del sol al pensar que iba a salirse con la suya como en una ‘Insidious 5’ de 12 millones de dólares o la séptima ‘Paranormal Activity’. Si tratas de rescatar la considerada mejor película de terror de la historia y convertirla en un éxito hace falta un poco más que confiar en el branding, ahorrar en producción y gastar en marketing. Quizá pueda ser un pequeño revulsivo para que la compañía vuelva a apostar por descubrir talentos y ofrecer lo que otras grandes no se atreven: proyectos de riesgo, originales y nuevos autores con cosas que decir.En Espinof | Las 12 mejores películas de terror de 2023... hasta ahora |
es | play | espinof | 1a8cec54a5ca3a9221c24fc0f5b6c0d1243e0651 | Todo el cine no puede ser juzgado por igual. Uno no tiene las mismas expectativas al entrar a ver lo último de Scorsese que al ver la nueva entrega de ‘Padre no hay más que uno’, al igual que no sería justo pedirle lo mismo al corto que ha hecho tu primo con el móvil que a ‘Ciudadano Kane’. Quizá por eso he disfrutado tanto con ‘Saw X’, una película que tiene claro a lo que va y no quiere disfrazarse de lo que no es: una fantasía de pruebas macabras, gore a raudales, extremidades arrancadas y giros de guion tan absurdos como eficientes. ¿De verdad a estas alturas vamos a pedirle más a la décima parte de un slasher como este?La cronología de ‘Saw’ es un lío, y la propia franquicia se ha dado cuenta después de dedicarse exclusivamente a los fans más entregados con películas que seguían a distintos pupilos de Jigsaw y liaban la madeja mucho más de lo que merecía la pena. Tras el fracaso a todos los niveles de ‘Spiral’, una idea de Chris Rock para revitalizar la saga que solo consiguió hundirla más, el equipo se puso manos a la obra para volver al clásico básico: malas personas, trampas, sangre y crueldad sin ambajes. ¿Para qué más?Lo curioso es que ‘Saw X’, que vuelve a estar dirigida por el artífice de ‘Saw VI’ y ‘Saw 3D’, Kevin Greutert (que además fue el editor de las cinco primeras y de ‘Jigsaw’, todo un artesano de la saga), dedica un tiempo más que prudencial a explicar las nuevas motivaciones de John Kramer en un largo (pero agradecido) primer acto en el que el asesino va a México para curarse de su tumor con un tratamiento experimental. Por supuesto, la película cae en todos los tópicos que podáis imaginar, desde el filtro amarillo en cuanto se baja del aeropuerto hasta los secuestros en mitad de la nada. No pasa nada: es ‘Saw X’ y vive tan renqueante como el propio Kramer. Hay que entenderla, quererla y, por qué no, perdonar sus errores.Los guionistas y el director han afirmado que esta es la ‘Saw II’ real, y, aunque parezca una boutade, tiene sentido, sobre todo, teniendo en cuenta que por aquel entonces la franquicia era aún una idea por desarrollar y todo el material del que disponían era una pequeña película independiente de terror con presupuesto casi nulo. Eso le permite margen de maniobra para hacer crecer a Jigsaw como personaje y conseguir que el espectador comprenda sus motivaciones mejor que nunca, pero no le impide volver a aquello que, a partir de la secuela, hizo conocida a la saga: las máquinas complejas, la sangre a destajo y el sadismo habitual. No lo querríamos de otra forma.Una buena película de ‘Saw’ tiene tres ingredientes: primero, el propio Jigsaw (o uno de sus aprendices) haciendo cábalas con la moralidad para matar a gente aleatoria, un poco al estilo del Punisher de Marvel. Segundo, unas pruebas que salpiquen a un público deseoso de ver hasta los higadillos de las víctimas. Y tercero, unos giros de guion siempre acompañados de la banda sonora habitual de la saga (la famosa pista ‘Hello Zepp’). Y de esos tenemos para dar y repartir en ‘Saw X’. No podría ser de otra manera.A lo largo de ‘La casa de papel’, el Profesor demostraba, casi hasta un punto de autoparodia extrema, que por cada plan A había un B, y por cada plan B había un B-2, por si acaso. Bien, pues Kramer tiene tan cogidas las costuras al puesto de asesino mayor del reino que deja en bragas al mismísimo Profesor. Dado que los espectadores ya conocemos su destino, una vez vistas las nueve partes anteriores, solo queda sentarse a disfrutar, con sobresaltos fortuitos y giros imposibles, de las pruebas que más le ponen contra las cuerdas (con la excepción, por motivos obvios, de ‘Saw III’). Incluso entonces, tiene una mano ganadora. Un plan D. Y verlo, como espectador consciente de la pantomima, es una verdadera gozada.Sé lo que estáis pensando: ‘Saw X’ tiene todas las papeletas de estirar el chicle hasta el extremo y aspirar a la desesperada el último huevo de la gallina de oro. Y además, su calidad fílmica debe estar bajo tierra, con un argumento desgastado que siempre vuelve a lo mismo una y otra vez, como si se tratara de un procedimental del asesinato cruel. ¿Y sabéis qué? Tenéis razón. Es cierto, al cien por cien. La décima parte de ‘Saw’ no es buena en el sentido estricto de la palabra. De hecho, puede que no sea tanto una película como un festín gore. Pero hacía mucho tiempo que no me lo pasaba tan bien con esta franquicia que está dando sus últimos coletazos agónicos.Se supone que ‘Saw’ debió haber muerto en su séptima parte, pero sigue sobreviviendo una década después, resistiéndose a una muerte anunciada que, a estas alturas, podría llegar en cualquier momento sin que nadie se sintiese afectado: las tramas están cerradas y, a estas alturas, lo mejor que pueden hacer para no liar más las cosas es ir rellenando huecos, como si del ‘Obi-Wan Kenobi’ de lo macabro se tratara. En lo personal, agradezco que en esta décima parte se hayan tomado la molestia de aparentar que parezca una película en lugar de un simple muestrario de brazos cercenados y sangre escupiendo a la cámara, aunque nunca consiga pasar de su estigma como secuela simplona. ¿Acaso lo necesita?‘Saw X’ ha costado alrededor de diez millones de dólares, y probablemente multiplicará esa cifra por diez en la taquilla. No precisa mucho más para que la fábrica de churros sangrientos nunca deje de funcionar. Y si empieza a estropearse, como demostró en la horrorosa ‘Spiral’, es tan fácil como dejarla descansar quince años y esperar a que un joven y talentoso director la rescate del olvido para ofrecer un reboot aclamado por la crítica. Mientras tanto, nadie está engañando a nadie: si entras a la décima parte de un slasher esperando la frescura de obras de prestigio más modernas, la culpa de no satisfacer tus necesidades no es precisamente de la película.¿Quieres ver un ‘Grand Prix’ del dolor en una sucesión de máquinas sangrientas a pleno funcionamiento? ¿Un par de giros que salpimenten una historia que está telegrafiada desde el primer minuto? ¿Una agradecida escena post-créditos solo para fans? Entonces ya sabes lo que verás en ‘Saw X’, una película sincera con su funcionamiento interno que en ningún momento promete lo que no es capaz de dar: un festival de la casquería que se toma un tiempo en empezar pero que cuando lo hace es imparablemente divertido. Al menos, si eres consciente de lo que vas a ver. No siempre pasa.En Espinof | Las 12 mejores películas de terror de 2023... hasta ahora |
es | play | espinof | 236cb911cac946baf7a4a9a0357f2fbae1ba47ff | La cosecha del cine de acción de lo que llevamos de 2023 no ha estado nada mal, pues no ha permitido disfrutar de grandes títulos como 'John Wick 4' o 'Misión: Imposible - Sentencia mortal. Parte 1', pero hay uno pendiente de estreno con posibilidades de eclipsar a todos ellos. Me refiero a 'Silent Night', el esperado regreso a Hollywood de John Woo.'Silent Night' no es solamente la primera película de Woo en Hollywood desde el estreno de 'Paycheck' en 2003, pues también es una apuesta de lo más insólita dentro del género al no tener ni una sola línea de diálogo durante todo su metraje. Eso va a obligar a que el tratamiento visual de las imágenes adquiera una importancia esencial para mantener el barco a flote.Tras meses con la incógnita, Lionsgate ha fijado el estreno de 'Silent Night' en Estados Unidos para el próximo 1 de diciembre, desconociéndose por el momento cuándo la veremos en España. Las producciones de este estudio llegan a nuestro país de la mano de Diamond Films y esta compañía todavía no se ha pronunciado al respecto.Escrita por Robert Archer Lynn, 'Silent Night' cuenta la historia de un padre atormentado que presencia la muerte de su hijo en un enfrentamiento entre bandas durante Nochebuena en la que él además sufre una herida que le hace perder la voz. Dispuesto a hacer lo que sea por vengarse, se somete a un duro entrenamiento para conseguirlo.Joel Kinnaman ('El escuadrón suicida') lidera el reparto de esta película rodada en México entre abril y mayo de 2023. Junto a él también veremos a Scott Mescudi, Harold Torres y Catalina Sandino Moreno.Por el momento, la imagen que tenéis encabezando el artículo es lo único que tenemos de este nuevo trabajo del director de títulos tan emblemáticos como 'Hervidero', 'Blanco humano' o 'Cara a cara', pero teniendo en cuenta la cercanía de su estreno, seguro que pronto podremos ver su tráiler.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | c62ee553fb64e9c1d4f516dc8792fcd505b29e3b | Ya después de 'Your Name', íbamos a esperar cualquier cosa que Makoto Shinkai se sacase de la manga con unas ganas tremendas. Y aunque 'Suzume' tenía el listón altísimo no ha hecho otra cosa que arrasar desde que se estrenó en Japón.Aparte de batir récords en taquilla, también ha roto una pequeña maldición y se ha convertido en la primera película de anime en participar en el Festival de Berlín en unos veinte años. Así ha empezado su andadura internacional por todo lo alto, y por fin se estrena esta misma semana en un buen puñado de países incluyendo España.El verano pasado se estrenó 'One Piece Film Red' con una energía arrolladora que la llevó hasta casi lo más alto del top de taquillazos de anime e incluso consiguió superar a 'El castillo ambulante' de Studio Ghibli.El reinado no le ha durado mucho a Luffy y su tripulación, porque 'Suzume' ya ha conseguido adelantarles y plantarse en el cuarto puesto de la lista de películas de anime más taquilleras de la historia con sus 256,18 millones de dólares recaudados hasta ahora. En China ha conseguido ingresar 104,89 millones, siendo la primera película japonesa que consigue esta cifra, y la película de Shinkai también ha funcionado bien en Taiwán y Corea del Sur.Ahora bien, 'Suzume' comienza a llegar a Occidente esta misma semana, con estrenos para Europa, Latinoamérica y Estados Unidos, y en concreto en España podremos verla a partir del 14 de abril. Por ahora 'Super Mario Bros: La Película' se ha merendado al resto de competidores y es muy posible que 'Suzume' no pueda competir con los fontaneros de Nintendo... Ahora bien, sumar va a seguir sumando, y con la posibilidad de poder seguir escalando puestos en la lista.El top 3 ahora mismo lo forman 'Kimetsu no Yaiba: Tren Infinito' con 507,07 millones de dólares recaudados, después viene 'El viaje de Chihiro' con un total de 395,58 millones y le sigue 'Your Name' con 383,23 millones. Y viendo todo lo que le queda todavía por delante en cines a 'Suzume', igual no hay que descartar que Makoto Shinkai se termine superando a sí mismo.En Espinof | Las series de anime que se estrenan en primavera 2023 y dónde verlas en streaming |
es | play | espinof | d04239fedeacacf4778994a83456ba9a84c9beb2 | Todo era malas señales para 'Madame Web' y ahora he llegado la sentencia definitiva para la película protagonizada por Dakota Johnson y Sydney Sweeney. El motivo de ello es que el largometraje de Sony se ha estrellado en taquilla con un desastroso debut en las salas de Estados Unidos, hasta el punto de que ni siquiera ha logrado hacerse con el número 1.'Madame Web' ha debutado con una recaudación de 25,8 millones de dólares durante sus primeros 6 días en las salas norteamericanas -sí, se incluyen las estimaciones para el lunes-, una cifra muy floja para una película con un presupuesto de 80.Esto ha hecho que 'Madame Web' haya tenido que conformarse con la segunda posición en la taquilla de Estados Unidos, pues ha sido ampliamente superada por el gran empuje del que ha disfrutado 'Bob Marley: One Love', que ha logrado 50 millones de dólares el mismo periodo. La cosa empeora para 'Madame Web' si tenemos en cuenta que 'Morbius' costó lo mismo y debutó con 39 millones en solamente tres días. Además, todo apunta a que 'Madame Web' se va a despeñar en taquilla la semana que viene, ya que el público la ha valorado como una de las peores películas de superhéroes de la historia. Tomemos de nuevo la referencia de 'Morbius, que recibió justo la misma nota y los ingresos durante su segundo fin de semana bajaron un 71,1%...Todo eso nos lleva a concluir que el nuevo universo de superhéroes que Sony estaba intentando construir aquí con personajes Marvel nace muerto. La directora de 'Madame Web' anunció que era una película independiente respecto a 'Venom' y 'Morbius' pero parece que no ha interesado al público.En Espinof: |
es | play | espinof | 9573c830510464942ff1cc3489765500ae3ef7d3 | ‘Tin y Tina’ es una ópera prima diferente e inédita en el cine español que se estrena el 31 de marzo. Definida por su productora como un “thriller religioso con tintes de terror”, no es fácil ponerle etiquetas a su mezcla de géneros y tonos. La película, protagonizada por Milena Smit y Jaime Lorente, es a ratos una comedia negra con fuertes elementos de conexión generacional, y en otros un drama sobre la maternidad condicionada.Sin embargo, no es una película esquizofrénica, ni sus intenciones provocadoras acaban chocando con la traslación de ideas imposibles a la pantalla, sino que consigue hilvanar bastante bien sus particularidades y ganas de separarse del rebaño. Parte de ese mérito está en el casting de los jóvenes Carlos G. Morollón y Anastasia Russo, que consiguen transmitir una mezcla entre hilaridad, extrañeza, ternura y terror, como una pareja de hermanos albinos que son tan traviesos como devotos católicos, apostólicos y romanos.Cuando Lola (Milena Smit) pierde los bebés que estaba esperando, también pierde su fe en Dios. Con la esperanza de recuperarla, acude junto a su marido Adolfo (Jaime Lorente) a un convento de monjas donde conocen a Tin y Tina, dos angelicales mellizos de siete años por los que Lola se siente extrañamente atraída. Aunque Adolfo no siente lo mismo, deciden adoptarlos. Con el paso del tiempo, Lola empieza a caer en una espiral de sospecha y obsesión con los niños y sus macabros juegos religiosos.La trama no es algo demasiado nuevo, sino que sigue una tradición de niños malévolos en el cine de terror que va de ‘La mala semilla’ a ‘El buen hijo’, pasando por 'Goodnight Mommy', pero si en otras muestras de género el peligro es que los niños son el anticristo, en esta ocasión representan exactamente lo contrario: niños prácticamente fanáticos cristianos que interpretan los textos bíblicos de forma literal. Una premisa con mucho juego que se basa en el cortometraje homónimo del director y guionista, Rubin Stein, creador de la trilogía de cortometrajes de suspense en blanco y negro ‘Luz & Oscuridad’.En esta es donde se incluía ‘Tin & Tina’ (2013), que fue seguido por ‘Nerón’ (2016) y ‘Bailaora’ (2018). En esta extensión del primero hay una lluvia de referencias de la cultura española de 1981 que sigue cierta idea común de una nostalgia ochentera que hemos visto en la obra de Paco Plaza, con referencias a Chicho Ibañez Serrador, tanto a sus terrores favoritos como el ‘Un, Dos, tres’ y se expande a la música de la época con el hit ‘Super Disco Chino’ de Enrique y Ana como leit motiv.Es en esa mezcla de costumbrismo católico ibérico y referencias de la transición —ese “golpe de estado” literal y figurado— en donde ‘Tin y Tina’ encuentra una personalidad reforzada por una puesta en escena muy cuidada y de matices cromáticos a lo Ari Aster. Sin embargo, el encantamiento no dura más de la mitad del metraje, cuando ni la retrobizarra presencia de Teresa Rabal como madre superiora consigue rescatar al conjunto de su propio ensimismamiento.Hay un síndrome del debut-expansión de un corto que es difícil de pasar por alto. Tras volcar una gran cantidad de ideas geniales y litros de humor corrosivo jugando con los tropos conocidos del género, la película se acomoda en sus hechuras de thriller de tarde y empieza a intoxicarse de una gravedad que pide a gritos un regreso a la locura prometida en su primer acto. La trama se convierte en una película de suspense al uso sin mucho suspense, y el espectador camina siempre tres pasos antes de la trama con deja vu de películas recuentes como 'La cabaña siniestra'.Hay muchas posibilidades que no acaban desarrollándose y elementos sugeridos — ese perro que detecta algo en los niños— resultan no desarrollarse, al igual que el dilema de fe de su protagonista, el endeble comentario social de una sociedad patriarcal y el camino psicológico de Lola, que resulta ser el verdadero protagonista en una película más preocupada por ejecutar bien un plano secuencia final que en desarrollar con eficacia los mecanismos más básicos de la tensión sostenida.Con dos horas largas de duración, queda la impresión de que hay situaciones redundantes —¿Cuántas veces puede Jaime Llorente decirle a Milena Smith que no hay nada raro en las cosas de niños?— diálogos que necesitan síntesis y demasiadas frases susurradas de forma anémica. La banda sonora de Jocelyn Pook, un compositora de Reino Unido autora de la banda sonora de ‘Eyes wide shut’ de Stanley Kubrick dota de una consistencia coral y religiosa al conjunto, pero tiende a repetir algunos pasajes de forma que se difumina su poder inquietante.Hay una propuesta visual excelente, con gran dirección de arte y que apunta en la dirección de un cine español diferente que aparece en ‘La piedad’, ‘Cuerpo abierto’ o ’13 exorcismos’, pero ‘Tin y Tina’ comete el pecado de hacernos creer que hay un cine verdaderamente atrevido esperando a explotar en crescendo para acabar cayendo en una colección de convenciones más o menos perturbadoras que en el fondo siempre juegan sobre seguro, a pesar de alguna estampa poderosa—ese líquido amniótico cayendo por un miembro cercenado— pero carente de una intención real, más allá del coqueteo con lo extravagante, que olvida que en España venimos de una tradición involuntariamente escalofriante como ‘Marcelino Pan y vino’ o artefactos únicos como ‘Camino’.En Espinof | Las 37 mejores películas de terror de todos los tiempos |
es | play | espinof | d8afccb33f30fe7942ded152f330ddfd241655fa | Todo apuntaba a que 'Blue Beetle' se iba a dar in batacazo y finalmente así ha sido. Es cierto que ha logrado destronar a 'Barbie' en Estados Unidos, algo que era una simple cuestión de tiempo y desgaste por parte de la cinta protagonizada por Margot Robbie, pero sus datos han sido malísimos. Y si nos fijamos en la recaudación mundial, no es que mejore la cosa para DC.'Blue Beetle' ha debutado en Estados Unidos con unos ingresos de 25,4 millones de dólares, una cifra sensiblemente inferior a los escasos '¡Shazam! La furia de los Dioses', que se quedó en 30,1 millones. Por ahí, solamente 'Wonder Woman 1984' se queda por detrás con 16,7 millones, pero ese fue un caso muy especial entre las restricciones por el coronavirus y el hecho de estrenarse de forma simultánea en HBO Max. Si hasta 'El Escuadrón Suicida', que también llegó a la vez en streaming, tuvo mejores (26,2 millones) datos en su primer fin de semana.La cosa es aún peor si tenemos en cuenta los datos del resto del mundo, pues 'Blue Beetle' apenas ha sumado 18 millones en 61 mercados adicionales. Ahí se ha quedado por detrás tanto de 'Barbie' (26,7 millones más) y 'Oppenheimer' (32 millones adicionales), y la comparación con otros lanzamientos de DC es aún más dolorosa: '¡Shazam! La Furia de los Dioses' se lanzó con 34,6 millones en 77 países, mientras que 'Wonder Woman 1984' se fue hasta los 38,5 millones y 'El Escuadrón Suicida" alcanzó los 45,7. Decadencia absoluta para DC.A su favor tiene que 'Blue Beetle' no ha sido una película especialmente cara para lo habitual en DC -se estima que su presupuesto ronda los 125 millones de dólares- y también que no han debido gastar demasiado en publicidad, pero eso no quita que haya sido un tremendo batacazo. Además, el público que ha ido a verla tampoco ha mostrado mucho entusiasmo por el resultado, lo que lleva a pensar que tampoco se mantendrá demasiado bien en semanas posteriores.Todo esto va a suponer un grave problema para James Gunn, pues él mismo dijo que el personaje de Blue Beetle iba a formar parte de su nueva DC. Difícil seguir adelante con ese plan tras semejante batacazo...En Espinof | Todas las películas del Universo Extendido de DC ordenadas de peor a mejor |
es | play | espinof | 478bec9ea99ea333a16c9e2b26658686b84f0553 | En 2019 Martin Scorsese terminaba un borrador de guion que adaptaba el best seller de David Grann ‘Killers of the Flower Moon: The Osage Murders and the Birth of the FBI’, lo que se ha acabado convirtiendo en su último éxito ‘Los asesinos de la luna’. Aunque aquella versión era bastante distinta, pese a que ya tenía asegurada la aparición de sus colaboradores de toda la vida, Robert De Niro y Leonardo DiCaprio, con un estudio preparado para cubrir el presupuesto de 200 millones de dólares de la película que resultaba necesario para darle vida.Pero aquel guion cambió, como se puede observar leyendo el título original, ya que en la película resultante el origen del FBI no es algo que tenga un peso esencial, pese a que de alguna broma interna con DiCaprio, ya que interpretó a Edgar J. Hoover en el biopic que realizó Clint Eastwood. La película decide centrarse en el matrimonio de Mollie Kyle (Lily Gladstone) y Ernest Burkhart (DiCaprio), en lo que puede resultar el “romance” más oscuro que haya visto una gran producción.Pero ¿Es realmente un romance? Más bien ‘Los asesinos de la luna’ es un buen complemento a ‘Pozos de ambición’ (2007) como contracrónica negra de cualquier visión dorada del género western, ya que ambas tratan sobre la codicia despiadada que corroe los pilares de los EEUU y el tipo de personas capaces de lo innombrable para conseguir sus objetivos de expansión, solo que en este caso es una historia real en la que están presentes el crimen organizado y los prejuicios raciales, que de alguna manera llevan a un genocidio silencioso de todo el pueblo Osage.Por esta razón, uno de los puntos controvertidos en el momento del estreno ha sido el punto de vista de Scorsese desde el lado blanco, más concretamente el personaje de Burkhart, que no deja de ser uno de los perpetradores. No solo ha tenido un cuestionamiento por la crítica, sino que Christopher Cote, quien trabajó como consultor lingüístico de Osage en la película, comentó a The Hollywood Reporter en el estreno en Los Ángeles que pensaba que deberían haberse invertido los papeles, aunque da la que quizá sea la respuesta más válida al problema.Hay un elemento que aquí a tener en cuenta y es que los personajes de Scorsese, en sus películas de crimen, al menos, no son protagonistas para glorificar un estilo de vida. Desde luego, en sus películas de mafia Scorsese disfruta mostrando el lado más atractivo del otro lado, de los sin ley y la riqueza obtenida por formas poco virtuosas, con esos montajes de flujo de dinero de ‘Casino’ o ‘El lobo de Wall Street’, pero siempre hay un punto de caída en el que la conciencia se muestra implacable y en el que el antihéroe se convierte en villano, para mostrarnos el lado oscuro de los atajos. El deprimente final de 'El irlandés' es el ejemplo más devastador.En ‘Los asesinos de la luna’ los crímenes se ejecutan en la sombra pero a plena luz del día. La característica más sorprendente de los asesinatos es que el método resulta una perversión farisea, hombres blancos que se aprovechan de la afabilidad de los indios para casarse con mujeres a las que envenenan para quedarse con su patrimonio, logrado gracias a la prosperidad de la tierra y el petróleo. Por eso creo que el punto de vista de Scorsese es acertado al centrarse en el matrimonio tipo, que resultaba ser el engranaje central y habitual de todo un sistema de engaño despiadado.Esto nos deja ver las dudas, miserias, falsedades y segundos pensamientos de asesinos coetáneos a Landrú. Por ello, aquí la parte que se centra en la investigación del proto-agente del FBI Tom White sobre los crímenes no se traduce en una típica historia de salvador blanco, sino que nos deja claro que los hombres blancos son los que manejan cuándo y cómo se puede usar o incluso salvar a las familias Osage. No hay ningún acto heroico, la usurpación y desplazamiento se realiza mediante violencia y opresión del hombre blanco reclamando parte de ese poder para ellos.Viendo la forma en la que se ejecutan los crímenes comprendemos que el desequilibrio económico que se invierte en esa zona rica con respecto al resto de la nación incomoda a esos criminales. Y la película sabe extender ese punto de conflicto sentimental, sucio y pútrido, a un verdadero terrorismo blanco nacional contra los pocos sitios donde prosperaban otras razas, con una acertada conexión ineludible con Tulsa, en este caso con un pertinente reel de noticias de la época que nos relaciona ambos casos.‘Los asesinos de la luna’ nos habla de una nación que ha prosperado a base de engaño, de robar, de muerte y la corrupción de un sistema diseñado desde un exterminio supremacista que se niega a dejar terreno para la coexistencia. Es el siguiente paso que Daniel Plainview hubiera diseñado tras el "me bebo tu batido". Scorsese lleva a su terreno de exposición del crimen organizado lo que no deja de ser un clásico true crime siniestro, pero lo hace desde una perspectiva afín a la primera temporada de ‘Fargo’, en donde seguimos la miseria de la cobardía de maridos que planifican calamitosamente crímenes familiares llevados por la codicia.Aquí también hay ecos periodísticos similares a ‘Por mandato del cielo’ e incluso hay puntos en común con ‘El poder del perro’ cuando relaciona un género lleno de testosterona y mitología con la fragilidad de la masculinidad blanca, lo que hace que los interrogatorios del concepto sean tan convincentes y subversivos. Por ello, ante las sugerencias de haber centrado la perspectiva desde los Osage, si la tuerca virara más el punto de vista hacia los nativos sería una verdadera película de terror, un thriller de suspense con peligro de juzgar a Mollie por no darse cuenta.Es clave observar la banalidad y facilidad de manejar los hilos del punto de vista del culpable, aquí Scorsese es buen alumno del Powell de ‘El fotógrafo del pánico’ y no de Hitchcock. Esto crea un naturalismo más maduro, en el que víctimas y verdugos conviven con cotidianidad, incluso en medio del juicio vemos al hijo del principal cabecilla llevando a Millie de un lado a otro. La cercanía nos resulta impensable, pero es la clave para entender cómo ocurrió. Esa convivencia aumenta la vulnerabilidad ante el crimen, dotando de una atmósfera de falsa calma chicha.Esa coexistencia del mal con careta nos hace partícipes de la confianza sincera de las familias Osage, en lugar de dibujar a unos antagonistas claros, aunque la línea moral no se desdibuje en absoluto. La clave está en entender el clima de libertad, la falta de regulación estatal y las dinámicas que generan, especialmente en el aspecto racial y una “permisividad” mucho más acentuada en estados tradicionalmente racistas. Otro detalle que esconde esa falsa interracialidad, ya que este matrimonio y la genealogía esconde otra voluntad de eliminar la raza, como cuando se cuestiona el color de piel de los niños y se preguntan cuál puede pasar por blanco.Scorsese también expone aquí las raíces de la ansiedad de la supremacía blanca a menudo con raíces en miedo de no estar a la altura, el mismo que sustenta las teorías de conspiración como “el gran reemplazo” y alimenta las obsesiones en torno a las tasas de natalidad racial. Pero en el fondo lo que le interesa es exponer la conciencia de sus personajes embebidos en el crimen. Ernest no es inocente, no cree en el amor, pero sí llega a encariñarse de Mollie y su conciencia empieza a devorarle, siguiendo el perfil de otros personajes de Scorsese como Henry Hill de ‘Uno de los nuestros’, que acaban en infiernos personales.Aquí hay un momento de gran altura cinematográfica en el que vemos cómo el fuego devora las inmediaciones de la casa de Wiliam Hale para cobrar un seguro, y desde la perspectiva de la habitación de Ernest parece que este esté en el infierno, como una especie de presagio en el que Scorsese nos muestra su estado mental, quizá en el momento en el que decide que no seguirá con las inyecciones de insulina a su esposa. Un detalle que confirma la culpa católica como uno de los grandes temas de todo su cine. Curiosamente, el personaje comienza a ir a la iglesia para camelar a su pretendida.Mollie sigue siendo la observadora del complot, representando la posición de todos los Osage, y cómo aunque ya veía que tras Ernest había un “coyote”( que para los nativos representa la gula, el engaño y la codicia) decide confiar en él, para descubrir en su descorazonador final el verdadero papel de Ernest en la muerte de su familia y cómo la envenenó a ella misma. Pero no hay que olvidar que fue ella quien logra llamar la atención del FBI y tirar la primera ficha de dominó que hace despertar a su pueblo.La aparición final de Scorsese como un productor de radio, narrando la esencia del obituario de Mollie Burkhart en la que reconoce que no se mencionaron los asesinatos, es la prueba final de que el cineasta refiere la película finalmente hacia ella y de alguna manera su exposición a la cámara es desde la humildad, presentando lo que hemos visto como una forma de resarcimiento tardío por los crímenes hacia el pueblo, que aparece en las imágenes finales en una celebración que sirve como pequeño acto de perdón.En Espinof: |
es | play | espinof | 7f63d40015bc0eeb28b2cd439fddc31f4bfe48d2 | El alucinante éxito en taquilla de 'Barbie' y 'Oppenheimer' ha dado vida a los cines, que veían como este verano no dejaban de acumularse fracasos en taquilla. De hecho, tan bien han funcionado ambas que han conseguido algo inédito durante su segundo fin de semana, y es que ambas tengan un mayor número de salas disponibles en Estados Unidos.En el caso de 'Barbie' se pasa de 4.243 salas a 4.337, aumentando así en 97, mientras que el crecimiento de 'Oppenheimer' es un poco más modesto pero no por ello menos reseñable: la película dirigida por Christopher Nolan suma 34 salas adicionales para pasar de 3.610 a 3.644. Una auténtica barbaridad en ambos, ya que prácticamente nunca hay un lanzamiento de estas características que crece en su segunda semana, pero que lo hagan dos títulos al mismo tiempo es algo sin precedentes.Sin embargo, el fenomenal logro de Barbenheimer está siendo eclipsado por otro triunfo sin precedentes en la taquilla de Estados Unidos. Me refiero a 'Sound of Freedom', el thriller protagonizado por Jim Caviezel que se ha convertido en el éxito del sorpresa del año. Eso ha llevado a que cada nuevo fin de semana sumase más salas, ya que arrancó con 2.634 el martes 4 de julio, logrando desronar a 'Indiana Jones 5', y no ha dejado de crecer hasta que en su cuarto fin de semana en cines alcanza 3.411 al sumar 125 más a partir de hoy.Recordemos que 'Sound of Freedom' está funcionando tan bien que el fin de semana pasado incluso logró arrebatar la tercera posición a 'Misión Imposible: Sentencia Mortal - Parte 1', que es la gran afectada por todo esto. Y es que la película protagonizada por Tom Cruise pierde la friolera de 1.130 salas a partir de hoy, dejando así claro lo que ya sospechábamos: la séptima aventura de Ethan Hunt va a ser un fracaso económico.Ahora la gran duda está en saber cómo funcionará 'Sound of Freedom' en el resto del mundo, donde no creo que se prolongue la peculiar táctica de comprar entradas para que otras personas vayan a verla y que, en algunos casos, ha dado pie a acusaciones de cines con todas las entradas vendidas pero vacíos. En España podremos verla a partir del 11 de octubre.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | f91cfce13e888222a5d06600398969a23bcf3750 | Muchos se preguntan por qué no hay una escena postcréditos de 'Spider-Man: Cruzando el Multiverso' ('Spider-Man: Across the Spider-Verse') cuando deja todo en suspense con un gran cliffhanger para la segunda parte, que se titulará 'Más allá del multiverso'. Tras un éxito arrollador en taquilla, los productores y guionistas han revelado que si había una escena escrita, pero decidieron que no deberían de modificar nada del punto final de este capítulo.Según comenta el productor Phil Lord a IndieWire, nada de lo que intentaron encajaba, sin embargo, hubo una idea prometedora que se descartó como continuación de una escena nunca terminada en la película que incluía a Spot o Mancha (Jason Schwartzman), el némesis de aspecto extraño que es todo blanco con manchas negras que sirven como portales interdimensionales. Así lo cuenta:Schwartzman, sin embargo, estaba fascinado por la extraña crisis existencial de su personaje.Sin embargo, después de comenzar como un villano inepto que ni siquiera puede robar un cajero automático, Spot finalmente se convierte en una seria amenaza para Spider-Verse. Obtiene fuerza de un súper Colisionador y aprende a controlar sus portales.En la escena post-créditos propuesta, Spot regresa al bar de villanos como gran enemigo, se sienta orgulloso en la codiciada cabina y despacha a todos los malos que anteriormente se burlaron de él. Según Alan Hawkins, jefe de animación de personajes:Pero hay más razones por las que, pese a que se ha convertido en algo "obligatorio" en el género, no hay escena postcréditos en 'Cruzando el multiverso'. En una entrevista con Collider, los codirectores, Joaquim dos Santos y Kemp Powers, revelaron por qué descartaron añadir algo al final.Powers y Dos Santos también han aclarado que la decisión de no incluir una escena tras los créditos fue el resultado de aproximadamente cuatro años de trabajo en el proyecto, durante los cuales tomaron muchas otras decisiones con respecto a cómo terminarían la película, y el objetivo final siempre fue crear un buen equilibrio para:En Espinof | ¡Vengadores, uníos! En qué orden conviene ver todas las películas y series del Universo Marvel |
es | play | espinof | e3221669eba632d2f3dedc7de82048c68cb89eda | Vamos despidiendo abril y tenemos entre manos un nuevo miércoles. Un día en el que, como cada semana, vamos a repasar los estrenos que llegarán a las principales plataformas de streaming. En esta ocasión, tenemos 41 series, películas y documentales que llegan desde hoy a Netflix, HBO Max, Prime Video, Filmin, Movistar Plus+, Disney+ y Apple TV+.El que es sin duda el gran estreno de la semana, al menos en cuanto a expectativas, es esta lujosa serie de ciencia ficción (la más cara de la historia) disfrazada de thriller de espionaje sobre dos antiguos agentes de una agencia que son "despertados" de nuevo para hacer frente a una gran amenaza.Estamos en una semana muy ajetreada para los fans de las series españolas y una de ellas es esta protagonizada por María León como madre de un hijo que empieza a ser problemático y violento. La miniserie está firmada por Rafael Cobos.Elizabeth Olsen se pone en la piel de Candy en esta nueva versión del caso Candy Montgomery, en la que una mujer aparentemente normal toma un día la aparentemente repentina decisión de asesinar a una vecina con su hacha.Comedia futbolística que nos lleva al día a día de un representante de jugadores de fútbol en horas bajas encarnado por Hugo Silva. Sin embargo los problemas comienzan cuando tanto su novia como el mejor jugador de su cartera le dejan.Thriller encabezado por Ana Polvorosa, Michelle Jenner y Paco Tous que arranca con el atraco a mano armada en un autobús... los atracadores acaban muertos en mano de un asesino que se da a la fuga. Un caso que se viraliza enseguida.En Espinof | Las mejores series de 2023 |
es | play | espinof | 2eccea7f71da730f34b2512bd552bac0025be5ad | La carrera comercial de 'Super Mario Bros. La Película' en cines sigue imparable, hasta el punto de que ya ha superado los 1000 millones de dólares de recaudación. Apenas ha necesitado 26 días para lograrlo, y también para convertirse en la cuarta película más taquillera desde el inicio de la pandemia.En concreto, 'Super Mario Bros. La Película' acumula ya unos ingresos mundiales de 1.022 millones de dólares, de los cuales 490 pertenecen a la recaudación en territorio norteamericano y 532 al resto del mundo. Esa cifra no solamente le ha permitido ser la quinta película que supera los 1.000 millones desde el inicio de la pandemia, pues además también ha "vencido" ya a 'Jurassic World: Dominion', que se quedó en 1.001 millones.Por delante de 'Super Mario Bros. La Película' tenemos ya solamente a 'Top Gun: Maverick' con 1.493 millones, 'Spider-Man: No Way Home' con 1.921 millones y 'Avatar: El sentido del agua' con 2.318 millones. En principio parece imposible que supere a las dos últimas, pero no conviene descartar que acabe destronando a la estupenda aventura protagonizada por Tom Cruise.Lo que sí es más probable es que pueda arrebatar a 'Frozen 2' el título oficial de película animada más taquillera de la historia. Para ello, 'Super Mario Bros. La película' tendría que ingresar más de 1.450 millones de dólares. Por cierto, decía oficial, porque oficiosamente ese honor pertenece al remake de 'El Rey León' que Disney vendía como en acción real y que amasó 1.663 millones en 2019.En Espinof | Las 52 películas más taquilleras de la historia: todas las que han recaudado más de 1.000 millones de dólares |
es | play | espinof | 9e6ba7a4810b67350717162114a30745b04fd711 | Todas las dudas que quedaban por resolver sobre el éxito de 'Guardianes de la Galaxia 3' acaban de ser despejadas por los datos conseguidos por la película de James Gunn durante su segundo fin de semana. No solamente ha superado en apenas 10 días todo lo que recaudó 'Ant-Man y la Avispa: Quuantumania' durante toda su andadura en cines, pues además se ha unido a un selecto club de Marvel en el que solamente estaban otros cuatro largometrajes del estudio, y ninguno de ellos era una secuela.Como era de esperar, 'Guardianes de la Galaxia 3' se ha mantenido un fin de semana más al frente de la taquilla norteamericana con unos ingresos estimados de 60,5 millones de dólares, lo cual supone una caída del 49% respecto a lo conseguido durante sus tres primeros días en cines. Es la bajada menos pronunciada de una película de Marvel desde el estreno de 'Black Panther' en 2018.De hecho, solamente 'Doctor Strange' (49,5% de caída), 'Iron Man' (48,1%), 'Thor' (47,2%) y la ya mencionada 'Black Panther' (44,7%) habían tenido hasta ahora una bajada inferior al 50% durante su segundo fin de semana. Además, lo habitual últimamente era superar con holgura el 60%, con 'Quantumania' marcando hace poco la peor marca de todos los tiempos con una tremenda caída que finalmente se quedó 69,9%.Por tanto, en Marvel tienen motivos para alegrarse con 'Guardianes de la Galaxia', pues acumula ya unos ingresos mundiales superiores a los 500 millones de dólares, mientras que 'Quantumania' se tuvo que conformar con 475 millones.Todo eso no quita para que 'Guardianes de la Galaxia 3' todavía esté lejos de ser uno de los grandes éxitos de Marvel, pero sí queda claro que está gustando bastante más que anteriores trabajos del estudio y que mimar el producto ayuda a que el público se anime más a ir al cine.En Espinof | Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 |
es | play | espinof | 824d4d794bd0806a34a80edda32ba4f91928102c | Pese a que el cine de terror sobrenatural español está en plena ebullición, no se está dando suficiente importancia al esfuerzo de películas como ‘La espera’, el regreso a España del director Javier Gutiérrez tras dirigir ‘Rings’, que se estrena en cines el 15 de diciembre. Este tétrico relato minimalista está protagonizado por Víctor Clavijo, repitiendo con Gutiérrez tras su cada vez más reivindicada ‘3 días’ y se presentó en el festival de Sitges 2023.En un año en el que hemos tenido películas como ‘Viejos’, ‘La niña de la comunión’, ‘Todos arderán’ o ‘La ermita’, y series que están triunfando en el extranjero como ’30 monedas’, parecía que la guinda la iba a poner la incomprendida ‘Hermana muerte’, sin duda una de las mejores películas de terror del año, pero sería injusto no incluir en esa lista a esta nueva entrega de última hora, que parece una especie de ‘Los santos inocentes’ de pesadilla, con magia negra en un claustrofóbico infierno de calor y tierra seca, ambientada en un páramo andaluz en los años 70.Allí conocemos a Eladio (Víctor Clavijo), contratado para ser el guardés de la finca de Don Francisco, a donde traslada a su familia para trabajar. Tres años después, Eladio es presionado para aceptar un soborno y aumentar el número de puestos de caza, lo que compromete la seguridad de todos los cazadores. Esto lleva a un accidente mortal que desencadenará un oscuro viaje al fondo de la culpa y deja distintos ecos psicológicos, desde las alucinaciones a la paranoia por una conjura, que no sabe si está en su propia mente o no.‘La espera’ es una película que sabe jugar con muy pocos elementos, volviendo al mundo de sudor y bares que tenemos reciente de ‘As Bestas’, pero adaptando esas formas de thriller ibérico reciente al sur, para transfigurarlas en un sórdido spanish gothic de terror en donde caben desde Edgar Allan Poe hasta las adaptaciones rurales de M.R. James como ‘A Warning to the Curious’ o ‘Whistle and I'll Come to You’.Un opresivo viaje que toma como piedras angulares a Saura, Delibes y Borau para retorcer una tragedia rural con pinceladas del género Kaidan tradicional, retomando los clásicos relatos de pequeños eventos en un entorno rural en donde el señor de la tierra maneja las voluntades débiles al son de la miseria que profana los valores morales más básicos, pero en vez del periodo Bunsei del siglo XIX, se ubica sin grandes alteraciones narrativas en los años 70 de una España sin pan y olvidada.La superstición y el universo de desgracia que se forma alrededor del protagonista va cargándose sobre los hombros de un gran Clavijo, al que la cámara capta en un exceso de primeros planos que, más que un recurso para implementar su limitado presupuesto, parece una elección estética que se convierte en retratos de carácter, con color ocre y texturas arenosas gracias a una formidable fotografía de Miguel Ángel Mora.Con su gran papel, al que acompaña Ruth Díaz, la propuesta de Gutiérrez es quizá demasiado austera para enfocarse a un gran estreno en salas, pero esto juega en su favor no solo por ir contracorriente, haciendo de sus carencias una invitación para degustar atmósferas sin prisa, sino que la libertad que deja su exiguo presupuesto deja una de las películas de terror mejor dirigidas del año, expandiendo un historia mínima gracias a su ambientación, trasladando el polvo de una atmósfera sofocante a un lugar con olores acres conocidos dentro del trasfondo del mundo de las cacerías.Su costumbrismo sureño suena auténtico y sirve como esqueleto del oscuro retrato de personaje que se va construyendo durante sus quizá algo excesivos 100 minutos, pero también esa duración deja espacio para oxigenar un misterio lleno de recovecos y enigmas que no son tan sencillos de encajar y, sin salirse de algunos tropos clásicos del cine de terror, consigue que el engranaje sepa despistar e ir más allá de lo esperable, haciendo que su imprevisibilidad sea un elemento pintoresco que hace del conjunto algo más valioso, si bien no más estimable por los foráneos al género, dentro de los estrenos góticos de los últimos tiempos.El terror sobrenatural sigue creciendo en el cine español y es un fenómeno que estamos dejando aparcado sin reconocimiento, pese a tener más prominencia, regularidad y arrojo frente a lo imaginario que las épocas de la Fantastic Factory y el triunfo de Filmax. Puede que ‘La espera’ sea, además, la hibridación más coherente de estos ejemplos entre todas las tendencias de horror internacionales con nuestro acervo histórico y territorial, a través de un paisaje abandonado único, que invita a los espectros y a los hombres avaros a encontrarse cara a cara con sus propios demonios.En Espinof: |
es | play | espinof | 5cccdac8fdc1d9833b1471056562f0f059e47e58 | Se estrena la primera precuela de 'Los Juegos del Hambre' , el primer capítulo de la saga distópica juvenil que rompió en taquilla a principios de la década pasada. El carácter arquetípico de la lucha de clases y la revolución de tantas otras ficciones literarias tienen una gran base histórica y resemblanza en varias mitologías clásicas que la autora ha reconocido, y esto queda más claro que nunca en 'Balada de pájaros cantores y serpientes'.Con motivo de su estreno, repasamos algunos de los precedentes en celuloide que han servido de inspiración para construir este complejo Panem cinematográfico, desde épicas fantasías urbanas en el cine mudo al género peplum, pasando por masacres en japón, la ciencia ficción de George Lucas o el cine bélico.Director: Fritz Lang. Reparto: Gustav Fröhlich, Brigitte Helm, Alfred Abel, Rudolf Klein-Rogge, Fritz Rasp.Las rebeliones de las clases oprimidas no son nada nuevo en el cine distópico, pero en 'Los Juegos del hambre' se ensalza el carácter obrero de los distritos de tal manera que casi se recupera el universo de la obra maestra muda de Lang. Un mundo de una alegoría casi literal, donde los ricos viven en palacios de placer mientras los pobres mueven los engranajes de la ciudad con sangre y sudor. La figura de María como profeta y unidad de los distintos grupos de trabajadores es un reflejo de la heroína de Sinsajo.Disponible en FilminDirector: Mervyn LeRoy. Reparto: Robert Taylor, Deborah Kerr, Peter Ustinov.Esta épica de casi tres horas es una fantástica visión del funcionamiento del imperio romano y el capitolio, con las atrocidades de Nerón como símbolo de una superpotencia que empieza a dar muestras de corrupción tal y como plantea la ficción de Suzanne Collins. La figura de los cristianos como grupo de esclavos rebelde y oculto que además son llevados a la arena para ser devorados por leones para solaz del pueblo. Incluso tienen sus propios símbolos para reconocerse (el pez aquí es el equivalente del sinsajo).Disponible en alquiler en Amazon PrimeDirector: Silvio Amadio. Reparto: Bob Mathias, Rosanna Schiaffino, Alberto Lupo, Rik Battaglia, Susanne Loret.La mitología de la Grecia clásica es una de las inspiraciones reconocidas de la saga, desde la imaginería (Katniss y su arco como Diana, los mutos como los monstruos de las leyendas) a la afición de los Griegos de complacer a los dioses regalándoles a sus hijos (los tributos) para su entretenimiento sádico y sacrificio. Esta es una de las pocas versiones del mito de Teseo, el tributo que se rebela y se carga el juego desde dentro. Un entretenido y barato Peplum italiano, que se toma la leyenda a su manera.Director: Stanley Kubrick. Reparto: Kirk Douglas, Tony Curtis, Laurence Olivier, Peter Ustinov, Charles Laughton.Todo el universo de 'Los juegos del hambre' tiene su base en el pan y circo romano. Los espectáculos salvajes del coliseo y los esclavos forzados a luchar contra sus amigos en la arena como forma de entretener al pueblo. Los vicios de un imperio que normaliza y acepta el consumo del sadismo. La revolución de los esclavos liderada por un gladiador fugitivo es la misma que encabeza Katniss, la guerrera que se vuelve demasiado popular para el gusto de Snow, nuestro emperador romano en el Panem.Crítica en Espinof | Disponible en FilminDirector: George Lucas. Reparto: Robert Duvall, Donald Pleasence, Don Pedro Colley.Dentro de la ciencia ficción de distopías con gobiernos totalitarios y sociedades vestidas de uniformes cool, esta parábola de George Lucas fue más importante de lo que la subsiguiente Star Wars nos dejó ver. El director mostraba policías con casco maltratando a abnegados ciudadanos. Tanto se parecen a los “pacificadores” del Panem que incluso se rueda de la misma forma documental a las tropas sometiendo a la población. THX 1138 hace el mismo hincapié que 'La fuga de Logan' en la juventud arrebatada por un sistema jerárquico.Crítica en Espinof | Disponible en alquiler en AmazonDirector: George Lucas. Reparto: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher.Rebeldes contra imperio. ¿Fácil, no? Bueno, ¿qué blockbuster scifi no está influenciado por Star Wars? Sí, pero además, en la saga del hambre vemos referencias visuales más claras. El imperio y su estética nazi, (esos pacificadores de armadura blanca y negra cual soldados del imperio), Katniss encontrando su distrito arrasado como Luke encontraba Tatooine. La estrella de la muerte y el artefacto (la arena) de En llamas. Peeta camuflado como roca como la cara de Han solo en carbonita y luego capturado y rescatado en la tercera parte son solo notas aisladas de paralelismos de guion mas profundos.Crítica en Espinof | Disponible en Disney+Director: John Milius. Reparto: Patrick Swayze, C. Thomas Howell, Lea Thompson, Charlie Sheen, Darren Dalton.Promilitar, fascistoide, anticomunista… esta distopía juvenil de John Millius puesde ser tachada de todo eso, pero casi nunca se le reconoce su influencia directa en la ficción juvenil distópica de principios de la década pasada. Incluso la exitosa saga “mañana cuando la guerra empiece” es casi un plagio directo. Un puñado de jóvenes que se ven obligados a luchar y a matar. Un subgénero, el de dejar de ser niño, bañado en violencia que comparte una semilla que va desde 'El señor de las moscas' al propio remake de ésta en 2012. Curiosamente, éste fue realizado justo en plena ebullición del subgénero y también incluía en su reparto al intérprete de Peeta Mellar en 'Los juegos del hambre'.Crítica en Espinof | Disponible en FilminDirector: Paul Verhoeven. Reparto: Casper Van Dien, Dina Meyer, Denise Richards, Clancy Brown.Ver 'Starship Troopers' es lo más parecido a ser un ciudadano del Panem y seguir los juegos del hambre en televisión. Es como una emisión de propaganda que celebra la ciudadanía, ser parte de esa sociedad militarizada y fascista, siempre orgullosa de su política imperialista. Durante la proyección tenemos anuncios y noticias reales tan locos que sólo pueden darse en una sociedad tóxica y de constante manipulación. Una forma de sátira brillante que enlaza con la desensibilización y complicidad de los espectadores, las imágenes de la guerra (incluso prevee las guerras de Irak y Afganistán, también esta inspiración de 'Los juegos del hambre').Crítica en Espinof | Disponible en Disney+Director: Kenta Fukasaku, Kinji Fukasaku. Reparto:Tatsuya Fujiwara, Ayana Sakai, Riki Takeuchi, Ai Maeda.Si, se ha comentado mucho las similitudes entre la primera 'Battle Royale' y la primera 'Los juegos del hambre', pero no se suele comentar la influencia de la radical secuela del hit nipón. Una propuesta totalmente diferente, con los supervivientes de la primera grabando y emitiendo videos de propaganda y atentados contra el mundo de los adultos. Ambiguas connotaciones de terrorismo adolescente y género bélico que encuentran más de una similitud evidente en el estrato revolucionario de Sinsajo.Disponible en alquiler en MicrosofDirector: James McTeigue. Reparto: Natalie Portman, Hugo Weaving, Stephen Rea, John Hurt.Si por algo sorprendela saga del Hambre es por el elevado mensaje social encubierto como un inofensivo producto adolescente en la era de la ficción post crepúsculo. En 'V de vendetta' vimos al pueblo volar el parlamento y una sociedad controlada por una suerte de gran hermano Orwelliano que en Sinsajo tiene su correspondencia. En realidad en ambas se citaba '1984', pero V deVendetta es el precedente de Blockbuster político. No son demasiados los productos con mensaje cuasi proterrorista tan explícito cuando hay millones de por medio.Crítica en Espinof | Disponible en HBO MaxDirector: Wes Ball. Reparto: Dylan O'Brien, Thomas Brodie-Sangster, Kaya Scodelario, Will Poulter, Ki Hong Lee.A menudo se ignora el impacto que tuvo ‘Los juegos del hambre’ en el mercado literario, con lo que hoy es difícil separar distopías como esta o ‘Divergente’ del éxito de las novelas de Suzanne Collins y la subsecuente ola creada por sus adaptaciones. Puede que la más interesante de todas sus ramificaciones fuera esta gymkana de los adolescentes atrapados en un gran laberinto con monstruos que recupera la idea de Teseo y el gusto por la mitología clásica de Collins. Un misterioso complejo de muros y supervivencia que se atrevía con giros y un desarrollo mas propio de las secuelas de ‘Resident Evil’.Crítica en Espinof | Disponible en Disney+En Espinof: |